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El cine expresionista alemán fue un movimiento cinematográfico que significó un antes y un después para la historia del cine, influyendo de manera decisiva a géneros como el cine negro o el cine de terror.
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Esta corriente, que afectó a otras artes como la pintura, la música o la arquitectura, pretendía expresar de una forma más subjetiva la naturaleza del ser humano, dando preponderancia a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
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Por ello, en sus filmes se altera el punto de vista, dando lugar a deformaciones de la realidad con un uso especial de la luz, los decorados y la escenografía.
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En torno a la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918) surgió en Alemania un movimiento cultural llamado expresionismo que influirá en campos artísticos tan dispares como la pintura, la música, el teatro, la arquitectura y el cine.
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En esos años, el país experimentó un aislamiento desde 1916.
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Se prohibieron las películas extranjeras y en consecuencia se aumentó de forma exponencial la producción de películas alemanas.
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En las demás artes, el expresionismo tenía como principal característica una oposición a la forma de representación del naturalismo y una visión poco objetiva de la realidad.
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En el expresionismo se buscaba hacer énfasis en lo subjetivo, en la visión interna de lo que se quiere representar.
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En consecuencia se deformaban los elementos para así buscar su esencia.
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Para el expresionismo alemán en el cine, fue clave la arquitectura de Erich Mendelsohn y Hanz Poelzig, y el teatro de Max Reinhardt.
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De hecho fue Hanz Poelzig quien en 1919 construyó un teatro especial para que Reinhart representara sus obras llamado Grosses Schauspielhaus (Gran Teatro).
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Max Reinhardt fue uno de los exponentes más importantes del teatro en la Alemania de esos años, creando un nuevo concepto de teatro donde diseñó toda la escenografía y creó el Kammerspiele.
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En el Kammerspiele los espectadores asistían a obras de teatro con un aforo reducido donde lo más importante era crear una atmósfera de intimidad con la obra y el público, introduciendo elementos estéticos como un uso especial de la luz.
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Este planteamiento estético será copiado por los directores de cine expresionistas.
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Como venimos diciendo, ese aislamiento del país y la prohibición de películas extranjeras hizo que el gobierno creara la UFA (Universum Film Aktiengesellschaft) en 1917.
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El principal motivo que movió a las autoridades a prohibir el cine extranjero fue porque Estados Unidos, mediante su intromisión en la guerra, generó una serie de producciones cinematográficas en las que mostraba al mundo odio hacia el pueblo y el gobierno alemán.
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Por ello, sus primeros objetivos eran puramente hacer cine de propaganda germana.
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Se hicieron películas de temáticas alemanas y educativas, orientadas al adoctrinamiento de la sociedad.
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Después de la finalización de la guerra, la UFA cambia de propiedad y el Deustche Bank compra casi todas sus acciones.
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En consecuencia las temáticas de las películas cambiaron.
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Se empezó a buscar el beneficio económico y comercial, por lo que se crearon filmes con alto contenido sexual y películas históricas donde se ridiculizaban a otros países y alzaban a la figura alemana por encima de las demás.
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Uno de los directores más importantes de este tipo de películas fue Ernst Lubitsch.
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Junto a esta serie de películas, se fueron realizando una serie de filmes que daban cuenta de los primeros atisbos del cambio de estilo que se daría en los siguientes años.
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Se consideran precursoras del cine expresionista alemán films como El estudiante de Praga (1913) de Paul Wegener o El Golem (1914) también de Paul Wegener y Henrik Galeen, que tuvo posteriormente varias versiones dentro totalmente de la corriente cinematográfica.
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Todas ellas anticipan algunas características que serán fundamentales para el cine del expresionismo alemán.
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Estos films tienen en común con los filmes históricos comerciales de esa época, que los hechos eran enfocados desde un punto de vista subjetivo.
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Tras una guerra la gente buscaba productos evasivos para olvidar el drama de la guerra y poco a poco se fue conformando el estilo del expresionismo alemán en el cine.
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Gracias a la UFA, directores de cine como Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene o Friedrich Murnau pudieron crear sus primeras películas.
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Influidos por la situación de la posguerra, estos directores trasladaron sus emociones y todo su mundo interior a sus obras cinematográficas.
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Las primeras películas del cine expresionista no contaron con mucho presupuesto, por lo que se las ingeniaron para rodar en los estudios UFA e incorporaron escenografías llenas de angulaciones geométricamente poco realistas, decorados pintados y colocados atendiendo a efectos de luces y sombras.
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De todas las películas, la que se considera la primera del cine expresionista alemán fue El gabinete del Dr. Caligari (1920) de Robert Wiene.
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Este film surge de una idea inicial de Carl Mayer y Hans Janowitz.
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Su guión fue aceptado por Erich Pommer, quien en un principio pensó en Fritz Lang como director, pero al estar ocupado en otro proyecto eligió finalmente a Wiene.
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El guion original estaba pensado como una especie de crítica hacia el estado alemán, donde un sonámbulo actúa bajo las órdenes del doctor Caligari.
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Pero Wiene, posiblemente presionado por el gobierno, añadió dos escenas más que cambiaban completamente el sentido de la historia.
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El universo de la película fue posible, sobre todo, por los decorados pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig y Walter Reimann que integraron la propia luz en las pinturas, dotando a la película de una estética irreal.
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Vamos a enumerar algunas de las características propias de la película que contribuyeron a reflejar la atmósfera asfixiante y enloquecedora propia de este estilo cinematográfico:
- Iluminación artificial, con mucho contraste en claro oscuro. Incluso hay sombras que son pintadas en los decorados.
- Decorados con perspectivas falseadas, rodado siempre en estudio eliminando cualquier tipo de realismo.
- Maquillaje de los actores muy marcado.
- Exageración en la actuación.
- Planos muy estáticos sin movimientos de cámara.
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Otros filmes importantes de la corriente del expresionismo alemán en cine fueron:
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El Golem (1920)
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El Golem (versión de la película de 1914) de Paul Wegener y Karl Boese, se convirtió en una de las primeras películas de monstruos de la historia.
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Su argumento parte de un rabino creó a una criatura vengativa con arcilla, otorgándole vida.
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Nosferatu (1922)
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En 1922 será el estreno de Nosferatu dirigida por F.W. Murnau y protagonizada por Max Schreck, Gustav von Wangenheim y Greta Schröder.
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Se trata de una película de terror que adapta de una forma totalmente libre el Drácula de Bram Stoker.
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El doctor Mabuse (1922)
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Dirigida por Fritz Lang, es la primera adaptación de la novela homónima de Norbert Jacques.
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Cuenta con un personaje principal que será de los más adaptados cinematográficamente.
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Mabuse es un ser que siente placer haciendo sufrir y jugando con el destino de las personas.
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Metrópolis (1926)
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Esta obra, que nunca pasa visualmente de moda, es toda una referencia para películas con temática futurista.
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Fritz Lang se encargó de dirigir esta película que fue la más costosa y espectacular de todas las que se rodaron en Alemania durante la etapa muda.
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Muy influenciada en la arquitectura expresionista, el film ofrece una visión crítica de la sociedad donde los ricos viven en la parte alta de los edificios mientras que los pobres viven en la parte subterránea de la ciudad.
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En el cine expresionista alemán se puede apreciar la influencia del director de arte alemán Walter Reimann y de autores del expresionismo pictórico como Munch, Nolde o Kirchner.
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Estas influencias se ven bien en la estilización de los decorados, en los gestos y la iluminación.
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Todas las características que componen esta corriente están pensadas para eliminar cualquier atisbo de referencia a la realidad.
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Su objetivo prioritario era el de transmitir sensaciones y emociones por encima de todo.
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Características estéticas
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Si por algo han influido las películas expresionistas ha sido, más que por sus temáticas, sus recursos estéticos.
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Para estos directores, la base de su cine era la búsqueda de la “Stimmung”, algo así como llegar a «crear una atmósfera donde el alma flota, tanto en todos los personajes como en los objetos».
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En este sentido, vemos que uno de los recursos más característicos fue un uso especial de la luz.
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Y aquí es donde surge la figura de Max Reinhardt.
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Para Max, el elemento esencial de la puesta en escena era la luz y en consecuencia, las sombras.
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Una puesta en escena llena de contrastes, de luces y sombras, donde nunca había grises.
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Incluso se llegaban a pintar efectos lumínicos en decorados y se maquillaban a los actores para acentuar aún más el contraste.
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Las sombras y las luces, no solo sirven de elemento decorativo, sino que incluso llegan a ser narrativos.
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Un ejemplo de ello lo vemos en la famosa escena de Nosferatu donde tiene más importancia la sombra que el personaje.
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Otro elemento de gran influencia es la arquitectura expresionista.
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Los rodajes eran (en la mayoría de las películas) en estudios, esto significaba que era imprescindible adaptar los decorados con telas y otros elementos.
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La escenografía siguió unos patrones de perspectivas falseadas, líneas oblicuas y diagonales, objetos totalmente asimétricos…
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Estos decorados otorgaban a los filmes una atmósfera que llegaba a ser asfixiante.
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Aunque también se dieron casos donde se rodó en exteriores, como por ejemplo en Nosferatu.
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La interpretación es otro aspecto que tiene mucha importancia en el expresionismo alemán cinematográfico.
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En esta corriente, es característica una interpretación y una acción casi teatral, dejando de lado todo tipo de interpretación realista.
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Cuando se quiere mostrar sentimientos extremos como el miedo, la ira o el deseo se interpreta exagerando las emociones al máximo.
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La caracterización y el maquillaje ayuda también a exagerar la interpretación de los actores.
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Por último, habría que destacar los encuadres, donde la composición está muy trabajada, como si de una obra pictórica se tratara.
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Directores como Murnau y Lang dan cuenta de ello.
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Con los encuadres hay una peculiaridad, y es que se utiliza de una forma muy especial el fuera de campo.
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Como hemos venido diciendo, las sombras son incluso más importantes que los propios personajes, por ello, se puede decir que todos los elementos son importantes.
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Temáticas
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Teniendo en cuenta el contexto histórico de la Alemania de la posguerra, los temas de expresionismo alemán cinematográfico versarán en torno a esa situación.
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El miedo, la angustia, el terror y la desesperanza dieron paso a películas donde lo fantástico, lo sobrenatural o lo siniestro eran las temáticas más recurrentes.
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El cine expresionista tomó para sus argumentos la tradición literaria romántica con autores como Goethe y Hoffman, y con este tipo de literatura muchos de sus temas, imágenes y símbolos.
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La tiranía es otro de los temas recurrentes, influenciada por el contexto histórico y la tiranía nazi que en esos años empezaba a aflorar.
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Las películas están llenas de tiranos que cometen actos de violencia y crímenes como en la figuras de Nosferatu, Caligari o en Mabuse.
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Metrópolis es una de las películas que tienen un cambio de temática con respecto a la anteriores.
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Se deja a un lado la literatura romántica y se centra en temas más relevantes en esa época como la corrupción, la desigualdad de clases o la evolución tecnológica e industrial.
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Influencias en películas posteriores
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Aunque la corriente cinematográfica del expresionismo alemán duró a penas unos años, su influencia en el cine posterior fue enorme.
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Con la escalada nazi en Alemania, muchos de los directores alemanes de la época emigraron a Estados Unidos.
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Aunque no solo emigraron directores, también lo hicieron, operadores de cámara, escenógrafos… influyendo de forma determinante, especialmente a dos géneros: el cine de terror y el cine negro.
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No obstante, la influencia del expresionismo alemán cambió por completo el estilo visual y contribuyó a desarrollar nuevos mecanismos para crear atmósferas cinematográficas.
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A lo largo de la historia se han dado muchas referencias a este estilo como en Psicosis (1960), donde la escena de la ducha recuerda a las sombras de Nosferatu.
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O la influencia que tuvo Metrópolis en películas de ciencia ficción, por ejemplo, Blade Runner (1982) de Ridley Scott.
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