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Al Médico con Ramón – Las Feromonas: El Lenguaje Secreto de los Seres Vivos

31/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

Las Feromonas: El Lenguaje Secreto de los Seres Vivos

 

 

Introducción

 

¿Alguna vez te has preguntado cómo algunos animales, plantas e incluso nosotros los humanos logramos comunicarnos sin palabras?

 

Bueno, la respuesta está en unas pequeñas moléculas químicas llamadas feromonas.

 

Estas sustancias invisibles, pero poderosas, son el lenguaje secreto de la naturaleza, capaces de enviar mensajes tan simples como “estoy aquí” o tan complejos como “¡es el momento de enamorarnos!”.

 

Hoy nos sumergiremos en el fascinante mundo de las feromonas, explicándote qué son, cómo funcionan, y si de verdad tienen tanto poder como nos hacen creer.

 

 

 

¿Qué son las feromonas?

 

Las feromonas son compuestos químicos que los organismos vivos liberan al ambiente para influir en el comportamiento o la fisiología de otros miembros de su misma especie.

 

El término “feromona” proviene del griego pherein (transportar) y hormone (excitar o estimular).

 

Básicamente, son mensajes químicos que van volando (o flotando) para ser detectados por receptores especializados.

 

Las feromonas no son exclusivas de los animales.

 

Las plantas también las usan, especialmente para atraer polinizadores o repeler depredadores.

 

En el mundo animal, sin embargo, son las protagonistas de historias tan curiosas como románticas.

 

 

 

Clasificación de las feromonas

 

Dependiendo de su función, las feromonas se clasifican en varios tipos:

 

  • Feromonas de alarma: Avisan del peligro. Por ejemplo, las abejas liberan una feromona cuando sienten que su colmena está amenazada.

 

  • Feromonas sexuales: “Cupido” en forma química. Estas feromonas están diseñadas para atraer parejas potenciales.

 

  • Feromonas territoriales: Usadas para marcar territorio. Los gatos, por ejemplo, dejan su huella química al frotarse contra los muebles.

 

  • Feromonas agregativas: Promueven la reunión de individuos, como en el caso de algunos insectos que se agrupan para defenderse o reproducirse.

 

  • Feromonas de rastro: Son las que usan las hormigas para guiar a sus compañeras hacia una fuente de comida.

 

 

 

 

¿Cómo funcionan las feromonas?

 

Las feromonas actúan como señales químicas que son detectadas por receptores especializados.

 

En los mamíferos, esto ocurre principalmente en un órgano llamado órgano vomeronasal (OVN), que está ubicado cerca de la cavidad nasal.

 

Cuando las feromonas llegan a este receptor, desencadenan una serie de reacciones que pueden influir en el comportamiento o en procesos fisiológicos.

 

 

¿Y en los humanos?

 

Aquí es donde la cosa se pone interesante.

 

Aunque tenemos estructuras similares al órgano vomeronasal, se debate si este órgano es funcional en los humanos.

 

Sin embargo, hay evidencia de que respondemos a ciertas feromonas, aunque de forma más sutil que los animales.

 

Por ejemplo, se ha demostrado que las feromonas humanas pueden influir en el ciclo menstrual de las mujeres que conviven juntas, un fenómeno conocido como “sincronización menstrual“.

 

También hay estudios que sugieren que ciertos compuestos químicos en el sudor masculino pueden aumentar los niveles de cortisol (una hormona del estrés) en las mujeres, lo que podría ser una forma de comunicación química.

 

 

 

Feromonas y atracción sexual: ¿Mito o realidad?

 

Una de las áreas más estudiadas de las feromonas es su papel en la atracción sexual.

 

En algunos animales, como las polillas, las feromonas sexuales son extremadamente efectivas.

Un macho puede detectar a una hembra lista para aparearse a kilómetros de distancia gracias a estas moléculas mágicas.

 

En los humanos, el tema es más complicado.

 

Aunque se han identificado compuestos químicos como la androstenona y la estratetraenol, que podrían actuar como feromonas, la evidencia de su impacto en la atracción sexual es limitada.

 

Eso sí, la industria del perfume ha sabido aprovechar esta idea, vendiendo fragancias que prometen convertirte en un imán de atracción.

¿Funcionan?

Bueno, ahí entran en juego muchos factores, como la confianza en uno mismo y el contexto social.

 

 

 

 

La importancia de las feromonas para ligar

 

Ah, el eterno misterio de la atracción.

 

¿Podrían las feromonas ser la clave para encontrar a tu media naranja?

 

Algunos estudios sugieren que estas señales químicas podrían jugar un papel, aunque probablemente no tan determinante como en los animales.

 

Por ejemplo, investigaciones realizadas por Grammer y Fink (2005) han demostrado que ciertos compuestos químicos presentes en el sudor, como la androstenona, pueden influir en la percepción de atractivo en contextos sociales específicos.

 

Sin embargo, esto no significa que unas gotas mágicas de feromonas te conviertan automáticamente en el alma de la fiesta.

 

La atracción es un cóctel complejo donde entran en juego factores como la personalidad, la comunicación y hasta el sentido del humor.

 

Un dato curioso: algunos estudios han encontrado que las feromonas podrían ayudar a mejorar la confianza en uno mismo.

Por ejemplo, un experimento realizado por McCoy y Pitino (2002) mostró que las personas que usaban productos con supuestas feromonas reportaban más éxito en interacciones románticas.

Claro, esto podría deberse más a un efecto placebo que a la química pura.

 

En resumen, aunque las feromonas pueden tener un pequeño impacto en cómo percibimos y somos percibidos, no son el único ingrediente en el “pastel” del amor.

 

Así que si estás buscando ligar, quizás sea más efectivo una buena conversación que confiar únicamente en el poder de las feromonas.

 

 

 

 

Feromonas en la naturaleza

 

En insectos

 

Los insectos son los maestros del uso de feromonas.

Las hormigas, por ejemplo, crean auténticas autopistas químicas para guiar a sus compañeras hacia una fuente de comida.

Las mariposas nocturnas, por su parte, usan feromonas sexuales para encontrar pareja en la oscuridad.

 

 

En mamíferos

 

Los mamíferos también son grandes usuarios de feromonas.

 

Los perros, por ejemplo, liberan feromonas en su orina para marcar territorio y comunicar su presencia a otros perros.

 

Los elefantes machos en celo producen feromonas en una glándula cerca de los ojos para atraer a las hembras.

 

 

En plantas

 

Las plantas también tienen su lenguaje químico.

Algunas emiten feromonas para atraer insectos polinizadores, mientras que otras liberan compuestos químicos para alertar a sus vecinas de un ataque de insectos.

 

 

Aplicaciones de las feromonas

 

Las feromonas tienen aplicaciones prácticas en diversos campos, desde la agricultura hasta la medicina.

 

 

En el control de plagas

 

Las feromonas se utilizan para confundir a los insectos machos y evitar que encuentren a las hembras, reduciendo así su capacidad de reproducción. Este método es eficaz y respetuoso con el medio ambiente.

 

 

En la medicina

 

Aunque todavía estamos en las primeras etapas, las feromonas podrían tener aplicaciones en el tratamiento de trastornos hormonales o incluso en la mejora de las relaciones sociales.

 

 

En productos comerciales

 

Perfumes, velas y hasta aerosoles que prometen mejorar tu vida amorosa están basados en el concepto de las feromonas.

Aunque su eficacia no está completamente probada, su popularidad no deja de crecer.

 

 

¿Podemos controlar las feromonas?

 

La idea de manipular nuestras feromonas para influir en los demás suena atractiva, pero la realidad es que estamos lejos de lograrlo.

 

Las feromonas son solo una pieza del complejo rompecabezas que es la comunicación humana, donde factores como el lenguaje corporal, el tono de voz y la cultura también juegan un papel importante.

 

 

 

Conclusión

 

Las feromonas son una parte fascinante del mundo natural, actuando como un lenguaje químico que conecta a los seres vivos de maneras que apenas comenzamos a entender.

 

Aunque su papel en los humanos es menos claro que en los animales, no hay duda de que estas moléculas tienen un impacto profundo en nuestra interacción con el entorno.

 

Así que la próxima vez que veas a una hormiga en fila o a tu perro oliendo un poste, recuerda que estás presenciando el poder de las feromonas en acción.

 

 

 

Bibliografía

 

  1. Wyatt, T. D. (2014). Pheromones and Animal Behavior: Chemical Signals and Signatures. Cambridge University Press.

  2. Grammer, K., Fink, B., & Neave, N. (2005). Human pheromones and sexual attraction. European Journal of Obstetrics & Gynecology and Reproductive Biology, 118(2), 135-142.

  3. Karlson, P., & Lüscher, M. (1959). Pheromones: a new term for a class of biologically active substances. Nature, 183(4653), 55-56.

  4. Stern, K., & McClintock, M. K. (1998). Regulation of ovulation by human pherom

 

 

 

 

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Al Médico con Ramón – La Homocisteína: Una Molécula Clave para la Salud

31/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

La Homocisteína: Una Molécula Clave para la Salud

 

¿Alguna vez has escuchado hablar de la homocisteína? Es probable que no, pero esta pequeña molécula juega un papel fundamental en nuestro organismo y está relacionada con diversas enfermedades.

 

En este artículo, te explicaremos qué es la homocisteína, por qué es importante y cómo podemos mantener sus niveles bajo control.

 

 

¿Qué es la homocisteína?

 

La homocisteína es un aminoácido azufrado que se produce de forma natural en nuestro cuerpo a partir de otro aminoácido llamado metionina, presente en las proteínas que consumimos. Aunque en pequeñas cantidades es necesaria para el funcionamiento normal del organismo, un exceso de homocisteína puede ser perjudicial.

 

 

¿Cuál es su función en el cuerpo?

 

La homocisteína es un intermediario en el metabolismo de la metionina. Normalmente, se transforma en otros compuestos inofensivos gracias a las vitaminas B6, B12 y el ácido fólico. Sin embargo, cuando estos nutrientes son deficientes o cuando existen alteraciones en el metabolismo, la homocisteína se acumula en la sangre.

 

 

Homocisteína elevada: un factor de riesgo

 

Los niveles elevados de homocisteína, también conocidos como hiperhomocisteinemia, se han asociado con un mayor riesgo de desarrollar diversas enfermedades, entre ellas:

 

  • Enfermedades cardiovasculares: La homocisteína puede dañar las arterias, promoviendo la formación de coágulos sanguíneos y aumentando el riesgo de ataques cardíacos y accidentes cerebrovasculares.
  • Enfermedad de Alzheimer: Algunos estudios sugieren una posible relación entre los niveles elevados de homocisteína y el desarrollo de esta enfermedad neurodegenerativa.
  • Osteoporosis: La homocisteína puede interferir con la formación de hueso y aumentar el riesgo de fracturas.

 

Causas de los niveles elevados de homocisteína

 

Existen diversos factores que pueden elevar los niveles de homocisteína en sangre:

 

  • Deficiencias nutricionales: La falta de vitaminas B6, B12 y ácido fólico es una de las causas más comunes.
  • Enfermedades renales: Los riñones desempeñan un papel importante en la eliminación de la homocisteína.
  • Enfermedades hepáticas: El hígado es el principal órgano encargado de metabolizar la homocisteína.
  • Factores genéticos: Algunas personas tienen una predisposición genética a tener niveles elevados de homocisteína.

 

Síntomas de niveles elevados de homocisteína

 

Desafortunadamente, los niveles elevados de homocisteína no suelen causar síntomas específicos. A menudo se descubren de forma casual durante un análisis de sangre rutinario. Sin embargo, en algunos casos, pueden presentarse síntomas inespecíficos como fatiga, debilidad o dolor de cabeza.

 

 

Diagnóstico

 

El diagnóstico de niveles elevados de homocisteína se realiza mediante un simple análisis de sangre. Es importante destacar que un nivel ligeramente elevado no siempre indica un problema grave.

 

 

 

Tratamiento

 

El tratamiento de los niveles elevados de homocisteína se centra en corregir la causa subyacente. Las opciones de tratamiento pueden incluir:

 

  • Cambios en la dieta: Aumentar el consumo de alimentos ricos en vitaminas B6, B12 y ácido fólico, como frutas, verduras de hoja verde, legumbres y cereales integrales.
  • Suplementos vitamínicos: En algunos casos, puede ser necesario tomar suplementos de vitaminas B para corregir las deficiencias.
  • Tratamiento farmacológico: En casos más graves, pueden utilizarse medicamentos para reducir los niveles de homocisteína.

 

Prevención

 

La prevención de los niveles elevados de homocisteína se basa en la adopción de un estilo de vida saludable:

 

  • Dieta equilibrada: Consumir una variedad de alimentos ricos en vitaminas y minerales.
  • Ejercicio regular: La actividad física ayuda a mejorar la circulación y el metabolismo.
  • No fumar: El tabaco puede aumentar los niveles de homocisteína.
  • Control del peso: La obesidad se ha asociado con niveles elevados de homocisteína.
  • Control de la presión arterial y el colesterol: Estos factores de riesgo cardiovascular también están relacionados con la homocisteína.

 

Conclusión

 

La homocisteína, aunque no sea muy conocida, juega un papel importante en nuestra salud.

 

Mantener los niveles de homocisteína bajo control es fundamental para prevenir enfermedades cardiovasculares y otras complicaciones de salud.

 

Adoptar un estilo de vida saludable y realizar controles médicos regulares son las mejores formas de mantener nuestros niveles de homocisteína dentro de los límites normales.

 

 

 

 

 

La Homocisteína y la Enfermedad de Alzheimer: Un Vínculo a Investigar

 

La homocisteína, un aminoácido que se produce de forma natural en el organismo, ha sido objeto de numerosas investigaciones debido a su posible relación con diversas enfermedades, entre ellas la enfermedad de Alzheimer. Aunque la investigación aún continúa, los estudios realizados hasta la fecha han revelado una conexión intrigante entre estas dos entidades.

 

 

¿Qué es la homocisteína y cómo influye en el cerebro?

 

Como hemos visto en los apartados anteriores, la homocisteína es un aminoácido que, en niveles elevados, puede ser perjudicial para la salud. En el cerebro, la homocisteína puede:

 

  • Aumentar el estrés oxidativo: La homocisteína puede generar radicales libres, que dañan las células cerebrales y aceleran el proceso de envejecimiento.
  • Alterar la función de los neurotransmisores: La homocisteína puede interferir con la producción y el funcionamiento de neurotransmisores como la dopamina y la acetilcolina, esenciales para la memoria y el aprendizaje.
  • Promover la inflamación: La homocisteína puede desencadenar procesos inflamatorios en el cerebro, lo que contribuye a la degeneración neuronal.

 

La homocisteína y la enfermedad de Alzheimer

 

Numerosos estudios han encontrado una asociación entre los niveles elevados de homocisteína y un mayor riesgo de desarrollar la enfermedad de Alzheimer.

 

Los mecanismos por los cuales la homocisteína podría contribuir a esta enfermedad son múltiples y complejos.

 

 

  • Aceleración de la neurodegeneración: Al aumentar el estrés oxidativo y la inflamación, la homocisteína puede acelerar la muerte de las neuronas, característica de la enfermedad de Alzheimer.
  • Alteración de la formación de placas amiloides: Se ha sugerido que la homocisteína puede influir en la formación de las placas amiloides, una de las características patológicas de la enfermedad de Alzheimer.
  • Disminución del flujo sanguíneo cerebral: La homocisteína puede contribuir a la aterosclerosis, lo que reduce el flujo sanguíneo al cerebro y puede agravar los síntomas de la enfermedad de Alzheimer.

 

Factores de riesgo y prevención

 

Aunque la relación entre la homocisteína y la enfermedad de Alzheimer no está completamente clara, algunos factores de riesgo pueden aumentar los niveles de homocisteína y, por lo tanto, el riesgo de desarrollar esta enfermedad:

 

  • Deficiencias nutricionales: La falta de vitaminas B6, B12 y ácido fólico es una de las principales causas de niveles elevados de homocisteína.
  • Enfermedades renales y hepáticas: Estos órganos desempeñan un papel importante en el metabolismo de la homocisteína.
  • Factores genéticos: Algunas personas tienen una predisposición genética a tener niveles elevados de homocisteína.

 

Para reducir los niveles de homocisteína y disminuir el riesgo de enfermedad de Alzheimer, se recomienda:

 

  • Seguir una dieta equilibrada: Consumir alimentos ricos en vitaminas B, como frutas, verduras de hoja verde, legumbres y cereales integrales.
  • Realizar ejercicio regularmente: La actividad física ayuda a mejorar la circulación y el metabolismo.
  • No fumar: El tabaco puede aumentar los niveles de homocisteína.
  • Controlar el peso: La obesidad se ha asociado con niveles elevados de homocisteína.
  • Controlar la presión arterial y el colesterol: Estos factores de riesgo cardiovascular también están relacionados con la homocisteína.
  • Consultar a un médico: Si tienes alguna preocupación sobre tus niveles de homocisteína, consulta a tu médico.

 

Investigación en curso

 

Aunque la investigación ha avanzado significativamente en los últimos años, aún queda mucho por aprender sobre la relación entre la homocisteína y la enfermedad de Alzheimer. Los científicos continúan investigando nuevos tratamientos y estrategias preventivas.

 

En conclusión, aunque la homocisteína no es la única causa de la enfermedad de Alzheimer, mantener sus niveles bajo control podría ser una estrategia importante para reducir el riesgo de desarrollar esta enfermedad. Adoptar un estilo de vida saludable y consultar a un médico son las mejores formas de cuidar nuestra salud cerebral.

 

 

 

Diagnóstico y evaluación

 

La concentración plasmática de homocisteína puede medirse mediante técnicas como la cromatografía líquida de alta resolución (HPLC) o inmunoensayos.

 

Los valores normales oscilan entre 5 y 15 µmol/L, y los niveles superiores a 15 µmol/L se consideran hiperhomocisteinemia.

 

 

Utilidad práctica de la determinación de homocisteína en sangre

 

La determinación de los niveles de homocisteína en sangre tiene varias aplicaciones clínicas relevantes:

 

  • Identificación de riesgos cardiovasculares: La medición de homocisteína puede ayudar a estratificar el riesgo en pacientes con antecedentes familiares de enfermedad cardiovascular o con factores de riesgo tradicionales como hipertensión y diabetes.

  • Evaluación en trastornos neurológicos: En pacientes con deterioro cognitivo, niveles elevados de homocisteína pueden indicar la necesidad de una evaluación más detallada y orientar hacia intervenciones preventivas.

  • Diagnóstico de deficiencias vitamínicas: Niveles altos de homocisteína pueden ser indicativos de deficiencias en folato, vitamina B12 o B6, facilitando una intervención temprana.

  • Monitoreo en pacientes con enfermedades crónicas: En casos de insuficiencia renal o hipotiroidismo, medir la homocisteína puede ayudar a ajustar tratamientos y evaluar el estado metabólico.

El uso de esta prueba debe complementarse con otras evaluaciones clínicas y de laboratorio para garantizar un abordaje integral del paciente.

 

 

Intervenciones terapéuticas

 

Suplementación vitamínica

 

Numerosos estudios han evaluado el efecto de la suplementación con folato, vitamina B6 y vitamina B12 en la reducción de los niveles de homocisteína.

 

Aunque efectiva en disminuir los niveles plasmáticos, la evidencia sobre su impacto en la reducción del riesgo cardiovascular y otras complicaciones es inconsistente.

 

Modificaciones del estilo de vida

 

  • Dieta: Incrementar el consumo de alimentos ricos en folato (vegetales de hoja verde), vitamina B12 (carnes y lácteos) y vitamina B6 (legumbres y cereales integrales).

  • Cese del tabaquismo y reducción del alcohol: Factores que pueden disminuir los niveles de homocisteína.

 

Tratamientos farmacológicos

 

En casos severos o refractarios, se han propuesto terapias dirigidas al metabolismo de la homocisteína, aunque su aplicación es limitada.

 

Perspectivas futuras

 

La investigación sobre la homocisteína sigue evolucionando, con énfasis en:

 

  • Identificar nuevos biomarcadores relacionados.

  • Evaluar intervenciones personalizadas basadas en el perfil genético.

  • Explorar el papel de la homocisteína en otras patologías emergentes.

 

 

 

Conclusión

 

La homocisteína es un componente clave en el metabolismo humano, cuya alteración puede tener profundas implicaciones clínicas.

 

Comprender su biología y fisiopatología es fundamental para desarrollar estrategias preventivas y terapéuticas efectivas.

 

La investigación futura será crucial para desentrañar su papel en diversas enfermedades y mejorar los resultados en la salud global.

 

 

Bibliografía

 

Selhub J, et al. “Homocysteine and Risk of Cardiovascular Disease”. Annals of Internal Medicine, 1995.

 

Smith AD, et al. “Homocysteine and Dementia: An Overview”. Journal of Alzheimer’s Disease, 2010.

 

Börnsen KO, et al. “Hyperhomocysteinemia and Endothelial Dysfunction”. Nature Reviews Cardiology, 2013.

 

Refsum H, et al. “Homocysteine and Disease”. Clinical Chemistry and Laboratory Medicine, 2004.

 

Lonn E, et al. “Homocysteine Lowering with Folic Acid and B Vitamins”. The New England Journal of Medicine, 2006.

 

 

Nota: Este artículo tiene fines informativos y no sustituye el consejo médico profesional.

Si tienes alguna preocupación sobre tus niveles de homocisteína, consulta a tu médico.

 

 

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Cristóbal Balenciaga (Miniserie) – 2024 – Jon Garaño (Creador), Aitor Arregi (Creador), José Mari Goenaga (Creador), Lourdes Iglesias (Creadora) – Disney+

31/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El prestigio queda, la fama es efímera.

 

Mi interés sobre la Alta Costura, no es que sea nulo, es negativo.

 

Los Moriarty, con su habitual buen hacer, han conseguido que el personaje de Balenciaga y sus logros me hayan interesado.

 

Alberto San Juan consigue dar vida de manera muy creíble al prestigioso diseñador de ropa.

 

Un personaje bien definido por la obsesión en el control y el cuidado intenso de su intimidad.

 

Sin esperarlo he aprendido mucho de moda y de creadores. Al terminar la serie personajes como Coco Chanel, Christian Dior, John Galliano y Hubert de Givenchy me resultan familiares.

 

Meritorio el esfuerzo de los encargados de vestuario en la confección y recreación de los modelos originales del genial diseñador.

 

Curioso ver a Belén Cuesta dando vida a Fabiola de Mora y Aragón, que protagonizó la boda del siglo casándose con Balduino de Bélgica en 1960. Un acierto los insertos de los noticiarios de la época.

 

Me ha resultado bastante entretenida, sin que me haya apasionado.

 

Mi puntuación: 6,67/10.

 

 

Jon Garaño (Creador), Aitor Arregi (Creador) y José Mari Goenaga (Creador):

 

 

Ficha:

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Nos vemos en otra vida (Miniserie) – 2024 – Jorge Sánchez-Cabezudo (Creador), Alberto Sánchez-Cabezudo (Creador) – Disney+

29/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La trama asturiana del 11M

 

Los hermanos Sánchez-Cabezudo poseen una larga trayectoria en cine y televisión.

 

Sus inicios fueron en Hospital Central. Alcanzaron cierta fama con el thriller La noche de los girasoles. Desde entonces ha intervenido en series de éxito como Gran Hotel, Crematorio, Velvet o La zona.

 

Ahora se adentran en el género de moda el true crime.

 

Nos relatan de manera meticulosa la trama asturiana del 11M, que fueron los que consiguieron la dinamita a los terroristas islámicos.

 

El narrador y el personaje central es Gabriel Montoya Vidal, apodado ‘Baby’, pero su verdadero protagonista es Emilio Trashorras, al que da vida de manera inconmensurable Pol López.

 

Los directores nos adentran en los bajos fondos de la marginalidad de Avilés, con confidentes, policías corruptos, traficantes y pendencieros.

 

Gente sin escrúpulos capaces de vender explosivos a terroristas.

 

Individuos detestables con los que es imposible empatizar, que desprecias profundamente, pero que tienen un enorme atractivo narrativo.

 

Destaca, como es habitual en ella, Tamara Casellas, construyendo un personaje muy potente, que se mueve entre la rebeldía y la resignación.

 

Mi puntuación: 7,59/10.

 

 

Jorge Sánchez-Cabezudo (Creador) y Alberto Sánchez-Cabezudo (Creador):

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

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Sonic 3: La película – Sonic the Hedgehog 3 – 2024 – Jeff Fowler – #YoVoyAlCine

28/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Corre Sonic, corre, que viene el Yayo malo.

 

Siempre será uno de los mayores placeres de mi vida ir al cine acompañando a mis nietos.

 

Mantuvieron la mirada fija en la pantalla durante todo el metraje y a la salida se mostraron entusiasmados, conociendo el nombre de todos los personajes.

 

Todo esto me llena de orgullo y satisfacción.

 

Desde mi butaca, mirando frecuentemente de reojo a Luca y Leo, contemplé con cierto aire de desprecio esta producción que mezcla animación y personajes reales en la pantalla.

 

Para colmo de desgracias el insoportable Jim Carrey interpreta dos personajes. Un malvado abuelo y un nieto que termina teniendo buen corazón.

 

Tal vez la presencia de este Yayo fuera una de las causas de que saliera de cierto letargo. Para mí, esa figura resulta provocadora. Me producía cierto temor que mis nietos me pudieran identificar con él. Meditaciones estúpidas de un pobre anciano.

 

La película aporta reflexiones educativas para el público infantil, como la inutilidad de la venganza y lo necesario que es el trabajo colaborativo.

 

Todo muy de trazo grueso, pero que dentro de este formato de película infantil les puede funcionar.

 

Tal vez si soportara a Carrey hubiera encontrado comicidad en su doble interpretación.

 

Sí me gustaron las referencias al culebrón latino.

 

Soy incapaz de reconocer si es mejor o peor que su predecesora, sencillamente, ya no la recuerdo.

 

Vayan con sus niños al cine estas navidades a ver ésta o cualquier otra película. Son seguro un público agradecido.

 

 

Puntuación de Leo: 10/10

Puntuación de Luca: 10/10

Mi puntuación: 5,52/10.

 

 

Dirigido por Jeff Fowler:

 

 

Sonic y su director: un erizo que corre y un director que… bueno, dirige

 

Si hay algo que nos queda claro es que Sonic, el erizo azul con zapatillas rojas, no necesita presentación. Pero, oye, vamos a dársela de todos modos.

 

Sonic corre más rápido que los rumores en una oficina y, desde hace un par de años, también corre por las pantallas del cine. Y todo gracias a un señor llamado Jeff Fowler.

 

¿Quién es Jeff Fowler?

 

Tranquilo, que te lo cuento. Jeff no es un novato en esto de contar historias. Es el director de las películas de Sonic, pero también es el tipo que dijo:

“Sí, hagamos un erizo digital que pelee con un Jim Carrey hiperactivo”.

Y, honestamente, le salió bastante bien.

 

Jeff Fowler es un nombre que muchos conocieron gracias a Sonic, pero su historia en el mundo del cine viene de antes. Nacido en Normal, Illinois (sí, así se llama el lugar), Jeff siempre tuvo un interés por la animación y las historias visuales. Su gran salto llegó en 2005 con el cortometraje Gopher Broke, una divertida historia animada que incluso fue nominada al Oscar.

 

Fowler trabajó muchos años en el legendario estudio Blur, donde desarrolló su talento como animador y director. Fue ahí donde conoció a Tim Miller, el creador de Deadpool. Juntos trabajaron en proyectos que mezclaban acción y efectos especiales, algo que claramente influyó en el estilo de Fowler.

 

Hoy, Jeff Fowler es reconocido como un director que sabe combinar lo visualmente espectacular con historias ligeras y entretenidas.

 

La saga arranca en 2020 con Sonic, la película. Pero no todo fue color de rosas (ni de azul). Al principio, el diseño del erizo era… ¿cómo decirlo? Terrorífico. Parecía un experimento fallido entre un gato y un alien. La gente en Internet armó un escándalo tan grande que Paramount decidió rediseñar a Sonic. Jeff, con su cara de “vamos a arreglar esto”, tomó el mando y salió adelante.

 

Resultado: película simpática, risas por aquí, explosiones por allá y un Jim Carrey desatado como el Dr. Robotnik. Todo bien.

 

 

Hablemos de los personajes:

 

  • Sonic: El protagonista, un erizo azul que corre a la velocidad de la luz. Viene del planeta Mobius y siempre está listo para ayudar a sus amigos.

 

  • Dr. Robotnik: El villano con un bigote exagerado. Un genio loco que quiere capturar a Sonic para usar su energía. Interpretado ¿magistralmente? por Jim Carrey.

 

  • Tails: El mejor amigo de Sonic. Es un zorro con dos colas que le permiten volar. Tails es un genio de la tecnología y un gran piloto.

 

  • Knuckles: Un equidna rojo y fuerte como una roca. Al principio, rival de Sonic, pero con el tiempo se convierte en un aliado. Su misión es proteger la Esmeralda Maestra.

 

 

Y luego llegó Sonic 2. Más personajes, más explosiones y Knuckles, el equidna musculoso con la voz de Idris Elba (sí, Idris Elba. Clase).

 

La secuela es como esa pizza con extra de todo: quizás un poco mucho, pero te la comes igual porque está rica.

 

Lo bueno de Jeff Fowler es que no se toma todo tan en serio. Sus películas no intentan ser arte elevado ni ganar Oscars. Son para pasar un buen rato, para reírse con chistes bobos y ver a Sonic correr como si le debiera dinero al gobierno.

 

Ya ha llegado Sonic 3. Más aventuras, más personajes y probablemente más caos. Así que, si te gustan los erizos veloces y los villanos con bigotes ridículos, esta saga tiene todo lo que necesitas. Y si no, bueno, siempre te queda Mario.

 

 

 

Jim Carrey: El “genio” de la exageración

 

Si hay alguien que ha hecho del exceso un arte, ese es Jim Carrey. Nacido en Canadá en 1962, este actor se ganó la fama con muecas, gritos y una energía que haría sudar a un conejo hiperactivo. Su estilo no es para todos, especialmente si tienes migraña.

 

Carrey arrancó en la comedia. Sus primeros pasos los dio en clubes, donde descubrió que a la gente le encantaban sus imitaciones. Después, saltó a la televisión con In Living Color. Ahí empezó a perfeccionar esa mezcla de payasadas y actuaciones teatrales que lo harían famoso.

 

En 1994 explotó en el cine. Ace Ventura: Detective de Mascotas, La máscara y Dumb and Dumber salieron en un mismo año. Y, claro, el mundo descubrió que Jim Carrey era un tipo… único. Bueno, también ruidoso. Muy ruidoso.

 

Luego llegaron películas como Batman Forever, donde hizo de Riddler y demostró que podía ser incluso más exagerado que los cómics. O El Show de Truman, donde sorprendió al intentar actuar (de verdad). Y, por supuesto, El Grinch, donde se pintó de verde y nos recordó que su especialidad sigue siendo gritar.

 

Pero no todo ha sido risas. Jim también tuvo su etapa “seria”. Man on the Moon fue su homenaje a Andy Kaufman, otro maestro de lo raro.

 

Y en ¡Olvídate de mí!, cuyo título original traducido era “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”, se puso melancólico. Aunque, seamos sinceros, su fuerte siempre ha sido el caos.

 

En 2020, resurgió como Dr. Robotnik en Sonic, la película. Una actuación que grita (literalmente) “Jim Carrey clásico”. Muchos lo adoraron; otros pensaron que necesitaba un café descafeinado.

 

Hoy, Jim Carrey sigue dividiendo opiniones. Para algunos, es un genio de la comedia. Para otros (como yo), es una versión cinematográfica del caos desatado. En cualquier caso, su legado es claro: pocas cejas han trabajado tanto en Hollywood.

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

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Centauros de la Alcarria – Episodio 126 – Lo mejor y lo más decepcionante de 2024 y… analizamos Cónclave

28/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

El programa ampliado y extendido se puede oír en el Podcast de Centauros de la Alcarria.

 

 

 

Lo mejor y lo más decepcionante de 2024 y… analizamos Cónclave

27/12/2024

 

La cartelera de los Multicines Guadalajara llega con unas cuantas novedades… y nuestros Centauros las comentan. Entre los títulos más esperados destaca “Parthenope”, de Paolo Sorrentino, una oda a Nápoles y su historia. La película sigue la vida de Parthenope, en una obra cargada de nostalgia y crítica social.

 

Otra de las propuestas es “Nosferatu“, dirigida por Robert Eggers. Lily-Rose Depp y Bill Skarsgård dan vida a una reinterpretación oscura y visceral del vampiro clásico.

 

Oh, Canadá“, lo último de Paul Schrader y Richard Guere,  narra los secretos y decisiones de juventud de Leonard, un documentalista que, en su última entrevista, rememora su vida entre el presente y los convulsos años 60.

 

Para los más jóvenes, “Sonic 3” cierra la trilogía del veloz erizo con una aventura en la que Sonic, Knuckles y Tails deben enfrentarse al villano Shadow. Dirigida otra vez por Jeff Fowler, vuelve a contar con Jim Carrey.

 

Por último, “Sin instrucciones“, protagonizada por Paco León, ofrece una historia emotiva sobre la transformación de un mujeriego que aprende el verdadero significado del amor y la responsabilidad al cuidar de su hija. 

 

Al margen de eso, en torno al minuto 38 comentamos cuáles han sido nuestras películas preferidas de 2024, tanto españolas como nacionales, y a los 65´ de programa, en la zona spoiler, le zurramos bastante a Sin instrucciones y nos metemos con de lleno con el análisis de Cónclave

 

¿Cuáles han sido vuestras mejores películas de 2024?

 

 

 

 

Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.

 

Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.

 

Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.

 

Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.

 

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Podcast de Centauros de la Alcarria

 

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Alcarria TV – Al Cine con Ramón – 2024-12-24 – ¡Las 10 Películas Navideñas Más Épicas (y más Locas) de la Historia! De Solo en Casa a Jungla de Cristal esta Navidad

28/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

¡Las 10 Películas Navideñas Más Épicas (y más Locas) de la Historia!

 

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Sin instrucciones – 2024 – Marina Seresesky – #YoVoyAlCine

27/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El padre perfecto.

 

Una nueva adaptación a la española de una comedia mexicana de éxito.

 

La falta de ideas del cine actual es más que patente.

 

Vivimos secuelas, precuelas y remakes de todo tipo y color. Da igual que la película a adaptar haya sido flojita.

 

La construcción del personaje de Leo no es perfecta, pero resulta convincente en manos de Paco León.

 

Silvia Alonso abandona sus papeles anteriores de guapa, para intentar, sin conseguirlo, componer un personaje de más calado sentimental.

 

Meritoria la labor de la niña Maia Zaitegi, aunque algo repipi.

 

La película es buenista, sentimentaloide, ñoña y usa recursos narrativos muy usados, muy baratos, muy manidos.

 

Todo es muy simplista y muy frágil narrativamente, sin la menor profundidad.

 

¡Ojo spoiler!

 

Lo de la cardiopatía de la niña es absurdo. Los guionistas podrían haber discurrido algo más convincente.

 

De mal gusto el final triste. Innecesario en una película que parece que aspiraba a ser una comedia feliz.

 

Por último. No me queda claro el mensaje moral.

 

Parece que quiere decir que la paternidad solo depende de la genética y que haber criado y cuidado a un hijo ocho años no significa nada. Bastante penoso.

 

Mi puntuación: 3,55/10.

 

 

Dirigido por Marina Seresesky:

 

 

Marina Seresesky: La directora que se ríe de los manuales

 

Marina Seresesky no es de las que se dejan encasillar. Esta directora, nacida en Buenos Aires pero afincada en España desde hace años, se ha hecho un hueco en el cine a base de talento, pasión y un estilo que va directo al corazón (pero sin ñoñerías).

 

Antes de pasarse a la dirección, Marina tuvo su época como actriz y hasta se subió a las tablas del teatro, pero parece que detrás de la cámara es donde ha encontrado su sitio.

 

Seresesky ya había demostrado su talento con pelis como La puerta abierta (2016), donde mezclaba humor negro y sensibilidad a partes iguales, y Lo nunca visto (2019), una comedia que nos hablaba de la diversidad y los prejuicios sin caer en tópicos. Cada una de sus películas tiene algo especial, esa chispa que te hace reír, llorar y, sobre todo, reflexionar.

 

“Sin instrucciones” es la versión española de la exitosa película mexicana “No se aceptan devoluciones” (2013), dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez.

 

La cinta original fue un fenómeno en taquilla, recaudando más de 99 millones de dólares a nivel mundial y convirtiéndose en una de las películas de habla hispana más exitosas de la historia.

 

El éxito de “No se aceptan devoluciones” llevó a la realización de varios remakes internacionales.

 

En Francia, se estrenó en 2016 bajo el título “Demain tout commence” (conocida en algunos países hispanohablantes como “Dos son familia“), dirigida por Hugo Gélin y protagonizada por Omar Sy y Clémence Poésy.

 

Esta adaptación fue bien recibida por el público francés, destacando la actuación de Omar Sy y manteniendo la esencia emotiva y cómica de la versión original.

 

En cuanto a las diferencias entre las versiones, aunque la trama principal se mantiene —un hombre soltero que de repente debe hacerse cargo de una hija que desconocía tener—, cada adaptación introduce matices culturales y contextuales propios de su país.

 

Por ejemplo, “Demain tout commence” sitúa la acción entre el sur de Francia y Londres, mientras que “Sin instrucciones” transcurre entre las Islas Canarias y Bilbao.

 

Además, las adaptaciones suelen ajustar elementos humorísticos y referencias culturales para resonar mejor con el público local.

 

En resumen, “Sin instrucciones” sigue la línea de adaptar una historia universal sobre la paternidad inesperada y el crecimiento personal, ajustándola al contexto y sensibilidad del público español, al igual que lo hizo la versión francesa para su audiencia.

 

 

 

 

 

Ficha:

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Nosferatu – 2024 – Robert Eggers – #YoVoyAlCine

27/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Vivo sin vivir en mí,

y tan alta vida espero

que muero porque no muero”

 

Impresionante esta adaptación del clásico mudo de F. W. Murnau.

 

Con un aire gótico, muy oscuro, muy tenebroso, muy potente.

 

La película va in crescendo en la desesperación y en la agonía, sobre todo social, y especialmente en la familia del armador Friedrich Harding, al que da vida un incrédulo y doliente Aaron Taylor-Johnson.

 

Desde su inicio hay un importante componente sexual en esa atracción malsana y enfermiza entre Ellen Hutter (Lily-Rose Depp) y el Conde Orlok (Bill Skarsgard), con ese éxtasis final, absolutamente impresionante.

 

La puesta en escena y los sustos funcionan perfectamente.

 

Mucho asco me dan las abundantes ratas.

 

Pero todo esto no ha sido suficiente para que conectara con la película. No entré desde el principio y he contemplando todo el metraje rebosando hastío y aburrimiento.

 

Seguro que tengo algo de culpa en todo esto, pero la carga de la prueba hay que hacerla caer en el film que, por lo que sea, no ha conseguido interesarme.

 

Mi puntuación: 3,55/10.

 

 

Dirigido por Robert Eggers:

 

 

Robert Eggers: El tío que hace pelis que te dejan dándole vueltas

 

Robert Eggers, nacido el 7 de julio de 1983 en Lee, New Hampshire (un pueblito que probablemente ni sale en Google Maps), es un tipo que está revolucionando el cine a base de hacer las cosas a su manera.

 

Desde peque, le molaban el teatro y las artes visuales, y vaya si se nota: sus pelis son como cuadros en movimiento, llenos de detalles que te hacen sentir dentro de otro mundo.

 

Debutó en 2015 con The Witch (La bruja), una historia sobre paranoia y folclore en la Nueva Inglaterra del siglo XVII. Esta no es la típica peli de sustos baratos: aquí el terror es sutil, elegante y súper atmosférico. Vamos, que si no te dio mal rollo esa cabra llamada Black Phillip, no viste la misma peli que el resto de nosotros.

 

Luego vino The Lighthouse (El faro, 2019), donde dos fareros (Willem Dafoe y Robert Pattinson) se vuelven locos en una isla remota. La peli es en blanco y negro, súper claustrofóbica y tiene diálogos que parecen sacados de un poema raro. Una experiencia tan intensa que al salir del cine necesitas un respiro… y tal vez una copa.

 

En 2022, Eggers dijo: “Voy a lo grande” y sacó The Northman (El hombre del norte), una épica vikinga que mezcla mitología, violencia y un Alexander Skarsgård que parece salido de un gimnasio medieval. Es brutal, visualmente impresionante y, aunque no es para todos los gustos, demuestra que Eggers no le tiene miedo a nada.

 

Lo que mola de este tío es que sus pelis son únicas. No le va eso de seguir modas o fórmulas fáciles: cada proyecto suyo es una obra de arte que te deja pensando.

 

Así que, si aún no te has puesto al día con su filmografía, ¿a qué esperas? ¡Corre, que te estás perdiendo algo grande!

 

 

 

Ficha:

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Los años nuevos (Miniserie) – 2024 – Rodrigo Sorogoyen (Creador), Paula Fabra (Creadora), Sara Cano (Creadora) – Movistar Plus+

24/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ana y Óscar.

 

Esta miniserie de 10 capítulos tiene la estructura clásica de la comedia romántica:

Chico conoce chica. Chico y chica se enamoran. Chico y chica se separan. Chico y chica se reconcilian.

 

Pero en lugar de en los 100 minutos de una película lo vemos en 10 años en sus noches viejas y sus días de año nuevo.

 

Contemplamos como estos millennials, entre los 30 y los 40 años, van madurando (poco a poco) y se van enfrentado a los retos vitales.

 

Si se hubiera realizado una serie sobre los boomers para retratar lo mismo, o parecido, hubiera que haber narrado de los 20 a los 30. En mi época había que madurar rápido para sobrevivir.

 

Los grandes protagonistas son Ana, a la que da vida Iria del Río, y Óscar interpretado por Francesco Carril, que personifican este retrato una generación que rebosa miedos e inseguridades, con la precariedad laboral de fondo. Tus actuaciones no deslumbran y mucho menos la de Carril.

 

A nivel de realización hay algún episodio virtuoso como el último filmado en un plano secuencia muy complejo.

 

Me llama la atención la ausencia casi absoluta del marco social y político, salvo algunas cuestiones imposibles de obviar como la pandemia, no se nos sitúa en ningún momento en esos niveles. Todo se centra en la relación entre los protagonistas.

 

No ha despertado en mí ningún entusiasmo.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

 

Rodrigo Sorogoyen (Creador):

 

 

Ficha:

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Alcarria TV – Al Médico con Ramón – 2024-12-17 – La creatina: el supercombustible de tus músculos

24/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2021 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

La creatina: el supercombustible de tus músculos

 

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Alcarria TV – Al Cine con Ramón – 2024-12-18 – ¿Es el enemigo? La película de Gila, Kraven the Hunter

24/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

¿Es el enemigo? La película de Gila – 2024 – Alexis Morante – Festival de San Sebastián 2024 – #72SSIFF – @sansebastianfes

 

Kraven the Hunter – 2024 – J.C. Chandor – #YoVoyAlCine

 

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Programación de actividades de la Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ) en 2025

22/12/2024

 

 

 

 

 

Programación de actividades de la Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ) en 2025

 

En la Asamblea anual de la ACAZ celebrada el día 19 de Diciembre de 2024 se acordó el siguiente esquema de programación:

 

Primer jueves de mes: Cine clásico que programará Samuel en colaboración con Juan Ignacio.

 

Segundo jueves de mes: Directores europeos y del resto de los continentes que programará Víctor.

 

Tercer jueves de cada mes: Cine en relación a la actualidad que programará Juan Ignacio.

 

Cuarto jueves de cada mes: Sesión de montajes de Bichobola.

 

También se decide que el 16 de Enero realice la programación Rafa 1, con una película sorpresa que solo conoceremos el mismo momento del inicio de la película.

 

Los meses que haya 5 jueves, ese jueves de más será el encargado de la programación Rafa 1.

 

 

 

9 de Enero:

Tormento – Midareru – 1964 – Mikio Naruse – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

16 de Enero:

Gary Cooper, que estás en los cielos… – 1981 – Pilar Miró – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

23 de Enero:

Una historia verdadera – The Straight Story – 1999 – David Lynch – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

30 de Enero:

“NEVERLAND” (La Infancia en el Cine) – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

6 de febrero:

Belfast – 2021 – Kenneth Branagh – #YoVoyAlCine – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

13 de febrero:

Aisha – 2022 – Frank Berry – #YoVoyAlCine – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

20 de febrero:

El buscavidas – The Hustler – 1961 – Robert Rossen – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

27 de febrero:

 

 

 

6 de marzo:

El color del dinero – The Color of Money – 1986 – Martin Scorsese – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

13 de marzo:

 

La isla de las almas perdidas – Island of Lost Souls – 1932 – Erle C. Kenton – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

Un cubo de sangre – A Bucket of Blood – 1959 – Roger Corman – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

20 de marzo:

 

El milagro de Ana Sullivan – The Miracle Worker – 1962 – Arthur Penn – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

27 de marzo:

 

Crimen y castigo – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

3 de abril:

 

Fresas salvajes – Smultronstället – 1957 – Ingmar Bergman – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

10 de abril:

 

Las señoritas de Rochefort – Les Demoiselles de Rochefort – 1967 – Jacques Demy – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

24 de abril:

 

Días de Escuela 1 – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

8 de mayo:

 

Tempestad sobre Washington – Advise & Consent – 1962 – Otto Preminger – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

22 de mayo:

 

En la ciudad – 2003 – Cesc Gay – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

29 de mayo:

Días de Escuela 2 – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

5 de junio:

La venganza de Ulzana – Ulzana’s Raid – 1972 – Robert Aldrich – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Ramón os desea Feliz Navidad y un próspero 2025

22/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las Felicitaciones de otros años

 

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Un lío de millones – 2024 – Susan Béjar – #YoVoyAlCine

22/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Por el interés te quiero Andrés.

 

Un remake de una producción francesa de 2021 dirigida por Alexandra Leclère, de esas con más de un millón de espectadores y número uno de las navidades.

 

Unos padres, que se sienten abandonados, simulan haber ganado el gordo de la lotería para que sus hijos les hagan caso.

 

La película arranca sin fuelle, para coger bríos en su segunda mitad.

 

Hay momentos aislados desternillantes, pero son pequeñas islas en un océano de tedio.

 

Salva los papeles la estupenda Gracia Olayo que destaca ante un mediocre Antonio Resines.

 

Penoso el joven Alberto Olmo.

 

Gracioso como siempre Raúl Cimas.

 

Brillante en un pequeño papelito Lucía Caraballo.

 

Descacharrante Blanca Kovacs creando las situaciones más divertidas.

 

Claro Lago, muy delgada y competente, pasaba por allí.

 

La película invita a realizar reflexiones muy de nuestro tiempo.

 

El síndrome del nido vacío; el desprecio de los hijos hacia sus padres; el interés económico primando sobre el cariño familiar, muy de esta época de capitalismo extremo; los amigos de toda la vida que aparecen cuando te toca la lotería; los rituales de todos los años en las puertas de la administración que ha repartido premios; los padres cargando fiambreras…

 

Las referencias a Pretty Woman son bastante divertidas. Brillando, de nuevo, Gracia Olayo.

 

Más que a un público familiar, esta comedia disparatada apela a los espectadores de los martes del abuelo, que se pueden ver identificados.

 

Pensándolo bien parece un anuncio muy largo de la Lotería. De hecho salí corriendo del cine para comprar un décimo.

 

Mi puntuación: 4,56/10.

 

 

 

Dirigido por Susan Béjar:

 

 

Ficha:

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La guitarra flamenca de Yerai Cortés (Documental) – 2024 – C. Tangana – #YoVoyAlCine

22/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Los papas de Yerai

 

A pesar del título, los verdaderos protagonistas de este documental son los padres del compositor y guitarrista Yerai Cortés.

 

Parce que a C. Tangana le interese realizar un estudio psicoanalítico de la personalidad del artista y coloca delante de la cámara a sus progenitores, siempre por separado para que relaten sobre todo las vivencias de la expareja.

 

Por otro lado el relato turbio de la hermanatía  de Yerai que murió muy prematuramente.

 

La parte musical es sensacional, destilando mucha autenticidad.

 

Lo cierto es que todo ese gitaneo del flamenco me vuelve loco.

 

Pero todo lo dicho no salva una película que en muchos tramos no me interesa y que tampoco es un alarde de buen cine.

 

Me molesta el protagonismo en la sombra, pero muy patente, de su director.

 

No quiero olvidarme: La Tania impresionante. (Me he enamorao).

 

Mi puntuación: 4,25/10.

 

 

Dirigido por C. Tangana:

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

 

 

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Mufasa: El rey león (Animación) – Mufasa: The Lion King – 2024 – Barry Jenkins – #YoVoyAlCine

22/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Para jugar al quién es quién.

 

Salgo confundido de la sala de cine.

 

Por un lado una animación hiperrealista abrumadora, con movimientos de cámara muy virtuosos que te mete dentro de una trama que tiene mucho de aventuras juveniles y también de épica.

 

Pero por otro tengo una molesta sensación de tedio, de haber visto un producto bien estudiado, bien confeccionado, pero carente de alma.

 

A este incómodo sentimiento contribuye mucho la inexpresividad de los animales y la falta de identificación entre ellos. Los ligeros matices, en muchas ocasiones, no son suficientes para que pueda distinguirlos.

 

Los leoncillos no mueven la boca y siempre tengo la sensación que hay un doblador que está poniendo las vocecillas, por otra parte es lo cierto, pero el cine te tiene que convencer que el artificio y el engaño sean reales, si te das cuenta de ello es que la han cagado.

 

Las canciones de Lin-Manuel Miranda están muy bien y son un oasis dentro del desierto de aburrimiento plomizo que circula a lo largo del metraje.

 

Está precuela si hubiera sido confeccionada con dibujos animados tradicionales, que permitieran dar características muy propias a cada personaje en lo físico y en las locuciones, muy posiblemente me hubiera encantado, pero esta moda de animación hiperrealista, que nunca me llega a convencer, es un fiasco.

 

Esperemos que los ejecutivos de la Disney se vayan dando cuenta.

 

Nadie se explica, aún, cómo Barry Jenkins ganó un Oscar con Moonlight en 2027, una película que nadie vio y nadie recuerda. Uno de los mayores errores de la Academia de Hollywood, el año de esa maravilla que es La La Land.

 

Desde entonces este director ha realizado alguna miniserie que nadie vio, un mediometraje documental y la mediocre película El blues de Beale Street. Ahora con Mufasa tampoco pasará a la historia.

 

Desde luego llegó a la cúspide del cine y ahora solo sabe descender. ¡Ánimo chaval!

 

Debe quedar claro que Mufasa es una película que no recominedo a las familias, sus hijos se van a aburrir como ostras, pedirán salir a hacer pis 20 veces , o incluso escapar del cine. 

 

Los mayores que deseen ver un producto Disney clásico se verán decepcionados.

 

A los espectadores del día del abuelo no los veo yendo a ver Mufasa.

 

¿Entonces, quién queda?

Sencillamente nadie.

 

Auguro un de los más estrepitosos fracasos en taquilla de la historia del cine. 

 

Mi puntuación: 4,40/10.

 

 

 

Dirigido por Barry Jenkins:

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

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Las mejores películas de 2024 (o al menos las que más me han gustado)

21/12/2024

 

 

 

 

 

 

Es tiempo de confeccionar listas y yo no quiero ser menos.

 

Empecemos con el cine patrio:

 

Las  mejores películas de cine español de 2024

 

La infiltrada y La estrella azul:

 

Por supuesto que no podía dejar de incluir dos de las mejores películas del año que además tienen directores a los que conozco y aprecio. Estoy hablando de La estrella azul del zaragozano Javier Macipe y de la bilbaína Arantxa Echevarría con su La infiltrada

 

Hablando de zaragozanos y bilbaínos… va un chiste.

¿En qué se parecen y en qué se diferencian?

Se parecen en que los dos si ven una puerta que pone “tirar” los dos empujan.

Y se diferencian en que los de Bilbao la termina abriendo.

 

La estrella azul es una película luminosa y triste a la vez, que habla de esperanzas, de caminos encontrados y de vidas posibles. Un producto muy cinematográfico. 

 

Siendo una película pequeña que pasó hace 15 meses por el Festival de Donosti ha tenido una larga carrera de premios, culminado su trayectoria llegando a las nominaciones a los Goya.

 

Si no fuera porque está La infiltrada que me tiene robado el corazón mi voto iría para ella. 

 

Pero Macipe sí tiene seguro mi papeleta para Mejor dirección nobel.

 

La infiltrada es una película tan potente, tan bien dirigida, tan bien interpretada que apabulla. Una película que ha gustado a todos. 

 

No sé si necesitamos hablar del terrorismo y de la lucha contra él, pero sí que necesitamos tan buenos thrillers como éste.

 

 

 

Salve María

 

La vi en la Seminci y me cautivó.

 

Inexplicablemente ha tenido una pequeña distribución, llegando a muy pocas salas.

 

Mar Coll nos muestra a una puérpera que le cuesta asumir el papel de madre perfecta que la sociedad espera.

 

La directora nos presenta a través de su protagonista, a la que da vida Laura Weissmahr, a una escritora que ve que su vida se ha truncado desde que nació su hijo y se obsesiona con un caso mediático de infanticidio.

 

Un drama familiar trufado por el thriller  psicológico que nos mete perfectamente en la piel de María, a la que terminamos comprendiendo. 

 

Hace unos años hubiéramos llamado a este personaje “mala madre“.

 

Un peliculón que no puedo dejar de incluir entre estas mejores películas españolas de 2024.

 

 

 

Las chicas de la estación

 

Juana Macías expone el caso real de unas chicas de un centro de menores explotadas sexualmente. 

 

Esta producción me ha impresionado profundamente. Salí del cine consternado y compungido.

 

Una película sobrecogedora y triste.

 

Impresionantes las debutantes Julieta Tobío, Salua Hadra y María Steelman.

 

 

 

Los destellos

 

La zaragozana Pilar Palomero cocina una película a fuego lento, hasta cierto punto contemplativa, dosificando la información al espectador para desarrollar una trama fascinante.

 

Podemos percibir, casi en tiempo real, los cambios de sentimientos y percepciones de esta mujer separada, que por la insistencia de su hija y la mala situación de su ex, se reencuentra con él.

 

Para componer estos personajes Pilar Palomero ha contado con dos monstruos de la interpretación patria como Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre.

 

Ella construye su personaje desde los silencios y la mirada. Él se transforma físicamente en un paciente agónico.

 

Injustamente olvidada en los Goya.

 

 

 

La casa

 

Álex Montoya adapta el sensacional cómic con el mismo nombre de Paco Roca, que le sirve de prodigioso storyboard.

 

La película rebosa sentimientos y humanidad, con escenas realmente brillantes de un realismo en el que nos podemos ver identificados.

 

Conforme avanza el metraje se vuelve en una experiencia emocional intensa y gratificante, con sensaciones encontradas como las de verdad.

 

 

 

Las 17 mejores películas de cine internacional de 2024

 

Emilia Pérez

 

Estamos ante la obra maestra de Jacque Audiard.

 

Un thriller musical magnético que te deja maravillado desde los primeros fotogramas.

 

Audiard construye una película sin puntos muertos, que avanza sin descanso escarbando en temas actuales de la sociedad mexicana, desde la violencia, el narcotráfico, los desaparecidos, la violencia machista, el amor paternal… y por supuesto la identidad de género.

 

La película del año sin lugar a dudas.

 

 

 

La sustancia

 

Su directora Coralie Fargeat nos plantea la importancia que se da en esta sociedad a la belleza física y a la juventud, y el drama, especialmente femenino, que cuando se llega a una determinada edad te vuelves invisible e ignorada.

 

La cámara de Coralie se regodea en el físico de Demi y, también y especialmente, en el de Margaret Qualley, con una visión babosa y pajillera de sus cuerpos, que se tolerada porque la realiza una directora.

 

La película avanza con un ritmo increíble ofreciendo escenas que son inolvidables y de una potencia visual arrolladora.

 

Hay discurso feminista, gore, terror, escenas que nos llevan al cine del mejor Cronenberg.

 

Su apoteosis final es desmedida y estrambótica, pero perfecta en un cine que juega al exceso y gana.

 

 

 

Dune: Parte Dos

 

Villeneuve consigue trasladar a la pantalla la novela de Frank Herbert, llevándola a su terreno, consiguiendo combinar un relato épico, de proporciones colosales, con el intimismo del viaje emocional de los protagonistas.

 

Hay espectáculo visual desbordante y meditación sobre el destino y la forja del héroe.

 

La grandeza visual de las imágenes con su poder hipnótico no oculta, para nada, la visión personal íntima del protagonista atormentado ante la perspectiva de no poder evitar su destino.

 

Denis no construye un relato simplista, sino muy complejo, lleno de acción, de amor, de sentimientos y de enrevesada trama política.

 

 

 

Civil War 

 

Alex Garland nos ofrece una película de guerra, pero sus protagonistas no van armados, no disparan ni un tiro, solo hacen fotos.

 

Esta road movie en medio de una guerra, de la que Garland solo nos da alguna pincelada, pero las suficientes para ponernos en situación, la protagonizan un grupo heterogéneo, casi ridículo, de periodistas. Algunos llenos de juicio, otros pasados de rosca, alguno deseoso de aprender.

 

La jovencísima Cailee Spaeny, dando vida a Jessie, en un diálogo nos dice: “nunca había tenido tanto miedo, pero nunca me había sentido tan viva”.

 

En cierto modo esa es la experiencia que nos hace sentir Alex.

 

 

 

Sangre en los labios

 

La directora Rose Glass nos ofrece una love story en un universo turbio y miserable.

 

Esta relación amorosa complicada y llena de altibajos, como todas, nos la sitúa en esa América profunda, que rebosa personajes tenebrosos y lugares cutres.

 

Vidas insustanciales donde el alcohol y las drogas son el único refugio, donde hay que triunfar aunque sea por un día y en algo totalmente superfluo.

 

El sueño americano está roto para siempre… Parece que la violencia es la única salida en una sociedad corrompida, vacía y sin alicientes verdaderos.

 

 

Joker: Folie à Deux

 

Todd Phillips ha construido una película trágica en la que comprendemos que la idea concebida por las masas sobre el personaje es más poderosa que la persona.

 

Como ya sabemos Joaquin Phoenix da vida a Arthur Fleck, que encarna al perfecto antihéroe en su definición más pura. Un individuo común que muy a su pesar y sin pretenderlo es encumbrado por el populacho a la situación de líder. Esto ya lo percibimos en su antecesora.

 

Lady Gaga compone el personaje de Lee Quinzel, que se enamora de la imagen deformada de Arthur, de la idea, del personaje, pero termina repudiando a la persona.

 

Todo esto salpicado de estupendos números musicales, con una Lady Gaga desbordante en su papel de (mala) cantante y como actriz.

 

Una película que gana cuando se analiza, cuando después de reposarla se comprende la verdadera idea de la historia y por ello somos capaces encajar una trama que tendrá secuelas, pero sin Joaquin Phoenix.

 

 

Furiosa: De la saga Mad Max

 

Con Furiosa sufres, sudas, pasas sed, hueles a gasolina, te duelen sus heridas, sientes rabia y amargura… Vives intensamente, más intensamente que nunca en tu vida.

 

Hay también una jugosa reflexión sobre la venganza y sobre que el dolor de una pérdida nunca se compensará por muy terrible que sea el castigo al culpable.

 

Sus últimos minutos tienen un aire shakespeariano, en que la trama se toma un respiro y los personajes son movidos por su destino fatídico.

 

 

 

Del revés 2 (Inside Out 2)

 

Tal vez no disfrutemos de la originalidad de la primera entrega, pero Pixar, que pocas veces ha defraudado, nos entrega un producto solvente bien construido, que en su primera mitad me parece previsible, pero que en su parte final consigue volver a emocionarme y a iluminar mis ojos.

 

 

 

Deadpool y Lobezno

 

Hay algunos diálogos brillantes como cuando Lobezno analiza la existencia (miserable) de Deadpool, en ese vehículo familiar, desencadenando una pelea bestial.

 

La película es divertida de visionar, pero más aún de comentar, ya que rebosa referencias y personajes que pueden volver locos a los fans de estos universos de X-Men y Marvel que, ahora ya, se pueden fusionar.

 

 

 

MaXXXine

 

Una historia muy ochentera y potente. Hay cine dentro del cine. Intriga con cierto aire de thriller clásico. Homenajes explícitos al maestro del suspense, el inmenso Alfred Hitchcock y especialmente a su película Psicosis (homenaje explícito). Un estilo muy a lo Brian De Palma, con travellings, planos secuencias y (hasta) pantallas partidas incluidos (homenaje implícito).

 

Ti West realiza un cine con el que conecto perfectamente, efectista, ligeramente transgresor, satírico y, al mismo tiempo, con un cierto aire clásico y trasnochado.

 

 

Anora

 

Anora es una gran comedia (se podría añadir el calificativo de sexual), donde te ríes a reventar.

 

Como toda buena comedia cuenta la dramática historia de una trabajadora sexual que vive el sueño de dejar la miseria atrás, para vivir una existencia de ricos con un niñato, que parece que la quiere.

 

Nos reímos, como se suele hacer en las comedias, de las miserias humanas, de los sueños imposibles, de patéticas existencias.

 

Mientras las anteriores películas de Sean Baker tenían un fondo reflexivo muy acusado, en ésta el mensaje es muy explícito y más simple.

 

Pero en todas parece decirnos lo mismo: los sueños, sueños son y la vida real es cruel y no da oportunidades a los pobres.

 

 

Strange Darling

 

Thriller con acción y un poquito de gore, relatado en 6 episodios y un epílogo.

 

Su director, JT Mollner, cuenta con el espectador para que vaya construyendo una narración, al presentarnos los episodios de forma intencionadamente desordenada.

 

Juega en cierto modo con la trama, retorciéndola para que el público sea engañado y asombrado por lo que irá descubriendo.

 

Una película formidable.

 

No te la pierdas.

 

 

 

Cónclave – 2024 – Edward Berger

 

En un ambiente claustrofóbico y viciado, contemplamos fascinados las luchas para llegar a ser Sumo Pontífice.

 

Los discursos integradores que hablan del arrepentimiento y del perdón son solo palabras, una fachada de falsedades para ocultar de manera torpe las ambiciones y las ansias de poder.

 

Frases que causan hilaridad en el público como “he sentido la llamada del Espíritu Santo”.

 

La película funciona a la perfección por el inmenso trabajo de montaje, unos diálogos punzantes que apuntan certeros, unos actores mayúsculos y un montaje de sonido espectacular.

 

 

 

 

Parthenope – 2024 – Paolo Sorrentino

 

Sorrentino nos muestra una mujer, sobre todo inteligente, que no quiere usar su belleza, que se muestra asertiva y no se deja seducir por las masculinidades hiperandrogénicas.

 

Pero también nos plantea cuestiones intelectuales de calado o religiosas llevando la concupiscencia a las catedrales y a los milagros.

 

Una película inabarcable y tremenda.

 

Bella, deprimente, melancólica, irónica, trágica y optimista. 

 

Impresionante fotografía, donde cada fotograma es digno de contemplar y admirar.

 

 

 

 

El baño del diablo – The Devil’s Bath – 2024 – Severin Fiala, Veronika Franz

 

No podía faltar en mi lista la película ganadora en Sitges, tan denostada por algunos y que levanta pasiones en otros, entre los que me incluyo.

 

Severin Fiala y Veronika Franz son una pareja de cineastas austriacos que han dirigido películas muy interesantes.

 

Aquí nos sumergen en una producción de época en la que la joven Agnes (sensacional Anja Plaschg) se casa ilusionada con un marido que le saldrá rana… Todas sus esperanzas se ven frustradas y entra en una depresión psicótica de consecuencias nefastas.

 

Una experiencia turbadora y terrorífica, donde el cristianismo y las convenciones sociales tienen mucho que decir.

 

 

 

 

 

 

La semilla de la higuera sagrada – Daneh Anjeer Moghadas – The Seed of the Sacred Fig – 2024 – Mohammad Rasoulof

 

Rasoulof nos presenta un drama familiar y social con estructura de thriller, que, a veces, resulta asfixiante y otras divertido, pero siempre ilustrativo.

 

Funciona bien reflejando la crisis que vive un país, en el que el autoritarismo se está poniendo en cuestión sobre todo por las mujeres jóvenes, que ven en el velo el símbolo de la represión.

 

Me gusta la idea de que los individuos que están dentro de los engranajes del sistema están atrapados en él, sin posibilidad de redención.

 

Una sensacional película.

 

 

 

 

Horizon: An American Saga – Capítulo 1 – 2024 – Kevin Costner

 

Costner recoge el verdadero espíritu del western clásico, pero lo actualiza y aporta la doble perspectiva del colono y del indígena.

 

Abre varios frentes, historias que se van ir completando en sus restantes entregas.

 

Compone un inmenso fresco sobre la ocupación del Oeste americano. Un territorio violento y sin leyes, donde impera la maldad, pero también hay hombres buenos.

 

Este género siempre se ha centrado en el hombre como gran protagonista, pero Kevin sabe dar personajes potentes a unas pocas actrices.

 

Todo es perfecto: la fotografía, el montaje, el guion, los personajes… Todo te hace respirar el aroma del espíritu del western.

 

Estoy convencido que Horizon es una obra maestra que se tiene que completar con los próximos capítulos. 

 

 

 

 

 

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

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Nominados a los Goya 2025: La estrella azul de la infiltrada tiene la casa en llamas y el 47 no se merece ni el segundo premio

21/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bueno, amig@s del cine patrio, ya tenemos la lista de los nominados a los Premios Goya 2025, y la cosa viene calentita.

 

Como siempre, hay alegrías, sorpresas y también esas pelis que nos hacen decir: ¿De verdad alguien le dio al “play” dos veces? Pero vamos por partes.

 

 

 

Lo que NO queríamos ver más

 

Empezamos por lo que canta más que un gallo ronco en plena ópera: El 47 y Segundo premio. ¿En serio? Qué alguien me explique cómo han llegado estas películas a la lista.

 

La primera parece hecha con el presupuesto de un bocadillo de mortadela y, encima, con música de ascensor. Una película mal dirigida, mal montada y mal musicada, pero parece que su temática social sirva para ocultar sus graves defectos.

 

Y de la segunda… Bueno, el título ya lo dice todo: ni de coña da para un primer premio.

 

Isaki Lacuesta ha compuesto una película aburrida y triste, que me desagradó profundamente cuando la vi en el Festival de Málaga, del que salió ganadora. 

 

Eso y que la hayamos ofertado para los Oscar con resultado catastrófico parece que obligaban a tenerla en el quinteto de nominados.

 

Aún así, El 47 se ha colado con 14 nominaciones, y “Segundo premio” con 11, lo cual demuestra que el universo Goya es tan impredecible como mi vecino Eusebio (y no es broma) intentando bailar salsa.

 

 

El bombazo: “La infiltrada

 

Y ahora, hablemos de lo bueno:

 

La infiltrada, con 13 nominaciones bajo el brazo.

 

¡Qué película, señoras y señores! Esto sí que es un thriller como Dios manda. Giros de guion que te dejan clavado en la butaca, actuaciones que hasta mi abuela dejaría el ganchillo para aplaudir. 

 

Carolina Yuste en estado de gracia.

 

La película del año, con permiso de La estrella azul.

 

Debe ser sin duda la película ganadora en esta próxima gala de los Goya a la que asistiré el 5 de Febrero, por ser una estupenda película y haber tenido un apoyo de público nunca visto para una thriller español.

 

 

La gran revelación: “La estrella azul

 

Y no podemos olvidarnos de Javier Macipe, que está viviendo su año dorado con La estrella azul.

 

Esta joya del cine independiente ha conquistado corazones y críticos por igual, llevándose nada menos que 8 nominaciones.

 

Desde que la vi en Donosti hace más de un año la he ido defendiendo.

 

Tengo el corazón partío entre esta producción zaragozana y la de Arantxa Echevarria que me tiene robada la patata.

 

¡El chico lo ha petado! La película cuenta una historia cargada de sensibilidad y originalidad, y lo mejor de todo es que no necesita artificios para emocionarte.

 

Si alguien se merecía estar aquí, es Macipe

 

Casi seguro será premiado como director revelación.

 

¿Puede que estemos ante el nuevo Almodóvar? Quién sabe, pero de momento ya tiene asegurada la alfombra roja.

 

 

El caso curioso: “La habitación de al lado

 

Y hablando de Almodóvar, La habitación de al lado se ha llevado nada menos que 10 nominaciones, pero, ojo al dato: ¡no está en el quinteto de Mejor Película! Eso sí, Pedro está nominado a Mejor Dirección, porque claro, cómo no nominar al maestro.

 

Esto es como si te invitan a una boda pero te dejan sin tarta.

 

Un poco raro, ¿no?

 

 

La polémica: “La virgen roja

 

Y ahora vamos con el culebrón de la semana: La virgen roja, que ha conseguido 9 nominaciones. Hasta aquí, todo bien.

 

Pero su protagonista, Najwa Nimri, se ha quedado fuera de la lista de nominadas a Mejor Actriz. Y claro, la cosa ha estallado.

 

Najwa, con su estilo directo y sin filtros, ha dicho en la red social X que es política. No entiendo a que se refiere, pero no entender lo que dice con su pésima dicción es lo habitual.

 

Perdona Najwa, pero no te tengo demasiado aprecio.

 

En cualquier caso, quiero aprovechar para hacer una reverencia (imaginaria, claro) a la directora de esta maravilla, Paula Ortiz.

 

¡Qué talento, qué visión, qué manera de contar historias! Si alguien sabe cómo sacar petróleo de sus actores y emocionar al personal, es ella. Mi respeto absoluto.

 

 

El exitazo de “Casa en flames” y el cine catalán

 

¡Atención al cine catalán, que lo está petando!

 

Casa en flames no solo arrasa en taquilla, sobre todo en Cataluña, sino que también ha conseguido nada menos que 7 nominaciones.

 

Esta película ha demostrado que se puede ser comercial y artístico a la vez, algo que no todos logran.

 

Dani de la Orden, un director prolífico, al que deben de adorar los productores, porque hace películas de bajo presupuesto que funcionan bien en taquilla, en esta ocasión ha acertado con este relato de una familia disfuncional, como todas.

 

Y por si fuera poco, la también taquillera El 47 también es una producción catalana. Hay que reconocer que Cataluña está en racha.

 

 

Se esperaba más del embustero.

 

Marco, el relato de un mentiroso, al que da vida de manera prodigiosa Eduard Fernández, ha obtenido 5 nominaciones.

 

La más destacadas mejor dirección a Aitor Arregi y Jon Garaño y actor protagonista para Eduard Fernández, que ya digo de antemano que lo tiene ganado.

 

 

 

Solís en racha:

 

Destacar que la película de animación de mi amigo Pedro Solís, Buffalo Kids, se lleva dos nominaciones.

 

La de mejor producción de animación, como era lógico, y a mejor canción para Show me de Fernando Velázquez.

 

 

Chicas Almodóvar:

 

La presencia de Julianne Moore y Tilda Swinton por La habitación de al lado de Almodóvar en la lista de nominadas a mejores actrices protagonistas favorece que Carolina Yuste se lleve el Goya al agua, por otra parte totalmente merecido.

 

 

Aixa te idolatro:

 

Ojalá Aixa Villagrán se lleve el premio a mejor actriz de reparto por La Virgen Roja, siento veneración por esta estupenda actriz. Se ha convertido en una secundaria imprescindible

 

 

¡Eso es todo amigos!

 

Si quieres ver todas las nominaciones pincha en el enlace de aquí abajo:

Éstas son las nominaciones de los Premios Goya 2025

 

 

 

 

 

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Centauros de la Alcarria – Episodio 125 – Mufasa llega a los cines y analizamos la interesante ¿Es el enemigo? La Película de Gila

20/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

El programa ampliado y extendido se puede oír en el Podcast de Centauros de la Alcarria.

 

 

Mufasa llega a los cines y analizamos la interesante ¿Es el enemigo? La Película de Gila

20/12/2024

 

Esta semana nos acompaña Rafael González, una figura capital del periodismo para el director de este programa. Con él, con Ramón y con Jorge hablamos de los estrenos de esta semana en los Multicines Guadalajara: Cónclave, drama sobre la elección de un nuevo Papa, protagonizado por Ralph Fiennes e Isabella Rossellini; La guitarra flamenca de Yerai Cortés, documental sobre el guitarrista Yerai Cortés dirigido, y por lo que se ve con mucho acierto, por C. Tangana; Mufasa: El Rey León, la precuela del clásico de Disney que explora los orígenes del padre de Simba; y Un lío de millones, comedia familiar con Antonio Resines sobre unos padres que se inventan un premio de lotería para reunir a sus hijos.

 

Después hablamos de la actualidad cinematográfica, como el tráiler del nuevo Superman, las candidaturas de los Goya y el fallecimiento de la inigualable Marisa Paredes.

 

Por último, en la zona Spoiler Total, a partir de los 60 minutos de programa, analizamos y debatimos sobre ¿Es el enemigo? La película de Gila. Una historia que ha calada de manera desigual entre nuestros centauros.

 

 

 

Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.

 

Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.

 

Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.

 

Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.

 

Centauros de la Alcarria en Nueva Alcarria

 

Podcast de Centauros de la Alcarria

 

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Marisa Paredes: La musa del cine español

20/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Marisa Paredes: La musa del cine español

 

Un recorrido por la vida y obra de una de las actrices más icónicas de nuestro cine

 

 

Introducción

 

El cine español está de luto. Nos ha dejado Marisa Paredes, una de las actrices más queridas y admiradas de nuestro país.

 

Su talento, su versatilidad y su compromiso con el cine independiente la convirtieron en un referente para generaciones de actores y cineastas.

 

A través de sus papeles, nos regaló momentos inolvidables y nos hizo reír, llorar y emocionarnos.

 

En este artículo, rendiremos homenaje a su figura, explorando su trayectoria, su relación con Pedro Almodóvar y su legado en el cine español.

 

 

 

 

Los inicios de una estrella

 

Marisa Paredes nació en Madrid, España, el 3 de abril de 1946. Su nombre completo es María Luisa Paredes Bartolomé, y es una de las actrices más reconocidas del cine español, con una trayectoria que abarca tanto el cine como el teatro y la televisión.

 

Sus primeros pasos los dio en el teatro, donde rápidamente demostró su talento y carisma.

 

Su salto al cine no se hizo esperar, y pronto comenzó a trabajar con algunos de los directores más importantes del momento.

 

Sin embargo, sería su encuentro con Pedro Almodóvar el que la catapultaría a la fama internacional.

 

 

 

 

La musa de Almodóvar: Un tándem cinematográfico

 

La colaboración entre Marisa Paredes y Pedro Almodóvar es una de las más fructíferas del cine español. Juntos crearon personajes inolvidables que han quedado grabados en la memoria del público.

 

Aquí tenemos una lista de las películas de Almodóvar en las que participó:

 

Entre tinieblas” (1983) – Interpretó a Sor Estiércol, una monja de un convento poco convencional.

 

Tacones lejanos” (1991) – Dio vida a Becky del Páramo, una famosa cantante y madre de la protagonista, en una historia cargada de melodrama y reconciliación.

 

La flor de mi secreto” (1995) – Protagonizó el filme en el papel de Leo Macías, una escritora atrapada en un conflicto emocional y profesional.

 

Todo sobre mi madre” (1999) – Interpretó a Huma Rojo, una actriz teatral que se convierte en una figura importante en la vida de la protagonista.

 

La piel que habito” (2011) – Tuvo un papel secundario como Marilia, una mujer con un oscuro secreto familiar.

 

 

 

Más allá de Almodóvar

 

Marisa Paredes ha trabajado con numerosos directores destacados tanto en España como a nivel internacional.

 

Aquí tienes una lista de algunos de los directores más notables con los que ha colaborado, además de Pedro Almodóvar:

 

Directores españoles:

 

Carlos Saura

    • “Goya en Burdeos” (1999): Interpretó a Josefa Bayeu, la esposa de Francisco de Goya.

 

Fernando Trueba

    • “El sueño del mono loco” (1989): Una película de intriga y drama protagonizada por Jeff Goldblum.
    • “La reina de España” (2016): Una secuela de “La niña de tus ojos” en la que aparece en un papel secundario.

 

Víctor Erice

    • “El espíritu de la colmena” (1973): Aunque no fue protagonista, tuvo un pequeño papel en este clásico del cine español.

 

Imanol Uribe

    • “El palo” (2001): Una comedia negra sobre un grupo de mujeres que planea un robo.

 

Jaime Chávarri

    • “Las cosas del querer” (1989): Interpretó a una mujer vinculada al mundo del espectáculo y la música.

 

 

Directores internacionales:

 

Roberto Benigni (Italia)

    • “La vida es bella” (1997): Aunque su papel fue breve, participó en esta icónica película ganadora del Oscar.

 

Raúl Ruiz (Chile-Francia)

    • “Genealogías de un crimen” (1997): Un thriller psicológico protagonizado por Catherine Deneuve.

 

Francesca Archibugi (Italia)

    • “Il grande cocomero” (1993): Una película italiana en la que demostró su versatilidad.

 

Manuel Gutiérrez Aragón

    • “La mitad del cielo” (1986): Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián, donde interpretó a una mujer que busca superar las adversidades.

 

Marisa Paredes ha tenido una carrera internacional prolífica, participando en proyectos de gran calidad y destacándose por su presencia magnética y su capacidad para interpretar personajes complejos.

 

 

 

Compromiso político

 

Más allá de su faceta como actriz, Marisa Paredes siempre mostró un gran compromiso social y político. A través de sus películas y de sus intervenciones públicas, defendió los derechos de las mujeres y luchó por una sociedad más justa y equitativa.

 

Anécdota:

En los años 80, Paredes participó en varias manifestaciones y actos en defensa de los derechos de las mujeres. Su presencia en estos eventos contribuyó a visibilizar la lucha feminista en España.

 

 

Legado y trascendencia

 

Marisa Paredes nos deja un legado inmenso. Su talento, su belleza y su compromiso con el cine la convirtieron en un icono del cine español. Sus películas seguirán inspirando a futuras generaciones de cineastas y actores.

 

Anécdota:

En una entrevista reciente, Penélope Cruz confesó que Marisa Paredes había sido una de sus mayores influencias y que siempre había admirado su capacidad para transmitir emociones a través de la mirada.

 

 

La muerte de Marisa Paredes es una pérdida irreparable para el cine español. Sin embargo, su legado perdurará a través de sus películas, que seguirán emocionando y conmoviendo al público durante muchos años. Gracias, Marisa, por todo lo que nos has dado.

 

 

 

 

¿Cómo era Marisa Paredes percibida por el público?

 
 

Marisa Paredes era percibida por el público como una actriz versátil, elegante y comprometida. Su imagen trascendía la pantalla, convirtiéndola en un icono del cine español.

 

A continuación, te detallo algunas de las características que más destacaban en la percepción pública:

 

  • Elegancia y sofisticación: Su presencia en pantalla era siempre impecable. Su porte y su voz, cálida y profunda, la convertían en una figura magnética.

 

  • Versatilidad: Paredes demostró una gran capacidad para interpretar una amplia gama de personajes, desde mujeres fuertes y independientes hasta personajes más vulnerables y complejos.

 

  • Compromiso social: Era reconocida por su compromiso con causas sociales y políticas. Su voz se alzaba en defensa de los derechos de las mujeres y de la cultura.

 

  • Ícono del cine español: Su nombre estaba asociado al cine español de calidad, y era considerada una de las grandes actrices de nuestro país.

 

  • Cercanía: A pesar de su fama, Paredes siempre mostró una gran cercanía con el público, lo que la hacía aún más querida.

 

Algunos aspectos que contribuyeron a esta percepción positiva:

 

  • Su colaboración con Almodóvar: Su trabajo junto a Pedro Almodóvar la convirtió en un rostro familiar para el público y la proyectó a nivel internacional.

 

  • Su presencia en el teatro: Su formación teatral le proporcionó una sólida base interpretativa y le permitió conectar de manera más profunda con el público.

 

  • Su compromiso con la Academia de Cine: Durante su presidencia, luchó por la defensa de la cultura y los derechos de los profesionales del cine.

 

En definitiva, Marisa Paredes era una figura admirada y respetada por el público español. Su talento, su compromiso y su elegancia la convirtieron en una de las actrices más queridas de nuestro cine.

 

 
 
 
 
 
 

 

 

 

 

 
 
 
 
 
 

Marisa Paredes como presidenta de la Academia de Cine

 

El paso de Marisa Paredes como presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, entre 2000 y 2003, estuvo marcado por un fuerte compromiso con la defensa del cine español y por una gestión caracterizada por la transparencia y la participación.

 

Aspectos destacados de su presidencia:

 

  • Gala del “No a la guerra”: Uno de los momentos más recordados de su mandato fue la gala de los Premios Goya de 2003, que se celebró en un contexto marcado por la guerra de Irak. Bajo la presidencia de Paredes, la Academia decidió tomar una postura clara en contra del conflicto bélico, convirtiendo la gala en un acto de protesta pacífica. La lectura de un manifiesto contra la guerra por parte de diversos miembros de la industria cinematográfica fue un momento histórico que generó un gran impacto mediático y social.

 

  • Defensa del cine español: Paredes siempre fue una ferviente defensora del cine español y, durante su mandato, impulsó diversas iniciativas para promover y proteger la industria cinematográfica nacional.

 

  • Transparencia y participación: Buscó fomentar la participación de todos los miembros de la Academia en la toma de decisiones, promoviendo un clima de diálogo y consenso.

 

  • Relaciones internacionales: Fortaleció los lazos de la Academia con otras instituciones cinematográficas internacionales, contribuyendo a la proyección del cine español en el exterior.

 

 

Un periodo desafiante pero fructífero

 

Su presidencia coincidió con un periodo de grandes cambios en la industria cinematográfica, tanto a nivel nacional como internacional. A pesar de los desafíos, Paredes supo liderar la Academia con firmeza y visión de futuro. Su gestión dejó una huella imborrable en la institución y contribuyó a consolidar su papel como referente del cine español.

 

Marisa Paredes fue una presidenta comprometida y visionaria que supo aprovechar su posición para defender los intereses del cine español y para convertir a la Academia en una voz influyente en el debate cultural. Su legado sigue siendo una fuente de inspiración para las nuevas generaciones de cineastas.

 

 

 

 

 

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Querer (Miniserie) – 2024 – Alauda Ruiz de Azúa (Creadora), Eduard Sola (Creador), Júlia de Paz (Creadora) – Movistar Plus+

19/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Papá tiene mal genio.

 

Se ve claro que a Alauda Ruiz de Azúa le interesa el tema de la familia y sus complejas relaciones.

 

Me maravilló con la formidable Cinco lobitos.

 

Tuve la oportunidad de conocerla y moderar el debate de la presentación de su primera película dentro del Proyecto Viridiana. Una joven encantadora.

 

En esta miniserie nos presenta el retrato descarnado y terrible de un maltratador de la vieja guardia. 

 

Siempre he dicho que no hay nada peor que ser tonto y no ser consciente de ello. Eso se puede aplicar también a la maldad. 

 

Porque Iñigo Gorosmendi, al que da vida un formidable Pedro Casablanc, se cree un buen padre y un buen marido. Lo peor de todo es que una gran parte de su entorno y de la sociedad también lo cree.

 

Terribles estas realidades que nos presenta Alauda. Terribles y cotidianas.

 

Disecciona con pulso firme ese entorno y nos viene a decir que hay que luchar mucho para alcanzar una justicia que, tristemente, resulta inalcanzable.

 

Dirige la película sin grandes aspavientos, sin insistir en la tragedia, con actores contenidos y escenas que huyen del melodrama, dando una gratísima sensación de sobriedad y mesura.

 

Con esta dirección clásica consigue mover sentimientos y emociones profundas que nos hacen revolvernos contra esos malhechores que te amargan la vida.

 

Interesante la reflexión sobre las conductas tóxicas aprendidas, que se repiten irreflexivamente que solo causan dolor e infelicidad.

 

Una miniserie excelente. 

 

Alauda ocupas uno de los altares de mi religión

 

Mi puntuación: 9,88/10.

 

 

Alauda Ruiz de Azúa (Creadora):

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

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La extraña pasajera – Now, Voyager – 1942 – Irving Rapper – Sesión 2: Max Steiner – Curso UNED 2024-2025 – Banda aparte. Música y Cine

19/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

¡Charlotte, quítate las gafas de una vez!

 

“No queramos la luna cuando tenemos las estrellas”.

 

No recordaba haber visto esta película y desde que la he visionado mi vida es más feliz.

 

He descubierto una de los mejores melodramas de la historia del cine.

 

Un film que me ha producido una intensa emoción y que me ha conmovido.

 

En realidad, es más que un simple melodrama, al que podemos agregar el calificativo de psicológico.

 

La pobre Charlotte, a la que da vida una inmensa Bette Davis, vive subyugada por su despótica madre.

 

La película despliega una gran cantidad de detalles psicológicos para describir la personalidad dependiente. Una tardanica, que nació destinada a cuidar de su progenitora. Que usa lentes para no ver la vida, sino a través de los ojos de su madre. Cuando se quita esos lentes comienza a ver una existencia, que no solo va a ser leer libros clandestinamente y esculpir cajitas de marfil.

 

Cuando la película parece resuelta se nos presenta un nuevo inconveniente en la vida de Charlotte. Un amor con un hombre casado. En esos tiempos de puritanismo vemos como se consuma el adulterio y los amantes terminan resignados: 

“No queramos la luna cuando tenemos las estrellas”.

 

Podemos ver dos actores que comparten reparto con la mítica Casablanca. Las dos son del año 42.

 

Paul Henreid interpreta a Jerry Durrance en este film y a Victor Laszlo, el líder de la resistencia checa, en Casablanca.

 

Un actor muy elegante y que ejerce perfectamente de galán sensible.

 

Claude Rains dio vida al Capitán Louis Renault, el corrupto prefecto de policía de Casablanca.

En La extraña pasajera da vida al Dr. Jaquith, el psiquiatra que trata a Charlotte.

 

Los dos personajes comparten cierto escepticismo vital, aunque sus papeles son muy diferentes.

 

Este film nos habla de la necesidad de liberarse de las cadenas que nos impiden ser felices y de qué la vida hay que vivirla intentando ayudar a los demás y, siempre, buscando el amor verdadero.

 

Ya sé que soy muy flojo, pero a mí me ha tocado la patata.

 

Uno de los mejores melodramas de la historia del cine.

 

Mi puntuación: 9,69/10.

 

 

Ficha de esta película:

En este enlace.

 

Dirigido por Irving Rapper:

 

Música de Max Steiner:

 

 

 

Irving Rapper: Un director de la época dorada de Hollywood

 

Irving Rapper, cineasta británico radicado en Estados Unidos, fue una figura destacada en la época dorada de Hollywood. Con una carrera que se extendió por varias décadas, Rapper se destacó por su habilidad para dirigir melodramas y comedias románticas, dejando una huella imborrable en la industria cinematográfica.

 

 

 

Biografía

 

Nacido en Londres en 1898, Irving Rapper emigró a Estados Unidos y se involucró en el mundo del cine desde una edad temprana.

 

Comenzó como actor de teatro y, posteriormente, se convirtió en asistente de dirección.

 

Su gran oportunidad llegó cuando comenzó a trabajar para la Warner Bros., donde tuvo la oportunidad de dirigir a algunas de las estrellas más importantes de la época.

 

 

 

Estilo y Temáticas

 

El estilo de Irving Rapper se caracterizó por su sensibilidad a la hora de tratar temas románticos y melodramáticos.

 

Sus películas solían explorar conflictos emocionales intensos y relaciones personales complejas.

 

A menudo, sus protagonistas eran mujeres fuertes y determinadas que enfrentaban desafíos y superaban obstáculos.

 

 

 

Películas Destacadas

 

A lo largo de su carrera, Irving Rapper dirigió una amplia variedad de películas, pero algunas de sus obras más destacadas incluyen:

 

  • La extraña pasajera (1942): Un thriller psicológico protagonizado por Bette Davis, que narra la historia de una mujer acusada de asesinato que lucha por demostrar su inocencia.

 

  • Rapsodia en azul (1945): Un melodrama musical protagonizado por Joan Leslie y Robert Alda, que cuenta la historia de un pianista de jazz que lucha por alcanzar la fama.

 

  • El bravo (1958): Un western protagonizado por Chuck Connors, que narra la historia de un pistolero que se enfrenta a un grupo de bandidos.

 

  • Nací para ti (1958): Una película dramática basada en la novela de Herman Wouk, que cuenta la historia de una joven judía que se enamora de un hombre mayor.

 

 

 

Legado

 

Irving Rapper fue un director prolífico que contribuyó significativamente al cine clásico de Hollywood.

 

Sus películas, a menudo subestimadas, ofrecen una visión fascinante de la sociedad y las costumbres de la época.

 

Aunque su nombre no es tan conocido como el de otros directores de su generación, su influencia en el cine es innegable.

 

Irving Rapper fue un director talentoso que supo capturar la esencia del melodrama y la comedia romántica.

 

Sus películas, con sus personajes complejos y sus historias conmovedoras, continúan siendo apreciadas por los amantes del cine clásico.

 

 

 

Bette Davis: La Reina del Drama de Hollywood

 

Bette Davis, nacida como Ruth Elizabeth Davis, fue una actriz estadounidense que dejó una huella imborrable en la historia del cine.

Conocida por su intensidad, versatilidad y capacidad para interpretar personajes complejos, Davis se convirtió en una de las actrices más aclamadas y respetadas de su generación.

 

 

 

Una Vida Dedicada al Cine

 

Nacida en Lowell, Massachusetts, en 1908, Davis demostró desde temprana edad una pasión por la actuación.

 

Tras mudarse a Nueva York, comenzó a trabajar en el teatro y, posteriormente, hizo su debut en el cine a finales de los años 20.

 

A lo largo de su extensa carrera, Davis se destacó por su capacidad para interpretar una amplia gama de personajes, desde mujeres fuertes e independientes hasta villanas despiadadas.

 

Su talento la llevó a protagonizar numerosas películas que se convirtieron en clásicos del cine, como “Jezabel” (1938), “Eva al desnudo” (1950) y “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962).

 

 

 

Una Filmografía Impresionante

 

La filmografía de Bette Davis es vasta y variada, abarcando diferentes géneros y estilos. Algunas de sus películas más destacadas incluyen:

 

  • Jezabel (1938): Este drama romántico le valió su primer Premio de la Academia a Mejor Actriz. Davis interpreta a una mujer rebelde y caprichosa que desafía las convenciones sociales.

 

  • La loba (1941): En esta película, Davis encarna a una mujer ambiciosa y manipuladora que hará lo que sea necesario para conseguir lo que desea.

 

  • Now, Voyager (1942): Un melodrama romántico en el que Davis interpreta a una mujer tímida y retraída que encuentra la felicidad gracias a un nuevo amor.

 

  • Eva al desnudo (1950): Considerada una de sus mejores interpretaciones, Davis encarna a una joven ambiciosa que hará todo lo posible por alcanzar la fama y el éxito.

 

  • ¿Qué fue de Baby Jane? (1962): Un thriller psicológico en el que Davis comparte protagonismo con Joan Crawford. Ambas actrices ofrecen interpretaciones memorables en esta película sobre dos hermanas en decadencia.

 

 

 

Una Luchadora Inconforme

 

Bette Davis era conocida por su fuerte personalidad y su determinación.

 

A lo largo de su carrera, tuvo que enfrentarse a numerosos desafíos, tanto profesionales como personales.

 

Sin embargo, nunca se rindió y siempre luchó por lo que creía.

 

Su espíritu indomable la convirtió en un icono feminista y en un modelo a seguir para muchas actrices.

 

 

 

Premios y Reconocimientos

 

A lo largo de su carrera, Bette Davis fue nominada a un total de diez Premios de la Academia, ganando dos veces en la categoría de Mejor Actriz.

 

Además, recibió numerosos premios y reconocimientos por su trabajo, incluyendo un Globo de Oro y un premio especial del American Film Institute.

 

 

Bette Davis fue una de las actrices más importantes y influyentes de la historia del cine. Su legado continúa inspirando a nuevas generaciones de actores y cineastas. Su intensidad, su versatilidad y su compromiso con su arte la convirtieron en una verdadera leyenda de Hollywood.

 

 

 

Bette Davis: Un Icono Feminista Adelantado a Su Tiempo

 

Bette Davis fue mucho más que una simple estrella de cine.

 

Su influencia trascendió la pantalla grande y la convirtió en una figura emblemática en la lucha por los derechos de las mujeres en Hollywood.

 

Aunque no se consideraba a sí misma una feminista en el sentido estricto del término, sus acciones y actitudes la posicionaron como una precursora de este movimiento.

 

 

Una Luchadora Incansable

 

  • Contra los estereotipos: Davis siempre se mostró reacia a ser encasillada en roles femeninos convencionales. Luchó por interpretar personajes complejos y desafiantes, demostrando que las mujeres podían ser mucho más que simples damiselas en peligro.

 

  • Negociación de contratos: En una industria dominada por hombres, Bette Davis no dudó en negociar sus contratos y exigir mejores condiciones laborales. Su determinación sirvió de inspiración para otras actrices que buscaban mayor reconocimiento y equidad.

 

  • Representación de mujeres fuertes: Sus personajes, a menudo mujeres independientes y ambiciosas, desafiaban las normas sociales de la época. Películas como “Jezabel” y “Eva al desnudo” son claros ejemplos de cómo Davis empoderó a las mujeres a través de la pantalla.

 

  • Denuncia de la discriminación: Aunque no fue una activista abierta, Davis no tuvo miedo de denunciar públicamente la discriminación que sufrían las mujeres en Hollywood. Sus comentarios sobre la desigualdad salarial y las oportunidades limitadas para las actrices mayores resonaron en muchas de sus compañeras.

 

 

 

Un Legado Duradero

 

El legado de Bette Davis trasciende su filmografía.

 

Su lucha por la igualdad y su determinación para romper barreras la convirtieron en un símbolo de empoderamiento femenino.

 

A pesar de que no vivió para ver los avances del movimiento feminista, su influencia fue fundamental para allanar el camino para las generaciones futuras de actrices.

 

 

¿Por qué fue tan importante su papel?

 

  • Visibilidad: Al interpretar personajes fuertes y complejos, Davis hizo que las mujeres fueran vistas de una manera diferente en la pantalla, desafiando los estereotipos de género.

 

  • Ejemplo a seguir: Su éxito y determinación inspiraron a muchas mujeres a perseguir sus sueños y a no conformarse con roles secundarios.

 

  • Cuestionamiento del sistema: Al negociar sus contratos y exigir mejores condiciones, Davis cuestionó el statu quo de una industria dominada por hombres.

 

 

Bette Davis fue mucho más que una gran actriz. Fue una pionera que luchó por la igualdad de género en una época en la que las mujeres tenían pocas opciones. Su legado continúa inspirando a las mujeres de hoy en día a luchar por sus derechos y a alcanzar sus metas.

 

 

 

Max Steiner:

 

La música de La Extraña Pasajera (Now, Voyager) de 1942, compuesta por el legendario Max Steiner, es una parte integral de la película y contribuye enormemente a su atmósfera y emotividad.

 

Max Steiner era conocido por sus bandas sonoras épicas y románticas, y en esta película no es la excepción.

 

Su música acompaña perfectamente la transformación de Charlotte Vale, desde una mujer tímida y reprimida hasta una persona segura de sí misma y capaz de amar.

 

Características destacadas de la banda sonora:

 

  • Melodías románticas y emotivas: La música de Steiner subraya los momentos más románticos de la película, como las escenas entre Charlotte y Jerry. Sus melodías son inolvidables y se han convertido en clásicos del cine.

 

  • Uso de la orquesta: Steiner empleó una orquesta sinfónica para crear una rica paleta sonora que abarca desde momentos de gran intensidad hasta pasajes más delicados.

 

  • Integración con la narrativa: La música no solo acompaña la acción, sino que también anticipa los sentimientos de los personajes y profundiza en la historia.

 

 

Un ejemplo icónico:

 

Uno de los momentos más recordados de la película es la escena en la que Jerry y Charlotte comparten un cigarrillo en un barco.

 

La música de Steiner en esta escena es suave y romántica, creando una atmósfera de intimidad y complicidad.

 

 

 

La música de Max Steiner en “La Extraña Pasajera” es una obra maestra que eleva la película a otro nivel.

 

Su belleza y emotividad contribuyen significativamente a la experiencia cinematográfica y han dejado una huella imborrable en la historia del cine.

 

 

 

 

 

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Alguien voló sobre el nido del cuco – One Flew Over the Cuckoo’s Nest – 1975 – Milos Forman – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

19/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Otra de esas películas que encantan a todo el mundo y a mí me parecen una mierda.

 

Ya sé que está mal denostar esta producción que tanto éxito obtuvo en taquilla y en crítica.

 

La típica película que deja contento al público con un mensaje simplista que se apoya en las teorías antipsiquiátricas que vaciaron los manicomios españoles y mundiales, condenando a muchos enfermos mentales a vivir en la indigencia en las calles de las grandes ciudades.

 

La dirección de Milos Forman es bastante competente, con esta película le lanzó a la fama.

 

La recreación de los personajes es penosamente caricaturesca. Su intención es dar consistencia a los enfermos mentales y solo consigue recrear estereotipos manidos, que provienen de creencias populares. Se nota que Forman jamás ha pisado un psiquiátrico.

 

Usa recursos narrativos muy trillados como la terapia electroconvulsiva, que se emplea como castigo. De la que podríamos hablar mucho en otro momento.

 

El héroe de la película es McMurphy, al que da vida un histriónico Jack Nicholson, con el que congeniamos y fraternizamos siendo un violador confeso. 

 

Me resulta repugnante que un personaje así sea el gran atractivo de la película. 

 

El tratamiento de la mujer en este film es claramente degradante. Tenemos a la malvada y retorcida enfermera Ratched (Louise Fletcher) o a las prostitutas que acompañan a McMurphy. Una visión de la mujer realmente penosa.

 

Me hace gracia ver a unos jovencísimos Danny DeVito y Christopher Lloyd.

 

Además la película es retorcidamente falsa, con situaciones absurdas e incoherentes destinadas a contentar a un público que terminará diciendo “qué boniiiiiiiiiiiiita

 

Mi puntuación: Cero patatero/10.

 

 

Dirigido por Milos Forman:

 

 

 

Milos Forman: Un Rebelde Tras la Cámara

 

 

Milos Forman, director checo nacionalizado estadounidense, dejó una huella imborrable en la historia del cine.

 

Su vida y obra, marcadas por la experiencia de vivir bajo regímenes totalitarios, se tradujeron en una filmografía comprometida con la libertad individual y la crítica social.

 

 

Una Juventud Marcada por la Historia

 

Nacido en 1932 en Čáslav, Checoslovaquia, Forman vivió de cerca los horrores de la Segunda Guerra Mundial y la posterior ocupación nazi.

 

Estas experiencias traumáticas marcarían profundamente su visión del mundo y se reflejarían en muchas de sus películas.

 

Tras la guerra, el joven Forman se sumergió en el mundo del cine, fascinado por su poder para contar historias y cuestionar la realidad.

 

La llegada del comunismo a Checoslovaquia supuso un nuevo desafío para Forman.

 

Sus películas, que exploraban temas como la libertad individual y la crítica social, no encajaban con la ideología oficial. Esto le llevó a exiliarse en Estados Unidos en 1968, tras la invasión soviética.

 

 

 

Una Filmografía Comprometida

 

La obra de Forman se caracteriza por su diversidad temática y su estilo visual distintivo.

 

Sus películas abarcan desde comedias satíricas hasta dramas históricos, siempre con un enfoque humano y una mirada crítica hacia la sociedad.

 

 

Películas clave:

 

  • Los amores de una rubia (1965): Su primer gran éxito internacional, una comedia satírica que satirizaba la vida en la Checoslovaquia comunista.

 

  • Alguien voló sobre el nido del cuco (1975): Considerada por muchos como su obra maestra, una crítica mordaz al sistema psiquiátrico y un alegato por la libertad individual.

 

  • Amadeus (1984): Un biopic sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart, que explora temas como la genialidad, la envidia y la naturaleza del arte.

 

  • Valmont (1989): Una adaptación de las “Peligrosas relaciones” de Choderlos de Laclos, ambientada en el siglo XVIII.

 

  • Ragtime (1981): Un fresco épico que retrata la sociedad estadounidense a principios del siglo XX, a través de la vida de varias familias.

 

 

 

Temas Recurrentes en su Obra

 

  • La lucha por la libertad: Forman siempre mostró un profundo interés por la lucha del individuo contra la opresión y la búsqueda de la autenticidad.

 

  • La crítica social: Muchas de sus películas son una sátira de las instituciones y de los convencionalismos sociales.

 

  • El poder de la imaginación: Forman creía en el poder del cine para transformar la realidad y despertar la conciencia del espectador.

 

  • El humor como arma: A pesar de abordar temas serios, Forman siempre encontraba espacio para el humor, utilizando la sátira y la ironía como herramientas para criticar la sociedad.

 

 

Legado de Milos Forman

 

Milos Forman dejó un legado duradero en el cine.

 

Sus películas son consideradas clásicos y siguen siendo relevantes en la actualidad.

 

Su capacidad para combinar el entretenimiento con la reflexión, su compromiso con la libertad y su visión única del mundo lo convierten en uno de los cineastas más importantes del siglo XX.

 

 

Milos Forman fue un director que supo utilizar el cine como un arma para cuestionar el poder, defender la individualidad y provocar el pensamiento crítico en el espectador.

 

Su obra, marcada por su compromiso social y su estilo visual distintivo, sigue inspirando a cineastas y espectadores de todo el mundo.

 

 

 

Ficha de la película:

En este enlace.

 

 

 

 

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Lawrence de Arabia – 1962 – David Lean – Sesión 11: Maurice Jarre – Curso UNED 2024 -2025 – Banda aparte. Música y Cine

19/12/2024

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Sangre y arena.

 

Veo por enésima vez esta grandísima película, mi film favorito y lo vuelvo a disfrutar, tal vez, cada vez más.

 

Hace unos años hice un completísimo post que abarca todos los aspectos de la película. Os remito a él. Os advierto que hay mucho que leer.

 

Verla de nuevo en pantalla grande es un gran deleite.

 

Es cine de verdad, donde el artificio solo está en la colocación de la cámara que Lean, como buen representante del cine clásico, coloca donde debe estar para que el espectador no sea consciente de ella y se involucre absolutamente en la narración.

 

El film es un retrato psicológico del personaje central, un retrato que no deja de ser dibujado a lo largo del metraje.

 

Si Doctor Zhivago era la historia de un amor. Lawrence de Arabia es el de una amistad.

 

La amistad entre Sherif Ali y Lawrence, como las buenas relaciones, se va construyendo a lo largo del tiempo, pasando por etapas diversas que terminan conformando una amistad inquebrantable, que llega a sumergirse en la locura que acompaña al personaje de Lawrence.

 

No dejo de asombrarme por estos diálogos brillantísimos que no tienen desperdicio, y descubro asombrado que me los sé de memoria.

 

La música de Maurice Jarre es maravillosa e inolvidable. Sus temas siempre se usan para rememorar o presentar las arenas del desierto.

 

Una de las mejores películas de la historia del cine.

 

Mi puntuación: 10/10. (Obra maestra, sin paliativos.

 

 

 

 

Análisis sobre el mensaje político de Lawrence de Arabia:

 

Lawrence de Arabia, la épica película de David Lean, trasciende el mero entretenimiento cinematográfico para adentrarse en un complejo entramado político e histórico.

 

Su mensaje, aunque arraigado en los eventos de la Primera Guerra Mundial, sigue resonando en la actualidad, ofreciendo valiosas lecciones sobre identidad, poder, colonialismo y la construcción de naciones.

 

 

El Contexto Histórico y el Mensaje Central

 

La película se desarrolla en el marco de la revuelta árabe contra el Imperio Otomano durante la Primera Guerra Mundial.

 

Lawrence de Arabia, interpretado por Peter O’Toole, se convierte en una figura central en esta revuelta, uniendo a tribus árabes dispersas bajo una misma bandera.

 

El mensaje central de la película gira en torno a la lucha por la identidad y la autodeterminación.

 

Los árabes, bajo el yugo otomano, anhelan su independencia y la construcción de un Estado árabe unificado.

 

Lawrence, como catalizador de este movimiento, encarna la figura del occidental que se involucra en una causa ajena, pero que encuentra en ella un profundo significado.

 

 

Lecturas Políticas Clave

 

  1. Colonialismo y Neocolonialismo: La película explora de manera crítica el papel de las potencias coloniales, como Gran Bretaña y Francia, en el Medio Oriente. Si bien los británicos apoyan la revuelta árabe, sus intereses son claramente estratégicos, buscando debilitar al Imperio Otomano y expandir su propia influencia en la región. Esta dinámica revela la compleja relación entre los intereses nacionales y los ideales de autodeterminación.

 

  1. Identidad Nacional y Tribal: La película destaca la importancia de la identidad tribal en la sociedad árabe y las dificultades para construir una nación unida a partir de estas identidades fragmentadas. Este tema sigue siendo relevante en muchas regiones del mundo, donde las tensiones entre identidades locales y nacionales son una fuente constante de conflicto.

 

  1. El Papel del Líder Carismático: Lawrence se presenta como un líder carismático capaz de unir a personas de diferentes tribus y orígenes. Su figura evoca la del héroe épico, capaz de inspirar a las masas y conducirlas hacia la victoria. Sin embargo, la película también sugiere que el liderazgo carismático puede ser tanto una fuerza liberadora como una fuente de manipulación.

 

  1. La Ambigüedad de la Historia: La película no ofrece una visión simplista de los eventos históricos. Los personajes son complejos y motivados por una variedad de intereses, a menudo contradictorios. La victoria árabe es agridulce, ya que la promesa de un Estado árabe unificado se ve rápidamente socavada por las rivalidades entre las tribus y los intereses de las potencias coloniales.

 

 

 

La Vigencia del Mensaje en la Actualidad

 

  • Descolonización y Neocolonialismo: Los desafíos de la descolonización y los conflictos derivados de ella siguen siendo relevantes en muchas partes del mundo. La película nos recuerda la importancia de comprender las dinámicas de poder entre las antiguas potencias coloniales y los países que buscan su independencia.

 

  • Construcción de Estados Nacionales: La fragmentación étnica y religiosa, así como las tensiones entre identidades locales y nacionales, siguen siendo desafíos importantes en la construcción de Estados modernos.

 

  • Liderazgo y Poder: La figura de Lawrence de Arabia nos invita a reflexionar sobre el papel del liderazgo en la historia y sobre las consecuencias del poder.

 

  • La Manipulación de la Historia: La película nos advierte sobre la tendencia a mitificar y simplificar los eventos históricos. La figura de Lawrence de Arabia ha sido objeto de numerosas interpretaciones y debates, lo que nos recuerda la importancia de analizar las fuentes históricas con un espíritu crítico.

 

Lawrence de Arabia” es una obra cinematográfica que trasciende su época y ofrece una reflexión profunda sobre temas universales como la identidad, el poder, el colonialismo y la construcción de naciones. Su mensaje sigue siendo relevante en la actualidad, invitándonos a cuestionar las narrativas dominantes y a buscar una comprensión más profunda de los conflictos que continúan moldeando nuestro mundo.

 

 

 

La Ausencia Femenina en “Lawrence de Arabia”: Un Análisis Crítico

 

La ausencia de mujeres en papeles relevantes dentro de la narrativa de “Lawrence de Arabia” es un aspecto que ha sido objeto de numerosas críticas y análisis. Esta omisión no es casual, sino que refleja tanto las convenciones cinematográficas de la época como las realidades históricas y políticas del Medio Oriente a principios del siglo XX.

 

 

Las Razones Detrás de Esta Ausencia

 

Convenciones Cinematográficas de la Época:

 

    • Épica masculina: El género épico, al que pertenece “Lawrence de Arabia“, tradicionalmente ha centrado sus narrativas en personajes masculinos y sus hazañas. Las mujeres, cuando aparecen, suelen ser relegadas a roles secundarios o estereotipados.
    • Mirada masculina: La película, al ser dirigida por un hombre y contar una historia desde una perspectiva masculina, inevitablemente prioriza las experiencias y perspectivas de los hombres.

 

Realidades Históricas del Conflicto:

 

    • Guerra y desierto: El contexto histórico de la película, una guerra en el desierto, era un entorno hostil y peligroso en el que la presencia de mujeres era limitada.
    • Roles de género: En las sociedades árabes de principios del siglo XX, los roles de género eran muy definidos, y las mujeres tenían un espacio social y político mucho más restringido.

 

Enfoque en la Hermandad Masculina:

 

    • La relación entre hombres: La película enfatiza la camaradería y la hermandad entre los hombres que luchan juntos por una causa común. La ausencia de mujeres refuerza esta dinámica y permite explorar las complejas relaciones entre los personajes masculinos.

 

 

Las Consecuencias de Esta Ausencia

 

  • Visión sesgada de la historia: Al omitir las experiencias de las mujeres, la película presenta una visión incompleta y sesgada de los eventos históricos.

 

  • Reforzamiento de estereotipos de género: La ausencia de mujeres en roles de liderazgo o con agencia perpetúa los estereotipos de género predominantes en la época.

 

  • Limitación de la complejidad narrativa: La falta de personajes femeninos complejos priva a la película de la oportunidad de explorar otras dimensiones de la historia, como las relaciones de género, las experiencias de las mujeres bajo la ocupación, o el impacto de la guerra en las familias.

 

 

 

Críticas Contemporáneas

 

En la actualidad, esta ausencia de mujeres es vista como una limitación significativa de la película.

 

Las nuevas generaciones de espectadores, sensibilizadas por los movimientos feministas y por una mayor representación de las mujeres en el cine, cuestionan la validez de una narrativa que excluye a la mitad de la población.

 

 

 

Conclusiones

 

Si bien “Lawrence de Arabia” es una obra maestra del cine, es importante reconocer sus limitaciones.

 

La ausencia de mujeres en roles relevantes es un reflejo de su época y de las convenciones cinematográficas de entonces.

 

Sin embargo, esta omisión no desmerece la calidad de la película, sino que nos invita a reflexionar sobre la forma en que representamos la historia y las personas en el cine.

 

 

 

 

Dirigido por David Lean:

 

Música de Maurice Jarre:

 

Comentario, curiosidades y anécdotas – El post definitivo sobre Lawrence de Arabia pinchando aquí.

 

 

 

Ficha:

En este enlace.

 

 

 

 

 

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Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

 

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

 

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