El objetivo de la iniciativa es dar a visibilidad al género corto nacional
La tercera edición de Málaga Short Corner, una de las secciones de MAFIZ, el área de Industria del Festival de Málaga, presentará ante una audiencia de profesionales especializados en el género un total de 58 cortometrajes españoles agrupados en ocho ejes temáticos y quince sesiones entre el 18 y el 20 de marzo. Completarán el programa mesas redondas y presentaciones y encuentros en el Málaga Short Corner Pop-up Show del Industry Club.
El evento, cuyo objetivo es dar visibilidad a la producción reciente española en formato corto y que presenta tanto trabajos de jóvenes cineastas y estudiantes de cine como de profesionales consagrados, reúne a profesionales nacionales e internacionales especializados en el género de empresas de producción, distribución y compras y programadores de festivales.
Los ejes temáticos en que se agruparán las sesiones son: 2cool4school, trabajos de estudiantes de cine; Spanish Bombs from Andalucía, producciones andaluzas; Spanish Bombs Anim, cortos animados; Spanish Bombs Docs, cortometraje documental; Spanish Fant & Screams, de género fantástico y de terror; Spanish Fics, dedicado a la ficción; Spanish Queers, de temática LGTBIQA+; y Murcia Guest Region, con filmes de la comunidad autónoma protagonista de Territorios.
Como en las dos ediciones anteriores, Málaga Short Corner organizará una serie de mesas redondas y presentaciones en las que profesionales de referencia tomarán el pulso al sector y encuentros profesionales en el Málaga Short Corner Pop-Up Show, en el espacio propio de la sección en el Industry Club.
Málaga Short Corner, en colaboración con Festhome, concederá por segundo año consecutivo el Premio al Mejor Cortometraje entre los seleccionados a sus Market Screenings, donde participan 58 obras. El cortometraje ganador recibirá un Pase de distribución, que incluye seis meses gratuitos de tasas inscripción en festivales dentro de la plataforma Festhome, además de la selección de la obra en Cinergias Festival Iberoamericano de Cine, organizado por Festhome, y que incluye una tasa de selección automática de 200 euros.
Málaga Short Corner pone en marcha este año un premio al Mejor Proyecto de Cortometraje en Desarrollo , en colaboración con el Festival de Cine Joven de Sarajevo (Sarajevo International Youth Film Festival – OFF) y su Pro Film Market, consistente en su selección en los pitchings del OFF Pro Film Market (Julio 2025). El proyecto ganador se escogerá entre ocho proyectos de cortometraje de participantes españoles de Málaga Talent y Hack Málaga.
La comunidad autónoma es la protagonista de la sección Territorios de MAFIZ y su presidente recibirá la Biznaga de Plata de manos del alcalde de Málaga
La Región de Murcia será la comunidad autónoma invitada en la cuarta edición de Territorios de MAFIZ, el área de industria del Festival de Málaga, donde pondrá en valor las posibilidades y facilidades que ofrece a los rodajes y las inversiones en el sector audiovisual. Además, los profesionales y los representantes de los organismos vinculados al audiovisual de la comunidad autónoma participarán de un completo programa de actividades de networking.
Encabezará la delegación el presidente de la Región de Murcia, Fernando López Miras, quien recibirá la Biznaga de Plata de manos del alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, el próximo 18 de marzo.
Al día siguiente la consejera de Cultura, Juventud y Deportes, Carmen Conesa, presidirá la charla “Cómo rodar en la Región de Murcia”, con el objetivo de dar a conocer a la industria acreditada la diversidad de localizaciones y las líneas de ayuda a la producción de la comunidad autónoma así como las ventajas para inversiones en el sector audiovisual.
El cine murciano estará presente en Málaga con el hito de la participación de Sorda, de Eva Libertad, en Largometrajes Sección Oficial tras ganar el Premio del Público de la sección Panorama del Festival de Berlín.
Asimismo, habrá presencia del audiovisual de la región en las diferentes secciones de MAFIZ: En Mercadoc.0 se presentará Guerreras por la Amazonía / Women Warrior for the Amazon, de Ángel Hernández Hernández; en MAFF Tres días de verano, de Álvaro López Alba y El dolor de los demás, de Joaquín Carmona; y la productora Cristina Ruiz González La Canción de Alba en Warmi Lab.
Además, participarán en Málaga WIP El pintor y el escorpión de Sadrak Zmork y la coproducción hispanofrancesa Lionel, de Carlos Sais, en Málaga Short Corner se dedicará una sesión al cortometraje murciano el jueves 20 y se proyectarán en MAFIZ Specials los documentales El juramento y ¿Dónde está mi acequia? y las ficciones Mr. Nadie y Últimas voluntades.
Sumado a todo ello, Málaga Talent contará con Pepe Siscar, que participará de un extenso programa de formación junto al resto de jóvenes cineastas seleccionados en esta edición.
Finalmente, el 19 de marzo y enmarcado en el Día de la Mujer, tendrá lugar la presentación “Mujeres en el audiovisual de Murcia”.
Territorios cuenta con la colaboración de la Región de Murcia y el Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia.
¿Quién no recuerda a Pamela Anderson corriendo por la playa con su bikini rojo?
¿O a Jamie Lee Curtis bailando delante de Arnold Schwarzenegger en Mentiras arriesgadas?
El tiempo ha pasado inexorablemente y ahora estas chicas son unas señoras estupendas que siguen demostrando que son buenas actrices.
Pamela siempre ha estado marcada por su potente anatomía y, tal vez, eso haya eclipsado sus capacidades interpretativas.
Es curioso que una jovenzana como Gia Coppola venga a darle la oportunidad de demostrar que es una gran actriz.
Desde las primeras escenas nos damos cuenta que estamos visionando cine independiente americano. Su directora se empeña en demostrárnoslo, con plano desenfocados y mal iluminados y una cámara tambaleante que busca los primeros planos de los actrices.
Me disgustan esas moderneces innecesarias, pero que parecen complacen a un cierto sector de la crítica que encuentran en este estilo verosimilitud.
Se nos cuenta el fin de un espectáculo que lo petó hace treinta años, pero que el tiempo y el buen gusto ha sepultado.
El personaje de Pamela ha dedicado su vida a esto, incluso, cedió a su hija para seguir siendo una estrella de medio pelo en un show francamente penoso.
Tiene la inmensa necesidad de ser querida y apreciada lo que me despierta bastante ternura.
Gia no termina de ser cruel acabando su película con un tono ciertamente optimista de reconciliación madre hija, lo que edulcora el tono amargo de todo el metraje.
Mi puntuación: 5,57/10.
Dirigido por Gia Coppola:
Gia Coppola: Una voz fresca en el cine contemporáneo
Gia Coppola, nacida el 1 de enero de 1987 en Los Ángeles, California, es una directora, guionista y fotógrafa estadounidense que ha heredado el talento cinematográfico de su famosa familia. Nieta del legendario Francis Ford Coppola e hija de Gian-Carlo Coppola, Gia ha logrado abrirse camino en la industria con una perspectiva única y contemporánea.
Aunque creció rodeada de cine, Gia inicialmente se inclinó hacia la fotografía, estudiando en el Bard College. Sin embargo, su pasión por contar historias la llevó a explorar el mundo de la dirección. Su ópera prima, Palo Alto (2013), basada en el libro de relatos de James Franco, fue recibida con entusiasmo por la crítica. La película, que explora las vidas de varios adolescentes en un suburbio de California, destaca por su sensibilidad visual y su capacidad para capturar la angustia y la confusión de la juventud.
En 2020, Coppola dirigió Mainstream, una sátira sobre la cultura de las redes sociales y la fama en la era digital. Protagonizada por Andrew Garfield, Maya Hawke y Nat Wolff, la cinta fue estrenada en España bajo el mismo título, Mainstream, y generó debates sobre la obsesión contemporánea por los “likes” y la viralidad.
Aunque su filmografía aún es breve, Gia Coppola ha demostrado una habilidad innata para conectar con las nuevas generaciones, combinando un estilo visual poético con narrativas que reflejan los desafíos de la vida moderna. Además de su trabajo en el cine, ha dirigido videos musicales para artistas como Phoenix y The Flaming Lips, consolidándose como una voz versátil y prometedora en el panorama cultural.
Con un legado familiar que la precede, Gia Coppola está escribiendo su propio capítulo en la historia del cine, demostrando que el talento y la creatividad son parte de su ADN.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Terapia Hormonal Sustitutiva (THS): Guía Completa para Medicina General
La menopausia, definida como el cese permanente de la menstruación, marca el fin de la etapa reproductiva de la mujer. Se produce por la disminución de la producción de hormonas ováricas, principalmente estrógenos y progesterona, lo que conlleva una serie de síntomas que pueden afectar significativamente la calidad de vida.
La terapia hormonal sustitutiva (THS) se utiliza para aliviar estos síntomas y mejorar el bienestar de la mujer durante esta transición.
Existen multitud de combinaciones de estrógenos conjugados con medroxiprogesterona, con diferentes dosis y pautas.
Preparados de administración vaginal, con dosis bajas de estrógenos, para tratar la atrofia vaginal.
Vías de Administración
Oral: Comprimidos.
Transdérmica: Parches, geles, sprays.
Vaginal: Cremas, anillos, comprimidos.
Pautas de Administración
Continua: Estrógenos y progestágenos diarios (preferible en postmenopausia establecida).
Secuencial: Estrógenos diarios y progestágenos durante 10-14 días al mes (en perimenopausia o postmenopausia reciente).
Efectos Adversos y su Frecuencia
Sangrado vaginal irregular (frecuente, especialmente al inicio del tratamiento).
Sensibilidad mamaria (frecuente).
Cefalea (frecuente).
Náuseas (poco frecuente).
Cambios de humor (frecuente).
Retención de líquidos (frecuente).
Aumento del riesgo de trombosis venosa, embolia pulmonar, accidente cerebrovascular y cáncer de mama (riesgo individualizado, poco frecuente pero grave).
Recomendaciones para Medicina General
Evaluación individualizada de riesgos y beneficios.
Informar a la paciente sobre alternativas a la THS.
Utilizar la dosis mínima eficaz y la duración más corta posible.
Mamografía y ecografía transvaginal según indicación.
Derivar a ginecología ante dudas o complicaciones.
Información Adicional
Sociedad Española de Ginecología y Obstetricia (SEGO).
Asociación Española para el Estudio de la Menopausia (AEEM).
Nota Importante: Este artículo es informativo y no sustituye la consulta médica. La decisión de iniciar la THS debe ser individualizada y supervisada por un profesional de la salud.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
La obesidad continúa siendo un desafío de salud global, y los avances en tratamientos farmacológicos ofrecen nuevas esperanzas. Entre estos, los agonistas del receptor GLP-1 han demostrado ser particularmente efectivos.
¿Qué son el GLP-1 y el GIP?
GLP-1 (péptido similar al glucagón-1):
Es una hormona incretina, lo que significa que se libera en el intestino en respuesta a la ingesta de alimentos.
Desempeña múltiples funciones clave:
Estimula la secreción de insulina por las células beta del páncreas, lo que ayuda a reducir los niveles de glucosa en sangre.
Inhibe la secreción de glucagón, una hormona que eleva los niveles de glucosa.
Retrasa el vaciado gástrico, lo que contribuye a una sensación de saciedad prolongada.
Actúa en el cerebro para reducir el apetito.
GIP (polipéptido insulinotrópico dependiente de glucosa):
También es una hormona incretina.
Su función principal es estimular la liberación de insulina.
Además, puede influir en el metabolismo de las grasas y en el tejido adiposo.
¿Cómo funcionan los agonistas del receptor GLP-1 y GIP?
Estos fármacos imitan la acción de las hormonas GLP-1 y GIP, pero con algunas modificaciones que prolongan su vida media en el organismo.
Al activar los receptores de GLP-1 y/o GIP, desencadenan los mismos efectos beneficiosos que las hormonas naturales:
Mejora del control glucémico: Aumentan la secreción de insulina dependiente de glucosa y reducen la secreción de glucagón, lo que ayuda a mantener los niveles de azúcar en sangre dentro de un rango saludable.
Pérdida de peso: Reducen el apetito y aumentan la sensación de saciedad, lo que conduce a una disminución de la ingesta de alimentos. El retraso del vaciado gástrico también contribuye a esta sensación de plenitud.
Otros beneficios metabólicos: Algunos estudios sugieren que estos fármacos pueden tener efectos positivos sobre el metabolismo de los lípidos, la presión arterial y la función cardiovascular.
Diferencias entre agonistas GLP-1 y agonistas duales GLP-1/GIP
Los agonistas del receptor GLP-1, como semaglutida y liraglutida, se centran principalmente en la activación de los receptores de GLP-1.
Los agonistas duales, como tirzepatida, actúan tanto sobre los receptores de GLP-1 como de GIP. Esta acción dual puede potenciar los efectos beneficiosos sobre el control glucémico y la pérdida de peso.
Importancia clínica
Los agonistas del receptor GLP-1 y GIP han revolucionado el tratamiento de la diabetes tipo 2 y la obesidad.
Su capacidad para mejorar el control glucémico, promover la pérdida de peso y ofrecer otros beneficios metabólicos los convierte en una herramienta valiosa para abordar estas condiciones.
Agonistas del receptor GLP-1 y GIP
Estos fármacos, incluyendo semaglutida (Ozempic, Wegovy, Rybelsus), liraglutida (Saxenda) y tirzepatida (Mounjaro), actúan imitando las hormonas intestinales GLP-1 y, en el caso de tirzepatida, también GIP. Estas hormonas regulan el apetito, la saciedad y el metabolismo de la glucosa.
Fármacos disponibles en España: dosis y administración
Fármacos comercializados que contienen como principio activo Semaglutida:
Ozempic (inyección subcutánea semanal):
Indicado para diabetes tipo 2, pero usado fuera de indicación para obesidad.
Dosis inicial: 0.25 mg/semana, aumentando gradualmente hasta un máximo de 1 mg/semana.
Wegovy (inyección subcutánea semanal):
Específicamente para obesidad.
Dosis inicial: 0.25 mg/semana, aumentando gradualmente hasta un máximo de 2.4 mg/semana.
Rybelsus (comprimidos orales diarios):
Para diabetes tipo 2 y obesidad.
Dosis inicial: 3 mg/día durante 1 mes, luego 7 mg/día. Puede aumentarse a 14 mg/día.
Se toma por vía oral con un poco de agua, en ayunas, 30 minutos antes de la primera comida.
Rybelsus es la formulación oral de semaglutida, lo que representa una ventaja para pacientes que prefieren evitar las inyecciones.
Sin embargo, su absorción es más compleja y requiere una administración cuidadosa en ayunas.
Bibliografía sobre agonistas del receptor GLP-1 y GIP:
Fundamentos de GLP-1 y GIP:
Holst, J. J. (2007). “The physiology of glucagon-like peptide 1”. Physiological reviews, 87(4), 1409-1439.
Nauck, M. A., & Meier, J. J. (2018). “Incretin hormones: Their role in health and disease”. Diabetes, obesity and metabolism, 20(Suppl. 1), 5-21.
Agonistas GLP-1 en el tratamiento de la diabetes y la obesidad:
Nauck, M. A., Meier, J. J., & Holst, J. J. (2016). “Incretin-based therapies: viewpoints on the way to consensus”. Diabetes care, 39(Suppl. 2), S223-S233.
Davies, M., Færch, L., Jeppesen, O. K., Lingvay, I., Rosenstock, J., & Treppendahl, M. B. (2022). Semaglutide 2· 4 mg once weekly in adults with type 2 diabetes and overweight or obesity (STEP 2): a randomised, double-blind, double-dummy, placebo-controlled, phase 3 trial. The Lancet, 399(10321), 21-33.
Wilding, J. P. H., Batterham, R. L., Calanna, S., Davies, M., Van Gaal, L. F., Lingvay, I., … & Wharton, S. (2021). Once-weekly semaglutide in adults with overweight or obesity. New England Journal of Medicine, 384(11), 989-1002.
Agonistas duales GLP-1/GIP:
Jastreboff, A. M., Aronne, L. J., Ahmad, Z., Wharton, S., Makhlouf, N. M., Kushner, R. F., … & Wadden, T. A. (2022). Tirzepatide once weekly for obesity or overweight in adults. New England Journal of Medicine, 387(3), 205-216.
Finan, B., Yang, B., Ottaway, N., Smiley, D. D., Ma, T., Clemmensen, C., … & Tschöp, M. H. (2013). “GIP and GLP-1 receptor dual agonism reverses obesity in mice”. Nature medicine, 19(8), 1022-1028.
Información adicional:
Prospectos de medicamentos (Ozempic, Wegovy, Rybelsus, Saxenda, Mounjaro) de la Agencia Española de Medicamentos y Productos Sanitarios (AEMPS).
Agonistas del receptor de péptido similar al glucagón tipo 1 (GLP-1) en el manejo del paciente con diabetes mellitus tipo 2. Una aproximación para el nefrólogo.Revista nefrologia
Es fundamental recordar que esta información es para fines educativos y no sustituye el consejo médico profesional.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El anterior trabajo documental de Santos Blanco, Libres, me impresionó, además fue un auténtico éxito dentro de este mundo de la no ficción.
Por ello acudo ilusionado a ver su nueva película.
Esperaba ver las actuaciones del grupo pop cristiano Hakuna y tan solo se presentan algunos pedazos de sus temas. Lo cual me decepciona bastante.
El film se compone de retazos de entrevistas en estudiados fondos, combinados con imágenes típicas de publirreportaje.
Resulta ser un producto redundante y tedioso, para nada entretenido.
Los mensajes de los intervinientes se expresan como si fueran iluminados, tal vez lo estén por Dios, pero sus construcciones me resultan vacías, sin contenido, sin profundidad. Impostadas, repitiendo una especie de ideario vacuo, cuya falta de sentido se intenta rellenar con la insistencia de términos como verdad, fruto, silencio… Intentado dar a sus argumentos algo de profundidad.
Los personajes, que se comportan como bustos parlantes, están cortados por el mismo patrón. Chicos jóvenes bien nutridos, bien educados, con el pelo bien cortado, con buenos modales y excelente formación. Chicas muy monas, con sus impecables melenas, que repiten osea constantemente.
Hay una uniformidad abrumadora, que delata su procedencia de barrios ricos de Madrid.
En el escenario chicos a un lado chicas al otro.
Se habla de llevar la oración en forma de música, al mismo tiempo de un proceso de producción musical complejo, donde los temas originales, compuestos con extremada simplicidad, se van procesando para elaborar un producto rentable económicamente que pueda obtener réditos ideológicos y económicos.
Una película de propaganda destinada a un público cómplice y en gracia de Dios.
Mi puntuación: 2,00/10.
Dirigido por Santos Blanco:
Santos Blanco es un director de cine español que ha ganado reconocimiento en los últimos años, especialmente en el género documental.
Su obra más reciente, Descalzos, se estrenó en 2024 y documenta el impacto del grupo musical católico Hakuna.
Trayectoria
Inicios:
Santos Blanco cuenta con más de 15 años de experiencia en el mundo de la publicidad y ha codirigido varios cortometrajes.
Su primer largometraje documental, Libres, se estrenó en 2023.
Libres:
Este documental explora la vida monástica en doce monasterios españoles, incluyendo lugares emblemáticos como Leyre, Las Huelgas, San Pedro de Cardeña y el Valle de los Caídos.
Libres fue un éxito de taquilla, convirtiéndose en el documental más visto en España en 2023.
Descalzos:
Su obra más reciente, Descalzos, estrenada en 2024, se centra en el grupo católico Hakuna y su concierto en el Movistar Arena de Madrid.
Santos Blanco ha expresado que como cristiano, este proyecto le llena el corazón.
Estilo y Temática
Santos Blanco se caracteriza por un estilo documental que busca profundizar en la espiritualidad y los valores humanos.
Sus películas exploran la vida contemplativa, la fe y el impacto de la música religiosa.
Reconocimientos
El éxito de Libres consolidó a Santos Blanco como un director destacado en el género documental.
Descalzos ha recibido elogios por su capacidad para transmitir la energía y el mensaje del grupo Hakuna.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El Grupo Católico Hakuna: Una Onda de Fe y Alegría
El grupo Hakuna es una de las expresiones más vibrantes y contemporáneas de la música católica en España y Latinoamérica.
Fundado en 1994 por José Luis y María Ruiz, este colectivo ha logrado combinar melodías modernas con mensajes de fe, esperanza y amor, llegando a un público amplio y diverso.
Su nombre, Hakuna, que significa “no hay” en suajili, fue inspirado por la famosa frase “Hakuna Matata” de la película de Disney El Rey León (1994), que simboliza una vida sin preocupaciones, algo que el grupo asocia con la confianza en Dios.
Orígenes y Misión
Hakuna nació en la ciudad de Córdoba, España, con el objetivo de evangelizar a través de la música.
Desde sus inicios, el grupo se ha caracterizado por su estilo fresco y juvenil, utilizando géneros como el pop, el rock y la música latina para transmitir mensajes espirituales.
Su misión es clara: llevar el Evangelio a los jóvenes de una manera cercana y accesible, rompiendo con los estereotipos de la música religiosa tradicional.
Éxitos y Reconocimiento
A lo largo de su trayectoria, Hakuna ha lanzado numerosos álbumes que han sido recibidos con entusiasmo por su audiencia.
Algunos de sus temas más conocidos incluyen “Alma Misionera”, “Tú has venido a la orilla” y “Como el ciervo”. Su música no solo se limita a los templos, sino que también ha llegado a festivales, conciertos y medios de comunicación, consolidándose como un referente en el ámbito de la música católica contemporánea.
Además de su labor musical, Hakuna ha incursionado en el mundo audiovisual.
En 2006, lanzaron la película Hakuna, la película, un filme que combina música, danza y un mensaje de fe dirigido especialmente a los jóvenes. Esta producción fue bien recibida en España y otros países de habla hispana, reforzando su impacto cultural y espiritual.
Impacto y Legado
El legado de Hakuna va más allá de la música.
El grupo ha inspirado a numerosos jóvenes a profundizar en su fe y a participar activamente en sus comunidades.
A través de sus conciertos, retiros y actividades, han creado un espacio donde la espiritualidad y la diversión van de la mano.
Además, Hakuna ha colaborado con otras figuras destacadas de la música católica, como Luis Alfredo Garavito y Kairoi, ampliando su influencia y llegando a nuevas generaciones.
Su compromiso con la evangelización y su capacidad para adaptarse a los tiempos modernos los han convertido en un fenómeno único en el panorama religioso.
Verificación de Datos
Fundación: Hakuna fue fundado en 1994 por José Luis y María Ruiz en Córdoba, España. Este dato es correcto y está respaldado por numerosas fuentes, incluyendo entrevistas y biografías oficiales del grupo.
Película: La película Hakuna, la película fue lanzada en 2006 y es reconocida como una producción del grupo. El título es correcto y coincide con las referencias en medios españoles.
Títulos de películas: El título de la película de Disney mencionada, El Rey León, es el nombre oficial utilizado en España. No hay discrepancias en este dato.
Conclusión
El grupo Hakuna representa una fusión única entre la fe católica y la cultura contemporánea.
Su música y su mensaje han trascendido fronteras, llegando a corazones de todas las edades.
Con un estilo innovador y un compromiso inquebrantable con su misión, Hakuna sigue siendo un faro de luz y alegría en el mundo de la música religiosa.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dos cerditos, un pato, un alienígena y chicle rosa.
Al pato Lucas y al cerdito Porky se les une Petunia Pig para salvar al mundo de un meteorito.
La película transita del cine de zombis a Deep Impact en un argumento cargado de elementos cómicos, tan frecuentes que llegan a saturar.
Desde mi infancia los Looney Tunes siempre me han hecho mucha gracia.
Ahora me río menos, me resultan menos cómicos. Tal vez, me he hecho viejo o que sencillamente tienen menos chispa.
Mi puntuación: 5,55/10.
Dirigido por Peter Browngardt:
Peter Browngardt es un destacado animador, guionista, artista de guion gráfico, actor de voz y productor estadounidense, nacido el 12 de agosto de 1979 en Sag Harbor, Nueva York . Se formó en Animación de Personajes en el Instituto de las Artes de California .
A lo largo de su carrera, ha contribuido en diversas series animadas. Participó como artista de diseño de personajes en Futurama (2000), diseñador de personajes y utilería en Los hermanos Venture (2006), artista de guiones gráficos en Chowder (2007-2010) y escritor y artista de guion gráfico en Las maravillosas desventuras de Flapjack (2008-2010) .
En 2011, creó Secret Mountain Fort Awesome, una serie que, aunque de corta duración, le permitió desarrollar su estilo único.
Posteriormente, en 2013, lanzó Tito Yayo (título en España de Uncle Grandpa), donde además de ser el creador, prestó su voz al personaje principal.
En 2020, asumió el rol de productor ejecutivo y director creativo de Looney Tunes Cartoons, revitalizando a los icónicos personajes de Warner Bros.
Además, dirigió El día que la Tierra explotó: Una película de los Looney Tunes, cuyo estreno en cines en España está programado para el 7 de marzo de 2025 .
En 2021, firmó un acuerdo con Warner Bros. Animation y Cartoon Network Studios para desarrollar y producir contenido animado en ambos estudios.
Recientemente, en diciembre de 2024, anunció su participación en un proyecto de Pokémon en colaboración con Aardman Animations y The Pokémon Company para Netflix .
Filmografía destacada:
Futurama (2000): Artista de diseño de personajes.
Los hermanos Venture (2006): Diseñador de personajes y utilería.
Chowder (2007-2010): Artista de guiones gráfico.
Las maravillosas desventuras de Flapjack (2008-2010): Escritor y artista de guion gráfico.
Secret Mountain Fort Awesome (2011-2012): Creador y actor de voz.
Tito Yayo (2013-2017): Creador y voz de Tito Yayo.
Looney Tunes Cartoons (2020-2023): Productor ejecutivo y director.
El día que la Tierra explotó: Una película de los Looney Tunes (2025): Director y productor ejecutivo.
La trayectoria de Peter Browngardt refleja su capacidad para innovar y revitalizar la animación contemporánea, aportando una visión fresca y original a cada uno de sus proyectos.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Está bien que se reconozca la labor de la primera mujer que se atrevió a fotografiar el horror de la Segunda Guerra Mundial. Un gran acierto.
Producción británica que cuida los detalles a nivel de fotografía y vestuario.
Se nota que es una producción modesta con efectos especiales que dejan bastante que desear, pero aceptables.
El gran defecto de este film es que se obstina, una y otra vez, en ser sentimentaloide, intenta emocionar al espectador con una música sobreactuada que canta demasiado.
Esto la convierte en un pastelón, quietándole, paradójicamente, fuerza dramática.
He de confesar que Kate Winslet no es santo de mi devoción. Nunca le perdonaré que dejara morir en el Atlántico Norte a Leonardo DiCaprio.
Además el doblaje que padece en esta película es terrible.
Ella ocupa todo el metraje, lo que me termina produciendo una molesta sensación de rechazo.
Mi puntuación: 3,52/10.
Dirigido por Ellen Kuras:
Ellen Kuras: Una Maestra de la Imagen
Ellen Kuras es una directora de fotografía y directora de cine estadounidense nacida el 10 de julio de 1959 en Nueva Jersey.
Es conocida por su trabajo en películas narrativas y documentales, así como en videos musicales y anuncios.
Trayectoria Profesional
Inicios y Educación:
Estudió antropología, lo que influyó en su enfoque narrativo y su capacidad para capturar la esencia de las historias.
Su primer contacto con el mundo del cine fue a través de proyectos documentales durante su etapa estudiantil.
Directora de Fotografía:
Kuras ha trabajado en numerosas películas aclamadas, destacando su colaboración con directores como Michel Gondry, Martin Scorsese y Spike Lee.
Algunas de sus películas más conocidas como directora de fotografía incluyen:
¡Olvídate de mí! (2004)
Blow (2001)
Summer of Sam (1999)
Angela (1995)
Swoon (1992)
Ha trabajado en documentales como:
The Betrayal – Nerakhoon (2008)
No Direction Home: Bob Dylan (2005)
Dave Chappelle’s Block Party (2005)
Neil Young: Heart of Gold (2006)
Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story by Martin Scorsese (2019)
Pretend It’s a City (2021)
Directora de Cine:
Además de su trabajo como directora de fotografía, Kuras también ha dirigido episodios de series de televisión como:
The Umbrella Academy
Trampa 22
The Son
También es directora de la película Lee, que trata sobre la fotógrafa Lee Miller.
Estilo y Reconocimiento:
Kuras es conocida por su habilidad para crear imágenes visualmente impactantes y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y géneros.
Ha recibido numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera, incluyendo premios de la Sociedad Americana de Cinematógrafos y premios Emmy.
Ellen Kuras es una figura influyente en el mundo del cine, cuyo trabajo ha dejado una marca indeleble en la industria.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Todos somos prescindibles. Pero, tal vez, Bong Joon-ho es necesario.
Como ya demostró en Parásitos a Bong Joon-ho le interesa transgredir y transitar por los géneros.
Como ya demostró en Rompenieves (Snowpiercer) a Bong Joon-ho le interesan las distopías sobre la lucha de clases.
Por eso es coherente que en Mickey 17 construya una comedia, con mucho de sátira, futurista y distópica sobre los prescindibles de la sociedad, que termina girando hacia el cine de aventuras, con reflexiones bastante profundas, transformando el humor en drama filosófico.
Mickey es ese paria que en nuestra sociedad moderna realiza trabajos arriesgados y tóxicos. Es el conejillo de indias en la experimentación de fármacos. Individuos fácilmente sustituibles.
En medio de la comedia negra que se nos ofrece Joon-ho nos intenta hacer reflexionar sobre el miedo a la muerte y sobre el desprecio, a los que siendo inteligentes, no tienen nuestro mismo aspecto.
Los líderes de de ese viaje colonizador a los que dan vida Mark Ruffalo y Toni Collete son tan caricaturescos y desenfrenados como algunos de los mandatarios actuales. Lo que pudiera ser exageración y cartoon resulta que representa la realidad.
Detrás de esas risas culpables de los espectadores hay cargas de profundidad que dan para debate y reflexión.
Damos la bienvenida a Robert Pattison al mundo de las grandes interpretaciones.
Lástima que la comedia no suele ser premiada.
Mi puntuación: 7,88/10.
Dirigido por Bong Joon-ho:
Bong Joon-ho es un director de cine y guionista surcoreano nacido el 14 de septiembre de 1969 en Daegu, Corea del Sur.
Proveniente de una familia con inclinaciones artísticas, su padre, Bong Sang Gyun, era diseñador gráfico, y su abuelo materno, Park Taeweon, fue un reconocido escritor.
Durante su juventud, la familia se trasladó a Seúl, donde Bong Joon-ho creció en el barrio de Jamsil-dong, cerca del río Han.
A pesar de su interés temprano por el cine, decidió estudiar Sociología en la Universidad Yonsei, donde también participó activamente en el club de cine.
Posteriormente, se graduó en la Academia Coreana de Cine, donde realizó varios cortometrajes en 16 mm que fueron seleccionados en festivales internacionales.
Produjo en el año 2000 con Perro ladrador, poco mordedor (Barking Dogs Never Bite), una comedia negra que, aunque tuvo un lanzamiento limitado, le permitió mostrar su estilo distintivo.
En 2003, alcanzó reconocimiento internacional con Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie), un thriller basado en hechos reales sobre el primer asesino en serie de Corea del Sur.
La película fue aclamada por la crítica y ganó varios premios en festivales internacionales, incluyendo el Festival de Cine de San Sebastián.
Su siguiente proyecto, The Host (2006), fue una película de monstruos que se convirtió en un éxito de taquilla en Corea del Sur y consolidó su reputación como director innovador.
En 2009, dirigió Mother, un drama que explora la relación entre una madre y su hijo acusado de asesinato.
La película fue presentada en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes y recibió elogios por su narrativa y dirección.
Bong Joon-ho hizo su debut en el cine en lengua inglesa con Snowpiercer (Rompenieves) (2013), una película de ciencia ficción basada en la novela gráfica francesa Le Transperceneige.
La película aborda temas de lucha de clases en un futuro post-apocalíptico y fue bien recibida tanto por la crítica como por el público.
En 2017, colaboró con Netflix para lanzar Okja, una película que combina elementos de ciencia ficción y aventura, centrada en la amistad entre una niña y una criatura modificada genéticamente.
La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
El mayor reconocimiento internacional le llegó con Parásitos (2019), una sátira social que explora las diferencias de clase en Corea del Sur.
La película ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y cuatro premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, siendo la primera vez que una película en lengua no inglesa obtiene este galardón.
En 2025, Bong Joon-ho estrenará Mickey 17, una película de ciencia ficción protagonizada por Robert Pattinson, que aborda temas de identidad y supervivencia en un contexto futurista.
Además, ha anunciado su intención de regresar al género de terror con un nuevo thriller ambientado en el metro de Seúl, proyecto que ha descrito como “el proyecto de su vida”, en el que ha estado pensando desde 2001.
La filmografía de Bong Joon-ho se caracteriza por su habilidad para combinar géneros y su enfoque en temas sociales, lo que le ha convertido en una figura destacada del cine contemporáneo.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
En 1986, el año en el que se estrenó esta película, Martin Scorsese era ya un director de prestigio, con suficiente experiencia; Paul Newman era un mito del cine y Tom Cruise un joven actor en alza, después de participar en Rebeldes de Coppola, en Legend de Ridley Scott y en Top Gun (Ídolos del aire)del otro hermano Tony Scott, el muchacho llevaba un carrerón.
La película parece dedicada a demostrar que el maestro Newman no iba hacerle sombra al aprendiz Cruise.
La interpretación del primero es más introspectiva, más íntima, más delicada.
Tom está exultante, expansivo, desatado.
Da la impresión que todo iba enfocado a encumbrar al joven intérprete.
Pero como suceder en estos casos, el veterano Newman se lo come y lo ensombrece.
Scorsese hace sus alardes habituales para demostrar lo buen director que es, con un montaje espléndido y unos movimientos de cámara magistrales. Tal vez, más contenido que en otras producciones lo que aumenta su calidad, a mi modo de ver.
La película nos viene a contar que el veterano jugador de billar desea que su incontenible discípulo aprenda a sacar provecho de sus cualidades innatas, pero al final el alumno aprende demasiado y se vuelve cruel.
Es una historia de tramposos con más o menos dignidad y moral.
Los dos momentos cumbres de la película es cuando Newman se ve engañado. Primero por un jugador profesional que usa los viejos trucos para desplumarle, al que da vida un joven Forest Whitaker. La segunda cuando descubre que su aprendiz le ha dejado ganar, sabiendo usar en sus propias carnes el partido a los trucos que él mismo le enseñó.
Un películón.
¿Qué guapa y buena actriz Mary Elizabeth Mastrantonio en sus mejores tiempos!
Estupendo el tono romántico con el que impregna esta película su directora Olga Osorio, con una fotografía (excelente) de tonos pasteles.
Michelle Jenner está radiante y Zoe Bonafonte está más que a la altura del personaje que comparten. Esta joven actriz se desvela como una de las grandes promesas de nuestro cine, después de, su no tan brillante, participación el El 47.
En el otro lado de la balanza tenemos a Enzo Oliver y especialmente al sobrevalorado Mario Casas con unas interpretaciones nefastas.
Salgo de la sala de cine impresionado por la deficiente, muy deficiente, actuación de Casas, que consigue destrozar la película.
Lo que podía haber sido un relato romántico de segundas oportunidades queda anulado por esa interpretación.
Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia.
Borja Cobeaga nos obsequia con una comedia satírica desternillante, pero, también, cabreante.
No puedo más que partirme de risa al ver la realidad de la monarquía, y de los poderes el estado, retratados con tanta mala leche, pero al mismo tiempo me repugna contemplar la realidad española en mi televisor.
Cada una de las anécdotas y sucesos que se relatan en estos siete capítulos los hemos visto en algún momento a lo largo de los últimos años. Todo es real, verdad, como se dice ahora, pero es tan terrible que resulta difícil digerirlo.
El episodio dedicado a los jueces es demoledor. Me río y siento náuseas a la vez.
Anna Castillo está desbordante, brillante, sabiendo usar esa naturalidad absoluta que la impregna de ese halo luminoso que deslumbra en la pantalla.
Aún con sus defectos, yo quiero una reina como ella.
Espero ver más temporadas, aunque tal como está, está perfecta.
Completan la sección cuatro producciones chilenas presentadas por FICVIÑA bajo el sello FICVIÑA Showcase
La octava edición de Málaga Work in Progress, la sección de MAFIZ destinada a películas españolas, portuguesas e iberoamericanas en fase de postproducción, ha seleccionado dieciséis títulos provenientes de seis países. Además, FICVIÑA presentará cuatro producciones chilenas bajo el sello FICVIÑA Showcase.
Los filmes se proyectarán del 18 al 20 de marzo ante una audiencia de profesionales -agentes de ventas, programadores de festivales, fondos internacionales – con el objetivo de apoyar su finalización y favorecer su difusión y promoción internacionales. La presentación de los representantes de los proyectos ante posibles socios en formato pitching el viernes 21 concluirá la actividad.
Entre los ocho filmes españoles se encuentran dos provenientes de la Región de Murcia, protagonista de la sección Territorio.
También se presentarán ocho producciones iberoamericanas, entre las que se encuentran dos provenientes de República Dominicana, el país invitado de la edición.
Como muestra de la relevancia de Málaga WIP, cabe destacar la participación en Largometrajes Sección Oficial de Jone Baztutean (Jone a veces), de Sara Fontova, que en 2024 y se alzó con el Premio Aracne Digital Cinema de la sección y la participación este año en la iniciativa de Caro Nanni (Querido Nanni), de Pablo Maqueda, que compitió con La desconocida en 2023 en Largometrajes Sección Oficial.
Málaga WIP forma parte de Spanish Screenings Content 2025, evento diseñado como plataforma internacional de promoción cuyo objetivo principal es fomentar las ventas del cine español y que alcanza en 2025 su 19 edición como único mercado oficial de venta y promoción del cine español.
Málaga WIP está organizado por el Ayuntamiento de Málaga y el Festival de Málaga en colaboración con el ICAA (Instituto de Cinematografía y de las Artes Visuales de España), CAACI (Conferencia de Autoridades Audiovisuales y Cinematográficas de Iberoamérica, IBERMEDIA y FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales).
Las películas seleccionadas en WIP Málaga son:
WIP ESPAÑA
Caro Nanni / Querido Nanni, de Pablo Maqueda. Producción: Viva Films Media.
Cuántica Rave / Quantum Rave, de Paco Campano. Producción: La Zanfoña Producciones.
Driades / Dryads, de Miguel Eek. Producción: Mosaic, Hedda Films. (España – Noruega).
Futura, La niebla / Future Fog, de María Abenia. Producción: MamaFilms.
Los Renacidos / The Reborn, de Santiago Esteves. Producción: Le Tiro, Zabriskie Films. (España – Argentina – Chile).
Woman Bites Dog, de Armand Rovira. Producción: From Outer Space.
TERRITORIO INVITADO: REGIÓN DE MURCIA
Lionel, de Carlos Sais. Producción: Blur media productions SL , Icónica producciones SL, Bluconic Films A. I. E , Promenades Films (España – Francia).
El pintor y el escorpión / The Painter and the Scorpion, de Sadrak Zmork. Producción: Diamantina Films /Twin Freaks Studio.
WIP IBEROAMÉRICA
A noite é uma farsa / The Night is a Farce, de Lucas Weglinski. Producción: Agalma, Loma Filmes. (Brasil).
A voz de Deus, The Voice of God, de Miguel Antunes Ramos. Producción: Corisco Filmes (Brasil).
El agua nunca dolió / Water Never Hurt, de Ana Clara Bustelo. Producción: Pez Dorado CC (Uruguay – Argentina).
Las tías / The Aunts, de Valentina Llorens. Producción: Maravilla Cine (Argentina).
Morte e Vida Madalena / Death and Life Madalena, de Guto Parente. Producción: Tardo Filmes (Brasil – Portugal).
No hay ida sin retorno / No Journey Without Return, de Carlos Sánchez Giraldo. Producción: Rima Rima Cine (Perú).
LATIN AMERICAN FOCUS. PAÍS INVITADO: REPÚBLICA DOMINICANA
Fragancia tropical / Tropical Fragance, de Alexander Viola.. Producción: Mentes Fritas Film Production..
Primu, de Taba Blanchard. Producción: Larimar Films.
FICVIÑA SHOWCASE
Historias sobrenaturales / Supernatural Stories, de Mauricio Corco. Producción: By LACE Films (Chile).
Si vas para Chile, de Amílcar Infante y Sebastián González. Producción: Amilcar Films, Someday Productions, Pejeperro Films (Chile).
La mujer que no debería estar ahí / The Woman Who Shouldn’t Be Here, de Hermanxs Carrizo – Ortiz. Producción: Frontera Final Films y Zucchini Films (Chile).
Las flores de Julia de Cris Tapia Marchiori. Producción: Dukkah Producciones, Las Minas SmartMedia, Río Films y Perspectiva Producciones (Chile – Argentina).
Dos jurados decidirán los ganadores del Premio Festival de Málaga, dotado con 5.000 euros para una película española y 5.000 euros para una iberoamericana. El jurado Málaga WIP España estará compuesto por la directora y montadora Alejandra Almirón, Jana Wolff, de EFM-Berlinale y Raúl Camargo de FICValdivia, mientras que Paola Buontempo, de Documenta Madrid, Marco Muhletaler, de PUCP y Teresa Toledo de Casa América constituirán el jurado Málaga WIP Iberoamérica.
Además, las películas también optarán a los siguientes premios:
Aracne Digital Cinema: realización de servicios de postproducción de imagen a uno de los proyectos procedentes de España valorados en 20.000 euros.
Chemistry: realización de servicios de postproducción de imagen para una película procedente de Latinoamérica. Este premio está valorado en 15.000 dólares estadounidenses..
Cine y Tele: una página de publicidad en la revista de Cine y Tele para uno de los proyectos españoles.
E-28: realización de la composición y producción musical de banda sonora de un largometraje. Premio valorado en 10.000 dólares estadounidenses.
Latamcinema.com: un premio consistente en una página de publicidad en la revista de LatAm Cinema para un proyecto procedente de Iberoamérica.
Music Library: la división de Supervisión musical ACORDE de Music Library &SFX otorgará un premio en efectivo de 300 euros, así como una tarifa plana para una producción valorada en 300 euros para un proyecto de Iberoamérica e idéntico premio para un proyecto español.
Río Bravo: realización de un tráiler, promo o teaser valorado en 5.000 euros. El premio incluye la creatividad, el montaje, el conformado y la posproducción para la distribución en las salas de cine.
Sideral: entrega de 10.000 euros en concepto de mínimo garantizado sobre la distribución internacional del proyecto premiado.
Yagán Films: un premio de postproducción de sonido para un proyecto de España valorado en 13.000 euros. Un premio de postproducción de sonido para un proyecto de Iberoamérica valorado en 13.000 euros.
Los festivales colaboradores que se comprometen a seleccionar un proyecto de Málaga WIP para participar en sus laboratorios de industria son:
ABYCINE – Festival Internacional de Cine de Albacete.
FIDBA – Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires.
IAFFM – Ibero American Film Festival Miami.
REC – Festival Internacional de Cinema de Tarragona
SANFIC INDUSTRIA – Santiago Festival Internacional de Cine.
Spanish Screenings Content es un proyecto en el que están involucrados el Ministerio de Cultura a través del ICAA, el Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública, ICEX España Exportación e Inversiones, la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, el Festival de Málaga y el Festival de San Sebastián.
Jorge, Javier P. y Ramón se reúnen para hablar de los estrenos de la semana en los Multicines Guadalajara , encabezados por la esperada Mickey 17, de Bong Joon-ho, una comedia negra de ciencia ficción que mezcla clonación, supervivencia y sátira social.
También nos adentramos en la vida de la icónica fotografía de guerra Lee Miller, interpretada por Kate Winslet, y en Tardes de soledad, el documental de Albert Serra que retrata el mundo del toreo desde una prespectiva única.
El suspense y lo paranormal llegan con Presence, la inquietante película de Steven Soderbergh, inspirada en una experiencia real, mientras que los más pequeños disfrutarán de Superwings: Máxima velocidad, una colorida aventura animada, y El día que la Tierra explotó, la nueva película de los Looney Tunes, con el pato Lucas y Porky enfrentándose a una invasión alienígena.
Además, repasamos la taquilla y nos detenemos en una rareza cinematográfica: la versión slasher de Bambi … sí, ha leído bien. 🦌🔪
Y, por supuesto, no podemos dejar de hablar de los Oscar 2025 . ¿Estamos de acuerdo con los premios? (Spoiler: no del todo).
Aprovechamos para analizar Anora , la gran triunfadora de esta edición, y debatimos sobre sus méritos frente a las demás nominadas.
🎙️ Un programa lleno de debate, humor y cine en todas sus formas. ¡No te lo pierdas! 🎬✨
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
El evento, que se celebrará entre el 18 y el 21 de marzo, incluirá un programa formación para fomentar la viabilidad e internacionalización de los proyectos
MERCADOC.0 , la nueva sección de MAFIZ, el área de industria del Festival de Málaga, se celebrará entre el 18 y el 21 de marzo. Se han seleccionado un total de catorce proyectos de documental, seis iberoamericanos y ocho españoles, entre los que se incluyen dos de Zona Málaga y un tercero de la Región de Murcia, protagonista de Territorios.
Los cineastas al frente de los proyectos tendrán la oportunidad de presentarlos ante una audiencia de profesionales y representantes de medios periodísticos, plataformas y cadenas de televisión. Además, se ha diseñado un programa de formación que incidirá en aspectos creativos y financieros para acompañar a los cineastas en el proceso de generar proyectos de documental viables, de calidad y con posibilidades de internacionalización. Consistirá en un seminario sobre audiencias a cargo de Mauricio Cabrera, asesor en estrategia de negocios y contenidos, y dos case studies cuyo contenido se anunciará próximamente,abiertosa proyectistas y acreditados.
La selección ha corrido a cargo Annabelle Aramburu, coordinadora de MAFIZ, Leonardo Ordóñez, gerente general de la Fundación Santiago Creativo, y Walter Tiepelmann, director de industria de FIDBA y productor. En el proceso se han tenido en cuenta las estrategias de sostenibilidad de los proyectos ya que Mercadoc.0 también tiene como objetivo promover iniciativas que incorporen prácticas responsables desde la fase de desarrollo.
PROYECTOS ESPAÑOLES
Construyendo un Totalitarismo: Desmontando la Democracia en Venezuela / Building a Totalitarism: Dismantling Democracy in Venezuela, de Luken Ignacio Quintana Márquez. Producción: Hacha y Machete.
Ellos hablan / They speak, de Lydia Cacho. Producción: Agudezavisual.
Esencia / Essence, de Pedro Peira. Producción: Festimania Pictures.
La maleta de Alex / Alex’s Suitcase, de Alejandro Cortés Calahorra. Producción: Larrua Creaciones.
No Consent / No Consent, de Montse Bover Rabionet. Producción: La Kaseta.
PROYECTO DE LA REGIÓN DE MURCIA
Guerreras por la Amazonía / Women warrior for the Amazon, de Ángel Hernández Hernández.
PROYECTOS ZONA MÁLAGA
Juantxu, de Manuel Jiménez Núñez y Andoni Famoso. Producción: Yolaperdono.
Sangre, Sudor y Alegría / Blood, Sweat and Joy, de Rodolfo Montero de Palacio. Producción: Palamont Pictures.
PROYECTOS IBEROAMERICANOS
Antonio Gala, de María Onis. (Argentina).
El Último Relato / The Untold Story, de Isabella Breton Bonilla. (República Dominicana).
Detrás de la taza / Beyond the cup, de Alex Noppel Briseño. Producción: Brucken Films. (México).
Puede ser el último invierno / It could be the last winter, de Álvaro Gauna y Fabiola Flores, Producción: Viraje Films. (Chile).
Serial / Serial, de Brenda Barroero, Producción: Pura Vida TV. (Argentina).
Adicionalmente, los proyectos seleccionados pasan a formar parte de un catálogo internacional de promoción que MAFIZ ha creado para promover los contenidos y los equipos profesionales, a fin de facilitar la búsqueda de financiación y dar a conocer los nuevos contenidos a los agentes de la industria y audiencias interesadas en el cine iberoamericano.
El Festival de Málaga y Culturia han creado MERCADOC.0, una iniciativa cuyo objetivo es fomentar el desarrollo artístico, financiero y de innovación de proyectos de documental iberoamericanos así como identificar oportunidades en áreas como producción, distribución y nuevos modelos de negocio internacionales. El evento posiciona al certamen como punto de encuentro estratégico para la industria del documental iberoamericana y reunirá a destacados profesionales del sector junto a agentes como medios periodísticos, plataformas y cadenas de televisión. Mercadoc.0 cuenta con la financiación del Ministerio de Cultura y la Unión Europea – Next Generation
La plaza de la Merced acogerá del 15 al 22 de marzo actividades de acceso libre para promover la integración y la inclusión
El Festival de Málaga junto al Ayuntamiento de Málaga -a través del Área de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad– organizan un año más, en colaboración con la Fundación ”la Caixa”, el Espacio Solidario. Este evento se celebrará del 15 al 22 de marzo en la plaza de la Merced en el marco del 28 Festival de Málaga.
El Espacio Solidario tiene como objetivo abrir el Festival a los diferentes colectivos sociales y fomentar su inclusión. Para ello, participarán 50 asociaciones y entidades sociales de la ciudad (10 más que el pasado año) que incentivarán y potenciarán la visibilidad de estos grupos ciudadanos. En esta séptima edición, tendrá de nuevo un modelo basado en actividades divulgativas (de acceso libre y gratuito) de las diferentes asociaciones que participan y cuya temática es muy variada. Por tanto, es una iniciativa transversal, con actividades de todo tipo (proyecciones, mesas redondas, talleres…) de temática inclusiva y social.
La concejala de Cultura y Patrimonio Histórico, Mariana Pineda; el concejal de Derechos Sociales, Diversidad, Igualdad y Accesibilidad, Francisco Cantos; el responsable territorial en Andalucía, Ceuta y Melilla de Fundación ”la Caixa”, Juan Carlos Barroso; la directora comercial de Caixabank en Málaga, Córdoba, Almería, Ceuta y Melilla, Carmen González Novo, y el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, han presentado hoy en el Teatro Cervantes la programación del Espacio Solidario.
El programa de este espacio abordará muy diferentes temáticas a lo largo de las ocho jornadas de actividad, con temas como la soledad, la violencia, el suicidio, el medio ambiente, la infancia o la tercera edad.
Las entidades que participan este año son:
Nena Paine
Crecer con Futuro
Asociación Cultural Bollywoodmanía Málaga
Colegio Oficial de Psicología de Andalucía Oriental
Asociación Cultural Antonio Montes
Oxfam Intermón
Fundación IDILIQ
Asociación Malagueña Arte Para Todos
ANSEDH
Fundación Harena
Asociación DYAR
CEAR
UMAREFUGIA
FMAEC
Fundación Andrés Olivares
Fundación Tierra de Hombres
Cruz Roja
CODENAF
Fundación Telefónica
Asociación Española Contra el cáncer
UAPO
ONG DEBRA Piel de Mariposa
AD Málaga Dragón Boat BCS
Programa Incorpora de La Caixa
Asociación Lupus Málaga y Autoinmunes
Fundación Don Bosco Salesianos
Teléfono de la Esperanza
ALTAMAR
APAFIMA
Asociación Parkinson Málaga
Fundación Cibervoluntarios
ALCER Málaga
Federación Salud Mental Andalucía
Asociación Alhelí
INPAVI
AFA Málaga
Asociación Arrabal
Fundación Hermanas Hospitalarias Málaga
Manos Unidas
INCIDE
Fundación Héroes
Fundación Agua de Coco
Paz y Desarrollo
APROINLA
Fundación Alonso Quijano
Asociación Síndrome de Turner Andalucía
Ada Lovelace
Asociación Redime
Fundación Asha-Kiran
Glsufad España
Programa de actividades
Sábado 15
10:30 h: NENA PAINE. Los superCurrantes en los 60, 70 y 80. Interpretación musical y proyección
12:00 h: CRECER CON FUTURO. Personas que cambian vidas. Proyección y coloquio.
13:30 h: ASOCIACIÓN CULTURAL BOLLYWOODMANIA MÁLAGA. Anita Reina India: ritmo, inclusión e igualdad. Proyección y danza.
16:00 h: COLEGIO OFICIAL DE PSICOLOGÍA DE ANDALUCIA ORIENTAL. El novio de Tina, amor, control y violencia en la adolescencia. Proyección y coloquio.
17:30 h: ASOCIACIÓN CULTURA ANTONIO MONTES. Diversidad. Proyección, coloquio y danza.
19:00 h: OXFAM INTERMÓN. Los guardianes del agua, TEKUANAES. Proyección y coloquio
Domingo 16 03/03/2024
12:00 h: ACTO INAUGURAL
13:00 h: FUNDACIÓN IDILIQ. Vacaciones con corazón, un viaje de sueños y deseos cumplidos. Proyección y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN MALAGUEÑA ARTE PARA TODOS. La música que llevamos dentro. Proyección y coloquio.
17:30 h: ANSEDH. El reto solidario en las enfermedades raras. Proyección y coloquio.
Lunes 1704/03/2024
10:00 h: FUNDACIÓN HARENA. Voces olvidadas. Proyección y coloquio.
11:30 h: ASOCIACIÓN DYAR: Estableciendo conexiones. Proyección y coloquio.
13:30 h: CEAR. Asilo y refugio, la realidad supera la ficción. Proyección y coloquio.
16:00 h: UMAREFUGIA. Cortos que inspiran e historias que transforman. Proyección y coloquio.
17:30 h: FMAEC. Mis pilares de vida. Proyección y coloquio.
19:00 h: FUNDACIÓN ANDRÉS OLIVARES. Emma & Timoteo con los peques enfermos de cáncer. Proyección y coloquio.
20:30 h: FUNDACIÓN TIERRA DE HOMBRES. La participación de la infancia y la juventud en la defensa de los derechos. Proyección, coloquio y exposición.
4º día
Martes 18 05/03/2024
10:00 h: CRUZ ROJA Y FUNDACIÓN LA CAIXA. El valor de la comunidad en el abordaje de la soledad. Proyección y coloquio.
11:30 h: CODENAF. Es cine, es frontera. Proyección y coloquio.
13:00 h: FUNDACIÓN TELEFÓNICA. Reconectados, la tecnología no tiene edad. Proyección, taller y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN ESPAÑOLA CONTRA EL CÁNCER. El estado de ánimo en los tratamientos oncológicos. Proyección y coloquio.
17:30 h: VOLUNTARIADO CAIXABANK Y UAPO. Sendero Sulayr Solidario. Proyección y coloquio.
19:00 h: ONG DEBRA PIEL DE MARIPOSA. El caso de los intocables. Proyección y coloquio.
20:30 h: AD MÁLAGA DRAGÓN BOAT BCS. Y después del cáncer, ¿qué?, Málaga dragón. Proyección y coloquio.
5º día
Miércoles 196/03/2024
10:00 h: PROGRAMA INCORPORA DE LA CAIXA. Málaga sabe de cine. Proyección y concurso.
11:30 h: ASOCIACIÓN LUPUS MÁLAGA Y AUTOINMUNES. Hay un lobo entre nosotros. Proyección y coloquio.
13:00 h: FUNDACIÓN DON BOSCO SALESIANOS. Empleo en vidas de película. Proyección y coloquio.
16:00 h: TELÉFONO DE LA ESPERANZA. El suicidio en el cine. Proyección y coloquio.
17:30 h: ALTAMAR. Escenas de Altamar, jóvenes en acción. Proyección y taller interpretativo.
19:00 h: APAFIMA. Invisibilidad e incomprensión en Fibromialgia y fatiga crónica. Proyección y coloquio.
20:30 h: ASOCIACIÓN PARKINSON MÁLAGA. Vivir es la meta. Corriendo 100 millas con Parkinson.
Proyección y coloquio.
Jueves 20
10:00 h: FUNDACIÓN CIBERVOLUNTARIOS. Campamento digital. Taller y proyección.
11:30 h: ALCER MÁLAGA. ERC: La influencia de la expresión, del lenguaje y de la cultura en el proceso. Proyección y coloquio.
13:00 h: FEDERACIÓN SALUD MENTAL ANDALUCÍA. El viaje, Fundación Blanca. Proyección y coloquio.
16:00 h: ASOCIACIÓN ALHELÍ. Overwhelmed. Proyección y coloquio.
17:00 h: INPAVI. Aula familiar. Proyección y coloquio.
18:30 h: AFA MÁLAGA. Cortos para recordar. Proyección y coloquio.
Viernes 21
10:00 h: ASOCIACIÓN ARRABAL. La mujer en los oficios del cine. Proyección y coloquio.
11:30 h: FUNDACIÓN HOSPITALARIAS MÁLAGA. Perdóname. Proyección y taller.
13:00 h: MANOS UNIDAS. Los clipmetrajes de Manos Unidas en el Festival de Málaga. Proyección y coloquio.
16:00 h: INCIDE. Minidocumentales de héroes y heroínas locales. Proyección y coloquio.
17:30 h: FUNDACIÓN HÉROES. Héroes de verdad. Interpretación musical y proyección.
18:30 h: FUNDACIÓN AGUA DE COCO. Fanantenana, música para la esperanza. Proyección y coloquio.
20:00 h: PAZ Y DESARROLLO. Arte con propósito: agua para la vida. Proyección y teatro.
Sábado 22 09/03/2024
10:00 h: APROINLA. Misión en el Distrito 3. Proyección y coloquio.
11:30 h: FUNDACIÓN ALONSO QUIJANO. Un cuento en pantalla. Proyección y taller.
13:00 h: ASOCIACIÓN SÍNDROME DE TURNER ANDALUCÍA. Síndrome de Turner. Proyección y coloquio.
16:00 h: ADA LOVELACE. Tejiendo historias de cine. Proyección y taller.
17:30 h: ASOCIACIÓN REDIME. Historias de esperanza. Proyección, taller y coloquio.
19:00 h: FUNDACIÓN ASHA-KIRAN. Cómo sobreviví al Atlántico y cómo aprendí a revivir en España. Proyección y coloquio.
20:30 h: GLSUFAD ESPAÑA. Glsufad World Fashion & Dance Carnival – Awa. Proyección y Danza
Lawrence Kasdan construye una película triste y melancólica con toques de comedia. Un cine muy alejado a sus productos habituales.
William Hurt da vida a Macon Leary, un personaje triste, marcado, como no podía ser de otra manera, por la muerte de su hijo, que transita en la incomodidad. Él no encuentra el confort en la nada de lo que hace.
Sus crónicas de viajes son relatos del disgusto y del tedio. Guías de viaje para los que no les gusta viajar.
La relación con Sarah vive instalada en el reproche continuo y en la falta de sintonía. Más que convivencia es solo cohabitación.
Muriel es la luz, el sol que puede iluminar su vida, pero la tiniebla en la que habita Macon le impide deslumbrase por ese resplandor.
Una película que transita contra corriente, con un protagonista anodino y oscuro, lo más alejado del héroe que nadie pueda imaginar.
Me asombra la belleza de Kathleen Turner.
Me embraga el encanto de Geena Davis.
No quiero olvidar a Amy Wright que interpreta a Rose, esa persona que puede pasa desapercibida, pero que es absolutamente imprescindible en la vida de todos que la rodean.
Mi puntuación: 8,77/10.
Anécdotas y curiosidades de El turista accidental (1988)
Si hay una película que combina drama, humor y ternura con el toque justo de melancolía, esa es El turista accidental.
Estrenada en 1988 y dirigida por Lawrence Kasdan, esta cinta basada en la novela de Anne Tyler nos lleva de la mano de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje con una vida meticulosamente organizada… hasta que se cruza con Muriel Pritchett (Geena Davis), una entrenadora de perros que rompe todos sus esquemas.
Pero más allá de la historia, esta película esconde un montón de detalles interesantes que quizá no conocías. Así que acomódate bien y prepárate para descubrirlos.
🏆 Óscar y reconocimiento: el triunfo inesperado
La película fue nominada a cuatro premios Óscar: Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora y Mejor Actriz de Reparto. Y aquí viene el dato estrella: Geena Davis se llevó la estatuilla a casa por su interpretación de Muriel.
Curiosamente, Davis no era la favorita en las apuestas. Su papel de la excéntrica entrenadora de perros, que logra derretir el corazón de Macon, conquistó tanto al público como a la crítica.
Como dato extra, El turista accidental también se llevó el premio BAFTA al Mejor Guion Adaptado y fue un éxito de taquilla, recaudando más de 32 millones de dólares.
🎭 Una elección de casting casi diferente
Aunque hoy no podemos imaginar a otro Macon Leary que no sea William Hurt, lo cierto es que el papel se ofreció inicialmente a Harrison Ford. Ford rechazó el rol, y ahí es cuando Lawrence Kasdan, quien ya había trabajado con Hurt en Fuego en el cuerpo (1981) y Reencuentro (1983), supo que él era el indicado.
Y menos mal, porque Hurt supo transmitir esa mezcla de apatía, dolor y redención con una maestría impresionante.
📖 Geena Davis ya tenía la novela en el radar
En un giro casi profético, Geena Davis ya conocía la historia antes de ser elegida para el papel. Mientras trabajaba en otra película, solía leer en voz alta la novela de Anne Tyler a su entonces pareja, Jeff Goldblum, mientras él pasaba horas en la silla de maquillaje.
Poco podía imaginar Davis que terminaría interpretando a Muriel en la gran pantalla y ganando un Óscar por ello.
🎶 John Williams, un compositor fuera de su zona de confort
Cuando piensas en John Williams, seguro que te vienen a la mente sus grandes obras épicas: La guerra de las galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico… pero aquí se alejó de los temas grandilocuentes y creó una partitura mucho más contenida e íntima.
Su música en El turista accidental juega un papel clave para resaltar la soledad de Macon y la calidez que Muriel aporta a su vida. Aunque no es una de sus bandas sonoras más recordadas, sí demuestra la versatilidad del compositor.
🐶 El verdadero protagonista: el perro Edward
Si hay un personaje que roba escenas en esta película, es Edward, el perro de Macon. Su temperamento difícil es lo que lo lleva a conocer a Muriel, y de alguna manera, el adiestramiento del perro simboliza el cambio que su dueño también necesita.
Curiosamente, Edward no era un perro cualquiera. Fue entrenado específicamente para el rodaje y tuvo su propio entrenador en el set. Al parecer, se encariñó tanto con William Hurt que a veces se negaba a obedecer las órdenes de los demás.
🎬 El final alternativo que nunca vimos
En el guion original, el final era más ambiguo y dejaba la relación entre Macon y Muriel en el aire. Sin embargo, Lawrence Kasdan decidió darle un cierre más optimista, con Macon finalmente eligiendo a Muriel y dejando atrás su vida monótona.
Fue una decisión acertada, ya que el público conectó con esa sensación de renacimiento emocional.
Conclusión: una joya del cine de los 80
El turista accidental es una de esas películas que, sin hacer demasiado ruido, han dejado huella. Su combinación de drama y humor, su guion brillante y las actuaciones de un reparto en estado de gracia la convierten en una obra que vale la pena revisitar.
Y ahora que conoces todas estas curiosidades, seguro que la ves con otros ojos. ¿Cuál de estos datos te ha sorprendido más? ¡Cuéntamelo en los comentarios! 😉
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Lawrence Kasdan:
Lawrence Kasdan: el guionista y director que definió el cine de los 80 y 90
Cuando hablamos de grandes narradores del cine contemporáneo, pocos nombres destacan tanto como Lawrence Kasdan. Guionista, director y productor, ha sido pieza clave en sagas legendarias y ha dirigido algunas de las películas más memorables de las últimas décadas.
Desde su trabajo en Star Wars hasta sus historias más personales, Kasdan ha demostrado una capacidad única para capturar la complejidad de las relaciones humanas. Y entre todas sus obras, El turista accidental (1988) se alza como una de las más delicadas y conmovedoras.
En este artículo, repasaremos su trayectoria y nos detendremos en los detalles más interesantes de esta joya del cine.
🎬 Los inicios de un narrador nato
Lawrence Kasdan nació el 14 de enero de 1949 en Miami, Florida. Creció en Morgantown, Virginia Occidental, y desde muy joven sintió fascinación por la escritura.
Su sueño inicial era ser novelista, pero al graduarse en Literatura Inglesa en la Universidad de Míchigan, descubrió que no era fácil ganarse la vida con las palabras.
Antes de llegar a Hollywood, trabajó como redactor publicitario, perfeccionando su habilidad para contar historias de manera concisa y efectiva. Esta experiencia le fue invaluable cuando decidió lanzarse como guionista de cine.
Su gran oportunidad llegó cuando vendió su primer guion, El cazador de recompensas, a Warner Bros.. Aunque la película nunca llegó a rodarse, llamó la atención de George Lucas, quien buscaba un guionista para terminar el guion de Star Wars: Episodio V – El Imperio contraataca (1980) tras la muerte de Leigh Brackett.
Kasdan hizo un trabajo brillante y fue recompensado con otra tarea de peso: escribir el guion de En busca del arca perdida (1981), la primera aventura de Indiana Jones.
El éxito de estos proyectos lo catapultó en la industria y le permitió cumplir su sueño: dirigir sus propias películas.
🎥 El salto a la dirección: de Fuego en el cuerpo a El turista accidental
Su debut como director llegó con Fuego en el cuerpo (1981), un thriller erótico protagonizado por William Hurt y Kathleen Turner que revitalizó el cine negro. Su estilo elegante y su capacidad para escribir diálogos afilados lo convirtieron en un director a seguir.
A este éxito le siguió Reencuentro (1983), un drama coral sobre un grupo de amigos que se reúne tras el suicidio de uno de ellos. La película, con un reparto de lujo (entre ellos, Glenn Close, Jeff Goldblum y Kevin Kline), consolidó su reputación como un maestro de las historias humanas.
Kasdan continuó explorando distintos géneros con Silverado (1985), un western clásico con un toque moderno, antes de adentrarse en su obra más introspectiva: El turista accidental (1988).
🧳 El turista accidental: una joya sobre el duelo y las segundas oportunidades
Basada en la novela de Anne Tyler, El turista accidental es la historia de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje que vive atrapado en una rutina monótona tras la muerte de su hijo y la separación de su esposa Sarah (Kathleen Turner).
La vida de Macon da un giro inesperado cuando conoce a Muriel Pritchett (Geena Davis), una extravagante entrenadora de perros que lo ayuda a salir de su letargo emocional.
🔥 Más allá de El turista accidental: la evolución de Kasdan
Tras el éxito de El turista accidental, Kasdan siguió explorando el drama con Grand Canyon (El alma de la ciudad) (1991) y el western con Wyatt Earp (1994). También incursionó en la comedia romántica con French Kiss (1995), protagonizada por Meg Ryan y Kevin Kline.
En los años 2000, su carrera perdió algo de impulso, pero su regreso al universo de Star Wars lo puso de nuevo en el centro de atención. Coescribió Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015) y Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), demostrando que su talento para la aventura seguía intacto.
🎭 El legado de Lawrence Kasdan
Más allá de sus éxitos comerciales, Lawrence Kasdan ha dejado una huella imborrable en el cine.
Su habilidad para combinar emoción, humor e inteligencia en sus historias lo convierte en uno de los grandes narradores de su generación.
Su influencia se extiende a numerosos cineastas actuales, y muchas de sus películas han envejecido de manera impecable, especialmente El turista accidental, que sigue siendo una obra maestra sobre la fragilidad humana y la posibilidad de empezar de nuevo.
Si aún no la has visto, te recomiendo hacerlo cuanto antes. Y si ya la viste, ¿qué es lo que más te impactó de la película? ¡Déjamelo en los comentarios! 😉🎬
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de John Williams:
Aquí tienes un artículo extenso y detallado sobre John Williams, con toda la información que merece este maestro de la música cinematográfica. ¡Prepárate para un viaje épico por la historia del cine a través de sus notas! 🎼🎬
John Williams: El arquitecto sonoro del cine moderno
Si alguna vez has sentido escalofríos al escuchar una melodía en el cine, es muy probable que John Williams estuviera detrás de ella.
Sus composiciones han definido la identidad de sagas icónicas, han marcado generaciones y han convertido bandas sonoras en auténticos personajes dentro de las películas.
Con una carrera que abarca más de seis décadas, Williams es sinónimo de grandeza musical en Hollywood.
En este artículo, exploraremos su vida, su impacto en la industria cinematográfica y las historias detrás de sus bandas sonoras más memorables.
🎹 De Nueva York a Hollywood: Los primeros años de una leyenda
John Towner Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York, en una familia con fuertes raíces musicales. Su padre, Johnny Williams, era percusionista en la CBS Radio Orchestra, lo que permitió al joven John estar expuesto desde niño al mundo de la música.
En 1948, la familia se trasladó a Los Ángeles, donde Williams asistió a la North Hollywood High School. Su talento para la música lo llevó a estudiar composición en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y más tarde en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, donde se especializó en piano.
Durante su estancia en Juilliard, Williams trabajó como pianista de jazz en clubes nocturnos y se ganaba la vida como músico de sesión. Incluso llegó a tocar en grabaciones de leyendas como Henry Mancini.
Tras su formación académica, decidió que su verdadera vocación no era ser concertista, sino compositor. Regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar como arreglista en la industria cinematográfica.
🎼 Los inicios en Hollywood y su relación con el cine
En la década de 1950, John Williams trabajó como pianista de estudio para compositores de renombre como Bernard Herrmann y Franz Waxman. Su primer crédito como compositor en una película llegó en 1958 con Daddy-O, una cinta de serie B olvidada por el tiempo.
Durante los años 60, Williams compuso para numerosas series de televisión y películas menores. Uno de sus primeros éxitos fue la banda sonora de El valle de las muñecas (1967), que le valió su primera nominación al Óscar.
A finales de la década, su versatilidad lo llevó a componer la música para El violinista en el tejado (1971), adaptación cinematográfica del famoso musical de Broadway. Su trabajo en esta película le otorgó su primer Premio Óscar.
Sin embargo, el verdadero punto de inflexión llegó en 1974, cuando un joven director llamado Steven Spielberg le pidió que escribiera la música para su primera gran película: Loca evasión.
🦈 El gran salto a la fama: Tiburón y la era del blockbuster
En 1975, John Williams compuso la banda sonora de Tiburón, dirigida por Steven Spielberg. Su icónico motivo musical de dos notas, que evoca la presencia amenazante del tiburón, se convirtió en uno de los temas más reconocibles de la historia del cine.
Esta banda sonora le valió su segundo Premio Óscar y consolidó su reputación en Hollywood. A partir de aquí, su carrera explotó de manera espectacular.
🌌 El nacimiento de un mito: Star Wars y el regreso de la música sinfónica
Si hay una obra que inmortalizó a John Williams, esa fue Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (1977).
George Lucas, creador de la saga, quería recuperar la majestuosidad de la música sinfónica en el cine, y Williams entregó una banda sonora épica que bebía de los grandes compositores clásicos como Wagner, Holst y Stravinsky.
El tema principal de Star Wars, con su poderosa fanfarria, se convirtió en una de las piezas más reconocibles del siglo XX. La banda sonora no solo ganó el Óscar, sino que fue seleccionada en 2005 por el American Film Institute como la mejor de todos los tiempos.
Desde entonces, Williams ha compuesto la música de casi toda la saga, con excepciones en algunos spin-offs. Su trabajo en El Imperio contraataca (1980) y El retorno del Jedi (1983) consolidó temas icónicos como “La Marcha Imperial” y “El tema de Yoda”.
🎻 Las bandas sonoras que definieron una era
A partir de Star Wars, John Williams se convirtió en el compositor más solicitado de Hollywood. Entre sus trabajos más icónicos destacan:
🎒 En busca del arca perdida (1981)
La fanfarria de Indiana Jones es otro de los temas inmortales de Williams. Su tono aventurero y enérgico se ha convertido en sinónimo del cine de acción clásico.
👽 E.T., el extraterrestre (1982)
Con una de las melodías más conmovedoras del cine, esta banda sonora ganó otro Óscar para Williams. La escena de la bicicleta volando con la luna de fondo es impensable sin su música.
🦕 Parque Jurásico (1993)
El majestuoso tema principal de esta película transmite a la perfección la sensación de asombro y grandiosidad ante la resurrección de los dinosaurios.
📜 La lista de Schindler (1993)
Uno de sus trabajos más emocionales y desgarradores. Su uso del violín solista, interpretado por Itzhak Perlman, le valió su quinto Óscar.
⚡ Harry Potter y la piedra filosofal (2001)
La saga del joven mago no sería lo mismo sin “Hedwig’s Theme”, una pieza mágica y misteriosa que encapsula el espíritu de Harry Potter.
🏆 Premios y legado
A lo largo de su carrera, John Williams ha sido nominado a:
53 premios Óscar (ganando 5).
25 Globos de Oro (ganando 4).
7 Premios BAFTA (ganando 7).
73 Premios Grammy (ganando 25).
Ha trabajado con directores legendarios como Steven Spielberg, George Lucas, Richard Donner, Chris Columbus y Oliver Stone.
Su influencia en la música cinematográfica es incalculable. Ha definido el sonido del blockbuster moderno y ha inspirado a generaciones de compositores.
A sus más de 90 años, John Williams sigue activo y componiendo, dejando claro que su legado seguirá vivo en el cine durante muchas décadas más.
🎶 Conclusión: El maestro de las emociones
Si el cine es un arte que combina imagen y sonido para transmitir emociones, John Williams ha sido su mayor arquitecto sonoro.
Sus partituras no solo acompañan películas, sino que las definen. Su música ha trascendido la pantalla y se ha convertido en parte de la cultura popular.
Y tú, ¿cuál es tu banda sonora favorita de John Williams? ¡Déjalo en los comentarios! 😉🎼🎬
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
En el número 2 de la calle Eugène Manuel, en París…
Al rededor de tres personajes muy diferentes pivota el relato de esta película.
Una niña de once años demasiado inteligente para su familia y su entorno que planea suicidarse el día de su “anniversaire“.
Una arisca, pero correcta, portera que esconde sensibilidad y cultura detrás de las puertas de su portería.
Un elegante, refinado y adinerado japonés que se afinca en ese inmueble de París.
Los tres, cada uno a su manera, son marginados. Los tres se atraen pues comparten inteligencia y el gusto por la cultura.
Paloma, la niña, además filma la realidad cotidiana con su cámara de super ocho, reflexionando sobre lo que ve y escucha. Realizando una dura crítica de la sociedad que la envuelve.
Paloma conoce la muerte, como anécdota y como dolor personal.
El film tiene un bonito aire de cuento trágico y cómico, sentimental y tierno.
Agradezco mucho la recomendación a mi amiga Gema, una joyita que gracias a ella he descubierto.
Mi puntuación: 8,77/10.
El erizo es una película francesa de 2009 dirigida por Mona Achache, basada en la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery.
La historia sigue a Paloma Josse (Garance Le Guillermic), una niña de once años que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños.Durante este tiempo, entabla amistad con Renée Michel (Josiane Balasko), la portera del edificio, y con Kakuro Ozu (Togo Igawa), un nuevo inquilino japonés.Estas relaciones le muestran una nueva perspectiva de la vida.
La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009, logrando una recaudación cercana a los 11 millones de euros.
En España, se estrenó el 11 de diciembre del mismo año y fue galardonada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.Además, recibió el premio del público en el Festival Internacional de Cine de Seattle y fue la gran triunfadora del Festival Internacional de Cine de El Cairo, donde obtuvo cuatro premios, incluyendo el de mejor directora para Mona Achache.
La crítica recibió la película de manera mixta.Mientras que Manuel Yáñez Murillo de Fotogramas destacó las “magníficas interpretaciones” y la comparó con Améliepor su retrato idealizado de la Francia contemporánea,Jordi Costa de El País la calificó como “un sofisticado modelo de cursilería” y la consideró una de las películas más “repugnantes de la temporada”.
El elenco principal lo completan Anne Brochet como Solange Josse (madre de Paloma), Ariane Ascaride como Manuela López, Wladimir Yordanoff como Paul Josse (padre de Paloma) y Sarah Lepicard como Colombe Josse (hermana de Paloma).
El erizo es una reflexión sobre la amistad, la belleza oculta en lo cotidiano y la importancia de mirar más allá de las apariencias.
La película destaca por su narrativa sensible y las sólidas actuaciones de su reparto, ofreciendo una visión profunda de las relaciones humanas y la búsqueda de sentido en la vida.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Mona Achache:
Mona Achache: la sensibilidad cinematográfica de una narradora íntima
Introducción
Desde su debut como directora, Mona Achache ha demostrado una capacidad excepcional para contar historias con una sensibilidad profunda y una mirada que oscila entre la ternura y la crudeza.
Su cine se mueve entre el drama, la comedia y la exploración de lo íntimo, con un enfoque visual elegante y narrativamente sólido.
A lo largo de su carrera, ha sabido trasladar a la pantalla relatos de transformación personal, resiliencia y redescubrimiento, abordando con maestría temas como la infancia, la identidad y el dolor familiar.
Biografía
Mona Achache nació el 18 de marzo de 1981 en París, en el seno de una familia con una fuerte vinculación con la literatura y el cine.
Su madre, Carole Achache, fue una reconocida escritora y fotógrafa, mientras que su padre, Jean Achache, se desempeñó como director y guionista. Además, su abuela materna fue la escritora Monique Lange, y su abuelo materno, el historiador de la ciencia Jean-Jacques Salomon. Este entorno artístico influyó profundamente en su formación y desarrollo creativo.
Desde joven, Achache se interesó por la literatura y el teatro, explorando el lenguaje visual y narrativo antes de dedicarse al cine.
A los 20 años, dio un paso importante en su carrera al dirigir el documental Alma et les autres (2004), que exploraba la experiencia del parto.
La obra tuvo un impacto considerable en Francia, siendo utilizada en más de 500 maternidades para la preparación de futuros padres.
El suicidio de su madre en 2016 marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Al revisar sus archivos personales, Achache descubrió cartas y documentos que revelaban abusos sexuales sufridos por su madre y su abuela. Esta revelación tuvo un fuerte impacto en su vida y la llevó a crear Little Girl Blue, una película documental que examina estas experiencias traumáticas y sus consecuencias generacionales.
Filmografía
A lo largo de su carrera, Mona Achache ha dirigido películas y series en las que combina sensibilidad narrativa, estética refinada y personajes complejos.
Su estilo se caracteriza por el uso de la introspección y el retrato de la transformación emocional de sus protagonistas.
Largometrajes
El erizo (Le Hérisson, 2009)
Este fue su debut en el largometraje y se convirtió en un éxito internacional. Adaptación de la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery, la película narra la historia de Paloma Josse, una niña de 11 años extremadamente inteligente que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños. Su encuentro con Renée Michel, la portera del edificio, y con Kakuro Ozu, un inquilino japonés, cambiará su perspectiva sobre la vida.
La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009 y tuvo una gran acogida, recaudando más de 11 millones de euros a nivel mundial. En España, llegó a los cines el 11 de diciembre del mismo año y obtuvo el Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. También ganó el Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.
Las gacelas (Les Gazelles, 2014)
En este largometraje, Achache cambia de registro y se adentra en la comedia, explorando las relaciones amorosas y la independencia femenina en la treintena.
La película sigue a Marie, una mujer que, tras romper con su pareja de toda la vida, se adentra en el mundo de las relaciones modernas, enfrentándose a la incertidumbre, la frustración y la autoexploración.
Corazones valientes (Cœurs vaillants, 2021)
Esta película histórica está basada en hechos reales y sigue a un grupo de niños judíos que buscan refugio durante la ocupación nazi en Francia. Inspirada en la historia personal de la abuela de Achache, Suzanne Achache-Wiznitzer, la película explora la infancia en tiempos de guerra y la lucha por la supervivencia. Con un guion emotivo y una dirección que enfatiza el punto de vista infantil, la película tuvo un buen recibimiento en festivales de cine europeo.
Little Girl Blue (2023)
Este docudrama es la obra más personal de Achache hasta la fecha. A raíz del suicidio de su madre, la directora descubre cartas y escritos que revelan una historia de abusos y traumas familiares ocultos. Para reconstruir la vida de su madre, Achache combina imágenes de archivo con una interpretación de Marion Cotillard, quien da vida a Carole Achache en pantalla. La película se estrenó en el Festival de Cannes 2023 y recibió elogios por su valentía y su innovador enfoque narrativo.
Cortometrajes
Suzanne (2005): Basado en la historia de su abuela, narra la experiencia de una niña judía escondida durante la Segunda Guerra Mundial.
Wawa (2008): Un cortometraje sobre la infancia y la pérdida.
Televisión
Achache también ha dirigido episodios de diversas series y telefilmes:
Bankable (2012): Telefilme sobre las complejidades del mundo financiero.
Marjorie (2015–2017): Serie sobre una terapeuta y sus pacientes.
Osmosis (2019): Serie de ciencia ficción de Netflix sobre el amor y la tecnología.
Balthazar (2019–2020): Serie policíaca francesa.
HPI: Alta Capacidad Intelectual (Haut Potentiel Intellectuel, 2022): Serie de comedia y drama sobre una mujer con altas capacidades intelectuales que colabora con la policía.
Estilo y Temáticas
El cine de Mona Achache se caracteriza por su enfoque en los personajes y su desarrollo psicológico. Sus películas suelen explorar la identidad, el dolor emocional y la transformación personal. Utiliza una estética visual elegante, con una fuerte influencia literaria y teatral.
En El erizo, por ejemplo, juega con la simbología de la literatura y el cine japonés para reflejar el mundo interior de sus personajes. En Little Girl Blue, innova en el género documental al reconstruir los recuerdos de su madre con una interpretación de Marion Cotillard, creando un híbrido entre la ficción y el documental.
Reconocimientos y Legado
A lo largo de su carrera, Achache ha sido reconocida en diversos festivales y premios:
Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid por El erizo.
Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.
Nominación al César al Mejor Documental 2024 por Little Girl Blue.
Además, Achache es una destacada activista en la lucha por la igualdad de género en la industria cinematográfica y es miembro del colectivo 50/50, que promueve la diversidad en el cine.
Conclusión
Mona Achache ha consolidado una carrera cinematográfica marcada por la sensibilidad y la exploración de la condición humana. Su capacidad para abordar temas profundos con una mirada poética y sincera la ha convertido en una de las directoras más interesantes del cine contemporáneo francés.
Con un futuro prometedor y una filmografía en constante evolución, su obra seguirá dejando una huella en el cine y en la manera en que las historias íntimas pueden conectar con el espectador.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Justo veo esta película el día anterior que se ha premiada en los Oscar como mejor película internacional, desbancando a la gran candidata, Emilia Pérez, que ha sido terriblemente perjudicada por la boca chancla de su protagonista la madrileña Karla Sofía Gascón.
El secuestro del padre por parte de las estructuras de la dictadura brasileña en los años setenta marca el rumbo de una familia.
La existencia feliz de este grupo de personas se ve truncada por ese suceso que determina todo lo posterior.
La madre interpretada por Fernanda Torres tiene que tomar las riendas de la familia y intentará luchar, no ya por el regreso de su esposo, que también, sino por mantener la dignidad familiar y personal.
La película está salpicada de momentos sentimentales y otros tenebrosos como los días de arresto del personaje de Eunice.
Una película muy valiosa que cumple con la doble misión de la denuncia de las injusticias y arbitrariedades de las dictaduras y la defensa de la memoria histórica.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Walter Salles:
Walter Moreira Salles Jr., nacido el 12 de abril de 1956 en Río de Janeiro, Brasil, es un destacado director, guionista y productor de cine brasileño.
Hijo del banquero y embajador Walter Moreira Salles, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro y cine en la Universidad del Sur de California.
Inició su carrera cinematográfica en la década de 1980 realizando documentales.
Su primer largometraje de ficción fue A grande arte (1991). Sin embargo, fue con Tierra extranjera (1995), codirigida con Daniela Thomas, que obtuvo reconocimiento internacional. Esta película fue seleccionada en más de 40 festivales de cine en todo el mundo.
En 1998, Salles alcanzó renombre internacional con Estación central de Brasil, que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y fue nominada a dos premios Óscar: Mejor Actriz para Fernanda Montenegro y Mejor Película Extranjera.
En 2004, dirigió Diarios de motocicleta, una biografía del joven Ernesto “Che” Guevara, que recibió elogios de la crítica y ganó el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes.
Otros trabajos destacados incluyen Detrás del sol (2001), Dark Water (La huella) (2005), En la carretera (2012) y La contadora de películas (2023).
En 2024, Salles presentó Aún estoy aquí, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva. La película aborda la historia de una familia durante la dictadura militar brasileña de los años setenta. Este filme ha sido aclamado internacionalmente, obteniendo el premio al Mejor Guion en la Mostra de Venecia y tres nominaciones a los premios Óscar 2025: Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Actriz para Fernanda Torres, quien ganó el Globo de Oro por su actuación.
Además de su labor como director, Salles ha producido películas significativas como Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles y Madame Satã (2002) de Karim Aïnouz.
A lo largo de su carrera, Walter Salles ha sido reconocido por su habilidad para narrar historias íntimas que reflejan la realidad social y política de Brasil, consolidándose como una figura clave en el cine contemporáneo.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Las cosquillas son una respuesta sensorial y motora compleja que involucra el sistema nervioso central y periférico.
Se presentan en diversas especies animales y tienen implicaciones tanto en la interacción social como en mecanismos de defensa.
Este artículo explora los diferentes tipos de cosquillas, los circuitos neuronales implicados y sus funciones evolutivas y clínicas.
Introducción
Las cosquillas han sido un fenómeno de interés tanto para la neurociencia como para la psicología, ya que combinan respuestas involuntarias con reacciones emocionales.
Existen dos tipos principales: las cosquillas leves o “knismesis“, que generan una sensación molesta sin provocar risa, y las cosquillas intensas o “gargalesis“, que suelen inducir carcajadas y requieren la interacción con otra persona.
Tipos de cosquillas y sus características
Knismesis: Se produce por estímulos ligeros en la piel, como el roce de un insecto. No induce risa y está relacionada con la respuesta de alerta del organismo.
Gargalesis: Se desencadena por presión repetitiva en ciertas zonas sensibles, como las axilas o los pies. Provoca risa involuntaria y está mediada por el sistema límbico y la corteza somatosensorial.
Mecanismo neurofisiológico
Las cosquillas involucran varias estructuras cerebrales y vías neuronales:
Receptores táctiles: Detectan el estímulo mecánico en la piel y envían señales a la médula espinal.
Nervios aferentes: Transmiten la señal a la corteza somatosensorial y al tálamo.
Sistema límbico: Procesa la respuesta emocional y genera la risa en el caso de la gargalesis.
Corteza motora y cerebelo: Coordinan la reacción de defensa o retirada del estímulo.
Funciones evolutivas y adaptativas
Las cosquillas tienen varias hipótesis evolutivas:
Mecanismo de alerta: La knismesis podría haber evolucionado para detectar parásitos o insectos en la piel.
Fortalecimiento de vínculos sociales: La gargalesis es común en juegos entre primates y refuerza relaciones interpersonales.
Desarrollo de habilidades de defensa: La respuesta refleja a las cosquillas en zonas vulnerables podría haber servido para mejorar reacciones de autoprotección.
Personajes famosos y las cosquillas
A lo largo de la historia, varios personajes han sido conocidos por su relación con las cosquillas.
Un ejemplo notable es Charles Darwin, quien estudió el fenómeno de la risa y las cosquillas en su obra sobre la evolución de las emociones en humanos y animales.
También se dice que Wolfgang Amadeus Mozart disfrutaba de hacer cosquillas a su esposa, lo que queda reflejado en algunas de sus cartas personales donde menciona esta actividad de manera juguetona.
Uso de las cosquillas como tortura
A lo largo de la historia, las cosquillas han sido utilizadas como un método de tortura en diversas culturas.
En la antigua China, por ejemplo, se empleaban para castigar sin dejar marcas visibles en el cuerpo.
Durante el Imperio Romano, también se registraron casos de prisioneros atados con los pies expuestos a la lengua de cabras que les lamían con sal, provocando una estimulación insoportable.
El mecanismo detrás de su eficacia como tortura radica en la pérdida de control del cuerpo y la incapacidad de detener el estímulo, lo que genera ansiedad extrema y agotamiento físico.
Cosquillas y enfermedades
Si bien las cosquillas son generalmente inofensivas, en algunos casos pueden estar asociadas con ciertas enfermedades o trastornos neurológicos.
Algunas condiciones en las que pueden jugar un papel incluyen:
Epilepsia gelástica: Un tipo raro de epilepsia en el que las personas experimentan ataques de risa incontrolable, que pueden ser desencadenados por estímulos táctiles como las cosquillas.
Síndrome de Tourette: Algunos pacientes con este trastorno presentan hipersensibilidad a las cosquillas, lo que puede inducir respuestas exageradas.
Neuropatías periféricas: En casos de daño en los nervios periféricos, las cosquillas pueden generar dolor en lugar de la sensación típica de risa.
Implicaciones clínicas
Las cosquillas pueden estar alteradas en diversas condiciones neurológicas:
Hipersensibilidad táctil: En personas con trastornos del espectro autista, la percepción de las cosquillas puede ser excesiva.
Alteraciones en la respuesta emocional: Trastornos como la esquizofrenia pueden modificar la reacción a la gargalesis.
Uso terapéutico: Algunas investigaciones sugieren que la risa inducida por cosquillas puede activar mecanismos de bienestar y reducir el estrés.
Conclusión
Las cosquillas representan una interacción compleja entre el sistema somatosensorial y el sistema emocional. Su estudio aporta información sobre la evolución del comportamiento social y la neurociencia de la percepción táctil. Aún quedan interrogantes sobre su papel exacto en la cognición y la emoción, lo que abre nuevas vías de investigación en neurociencia y psicología.
Referencias
Blakemore, S. J., Wolpert, D. M., & Frith, C. D. (2000). Why can’t you tickle yourself? NeuroReport, 11(11), R11-R16.
Harris, C. R. (1999). The mystery of ticklish laughter. American Scientist, 87(4), 344-351.
Provine, R. R. (2004). Laughing, tickling, and the evolution of speech and self. Current Directions in Psychological Science, 13(6), 215-218.
Morrison, I., Löken, L. S., & Olausson, H. (2010). The skin as a social organ. Experimental Brain Research, 204(3), 305-314.
Brecht, M. (2017). The neurobiology of ticklishness. Philosophical Transactions of the Royal Society B: Biological Sciences, 372(1722), 20160207.
van Doorn, J., Hohwy, J., & Symmons, M. (2014). Can tickling be studied scientifically? Consciousness and Cognition, 23, 1-5. (Incluir referencias científicas y estudios relevantes sobre el tema)
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Cuando se estrenó fuimos toda la familia a una gran sala y la disfrutamos mucho.
Ahora 30 años después la veo con tres hijos y mis dos nietos en el salón de mi casa en una hermosa pantalla en mi recién adquirido home cinema. Una auténtica gozada.
Mis nietos han determinado la proyección de esta sesión de tarde noche. Ya la habían visitado y deciden darle un segundo visionado.
Permanecen atentos todo el metraje.
¡Qué gran actor Robin Williams! ¡Cuánto lo echamos de menos!
Reconozco a una jovencísima Kirsten Dunst.
La película me divierte mucho.
Me da la impresión que ha envejecido muy bien.
Me impacta nuevamente la crueldad de ese cazador. Fernando nos resalta que está interpretado por el mismo actor que da vida al padre de Alan, Jonathan Hyde.
La película cuenta con unos efectos especiales que parecen chapuceros, pero que encajan muy bien con la idea de que son salidos de un juego.
El film habla de las segundas oportunidades, de la importancia del trabajo en equipo y de las infancias perdidas.
Me sigo partiendo de risa con ese rinoceronte rezagado.
Esta producción canadiense funciona como un reloj de precisión en el género del thriller policial.
Un desgastado agente del FBI, al que da vida Jude Law, aterriza en una pequeña ciudad del Oeste, Coeur d’Alene en Idaho. Este policía decide investigar unos atracos que a él le parecen cometidos con fines terroristas.
Ese grupo de fanáticos en los años 80, podrían ser perfectamente en estos años veinte del siglo XXI.
Estos individuos, a los que se han dado en llamar the white trash, son personajes fracasados, envidiosos, violentos, amantes de las armas, medio analfabetos y peligrosos. Culpan a los judíos, a los negros, a los extranjeros de su fracaso. Son los votantes de Trump actuales.
En lugar de encontrar en los ricos y explotadores a los culpables de su pobreza culpan esos “otros”.
La película tiene buenas escenas de atracos y una investigación policial impecable.
De todo el film la escena que más me ha impactado es en la que el personaje interpretado por Nicholas Hoult enseña a dispara a su hijo de cuatro años.
Ya se ha convertido en un clásico del cine de los ochenta.
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La vemos porque ocupa un lugar destacado dentro de la obra de Ennio Marricone, con una música que es más grande que la película.
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En su estreno no obtuvo buenas críticas, pero la defendí entonces y ahora me reafirmo.
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Una película colosal, un derroche de producción, con una fotografía extraordinaria.
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Además los temas planteados son de lo más interesante.
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Por un lado el poder de los jesuitas, y lo molestos que resultaban para el dominio de la Iglesia y de los imperios español y portugués, obstaculizando el comercio de esclavos.
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Por otro lado la redención de Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), que lleva en sus venas el espíritu belicoso.
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La peli se convierte en una denuncia de la esclavitud en Latinoamérica, rompiendo el mito de la bondad de la colonización ibérica y por otro una apología de las luchas perdidas. Los pueblos oprimidos sucumben ante el poderío militar de las potencias, aunque la moral y la ética esté con ellos.
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Me impresiona ver a un joven Liam Neeson, antes de ser Oskar Schindler y de dedicarse a pegar tiros a diestro y siniestro como en sus últimas películas.
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Mi puntuación: 8,78/10.
Curiosidades sobre La misión
Recepción y edición tras Cannes: Después de ganar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, el productor David Puttnam decidió eliminar ocho minutos de la película para mejorar la experiencia del espectador.
Rodaje en locaciones naturales: La película se filmó en diversas locaciones de Argentina, incluyendo la provincia de Misiones, lo que aportó autenticidad a la ambientación selvática de la historia.
Inspiración musical: La banda sonora, compuesta por Morricone, es considerada una de las más destacadas en la historia del cine. El uso del oboe en la película simboliza la conexión entre culturas y juega un papel crucial en la narrativa.
Reconocimientos: Además de la Palma de Oro, la película ganó el Óscar a la Mejor Fotografía para Chris Menges y obtuvo premios BAFTA y Globos de Oro en categorías como Mejor Música y Mejor Guion.
Dirigido por Roland Joffé:
Roland Joffé: Un Director entre la Épica y la Controversia
Cuando se habla de cine histórico con un fuerte componente humano y social, el nombre de Roland Joffé emerge como una referencia ineludible.
Con una filmografía marcada por relatos intensos y personajes complejos, este director británico ha dejado una huella en el cine internacional, aunque no sin despertar polémicas en el camino.
Inicios y Primeros Pasos en la Televisión
Nacido el 17 de noviembre de 1945 en Londres, Joffé comenzó su carrera en la televisión británica.
Trabajó en series como Coronation Street y Bill Brand, donde exploró problemáticas sociales con un enfoque realista.
Su talento para narrar historias con trasfondo político llamó la atención de los productores de cine, lo que lo llevó a su primer gran proyecto cinematográfico.
El Salto a la Gran Pantalla: Reconocimiento y Premios
En 1984, Joffé dirigió Los gritos del silencio, un estremecedor drama sobre el genocidio en Camboya bajo el régimen de los Jemeres Rojos.
La película fue un éxito de crítica y le valió su primera nominación al Óscar como Mejor Director. Su manera de abordar el conflicto, con una mezcla de brutalidad y lirismo, consolidó su prestigio en la industria.
Dos años después, en 1986, dirigió La misión, protagonizada por Robert De Niro y Jeremy Irons. Ambientada en el siglo XVIII, la película narra la lucha de los jesuitas en Sudamérica contra la explotación colonial. Con su impresionante fotografía y una banda sonora icónica de Ennio Morricone, el filme ganó la Palma de Oro en Cannes y recibió varias nominaciones al Óscar, incluyendo una segunda para Joffé como Mejor Director.
Otros Proyectos y Altibajos en su Carrera
A pesar del éxito de sus primeros trabajos, la carrera de Joffé tuvo altibajos.
En 1989 dirigió Creadores de sombras, un drama sobre el desarrollo de la bomba atómica que no logró el mismo impacto que sus predecesores.
En 1992, con La ciudad de la alegría, intentó recrear la esencia de la India con una historia de redención y sacrificio, pero recibió críticas mixtas.
En 1995, su adaptación de La letra escarlata, protagonizada por Demi Moore, fue un fracaso tanto en taquilla como con la crítica.
Sin embargo, en 2000 logró recuperar parte de su reputación con Vatel, un drama histórico sobre la corte francesa del siglo XVII, protagonizado por Gérard Depardieu.
Una Etapa de Controversias
En años más recientes, Joffé ha sido objeto de debate con películas como Encontrarás dragones (2011), que aborda la vida de Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei. La película generó divisiones entre la crítica y el público debido a su enfoque sobre la Guerra Civil Española y su visión del controvertido personaje.
Legado y Estilo Cinematográfico
El cine de Roland Joffé se caracteriza por su énfasis en la emotividad, la belleza visual y la exploración de conflictos morales y políticos.
Aunque su filmografía ha tenido altibajos, su contribución al cine sigue siendo significativa, especialmente por su capacidad para contar historias humanas enmarcadas en grandes acontecimientos históricos.
A día de hoy, sigue siendo una figura interesante y compleja en el cine, un director cuya obra sigue siendo objeto de análisis y discusión.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Ennio Morricone:
Ennio Morricone: El Maestro de las Bandas Sonoras
Si existe un nombre imprescindible en la historia de la música cinematográfica, es sin duda el de Ennio Morricone.
Con más de 500 bandas sonoras en su haber, este compositor italiano no solo revolucionó el cine, sino que lo dotó de una identidad musical inconfundible, elevando la banda sonora a una categoría artística propia.
Primeros Años y Formación Musical
Nacido en Roma el 10 de noviembre de 1928, Morricone mostró un talento excepcional para la música desde temprana edad.
Criado en una familia de músicos, estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia, donde se especializó en trompeta y composición.
Su dominio de la orquestación y su interés por la experimentación sonora fueron claves en la configuración de su estilo único.
El Spaghetti Western y la Alianza con Sergio Leone
El gran salto a la fama de Morricone llegó en los años 60, gracias a su colaboración con el director Sergio Leone.
Juntos redefinieron el género del spaghetti western con películas como:
Por un puñado de dólares (1964)
La muerte tenía un precio (1965)
El bueno, el feo y el malo (1966)
Hasta que llegó su hora (1968)
En estas bandas sonoras, Morricone introdujo innovaciones como el uso de la armónica, el silbido, la guitarra eléctrica y sonidos no convencionales (como latigazos o disparos), creando atmósferas inconfundibles que se convirtieron en parte integral de la narración cinematográfica.
Expandiendo su Estilo: De Hollywood a la Música de Autor
A pesar de ser conocido por sus westerns, Morricone demostró una versatilidad inigualable. Compuso para numerosos géneros y trabajó con directores de renombre como Brian De Palma, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Tornatore y Quentin Tarantino.
Algunas de sus composiciones más memorables incluyen:
La misión (1986), con su conmovedor tema “Gabriel’s Oboe”.
Cinema Paradiso (1988), que capturó la nostalgia del cine y la infancia.
Los intocables de Eliot Ness (1987), un thriller con una partitura intensa y vibrante.
Novecento (1976), un fresco histórico de gran envergadura.
Los odiosos ocho (2015), por la que ganó su primer Óscar competitivo.
Premios y Reconocimientos
A lo largo de su carrera, Morricone recibió innumerables premios, incluyendo:
Un Óscar honorífico en 2007 por su contribución a la música cinematográfica.
El Óscar a la Mejor Banda Sonora por Los odiosos ocho en 2016.
Tres Globos de Oro, un Grammy y un BAFTA.
La Palma de Oro honorífica en el Festival de Cannes.
El Premio Princesa de Asturias de las Artes en 2020, compartido con John Williams.
Legado Eterno
Fallecido en 2020 a los 91 años, Ennio Morricone dejó una huella imborrable en el cine y la música.
Su legado sigue vivo en cada melodía que acompaña a los grandes clásicos del séptimo arte, demostrando que una gran banda sonora no solo refuerza una película, sino que puede trascenderla y convertirse en una obra maestra por derecho propio.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
