Reunidos, a través de Zoom, Diego Gismero, José Luis Solano y un servidor, con los micrófonos de EsRadio Guadalajara y las cámaras de Alcarria TV, despedimos el año recomendando estrenos:
Este 28 de diciembre José Luis Solano me invita, y me incita, a contar anécdotas y curiosidades acaecidas en mis cuarenta años de médico y mis seis de carrera.
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Mi tendencia a la charlatanería es bien conocida, por lo que lanzo, sin orden ni concierto, a contar historietas de mi vida.
José María Caparrós Lera fue un historiador y crítico cinematográfico español.
Doctorado en Filosofía y Letras y profesor de la Universidad de Barcelona desde 1982 y catedrático de Historia Contemporánea y Cine en la misma UB.
Falleció en 2018 a los 74 años de edad.
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Publicó este libro en 2007.
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Este librito tiene fines claramente didácticos.
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Intenta introducir al lector en los conceptos básicos del cine.
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En su parte inicial diserta sobre el arte, una parte bastante aburrida e inútil, a mi entender.
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En muy pocas líneas nos cuenta la historia del cine, de manera muy breve, pero muy certera. Imposible imaginar un mejor resumen de la vida del cine mundial y español, con una cronología muy elocuente.
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Hay una parte dedicada a la crítica cinematográfica en la que incide en los aspectos éticos de la obra, que no comparto.
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Me parece que la valoración moralista de una película es tan arbitraria como innecesaria. Una película puede ser para ciertas personas moralmente reprobable y ser una grandísima película y viceversa.
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Termina citando unas cuantas pelis que recomienda de los diferentes géneros cinematográficos. Coincido en muchas, pero en otras no. Hay olvidos inexcusables.
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Me llama la atención la distinción que realiza entre Comedia y Cómico, que no comprendo, dentro de los géneros cinematográficos.
SBS Productions,Pathé,France 2 Cinema,France 3 Cinéma,Topkapi Films,Belga Productions
Género: Drama | Religión. Erótico. Homosexualidad. Biográfico. Siglo XVII
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Comentario de Ramón:
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Ridley Scott con 84 años, Steven Spielberg con 75 y ahora Paul Verhoeven con 83 han demostrado, este 2021, que están en plena forma.
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Lo cual me da esperanzas personales.
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El holandés Paul lleva haciendo cine desde los setenta y, aunque no se le reconozca, ha hecho muy buenas pelis.
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Benedetta es cine religioso.
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Hasta la Universidad me eduqué en colegios de monjitas y de curas, con una intensa formación religiosa. Tal vez, por ello me gusta el cine de este género.
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La purísima Benedetta (Virginie Efira) ha ingresado de niña en un convento, gracias a la más vivida Bartolomea (Daphne Patakia) conoce los placeres de la carne.
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Pero sus deseos sexuales son anteriores a su presencia. Ella sublima esas ansias con apariciones celestiales.
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Su interpretación de la sexualidad está basada en lo que conoce y ha aprendido entres las paredes de la clausura.
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Bartolomea le abre, nunca mejor dicho, nuevas posibilidades.
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Benedetta cree sinceramente que sus estigmas y sus padecimientos son obra de Dios. Ella solo se deja guiar por la mano divina.
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Pero detrás de todo, está la terrible represión que sufre que necesita dar salida de alguna manera.
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Ella es un alma apegada a lo divino.
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En cambio, Bartolomea es más terrenal, ha sufrido los abusos de su padre y hermanos y conoce la realidad de la carne. Por ello no comprende la trascendencia de Benedetta hacia lo divino.
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Ha comprendido que Dios está en el sufrimiento, pero también en el placer.
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Charlotte Rampling, la abadesa Sor Felicita, ejerce de chivata y envidiosa.
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En la peli se refleja muy bien la importancia de la religión en la sociedad de la época (siglo XVII) y cómo todo tiene una explicación mística.
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Aunque detrás de todo está el vil metal, necesario para ingresar en la cómoda vida monacal, y deseado si hay milagros que exponer y a los que sacar beneficios.
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La peli se me muestra irresistible y atractiva. Religión, sexo, deseo, que gran combinación.
Productora: Coproducción Hungría-Alemania-Italia-Francia; Inforg-M&M Film Kft,arte France Cinéma,Dorje Film,Komplizen Film,Moliwood Films srl,Pyramide Productions,Maximus Distribution
Género: Romance. Drama | Drama romántico. Celos
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Comentario de Ramón:
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Drama romántico situado, creo yo, en el periodo de Entreguerras.
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Con un planteamiento moderno, pero con una propuesta muy formal.
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La relación entre Lizzy y el Capitán Jakob Störr se mueve entre la tormenta, incluso la tempestad, y la calma.
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Jakob, como los espectadores, permanece confundido e intrigado al tratar de averiguar sobre la fidelidad de Lizzy.
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Pero eso es lo secundario, lo fundamental es ese malsano y desconcertante sentimiento de los celos que enturbian las relaciones.
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Léa Seydoux posee un atractivo subyugante, que consigue perturbarme durante todo el metraje, casi tres horas.
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Sus cambios de humor, su halo de misterio son lo esencial de la peli.
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Ella es belleza, fascinación, desconcierto…
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Él, en cambio, es simple, directo, rudo, siempre asombrado ante Lizzy, que consigue alterarlo para bien y para mal.
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Una peli que solo puedo recomendar a los que no necesitan que las historias sean cerradas y quede todo aclarado.
Género: Comedia. Drama | Comedia negra. Navidad. Fin del mundo
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Comentario de Ramón:
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Unas familias se reúnen para pasar la Nochebuena juntos, pero esta Navidad viene con Apocalipsis incluido.
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Un hecho tan dramático se nos presenta en clave de comedia, con algunos momentos muy cómicos. Me asombra reír en esas circunstancias.
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Plantea un dilema interesante. Evitar una muerte dolorosa o padecerla con la mínima, o nula, esperanza de sobrevivir.
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Es terrible pensar que la muerte digna que ofrece el Gobierno solo la merecen las “personas legales”, no es el caso de los inmigrantes o los sin techo.
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Una frase para recordar:
Debimos votar a los verdes. ¡Putos conservadores!
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Por cierto, Keira Knightley cada vez es peor actriz. La he visto muy estropeada.
Recuerdo, muy niño, haber visto la serie Te quiero Lucy.
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Toda la gracia residía en la comicidad de su protagonista
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De la misma época era El Show de Dick Van Dyke, con el que también me partía de risa.
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Esta peli nos relata una semana en la vida de Lucy y de su esposo Desi Arnaz.
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Retrata bien a los personajes y nos describe las tensiones y el trabajo que hay detrás de unos cuantos minutos de comedia, un género donde todo debe encajar como un reloj, y, lejos de lo que parece, nada se puede dejar a la improvisación.
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También nos describe el estado de opresión, de amenaza que se vivía por el Comité de Actividades Antiamericanas.
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En los años cincuenta era provocador un matrimonio entre una anglosajona y un cubano y no se podía mencionar la palabra embarazo en la tele.
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Una peli divertida y con puntos de interés, pero Lucille Ball era mucho más graciosa que lo es Nicole Kidman, que carece de esa vis cómica del personaje que esforzadamente interpreta.
Pocas veces me lo había pasado tan bien viendo una sátira tan mordaz como Don’t Look Up.
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Es impresionante como Adam McKay carga contra los políticos más preocupados de escándalos sexuales que del fin de la humanidad.
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Jonah Hill es ideal para el papel de hijo de la presidenta, tan metepatas como lo puede ser el español Juan Carrasco de la saga Vota Juan, Vamos Juan, Venga Juan.
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Pero McKay también satiriza a los medios de comunicación más preocupados por las reacciones en las redes sociales que la verosimilitud de la noticia.
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Una sociedad en la que las cuestiones del corazón ocupan las pantallas, en los que los analistas de la prensa rosa se atreven a serlo de cualquier otra cuestión, sentando cátedra sobre temas que desconocen totalmente.
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También es certero el retrato de una sociedad que se atreve a cuestionar a la ciencia, convencida que sobre temas científicos se puede opinar.
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Una sociedad que da más credibilidad a youtubers de tres al cuarto que a prestigiosos investigadores.
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Una sociedad incapaz de levantar la vista y ver el cometa destructor que se acerca.
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Einstein decía:
Hay dos cosas infinitas. El universo y la estupidez humana. Y de lo primero no estoy seguro.
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McKay realiza un análisis certero y mordaz de la sociedad actual, en clave de sátira, riéndose de todos.
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Porque tampoco desperdicia la ocasión para mofarse de los científicos, personas al fin y al cabo, que se dejan seducir por bellas presentadoras y por la fama, padeciendo fobia social.
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Pero donde es más certero con su dardo es describiendo a los gurús de las grandes corporaciones tecnológicas, unos iluminados capaces de ver negocio hasta en un meteorito destructor.
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Sigo perturbado al recordar que Steve Jobs murió por seguir una dieta absurda.
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El acúmulos de estrellas y buenos actores es apabullante.
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Leo DiCaprio está colosal.
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Meryl Streep estupenda.
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Cate Blanchett maravillosa.
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Mark Rylance inconmensurable.
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Y podría seguir citando uno por uno a todos los actores del reparto.
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Pero además de todo, Don’t Look Up es una peli super divertida con la que no paras de soltar carcajadas.
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La risa viene de la identificación, en tono cómico, de una realidad que vivimos, en la sociedad más estúpida que se pueda imaginar.
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Hace un par de días una neumóloga reflexionaba sobre la absurda actitud de los antivacunas.
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Estos individuos se atrevan a dudar de la eficacia y seguridad de las vacunas anti Covid, sintiéndose informados al ver vídeos de YouTube, que además te incitan a ver otro de igual categoría.
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La doctora planteaba que cuando estos individuos ingresan en la UCI se les tendría que plantear que van a recibir tratamiento con corticoides, antibióticos, heparina, oxigenoterapia, incluso ventilación asistida… Se les debía de plantear que se informaran por las redes sociales sobre la conveniencia de cada uno de estos tratamientos y decidieran qué fármacos recibir y cuales no.
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La relación médico paciente se basa en la confianza. El paciente delega en su médico la prescripción de los tratamientos.
Como es lógico el paciente no tiene la preparación científica para decidir cuándo, cómo y por qué debe recibir un tratamiento u otro.
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Es más fácil comprender cómo funciona y una vacuna que una cuestión tan simple y cotidiana como la electricidad. Nadie renuncia a encender la luz por no comprender bien como funciona la corriente eléctrica.
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El guion y la peli que nos ocupa es anterior a la pandemia, pero viene como anillo al dedo.
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La ciencia no es una cuestión de fe, de creer o no creer. Lo demostrado científicamente simplemente es, y no es discutible por el ignorante.
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La ciencia afortunadamente cambia porque el saber avanza y eso nos debe dar confianza. Las verdades inmutables son pocas y siempre están sujetas a revisión por la ciencia.
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Hoy hace un año que se administro la primera dosis de la primera vacuna contra el Covid. Se han puesto millones de vacunas y se ha demostrado que es muy segura y eficaz para evitar mortalidad y casos graves.
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¿Cómo alguien puede discutir estos hechos?
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¿Qué tipo de persona puede poner en duda estas afirmaciones?
Productora: Amblin Entertainment,20th Century Studios. Distribuidora:20th Century Studios
Género: Musical. Romance. Drama | Drama romántico. Bandas/pandillas callejeras
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Comentario de Ramón:
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Spielberg nos obsequia, en Navidad, el mejor regalo posible para un cinéfilo amante de los musicales.
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Encuentro unas cuantas diferencias con la peli de hace sesenta años.
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Los actores puertorriqueños no son anglosajones con la cara pintada.
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Las voces de las canciones son las de los actores, no como ocurría en la peli de Robert Wise y Jerome Robbins.
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Hay dos canciones que no figuraban en la anterior adaptación.
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Es curioso que Spielbergno haya trasladado la trama a la época actual, la haya mantenido en finales de los cincuenta.
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Aunque ha hecho pequeñas modificaciones para poderla ver con los ojos actuales, como el uso de edificios abandonados, como decorados, haciendo referencias a gentrificación.
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Con solo estas pocas diferencias, ¿Por qué hacer una versión nueva?
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Yo creo que Spielberg decidió, hace mucho tiempo, hacer su homenaje a esta película mítica que renovó el musical.
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Pero se encontró con una obra tan perfecta que no tuvo motivos para hacer grandes cambios.
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Ha hecho su película homenaje usando todo su saber de cineasta maestro, de genio del séptimo arte.
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No puede uno más que admirar asombrado una fotografía maravillosa y unos números musicales actualizados manteniendo su esencia, rodando alguno en las calles, en lugar de escenarios.
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Ha querido dar un carácter más realista a su musical, con actores más de verdad y con edades más cercanas a la de los personajes.
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Ariana DeBose como Anita y Rita Moreno, con noventa años, haciendo de Valentina, están formidables.
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En cuanto pueda la veré en versión original. El doblaje es nefasto e incompresible. Me chirría oír a los actores hispanos hablando en una especie de mexicano y cantando en inglés.
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Cuando termina la peli se tiene la sensación de estar ante una obra maestra, que irá pareja a la de 1961.
Hacer llorar es fácil, sobre todo si se tratan de espíritus tan sensibles como el mío.
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Basta con poner la música adecuada y un niño o una joven llorando en pantalla para que un servidor, sabiendo que está totalmente manipulado, termine sollozando.
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Pero hacer reír, eso sí es difícil.
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Desde muy niño he apreciado mucho la comedia y cualquiera que me hiciera, tan siquiera, sonreír ya era para mí un ídolo.
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De crío me hacían gracia Esteso y Pajares. Me partía con la canción de La Ramona o con los temas de Emilio Aragón en su etapa de cantante con Me huelen los pies o Cuidado con Paloma.
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Por eso cuando veo una comedia tan divertida como esta que nos obsequia Dani de la Orden no puedo más que, además de reírme a mandíbula batiente, demostrar toda mi admiración.
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Siempre me ha resultado asombroso el desprecio demostrado hacia este género. No se lleva premios, no tiene buenas puntuaciones.
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Es frecuente oír decir: divertidilla, para pasar el rato, te ríes, pero poco más.
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El tráiler que vimos hace casi dos años ya prometía.
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Y desde luego, la peli no defrauda.
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Paco León yMiren Ibarguren son dos ases de la comedia, con una vis cómica desbordante.
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Pero Dani de la Orden nos mueve por senderos insospechados que asombran por su crueldad, con un sentido del humor (inteligente y socarrón).
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Todo nos aleja de la comedia familiar blandengue y pueril y se nos sumerge en un mundo real, adulto y transgresor, al verlo en pantalla, reflejar la cruda realidad del maltrato a la infancia.
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La peli termina siendo una denuncia del padecimiento de los hijos, como víctimas de la guerra que se desarrolla entre los padres en la época de los divorcios.
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Pero muchas de las situaciones que se plantean, lamentablemente, son vivencias reales de niños que soportan padres irresponsables e inconscientes.
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La peli no decae en ningún momento, con situaciones descacharrantes, sin caer en el esperpento, ni en la comedia bufa, con tono elegante pero crudo.
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Siempre es grato ver en pantalla a Eva Ugarte y a Berto Romero.
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Una de las mejores comedias del año, que lamentablemente por calendario de ha quedado fuera de las nominaciones a los premios.
Hace semanas propuse a mi amigo Ricardo, asistir a esta exposición.
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Ricardo, uno de los grandes de la crítica cinematográfica en España, del que tanto he aprendido, y al que tanto debo, es un gran fan del director neoyorkino.
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El Círculo de Bellas Artes de Madrid es un lugar impresionante con esas escalinatas en mármol blanco y esa decoración de finales del siglo XIX. Fundada en 1880, desde 1921 está declarada “Centro de Protección de las Bellas Artes y de Utilidad Pública”.
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La exposición está ubicada en dos plantas diferentes y nos presenta la vida del director de La naranja mecánicaa través de sus películas, en orden cronológico.
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Desde sus primeras producciones, poco conocidas hasta su última peli Eyes Wide Shut.
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Hay mucho material fotográfico, las claquetas originales de todas las películas, vestuario, objetos de atrezo y algunas recreaciones como la de HAL 9000 o el pasillo de la nave Discovery 1.
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Hay bastantes fotos del director de Espartacoen su rodaje en tierras de la Alcarria. Impresiona ver lo rústico de los lugareños vestidos de romanos al lado de del equipo de filmación.
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La exposición se ve con agrado en menos de hora y media, pero vale la pena.
Miniserie documental construida a base de declaraciones de familiares, personas que conocieron a Lola Flores, biógrafos y destacadas figuras de la canción.
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Se dibuja un retrato muy aproximado y fidedigno de la cantaora de Jerez.
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Por supuesto, conocí a este personaje y conviví con su popularidad.
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Para mi representaba esa España rancia que olía oveja y que manchaba los hombros de las camisas con esa caspa espesa y sucia.
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Siempre me llamó la atención la personalidad de Lola, con esa manera de ser inculta, pero descarada, con esa falta de medida que solo se debe a la imprudencia.
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El tiempo suaviza las impresiones (o no). Al cabo de los años este personaje me fue cayendo mejor. Formaba parte de la historia de España y como tal había que aceptarlo.
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Este documental me ha hecho comprender mejor la vida de la Faraona.
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Un personaje contradictorio. Liberal, incluso libertino, en el plano personal, con una fortísima personalidad, que como decían en el New York Timesni canta, ni baila, pero no hay que perdérsela.
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Aunque eso, tal vez, solo sea una leyenda.
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En cierto modo, representó al franquismo sociológico, católico en apariencia, no democrático, pero que se permitía el lujo de ser abierto moralmente en la intimidad, con fiestas drogas y sexo a tutiplén.
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Un estamento social instalado en la hipocresía. Muy de la época.
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Su descaro, su desparpajo, sus amoríos, su ludopatía, sus fiestas, sus histriónica manera de actuar y de cantar no la redime ante mis ojos.
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Aunque reconozco lo interesante del personaje.
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El documental es un portento de construcción dejando a los protagonistas que hablen sin tapujos delante de una cámara atenta como los espectadores.
Productora: The Montecito Picture Company,Columbia Pictures,Ghostcorps,Bron Studios,Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora:Sony Pictures Entertainment (SPE)
Ivan Reitman nos ofrecía en 1984 una comedia sobre estos personajes que cazaban fantasmas.
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Cuando la vi en su estreno me pareció regulera, me lo pasé bien intermitentemente. también es cierto que en aquella época era un cultureta vocacional que idolatraba el cine de autor y despreciaba el cine comercial.
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Ahora, casi cuarenta años después, el hijo de Ivan, Jason Reitman, intenta renovar la idea, haciendo una peli más infanti,l mezclándola con Stranger Things (Serie de TV), que no es más que una revisión de los mismos ochenta. Curioso concepto de renovar.
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Ghostbusters: Afterlife resulta una peli divertida, que parte del agrado de los padres de volver a ver la repetida idea, para llevar a sus hijos a disfrutar de lo mismo.
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Está claro que los ochenta está de moda. Se ha convertido en un filón de nostalgia que funciona perfectamente para la generación de los millennials.
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Sin ideas nuevas, solo un refrito de lo ya experimentado.
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Lo más gracioso de la peli son esos muñequillos hechos de nubes de golosina (marshmallows) que se comportan como los Minions. Aquí se llaman Mini-Pufts.
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Perfecta para que los abuelos sesentones, vayan al cine con los hijos treintañeros y los nietos de la generación Alfa.
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Paul Rudd ha sido novio de Phoebe, Ant Man y aquí interpreta a Grooberson. Siempre parece hacer el mismo personaje. Un actor de un solo registro. Pero lo hace bien.
Reparto: Mark Lester,Ron Moody,Shani Wallis,Oliver Reed,Jack Wild…
Productora: Romulus,Warwick Film Productions
Género: Musical. Drama | Infancia. Pobreza. Siglo XIX
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Comentario de Ramón:
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Es sorprendente que la viera cuando se estrenó a los 10 años y la recordara tan bien.
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Hay muchos puntos de vista desde los que analizar este musical.
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Es espectáculo puro, con un despliegue de luz y de color y unas imágenes impactantes, de las que no se olvidan (que me lo digan a mí).
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Unos personajes muy bien interpretados que se te quedan para siempre.
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Mark Lester es un poco soso, pero su carita angelical y su inocencia son eficaces.
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Ron Moody, haciendo de Fagin, está perfecto. Es un malvado que detestas, pero que no te termina de caer mal. Aunque todo el mundo se alegra cuando su tesoro se pierde en la ciénaga.
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Yo creo que Gollum está inspirado en él.
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Oliver Reed, haciendo el malo, malísimo Bill Sikes, está colosal. Es despiadado y machista hasta la médula.
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Shani Wallis da vida a Nancy que toma su papel de mujer maltratada y resignada. Rellenando su relación con ese argumentario nefasto de la relación maltratador-víctima.
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Por otro lado, los números musicales son extraordinarios. Van de poco a más y más, hasta hacerse inconmensurables.
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Es curioso que algunos críticos alaben que estos números musicales sean ejecutados en exteriores, cuando toda la peli se hizo en estudios.
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Después de ver la coreografía de los mercados o de los vendedores ambulantes te puedes morir en paz.
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Por supuesto, que Oliver es cine social, su origen literario lo era.
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Hay una clara y nítida denuncia al maltrato infantil y a su explotación, a las diferencias sociales (abismales) y también a la violencia machista.
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Sin olvidar que trata temas como la avaricia y la maldad humana, como elementos esenciales de la condición humana.
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La peli no intenta ser una peli dramática, pero no elude estos temas ni los banaliza.
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Es maravilloso como ha aguantado tan bien el paso del tiempo. Reconozco en ella una obra actual con un mensaje muy moderno, siendo un musical clásico, uno de lo últimos.
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Una cuestión que no quería olvidar destacar, porque me impresionó cuando la vi por primera vez y ahora también. La diferencia abisal entre ese barrio rico donde vive Mr. Brownlow, con casa blancas y calles pulcras a la ciénaga inmunda donde habitan los niños delincuentes que dirige Fagin.
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Un peliculón.
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Mi puntuación: 8,25/10.
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Curiosidades y anécdotas:
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El número de “Consider Yourself” tardó tres semanas en filmarse.
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Mientras filmaba la escena en la que Oliver echa un vistazo al tesoro de Fagin, el director Carol Reed no estaba satisfecho con la reacción en el rostro de Mark Lester (Oliver).
Más tarde, mientras volvería a filmar la escena, escondió un pequeño conejo blanco en su bolsillo y se paró detrás de la cámara.
Cuando Ron Moody (Fagin) abrió la caja de tesoros, Reed sacó el conejo de su bolsillo.
La reacción de Lester a la vista del conejo se usó luego en la película final.
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Como broma sobre Harry Secombe, el departamento de maquillaje creó una oreja falsa para Mark Lester, de modo que cuando Secombe agarró la oreja del niño, se le cayó en la mano.
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La primera vez que Mark Lester vio a Ron Moody sin su maquillaje Fagin, no lo reconoció.
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La totalidad de Bloomsbury Square en Londres fue recreada en el backlot de Shepperton Studios para la secuencia “Who Will Buy“.
De hecho, todo el Shepperton Studios se entregó a la producción de Oliver (1968).
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Sorprendentemente, el compositor de esta muy respetada partitura, Lionel Bart, no sabía leer música por sí mismo.
Desde sus primeros días en el teatro, cantaba sus melodías a un pianista capacitado, que luego ponía las melodías en partituras y las orquestaba.
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Ya que Mark Lester no pudo simular las lágrimas, se usaron cebollas recién cortadas para hacer que sus ojos se humedecieran para el número “¿Dónde está el amor?“.
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La única canción de Oliver Reed que interpreta al personaje de Bill Sikes, “My Name“, fue eliminada de la película terminada, oficialmente porque los productores decidieron que Bill Sikes no debería cantar.
Pero también, supuestamente, porque había preocupación por la calidad de la voz de Reed al cantar.
Sin embargo, la versión instrumental se reproduce de fondo cuando la audiencia conoce por primera vez a Bill Sikes.
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A pesar de las quejas de nepotismo, Oliver Reed dijo que tuvo que persuadir a su tío Sir Carol Reed para que lo considerara para el papel de Bill Sikes y que también tuvo que hacer una audición y una prueba de pantalla para el papel ante la insistencia de Carol Reed.
. Mark Lester recordó cómo él (y los otros niños) estaban aterrorizados por Oliver Reed durante toda la producción, ya que Reed eligió permanecer en el personaje de Bill Sikes en todo momento en el set.
. Ron Moody (Fagin) bajó el tono de su acento yiddish del este de Londres para la película en comparación con la versión teatral original de 1960 en Londres, en parte para la inteligibilidad del público estadounidense y en parte para evitar acusaciones de antisemitismo (aunque Moody era él mismo “100% judío”).
En su autobiografía, Moody admitió que también cambió su acento para la película porque un judío en Inglaterra en 1837 no habría tenido su acento.
Lo que se llegó a considerar como acentos judíos fue en realidad el resultado de la inmigración de judíos al Reino Unido desde Alemania y Polonia a finales del siglo XIX.
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¡Mark Lester no puso su voz a las canciones en Oliver! Fue doblado por Kathe Green, hija de Johnny Green, el arreglista y supervisor musical de la película. Johnny reveló esto públicamente por primera vez en 1988 durante una entrevista en el vigésimo aniversario de la película.
Dice que Mark Lester era “sordo y arrítmico”.
Originalmente tenía dos niños “listos” para doblar su canto, pero durante la postproducción se dieron cuenta de que sus voces no coincidían con el aspecto de Mark, por lo que usaron a la hija de Johnny en su lugar.
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Tanto Jack Wild como Oliver Reed llevaban elevadores en la película.
Aunque Wild tenía 15 años en el momento de la filmación, en realidad era más bajo que Mark Lester, de nueve años .
. Carol Reed, un meticuloso artesano, a menudo insistía en hasta 50 o 60 tomas para algunas escenas individuales.
. Ron Moody (Fagin) notó que varios miembros del elenco de teatro original del West End (1960) no se llevaban bien, diciendo: “No era una compañía feliz”.
Él personalmente tenía una mala relación con Georgia Brown, que era la Nancy original.
Cuando se hizo la película, Brown culpó a Moody por no haber sido elegida para interpretar a Nancy.
Sin embargo, Moody lo negó categóricamente, diciendo que no tenía voz ni influencia alguna sobre el reparto de la película y que él mismo estaba lejos de ser la primera opción para interpretar a Fagin a pesar de su éxito en el escenario.
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Aunque muchos espectadores asumieron que Jack Wild era uno de los miembros más jóvenes de la pandilla de Fagin, en realidad era el segundo mayor.
Celebró su cumpleaños número 15 durante el rodaje.
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La letra de “Be Back Soon” se cambió de “Bow Street Runners” a “policías entrometidos” en caso de que el público estadounidense no entendiera la referencia.
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Cuando finalmente recibió su pago por la película a la edad de 18 años (el dinero se le había confiado), Mark Lester salió y compró un Ferrari con sus ganancias.
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El búho de Fagin demostró ser un gran ladrón de escenas, ya que cada vez que Carol Reed gritaba “¡Acción!”, El pájaro giraba la cabeza 180 grados.
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Aunque Ron Moody había interpretado a Fagin con gran éxito en el escenario de Londres, solo se le permitió repetir su actuación en la película después de que, según los informes, Peter Sellers y Peter O’Toole rechazaron el papel.
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En la producción original de Broadway, el Artful Dodger fue interpretado por el futuro Monkee Davy Jones, quien también fue nominado para un premio Tony en 1963 al Mejor Actor Destacado en un Musical por su actuación.
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Muchos de los decorados (que estaban almacenados en Shepperton Studios) se reutilizaron para otra adaptación musical de una novela de Dickens: Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970).
Ambas películas fueron fotografiadas por Oswald Morris BSC.
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A Mark Lester no se le permitió correr jugando con los otros niños en el set, ya que invariablemente se sonrojaba por sus esfuerzos.
Luego, su tez tardaba entre 10 y 15 minutos en volver a la normalidad.
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“Boy For Sale” se rodó en julio de 1967 a pesar de la nieve requerida.
Las tomas exteriores dependían de la cobertura de nubes adecuada debido al clima errático en Londres.
Las bolas de nieve estaban hechas de poliestireno, sal, espuma loca y puré de papas.
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Se consideró que Dick Van Dyke interpretaba a Fagin.
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El apellido Letzer de Mark Lester fue anglicanizado a Lester por lo que sonaría menos alemán y menos judío.
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El 11 de julio de 1967 se celebró una fastuosa fiesta en el plató para celebrar el noveno cumpleaños de Mark Lester.
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El elenco ensayó durante 6 meses antes de filmar un solo fotograma.
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Aunque a menudo se ha escrito que la historia tiene lugar durante el reinado de la reina Victoria, de hecho se desarrolló un poco antes, durante el reinado del rey Guillermo IV.
El libro se publicó originalmente en Bentley’s Miscellany como una serie, en entregas mensuales que comenzaron a aparecer en febrero de 1837, 4 meses antes de la muerte de Guillermo IV.
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Aproximadamente 5,000 niños fueron audicionados para el papel principal antes de que Mark Lester fuera elegido.
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Los primeros rumores sobre el casting incluían a Richard Burton y Elizabeth Taylor como Bill y Nancy, y Laurence Harvey o Peter Sellers como Fagin.
Aunque finalmente se le pidió a Ron Moody que repitiera su papel en el escenario. Jack Wild había interpretado a uno de los muchachos de Fagin en la producción de Londres, pero ahora tenía la edad suficiente para interpretar al Artful Dodger. Shani Wallis finalmente ganó el papel de Nancy casi un año después de la primera audición cuando demostró un acento cockney aceptable, con el que creció.
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Según la nieta de Reed, Lucy Fox, el bull terrier de Bill Sikes (Ojo de buey) pasó mucho tiempo maquillado para que pareciera oprimido y abandonado.
También pegaron su cola debajo de él para frenar su entusiasta meneo.
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La mayoría de los decorados se construyeron en el backlot de Shepperton Studios.
Muchos espectadores no se dieron cuenta de que la película se filmó completamente en el estudio y no en el lugar.
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Cuando Carol Reed fue a la presentación del Oscar en 1969, Charlton Heston, a quien Reed había dirigido en El tormento y el éxtasis (1965) varios años antes, le dio al director una copia del libro acompañada de una carta escrita a mano de Dickens.
Según Reed, “es un hombre muy considerado“.
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Junto con el lanzamiento de esta película, Random House publicó una novelización de tapa dura del guión de la película para un público más joven, ilustrada con imágenes fijas de la película.
Entre las imágenes fijas mostradas había escenas que enseñaban la llegada al asilo y la muerte de la madre de Oliver, que nunca aparece en la película como se mostró.
Los registros de estudio enumeran a Veronica Page como la madre y a Henry Kay como el Doctor que asistió al nacimiento de Oliver.
. Ron Moody recordó que no supo con certeza hasta el primer día de filmación si había sido elegido o no.
. Julie Andrews fue considerada para el papel de Nancy.
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Los sets de Londres cubrieron seis escenarios de sonido y un gran estudio, con secciones ricas y pobres.
Los decorados fueron adaptables de la noche a la mañana a pesar de su apariencia robusta, debido al hecho de que los números de baile individuales a veces requerían cambiar de escenario hasta una docena de veces.
. Carol Reed y los productores mantuvieron deliberadamente al compositor Lionel Bart alejado de la película para evitar cualquier interferencia no deseada del volátil Bart, que solo fue invitado a visitar el set una vez durante toda la producción y, por lo demás, no se le permitió ninguna participación creativa en la producción.
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El elenco incluía a 84 niños de entre 8 y 15 años, y un miembro del Parlamento sugirió que estaban siendo explotados al igual que los huérfanos representados.
Los realizadores respondieron que necesitaban más protección que los chicos, debido a la naturaleza ruidosa de la producción durante el verano.
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Con un presupuesto de $ 10.5 millones, esto generó una muy buena recaudación de $ 37.4 millones en la taquilla de EE.UU.
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Como muchas versiones filmadas / televisadas de la misma novela, el musical elimina al Sr. Monks, un malvado chantajista que acecha a Oliver a lo largo del libro con un propósito misterioso.
Aunque es importante en el libro y proporciona su “final retorcido” (sin juego de palabras), no filma muy bien porque los capítulos de su libro son muy locuaces y tienen poca acción.
Toda la villanía necesaria para la historia se reasigna fácilmente a Bill Sikes o Fagin, por lo que no queda ninguna razón para que Monks esté en la película.
. Ron Moody atribuyó al popular mago Tommy Cooper como inspiración para su interpretación de Fagin.
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Esta fue la última película británica o no estadounidense en ganar el Oscar a la Mejor Película hasta Carros de fuego (1981).
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En un episodio de marzo de 2019 del Antiques Roadshow de la BBC, la viuda de Jack Wild trajo una silla alta especial que los carpinteros habían hecho especialmente para el diminuto Wild, que tenía escrito “Dodger Jack“.
También presentó el guión de rodaje original personal de Wild y un álbum de fotografías de producción, todas valoradas en una subasta entre 4000 y 6000 libras esterlinas.
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En medio de un declive en sus éxitos, el compositor Lionel Bart tomó la que debe ser la peor decisión de su carrera al vender los derechos de Oliver (1968) a Max Bygraves por £ 350.
Más tarde, Bygraves los vendió por 250.000 libras esterlinas.
. Michael Caine hizo una audición para el papel de Bill Sikes en la producción teatral original de Londres (1960) del musical en el que se basa esta película y no, como se informa a menudo, en esta adaptación cinematográfica.
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Toda la secuencia de “Who Will Buy” tardó 6 semanas en filmarse.
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. Ron Moody recreó su actuación en el escenario de 1960 en Londres.
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El magistrado que interpreta Hugh Griffith en la película no apareció en la producción teatral original de “¡Oliver!“.
Aparece en la novela original de Dickens, “Oliver Twist“, en la que se basa el musical.
En la novela, el magistrado se llama Sr. Fang, y aunque Dickens le escribió satíricamente, no pretendía que fuera cómico.
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. Bullseye (Ojo de buey), el perro de Bill Sikes, fue interpretado por un bull terrier llamado Butch, que era una mascota en la familia de Cindy Sharville.
Ahora dirige la compañía Animals Galore, entrenando animales para cine, televisión y teatro.
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Los decorados exteriores restantes para Oliver en Shepperton todavía estaban de pie casi 10 años después, a mediados de la década de 1970, cuando Terry Gilliam estaba filmando su versión de Jabberwocky (la bestia del reino), y necesitaba escenas callejeras de época.
De hecho, se rumorea que cuando parte del lote de estudios de Shepperton se vendió más tarde para convertirse en una urbanización, rodeada por los edificios de los estudios, los nuevos residentes estaban encontrando escombros de los viejos decorados exteriores de Oliver demolidos, en sus jardines.
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La película se estrenó durante 90 semanas en el Leicester Square Theatre de Londres y recaudó más de $ 2 millones durante su permanencia, que terminó a mediados de 1970.
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Fue la primera película británica en utilizar una versión muy temprana de video-asistencia (una imagen en vivo de la cámara de la película a un monitor de televisión), diseñada por el aclamado y galardonado técnico de cámara e ingeniero británico Joe Dunton.
Como no había forma, en ese momento, de tomar una transmisión en vivo directa de una cámara de cine a un monitor de TV, Dunton colocó una pequeña cámara de video rudimentaria sobre la lente, para dar una aproximación de lo que tenía la cámara de película en el encuadre.
Luego envió la señal a un monitor.
. Jack Wild fue el único nominado al Oscar al Mejor Actor de Reparto ese año que provenía de una película nominada a Mejor Película.
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En la canción “Comida, comida gloriosa“, entre las comidas que los niños quieren se encuentran el pudín de guisantes y los saveloys.
El pudín de guisantes se hace con guisantes partidos, agua, sal y especias que se hierven y luego se trituran y se vuelven casi como hummus.
Los saveloys son pequeñas salchichas de cerdo rojas picantes que saben mucho a un perro caliente.
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. Según la nieta del director Carol Reed en un artículo de la edición del 20 de marzo de 2008 del Daily Mail, la lechuza de la película se quedó con Reed y su esposa en su casa en la sección de Chelsea de Londres.
Sin embargo, alimentar a la lechuza se convirtió en un problema ya que dejaba restos ensangrentados de su comida por todo el piso.
El búho fue acogido por un zoológico, cuyo cuidador de aviario violó las reglas en ese momento contra la aceptación de aves del público.
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Los nominados a Mejor Director en los Premios de la Academia de 1969 fueron anunciados por Ingrid Bergman, Natalie Wood, Diahann Carroll, Rosalind Russell y Jane Fonda.
En una introducción con guión, se burlaron de la naturaleza secundaria de cada una de las protagonistas femeninas de las películas nominadas. Bergman declaró que estaban allí “algo a regañadientes“. Fonda y Russell declararon que los directores “habían hecho todo lo posible para hacer obsoletas a las estrellas femeninas“. Carroll dijo que la única mujer en ‘¡Oliver!‘ “Cantó dos canciones y se atragantó por su problema“.
Al recibir el premio de Fonda, Reed no hizo referencia a esta introducción en su breve y modesto discurso de aceptación.
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A partir de 2013, esta es la última película familiar con clasificación G en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película, así como la última película familiar en ganar el Premio de la Academia al Mejor Director (Carol Reed).
Hasta que, 44 años después, Ang Lee ganó el Oscar por la dirección de la película familiar de acción real en 3D La vida de Pi(2012), aunque otros han sido nominados: Norman Jewison por El violinista en el tejado (1971) George Lucas por La guerra de las galaxias (1977) Steven Spielberg para En busca del arca perdida (1981) y ET El extraterrestre (1982) Chris Noonan por Babe, el cerdito valiente (1995) Martin Scorsese por La invención de Hugo (2011).
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Otros actores considerados para el papel de Fagin fueron Laurence Olivier, Peter O’Toole y Bruce Forsyth. Forsyth dijo más tarde “Fagin habría sido maravilloso para mí. Hubiera cambiado toda mi carrera“.
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. Jack Wild se convirtió en un ídolo adolescente después de que esto se publicara y protagonizó su propia serie de televisión HR Pufnstuf (1969).
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. Carol Reed tenía en mente a Shirley Bassey para Nancy, pero su elección fue rechazada por los jefes de los estudios de Hollywood que sentían que el público (blanco) no estaba preparado para una Nancy negra.
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. La producción original de Broadway de “Oliver!” se estrenó en el Imperial Theatre el 6 de enero de 1963, tuvo 774 funciones y fue nominada para el premio Tony de 1963 al Mejor Musical y recibió nominaciones a Mejor Libreto y Mejor Banda Sonora.
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. Mark Lester es el padrino de los hijos de Michael Jackson.
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Inicialmente presupuestado en $ 5 millones, el eventual costo negativo fue de $ 10 millones, lo que lo convierte en el musical más caro filmado en el Reino Unido en ese momento.
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Si bien el 90% del presupuesto de la película fue de Columbia Pictures, todo el elenco y el equipo fueron británicos.
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La película siempre aparece con una duración de 153 minutos, pero esto se debe a la Obertura que se escuchó antes de la película, la Música de intermedio y la Música de salida.
La película real, incluidos los créditos iniciales, dura unos 145 minutos.
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La secuencia de apertura de “Considérate a ti mismo” muestra que muchos mercados de alimentos están muy cerca.
En realidad, Covent Garden (frutas y verduras), Billingsgate (pescado) y Smithfield (carnes) estaban a muchas millas de distancia.
Entre las profesiones representadas se encuentran niveladoras de caminos, lavadoras de botellas, lavanderas, deshollinadores, repartidores de periódicos y muchas otras.
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La película termina con Fagin y Artful Dodger considerando si continuar con una vida criminal.
La novela original termina mucho menos feliz para los dos: Artful Dodger es transportado a una prisión en el extranjero y Fagin es… ahorcado.
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La escena final con Fagin y Artful Dodger es una especie de parodia del final del espectáculo.
En el escenario, Fagin canta una repetición de ‘Reviewing the Situation‘ (como en la película) y luego camina con valentía hacia la puesta de sol frente a un futuro incierto.
Inicialmente, la película parece terminar de esta manera, hasta que Dodger interrumpe la salida de Fagin y le ofrece una billetera robada.
Esto lleva a un verso recién escrito de la repetición de la canción donde ambos deciden que ‘una vez que eres un villano, siempre eres un villano‘ y bailan juntos para continuar su vida de crimen.
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En el libro, Fagin era el verdadero villano de la pieza; el titiritero que estaba orquestando todo.
En la película, él está mayormente ahí para el alivio cómico; mientras que Bill Sikes es el verdadero villano.
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En el libro, Brownlow no es un pariente consanguíneo de Oliver, pero es un conocido del padre de Oliver, quien le dio el retrato de la madre como muestra de confianza.
Solo después de que Oliver tiene encuentros casuales con muchas más personas en una cadena de “grados de separación”, finalmente descubre la verdad.
Las historias de Charles Dickens están llenas de este tipo de subtrama “coincidente” en la que personajes de diferentes ámbitos de la vida y lugares de origen aparecen en Londres y descubren que están conectados en secreto entre sí.
Mostrar todo esto en una película habría llevado mucho tiempo y habría requerido la contratación de más actores para papeles importantes pero pequeños, por lo que fue más fácil combinar todas las palabras y hechos de estos personajes con el papel de Brownlow.
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La idea de Sikes de usar a Oliver como rehén para ayudarle a escapar fue tomada directamente de Sir David Lean’s en su película de Oliver Twist (1948).
No ocurre así en la novela.
Aparentemente, Lean no estaba contento con que Sir Carol Reed tomara este “prestado” de su película, sin reconocerlo en los créditos iniciales.
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Varios personajes de la novela no aparecen en esta película, incluidos Monks, el medio hermano de Oliver, la Sra. Mann, Rose Maylie y su amante Harry.
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Como agradecimiento, Moody le regaló a Carol Reed una caja de plata victoriana con la inscripción “Carol, parte de mi pequeña propiedad“, en referencia al tesoro que Fagin pierde.
En el interior hay una tarjeta que dice “Querido Carol, al Maestro de un alumno agradecido“.
Ahora pertenece a la nieta de Reed, Lucy Fox.
Una semana más nos reunimos para hablar de cine Diego Gismero, José Luis Solano y un servidor, virtualmente en los estudios de EsRadio Guadalajara y en el plató de Alcarria TV.
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Diego Gismero nos disecciona, con la destreza de un cirujano, la última peli de la saga de zombis Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, sin Milla Jovovich, pero con una competente Kaya Scodelario.
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Seguimos hablando del espectáculo presentado el día 11 de Diciembre en el Auditorio Buero Vallejo, Después de la Nieve, El Musical llevado a cabo por la Turina Symphony Chorus.
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Después de la Nieve, El Musical es un espectáculo completo. Música sinfónica, dramatización, canciones corales, muy buena ambientación y baile.
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Lo más destacable de esta obra es el perfecto ensamblaje de su conjunto, que funciona perfectamente, moviendo, entre el foso y el escenario, a más de cien artistas, que lo dan todo. Motivo de orgullo alcarreño.
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Después hablamos de estrenos españoles en la cartelera de los Multicines Guadalajara:
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La vida era eso de David Martín de los Santos (http://www.holasoyramon.com/blog/?p=51925)
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El lodo de Iñaki Sánchez Arrieta (http://www.holasoyramon.com/blog/?p=57088)
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Alegría de Violeta Salama (http://www.holasoyramon.com/blog/?p=58126)
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No podemos terminar el programa sin recordar a la formidable Verónica Forqué, que con su bien hacer como actriz y su bondad como persona nos ha acompañado durante muchos años.
El programa de salud de EsRadio Guadalajara y Alcarria TV lo dedicamos a hablar de esta enfermedad reumatológica.
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La artritis reumatoide es un trastorno inflamatorio crónico que afecta de manera predominante a las articulaciones.
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En algunas personas, la afección puede dañar distintos sistemas corporales, incluida la piel, los ojos, los pulmones, el corazón y los vasos sanguíneos.
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La artritis reumatoide es un trastorno autoinmunitario que ocurre cuando el sistema inmunitario ataca por error los tejidos del cuerpo.
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A diferencia del daño por desgaste de la artrosis, la artritis reumatoide afecta el revestimiento de las articulaciones y causa una dolorosa hinchazón que puede finalmente causar la erosión ósea y la deformidad de las articulaciones.
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La inflamación asociada a la artritis reumatoide es lo que también puede dañar otras partes del cuerpo.
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Si bien los medicamentos nuevos han mejorado las opciones de tratamiento en gran medida, la artritis reumatoide grave aún puede causar discapacidades físicas.
