Gints Zilbalodis: Director de cine y animador independiente
Gints Zilbalodis es un director y animador nacido en Letonia en 1994. Su trabajo se caracteriza por la creación de narrativas visuales minimalistas y contemplativas, con un enfoque destacado en la animación independiente.
Inicio de su carrera
Zilbalodis comenzó a experimentar con la animación desde muy joven, desarrollando un estilo visual singular que combina elementos de diseño sencillo con un fuerte uso de la atmósfera y el sonido.
En sus primeros años, produjo varios cortometrajes animados que llamaron la atención de festivales internacionales.
Obras destacadas
Uno de los trabajos más notables de Zilbalodis es su largometraje de animación “Away” (2019), que fue escrito, dirigido y animado completamente por él.
Esta obra, creada utilizando herramientas digitales, cuenta la historia de un joven que atraviesa un paisaje onírico mientras es perseguido por una misteriosa criatura.
“Away” recibió numerosos premios y fue aclamado por su enfoque innovador y su capacidad para transmitir emociones complejas sin el uso de diálogos.
“Flow”: Su última película
En 2025, Gints Zilbalodis estrena en España su segundo largometraje de animación, “Flow“, distribuido por Adso Films y Filmin.
El estreno está programado para el 24 de enero de 2025, llevando a los cines españoles una historia postapocalíptica protagonizada por un gato que navega por un mundo inundado.
La película destaca por su ausencia de diálogos, apostando por una narrativa visual y sonora que involucra al espectador de manera inmersiva.
Según la reseña publicada en el blog “Hola Soy Ramón” (holasoyramon.com), “Flow” logra crear una atmósfera cautivadora gracias a su diseño sonoro y visual, convirtiéndola en una experiencia cinematográfica única dentro del panorama de la animación independiente.
“Flow” ha obtenido diversos galardones internacionales, entre los que destacan:
Globo de Oro a la Mejor Película de Animación (2025): Primera producción letona en recibir este prestigioso premio.
Gran Premio del Jurado en el 21º Festival de Cine de Sevilla (2024): Reconocimiento a su innovador enfoque visual y narrativo.
Premios en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (2024): Incluyendo el Premio del Jurado y el Premio del Público.
Nominación a Mejor Película Europea en los Premios Goya (2025): Representando la animación independiente en la industria cinematográfica europea.
Además, “Flow” ha sido seleccionada como la candidatura oficial de Letonia para los Premios Oscar 2025 en la categoría de Mejor Película Internacional, consolidando la reputación internacional de Zilbalodis como cineasta.
Estilo y técnica
El estilo de Zilbalodis se distingue por su enfoque minimalista, con paisajes amplios y personajes estilizados que enfatizan la narrativa visual.
Sus obras suelen explorar temas como la soledad, la conexión humana y el viaje como experiencia transformadora.
Además, utiliza la música y el diseño sonoro como elementos clave para sumergir al espectador en sus historias.
Reconocimientos
La producción y recepción de “Flow” han consolidado a Gints Zilbalodis como una figura clave en el panorama de la animación contemporánea.
Con su innovador uso de recursos visuales y narrativos, y su apuesta por la producción independiente, ha captado la atención de críticos y públicos de todo el mundo.
Actualidad
Gints Zilbalodis sigue trabajando en proyectos de animación independientes, explorando nuevas formas de narrativa visual y expandiendo los límites de lo que se puede lograr con un enfoque de producción individual.
Su dedicación al arte de la animación lo ha convertido en una figura importante dentro de la comunidad de cineastas independientes.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Chloé Wallace, nacida en Madrid en 1994, es una directora, guionista y fotógrafa hispano-estadounidense. Ha trabajado en diversos proyectos dentro de la industria audiovisual española e internacional.
Formación profesional
Wallace creció en la sierra madrileña y mostró interés por las artes desde temprana edad.
Estudió Media & Communications en Goldsmiths University of London y completó un Máster en Escritura y Dirección en NYU Grad Film, donde fue becaria Willard TC. Johnson y Maurice Kanbar Scholar.
Trayectoria profesional
Wallace comenzó su carrera en fotografía y dirección de videoclips, colaborando con artistas como Shura y Fangoria.
En 2017, fue reconocida en el Festival Comercial de Berlín como Mejor Directora y Mejor Artista Emergente.
Su cortometraje “Deseo” (2019) fue seleccionado en festivales internacionales como el Palm Springs International ShortFest y el Maryland Film Festival.
Proyectos recientes
En 2023, Wallace dirigió la miniserie de Netflix “Un cuento perfecto“, basada en la novela de Elísabet Benavent. La serie tuvo amplia difusión en la plataforma.
Ese mismo año, Wallace dirigió su primer largometraje, “Mala influencia“, una adaptación de la webnovela de Wattpad escrita por “teensspirit”.
El rodaje se llevó a cabo en la Comunidad Valenciana y en los estudios de la Ciudad de la Luz en Alicante.
Publicación literaria
En 2023, Wallace publicó su primer libro, “Hola, Stranger“, editado por LAVA, en el que aborda temas relacionados con su vida personal y profesional.
Colaboraciones familiares
Wallace ha expresado su intención de trabajar con su hermana, la actriz Nicole Wallace, en futuros proyectos.
Actualidad
Chloé Wallace continúa desarrollando su carrera en la industria audiovisual con nuevos proyectos en marcha.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Analizamos La Semilla de la Higuera Sagrada y hablamos con la productora de La Infiltrada
17/01/2025
Esta semana contamos con la visita de Ricardo y Manolo, del prestigioso podcast de cine Destino Arrakis, quienes nos acompañan para comentar los estrenos que llegan a los Multicines Guadalajara.
Entre las novedades destaca Babygirl, dirigida por Halina Reijn, en la que Nicole Kidman protagoniza un thriller erótico que explora la libertad sexual femenina desde una perspectiva provocativa.
También llega La semilla de la higuera sagrada, una película de Mohammad Rasoulof que retrata la represión en Irán a través de una familia fracturada por el fanatismo y la paranoia.
En el género terror, Hombre lobo, de Leigh Whannell, ofrece una mirada moderna a la clásica leyenda, con un enfoque… inquietante.
Por otro lado, para los más pequeños, Norbert, de José Corral, presenta una historia animada sobre un torpe espía en una tierra llena de caos y color.
Además, Javier P. entrevista a la productora María Luisa Gutiérrez, la gran impulsora de La Infiltrada, un proyecto que lideró desde su concepción hasta su realización y que ha sido la segunda película más taquillera de 2024 y conseguido 13 nominaciones a los Goya, entre ellas la de mejor película.
Gutiérrez es además responsable de numerosos éxitos de taquilla con Bowfinger Int. Pictures.
La entrevista completa, en el minuto 27 del programa.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Una ejecutiva empoderada (kidman), con un marido que es un amor (Banderas), siempre ha tenido anhelos de ser dominada. Llega un chico malo a la oficina (Dickinson), se la camela y le da lo que ella tanto desea.
Ta se sabe: siempre se desea lo que no se tiene.
Hay una sucesión de supuestas escenas eróticas que solo me provocan somnolencia.
Detrás se esconde, como en otras producciones parecidas, que parecen estar de moda, en que las chicas del siglo XXI quieren ser oprimidas por chicos malos pero guapos, lo que decía… se esconde la idea de hacer un lavado con aclarado y centrifugado del machismo más rancio, intentando salvar los papeles poniendo a una mujer como directora.
Sencillamente repugnante.
Pero además de todo esto la película es terriblemente aburrida.
Me asombra que se haya hablado de la estupenda interpretación de Nicole Kidman que con su cara acartonada por la cirugía y el Botox tan apenas puede intentar simular alguna mueca.
Me alegra ver que Banderas es tenido en cuenta en producciones de Hollywood.
Con intenciones modestas y sin grandes innovaciones.
Tal vez, lo más interesante es trasladar esta terrorífica tragedia al ámbito familiar.
Un padre de familia esconde en su interior esos miedos de su infancia que le infundía su tóxico padre.
Al enterarse de su muerte va a sentir la necesidad de volver a los lugares de su infancia. Regresar a su Oregón natal desencadenará unos sucesos fatídicos.
Es como si nuestro protagonista no pudiera escapar de la llamada de la sangre y de un destino trágico.
El meollo de la historia se desarrolla durante una noche de enfermedad, violencia y sangre (la noche más oscura).
Dentro de su modestia la película da lo que promete, con bastante tensión en un buen puñado de secuencias.
La aparentemente frágil Julia Garner, demuestra ser un loba cuando las circunstancia se lo requieren. La admiro desde su intervención en la estupenda serie Ozark.
Blumhouse Productions es una de las compañías de producción cinematográfica más influyentes en el género de terror contemporáneo.
Fundada en 2000 por Jason Blum, ha redefinido las reglas del cine de bajo presupuesto al combinar producciones modestas con una distribución amplia, generando enormes retornos financieros y consolidando su marca como sinónimo de éxito en el horror.
Los inicios y la filosofía de producción
Blumhouse comenzó como un proyecto personal de Jason Blum, quien anteriormente había trabajado en Miramax.
La filosofía central de la compañía es producir películas con presupuestos limitados, generalmente por debajo de los 10 millones de dólares, lo que permite minimizar riesgos financieros y otorgar mayor libertad creativa a los directores. Esta estrategia también asegura que incluso las películas con recepción mediocre sean rentables.
Un ejemplo paradigmático de esta filosofía esParanormal Activity(2007), una película producida con apenas 15.000 dólares que recaudó más de 190 millones a nivel mundial. Este éxito catapultó a Blumhouse al centro de la industria cinematográfica y estableció el modelo que seguiría replicando en adelante.
Impacto en el género de terror
Blumhouse ha sido clave en la revitalización del cine de terror, apostando por narrativas innovadoras y directores emergentes.
La compañía ha producido franquicias icónicas como Insidious, The Purge y Sinister, que combinan elementos sobrenaturales, tensión psicológica y comentarios sociales.
En 2017, Blumhouse consolidó su prestigio crítico con el estreno de Get Out, dirigida por Jordan Peele. La película, que combina el terror con una incisiva crítica social sobre el racismo en Estados Unidos, fue un éxito rotundo, recaudando 255 millones de dólares con un presupuesto de solo 4.5 millones. Además, obtuvo cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película, y ganó el premio al Mejor Guion Original.
Películas más taquilleras
Blumhouse Productions ha logrado varios éxitos de taquilla con sus producciones de bajo presupuesto. Entre las más destacadas están:
Paranormal Activity (2007): Con un presupuesto de 15.000 dólares, recaudó más de 190 millones a nivel mundial.
Get Out(2017): Recaudó 255 millones de dólares con un presupuesto de 4.5 millones.
Split (2016): Dirigida por M. Night Shyamalan, esta película tuvo un presupuesto de 9 millones y recaudó 278 millones a nivel global.
Halloween (2018): Una continuación directa del clásico de 1978, recaudó más de 255 millones con un presupuesto de 10 millones.
The Purge: Election Year (2016): Parte de la exitosa franquicia The Purge, recaudó 118 millones con un presupuesto de 10 millones.
Diversificación y expansión
Aunque el terror sigue siendo su principal género, Blumhouse ha explorado otros formatos y temáticas. Producciones como Whiplash(2014), un drama sobre la obsesiva búsqueda de la perfección musical, demostraron que la compañía podía triunfar fuera del género de horror. Whiplash fue nominada a cinco premios Oscar y ganó tres, incluyendo Mejor Actor de Reparto para J.K. Simmons.
Blumhouse también ha incursionado en la televisión, produciendo series como The Purge y Into the Dark, y ha firmado acuerdos de distribución con plataformas de streaming como Amazon Prime Video, ampliando su alcance a audiencias globales.
Controversias y críticas
A pesar de sus éxitos, Blumhouse ha enfrentado críticas por su enfoque en franquicias que, según algunos, priorizan el beneficio comercial sobre la calidad artística.
Algunas secuelas y spin-offs de sus películas más populares han sido consideradas repetitivas o de menor calidad. Además, Jason Blum fue objeto de controversia en 2018 por comentarios percibidos como insensibles hacia las mujeres directoras en el género de terror, aunque posteriormente se disculpó y promovió mayor diversidad en sus proyectos.
Legado y futuro
Blumhouse Productions ha dejado una marca indeleble en la industria del cine, no solo por sus logros comerciales sino también por democratizar el acceso a la dirección cinematográfica. Al reducir los riesgos financieros, Blumhouse ha permitido que cineastas emergentes experimenten con ideas novedosas, redefiniendo cómo se producen y consumen las películas de terror.
En el futuro, la compañía planea continuar expandiendo su presencia en el streaming y explorando géneros nuevos, asegurando que su influencia siga siendo relevante en una industria en constante evolución.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Elena López Riera me sorprendió con su anterior película El agua, por una estupenda dirección de actrices y por componer un film muy interesante.
Aquí nos ofrece este mediometraje documental sobre la generación de su madre que fueron al matrimonio como salida natural e incuestionable de su existencia.
Las protagonistas confiesan ante las cámaras sus anhelos frustrados, sus deseos sexuales, sus maternidades…
Se ve claramente esa brecha generacional incontestable entre las chicas de la edad de la directora y sus madres.
La película está llena de verdad y de declaraciones que se mueven entre lo sorprendente y lo inaudito, ninguna tiene desperdicio.
En la posguerra los gobiernos del Caudillo crearon el Patronato de Protección a la Mujer para enderezar a las jóvenes descarriadas. Eran chicas rebeldes, que intentaban ser modernas, lesbianas…
Mariona nos relata con desparpajo, pero con amargura, como fue su detención y su vida en estos correccionales regentados por monjitas.
Una historia espeluznante del terror institucional hacia la mujer.
Mi puntuación: 7,66/10.
Dirigido por Sofia Esteve Santonja, Marina Freixa Roca, Isa Luengo:
Tal vez, esta producción sea la película más personal de su directora, la siempre controvertida Pilar Miró.
Está fuera de toda duda, que recoge gran parte de su biografía y que la estupenda Mercedes Sampietro es su alter ego.
Cuando la vi en su estreno la defendí a muerte ante todas las críticas. Me pareció una obra personal, valiente, que no dudaba en ponerse a sí misma en cuestión y que planteaba sus difíciles relaciones con los hombres en un país profundamente machista.
Ahora en este nuevo visionado la encuentro demasiados defectos. Hay planos desenfocados, un abuso abrumador de los primeros planos, secuencias innecesarias narrativamente y un aire excesivamente teatral con algunas actuaciones impostadas.
Siempre es un placer ver en pantalla a Agustín González uno de los más grandes actores que ha dado el cine patrio, el que mejor se cabreaba delante de las cámaras. Por cierto el día 16 se cumplieron 20 años de su fallecimiento.
También me ha chirriado el doblaje de los diálogos, que aunque era muy habitual en la época, aquí se nota demasiado.
En cualquier caso una estupenda elección que nos ha permitido, en nuestro coloquio, comentar su trascendente paso por sus puestos políticos.
Mi puntuación: 6,46/10.
Dirigido por Pilar Miró:
Pilar Miró: La cineasta que transformó el audiovisual español
Pilar Miró Romero (1940-1997) fue mucho más que una directora de cine y televisión; fue una figura clave en la modernización del panorama audiovisual español durante las décadas finales del siglo XX.
Su legado abarca una filmografía intensa y comprometida, un paso trascendental por la dirección de RTVE y una etapa como Directora General de Cinematografía, donde promulgó la conocida “Ley Miró”.
Pero, ¿quién fue realmente Pilar Miró, y cómo logró dejar una huella tan profunda en la industria del cine?
Los primeros pasos: biografía de una pionera
Nacida en Madrid en 1940, Pilar Miró creció en una España marcada por las restricciones de la posguerra.
Desde muy joven mostró una inclinación por las artes y, en particular, por el cine.
Estudió en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, donde desarrolló una visión crítica y personal que pronto destacó en un entorno dominado mayoritariamente por hombres.
Su obra como guionista y directora no tardó en llamar la atención por su sensibilidad y capacidad para explorar temáticas complejas.
Desde sus primeros proyectos, Miró se posicionó como una voz singular, interesada en ahondar en los conflictos humanos y sociales.
Filmografía: exploración de lo humano
Pilar Miró dirigió varias películas que marcaron hitos en la cinematografía española.
Entre ellas destacan:
“La petición” (1976): Su primer largometraje basado en una obra de teatro de Emilio Romero. Fue un drama de época que mostró su capacidad para manejar relatos complejos y la dirección de actores. Aunque tuvo una recepción crítica moderada, estableció su reputación como una realizadora seria.
“El crimen de Cuenca” (1980): Una obra polémica que denuncia las injusticias del sistema judicial franquista. La película fue censurada inicialmente por su crítica abierta, pero se convirtió en un símbolo de la lucha por la libertad de expresión. Finalmente se estrenó en 1981, obteniendo una gran acogida en taquilla con más de dos millones de espectadores y consolidándose como uno de los grandes éxitos del cine español de la transición.
El problema judicial de “El crimen de Cuenca“
El estreno de “El crimen de Cuenca” estuvo rodeado de controversia y marcó un hito en la historia del cine español.
La película, basada en un caso real ocurrido en la década de 1910, denunciaba la tortura y las irregularidades judiciales cometidas durante la dictadura de Primo de Rivera, elementos que Pilar Miró trasladó al contexto del franquismo para subrayar su relevancia histórica.
Antes de su estreno, el filme fue secuestrado judicialmente por orden del Ministerio de Cultura, argumentando que atentaba contra la imagen de las fuerzas de seguridad del Estado. Esta medida provocó una oleada de protestas tanto en el ámbito cultural como político, al considerarse un acto de censura impropio de la recién estrenada democracia española.
Pilar Miró fue procesada judicialmente por injurias y calumnias hacia la Guardia Civil, enfrentándose a un juicio mediático que buscaba desacreditarla.
La directora defendió en todo momento la legitimidad de su obra, argumentando que estaba basada en hechos documentados y que su intención era exponer una verdad histórica para fomentar el debate sobre los abusos de poder.
Tras meses de tensiones legales y sociales, el Tribunal Supremo absolvió a Miró y autorizó el estreno de la película en 1981.
El éxito en taquilla y la recepción crítica de “El crimen de Cuenca” evidenciaron el apoyo popular hacia su mensaje y consolidaron a Pilar Miró como una voz valiente dentro del cine español.
Este episodio no solo marcó su carrera, sino que simbolizó la lucha por la libertad de expresión en el ámbito cultural durante los primeros años de la democracia.
“Gary Cooper, que estás en los cielos” (1980): Probablemente su trabajo más personal, esta película reflexiona sobre el paso del tiempo, las relaciones humanas y la necesidad de reconciliación con el pasado. Aunque no fue un gran éxito de taquilla, la película fue aclamada por la crítica y obtuvo el premio a Mejor Actriz para Mercedes Sampietro en el Festival de Cine de Montreal.
“Hablamos esta noche” (1982): Una historia intimista que aborda el conflicto generacional y las tensiones familiares. Aunque tuvo una distribución limitada, fue destacada por su guion y la profundidad psicológica de los personajes.
“Werther” (1986): Inspirada en la obra de Goethe, esta película explora los dilemas emocionales y morales de un joven atrapado en una intensa pasión. Aunque no fue un éxito comercial, la película recibió elogios por su dirección artística y su sensibilidad narrativa.
“El pájaro de la felicidad” (1993): Una reflexión profunda sobre la búsqueda de la felicidad y las relaciones humanas, protagonizada por Mercedes Sampietro. La película fue bien recibida por la crítica, destacando por su tratamiento visual y emocional.
“El perro del hortelano” (1996): Adaptación de la comedia de Lope de Vega, esta película fue un triunfo rotundo que combinó el clasicismo del texto original con una estética moderna y vibrante. Fue galardonada con siete premios Goya, incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección, consolidando a Pilar Miró como una de las grandes directoras del cine español.
“Tu nombre envenena mis sueños” (1996): Una adaptación de la novela de Joaquín Leguina, esta película marcó su última obra en la gran pantalla. Aunque no logró el mismo impacto que sus producciones anteriores, reafirmó su talento para explorar las emociones humanas y los dilemas éticos.
“Gary Cooper, que estás en los cielos”: el corazón de su obra
Esta película, basada en la novela homónima de Juan Madrid, es un retrato intimista de una mujer en plena crisis existencial.
El personaje de Andrea Soriano, interpretado magistralmente por Mercedes Sampietro, es una directora de cine que revisita sus recuerdos y sus fracasos mientras enfrenta una enfermedad terminal.
El filme destaca por su estructura narrativa, donde los saltos temporales y el uso de la voz en off construyen un relato profundamente emocional.
Miró volcó en esta película aspectos de su propia vida, creando una obra que se siente honesta y universal al mismo tiempo.
A pesar de su modesto resultado en taquilla, “Gary Cooper” fue alabada por su guion y la interpretación de su protagonista, que fue premiada en varios festivales internacionales.
Pilar Miró al frente de RTVE: modernización y controversias
En 1986, Pilar Miró fue nombrada directora general de Radiotelevisión Española (RTVE).
Durante su gestión, se propuso modernizar los contenidos y la estructura de la televisión pública, apostando por producciones de alta calidad y fomentando el desarrollo de la cultura en la pequeña pantalla.
Entre sus logros destacan la introducción de programas culturales y la renovación de la imagen corporativa de RTVE.
Sin embargo, su mandato no estuvo exento de polémica.
Fue criticada por sus decisiones presupuestarias y por el conocido “Caso de los trajes”, que la acusó injustamente de malversación. A pesar de ser absuelta, este episodio marcó su trayectoria.
Pilar Miró y su contribución a la televisión
Además de su labor en RTVE, Pilar Miró dejó una huella significativa en la producción televisiva.
Fue responsable de adaptar obras clásicas de la literatura y el teatro para la pequeña pantalla, como parte de su compromiso con la difusión cultural.
Entre sus trabajos más destacados están las producciones de alta calidad que combinaban rigor artístico y valor educativo.
Su capacidad para trasladar historias complejas a formatos televisivos accesibles la consolidó como una innovadora dentro del medio.
La Ley Miró: un antes y un después en el cine español
En 1982, Pilar Miró asumía el cargo de Directora General de Cinematografía, donde implementó la llamada “Ley Miró”.
Esta normativa tenía como objetivo fomentar la calidad del cine español mediante un sistema de subvenciones públicas.
La ley buscaba priorizar los proyectos con un valor artístico y cultural, dejando en un segundo plano el cine de carácter comercial.
Aunque su intención era proteger el cine de autor y elevar el nivel de la producción nacional, la ley generó un intenso debate.
Antes de la Ley Miró, en España predominaba una industria de cine popular que producía películas de bajo presupuesto, conocidas como “cine de destape”, comedias ligeras y spaghetti westerns, que a pesar de su simplicidad lograban grandes éxitos en taquilla y empleaban a miles de trabajadores.
Tras la entrada en vigor de la Ley, las películas comerciales de este tipo comenzaron a desaparecer paulatinamente, dando paso a un cine más orientado al arte y a la exploración temática.
Esto permitió que surgieran producciones como las de Carlos Saura y Pedro Almodóvar, reconocidas internacionalmente, pero redujo significativamente la cantidad de películas rodadas anualmente.
Por ejemplo, mientras que en 1980 se producían más de 100 largometrajes en España, para finales de la década esa cifra había caído a menos de 60.
Este cambio en la industria tuvo un impacto mixto. Por un lado, mejoró la calidad artística del cine español, que comenzó a recibir premios en festivales internacionales; por otro lado, eliminó muchas de las oportunidades laborales que ofrecía el cine popular, generando críticas desde sectores que veían en la Ley Miró una desconexión con las preferencias del público mayoritario.
Pilar Miró y su vida personal: controversias sobre su sexualidad y la paternidad de su hijo
La vida personal de Pilar Miró estuvo siempre en el punto de mira de los medios de comunicación, especialmente en una época donde el escrutinio público hacia las figuras femeninas era especialmente intenso.
Una de las mayores controversias en torno a su figura fue la especulación sobre su orientación sexual. Aunque Pilar Miró nunca habló abiertamente sobre este aspecto de su vida, los rumores y comentarios al respecto ocuparon titulares durante años. A pesar de ello, siempre se mantuvo firme en no dejar que estas especulaciones afectaran a su carrera profesional.
Otro tema que generó amplio debate fue la paternidad de su hijo Gonzalo. Pilar decidió ser madre soltera en una época en la que esta decisión era poco habitual y generaba rechazo social. Nunca reveló públicamente la identidad del padre de su hijo, lo que dio pie a especulaciones constantes. Sin embargo, esta elección evidenció su carácter valiente y su compromiso con sus propias decisiones, desafiando las normas sociales de su tiempo.
Su relación con Gonzalo siempre fue muy cercana, y su hijo ha hablado en varias ocasiones del profundo amor y admiración que sentía por su madre.
Repercusiones y legado
La Ley Miró transformó el panorama del cine español, estableciendo un modelo de financiación que, aunque controvertido, permitió la realización de numerosas obras de gran calidad. Directores como Carlos Saura y Pedro Almodóvar se beneficiaron de este sistema en sus primeros años.
Sin embargo, el declive de la industria popular y la concentración en proyectos más selectivos dejaron un vacío en la producción de cine accesible al gran público.
El debate sobre la relación entre el arte y el mercado continúa siendo relevante en la industria del cine, y las ideas de Pilar Miró siguen siendo un punto de referencia para comprender los retos de la producción cinematográfica en España.
El adiós a una visionaria
Pilar Miró falleció en 1997 a los 57 años, dejando un legado imborrable en la cultura española. Su valentía, creatividad y compromiso con la excelencia la convierten en una figura imprescindible para entender la evolución del cine y la televisión en España. Con cada revisión de su obra, se reafirma como una de las grandes pioneras de nuestra historia audiovisual.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Volver a ver esta superproducción en pantalla grande me retrotrae a mi infancia.
Recuerdo que la vi siendo muy niño y luego por avatares de la vida la volví a ver varias veces en reestrenos, en el cine del colegio…
Nunca me divirtió demasiado.
Ahora la veo con los ojos de un adulto y me la tengo que tomar a broma para disfrutarla como se merece.
Todo es falso en esta producción del megalómano Samuel Bronston.
Un guion absurdo que pinta a los yanquis como los héroes, cuando en la Guerra de los Boxers ni pinchaban ni cortaban nada.
Analizada con cierto criterio es una burda representación del poderío imperialista y de la diferencia de clases y de la situación de los primeros mundos representada por esas potencias y el tercer mundo que es China.
Contrasta la pobreza de los indígenas con la opulencia de ese baile organizado para festejar el cumpleaños de la Reina del Reino Unido.
Lo que en los años sesenta se veía normal en España y en Hollywood, ahora es un auténtico escándalo.
Los grandes héroes son los anglosajones. El americano guerrero, tremendo Charlton Heston con su camisa sudada. El elegante inglés que antepone todo a sus principios y al honor del Imperio Británico, un impoluto David Niven.
Los demás cobardes y arribistas.
La condesa Ava Gardner bellísima, pero de pasado oscuro, que recibe un castigo no deseado, pero moralmente merecido. Es lo que tiene ser adúltera. Ya sabes que te van a matar a mitad de película.
No voy a seguir analizando el guion porque sería un no parar.
Todo es cartón piedra en 55 días en Pekín.
La mayoría de los chinos, los soldados ingleses y todos lo figurantes, que por ahí pululan, son reclutas del ejército español.
Impresiona ver a Alfredo Mayo de embajador español.
Hasta la emperatriz china está interpretada por Flora Robson una actriz británica.
Nadie tenía ni el más mínimo interés en dar credibilidad a un film que solo pretendía entretener y que con los años se ha convertido en una broma, que hay que tomársela a risa.
Mi puntuación: 6,32/10.
Dirigido por Nicholas Ray:
Nicholas Ray: Un Visionario del Cine Americano
Nicholas Ray (1911-1979) es recordado como uno de los grandes directores de la “edad de oro” del cine estadounidense, cuyo enfoque visionario y estilo profundamente personal marcaron a generaciones de cineastas.
Nacido como Raymond Nicholas Kienzle en Galesville, Wisconsin, Ray comenzó su carrera artística en el mundo del teatro y la radio antes de adentrarse en el cine.
Inicios y Trayectoria
Ray estudió arquitectura bajo la tutela de Frank Lloyd Wright, lo que influyó en su sentido visual y su atención al espacio en sus películas.
Durante los años 30, trabajó en teatro junto a Elia Kazan y el Grupo de Teatro, lo que consolidó su interés en narrativas humanas complejas y socialmente relevantes.
Más tarde, Ray trabajó para la Oficina de Información de Guerra durante la Segunda Guerra Mundial, produciendo cortometrajes educativos y propagandísticos.
En 1947, Ray debutó como director con They Live by Night (Los amantes de la noche), un melodrama noir que destacó por su empatía hacia los personajes marginados y su innovador uso de la cámara. Este enfoque único sería una constante en su obra.
Obras más Destacadas
Nicholas Ray dirigió una serie de películas que desafiaron las convenciones de su tiempo y exploraron temas de alienación, rebeldía y complejidad emocional.
Entre sus títulos más icónicos se encuentran:
In a Lonely Place (En un lugar solitario, 1950): Un intenso drama protagonizado por Humphrey Bogart, que explora la fragilidad de las relaciones y los conflictos internos.
Johnny Guitar (1954): Un western atípico, conocido por sus dinámicas de poder entre mujeres fuertes y su subtexto político en pleno auge del macarthismo.
Rebel Without a Cause (Rebelde sin causa, 1955): Posiblemente su obra más famosa, esta película definió a James Dean como icono cultural y exploró la angustia adolescente con una profundidad inédita hasta entonces.
Ray también abordó temas históricos y épicos, como en 55 Days at Peking (55 días en Pekín, 1963), un proyecto que, aunque monumental, estuvo marcado por serias dificultades.
Problemas de Salud en 55 Días en Pekín
Durante el rodaje de 55 días en Pekín, una superproducción ambientada en la Rebelión de los Bóxers, Ray enfrentó graves problemas de salud.
El intenso estrés, combinado con su lucha contra el alcoholismo y problemas cardíacos, lo llevaron a abandonar el set antes de finalizar la película.
La producción continuó bajo la dirección de Andrew Marton y Guy Green, pero la ausencia de Ray marcó un punto de inflexión en su carrera, que nunca recuperó el mismo nivel de reconocimiento tras este episodio.
Legado
Nicholas Ray murió en 1979, dejando tras de sí un legado inigualable.
Su enfoque en personajes vulnerables, su habilidad para capturar emociones humanas complejas y su innovación visual han inspirado a directores como Jean-Luc Godard, Martin Scorsese y Wim Wenders.
Este último incluso colaboró con Ray en Lightning Over Water(1980), un documental que retrata los últimos días del cineasta.
En retrospectiva, el cine de Nicholas Ray sigue resonando por su autenticidad emocional y su capacidad para desafiar las normas, consolidándolo como una figura esencial en la historia del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Dimitri Tiomkin:
Dimitri Tiomkin: El Genio Musical Detrás de la Épica Cinematográfica
Dimitri Tiomkin (1894-1979) fue uno de los compositores más prolíficos y aclamados de la historia del cine.
Con una carrera que abarcó décadas, Tiomkin dejó una huella imborrable en el séptimo arte gracias a su capacidad para capturar la esencia emocional y narrativa de las películas a través de la música.
Entre sus muchas contribuciones, destaca su trabajo en la película épica55 Days at Peking (55 días en Pekín, 1963), donde su talento jugó un papel crucial para dar vida a la historia.
Orígenes y Trayectoria
Nacido en Kremenchuk, en el entonces Imperio Ruso (hoy Ucrania), Tiomkin fue criado en una familia que valoraba profundamente la música. Su madre era profesora de piano y su padre, médico.
Dimitri demostró un talento excepcional para el piano desde temprana edad, formándose en el Conservatorio de San Petersburgo bajo la tutela de reconocidos músicos como Alexander Glazunov.
Tras la Revolución Rusa, Tiomkin emigró primero a Berlín y luego a Estados Unidos, donde encontró un nicho como pianista y compositor.
En los años 30, comenzó a trabajar en Hollywood, estableciéndose rápidamente como uno de los compositores más demandados gracias a su habilidad para fusionar elementos sinfónicos europeos con las necesidades narrativas del cine estadounidense.
Colaboraciones Destacadas
Tiomkin trabajó con algunos de los directores más importantes de su época, incluyendo Frank Capra (It’s a Wonderful Life), Alfred Hitchcock (Strangers on a Train) y Howard Hawks (Red River).
Su capacidad para adaptarse a diferentes géneros le permitió brillar en comedias, westerns, thrillers y dramas.
Obtuvo cuatro premios Oscar, destacándose por su trabajo en películas comoHigh Noon (Solo ante el peligro, 1952) y The High and the Mighty (1954).
Además, fue un maestro en la creación de temas principales inolvidables, que a menudo se convirtieron en éxitos populares más allá de las películas para las que fueron creados.
Dimitri Tiomkin y 55 Días en Pekín
En 1963, Tiomkin asumió el reto de componer la banda sonora de55 Days at Peking, una superproducción dirigida inicialmente por Nicholas Ray.
La película narra los eventos de la Rebelión de los Bóxers en China a principios del siglo XX, centrándose en el asedio a las legaciones extranjeras en Pekín.
Tiomkin se enfrentó al desafío de capturar la monumentalidad de la historia y la diversidad cultural de los eventos representados.
La Banda Sonora
La música de Tiomkin para 55 días en Pekín es un testimonio de su maestría como compositor.
Mezcló temas épicos y heroicos con elementos musicales que evocaban la cultura china, aunque filtrados a través de una sensibilidad hollywoodense.
Esta combinación permitió que la música actuara como un puente entre Oriente y Occidente, reflejando el conflicto y la colaboración entre las diferentes culturas que retrata la película.
Uno de los momentos más destacados de la banda sonora es el tema principal, una composición vibrante y majestuosa que encapsula la tensión y la grandeza de la narrativa. Interpretado por orquestas sinfónicas de gran escala, el tema se convirtió en una pieza emblemática del cine épico de los años 60. Además, Tiomkin compuso “So Little Time,” una canción melancólica que refuerza el tono emocional de la película.
Colaboración en Condiciones Difíciles
El rodaje de55 días en Pekínestuvo plagado de problemas.
Nicholas Ray tuvo que abandonar la dirección debido a problemas de salud, lo que dejó el proyecto en manos de otros cineastas.
A pesar de estas dificultades, Tiomkin se mantuvo comprometido con su visión musical, demostrando su profesionalismo y pasión.
La producción también se caracterizó por la escala masiva de los escenarios y el elenco, lo que requería que la música desempeñara un papel unificador.
Tiomkin cumplió esta función con creces, asegurando que su banda sonora no solo acompañara la acción, sino que también elevase las emociones y el impacto narrativo.
Legado de la Banda Sonora
Aunque la película no tuvo el éxito crítico y comercial esperado, la banda sonora de Tiomkin fue ampliamente elogiada.
Su trabajo en55 días en Pekínes considerado uno de los puntos altos de su carrera y un ejemplo brillante de cómo la música puede enriquecer una película, incluso en medio de desafíos de producción.
Contribuciones al Cine
Dimitri Tiomkin no solo fue un compositor talentoso, sino también un innovador que ayudó a definir cómo debía integrarse la música en el cine.
Fue uno de los primeros en reconocer el potencial de las bandas sonoras como productos independientes, popularizando la práctica de lanzar álbumes con las músicas de sus películas.
Además, su enfoque cosmopolita y su habilidad para combinar estilos musicales diversos lo convirtieron en un puente entre las tradiciones europeas y las necesidades narrativas de Hollywood.
Su influencia sigue vigente, inspirando a generaciones de compositores cinematográficos.
Conclusión
Dimitri Tiomkin fue mucho más que un compositor; fue un narrador musical que entendió cómo traducir emociones e historias en sonidos.
Su trabajo en 55 Days at Peking es un ejemplo perfecto de su genio, reflejando tanto la majestuosidad como las complejidades de la narrativa épica. A través de su legado, Tiomkin continúa ocupando un lugar privilegiado en la historia del cine y la música.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
55 días en Pekín: una producción colosal con complicaciones tras las cámaras
La película 55 días en Pekín(1963), dirigida por Nicholas Ray, es un drama histórico ambientado durante la Rebelión de los Bóxers en China a principios del siglo XX.
Protagonizada por Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven, la película narra los eventos ocurridos durante el sitio a las delegaciones extranjeras en Pekín en 1900.
Aunque se trata de una de las producciones más ambiciosas de Samuel Bronston, el rodaje estuvo plagado de complicaciones, tanto logísticas como creativas.
Rodaje en España: un escenario singular
El rodaje principal de 55 días en Pekíntuvo lugar en España, aprovechando los estudios de Samuel Bronston en Las Rozas (Madrid).
En pleno auge de las superproducciones de Hollywood en Europa, España se convirtió en un destino clave debido a sus bajos costes de producción y al apoyo del régimen de Francisco Franco.
Bronston, conocido por su habilidad para gestionar grandes proyectos, recreó la Ciudad Prohibida y las calles de Pekín en escenarios construidos a gran escala, lo que requirió un equipo de decoradores, artesanos y técnicos locales.
El gobierno franquista facilitó apoyo logístico y militar a la producción, proporcionando extras y equipamiento. En un esfuerzo por promover una imagen positiva del país, España no solo se benefició económicamente de la filmación, sino que también buscó fortalecer sus relaciones con Hollywood.
Complicaciones durante el rodaje
El rodaje de 55 días en Pekínestuvo marcado por problemas desde el principio.
Nicholas Ray, el director original, tuvo un colapso nervioso y problemas de salud a mitad de la producción, lo que lo obligó a abandonar el proyecto.
Andrew Marton y Guy Green tomaron las riendas para completar la filmación, pero la falta de coherencia en la dirección afectó el resultado final.
Ava Gardner, quien interpretaba a la aristócrata rusa Natalia Ivanoff, también fue fuente de tensión en el set. Se reportó que sus frecuentes retrasos y problemas personales dificultaron el cronograma de filmación.
Charlton Heston, siempre profesional, tuvo que asumir una carga adicional como líder del reparto.
Otra anécdota notable fue la quema accidental de parte de los decorados durante una escena de acción. Esto retrasó considerablemente la producción y aumentó los costos, que ya habían superado los presupuestos iniciales.
Recepción y éxito en taquilla
Aunque 55 días en Pekín fue ambiciosa en su escala y visualmente impresionante, no logró alcanzar el éxito financiero esperado.
La crítica fue mixta; mientras algunos elogiaron la magnitud de la producción y las interpretaciones de Heston y Niven, otros criticaron la falta de coherencia narrativa y el enfoque excesivamente occidentalizado de la historia.
En taquilla, la película recaudó cifras modestas en comparación con sus altos costos de producción. A pesar de ello, su legado como una de las últimas grandes superproducciones históricas de la época es innegable.
Impacto y anécdotas del rodaje
En la página de IMDb dedicada a la película, se destacan varias curiosidades del rodaje. Una de las más destacadas es que Samuel Bronston ordenó la construcción de los decorados más grandes construidos hasta entonces en Europa, incluyendo una reconstrucción detallada de la muralla de Pekín.
Además, Charlton Heston comentó en sus memorias que el rodaje fue una de las experiencias más extenuantes de su carrera debido a las altas temperaturas y los problemas logísticos. A pesar de todo, la profesionalidad del equipo español fue elogiada por los actores y el equipo de producción.
Conclusión
55 días en Pekínes un ejemplo de las ambiciones y los riesgos de las grandes producciones históricas de mediados del siglo XX. Aunque no logró el impacto económico esperado, su importancia como testimonio de una era de colaboraciones internacionales en el cine y como muestra de la capacidad de España para albergar producciones de gran escala es incuestionable.
La película sigue siendo un recordatorio del arte y las dificultades inherentes a la creación de cine a gran escala.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El maestro Naruse compone una película que cuenta sucesos cotidianos de vidas no demasiado interesantes.
Pero gracias a su saber hacer, construye un relato muy sentimental, muy entrañable y muy interesante.
La figura central es Reiko Morita, a la que da vida Hideko Takamine, una viuda que ha entregado su vida a levantar el pequeño negocio de su suegra.
Sus cuñadas, ejercen como tales y son unas harpías, que quieren deshacerse de ella, cuando el colmado no va bien por irrupción de los modernos supermercados.
Ahí surge el elemento perturbador, una modernidad que contrasta con el estilo tradicional que quiere perpetuar, la anclada en el pasado, Reiko.
El progreso como alterador de un personaje y de un Japón que se resiste a lo nuevo y quiere seguir viviendo apegado a las tradiciones.
Por otro lado el personaje de Koji Morita, interpretado por el actor y cantante Yûzô Kayama, un vago, borrachín que ahoga sus penas en sake. Enamorado hasta las trancas de su cuñada, que se ve tentada a desmelenarse, pero en la que va a primar su apego a la tradición y a la contención de sentimientos.
Cuando ve que su trayectoria vital está rota intenta recuperar sus orígenes volviendo a su pueblo natal, para seguir afincada en sus tradiciones, en sus cadenas morales, en su contención sentimental.
Una película que alberga unas emociones, que están a flor de piel, pero como su protagonista intenta soterrar, lo que nos lleva a la tragedia.
Mikio Naruse (1905-1969) es uno de los directores más influyentes y reconocidos del cine japonés, aunque su nombre no siempre ha alcanzado la misma notoriedad internacional que otros contemporáneos como Akira Kurosawa o Yasujirō Ozu.
Con una carrera que abarcó más de tres décadas, Naruse exploró de manera magistral las complejidades emocionales de sus personajes, centrándose principalmente en las dificultades que enfrentan las mujeres en una sociedad marcada por las tradiciones y los cambios.
Biografía y orígenes
Nacido el 20 de agosto de 1905 en Tokio, Naruse creció en un entorno modesto y comenzó su carrera cinematográfica en 1920 como ayudante en los estudios Shochiku.
Durante sus primeros años, trabajó bajo la influencia de directores como Heinosuke Gosho, lo que marcó su temprano interés por los dramas sociales.
En 1930, debutó como director con La fuerza del amor (Ai wa chikara da), pero fue en los años 50 y 60 cuando consolidó su reputación como uno de los grandes narradores del cine japonés.
Producción artística y estilo cinematográfico
Naruse dirigió más de 80 películas a lo largo de su carrera.
Su cine se caracteriza por un estilo sobrio y contenido, donde los gestos y las miradas suelen transmitir más que los diálogos.
La mayoría de sus historias giran en torno a mujeres enfrentadas a adversidades como la pobreza, el abandono o las estrictas normas sociales.
Este enfoque le permitió captar con gran profundidad psicológica las emociones de sus protagonistas.
Entre sus obras más destacadas se encuentran:
Repast (Meshi) (1951): Un retrato de las tensiones en un matrimonio en decadencia.
Floating Clouds (Ukigumo) (1955): Una historia de amor trágica y desgarradora, considerada su obra maestra.
When a Woman Ascends the Stairs (Onna ga kaidan o agaru toki) (1960): Un análisis profundo sobre las luchas de una mujer soltera en el mundo de los bares de Ginza.
Midareru (1964): un drama sobre la pasión reprimida
Midareru (“Yearning” en inglés) es una de las películas más significativas de Mikio Naruse.
Protagonizada por Hideko Takamine, una de sus actrices más recurrentes y colaboradoras cercanas, la película cuenta la historia de Reiko, una viuda que administra una tienda familiar tras la muerte de su esposo.
La llegada de su cuñado, un hombre más joven que siente una pasión reprimida por ella, desata una serie de conflictos emocionales y sociales que culminan en un desenlace profundamente conmovedor.
Durante el rodaje de Midareru, Naruse fue especialmente meticuloso en su dirección de Takamine, buscando capturar cada matiz de su expresión emocional.
Se dice que el director evitaba explicaciones extensas y prefería confiar en la intuición de sus actores, lo que daba como resultado interpretaciones naturales y cargadas de autenticidad.
La película tuvo un impacto notable en cineastas posteriores, incluidos directores como Hou Hsiao-hsien y Hirokazu Kore-eda, quienes han citado a Naruse como una influencia clave en su tratamiento de los dramas humanos.
Legado e importancia en el cine japonés
Aunque su nombre no goza de la misma fama mundial que otros directores japoneses, la obra de Mikio Naruse ha sido objeto de redescubrimiento por parte de críticos e historiadores del cine.
Su capacidad para narrar historias intimistas con gran sensibilidad emocional lo ha consolidado como uno de los grandes maestros del melodrama.
Naruse falleció en 1969, dejando un legado que sigue siendo relevante en la exploración de las relaciones humanas en el cine.
Su obra representa un puente entre la tradición y la modernidad, y su impacto se siente tanto en el cine japonés como en la cinematografía global.
La documentalista y antropóloga Laura García Andreu compone una película que retrata fielmente un tipo de personaje muy valenciano.
Nuestro amigo Domingo es el protagonista absoluto de este film. Un individuo optimista y trabajador, que aspira a dar un pelotazo con un injerto secreto de naranjos con el que va a conseguir la patente de las mejores naranjas de la historia.
El capitalismo también ha llegado a la agricultura valenciana.
Los cultivadores se ven obligados a pagar a las multinacionales para plantar los naranjos que producen las naranjas más comerciales, que están patentadas por las grandes comercializadoras alimentarias.
Lo que en otro tiempo era un buen negocio, se ha convertido en algo menos rentable.
Laura termina haciendo un retrato de esa valencia rural, festiva y bromista que sabe trabajar y reírse de la vida a partes iguales.
Hay mucho vitalismo en este documental, que no deja de ser también el retrato del pícaro.
La primera parte entremezcla la investigación de un asesinato y de un secuestro.
La segunda se centra en la despedida de Tomás que ha decidido solicitar la eutanasia.
La parte thriller entretiene, la sentimental emociona. Por ello se tiene la sensación de haber visto una gran serie que termina por todo lo alto.
Hay emociones impregnadas de un sentimentalismo muy medido, como para que el espectador se sienta conmovido, pero no perturbado.
Javier Cámara está colosal, tiene ese don para la comedia por el que incluso en los momentos más dramáticos hay un puntito de humor. Un actor al que admiro mucho, porque lo tenía muy difícil para triunfar y se ha convertido en uno de los grandes del panorama actoral español.
Impresionante Mónica López, una actriz cautivadora que personifica a la nueva Guardia Civil, profesional, cumplidora y trabajadora.
Me impresiona cuando Tomás nos confiesa que era una persona amargada hasta que le diagnosticaron ELA y percibió que la vida se le acababa, desde entonces sintió que tenía que disfrutar de lo que le quedaba de existencia y que esos años de enfermedad han sido a la postre los mejores de su vida.
Tendríamos que tomar nota de este comentario y aplicárnoslo. No nos lamentemos de nuestra vida, vivámosla y disfrutémosla. Hagamos lo que nos gusta y seamos sinceros con los que nos rodean.
Javier Cámara: un repaso a su trayectoria profesional y personal
Javier Cámara, nacido el 19 de enero de 1967 en Albelda de Iregua, La Rioja, es uno de los actores más versátiles y prolíficos del cine y la televisión española.
Su carrera, que abarca décadas de trabajo continuo, lo ha llevado a participar en producciones de gran renombre tanto en el ámbito nacional como internacional.
Orígenes y formación
Criado en una familia trabajadora de La Rioja, Javier descubrió su pasión por la interpretación desde joven.
Estudió Arte Dramático en la Escuela de Teatro de La Rioja y posteriormente en Madrid, donde comenzó a construir los cimientos de su carrera.
Su talento y carisma pronto lo llevaron a obtener papeles destacados en teatro, medio que siempre ha considerado esencial en su desarrollo como actor.
Filmografía destacada
El gran salto a la fama de Javier Cámara llegó con la serie televisiva 7 vidas (1999-2006), una comedia que marcó un antes y un después en la ficción española. En ella interpretó a Paco, un camarero entrañable y despistado que se convirtió en uno de los personajes más queridos por el público.
En el cine, su carrera despegó conHable con ella (2002), dirigida por Pedro Almodóvar. En esta película, Cámara interpretó a Benigno, un personaje complejo que le valió reconocimiento internacional. Su relación con Almodóvar continuó conLa mala educación (2004) y Los amantes pasajeros (2013).
Otros títulos destacados de su filmografía incluyen:
La vida secreta de las palabras (2005), de Isabel Coixet.
Truman (2015), junto a Ricardo Darín, que le valió un Premio Goya como Mejor Actor Protagonista.
Vota Juan (2019) y sus secuelas Vamos Juan (2020) y Venga Juan (2021), donde demostró su talento para la comedia política.
No quiero olvidar su intervención en Torrente: El brazo tono de la ley (1998), dando vida al pescatero Rafi.
Premios y reconocimientos
A lo largo de su carrera, Javier Cámara ha recibido numerosos galardones, incluyendo dos Premios Goya: uno por Truman y otro como Mejor Actor de Reparto por Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013).
También ha sido nominado en varias ocasiones por sus trabajos en cine y televisión, consolidándose como una figura destacada del panorama interpretativo español.
En 2021, fue distinguido con el Premio Platino del Cine Iberoamericano por su trayectoria, un reconocimiento añadido a su amplia colección de logros.
Una carrera internacional
Cámara también ha trabajado fuera de España, participando en series como Narcos (2017) de Netflix, donde interpretó a Guillermo Pallomari, y en la producción británica The Young Pope (2016) y su continuación The New Pope(2019), dirigidas por Paolo Sorrentino, donde compartió escenas con Jude Law y John Malkovich.
Reflexión y vida personal
A pesar de su éxito, Javier Cámara siempre ha mantenido un perfil discreto en cuanto a su vida personal.
Ha expresado en numerosas entrevistas su amor por el teatro, que considera su “escuela permanente”, y su deseo de seguir explorando personajes que lo reten como actor.
Además, se ha mostrado comprometido con causas sociales y culturales, participando en iniciativas destinadas a promover el cine y las artes escénicas en España.
Protagonista en Rapa
En los últimos años, Javier Cámara ha sido el protagonista de la serie Rapa, que cuenta ya con tres temporadas. En esta producción de intriga y misterio, interpreta a Tomás, un profesor que se ve envuelto en una investigación de asesinato en una pequeña localidad gallega.
Su interpretación ha sido ampliamente elogiada por su capacidad para transmitir la complejidad emocional de un personaje lleno de matices.
A lo largo de las temporadas, la serie ha explorado no solo el desarrollo del caso principal, sino también las relaciones interpersonales y los dilemas éticos de sus protagonistas.
El papel de Cámara en Rapa ha reafirmado su talento para liderar proyectos televisivos de géneros diversos, consolidándose como uno de los rostros más destacados de la ficción española actual.
Con una carrera que no muestra signos de detenerse, Javier Cámara sigue siendo un referente indiscutible en el mundo de la interpretación, consolidándose como uno de los actores más completos y respetados de su generación.
Dos aspectos son los que hacen circular esta serie.
Por un lado Antonio Medina, un estafador, que ha desarrollado una técnica infalible para conseguir la donación de pequeñas cantidades de dinero a los famosos con los que se va encontrando.
Por otro la elaboración de una serie documental por parte de Jorge Ponce.
El primer tema se agota en pocas escenas, aunque recobre fuerza en su tramo final.
El segundo que es claramente metacine, parte del espanto que produce contemplar como un proyecto periodístico y empresarial va naufragando por incompetencia y exceso de irrealidad.
Las locas ideas de Jorge Ponce, a veces, son divertidas, pero otras, son tan locas que resultan desquiciantes.
Me lo he pasado bien, aunque tal vez hay temas que se alargan después de ya estar agotados.
Le sobra un episodio, pero se ve en su conjunto como entretenido.
Muy divertido el momento pánico cuando entra en juego Ana Rosa Quintana.
Jorge Ponce: perfil de un humorista en constante evolución
Jorge Ponce es uno de los humoristas más reconocibles del panorama televisivo y radiofónico en España. Nacido en Málaga en 1982, se dio a conocer al gran público gracias a su participación en La Resistencia, el programa de entrevistas de Movistar+, donde ejerce como colaborador habitual. Su estilo combina la irreverencia con una mirada cáustica sobre temas cotidianos, lo que le ha permitido conectar con audiencias diversas.
Formación y primeros pasos en el humor
Aunque inicialmente no se proyectaba hacia el humor, Jorge Ponce se formó en Periodismo, una carrera que, según él mismo ha reconocido, le permitió desarrollar su capacidad crítica y su curiosidad por las historias que conectan con el público.
Sus primeros pasos en el mundo del entretenimiento se dieron en la radio, un medio donde ha demostrado sentirse especialmente cómodo.
Formó parte del equipo de Yu: No te pierdas nada en Los 40, programa en el que perfeccionó su habilidad para el monólogo y los sketches radiofónicos.
Un estilo basado en la observación y el absurdo
El humor de Jorge Ponce se caracteriza por un uso constante de la observación como herramienta principal.
Lejos de recurrir a gags tradicionales, Ponce prefiere explorar los detalles más inusuales de la vida diaria, llevando al absurdo situaciones que, en principio, parecen mundanas.
Este estilo encaja perfectamente con la línea de La Resistencia, donde el humor irreverente y la improvisación tienen un papel protagonista.
Televisión y otros formatos
Aunque La Resistencia ha sido su trampolín definitivo, Jorge Ponce también ha participado en otros proyectos destacados.
Fue guionista y colaborador en programas comoEl intermedio y En el aire, donde compartió espacio con Andreu Buenafuente.
Estos trabajos le permitieron desarrollar su faceta como escritor de comedia, un aspecto que complementa su habilidad como performer.
En los últimos años, también se ha aventurado en el formato podcast, explorando nuevas formas de conectar con su público.
Su participación en el programa La píldora del buen humor es un ejemplo de su adaptabilidad a distintos formatos y su capacidad para renovarse.
“Medina: El estafador de famosos”: explorando un nuevo registro
En su última incursión televisiva, Jorge Ponce se adentra en el formato documental con Medina: El estafador de famosos, una producción que combina elementos de investigación y humor.
La serie, emitida en Amazon Prime, analiza la vida y las controvertidas actividades de Paco Sanz Medina, un personaje que logró embaucar a varias celebridades españolas.
El papel de Ponce en el documental destaca por su tono narrativo ágil, que mantiene el equilibrio entre el rigor informativo y su característico estilo humorístico.
Sin restar seriedad al tema, el humorista aporta un enfoque fresco que logra captar la atención del espectador mientras expone las claves de este escándalo.
Este proyecto ha sido bien recibido por la crítica, consolidando la versatilidad de Ponce más allá de la comedia convencional.
Críticas y polémicas
Como cualquier figura mediática, Jorge Ponce no ha estado exento de críticas.
Su estilo irreverente y, en ocasiones, provocador, ha generado debate sobre los límites del humor.
Sin embargo, también se le reconoce por su capacidad para abordar temas delicados sin perder de vista la risa como elemento fundamental del mensaje.
Proyección futura
Con una carrera en ascenso, Jorge Ponce se ha consolidado como una de las voces más originales del humor español contemporáneo.
Su versatilidad como guionista, monologuista y colaborador le permite adaptarse a distintos entornos, desde el directo hasta los formatos digitales.
Todo apunta a que su carrera continuará explorando nuevas formas de conectar con el público, siempre desde la irreverencia que le caracteriza.
Silvia Abril da vida a Mamen Mayo la mediadora de herencias.
Es una serie con clara vocación de comedia, planteando diferentes problemáticas que tienen como elementos centrales las herencias y los líos familiares.
Más que en aspectos legales se adentra en elementos psicológicos y familiares, componiendo una especie de thriller sentimental.
Cada episodio es autoconclusivo, pero los personajes centrales avanzan y los vamos conociendo y queriendo capítulo a capítulo.
Soy muy fan de Mona Martínez que está sensacional.
Destaca, como lo hacía en Celeste, la joven Clara Sans un portento de simpatía y alegría.
Eduard Sola es uno de los creadores de esta serie que también ha participado en la exitosa Querer, lo cual demuestra que desenvuelve bien en comedia y en drama.
Mi puntuación: 7,68/10.
Eduard Sola (Creador) y Miguel Angel Faura (Creador):
Silvia Abril: una actriz todoterreno que brilla con luz propia
Silvia Abril es una de esas actrices que no necesita presentación. Su rostro y su estilo inconfundible llevan años marcando un antes y un después en el panorama de la interpretación en España. Nacida en Mataró (Barcelona) en 1971, Silvia es una de las figuras más versátiles y carismáticas del cine, la televisión y el teatro español.
Con una carrera que abarca desde programas de humor como Homo Zapping hasta películas como Bajo el mismo techo, Silvia ha demostrado que su talento no tiene límites.
En cada proyecto, ha conseguido conquistar al público con una mezcla de humor, frescura y una capacidad innata para empatizar con cualquier personaje que interpreta.
Su reciente trabajo como protagonista en la serie Mamen Mayo no ha sido la excepción.
“Mamen Mayo”: una apuesta por la comedia con trasfondo
EnMamen Mayo, Silvia Abril interpreta a una peculiar mediadora de herencias, con un equipo aún más peculiar.
Silvia Abril consigue dotar a Mamen de una humanidad desbordante. Bajo su estilo cómico, logra que el espectador no solo ría, sino también reflexione sobre las complejidades de la vida moderna.
Una carrera cimentada en la versatilidad
Aunque Silvia Abril es especialmente conocida por su vis cómica, su trayectoria demuestra una capacidad para adaptarse a géneros diversos. Desde su participación en programas como Tu cara me suena hasta su trabajo en películas como Spanish Movie, ha sabido reinventarse una y otra vez. Este carácter polifacético ha sido clave para mantenerse vigente en una industria tan competitiva.
Con Mamen Mayo, Silvia se consolida no solo como una de las mejores actrices de comedia de nuestro país, sino también como una artista capaz de liderar proyectos complejos y dotarlos de una profundidad que trasciende el mero entretenimiento.
El futuro de Silvia Abril
Tras el éxito de Mamen Mayo, queda claro que Silvia Abril sigue en su mejor momento profesional. Sus seguidores esperan con ansias sus próximos proyectos, ya sea en la gran pantalla, en las tablas del teatro o en otro formato televisivo. Una cosa es segura: cada vez que Silvia aparece en escena, el público puede estar seguro de que está ante un espectáculo inolvidable.
Dos mujeres protagonizan esta historia más entroncada con el thriller que con la comedia dramática.
Por un lado la cantante Celeste, que da título a la serie, una super estrella que tiene fama, riqueza y novio, pero que declara sus impuestos en Panamá.
Por otro Sara Santano, una inspectora de hacienda que solo tiene su trabajo y un perro que heredó de su difunto esposo.
El empeño de Sara en demostrar que Celeste estuvo 184 días residiendo en España la llevará a una investigación que terminará rayando lo amoral e, incluso, lo delictivo.
Con esos días de presencia en nuestro país tiene la obligación de tributar aquí.
Carmen Machi está inconmensurable, muy bien secundada por Manolo Solo. Pero el gran descubrimiento de la serie es Clara Sans llena de juventud y de atractivo delante de la cámara.
Diego San José es el creador de esta miniserie, pero la directora de todos los episodios es Elena Trapé. Los dos demuestran su solvencia creando una serie muy cinematográfica, muy entretenida, donde el arco de recorrido personal de Sara es lo más interesante.
San José viene con el aval de haber sacado a la luz las joyas de Venga Juan, Vamos Juan y Vota Juan.
Se está convirtiendo en uno de los mejores diseccionadores de la realidad española.
Diego San José: el genio detrás de las risas y los guiones brillantes
Si hablamos de la comedia española actual, uno de los nombres que brilla con luz propia es el de Diego San José. Este guionista y creador, nacido en Irún (Guipúzcoa), ha puesto su firma en algunas de las producciones más exitosas de la última década, demostrando que sabe cómo mezclar humor inteligente con un toque de realidad que todos podemos reconocer (y reírnos de ello, claro).
De la política al cine: un viaje de ida y vuelta
Diego San José comenzó a destacar con Vaya semanita, el programa de sketches que revolucionó el humor en España en los 2000. Desde ahí, su trayectoria fue como un cohete espacial en ascenso: de los gags sobre la idiosincrasia vasca a guiones que conectaron con el público de toda España.
Su consagración llegó con Ocho apellidos vascos (2014), una comedia romántica que se convirtió en un fenómeno de taquilla. San José y Borja Cobeaga, su inseparable compañero de escritura, dieron vida a un guion que jugaba con estereotipos culturales sin perder frescura ni humanidad. Vamos, que no solo nos reímos, sino que también nos sentimos identificados con ese choque de culturas norte-sur.
La televisión, su otro gran terreno de juego
Pero San José no solo se queda en la pantalla grande. En televisión, ha firmado éxitos como Vota Juan, Vamos Juan y Venga Juan, donde saca punta a la política española con un humor ácido y un protagonista tan entrañable como deplorable. Nadie pone la lupa en las miserias humanas como este guionista, y eso se agradece.
El arte de hacer reír (y reflexionar)
Lo que hace grande a Diego San José no es solo su capacidad para crear chistes efectivos, sino su habilidad para construir historias que dicen algo más.
Sus personajes son cercanos, sus situaciones son universales y sus diálogos tienen ese toque de verdad que te hace reír a carcajadas, pero también pensar: “¿Y si somos todos un poco así?”.
Con una carrera que no para de crecer, Diego San José se ha ganado su lugar como uno de los grandes creadores del panorama audiovisual español. Y, sinceramente, si sigue haciéndonos reír así, por nosotros que no pare.
El debutante Aitor Echevarría trata en su película el difícil tema del alcoholismo. Yo aquilataría más diciendo el alcoholismo en la mujer.
Hace unos años oí a un familiar mío decir: “en un hombre es normal, pero que feo es en una mujer”.
Vivimos en un mundo machista, donde frases como éstas no extrañan a nadie, aunque a mí me producen, al menos, sonrojo.
Emma Suárez da vida a una prestigiosa arquitecta que debe ingresar en un centro por su problema de adicción.
Hace muchos años en una conferencia que impartió mi amigo Daniel Ramírez, un gran psicólogo, afirmaba, con todo acierto, que el alcoholismo no es una enfermedad es el síntoma de una enfermedad. La persona bebe por algo y ahí está la clave de solucionar el problema.
Esta cuestión se obvia en la película, aunque sí están elementos muy interesantes, como la incapacidad de los familiares, en muchas ocasiones, de ayudar a la enferma. O la culpabilización de la víctima. Las recaídas. La incomprensión social, que habla de vicio y no de enfermedad.
Natalia de Molina está estupenda como esa hija que no sabe cómo ayudar y que termina hartándose de ser ella la responsable de una madre.
Muy bien Emma Suárez que da esa profundidad al personaje, que no es capaz de disfrutar de las cosas de la vida y que encuentra lo cotidiano aburrido y vacío, con ese fondo claramente depresivo.
Me molesta un poco la elección de una familia adinerada para plantear el problema.
Desaprovechado el gran Darío Grandinetti, con un papel demasiado superficial.
Tal vez, la película no sea redonda y no resuelva problemas, pero tiene la valentía de plantearlos.
Una producción francesa que se esfuerza en construir una trama, ya conocida, por medio de imágenes documentales.
Un intento a través del montaje, la música y una insufrible voz en off.
Había varias familias con niños pequeños. Los padres acudían confundidos a ver este film. El resultado fue nefasto. Varias abandonaron la sala prematuramente. Al final varios niños llorando pidiendo desesperados una huida.
Yo tuve más suerte. Los documentales de La 2 son para mí, y para muchas personas, ideales para conciliar la siesta.
Esta película me produjo, con toda lógica, un profundo sopor, que me permitió echar una corta, pero reconfortante, cabezadita.
Lo dicho, ideal para dormir la siesta.
¡Atención padres! No es una película para niños… Bueno, ni para nadie.
Recuerdo poco de la primera entrega. Tal vez, solo que rebosaba testosterona.
Gerard Butler es el protagonista de esta película de atracos. Me llama la atención su aspecto agreste y colgado, como si durmiera mal, se aseara poco y fuera colocado.
Por momentos resulta entretenida, pero en general su falta de credibilidad la lastra profundamente.
No se paran de sacar conejos de las chisteras, intentando asombrar al espectador, que en mi caso pierde toda la confianza en la trama. Demasiadas cosas pasan por que sí, sin haber coherencia argumental alguna.
Los bostezos dominaron gran parte del metraje.
Prescindible y olvidable.
Gerard, por favor, date una ducha y cámbiate de ropa.
El director francés Jean-Stéphane Sauvaire se mete en el charco de una producción norteamericana en la interviene Sean Penn.
Intenta darle un aire hiperrealista, con mucho primer plano y una cámara que se mueve al ritmo de la Macarena, intentando que se respire adrenalina.
Se esfuerza en presentarnos a estos paramédicos como una especie de héroes que intentan, además de salud, repartir justicia entre los marginales neoyorquinos.
Su intento de infundir dramatismo se queda totalmente nublado por una puesta en escena efectista, pero no efectiva.
Hay errores médicos, a los que ya estoy acostumbrado. Además cualquiera que haya trabajado en ambulancias, sabe que es imposible realizar ninguna práctica con el vehículo en marcha. Lo que se haga se ha de hacer en parado. Aquí son capaces de tomar vías sin problemas.
Además hay algún error de racor muy llamativo.
Los reiterados intentos de impactar al espectador resultan insultantes. Lo que pretendía ser naturalista se torna grotesco y bufonesco.
Para colmo de desventuras la película tiene un intenso tufillo fascistoide.
Todos los personajes atendidos son chicanos, chinos, rusos o negros, mostrándose claramente agresivos con los sanitarios.
Solo al final una madre rubia caucásica se manifiesta agradecida con estos paramédicos.
Además, parece que hay un intento de justificar un infanticidio con fines sociales al más puro estilo nazi.
En la sesión de las cuatro en los Multicines Guadalajara no había mucho público, pero varios espectadores abandonaron la sala antes de su finalización. No me extrañó.
Voy a terminar metiéndome con el título. Hubo un peliculón que se llamó Jungla de asfalto de John Huston. Eso sí era un buen título. Pero ¿Ciudad de asfalto? La mayoría de las ciudades son de asfalto. Es que cuando una película es mala hasta el título lo tiene pésimo.
Por último:
Querido Sean, quítate el palillo de la boca que pareces un anciano manchego.
Si es que el pobre se ha convertido en una parodia de sí mismo.
Jesse Eisenberg coprotagoniza, escribe y dirige esta road movie de dos primos muy diferentes que viajan al país natal de su abuela para conocer sus raíces y rememorar el Holocausto.
Cine independiente americano, que aunque trata temas muy serios, respira aires de comedia ligera.
La comicidad parte de enfrentar a los dos personajes protagonistas. Uno, podríamos decir que, normalizado con su familia y su trabajo y otro, al que da vida un agotador Kieran Culkin, un individuo carismático y, a veces, encantador con una vida desastrosa.
En un viaje memorialista recorren diferentes escenarios polacos y también la casa natal de su abuela, que les ha contado relatos de su infancia.
En ocasiones se pasa de blablablá, en otras resulta demasiado pretenciosa.
A mí el personaje de Kieran Culkin me resulta bastante cargante, aunque empatizo con su drama personal. Tampoco me parece una interpretación brillante.
La película se deja ver, pero no es ni mucho menos una joyita, como algún listo la ha calificado.
Esta semana recibimos la visita de Aurora, nuestra amiga del Cine Club Alcarreño. Con ella hablamos de las proyecciones que harán este mes de enero, pero también de los estrenos que llegan esta semana a los Multicines Guadalajara, que presentan una variada cartelera.
A Real Pain, de Jesse Eisenberg, reflexión sobre la memoria histórica con ironía y sensibilidad.
Las vidas de Sing Sing celebran el poder del teatro en prisión, mientras La mitad de Ana explora identidad y redescubrimiento personal.
Desmontando un elefante aborda el impacto familiar que tiene la adicción al alcohol de su protagonista, y Ciudad de asfalto muestra el desgaste emocional de dos paramédicos en Nueva York.
Para los fanáticos de la acción, Juego de ladrones: Pantera promete tensión en un ambicioso robo, mientras la fantasía épica llega con la película de anime Overlord: El reino sagrado.
Finalmente, Bambi, una vida en el bosque ofrece una adaptación realista del clásico infantil.
En cuanto a la Zona Spoiler Total, a partir del minuto 54, nos metemos de lleno con Heretic, el thriller de terror protagonizado por un maligno Hugh Grant. Una película con luces y sombras que cuando lo hace bien, lo hace muy bien.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Secuela (en formato cortometraje) para televisión de la exitosa “Love Actually“, que reúne a gran parte del reparto original de la película de 2003 y nos muestra qué ha sido de la vida de sus protagonistas.
Esta continuación se ha realizado con fines benéficos, en concreto para el “Red Nose Day”, un evento caritativo para conseguir dinero que pueda ayudar a todos los niños pobres del mundo.
Desconocía esta secuela de una de mis películas navideñas favoritas, que siempre veo con dos pañuelos en la mano. Estas navidades la he visto dos veces.
Me parece una digna prolongación de la película original.
Me emociona seguir viendo a Hugh Grant de presidente del Reino Unido con su discurso simpático y alentador, creyendo en la bondad humana. Está bien tener esperanzas.
