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Hedy Lamarr: actriz, refugiada, inventora… y gran borrada de la historia

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

Hedy Lamarr: actriz, refugiada, inventora… y gran borrada de la historia

 

1. Introducción: un cerebro escondido detrás de un rostro perfecto

 

A Hedy Lamarr la vendieron como “la mujer más bella del mundo”.

 

El eslogan funciona para un póster, pero es una caricatura cruel de lo que fue su vida real: una niña judía vienesa superdotada, actriz de prestigio en Europa, refugiada que huye del nazismo, esposa prisionera de un magnate de las armas… y coautora de una patente de comunicaciones secretas por salto de frecuencia que acabó siendo uno de los ladrillos fundamentales de las tecnologías inalámbricas modernas: Wi-Fi, Bluetooth, sistemas GNSS, algunas formas de telefonía móvil, etc. (American Scientist)

 

Durante décadas sólo se habló de su cuerpo y de su escándalo en Éxtasis.

 

El cerebro quedó fuera de plano.

 

Su caso encaja de manual en el llamado “efecto Matilda”: mujeres cuyo trabajo científico o técnico se minimiza o se atribuye a otros. (National Women’s History Museum)

 

En este ensayo vamos a seguir su vida casi como si fuera una película muy larga, con tres líneas argumentales que se cruzan todo el rato:

 

  • la línea biográfica y cinematográfica (la estrella de Hollywood, la refugiada, la mujer europea en la fábrica de sueños);

  •  
  • la línea tecnológica (la niña que desmonta cajas de música, la inventora casera, la ingeniera improvisada de guerra);

  •  
  • y la línea política y de género (nazismo, Guerra Mundial, Hollywood clásico, patriarcado, olvido y rescate tardío).


 

 

 

2. Viena: infancia feliz, padre ingeniero “de paseo” y curiosidad compulsiva

 

Hedwig Eva Maria Kiesler nace en Viena el 9 de noviembre de 1914, en el seno de una familia judía acomodada.

 

Las fuentes serias actuales (biografías de Ruth Barton, Stephen Michael Shearer, Richard Rhodes) coinciden ya en ese 1914, aunque en prensa antigua aparecían otras fechas. (SeaWaves Magazine)

 

Su padre, Emil Kiesler, es director de banco; su madre, Gertrud “Trude” Kiesler, es pianista de conciertos.

 

No les faltaba dinero, pero lo importante no es eso, sino el tipo de educación que le dan:

 

  • La madre la empuja hacia la música y los idiomas. De niña toca el piano, baila, actúa en pequeñas obras.

  •  
  • El padre se la lleva de paseo por Viena y le explica cómo funcionan las cosas: tranvías, motores, mecanismos, luces, interruptores.

  • Ese vínculo padre-hija será central en todos los testimonios posteriores; ella misma recordaba que desmontó y volvió a montar una caja de música de pequeña sólo para entenderla. (Universidad de Córdoba)

En los años 20, Viena sigue siendo un hervidero cultural: psicoanálisis, música moderna, ciencia, cafés llenos de tertulias.

 

En ese ambiente, una niña listísima y guapa llama la atención.

 

En revistas austriacas de principios de los 30 ya se la describe como “joven de sociedad que aspira a una carrera en el cine” y se menciona que había iniciado estudios de ingeniería, que abandona cuando la seduce el teatro y el cine. (Wikipedia)

 

Con 16 años entra en la órbita del director teatral Max Reinhardt, uno de los grandes del teatro europeo, y se traslada a Berlín, donde se mezclan teatro de prestigio, cine sonoro emergente y, por debajo, la creciente marea del nazismo.(Wikipedia)


 

 

 

3. Primeros pasos en el cine europeo y el terremoto de Éxtasis

 

Antes de hacerse famosa en Hollywood, la joven Hedy Kiesler rueda varias películas en el circuito austro-alemán: Dinero en la calle (Geld auf der Straße, 1930), La mujer de Lindenau (Die Blumenfrau von Lindenau, 1931), Las maletas del señor O.F. (Die Koffer des Herrn O.F., 1931), papeles modestos pero suficientes para ir apareciendo en revistas especializadas.(SeaWaves Magazine)

 

El salto se produce con Éxtasis (Ekstase, 1933), dirigida por Gustav Machatý.

 

La película cuenta un drama amoroso rural bastante convencional… si no fuera por dos elementos:

 

  • Un desnudo integral de ella bañándose en un lago, algo absolutamente rompedor para el cine comercial de la época.

  •  
  • Una secuencia de orgasmo femenino, sugerido por primeros planos de su rostro, que en su momento se percibió como pornográfico.(American Scientist)

El film es censurado o prohibido en varios países, criticado por el Vaticano y convertido en escándalo europeo.

 

A la vez, la convierte a ella en “la chica de Éxtasis”, una etiqueta que va a arrastrar toda su vida.

 

La propia Hedy contaría más tarde que el director le pedía miradas, gestos y respiraciones sin explicarle el efecto del montaje final, y que se sintió engañada cuando vio lo que se había hecho con esas imágenes. (Universidad de Córdoba)

 

En paralelo, su vida personal se cruza con la política.


 

 

 

4. Matrimonio con Friedrich Mandl: prisión de lujo y universidad de armamento

 

En 1933, con 18 años, se casa con Friedrich “Fritz” Mandl, industrial austríaco de la empresa de municiones Hirtenberger Patronenfabrik.

 

Mandl tenía negocios con los regímenes de Mussolini y de la Alemania nazi; aunque él no era nazi formalmente, era parte del entramado industrial que alimentaba su maquinaria bélica. (Future Markets Magazine)

 

Este matrimonio es clave por dos motivos:

 

  • Una relación de control casi carcelario
    Mandl, celoso y posesivo, detesta Éxtasis y, según varias fuentes, intenta comprar todas las copias para que nadie vea el desnudo de su esposa (objetivo que obviamente fracasa). La obliga a dejar el cine, la mantiene recluida en su mansión y controla sus desplazamientos. Ella misma lo describiría como una especie de “cautiverio de lujo”. (Future Markets Magazine)

  • Una exposición privilegiada al mundo del armamento
    Como esposa de Mandl, asiste a reuniones con ingenieros, militares y políticos, cenas de negocios y demostraciones de armas. Escucha discusiones sobre control remoto de torpedos, sistemas de guiado por radio, problemas de interferencias y de seguridad en las comunicaciones. (Future Markets Magazine)

Ahí, en esos salones donde ella es “adorno” pero escucha todo, se empieza a gestar la futura inventora de un sistema de comunicación secreta.

 

Muchos relatos subrayan que durante este periodo, sin poder actuar, retoma estudios de ingeniería por su cuenta.

 

No se matricula en una universidad, pero lee manuales, pregunta a técnicos, toma notas. (Future Markets Magazine)

 

La huida

 

Ella misma contó versiones muy novelescas de su fuga: que drogó a una criada, se disfrazó con su uniforme y escapó en coche o en tren, llevando encima todas sus joyas para venderlas después.

 

Lo comprobable es que en 1937 ya no está con Mandl, ha iniciado procesos de separación y abandona Austria rumbo a París y luego a Londres, huyendo de un marido controlador y de un país que se aproxima al Anschluss. (Future Markets Magazine)


 

 

 

5. De refugiada a estrella MGM: encuentro con Louis B. Mayer

 

En Londres conoce a Louis B. Mayer, jefe de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), que está fichando actores y directores europeos que escapan del nazismo.

 

Mayer ve en ella un filón: el escándalo de Éxtasis, su belleza, su acento europeo… pero le ofrece un contrato bastante cutre. Ella lo rechaza. (Future Markets Magazine)

 

En el viaje en barco hacia Estados Unidos, Hedy se convierte en su propia campaña de marketing: pasea por cubierta, habla con todo el mundo, se hace visible.

 

Mayer ve la reacción del pasaje y multiplica por cinco la oferta. Es entonces cuando nace “Hedy Lamarr”, nombre escogido en homenaje a la actriz del cine mudo Barbara La Marr. (Future Markets Magazine)

 

Hollywood la recibe con una etiqueta muy clara: “la mujer más bella del mundo”.

 

A partir de ahí, su carrera se mueve siempre entre lo que ella quiere hacer y lo que el sistema le deja.


 

 

 

 

6. La carrera cinematográfica: glamour, clichés y pequeñas rebeliones

 

6.1. Primeros éxitos en Hollywood

 

Su debut importante en Estados Unidos es Argel (Algiers, 1938), junto a Charles Boyer, remake del clásico francés Pépé le Moko.

 

Ella encarna a Gaby, la mujer sofisticada que tienta al bandido en el exilio.

 

El film funciona muy bien en taquilla y fija su imagen: exótica, misteriosa, inaccesible. (Wikipedia)

 

 

Le siguen:

 

  • Fruto dorado (Boom Town, 1940), con Clark Gable, Spencer Tracy y Claudette Colbert, gran producción sobre la fiebre del petróleo.

  • Ella es la pieza del triángulo amoroso, glamurosa y ambigua.(septimoescenario.com)

 

 

  • Cenizas de amor (H.M. Pulham, Esq., 1941), de King Vidor, donde su personaje representa la modernidad frente al conservadurismo del protagonista.

  • Es uno de sus trabajos más interesantes como actriz, menos “adorno” y más personaje. (Wikipedia)

 

  • Noche en el alma (Experiment Perilous, 1944), thriller psicológico de Jacques Tourneur con atmósfera gótica.

  • Aquí explota mejor su mezcla de fragilidad y misterio. (IMDb)

 

En todas, su físico pesa más que cualquier matiz interpretativo. Y sin embargo, cuando los guiones le dan material, se ve una actriz con instinto y capacidad.

 

6.2. Hedy productora: La extraña mujer y Pasión que redime

 

En 1946 se convierte en una pionera: produce su propia película, La extraña mujer (The Strange Woman), dirigida por Edgar G. Ulmer.

 

Interpreta a una mujer ambiciosa y manipuladora en el Maine del siglo XIX.

 

El rodaje es complejo, el lanzamiento torpe y la película no hace taquilla, pero el gesto es importante: una actriz que intenta controlar su carrera. (Wikipedia)

 

 

 

Un año después produce Pasión que redime (Dishonored Lady, 1947), donde hace de diseñadora atormentada que intenta rehacer su vida.

 

No funciona comercialmente, pero de nuevo muestra a una Hedy que no quiere limitarse a decir frases y sonreír. (SeaWaves Magazine)

 

 

 

6.3. La consagración: Sansón y Dalila

 

El gran taquillazo llega en 1949 con Sansón y Dalila (Samson and Delilah), superproducción bíblica de Cecil B. DeMille.

 

La maquinaria publicitaria es demoledora: “La mujer más bella del cine interpreta a la mujer más bella de la Biblia”. (Wikipedia)

 

La película arrasa en taquilla, recibe premios y consolida su mito erótico-religioso.

 

Pero refuerza también el encasillamiento: el mundo entero la ve como Dalila, no como inventora ni como refugiada judía que huyó del nazismo.

 

 

Ella misma ironizaría después:

 

“Cualquier chica puede ser glamurosa.

Lo único que tiene que hacer es quedarse quieta y parecer estúpida.” (National Women’s History Museum)

El problema es que el sistema le pedía exactamente eso: quedarse quieta.


 

 

 

7. Hedy inventora (I): inventos “pequeños”, laboratorio casero y obsesión por mejorar cosas

 

Mientras rueda películas y recorre alfombras rojas, Hedy Lamarr lleva otra vida paralela: la de inventora aficionada que se pasa las noches trasteando con ideas, planos y prototipos caseros.

 

Ella misma decía: “Me sale natural intentar mejorar las cosas”.  (National Women’s History Museum)

 

Entre los inventos que se le atribuyen (algunos mejor documentados que otros) destacan:

 

 

7.1. Tabletas efervescentes de refresco

 

Diseñó unas tabletas efervescentes que, al disolverse en agua, debían dar lugar a una especie de refresco tipo cola.

 

El objetivo era tener un “refresco instantáneo” para soldados o para quien no tuviera acceso a bebidas embotelladas.

 

El problema: el sabor era, según sus propias palabras, “horrible”.  (WiTech)

 

El invento no prospera comercialmente, pero ilustra bien su modo de pensar: detectar un problema cotidiano (falta de bebidas en determinadas situaciones) e intentar una solución técnica sencilla.

 

 

7.2. Mejora de los semáforos

 

Fuentes como el National Women’s History Museum y otros resúmenes biográficos mencionan que ideó una mejora de los semáforos, un sistema de parada-espera-avance más eficiente.

 

No se conserva una patente clara a su nombre sobre este punto, así que aquí hay mezcla de hecho y leyenda, pero la idea encaja con el tipo de “micro-innovaciones urbanas” que ella decía imaginar. (National Women’s History Museum)

 

 

7.3. Collar fluorescente para perros

 

También se le atribuye un collar fluorescente para perros, pensado para que las mascotas fueran visibles de noche, especialmente en tiempos de apagones durante la guerra.

 

De nuevo, no se trata de una patente revolucionaria, pero sí de una idea práctica y adelantada a productos que hoy nos parecen evidentes.  (Hello Future)

 

 

7.4. Caja de pañuelos “de arrastrar”

 

Algunas fuentes mencionan que experimentó con el concepto de una caja de pañuelos de la que se sacan uno a uno, una especie de antecesor de las cajas modernas de tissues.

 

Este punto es más debatido (no hay una patente suya registrada al respecto), pero vuelve a aparecer en artículos que destacan su obsesión con el “¿cómo podría esto ser más cómodo?”.  (Medium)

 

 

7.5. Aerodinámica de aviones y Howard Hughes

 

Una parte mejor documentada es su colaboración informal con Howard Hughes, aviador y magnate.

 

Él le facilita acceso a sus ingenieros; ella observa que sus aviones son demasiado cuadrados, estudia formas de peces y aves rápidas y propone alas y fuselajes más estilizados.

 

Hughes quedó tan impresionado que, según se ha contado en varias entrevistas y en el documental Bombshell: La historia de Hedy Lamarr, le permitió “jugar” con un equipo de ingenieros para probar ideas.  (Hello Future)

 

No es que diseñara sola un nuevo avión, pero sí que aplicó razonamiento ingenieril a un problema real, y sus sugerencias fueron tomadas en cuenta por un gigante de la aviación.


 

 

 

8. Hedy inventora (II): encuentro con George Antheil y el problema de los torpedos

 

Todo lo anterior se queda en inventos más o menos menores.

 

El gran salto llega con la Segunda Guerra Mundial.

 

 

8.1. El problema técnico

 

En las reuniones con Mandl, Hedy había oído una queja recurrente:
los sistemas de guiado por radio de torpedos eran muy vulnerables.

 

Si el enemigo conocía la frecuencia de la señal, podía interferirla (hacer jamming) o incluso apropiarse de ella y desviar el torpedo.  (Future Markets Magazine)

 

Durante la guerra, los aliados se enfrentan a la amenaza de los submarinos alemanes.

 

La idea de usar torpedos guiados por radio es tentadora, pero ¿cómo evitar que el enemigo bloquee la señal?

 

 

8.2. Entra en escena George Antheil

 

En Los Ángeles, Hedy Lamarr conoce a George Antheil, compositor vanguardista y excéntrico, famoso por su pieza Ballet Mécanique, escrita para varios pianos automáticos (pianolas) sincronizados.

 

Antheil llevaba años trabajando con rollos perforados y sincronización de instrumentos.  (American Scientist)

 

Entre cenas, fiestas y conversaciones, Hedy le plantea el problema de los torpedos. Antheil aporta su experiencia con pianolas; ella, lo que ha aprendido en las cenas de armamento de Mandl. De ese cruce sale la idea clave:

 

Si podemos sincronizar varios pianos para que cambien de nota a la vez siguiendo un rollo perforado…

también podemos sincronizar emisor y receptor de radio para que vayan cambiando de frecuencia al mismo tiempo.

 

Es decir: salto de frecuencia (frequency hopping).


 

 

9. La patente del “sistema de comunicación secreta”

 

9.1. La solicitud y el texto

 

En junio de 1941, Hedy Kiesler Markey (su nombre legal entonces) y George Antheil presentan una solicitud de patente en Estados Unidos para un “Secret Communication System”.

 

La patente se concede el 11 de agosto de 1942 con el número US 2,292,387. (patents.google.com)

 

En el texto se lee que el objetivo es:

 

“proporcionar un método de comunicación secreta que sea relativamente sencillo y fiable en la práctica, pero difícil de descubrir o descifrar”, mediante “el uso de ondas portadoras de diferentes frecuencias”, especialmente útil para el control remoto de “artefactos dirigibles, como torpedos”.  (Deutsches Patent- und Markenamt)

 

 

9.2. ¿Qué proponían exactamente?

 

Resumiendo la parte técnica:

 

  • Dividen el espectro de radio en varias “ranuras” de frecuencia (en el ejemplo usan 88, como las teclas de un piano).

  •  
  • Diseñan un patrón de salto: una secuencia de cambios de frecuencia preestablecida, conocida sólo por emisor y receptor.

  •  
  • Sincronizan emisor y receptor mediante dos tambores perforados, tipo rollo de pianola, que giran al mismo tiempo y marcan cuándo saltar de una frecuencia a otra.  (American Scientist)

 

El resultado es que el mensaje (la señal que guía el torpedo) no viaja siempre por la misma frecuencia, sino que “va pegando saltos” rápidos entre muchas.

 

Para un enemigo que intente interceptar la señal:

 

  • si no conoce el patrón de saltos, sólo oye ruido o segmentos incompletos;

  •  
  • si intenta bloquear una frecuencia concreta, sólo la bloqueará durante un instante, porque enseguida el sistema saltará a otra.

  •  

Eso es, en esencia, un sistema de “espectro ensanchado por salto de frecuencia” (frequency-hopping spread spectrum, FHSS).  (Wikipedia)

 

 

9.3. El papel de ella y de él

 

La historiografía reciente ha ido matizando la autoría:

 

  • La idea base de usar salto de frecuencia para hacer la comunicación más segura ya existía en patentes anteriores (por ejemplo, de Nikola Tesla y otros inventores de telegrafía sin hilos), como recuerda la literatura técnica.  (Wikipedia)

  •  
  • Lo que aportan Lamarr y Antheil es una implementación concreta: la de los dos tambores sincronizados tipo pianola para coordinar transmisor y receptor, aplicada específicamente a torpedos guiados por radio.  (American Scientist)

 

Papeles recientes, como el análisis de 2024 sobre su patente, señalan que la Oficina de Patentes les rechazó una reivindicación muy amplia (que habría descrito el FHSS de forma general) por existir “arte previo”, y que los seis puntos de patente finalmente concedidos cubren el mecanismo concreto de sincronización, más que el concepto abstracto de salto de frecuencia.  (Researchers.One)

 

Aun así, el mérito no es menor: dos personas sin formación formal en ingeniería electrónica consiguen formular un sistema patenteable, coherente y avanzado, que encaja con lo que se desarrollaría décadas después.


 

 

10. ¿Por qué la Marina no lo usó en su momento?

 

Cuando presentan la idea a la Marina estadounidense, la respuesta oficial es que el sistema es poco práctico: los tambores mecánicos ocuparían demasiado espacio en un torpedo real, y el mecanismo de sincronización se considera complicado.  (Wikipedia)

 

Oficiosamente, también pesa el hecho de que:

 

  • ella es una actriz de Hollywood;

  •  
  • él, un compositor vanguardista;

  •  
  • y la reacción instintiva de los mandos militares es de escepticismo (“que esta señora venda bonos de guerra, de lo técnico ya nos ocupamos nosotros”).  (Wikipedia)

 

Le sugieren que es más útil como rostro público recaudando dinero para el esfuerzo bélico.

 

Dicho y hecho: Hedy Lamarr protagoniza campañas de bonos de guerra, besa soldados a cambio de compras masivas de bonos y recauda, según algunas estimaciones, millones de dólares para el Tesoro.(nationalww2museum.org)

 

Mientras tanto, su patente queda archivada… pero no olvidada.


 

 

11. De los torpedos al Wi-Fi: trayectoria real de su idea

 

Aquí conviene separar mito y realidad.

 

11.1. Lo que sí es cierto

 

  • La patente de 1942 es una de las primeras aplicaciones prácticas de un sistema de salto de frecuencia para comunicaciones secretas en contexto bélico, y con una formulación muy cercana al FHSS moderno.  (American Scientist)

 

  • A finales de los 50, empresas como Sylvania Electronic Systems desarrollan sistemas de comunicación militar que usan principios de espectro ensanchado, ya con transistores y sin mecanismos mecánicos tipo pianola.

  •  
  • En plena Guerra Fría, la Marina y otras ramas militares empiezan a usar salto de frecuencia en comunicaciones seguras, por ejemplo durante la crisis de los misiles de Cuba.  (Wikipedia)

  •  
  • Las técnicas de espectro ensanchado (por salto de frecuencia o por secuencia directa) se convierten después en pieza fundamental de muchas tecnologías inalámbricas modernas: ciertas implementaciones de Wi-Fi, Bluetooth, algunos sistemas GNSS/GPS, comunicaciones militares y sistemas de acceso múltiple tipo CDMA en telefonía móvil.  (Wikipedia)

  •  
  • La Electronic Frontier Foundation (EFF), el National Inventors Hall of Fame y otras instituciones reconocen formalmente la contribución de Hedy Lamarr y George Antheil al espectro ensanchado como un hito histórico.  (Future Markets Magazine)

 

11.2. Lo que está exagerado

 

Decir que “Hedy Lamarr inventó el Wi-Fi” es una simplificación muy periodística:

 

  • El concepto de salto de frecuencia ya existía antes en trabajos de Tesla y otros;

 

  • La tecnología de Wi-Fi actual se apoya en un desarrollo enorme posterior: teoría de la información (Shannon), codificación, modulación digital compleja, OFDM, etc., que no tienen nada que ver directamente con ella.  (Wikipedia)

 

Lo justo sería decir que:

 

Lamarr y Antheil aportaron una de las primeras patentes que describen un sistema eficaz de comunicaciones secretas por salto de frecuencia, que forma parte de la genealogía técnica del Wi-Fi y de otras tecnologías inalámbricas actuales.

 

Sin su ladrillo se habría llegado, probablemente, a soluciones similares, pero su idea forma parte del camino y, durante años, se le borró del mapa.


 

 

 

12. Vida personal: matrimonios, hijos, cirugías y escándalos menores

 

La vida privada de Hedy Lamarr daría para varias miniseries:

 

  • Se casa seis veces: con Fritz Mandl, Gene Markey, John Loder, Ernest “Ted” Stauffer, W. Howard Lee y Lewis J. Boies.  (Wikipedia)

 

  • Tiene tres hijos: James, adoptado durante su matrimonio con Markey pero con rumores constantes sobre su filiación real; y Denise y Anthony Loder, con el actor John Loder. Las relaciones familiares serán tensas, con pleitos por herencias y periodos de ruptura.  (Wikipedia)

 

A partir de los años 50, su carrera cinematográfica decae.

 

Se critica su dependencia de la cirugía estética, los estudios pierden interés, Hollywood no sabe qué hacer con una mujer madura que no encaja en los papeles que antes le daban.  (Wikipedia)

 

En los 60 y 90 sufre dos detenciones por hurtos menores en grandes almacenes (cosméticos, baratijas), amplificadas por la prensa amarilla.

 

En ambos casos los cargos se retiran.

 

Algunos biógrafos lo interpretan como signos de deterioro psicológico y económico; otros, como una mezcla de impulsividad y mala prensa.  (Wikipedia)

 

Se recluye cada vez más, primero en California y luego en Florida, comunicándose por teléfono, evitando cámaras, obsesionada con sus operaciones y con su imagen pública.

 

El documental Bombshell: La historia de Hedy Lamarr retrata muy bien esa última etapa casi fantasmagórica.  (Wikipedia)

 

Muere el 19 de enero de 2000 en Casselberry (Florida), a los 85 años, por un problema cardíaco.

 

Sus cenizas se reparten entre Florida y Viena; parte de ellas se esparcen en un bosque cerca de su ciudad natal.  (Future Markets Magazine)


 

 

13. Reconocimiento tardío: premios, día del inventor y recuperación mediática

 

A partir de los años 90 se produce un giro total en la percepción pública:

 

  • En 1997, la Electronic Frontier Foundation (EFF) le concede su Pioneer Award (junto a Antheil, ya fallecido), reconociendo el impacto de su patente de 1942.  (Future Markets Magazine)

  •  
  • En esos mismos años recibe el Bulbie Gnass Spirit of Achievement Award, conocido como los “Oscar de la invención”.  (Future Markets Magazine)

  •  
  • En 2014 es incorporada al National Inventors Hall of Fame por su contribución a las comunicaciones de espectro ensanchado. (Future Markets Magazine)

  •  
  • Alemania, Austria y Suiza deciden celebrar el Día del Inventor el 9 de noviembre, fecha de su nacimiento.  (Deutsches Patent- und Markenamt)

 

El documental Bombshell: La historia de Hedy Lamarr (2017), de Alexandra Dean, refuerza definitivamente su imagen de “estrella y genia tecnológica invisible” y la introduce en el circuito de festivales, cines de arte y ensayo y plataformas de streaming.  (FilmAffinity)

 

 

A partir de ahí proliferan:

 

  • obras de teatro sobre su vida (por ejemplo, “HEDY! The Life & Inventions of Hedy Lamarr”, en off-Broadway); (Wikipedia)

  •  
  • novelas históricas (como “Die einzige Frau im Raum / La única mujer en la habitación”, de Marie Benedict); (Wikipedia)

  •  
  • exposiciones en museos de ciencia, retros en filmotecas, artículos divulgativos sobre mujeres en tecnología.

 

Lo que fue un pie de página en su obituario se convierte, con el tiempo, en el foco principal: hoy mucha gente la conoce más por el Wi-Fi que por Sansón y Dalila.


 

 

 

14. Lecturas feministas y política de la memoria

 

La figura de Hedy Lamarr se ha convertido en:

 

  • Símbolo del efecto Matilda
    Su caso se cita junto a Rosalind Franklin, Lise Meitner o Ada Lovelace como ejemplo de mujer cuya contribución fue infravalorada, retrasada o atribuida a otros.  (National Women’s History Museum)

  •  
  • Crítica a la lógica de Hollywood

    • La industria la explota como “bomba sexual” mientras ella piensa en torpedos, semáforos y alas de avión.

    • Sus intentos de producir sus propias películas (La extraña mujer, Pasión que redime) fracasan en un sistema que no perdona a una mujer con ambición de control.  (Wikipedia)

  •  
  • Ejemplo de cómo se construye la memoria tecnológica
    Durante décadas, los libros sobre comunicaciones inalámbricas mencionan patentes, ingenieros militares, empresas, pero no a una actriz austríaca. Tienen que llegar los años 90, el auge de internet y del feminismo para que se reescriba el relato y se la coloque en el mapa.  (Wikipedia)

 

Su vida obliga a hacerse preguntas incómodas: 


¿A cuántas mujeres con talento técnico se ha relegado a un segundo plano porque encajaban mejor en el papel de “musa”, “madre”, “esposa” o “cuerpo bonito”?


¿Cuántas patentes, ideas o intuiciones se han perdido o atribuido a otros porque el sistema no estaba preparado para tomarlas en serio?


 

 

15. Conclusión: Hedy Lamarr, entre la Dalila y el router

 

Si hoy alguien busca Hedy Lamarr en internet, encontrará dos imágenes principales:

 

  • una foto en blanco y negro de una mujer de belleza casi irreal, mirada intensa, peinado perfecto, estrella del Hollywood clásico;

  •  
  • y esquemas de una patente de 1942, gráficos de frecuencias, menciones a Wi-Fi, Bluetooth y GPS.

 

El mérito del trabajo historiográfico de las últimas décadas ha sido poner esas dos imágenes juntas y entender que no se contradicen.

 

No hay que elegir entre “diva” o “genia”: fue ambas cosas, y además fue refugiada, judía en tiempos del nazismo, víctima de violencia de control, pionera como productora, madre complicada y anciana reclusa.

 

Su historia nos recuerda varias cosas:

 

  • que la creatividad tecnológica puede venir de lugares insospechados (un camerino, una cena de gala, una conversación con un compositor excéntrico);

  •  
  • que la industria del espectáculo puede borrar durante décadas el lado intelectual de una mujer si le resulta incómodo;

  •  
  • y que la memoria histórica no es fija: se reescribe, se corrige y se amplía cuando alguien se toma la molestia de mirar más allá de los tópicos.

  •  

La próxima vez que el wifi del bar te falle, puedes maldecir al router… o pensar un segundo en aquella actriz vienesa que se aburría en sus ratos libres y decidió que, ya que el mundo la veía como un adorno, al menos ella iba a entretenerse diseñando torpedos imposibles de interceptar.


 

 

 

Bibliografía orientativa (en castellano e inglés)

 

Libros y biografías

  • Hedy Lamarr: Éxtasis y yo. Notorious Ediciones, Madrid, 2017. Edición española de sus memorias, con prólogo y aparato crítico. Hay que leerla con distancia: la propia Hedy denunció que los negros literarios se inventaron y exageraron muchos episodios.(SeaWaves Magazine)

  • Ruth Barton: Hedy Lamarr: The Most Beautiful Woman in Film. University Press of Kentucky, 2010. Biografía muy completa centrada en su carrera cinematográfica y en el contexto de Hollywood.(Future Markets Magazine)

  • Stephen Michael Shearer: Beautiful: The Life of Hedy Lamarr. St. Martin’s Press, 2010. Profundiza en la vida personal, en los matrimonios y en la recepción de su imagen pública.(Andar en bici)

  • Richard Rhodes: Hedy’s Folly: The Life and Breakthrough Inventions of Hedy Lamarr, the Most Beautiful Woman in the World. Doubleday, 2011. Centrado en la invención del sistema de comunicación secreta y en su relación con George Antheil y la historia del espectro ensanchado.(American Scientist)

  • Karl-Arne Markström: “The invention by Hedy Lamarr and George Antheil of frequency-hopping spread-spectrum secret communications”. URSI Radio Science Bulletin, 2020. Artículo técnico que analiza qué cubría realmente la patente US 2,292,387 y cómo encaja en la historia del FHSS.(ResearchGate)

  • Marie Benedict: La única mujer en la habitación (traducción de The Only Woman in the Room). Kiepenheuer & Witsch, 2023 (ed. alemana); ediciones en castellano disponibles. Novela histórica basada en la vida de Hedy Lamarr.(Wikipedia)

 

Artículos y recursos divulgativos

  • National Women’s History Museum: “Hedy Lamarr”. Biografía breve, muy clara, que subraya su doble faceta de actriz e inventora, y menciona inventos como las tabletas efervescentes y la mejora de semáforos.(National Women’s History Museum)

  • Future Markets Magazine: “Hedy Lamarr – Inventor and Hollywood star”. Buen resumen de su vida, la patente y la aplicación posterior en tecnologías como Wi-Fi o GPS.(Future Markets Magazine)

  • Electronic Frontier Foundation (EFF): notas sobre los Pioneer Awards 1997, donde se reconoce su aportación al espectro ensanchado.

  • National Inventors Hall of Fame: ficha de Hedy Lamarr, centrada en la patente US 2,292,387 y su impacto.

  • American Scientist: Tony Rothman, “Random Paths to Frequency Hopping” (2019). Historia detallada del FHSS, con sección dedicada a Lamarr y Antheil.(American Scientist)

  • US Patent 2,292,387: “Secret Communication System”, disponible en Google Patents y bases de datos como datamp.org. Texto original de la patente, con esquemas y reivindicaciones.(patents.google.com)

  • DPMA (Oficina de Patentes alemana): artículo “Hedy Lamarr – inventiva femme fatale”, que resume su biografía y comenta la patente desde el punto de vista de la propiedad industrial.(Deutsches Patent- und Markenamt)

  • National WWII Museum: “Hedy Lamarr’s WWII Invention Helped Shape Modern Tech”. Buen contexto para entender el problema de los torpedos, la guerra antisubmarina y el uso posterior de sus ideas.(nationalww2museum.org)

  • Wyld Networks Blog y otros artículos técnicos recientes sobre FHSS y spread spectrum en comunicaciones móviles, que conectan de forma didáctica la patente histórica con el Wi-Fi y Bluetooth actuales.(Wyld Networks)

 

Cine y audiovisual

  • Bombshell: La historia de Hedy Lamarr (Bombshell: The Hedy Lamarr Story, 2017), dir. Alexandra Dean. Documental fundamental, con audios inéditos de Hedy, testimonios de sus hijos y análisis de su doble vida.(FilmAffinity)

  • Otros documentales y docudramas europeos:

    • Geniale Göttin – Die Geschichte von Hedy Lamarr (2017, Alemania).(Wikipedia)

    • Hedy Lamarr, star e inventeuse de génie (versión francesa para ARTE del documental de Dean).(Wikipedia)


 

 

 

 

 

 

 

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

 

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Alcarria TV – Al Médico con Ramón – Migraña: cuando la cabeza no solo duele, sino que te deja KO

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

Alcarria TV – Al Médico con Ramón – Migraña: cuando la cabeza no solo duele, sino que te deja KO

 

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La misteriosa mirada del flamenco – 2025 – Diego Céspedes

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Te contagio con la mirada.

 


La misteriosa mirada del flamenco es una película dramática chilena de 2025, dirigida y escrita por Diego Céspedes

 

La historia transcurre en el norte de Chile en los años 80 y sigue a Lidia, una niña que vive en un pueblo minero con su familia queer.

 

Cuando una enfermedad misteriosa (ligada al estigma del sida) se extiende, los habitantes del pueblo afirman que se transmite “a través de la mirada” de quienes se enamoran entre hombres.

 

Lidia emprende una búsqueda de verdad, amor y justicia. 

 

La película está narrada desde su mirada.

 


Diego Céspedes es un cineasta chileno nacido en Santiago en 1995.

 

Antes de este filme ya había ganado premios en festivales con sus cortos como El verano del león eléctrico (2018) y Las criaturas que se derriten bajo el sol (2022). La misteriosa mirada del flamenco es su primer largometraje.

 


El título no se refiere al pájaro ni al arte jondo español: es metafórico.

 

En la película, la “mirada” representa el miedo, el deseo y el estigma que sufren los personajes queer.

 

Ese mito del pueblo —que la enfermedad se transmite con una mirada enamorada— conecta directamente con lo que “Flamenco” (el personaje central adulto) significa para Lidia y para la comunidad: una presencia potente, peligrosa para unos, liberadora para otros.


La peli se estrenó en el Festival de Cannes 2025 en la sección Un Certain Regard y ganó premios importantes ahí y en el Festival de San Sebastián (Premio Sebastiane Latino).

 

Fue también elegida por Chile para competir en los Óscar y los Goya como mejor película internacional/iberoamericana.

 

La misteriosa mirada del flamenco es una película claramente partida en dos, como si Diego Céspedes hubiera dicho: ahora te hundo y luego, si eso, te saco a flote… pero no del todo.


La primera parte es un drama fatalista de los que aprietan el estómago: presentación de personajes, clima opresivo, miedo, estigma y un final durísimo que te deja mirando la pantalla como si te hubiera mirado el flamenco a ti.


La segunda parte vira hacia la reconstrucción del duelo: los personajes evolucionan, reaparece la alegría, la vida vuelve a abrirse paso y esa boda final parece decirnos que sí, que hay esperanza, que el amor también gana partidos.


Pero ojo, que Céspedes no es ingenuo ni buenista: cuando ya estás sonriendo, aparece el sarcoma de Kaposi en alguno de los personajes y ¡zas!, la realidad vuelve a ensombrecerlo todo.


Vamos, que te da esperanza… pero con receta médica y advertencia en letra pequeña.

 

Cine sensible, valiente y con mala leche emocional de la buena.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

 

Dirigido por Diego Céspedes:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Feliz Navidad – Joyeux Noël – 2025 – Christian Carion – Curso UNED 2025–2026. LO QUE EL CINE SE LLEVÓ: Memorias de 35mm

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Cuando la Navidad suspendió la guerra (pero solo un ratito)”

 

Feliz Navidad (título original Joyeux Noël, 2005, no 2025) está dirigida por Christian Carion, cineasta francés que aquí firmó su película más conocida.


Antes y después ha seguido rodando, pero esta es la que lo puso en el mapa internacional.


Le interesa la memoria histórica y el humanismo sin cinismo.
Y aquí juega fuerte… y gana.

 

Feliz Navidad recrea un hecho real ocurrido en la Navidad de 1914, en plena Primera Guerra Mundial: la confraternización espontánea entre soldados alemanes del Káiser y tropas francesas y escocesas en el frente.

 

Una tregua no oficial, breve y profundamente incómoda para los mandos.

 

La película está muy bien contada y todo funciona con una fluidez admirable.

 

Hay emoción sin empalago y discurso sin pancarta.

 

Destacan especialmente Diane Kruger y Benno Fürmann, interpretando a una pareja de cantantes de ópera atrapados por la guerra: él, reclutado; ella, danesa, con un salvoconducto del Káiser para visitarlo en el frente.

 


Los momentos musicales —con Stille Nacht y Adeste Fideles— son de lágrima fácil y digna. No se manipula: se siente.

 

La película reflexiona, con bastante mala leche y mucha razón, sobre esa verdad incómoda de siempre: las guerras las organizan los poderosos y las pelean los pobres.

 

Aquí quedan retratados sin maquillaje la Iglesia, el estamento militar y el poder político y económico, enviando a obreros y campesinos a matarse en nombre de banderas y patrias.

 

Muy potente también el arranque con el adoctrinamiento en las escuelas, donde el enemigo es presentado como el demonio absoluto, una cucaracha a exterminar.

 

Todo eso se desmonta cuando los soldados se miran a los ojos, comparten pan, música y humanidad.

 

Feliz Navidad es una película emotiva, inteligente y profundamente antibelicista.

 

Un alegato clarísimo contra la inutilidad de la guerra y contra esa idea horrorosa de matar de forma organizada.


Y sí: excelente elección de Israel Calzado para un curso de la UNED.

 

Cine para pensar… y para no repetir errores, aunque luego no hagamos ni caso.

 

Mi puntuación: 6,57/10.

 

 

 

Dirigido por Christian Carion:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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La suerte: Una serie de casualidades (Serie TV) – 2025 -Paco Plaza (Creador), Pablo Guerrero (Creador) – Disney+

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Taxi, toros y oposiciones: cuando la vida te pone un capote en el asiento de atrás.

 

Paco Plaza es uno de esos directores españoles con pulso propio y cero miedo al riesgo.

 

En su filmografía destacan títulos muy reconocibles como [REC] (codirigida), que revolucionó el terror patrio a base de cámara en mano y mal rollo del bueno.

 

Luego llegaron Verónica y La abuela, donde el miedo se vuelve más íntimo, más psicológico y más cabrón.


Con Quien a hierro mata demostró que también sabe manejar el thriller seco y moralmente incómodo.


No repite fórmula: cambia de género, pero mantiene mirada y mala leche elegante.


Vamos, que Paco Plaza no va dando palos de ciego… va dando en el nervio.

 

La suerte: una serie de casualidades me ha parecido absolutamente sorprendente, de esas que empiezas con prevención y acabas defendiendo en la barra del bar como si la hubieras parido tú.

 

La serie plantea dos mundos que, en principio, no deberían coincidir ni en Google Maps… y los hace convivir con una naturalidad pasmosa.

 

Por un lado está el chaval interpretado por Ricardo Gómez, al que llaman José Antonio o David según les venga en gana (detalle maravilloso que define al personaje mejor que diez monólogos).

 

Licenciado en Derecho, opositor sin vocación clara, intentando sacarse unas oposiciones a abogado del Estado mientras gana un dinerillo con el taxi de su padre.

 

Taxi que, ojo al dato importante, es una furgoneta Toyota de ocho plazas idéntica a la mía.

 

Esto no aporta nada al análisis académico, pero refuerza mi vínculo emocional con la serie.

 

Y enfrente, el mundo del toreo.

 

El maestro, interpretado por Óscar Jaenada, que se come la pantalla con patatas.

 

Ritos, supersticiones, silencios, miradas, ese aroma añejo y casi místico que rodea a los toros.

 

Un tipo que vive su profesión con entusiasmo, fe y entrega absoluta.

 

Vamos, lo contrario exacto del muchacho que, aun teniendo entradas para los festejos, decide no ir porque no le interesa lo más mínimo. Ni curiosidad antropológica, oye.

 

Lo brillante es cómo estos dos mundos tan dispares se encuentran y, contra todo pronóstico, surge la amistad, la comprensión y el apoyo mutuo.

 

Sin moralinas, sin discursos forzados.

 

Personas muy diferentes que colaboran, se ayudan y se respetan.

 

Un mensaje estupendo, de los que entran sin empujar, y que a mí, qué quieres que te diga, me gana.

 

Los secundarios son de auténtico lujo.

 

Carlos Bernardino está absolutamente exuberante, explosivo, desatado y magnífico, de esos que cuando aparecen suben el voltaje de la escena.

 

Óscar Higares hace de hermano y asesor-apoderado del personaje de Óscar Jaenada, y resulta muy curioso —y muy eficaz— ver a un torero de la Abadía haciendo de actor e interpretándose casi a sí mismo.

 

Y Manuel Morón, que siempre cumple, siempre suma y nunca molesta, como debe ser.

 

En cuanto a las interpretaciones, el contraste es clave: la personalidad fuerte, soberbia e impresionante de Óscar Jaenada frente al perfil bajo de Ricardo Gómez, un actor con poco carácter aquí… pero ojo, porque el personaje lo exige.

 

Ese ninguneo constante, ese chico discreto, poco brillante, que probablemente tenga éxito en la vida haciendo algo que no le gusta demasiado.

 

Y ese choque con el torero apasionado, entregado y visceral funciona de maravilla.

 

La serie también habla de eso: de mirar la vida desde la lejanía, incluso con cierto desprecio, frente a vivirla con intensidad casi religiosa.

 

Y sí, lo confieso sin pudor: ha habido momentos en los que me ha emocionado.

 

Y no por trampas lacrimógenas, sino porque está contado con verdad.

 

Una serie que cruza taxis y capotes, oposiciones y supersticiones, y demuestra que, a veces, juntar mundos incompatibles no acaba en accidente… sino en algo bastante hermoso.

 

Y eso, hoy en día, ya es tener mucha suerte.

 

Mi puntuación: 7,58/10.

 

 

 

Paco Plaza (Creador), Pablo Guerrero (Creador):

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Los Premios Forqué 2025: cuando la temporada de premios empieza con cabeza (y no se eterniza)

18/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

La 31ª edición de los Premios Forqué volvió a demostrar por qué estos galardones, otorgados por los productores españoles a través de EGEDA, se han convertido en una cita clave del calendario cinematográfico.

 

Nacidos después de los Goya, los Forqué han ganado un protagonismo indiscutible por una razón muy sencilla: son los primeros.

 

Inauguran oficialmente esa maratón anual de premios que luego continúa con los Gaudí, los Feroz y culmina con los Goya. El disparo de salida, vaya.

 

En lo personal, la noche tuvo además un componente emocional importante.

 

Fui invitado a la gala por mi amigo Carlos Taillefer, productor, agitador cultural y figura muy activa dentro de la Academia de Cine.

 

Taillefer ha trabajado con Antonio Banderas en El camino de los ingleses, y es uno de esos personajes que, sin levantar demasiado la voz, están siempre empujando el cine desde dentro.

 

Mi agradecimiento sincero por la invitación y por compartir una noche tan especial.

 

 

 

Una gala que entendió algo básico: el tiempo

 

La gala me pareció estupenda. Así, sin matices.

 

Duró una hora y cuarenta minutos, algo casi revolucionario en estos tiempos.

 

Estuvo sembrada de buenas actuaciones musicales, muy bien integradas, y con una selección de temas clásicos que apelaban directamente a la nostalgia del espectador.

 

Nada de experimentos raros: memoria emocional bien manejada.

 

Los presentadores fueron Cayetana Guillén Cuervo y Daniel Guzmán.

 

Ella, heredera directa de una gran saga de artistas, con tablas y oficio.

 

Él, un director que brilla especialmente cuando se mueve en el terreno del cine social.

 

Ambos intentaron cumplir su misión, y lo lograron.

 

Es verdad que el guion chirriaba en algún momento, pero supieron sostener la gala con profesionalidad.

 

 

El escenario estaba magníficamente planteado: una orquesta situada en la parte superior —con especial protagonismo de las trompetistas, que ofrecieron una actuación espectacular—, una escalera lateral redondeada que daba mucho juego visual y una gran pantalla con una infografía excelente.

 

En ella apareció incluso, como manda la moda actual, la inteligencia artificial, utilizada como elemento humorístico, casi como un tercer personaje. Funcionó y sumó.

 

Uno de los grandes aciertos fue pedir expresamente a los premiados que no se eternizaran en los agradecimientos: 45 segundos.

 

Y, sorprendentemente, la mayoría cumplió.

 

Resultado: una gala dinámica, ágil, entretenida y muy disfrutable.

 

Un ejemplo que deberían mirar con atención otras ceremonias, como los Goya, que el año pasado comenzaron a las diez y terminaron a la una y media de la madrugada. Tres horas y media que se hicieron eternas.

 

Aquí no. Aquí hubo cabeza.

 

 

 

El palmarés: cine adulto y coherente

 

Vamos al palmarés, que es lo importante.

 

El premio más relevante, Mejor Largometraje, fue para Los domingos, que competía con Más palomas, Sirât y Sorda.

 

Para mí, la ganadora perfecta.

 

Dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, es un drama familiar que explora los sentimientos religiosos dentro del núcleo familiar y los conflictos generacionales derivados de las actitudes juveniles.

 

Una película que trata al espectador como un adulto, le ofrece la información y le deja reflexionar.

 

Tal y como dijo su directora en el discurso de agradecimiento.

 

Tras siete semanas en los cines y después de haber ganado la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, la película se acerca ya a los cuatro millones de euros de recaudación, una cifra que previsiblemente seguirá creciendo.

 

Además, Patricia López Arnaiz se llevó el premio a Mejor Interpretación Femenina en Cine por esta misma película.

 

Competía con Ángela Cervantes por La furia —arrolladora—, Miriam Garlo por Sorda y Nora Navas por Mi amiga Eva. Cuatro interpretaciones enormes. Cualquiera habría sido justa ganadora.

 

 

 

No es la primera vez que Alauda Ruiz de Azúa triunfa en los Forqué.

 

En 2022 ya ganó con Cinco lobitos (Mejor Actriz para Laia Costa y Premio Cine y Educación en Valores).

 

En 2024 lo hizo con la serie Querer, llevándose Mejor Serie, Mejor Actriz para Nagore Aranburu y Mejor Actor para Pedro Casablanc.

 

Su relación con estos premios no es casualidad.

 

 

 

En Mejor Serie, competían Pubertad, Animal, Poquita fe y Anatomía de un instante, y el premio fue para esta última.

 

Una serie extraordinaria que narra la Transición española desde cuatro perspectivas diferentes y culmina en el intento de golpe de Estado del 23-F.

 

Una obra potente, sólida y muy bien construida, con un Álvaro Morte absolutamente sensacional transformado en Adolfo Suárez.

 

La Mejor Interpretación Masculina en Cine fue para José Ramón Soroiz por Más palomas.

 

Un caso singular: probablemente su único gran papel, casi un premio a una carrera tardía.

 

También estaban nominados Alberto San Juan por La cena, Álvaro Cervantes por Sorda —sensacional— y Mario Casas por Muy lejos.

 

Aquí confieso mi desconcierto: sigo sin entender cómo un actor tan limitado interpretativamente aparece recurrentemente en estas nominaciones. Misterios del cine español.

 

En series, la Mejor Interpretación Femenina fue para Esperanza Pedreño por Poquita fe, componiendo un personaje patético, triste y profundamente real.

 

Y la Mejor actuación Masculina fue para Javier Cámara por Yakarta, donde interpreta a un perdedor absoluto, un hombre que deposita todas sus ilusiones para verlas derrumbarse.

 

La serie es extraordinaria y Cámara está, como casi siempre, inmenso.

 

El premio a Mejor Película Latinoamericana fue para Belén, un drama judicial visto en el Festival de San Sebastián.

 

Un film orgánico y sólido, que funciona muy bien, aunque no aporta nada especialmente novedoso al género.

 

El Premio al Cine y Educación en Valores, otorgado por EGEDA, fue para Sorda, un reconocimiento más que merecido.

 

El Mejor Cortometraje fue Ángulo muerto, centrado en el acoso escolar, un tema que apareció varias veces a lo largo de la gala.

 

La ceremonia tuvo un marcado aire social: además del acoso escolar, hubo menciones al genocidio en Gaza, todo ello sin convertir la gala en un mitin político, pero sin mirar hacia otro lado.

 

 

 

El Mejor Largometraje de Animación fue para Decorado, una película extraordinaria: una fábula llena de animalitos que reflexiona sobre la falsedad de la vida contemporánea, la sensación de vivir en un mundo ajeno y la búsqueda constante de la libertad.

 

El Mejor Documental fue para Para flores, para Antonio, dirigido por Isaki Lacuesta.

 

Un director con el que confieso no tener especial simpatía, pero cuyo trabajo aquí relata la experiencia de Alba Flores en la búsqueda de la figura de su padre.

 

Ella, que dejó de cantar tras su muerte cuando tenía ocho años, emprende aquí un viaje emocional de reencuentro con su pasado.

 

 

 

 

Epílogo gastronómico (que también cuenta)

 

Tras la gala, cóctel. Y muy bien organizado.

 

Comida abundante, mesas de postres memorables —con unos coquitos absolutamente espectaculares y roscones de nata de nivel—.

 

Algunos, con hambre como yo, atacamos primero el dulce y luego ya nos fuimos recolocando con los canapés que iban sacando. Todo estupendo.

 

 

 

 

Pude saludar a Alauda Ruiz de Azúa, felicitarla y recordarle que la entrevisté en el proyecto Viridiana en Guadalajara cuando presentó Cinco lobitos.

 

A eso de la una de la madrugada abandoné el cóctel, que seguía muy animado, tras una noche intensa y muy satisfactoria.

 

Un día completo. Un día de cine.

 

Y, sobre todo, un día de agradecimiento a Carlos Taillefer por la invitación. Así da gusto empezar el año cinematográfico. 🎬

 

 

 

 

 

 

 

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El rey de reyes (Animación) – The King of Kings – 2025 – Seong-ho Jang – #YoVoyAlCine

16/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Biblia animada con estrellas: cuando Charles Dickens hace de cuentacuentos celestial”

 

El rey de reyes (animación, 2025) es una curiosísima producción surcoreana dirigida por Seong-ho Jang.


De su carrera no hay todavía demasiada literatura cinéfila para lucirse, así que vamos a lo seguro: aquí firma una película de animación ambiciosa, clara en su mensaje y pensada para todos los públicos.


No es cine irónico ni ambiguo: va de frente.


Y lo hace sin complejos.

 

Vamos al cutrecomentario, que es donde está la salsa.


El rey de reyes nos propone algo tan clásico como efectivo: Charles Dickens le cuenta a su hijo, en forma de cuento, la vida de Jesucristo.

 

Y cuando digo “la vida”, es toda: nacimiento, huida a Egipto, años de carpintero, predicación, apóstoles, entrada triunfal en Jerusalén, traición, pasión, muerte y resurrección.

 

Aquí no se dejan un Evangelio en el cajón.

 

La película funciona como relato marco (Dickens y su hijo) y como narración bíblica animada, buscando que el niño —y el espectador— se enganche a la historia de Cristo de forma ágil y bastante orgánica.

 

A ratos puede resultar un pelín aburrida, sí, pero en conjunto funciona sorprendentemente bien.

 

Uno de sus grandes reclamos es el reparto de voces en versión original: Kenneth Branagh, Uma Thurman, Mark Hamill, Pierce Brosnan, Forest Whitaker, Ben Kingsley y Oscar Isaac.

 

Vamos, que parece más la lista de invitados a unos Oscar que el casting de una peli religiosa animada.

 

La película es claramente militante —en el sentido ideológico del término—, algo perfectamente legítimo: ensalza la figura de Cristo sin ironías ni dobles lecturas.

 

Y, dicho sea de paso, como cine religioso, funciona francamente bien.

 

Es vistosa, clara y muy completa, algo poco habitual en animación sobre este tema.

 

El rey de reyes es una propuesta interesante, honesta y curiosa, ideal para introducir a los niños en la Biblia sin bostezos excesivos.

 

Y ojo, porque en animación sobre la vida de Cristo no se habían hecho muchas cosas tan bien resueltas como esta. Que no es poco.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

 

 

Dirigido por Seong-ho Jang:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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El sendero azul – O Último Azul – 2025 – Gabriel Mascaro – #YoVoyAlCine

16/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Prohibido ser mayor, salvo que te fugues por el Amazonas”

 

El sendero azul (título original O Último Azul, 2025) es una película brasileña dirigida por Gabriel Mascaro.


Mascaro (Brasil, 1983) ya había dejado claro en Vientos de agosto y Divino amor que le va el cine social raro, incómodo y con ideas.


Aquí vuelve a mezclar distopía, fábula y realismo casi documental.


No es cine para todos… y él lo sabe.

 

Vamos al cutrecomentario, que es lo que importa.


En El sendero azul nos plantan una distopía muy fina y muy cabrona: si tienes más de 75 años, se acabó decidir.

 

Para viajar, para moverte, para vivir… necesitas el consentimiento de tus hijos.

 

Y si no, a unos “centros de veraneo” que huelen bastante a campo de concentración tropical del que nadie vuelve.

 

La protagonista es Tereza, interpretada por Denise Weinberg (ojo al dato, enorme), una anciana activa, lúcida y con más ganas de vivir que medio TikTok junto.

 

Tereza trabaja limpiando cocodrilos para consumo humano —Brasil es así, no juzgamos— y decide que hasta aquí hemos llegado. Huye. Literalmente.

 

Lo que parecía una road movie se convierte en una river movie: un viaje por los afluentes del Amazonas en el que va encontrando personajes tan pintorescos como interesados, que lo mismo la ayudan que le vacían la cartera.

 

Porque Teresa tiene un sueño muy concreto y muy sencillo: volar en avión.

 

Y como su hija no le da permiso, intenta hacerlo por las bravas… incluso en un ultraligero.

 

La peli tiene dos grandes bazas: una protagonista anciana (rarísimo en cine) y un tono vitalista que desarma.

 

No va de la decrepitud, va del deseo de libertad.

 

Y además Mascaro aprovecha para colar una mirada casi documental a las orillas del Amazonas: casas flotantes, pasarelas imposibles, un paisaje humano y físico fascinante.

 

¿Es lenta a ratos? Sí.


¿Tiene algo de fábula rara? También.


¿Te deja pensando en cómo tratamos a nuestros mayores? Muchísimo.

 

Y al final, sin destripar nada, Teresa quizá encuentre esa libertad que tanto ansiaba.

 

O al menos algo muy parecido. Y eso, ya es bastante más de lo que les dejan a muchos.

 

Fíjate en la baba del caracol azul.

 

Mi puntuación: 7,67/10.

 

 

 

Dirigido por Gabriel Mascaro:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Aro berria – 2025 – Irati Gorostidi – #YoVoyAlCine

16/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Asambleas, abrazos intensos y un señor de dos metros mirando raro”

 

Aro berria (2025) es la ópera prima de Irati Gorostidi, joven directora vasca.

 

No hay mucha biografía aún para llenar Wikipedia sin inventar, así que lo justo: cine de mirada política, memoria obrera y gusto por el riesgo formal.

 

Aquí se nota que hay vivencia personal detrás… y no poca.

 

Vamos al lío.

 

Aro berria arranca en el Euskadi de 1978, en plena Transición y con las huelgas del metal echando chispas.

 

La peli plantea el conflicto clásico: asamblearismo puro versus sindicatos organizados.

 

La utopía horizontal frente a la sensación de que el sindicalismo acaba domesticando al movimiento obrero.

 

Debate ideológico servido, sin subrayador fosforito… al menos al principio.

 

Pero ojo, que la peli gira.

 

Los jóvenes desencantados se meten en una especie de comuna emocional donde se practican ejercicios para “liberar sentimientos”: dramatizaciones, movimientos corporales, catarsis varias.

 

Aquí Irati Gorostidi cambia el registro y la cámara se vuelve casi antropológica, distante, como si estuviéramos viendo un documental sobre una tribu ligeramente intensita.

 

El espectador observa, analiza… y a veces sufre.

 

Porque sí: hay momentos muy estimulantes, que remueven cosas y te hacen pensar.

 

Y otros absolutamente insoportables, de esos en los que miras el reloj y reflexionas sobre tus decisiones vitales.

 

La vida en comuna, por cierto, no se pinta nada idílica: todos los personajes arrastran sombras y frustraciones que hacen imposible la felicidad prometida.

 

Detalle curioso y muy jugoso: el gurú de la comuna está interpretado por Oliver Laxe (sí, el director de Sirat).

 

Sale poco, pero mide casi dos metros y su sola presencia ya impone más que cualquier discurso espiritual. Casting físico, que dirían los finos.

 

Aro berria es una película curiosa, irregular, a ratos fascinante y a ratos chirriante, con un claro interés antropológico y político.

 

Un viaje a una España convulsa contado, además, desde una mirada muy personal: la directora es hija de dos de aquellos participantes en la comuna.

 

Y eso, para bien o para mal, se nota. Mucho.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

 

 

Dirigido por Irati Gorostidi:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Programación de actividades de la Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ) en 2026

13/12/2025

 

 

 

 

 

 

Programación de actividades de la Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ) en 2026

 

En la Asamblea anual de la ACAZ celebrada el día 11 de Diciembre de 2025 se acordó el siguiente esquema de programación:

 

Primer jueves de mes: “Cine de siempre y para siempre” a cargo de Rafa Romero.

 

Segundo jueves de cada mes: “Fuera de nuestras fronteras” a cargo de Víctor y Jesús.

 

Tercer jueves de cada mes: “Enlazando con la actualidad” a cargo de Juan Ignacio.

 

Último jueves de cada mes: Bichobola.

 

Comenzamos la programación de 2026 el 8 de Enero con “Cine de siempre y para siempre” a cargo de Rafa Romero.

 

 

 

 

 

 

 

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NADIE ES PERFECTO…PERO CASI – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

13/12/2025

 

 

 

 

 

NADIE ES PERFECTO…PERO CASI


Billy Wilder


– Tengo un horrible pasado. Desde hace 3 años, estoy viviendo con un saxofonista.


– Te lo perdono.


– Nunca podré tener hijos.


– Los adoptaremos.


– No me comprendes, Osgood. ¡Soy un hombre!


– Bueno, nadie es perfecto.


THE END


Recorrido por la carrera cinematográfica del director Billy Wilder (1906-2002)

 

 

 

 

 

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CRÓNICAS MARCIANAS – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

13/12/2025

 

 

 

 

 

CRÓNICAS MARCIANAS

 

Cine de Ciencia-Ficción

Recorrido por el Cine de Ciencia-Ficción, un macro-género cinematográfico que abarca más de un siglo de historia.

En 1902, Méliès nos llevó a la Luna en un cohete-bala. En el año 2025 Guillermo del Toro revisa por enésima vez “Frankenstein” (Mary Shelley, 1818), considerada por muchos la primera novela de Ciencia-Ficción.
Viajes en el tiempo,

 

Sociedades del futuro (utopías, distopías), Invasiones alienígenas, Robótica e Inteligencia Artificial, …, son solo algunos de los subgéneros que, desde hace décadas, nos invitan a reflexionar (casi siempre) sobre el presente desde el futuro.

Comienza la cuenta atrás…

 

MONOGRÁFICO Nº2:
“Crónicas marcianas” (Antología Ciencia Ficción)

 

INTRODUCCIÓN

Dedicamos el monográfico al género de la Ciencia-Ficción a través de un recorrido cronológico, que abarca desde el cine mudo hasta nuestros días.

 

CINE MUDO

Elegimos el cortometraje “El ladrón invisible” (1909) del director aragonés Segundo de Chomón, una adaptación libre de la novela de H.G.Wells “El hombre invisible”.

 

FILMOGRAFÍA SILENTE:

 “Viaje a la luna” (1902, Georges Méliès)
 “20.000 leguas de viaje submarino” (1907, Georges Méliès)
 “Excursión a la luna” (1908, Segundo de Chomón)
 “El hombre y la bestia” (1920, John S.Robertson)
 “Aelita” (1924, Yakov Protazanov)
 “Metrópolis” (1927, Fritz Lang)
 “La mujer en la luna” (1929, Fritz Lang)

 

MAD DOCTOR

Uno de los personajes claves del universo de la ciencia ficción es el científico loco, también conocido como Mad Doctor. Será en la
década de los años ’30 cuando dicho personaje ocupe un lugar significativo en diferentes títulos.

 

FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:

 “El hombre y el monstruo” (1931, Rouben Mamoulian)
 “El doctor Frankenstein” (1931, James Whale)
 “La isla de las almas perdidas” (1932, Erle C.Kenton)
 “La máscara de Fu Manchú” (1932, C.Brabin & Charles Vidor)
 “El hombre invisible” (1933, James Whale)
 “La novia de Frankenstein” (1935, James Whale)
 “Muñecos infernales” (1936, Tod Browning)

 

LA GUERRA DE LOS MUNDOS

La famosa novela La guerra de los mundos (1898, H.G.Wells) fue adaptada para la radio a finales de los años ’30 por la compañía “The Mercury Theatre”, donde Orson Wells ejercía de actor principal. Aquel programa se convirtió en un hecho histórico provocando el miedo y pánico de miles de oyentes que creyeron que Nueva Jersey estaba siendo invadida por los marcianos.

Dos títulos se hicieron eco de este episodio:

 “Fraude” (1973, Orson Wells)
 “Días de radio” (1987, Woody Allen)

 

EDAD DE ORO CI-FI

Acabada la segunda guerra mundial, la sensación de inestabilidad social e ideológica generada por la contienda bélica y el desastre atómico de Hiroshima y Nagasaki, se traslada a las pantallas en un ciclo de películas, la mayoría serie B, que capturan de manera alegórica todos los temores y miedos de la sociedad norteamiericana.

 

FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:

 “Con destino a la luna” (1950, I.Pichel)
 “El enigma de otro mundo” (1951, Christian Nyby)
 “Ultimátum a la tierra” (1951, Robert Wise)
 “La guerra de los mundos” (1953, Byron Haskin)
 “La humanidad en peligro” (1954, Gordon Douglas)
 “La mujer y el monstruo” (1954, Jack Arnold)
 “Planeta prohibido” (1956, Fred M.Wilcox)
 “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956, Don Siegel)
 “El increíble hombre menguante” (1957, Jack Arnold)
 “El tiempo en sus manos” (1960, George Pal)

 

DISTOPÍA: FUTUROS APOCALÍPTICOS

Elegimos el cortometraje “More” (1998, Mark Osborne), cuyo tratamiento animado con plastilina (Claymation), nos presenta un mundo futuro monótono y descolorido donde un inventor vive atrapado por la rutina.

 

ROBÓTICA & I.A.

Un subgénero mayor de la ciencia ficción lo ocupa la Robótica e Inteligencia Artificial. Vimos un montaje y una escena de probablemente la gran obra maestra de este subgénero: “Blade Runner” (1982, Ridley Scott).

 

NEW HOLLYWOOD

En este movimiento cinematográfico ocupa un lugar privilegiado la Ci-Fi. Con un montaje repasamos un periodo que abarca poco más de una década (1966-1980).

 

FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:

 “Plan diabólico” (1966, John Frankenheimer)
 “2001: una odisea en el espacio” (1968, Stanley Kubrick)
 “El planeta de los simios” (1968, Franklin J.Schaffner)
 “Naves misteriosas” (1971, Douglas Trumbull)
 “La naranja mecánica” (197, Stanley Kubrick)
 “Almas de metal” (1973, Michael Crichton)
 “Las esposas de Stepford” (1975, Bryan Forbes)
 “La guerra de las galaxias” (1977, George Lucas)
 “Encuentro en la tercera fase” (1977, Steven Spielberg)
 “Alien, el octavo pasajero” (1979, Ridley Scott)

 

SIGLO XXI

Acabamos la sesión con un montaje dedicado al género con los títulos más importantes del siglo XXI.

FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:

 “Inteligencia artificial” (2001, Steven Spielberg)
 “¡Olvídate de mí!” (2004, Michel Gondry)
 “V de Vendetta” (2005, James McTeigue)
 “Hijos de los hombres” (2006, Alfonso Cuarón)
 “Wall-e” (2008, Estudios Pixar)
 “Avatar” (2009, James Cameron)
 “Origen” (2010, Christopher Nolan)
 “Her” (2013, Spike Jonze)
 “Langosta” (2015, Yorgos Lanthimos)
 “Blade Runner 2049” (2017, Denis Villeneuve)
 “Dune” (2021, Denis Villeneuve)

 

 

 

 

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Roofman: Un ladrón en el tejado – Roofman – 2025 – Derek Cianfrance – #YoVoyAlCine

13/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Atracos con martillo, amor blandito y McDonald’s de corchopán”

 

Roofman: Un ladrón en el tejado (2025) insiste bastante en que está “basada en hechos reales”, como si eso le diera automáticamente puntos extra.

 

La historia ya es lo suficientemente marciana sin subrayarlo tanto: robar un McDonald’s entrando por el techo con un martillo tiene su aquel… y su punto de cachondeo involuntario.

 

Derek Cianfrance dirige la función.

 

El tipo viene de dramas intensitos y bastante respetables como Blue Valentine o Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines).

 

Sabe narrar, sabe dar ritmo y aquí demuestra que también puede moverse con soltura entre el thriller, la comedia y el drama sin que el invento se le caiga del tejado.

 

Estamos ante una mezcla bastante apañada de drama, thriller, peli de atracos y comedia.

 

Todo muy orgánico, muy bien contado y sorprendentemente entretenido.

 

Parte del encanto está en lo absurdo del asunto: esos edificios estadounidenses hechos con materiales que aquí llamaríamos “pichilas premium”, donde con un martillo te haces un butrón como quien abre una bolsa de patatas. Nada de tejas ni ladrillo serio: poliespán, tela asfáltica y arreando.

 

La película mitifica un poco al delincuente, y eso chirría.

 

En un país con alta movilidad laboral y geográfica, cuesta comprar que el protagonista convierta en “oficio” robar cada fin de semana un McDonald’s en lugar de currar de otra cosa.

 

Aun así, el relato funciona y engancha, aunque el estudio de personajes se quede en la superficie: aquí manda la historia, no la psicología.

 

Channing Tatum está muy bien como Jeffrey Manchester, alejándose del héroe musculado y abrazando un registro más cómico y entrañable.

 

Se nota que se lo pasa bien.

 

Comparte pantalla con Kirsten Dunst, correcta y encantadora, aunque toda la subtrama romántica y familiar cae en un exceso de ñoñería que a ratos empalaga un poco. Falta mala leche y sobra azúcar.

 

Al final, la peli se ve con agrado, fluye estupendamente y cierra recordándonos que todo esto pasó de verdad, con fotos de los personajes reales incluidos, por si aún dudabas.

 

No es profunda, no pretende serlo, pero funciona como entretenimiento sólido y simpático.


Y oye, sales del cine mirando los tejados de los McDonald’s con otros ojos. 🍔🏠

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

 

 

Dirigido por Derek Cianfrance:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Wicked: Parte II – Wicked: For Good – 2025 – Jon M. Chu – #YoVoyAlCine

13/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Verde sí, brillante… ya no tanto”

 

Wicked: For Good (aka Wicked: Parte II) llega para cerrar el musical con mensaje, canciones a todo trapo y menos chispa que la primera.

 

Funciona, pero ya no deslumbra como antes.

 

Digamos que vuela… pero a ras de suelo.

 

Jon M. Chu vuelve a ponerse al mando.

 

El director viene del cine espectáculo bien engrasado: Crazy Rich Asians, En un barrio de Nueva York o G.I. Joe: La venganza.

 

Maneja bien lo visual, el ritmo y el musical grande, aunque aquí parece más contenido, como si el piloto automático estuviera en modo “final de saga”.

 

La música sigue siendo clave y las interpretaciones sostienen la función.

 

Cynthia Erivo está muy bien como Elphaba, poderosa, perseguida y convertida en símbolo de resistencia.

 

Ariana Grande cumple de sobra como Glinda, encantadora, sonriente… y bastante fraudulenta, porque su “poder” es básicamente caer bien y manejar el relato.

 

Jonathan Bailey (no Baldwin) hace lo que puede con su papel y Michelle Yeoh está correcta, aunque sin brillar tanto como en la primera entrega.

 

Esta segunda parte es más tediosa, un poco más pesada, claramente por debajo de la anterior.

 

Eso sí, el mensaje está ahí y es potente: la verdad frente a la mentira institucionalizada, la manipulación del poder, los relatos falsos que sostienen sistemas enteros.

 

Elphaba acaba siendo la verdadera heroína, la que libera a los oprimidos (sí, también a los monos voladores), mientras el sistema necesita líderes carismáticos para que las clases dominadas “crean” que se están liberando.

 

Hay discurso de lucha de clases, de dominación y de cómo el poder fabrica villanos y heroínas según le convenga.

 

Todo muy bonito, muy digno… pero con menos magia que antes.

 

Aun así, como musical que es —y a mí el musical me gana siempre— la defiendo.

 

Aunque sea reconociendo que es bastante más flojita que la primera.

 

Y nada, telón, aplausos educados y a otra cosa, mariposa verde. 🧹

 

Mi puntuación: 6,68/10.

 

 

 

Dirigido por Jon M. Chu:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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The Running Man – 2025 – Edgar Wright – #YoVoyAlCine

13/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Corre, Ben, corre… que la tele quiere sangre”

 

The Running Man (2025) es otro paseo cinematográfico por el universo de Stephen King (firmando como Richard Bachman, que esto siempre queda fino), uno de los autores más exprimidos por Hollywood sin anestesia.

 

En realidad estamos ante un remake de Perseguido (1987), aquella peli regulera dirigida por Paul Michael Glaser y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que tampoco es que pidiera a gritos una revisión… pero ya sabemos cómo funciona esto.

 

Edgar Wright dirige el invento. El británico viene de firmar títulos tan reconocibles como Zombies Party, Arma fatal, Scott Pilgrim contra el mundo o Baby Driver.

 

Tiene un estilo muy marcado, mucho ritmo, montaje juguetón y gusto por el exceso.

 

Aquí se nota que está cómodo con el espectáculo, aunque el mensaje se le queda un poco atascado entre explosión y explosión.

 

La película nos sitúa en una sociedad distópica donde Estados Unidos está controlado por una gran corporación que mantiene a la población entretenida a base de reality shows salvajes. Circo, circo y más circo. Pan ya si eso otro día.

 

El protagonista es Ben Richards, interpretado por Glen Powell (ojo, no Alan Powell, que el actor es el de Top Gun: Maverick), un tipo fuerte, íntegro y con conciencia social, castigado laboralmente por apoyar a compañeros con problemas sindicales. Vamos, rojo peligroso.

 

Ben necesita dinero para medicar a su hija enferma y acaba metido en un concurso televisivo de supervivencia donde matar (o morir) da audiencia.

 

La película intenta tener un trasfondo de lucha de clases y crítica al sistema, pero lo hace desde la violencia más desatada, como si el único modo de salir del pozo fuera repartir hostias y participar, paradójicamente, en el propio sistema que te oprime.

 

Todo está diseñado para que simpaticemos con Ben: buen padre, buen tipo, intenta evitar la violencia… hasta que la corporación le empuja a hacer auténticas barbaridades.

 

El mensaje es discutible, tirando a tramposo, pero la peli funciona como entretenimiento puro.

 

Josh Brolin está muy bien como el despiadado directivo televisivo que exprime el espectáculo hasta el último punto de share, encantado de haberse conocido.

 

¿Resultado? Una película divertida, que se ve con agrado, no da respiro y cumple como producto de acción y espectáculo.

 

Eso sí, rascas un poco y el discurso chirría bastante.

 

Pero oye, no te aburres ni un segundo.

 

Y ya sabemos: a otra cosa, mariposa.

 

Mi puntuación: 5,75/10.

 

 

 

Dirigido por Edgar Wright:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Five Nights at Freddy’s 2 – 2025 – Emma Tammi – #YoVoyAlCine

13/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Muñecos asesinos, segunda ronda: si no te matan, te aburren”

 

Five Nights at Freddy’s 2 (2025) confirma lo evidente: lo que empezó como adaptación de un videojuego ya va lanzada cuesta abajo como saga. Y sí, huele a tercera parte desde el primer fotograma. Franquicia en modo automático. Nunca mejor dicho.

 

Emma Tammi, directora reincidente, ya firmó la primera entrega y viene del cine indie de terror, con The Wind (2018) como carta de presentación más respetable.

 

Tiene ideas, atmósfera y buen gusto visual, pero aquí parece más prisionera de la maquinaria que capitana del barco. Dirige, sí, pero el guion va por libre… y mal acompañado.

 

Como ya sabemos, estamos ante cine basado en videojuego, algo que ya no sorprende ni a los animatrónicos.

 

La primera tenía la gracia de la novedad; esta segunda ya juega directamente a ser saga, con todo lo bueno (poco) y malo (mucho) que eso implica.

 

El guion es errático, deslavazado y sin una estructura clara que mantenga la tensión: tan pronto quiere ser peli de sustos de manual como se desliza hacia un slasher de adolescentes entrando donde no deben (spoiler: palma casi todo el mundo).

 

Lo más simpático —y casi lo único que funciona— es la decisión de usar animatrónicos reales, nada de digital.

 

Muñecos clásicos, torpes, gigantes, toscos… tan poco creíbles en sus movimientos que cuesta tomarse en serio que puedan hacer las perrerías que hacen.

 

Da más risa nerviosa que miedo, pero al menos tiene personalidad.

 

De las interpretaciones… Mejor no hablamos.

 

¿El resultado? Un divertimento irregular: a ratos aburrido, a ratos medio entretenido, que probablemente contentará a los fans más fieles del videojuego. Al resto, poco o nada.

 

Se ve, se olvida… y a otra cosa, mariposa mecánica.

 

Mi puntuación: 4,53/10.

 

 

 

Dirigido por Emma Tammi:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al cine con Ramón – 2025-12-10 – Series españolas 2025: Animal, Pubertat, Anatomía de un instante, Poquita fe

11/12/2025

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

Animal (Serie TV) – 2025 – Víctor García León (Creador) – Netflix

 

Pubertat (Miniserie) – 2025 – Leticia Dolera (Creadora) – HBO Max España

 

Anatomía de un instante (Miniserie) – 2025 – Alberto Rodríguez, Paco R. Baños – Movistar Plus+

 

Poquita fe (Serie de TV) – Temporada 2 – 2025 – Pepón Montero (Creador), Juan Maidagán (Creador) – Movistar Plus+

 

Otros posts de Al Cine con Ramón

 

 

 

 

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Ramón os desea Feliz Navidad y un próspero 2026

11/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

 

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Orwell: 2+2=5 (Documental) – 2025 – Raoul Peck

9/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La realidad supera a la ficción.

 

El haitiano Raoul Peck es un director y guionista con un pie en el cine y otro en la política; fue incluso ministro de Cultura en Haití, que no es precisamente un trabajo tranquilo.

 

Se hizo conocido internacionalmente por su documental I Am Not Your Negro, que lo puso en el radar de todos los cinéfilos serios.

 

Su obra suele ser combativa, incómoda y muy pegada a la realidad sociopolítica.

 

Y eso sí: cuando Peck se pone intenso, no queda ni una alfombra sin levantar.

 

El documental 2+2=5 articula su discurso sobre una idea tan sencilla como devastadora: la posibilidad de que un poder político o mediático logre imponer una falsedad objetiva hasta convertirla en verdad social.

 

Todo esto mezclado con la biografía del filósofo y escritor que vivió una existencia dolorosa marcada por la tuberculosis.

 

La referencia a George Orwell no es un guiño cultural, sino el cimiento filosófico de la obra; aquí, la frase se analiza como el mecanismo perfecto para entender cómo funciona la manipulación sistemática de la realidad.

 

El director estructura la película con sobriedad, apoyándose en material de archivo, entrevistas a pensadores contemporáneos y ejemplos recientes de distorsión informativa y de crueldades inhumanas.

 

Lejos del sensacionalismo, el documental examina cómo se construyen los relatos oficiales, cómo se repiten hasta la saturación y cómo acaban moldeando la percepción colectiva.

 

La tesis resulta especialmente contundente cuando muestra que la mentira no necesita ser verosímil, solo persistente y emocionalmente efectiva.

 

Uno de los aciertos de la cinta es relacionar fenómenos actuales —polarización mediática, cámaras de eco, manipulación algorítmica— con la advertencia original de Orwell.

 

El paralelismo se presenta sin exageraciones: no se grita “distopía”, sino que se demuestra cómo las herramientas tecnológicas potencian dinámicas que ya estaban descritas en 1984.

 

La conclusión es inquietante precisamente porque se mantiene en terrenos demostrables, no en la paranoia.

 

El resultado final es un documental sobrio, lúcido y perturbador.

 

2+2=5 no pretende dar respuestas fáciles, sino recordarnos que la realidad es vulnerable y que la verdad, si no se defiende, se evapora.

 

Su mayor logro es recordarle al espectador que la frase “dos y dos son cinco” no es un acertijo, sino un síntoma: el de una sociedad que renuncia a pensar por sí misma.

 

Estamos ante un documental testimonio de la actualidad que se ha construido con un montaje inconmensurable y frenético.

 

La distopía es una realidad. La tenemos delante y no la vemos.

 

Ideal para personas que deseen perder peso. Te quita las ganas de comer… y de vivir…

 

Mi puntuación: 8,55/10.

 

 

 

Dirigido por Raoul Peck:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Conspiración de silencio – Bad Day at Black Rock – 1955 – John Sturges – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

7/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando llegas a un pueblo perdido… y resulta que el silencio hace más ruido que el tren

 

John Sturges (Chicago, 1910 – San Luis Obispo, 1992) fue uno de los maestros del cine clásico americano, especialmente de westerns y películas de acción contenida pero tensa como un colgador.

 

Antes de dirigir Conspiración de silencio ya había pasado por la MGM y la Columbia, y después firmaría pepinazos como El último tren de Gun Hill, Los siete magníficos y La gran evasión.

 

Tenía una habilidad quirúrgica para el suspense seco, los planos abiertos y los protagonistas solitarios enfrentados a comunidades “muy majas… pero mejor no preguntar”.

 

Conspiración de silencio empieza como empiezan las mejores tensiones del cine clásico: un tren se detiene en mitad del desierto, baja Spencer Tracy, y todo el pueblo pone cara de “ups, hoy no nos tocaba visita”.

 

La película dura poco más de 80 minutos, pero contiene más mala baba, más densidad moral y más atmósfera opresiva que muchas cintas de 150 minutos con explosiones digitales.

 

Esta es minimalismo del bueno: un decorado, cuatro tipos peligrosos y un secreto que flota en el aire como si lo hubieran rociado con gasolina.

 

Sturges, muy listo él, convierte un argumento que podría haber sido un western más en un thriller moderno disfrazado de cine del Oeste.

 

Y lo hace con una economía narrativa que ya quisieran muchas producciones actuales que se tiran diez capítulos para contar lo que aquí se resuelve en hora y veinte.

 

La cámara se mantiene fría, casi documental, y los silencios pesan más que los diálogos.

 

El desierto se convierte en un personaje: ese espacio abierto que sin embargo te encierra más que una celda.

 

Spencer Tracy interpreta a John J. Macreedy, un veterano de guerra que llega al pueblo buscando al padre japonés de un compañero caído. Error, amigo.

 

El pueblo entero —con Robert Ryan, Lee Marvin y Ernest Borgnine repartiendo hostilidad a granel— está empeñado en que nadie remueva el pasado.

 

Y por “nadie” me refiero a “nadie con ganas de seguir respirando mañana”.

 

La película plantea una alegoría cristalina del racismo, de la paranoia posbélica y del miedo a hablar cuando todo el mundo está mirando… especialmente cuando mirar también es peligroso.

 

Lo maravilloso es cómo Tracy, sin mover más músculos que los imprescindibles (y con una sola mano funcional en la historia), se enfrenta a la violencia del pueblo con una mezcla de dignidad, resignación y mala leche contenida.

 

Cuando finalmente se defiende usando judo —sí, judo, en 1955, en un western— el público todavía hoy aplaude como si fuera la final de un torneo.

 

En su estreno, Conspiración de silencio fue un éxito crítico notable aunque no un fenómeno de masas.

 

La crítica alabó su ritmo, su interpretación principal y su audacia al abordar el trato injusto hacia los japoneses-americanos tras la Segunda Guerra Mundial.

 

Spencer Tracy fue nominado al Óscar, y el film arrastró varias nominaciones más en una época donde el western tenía que cumplir ciertas reglas… y esta película las rompía todas con elegancia.

 

Con los años, la cinefilia la ha adoptado como pieza clave del cine americano de los 50, un ejemplo de cine moral sin sermones, de atmósfera contenida y de western híbrido que anticipa lo que vendría después: antihéroes, crítica social y esa sensación de que el villano no es un bandido, sino la cobardía colectiva.

 

Tarantino la ha citado varias veces como referencia estética; los críticos modernos la adoran porque luce como un noir al sol; y las escuelas de cine la estudian por la puesta en escena limpia y la gestión del espacio.

 

Además, Sturges demuestra aquí que sabía manejar el espacio negativo, el fuera de campo y la tensión acumulada sin necesidad de artificios.

 

De hecho, si alguien quiere entender cómo se crea tensión sin música, sin monstruos y sin giros de guion, que vea la escena en la que Tracy toma un café mientras todos en el bar lo miran queriendo partirle la crisma. Eso es suspense puro, del que se mete bajo la piel.

 

Hoy Conspiración de silencio está considerada una de las películas más importantes del cine americano de posguerra. No solo por su calidad narrativa, sino porque denuncia un tema incómodo para la época: el asesinato de un ciudadano japonés a manos de un grupo de paletos racistas que luego encubren su crimen bajo una capa de silencio colectivo. Esto, en 1955, era dinamita. Y aun así, Sturges lo contó sin panfleto, sin subrayados y sin convertirlo en una telenovela moralista.

 

Cinéfilos, historiadores del cine y directores modernos adoran la cinta porque reúne tres cualidades que rara vez coinciden:

 

  • Tensión continua sin trucos baratos.

  •  
  • Comentario social elegante pero contundente.

  •  
  • Un protagonista icónico, porque Tracy aquí no interpreta: flota por encima del bien y del mal, un tipo cansado que aun así decide hacer lo correcto.

 

 

El final, con Tracy marchándose en el mismo tren en el que llegó —dejando atrás un pueblo que por fin ha tenido que enfrentarse a sí mismo— es de esos que te dejan con ganas de aplaudir en silencio, como la propia película pide.

 

Conspiración de silencio es ese clásico que ves pensando “a ver qué tal” y terminas diciendo: “madre mía, qué lección de cine sin levantar la voz”.

 

Una obra maestra compacta, precisa y más actual de lo que nos gustaría admitir.

 

Y para colmo, protagonizada por un Spencer Tracy que demuestra que no hace falta correr, gritar ni disparar para intimidar a medio pueblo: basta con mirar fijo y tener principios, que es algo que escasea tanto como los trenes en Black Rock.

 

Si todos los silencios fueran así de elocuentes, el cine sería todavía mejor. Y algunos pueblos, también.

 

Mi puntuación: 8,99/10.

 

 

 

Dirigido por John Sturges:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú – Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb – 1964 – Stanley Kubrick – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

7/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cómo aprender a amar la bomba… y la mala leche…

 

El director Stanley Kubrick es ese genio maniático que hacía repetir una escena hasta que a los actores les salía el alma por las orejas.


Con Senderos de gloria dejó claro que la guerra le parecía una broma macabra sin pizca de gracia.


Con Espartaco demostró que podía manejar superproducciones sin despeinarse… aunque acabó peleado con medio mundo.


En Lolita se metió en un jardín que hoy quemaría Twitter, pero lo hizo con una elegancia tremenda.


Luego llegó ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, donde se rió de la Guerra Fría con un humor más negro que un café sin filtro.


Con 2001: Una odisea del espacio abrió la cabeza del público como si fuera una piñata cósmica.


En La naranja mecánica retrató una violencia tan estilizada que parecía coreografía… y tan incómoda que aún escuece.


Barry Lyndon fue su demostración de que la luz natural es la mejor amiga —y peor pesadilla— de un director perfeccionista.


Con El resplandor convirtió un hotel vacío en el peor Airbnb de la historia y regaló a Jack Nicholson uno de sus papeles más icónicos.


En La chaqueta metálica volvió a la guerra, esta vez más cruda, más fea y más cercana al absurdo humano.


Y remató su carrera con Eyes Wide Shut, un viaje sexual-filosófico donde Tom Cruise buscaba respuestas y encontraba máscaras.


Kubrick era famoso por su obsesión: controlaba cada plano, cada detalle, cada sombra, como si le fuera la vida en ello.


Apenas concedía entrevistas, lo cual alimentó su aura de director-hermitaño-leyenda.


Su filmografía es corta pero no tiene ni una paja mental gratuita: todo está medido al milímetro.


Se adelantó a su tiempo tantas veces que algunos aún están poniéndose al día.


Su estilo frío y milimétrico sigue influyendo a generaciones enteras de cineastas.


Era un maestro del tempo: sabía cuándo tensar, cuándo soltar y cuándo dejarte mirando la pantalla con cara de “¿qué demonios acabo de ver?”.


Los estudios le temían un poco, porque siempre quería más tiempo, más tomas y más control.


Sus rodajes eran el gimnasio definitivo para la paciencia actoral.


Pero el resultado… eso sí que era innegociable: cine grande, serio, poderoso.


Kubrick trataba al espectador como alguien inteligente: no daba respuestas, daba preguntas.


Su obsesión por la simetría creó imágenes que hoy son pósteres, memes o religiones.


Fue pionero técnico: se inventó cámaras, lentes y trucos para lograr lo que quería.


Su manera de mover la cámara aún es estudiada como si fuera física cuántica.


Nunca buscó premios: buscó perfección, y eso le importaba más que cualquier Oscar.


Vivió alejado de Hollywood, pero gobernó el cine desde su rincón británico.


Su obra abarca desde sátiras a ciencia ficción, pasando por terror, épica histórica y drama bélico.


Pocos directores han hecho tantas películas maestras en tantos géneros distintos.


Murió dejando un aura de misterio que encaja perfectamente con su cine.


Y hoy, digas lo que digas, hay una verdad incontestable: Kubrick sigue mandando incluso desde el más allá.

 

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú es lo más parecido a ver una reunión de altos mandos jugando a hundir la flota… pero con bombas nucleares de verdad.

 

La premisa es tan sencilla como escalofriante: un general estadounidense se vuelve majara, activa por su cuenta un plan de ataque nuclear contra la URSS y desencadena una reacción en cadena de estupidez burocrática, testosterona militar y diplomacia de parvulario. Y nosotros, desde la butaca, nos reímos. Y cuanto más nos reímos, peor nos sentimos.

 

La película se sostiene sobre un concepto que hoy solemos dar por hecho, pero que en 1964 era dinamita: reírse de la Guerra Fría, del Pentágono, del presidente de los Estados Unidos y de la doctrina nuclear de destrucción mutua asegurada, todo en la misma tacada.


Donde otros filmes de la época tiraban de propaganda o de paranoia seria, Kubrick elige la carcajada incómoda: ese humor que te hace pensar “no debería estar riéndome de esto… pero es que es buenísimo”.

 

El dispositivo cómico perfecto se llama Peter Sellers, que aquí no se conforma con un papel, sino que interpreta a tres personajes: el presidente Merkin Muffley, el oficial británico Lionel Mandrake y el propio Dr. Strangelove, ex científico nazi reciclado en gurú nuclear con mano rebelde.


Sellers cambia de acento, de gesto y de registro con una facilidad obscena, y Kubrick le deja improvisar hasta el límite. El resultado es que cada una de sus escenas tiene punchlines que han pasado al Olimpo de la cinefilia.

 

Mientras tanto, George C. Scott convierte al general Buck Turgidson en una caricatura brutal del militar hiperactivo, babeante de entusiasmo bélico, y Slim Pickens se marca la imagen más icónica de la película: ese vaquero nuclear cabalgando la bomba como si estuviera en un rodeo, camino del fin del mundo.


Si alguien quiere entender lo que es un final “feliz” para Kubrick, que rebobine ese plano mentalmente y ponga la palabra “cínico” en letras de neón.

 

En la filmografía de Kubrick, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú ocupa un lugar rarísimo y central a la vez. Es de las pocas donde la comedia está en primer plano, pero el mecanismo que usa es el mismo que luego veremos en La naranja mecánica o en La chaqueta metálica: el contraste entre lo que se dice y lo que se ve, entre la seriedad del decorado y la estupidez del comportamiento humano.

 

Kubrick no hace “gags” al uso; hace situaciones que se vuelven graciosas porque son demasiado verdaderas para ser cómodas.

 

El “war room” impoluto, casi de ciencia ficción, lleno de generales hiperrespetables… que hablan como críos peleándose en el recreo.

 

El científico nazi que intenta controlar su brazo, porque el cuerpo le traiciona y le sale el “¡Heil!” espontáneo.

 

El presidente que intenta mantener la compostura mientras discute por teléfono con su homólogo soviético como quien llama a un vecino para decirle que se le ha caído ropa al tendedero.

 

Es una comedia de pasillos, de líneas de diálogo y de rostros crispados.

 

No hay chiste fácil; hay ironía acumulada.

 

El humor de Kubrick es tan negro que, comparado con él, el monolito de 2001: Una odisea del espacio parece color pastel.

 

En su momento, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú fue un éxito crítico notable y funcionó muy bien en taquilla para una sátira política tan arriesgada, aunque no fue un taquillazo tipo “cine de palomitas” de la época.

 

Aun así, con los años ha subido muchos peldaños en el Olimpo: aparece de forma recurrente en listas de mejores películas de la historia, especialmente en rankings de comedias y de cine político, ha sido seleccionada para el National Film Registry en EE. UU. y suele ocupar puestos altísimos en encuestas como las de Sight & Sound, AFI, etc.

 

Para la cinefilia, la peli se ha convertido en:

 

  • Manual de cómo hacer sátira política sin caerse del lado de la parodia tonta.

  •  
  • Ejemplo de puesta en escena milimétrica al servicio del humor (esos planos largos, ese montaje que sabe exactamente cuándo cortar una frase).

  •  
  • Obsesión eterna de críticos, historiadores y politólogos, que la citan cada vez que el mundo juega con la idea de apretar botones nucleares “por error”.

  •  

Hoy se la estudia tanto en facultades de cine como en asignaturas de relaciones internacionales.

 

No porque explique cómo funciona la estrategia nuclear al detalle, sino porque retrata algo más chungo: la combinación de ego, burocracia y mediocridad que hay detrás de decisiones potencialmente apocalípticas. Y eso, por desgracia, sigue vigente.

 

Lo verdaderamente brillante es que Kubrick entiende que el único modo sano de mirar a la cara a la posibilidad del apocalipsis nuclear es a través de la risa nerviosa.

 

Lo que hace en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú es mostrar que la destrucción del planeta no llegará por un villano tipo James Bond, sino por una cadena de tipos mediocres, paranoicos, borrachuzos de poder y aburridos de reuniones.

 

Y ahí está el chiste: el fin del mundo organizado por gente que no sabrías si contratarías ni para administrar tu comunidad de vecinos.

 

Ese tono atraviesa buena parte de su obra posterior: el humor negrísimo del sargento de La chaqueta metálica, los excesos grotescos de La naranja mecánica, incluso momentos casi cómicos en El resplandor, cuando la locura de Jack Nicholson se vuelve tan pasada de rosca que roza lo paródico.


La diferencia es que en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú Kubrick no disimula: pone la comedia en primera línea y nos obliga a admitir que, sí, el mundo puede acabar entre carcajadas.

 

Ver hoy ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú es hacer una especie de chequeo de ansiedad geopolítica: si te ríes mucho, es que sigues cuerdo; si no te hace gracia, quizá es que las noticias se te han metido demasiado bajo la piel.

 

La película funciona como cápsula de la Guerra Fría, pero también como espejo de cualquier época donde haya dirigentes jugando con juguetitos demasiado peligrosos.

 

Para muchos, es “la” comedia de Kubrick y, para otros, su película más perfecta: corta, concentrada, sin grasa, con un reparto en estado de gracia y un guion que no tiene ni un solo chiste inútil.


Lo único malo de revisitarla es la sensación final: que hemos aprendido a amar la película… pero todavía no hemos aprendido a dejar de preocuparnos por la bomba.

 

Y eso, querido lector de holasoyramon, ya no es culpa de Kubrick, es culpa nuestra.

 

Mi puntuación: 8,99/10.

 

 

 

Dirigido por Stanley Kubrick:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Baja de paternidad – Paternal Leave – 2025 – Alissa Jung – Cine Club Alcarreño

7/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Papá se fue por tabaco… pero a un chiringuito italiano.

 

Alissa Jung es actriz alemana reconvertida en directora, y Baja de paternidad / Paternal Leave es su debut en el largo, ni más ni menos.

 

La película es una coproducción entre Alemania e Italia, con el siempre solvente Luca Marinelli haciendo de padre desbordado y la joven Juli Grabenhenrich como hija en busca de respuestas y algo de cariño.

 

La cinta se estrenó en la Berlinale 2025, en la sección Generation 14plus, donde ya empezó a coleccionar premios y buenas críticas antes de llegar a España con ese título tan de Seguridad Social.

 

En Baja de paternidad una adolescente alemana se presenta en la costa norte de Italia a decirle a Luca Marinelli: “hola, soy tu problema pendiente desde hace quince años”.

 

Él regenta un chiringuito, tiene nueva familia y cara de “a mí nadie me avisó de esta secuela”.

 

La peli va de paseos por la playa, silencios incómodos y esa paternidad que algunos firmaron en letra pequeña.

 

Alissa Jung dirige con mucha sensibilidad, quizá a ratos con más delicadeza que mala leche, pero consigue que quieras coger a los dos, padre e hija, y sentarlos en una mesa del Cine Club Alcarreño con un par de cañas y decirles: “a ver, se habla o se habla”.

 

Drama suave, italianadas moderadas y un buen recordatorio de que la verdadera baja de paternidad no es del trabajo, sino de las responsabilidades.

 

Mi puntuación: 6,67/10.

 

 

 

Dirigido por Alissa Jun:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al cine con Ramón – 2025-12-03 – Golpes, Zootrópolis, Drácula, La voz de Hind

7/12/2025

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

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Zootrópolis 2 (Animación) – 2025 – Jared Bush, Byron Howard – #YoVoyAlCine

7/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Colegas peludos, perezosos al volante y humanos pasándolo pipa.

 

Jared Bush y Byron Howard repiten al mando en Zootrópolis 2, siguiendo la fiesta animal que arrancaron con la primera Zootrópolis.

 

Antes ya habían estado metidos en líos tan serios como Enredados y Encanto, así que de mezclar fantasía, ritmo y mensajito social saben un rato.

 

Bush viene del guion y la codirección de Encanto, mientras que Howard es veterano de Disney desde Bolt, casi de los que tienen llaves del estudio.

 

Zootrópolis 2 sigue la estela de la primera sin despeinar ni un bigote: el zorrito Nick y la conejita Judy funcionan ya directamente como pareja de polis de “colega movie” de toda la vida, solo que con más pelo y menos colesterol.

 

La trama es ágil, entretenida, con suficiente chicha como para que los críos se rían y los mayores no miren el móvil (demasiado).

 

Hay persecuciones, chistes visuales a cascoporro y, cuando aparece el perezoso al volante, se rompen los esquemas y el público se viene arriba.

 

No revoluciona el mundo, pero como plan de cine familiar de fin de semana es de esos que sales diciendo: “oye, pues me lo he pasado mejor que en muchas de humanos”.

 

Mi puntuación: 7,75/10.

 

 

 

Dirigido por Jared Bush y Byron Howard:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Animal (Serie TV) – 2025 – Víctor García León (Creador) – Netflix

2/12/2025

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La firma del veterinario.

 

Víctor García León es un director y guionista madrileño con bastante mili en la comedia española.

 

Le conocemos por Vete de mí y por darle vidilla a series como Los hombres de Paco o Vamos Juan.

 

No olvidemos que también dirigió la muy valorable Los europeos.

 

Suele mezclar humor con mala leche elegante, y aquí se nota. 

 

Animal es una serie muy gallega… tanto que si te descuidas acabas pidiendo que te tutelen unos trapalleiros.

 

El eje absoluto del tinglado es Luis Zahera, que se marca otro personaje de esos que parecen escritos por él mismo después de dos cafés y una ración de percebes.

 

Toda la comicidad gira alrededor de ese pesimismo vital tan suyo, como si la vida fuese un temporal en Finisterre… pero con gracia.

 

Entra en escena Carmen Ruiz, su “novia-pero-no-me-pongas-etiquetas”, y ahí la serie sube un nivel en química y retranca.

 

Sus escenas juntos son de esas en las que te ríes aunque no quieras, porque él está en modo “negro nubarrón” y ella en modo “mujer que ya le ha visto todas las tonterías y aún así sigue”.

 

La otra pata fuerte es Lucía Caraballo, que aporta ese contrapunto buenista y luminoso frente al fatalismo Zaherístico.

 

Hacen una pareja cómica rarísima, pero funciona: se meten en situaciones ridículas, otras un pelín chirriantes, pero todas condimentadas con un costumbrismo gallego delicioso.

 

La serie tiene nueve episodios, se ve en un plis y es bastante divertida.

 

Además aparece Antonio Durán Morris, siempre magnético, siempre aportando ese “algo” que no se aprende en escuelas de arte dramático.

 

Animal habla de las penurias económicas del campo, de cómo las mascotas se han convertido en negocio (casi nivel criptomonedas, pero con pelo), y de esos trapalleiros que forman parte del ADN gallego.

 

Todo mezclado con humor, retranca y una mirada tierna hacia una tierra que aquí huele a lluvia, hierba y líos cotidianos.

 

Vamos, que si te gusta Luis Zahera, esto es como un menú degustación de Zaherismo puro.

 

Y si no te gusta… pues también, pero te ríes igual.

 

“Marcho, que teño que marchar”

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

 

 

Víctor García León (Creador):

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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