Centauros de la Alcarria: Luto por Gene Hackman, porra de los Oscar y odio a Amenaza en el Aire
28/02/2025
Javier P. y Ramón se reúnen para hablar de los estrenos más esperados en los Multicines Guadalajara , con un programa lleno de cine, emoción y grandes historias.
Entre los estrenos más destacados, analizamos A Complete Unknown, el esperado biopic de Bob Dylan protagonizada por Timothée Chalamet, quien opta al Oscar por este papel.
También nos adentramos en Mi única familia, la nueva película de Mike Leigh , que combina humor y drama.
Para los amantes de los romances imposibles, llega El secreto del orfebre, protagonizada por Mario Casas y Michelle Jenner, una historia de amor marcada por el paso del tiempo.
Mientras tanto, la acción y el thriller están asegurados con Amenaza en el aire, protagonizada por Mark Wahlberg y dirigida por Mel Gibson, mucha tensión y Serie B.
En el cine español, Nosotros, de Helena Taberna , explora el amor y el desamor a través de un matrimonio en crisis.
Y para los amantes del thriller nórdico, Los indeseados nos sumergen en una historia de misterio y terror con secretos oscuros y una inquietante atmósfera escandinava.
Además, adelantamos el próximo Proyecto Viridiana, que se celebrará el 6 de marzo a las 20:15 , con la proyección de Tardes de soledad, el documental de Albert Serra sobre el torero Andrés Roca Rey, seguido de un coloquio online con el director, moderado por JA Bayona .
Y seguimos de cerca la evolución del proyecto Cine Alcarria, que vivió un concurrido y exitoso casting en los Multicines Guadalajara para buscar a los actores de los cuatro cortometrajes que se van a rodar este año.
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También nos ponemos de luto para lamentar dos fallecimientos, el de la actriz Michelle Trachtenberg, icono juvenil de los 90 y primera década del 2000, y Gene Hackman, un histórico del cine que nos ha dejado en extrañas circunstancias a la edad de 95 años. Historia del séptimo arte.
En la puerta misma de los Oscar, hacemos nuestra porra de ganadores.
Y sobre todo discutimos mucho, muchísimo por Amenaza en el aire en la Zona Spoiler Total, con un Ramón que casi explota de ira.
🎙️ Un programa lleno de cine, risas y debates que no te puedes perder.
¡Dale al play! 🎬✨
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Tal vez, la trama no es demasiado original. El adolescente malote que enamora a una buena chica…
Este idilio se ve interrumpido por un periodo de diez años. Tras el regreso…
Esta película visitó Cannes y ha obtenido un César al mejor actor secundario a Alain Chabat, con 12 nominaciones más.
Es posible que la dirección de Gilles Lellouche sea pretenciosa, pero he de afirmar que consigue unos bonitos planos que impactan en mi retina, con algunas decisiones de dirección cuestionables, pero que a mí me entusiasman. Hay un loable afán de ser original, consiguiéndolo en más de una ocasión.
Los momentos violentos están bien filmados y el uso del sonido resulta muy impactante.
Adèle Exarchopoulos está colosal, como suele ser habitual en ella, dotando a su personaje de intensidad y dramatismo, consiguiendo que el espectador comprenda ese amor sin razones.
Muy orgánica la interpretación de François Civil que consigue combinar furia, violencia y sensibilidad.
Vincent Lacoste es un actor que me cae como el culo. Aquí interpretando el papel de rico gilipollas consigue que mi animadversión hacia él aumente. No es nada personal, pero te detesto Vincent.
Una pena que esta película no haya sido estrenada en los Multicines Guadalajara.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Gilles Lellouche:
Gilles Lellouche, nacido el 5 de julio de 1972 en Savigny-sur-Orge, Francia, es un destacado actor y director francés.
Inició su carrera dirigiendo cortometrajes y videoclips musicales antes de consolidarse como actor en la industria cinematográfica francesa.
Trayectoria como actor
A lo largo de su carrera, Lellouche ha participado en más de cincuenta películas desde su debut en 1995.
Ha sido nominado en dos ocasiones a los premios César: en 2006 como Mejor Actor Revelación y en 2011 como Mejor Actor de Reparto por su actuación en Pequeñas mentiras sin importancia (Les Petits Mouchoirs).
Entre sus papeles protagónicos más destacados se encuentran:
Quiéreme si te atreves (Jeux d’enfants, 2003): Interpretó a Sergei Nimov Nimovitch en esta comedia romántica dirigida por Yann Samuell, que narra la historia de dos amigos de la infancia que llevan su juego de desafíos a lo largo de sus vidas.
El gran baño (Le Grand Bain, 2018): Además de dirigir, Lellouche actuó en esta comedia dramática sobre un grupo de hombres que forman un equipo de natación sincronizada. La película fue aclamada por la crítica y obtuvo múltiples nominaciones a los premios César.
BAC Nord: Brigada Anticriminal (BAC Nord, 2020): Interpretó a Grégory Cerva en este thriller policial dirigido por Cédric Jimenez, que sigue a una unidad de policía en Marsella enfrentando desafíos en barrios conflictivos.
Kompromat (2022): Encarnó a Mathieu en este thriller basado en hechos reales, donde un funcionario francés en Rusia es acusado injustamente de delitos graves y debe luchar por su libertad.
Astérix y Obélix: El reino medio (Astérix et Obélix: L’Empire du Milieu, 2023): Asumió el icónico papel de Obélix en esta comedia de aventuras dirigida por Guillaume Canet, que lleva a los famosos galos a China.
Faceta como director
En 2018, Lellouche dirigió El gran baño (Le Grand Bain), una comedia dramática que recibió elogios de la crítica y fue nominada en diez categorías en los premios César 2019, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
En 2024, presentó L’Amour ouf, una ambiciosa película de casi tres horas que explora diversas emociones y estilos cinematográficos.
Basada en la novela Jackie loves Johnser OK? de Neville Thompson, la película mezcla géneros que van desde musicales hasta cine negro, narrando la compleja historia de amor entre Jackie y Clotaire en el norte de Francia durante los años 80.
Vida personal
Además de su carrera profesional, Lellouche ha mostrado un lado personal entrañable al adquirir en 2024 la casa de su infancia en Fontainebleau. Este gesto tuvo como objetivo ayudar a sus padres y proporcionar un lugar de reunión familiar, demostrando su apego a sus raíces y su compromiso con la familia.
Conclusión
Gilles Lellouche continúa siendo una figura influyente en el cine francés, tanto delante como detrás de las cámaras, aportando su talento y versatilidad a cada proyecto en el que participa.
El director islandés Erlingur Thoroddsen compone un thriller con elementos de terror que se desarrolla en dos tiempos.
La dobe historia terminará convergiendo de manera, para mí, inesperada.
Por un lado el relato de los sufrimientos de los muchachos ingresados en un correccional de los años ochenta. Por otro la investigación que realiza el personaje al que da vida el fornido Jóhannes Haukur Jóhannesson, marcado por el suicidio de su esposa y por la mala relación con su hija víctima de las burlas de sus compañeras de instituto.
Siempre insisto en lo mismo. El cine nórdico está muy alejado del paraíso que siempre hemos tenido de estos países fríos y oscuros.
La película es triste, incluso sórdida, con un cierto aire fúnebre.
Cine, tal vez, prescindible, pero que a mí siempre me interesa y me perturba.
Por nada del mundo querría vivir en países así.
Mi puntuación: 6,67/10.
Dirigido por Erlingur Thoroddsen:
Erlingur Óttar Thoroddsen: el maestro islandés del terror psicológico
Erlingur Óttar Thoroddsen es un director y guionista islandés nacido el 27 de abril de 1984.
Su cine se ha convertido en un referente del terror y el suspense psicológico, destacando por su capacidad para crear atmósferas inquietantes y tramas que exploran los miedos más profundos del ser humano.
Desde sus primeros cortometrajes hasta su consolidación en el cine internacional, ha demostrado ser una de las voces más prometedoras del género.
Orígenes y formación: un islandés en Nueva York
Desde muy joven, Thoroddsen se sintió atraído por las historias de terror y lo sobrenatural, influenciado por el folclore islandés y el cine de directores como John Carpenter y David Cronenberg. Esta pasión lo llevó a estudiar en la Universidad de Columbia en Nueva York, donde se graduó en 2013 en Dirección de Cine.
Durante sus años en Columbia, dirigió varios cortometrajes que exploraban el miedo y la psicología humana, sentando las bases de su estilo cinematográfico. Fue en esta etapa cuando comenzó a desarrollar Child Eater, su ópera prima, basada en uno de sus propios cortometrajes.
Carrera cinematográfica: entre lo sobrenatural y el thriller psicológico
La filmografía de Thoroddsen está marcada por una constante exploración del miedo, ya sea a través de criaturas sobrenaturales o de traumas psicológicos que persiguen a sus protagonistas.
Sus películas han sido aclamadas por su atmósfera inquietante y su capacidad para combinar el terror con el drama psicológico.
Child Eater (2016)
Basada en su cortometraje homónimo, esta película narra la historia de un monstruo que se alimenta de la vista de los niños.
Con un estilo que recuerda al cine de Wes Craven y Guillermo del Toro, Child Eater se presentó en varios festivales de terror, consolidando a Thoroddsen como un director con un talento especial para el horror clásico y el suspense.
📌 La película se estrenó en España con el mismo título original, sin traducción al español.
Rift (Rökkur) (2017)
Con un giro más psicológico, Thoroddsen presentó en 2017 Rift, un thriller inquietante que sigue a dos exnovios que se reencuentran en una cabaña aislada tras su ruptura.
Lo que comienza como un intento de reconciliación pronto se convierte en una pesadilla cuando extrañas presencias empiezan a acecharlos.
La película fue el cierre del 40º Festival Internacional de Cine de Gotemburgo y le valió el Premio a la Realización Artística en el Outfest de 2017, consolidando su reputación como un cineasta innovador dentro del género.
📌 En Islandia, el filme se estrenó con su título original, Rökkur, pero en España se ha conocido como Rift.
The Piper (2023)
Dando un salto al terror gótico, Thoroddsen dirigió The Piper, una reinterpretación oscura de la leyenda del Flautista de Hamelín.
La película sigue a una compositora que, al completar la última obra inacabada de su mentor fallecido, desata una maldición que amenaza con consumirla.
Rodada en Bulgaria y protagonizada por Charlotte Hope y Julian Sands, The Piper destacó por su cuidada dirección artística y su capacidad para reinterpretar un cuento clásico con una estética aterradora.
📌 En España, la película se estrenó como El Flautista, adaptando su título para mayor reconocimiento del público.
Los indeseados (Kuldi / Cold) (2025)
Su proyecto más reciente es Los indeseados, una adaptación de la novela homónima de la reconocida autora islandesa Yrsa Sigurðardóttir.
Este thriller psicológico entrelaza el pasado y el presente en una historia donde los secretos enterrados resurgen con consecuencias aterradoras.
Estrenada en España el 28 de febrero de 2025, la película ha sido elogiada por su atmósfera opresiva y su narrativa intrigante, convirtiéndose en uno de los estrenos de terror más esperados del año.
📌 El título original es Kuldi en islandés y Cold en inglés, pero en España se ha traducido como Los indeseados.
Un estilo visual único: entre lo real y lo onírico
Lo que distingue a Thoroddsen de otros directores de terror es su enfoque atmosférico y psicológico.
Sus películas no dependen únicamente de los sobresaltos (jump scares), sino que construyen una tensión constante basada en el aislamiento, la incertidumbre y el terror psicológico.
Algunos rasgos clave de su estilo incluyen:
Entornos aislados: Sus historias suelen desarrollarse en lugares remotos como cabañas, pueblos abandonados o casas antiguas, lo que refuerza la sensación de desamparo.
Narrativas ambiguas: Juega con la percepción del espectador, dejando abiertas muchas interpretaciones sobre si lo que ocurre es real o fruto de la mente de los personajes.
Uso del folclore: Se inspira en mitos y leyendas, dándoles un giro moderno y aterrador.
Fotografía sobria y envolvente: Utiliza tonos fríos, iluminación tenue y encuadres que aumentan la sensación de claustrofobia y tensión.
Reconocimientos y futuro
Además de los premios obtenidos por Rift, Thoroddsen ha sido reconocido en festivales internacionales por su contribución al cine de terror.
Con cada película, expande los límites del género y demuestra que el miedo puede explorarse de maneras innovadoras y sofisticadas.
Actualmente, se encuentra trabajando en nuevos proyectos que seguirán explorando las complejidades de la mente humana y el miedo latente en lo cotidiano.
Su ascenso en la industria es una prueba de que el cine de terror sigue evolucionando, y Erlingur Óttar Thoroddsen es, sin duda, una de las figuras clave en esta transformación.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Estos animales que hablan y se comportan como personas, pero que no llevan pantalones ni calzoncillos, siempre me han perturbado. Me refiero también del pato Donald, claro.
Este extraño oso abandona Londres con su recién estrenado pasaporte para viajar a su país de origen y acompañar a su tía Lucy.
A esta familia de gilipollas la recibe una madre superiora a la que da vida, una sonriente, pero turbadora, Olivia Colman, que es con ventaja, lo mejor de la película.
Una película colorista bien fotografiada y con unos efectos especiales aceptables.
El film se esfuerza en ser gracioso, pero está lejos de conseguirlo, en muchas escenas, la ridícula interpretación de los personajes, ocasiona más que risas sentimientos de vergüenza ajena.
Bastante aburrida y lamentable.
¡Por favor Paddington ponte ropa interior!
Mi puntuación: 3,60/10.
Dirigido por Dougal Wilson:
Dougal Wilson: del arte publicitario al cine con Paddington
Dougal Wilson es un director británico nacido en agosto de 1971 en Heswall, Merseyside, Inglaterra.
Antes de incursionar en el cine, se hizo un nombre en el mundo de la publicidad y los videoclips, destacándose por su estilo visual ingenioso y narrativas conmovedoras.
En 2024, dio el salto a la gran pantalla con Paddington: Aventura en la selva, la esperada tercera entrega de la saga del osito más querido del cine.
De la ciencia a la creatividad: los inicios de Dougal Wilson
Desde pequeño, Wilson mostró interés por la música y el diseño. Durante su adolescencia, participó en varias bandas, pero fue su fascinación por el cine—despertada por 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick—lo que realmente lo marcaría. A pesar de esta inclinación artística, estudió ciencias naturales en la Universidad de Durham, donde se graduó en 1992.
Durante su etapa universitaria, comenzó a diseñar carteles para conciertos y obras de teatro, lo que le abrió las puertas a la dirección.
Su gran revelación llegó al escuchar en la radio una entrevista con Ridley Scott y Alan Parker, quienes contaban cómo habían iniciado sus carreras dirigiendo anuncios publicitarios.
Inspirado por ellos, Wilson comenzó a trabajar como redactor en la agencia publicitaria Leith en Edimburgo, donde dirigió su primer anuncio antes de trasladarse a Londres para impulsar su carrera.
Maestro de la publicidad y los videoclips
El sello distintivo de Dougal Wilson es su habilidad para contar historias emotivas en poco tiempo, combinando creatividad visual con humor y ternura.
A lo largo de su carrera, ha trabajado con marcas de renombre como:
Apple
IKEA
Orange
Stella Artois
Olympus
AT&T
Coca-Cola
Sin embargo, sus trabajos más icónicos han sido los anuncios navideños para John Lewis & Partners, una tradición anual en el Reino Unido.
Entre sus campañas más memorables están:
“The Long Wait” (2011)
“The Journey” (2012)
“Monty the Penguin” (2014)
“Buster the Boxer” (2016)
“Excitable Edgar” (2019)
En 2016, dirigió “We’re the Superhumans” para Channel 4, un inspirador anuncio para los Juegos Paralímpicos de Río de Janeiro, aclamado por su energía y mensaje de superación.
En el ámbito musical, Wilson ha trabajado con artistas como:
Benny Benassi – “Satisfaction” (Versión 2)
LCD Soundsystem – “Tribulations”
Will Young – “Who Am I”
Basement Jaxx – “Take Me Back to Your House”
Jarvis Cocker – “Don’t Let Him Waste Your Time”
Bat for Lashes – “What’s a Girl to Do?”
Goldfrapp – “Happiness” y “A&E”
Coldplay – “Life in Technicolor II”
Su talento para crear mundos visualmente impactantes en pocos minutos lo convirtió en uno de los directores de videoclips más innovadores de su generación.
El salto al cine con Paddington
En junio de 2022, se anunció que Wilson debutaría en el cine con Paddington: Aventura en la selva (Paddington in Peru), la tercera entrega de la exitosa saga protagonizada por el entrañable oso.
La película se estrenó el 8 de noviembre de 2024 en el Reino Unido y recibió críticas positivas tanto de la prensa como del público. La cinta mantiene el espíritu cálido y aventurero de las anteriores entregas, combinando el humor británico con una trama llena de emoción.
Dirigir una franquicia tan querida suponía un reto, pero Wilson demostró estar a la altura, aportando su característico ingenio visual a la historia.
Un director con visión única
El trabajo de Dougal Wilson se distingue por su creatividad, su habilidad para conectar con las emociones del espectador y su estilo narrativo fresco.
A lo largo de su carrera, ha demostrado ser un maestro en la publicidad y los videoclips, y su paso al cine con Paddington: Aventura en la selva confirma que es un director con mucho más por ofrecer.
Con su combinación de humor, ternura y originalidad visual, Wilson promete seguir sorprendiendo en el mundo del cine, manteniendo su esencia única que lo ha convertido en uno de los talentos más interesantes del panorama audiovisual.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Comienzo esta película con nulas expectativas y bastante desanimado, pero coforme avanza el metraje observo con sorpresa como la trama alcanza niveles adultos más reflexivos de lo esperado.
Las tribulaciones de este Michael Keaton setentón que es padre y va a ser abuelo me van interesando.
Pero los momentos estelares de esta comedia dramática corren a cargo de una extraordinaria Mila Kunis que deslumbra con una interpretación brillante.
Una película que da más de lo que prometía en principio.
Mi puntuación: 6,58/10.
Dirigido por Hallie Meyers-Shyer:
Hallie Meyers-Shyer es una cineasta y actriz estadounidense, nacida el 26 de julio de 1987 en Los Ángeles, California.
Hija de los reconocidos directores Nancy Meyers y Charles Shyer, creció inmersa en el mundo del cine, lo que influyó significativamente en su carrera.
Inicios en la actuación
Desde temprana edad, Meyers-Shyer participó en pequeñas apariciones en películas dirigidas por sus padres.
Entre sus créditos se incluyen:
El padre de la novia (1991) como la niña de las flores.
Me gustan los líos (1994) como una niña en el granero.
El padre de la novia II (1995) como Annie Banks a los 7 años.
Tú a Londres y yo a California (1998) como Lindsay.
¿En qué piensan las mujeres? (2000) como la chica en el mostrador del almuerzo.
El misterio del collar (2001) como la chica en la demostración.
Curiosamente, los personajes principales de Tú a Londres y yo a California llevan los nombres de Hallie y Annie, en honor a ella y a su hermana mayor.
Formación académica
Asistió a la Crossroads School y, posteriormente, se inscribió en la Universidad del Sur de California para estudiar escritura de guiones.Más tarde, se trasladó a The New School, donde se graduó en literatura.
Carrera como directora y guionista
En 2017, Meyers-Shyer debutó como directora y guionista con la comedia romántica De vuelta a casa (Home Again), protagonizada por Reese Witherspoon.La película sigue a una madre soltera de 40 años que permite que tres jóvenes cineastas se alojen en su casa, lo que conduce a situaciones inesperadas y cómicas.
Su segundo largometraje, Con el agua al cuello (Goodrich), se estrenó en cines el 18 de octubre de 2024.
La película está protagonizada por Michael Keaton y Mila Kunis.
La trama se centra en Andy Goodrich (Keaton), un comerciante de arte cuya vida da un giro inesperado cuando su esposa ingresa en un programa de rehabilitación de 90 días, dejándolo a cargo de sus gemelos de nueve años.
Para enfrentar este desafío, busca la ayuda de su hija mayor, Grace (Kunis), con quien tiene una relación tensa.
Estilo y visión cinematográfica
Meyers-Shyer ha sido influenciada por el trabajo de sus padres, pero ha desarrollado una voz propia en la industria.
Sus películas suelen explorar las complejidades de las relaciones familiares y personales, combinando elementos de comedia y drama para ofrecer narrativas auténticas y emotivas.
En Con el agua al cuello, por ejemplo, aborda la evolución de la dinámica padre-hija, inspirada en sus propias experiencias familiares.
Vida personal
En agosto de 2018, se comprometió con el empresario tecnológico Ophir Tanz, con quien llevaba saliendo casi seis años en ese momento.
Legado familiar
El 27 de diciembre de 2024, su padre, Charles Shyer, falleció a los 83 años tras una breve enfermedad.Shyer fue conocido por dirigir y coescribir comedias exitosas como Private Benjamin y El padre de la novia.Su legado en la industria cinematográfica perdura, y Hallie continúa honrando esa herencia a través de su propio trabajo.
Hallie Meyers-Shyer sigue consolidándose como una cineasta talentosa, aportando perspectivas frescas y personales al cine contemporáneo.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Ayer miércoles 26 de febrero, en el Teatro Real, tuvo lugar la presentación en Madrid de la próxima edición del 28 Festival de Málaga, que se celebra del 14 al 23 de marzo en Málaga, donde contamos con la presencia de gran parte de los equipos de las películas de Sección Oficial, Málaga Premiere, Zonazine, y resto de las secciones que participaran en esta edición
Los directores:
Gracia Querejeta, Dani Guzmán, Julio Medem, Santi Amodeo, Javier Veiga, Celia Rico, Gemma Blasco, Alberto Morais, Gala Gracia, Belén Funes, Gerad Oms, Ingride Santos, Eva Libertad, Ana Lambarri, Avelina Prat, David Valero, Javier Polo, Yolanda Centeno, Álex San Martín, Alberto Utrera, Manuel Ríos San Martín, Gala del Sol, Cristina Galán, David Suárez, Àlex Serra Alcina, Mireia Labazuy Mulero, Clàudia Vila Masvidal, Miguel A. Almanza, Víctor Castilla, Kike Mesa, Fran Campos, Javier Ruiz, Jaime Bartolomé Rodríguez, Sergio Rodrigo, Pedro Carrillo, Sara Fantova y José Enrique March, entre otros.
Los actores :
Loreto Mauleón, Dani Rovira, Ana Rujas, Susana Abaitua, Patrick Criado, Eva Ugarte, Dani Ibáñez, Manolo Sólo, Oriol Pla, Álvaro Cervantes, Carlos Scholz, Nadia de Santiago, Stephanie Magnin, María Valverde, Iván Sánchez, Javier Pereira, Mariano Peña, Javier Coronas, Raul Tejón, Omar Banana, Daniel Grao, Aria Bedmar, Víctor Palmero, Elena Rivera, Manu Baqueiro, Marta Hazas, Carla Díaz, Carlos González, Yenesi, Lucía Caraballo, María Isasi,, Roger Casamajor, Ángela Cervantes, Andrés Gertrúdix, Vicente Romero, Alfonso Lara, Carol Rovira, Ruth Gabriel , Kimberley Tell, Santi Alverú, Alejandro Vergara, Laia Manzanares, Bianca Kovacs, Lucas Platero, Blanca Martínez Rodrigo, Miguel Ángel Jiménez, Boré Buika, Martin Urrutia, Claudia Portalo, Vito Sanz, Marta Belenguer, Luna Fulgencio, Lorena López, José Miguel López, Olaia Aguayo, Josean Bengoetxea, Paqui Horcajo, Elvira Lara, Mamen Camacho, José-Luis Ferrer, Latifa Drame, Ingride Santos, Judith Alvarez Vargas, Asaari Bibang, Daniel Horvath, Iñaki Ardanaz, Ana del Arco, Marta Romero, Mateo Medina, Raúl Navarro, Elena Martínez, Eva Picazo, Hug Casals Rotllán, Miquel Roig, David Suárez, Thais Curia, Sergio Bezos, Ana Janer, entre otros
Un total de 22 películas, 15 españolas y 7 latinoamericanas, concursarán en la Sección Oficial del 28 Festival de Málaga
El certamen se celebra del 14 al 23 de marzo con 260 audiovisuales en sus diferentes secciones y su consolidada área de Industria MAFIZ
26/02/25.- El Festival de Málaga despliega la gran alfombra roja del cine en español en su 28ª edición,del 14 al 23 de marzo, con una programación que acogerá 260 audiovisuales entre todas sus secciones (largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes, series de TV, etc) y una gran variedad de contenidos y actividades paralelas para todos los públicos y un nuevo espacio, La Villa del Mar, en la playa de la Malagueta. Asimismo, el certamen malagueño se convertirá de nuevo en punto de encuentro del audiovisual en español en su consolidada área de Industria MAFIZ.
El Festival de Málaga está organizado por el Ayuntamiento de Málaga y Málaga Procultura, con el apoyo del Ministerio de Cultura (a través del ICAA) y la Diputación de Málaga; con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Consejería de Turismo y Andalucía Exterior y la Consejería de Cultura y Deporte; con Repsol como partner multienergía y con RTVE,Atresmedia, Fundación ”la Caixa”, Cervezas Victoria, Iryo y Diario SUR, como patrocinadores oficiales.
Hoy ha tenido lugar en la sede de la Academia de Cine en Madrid el encuentro con los directores y productores de las películas que conforman la Sección Oficial de esta edición, que han conversado con el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar y Fernando Méndez-Leite, presidente de la Academia.
La Sección Oficial a concurso incluye 22 películas (15 españolas y 7 latinoamericanas). A ellas hay que sumar 21 películas (16 españolas y 5 latinas) en sección Oficial no competitiva, incluida la clausura, que por primera vez será una serie, Mariliendre, de Javier Ferreiro, producida para Atresmedia en colaboración con SUMA Content por Javier Calvo y Javier Ambrossi y cuyo estreno ha causado una gran expectación.
Han asistido en representación de la Sección Oficial a concurso: Daniel Guzmán, director de La deuda, película de inauguración; Sara Fontova, directora de Jone, a veces (Jone, Batzuetan); Celia Rico, directora de La buena letra; Eva Libertad, directora de Sorda; Gracia Querejeta, directora de La buena suerte; Gerard Oms, director de Molt Lluny (Muy lejos); Belén Funes, directora de Los tortuga; Alberto Morais, director de La terra negra; Avenila Prat, directora de Una quinta portuguesa; Gala Gracia, directora de Lo que queda de ti; David Baute, productor de Sugar Island, dirigida por Johanné Gómez Terrero; Gemma Blasco, directora de La furia; Ana Lambarri, directora de Todo lo que no sé; Santi Amodeo, director de El cielo de los animales; Ingride Santos, directora de Ruido; David Barrera, productor de Ravens, dirigida por Mark Gill.
No han podido asistir, pero han enviado un vídeo: Matilde Tute Vissani, directora de Nunca fui a Disney; Vinko Tomičić, director de El ladrón de perros; Gerardo Minutti, director de Perros; Valeria Bertuccelli y Mora Elizalde, directoras de Culpa cero; Adolfo Dávila, director de Violentas mariposas; y Carlos Armella, director de El diablo en el camino.
Juan Antonio Vigar ha desgranado los contenidos de esta nueva edición del Festival de Málaga. En cuanto a la participación, este año se han inscrito un total de 2.745 audiovisuales (frente a los 2.557 de la pasada edición, un 7,3% más), para un total de 260 audiovisuales seleccionados, procedentes de 54 países, lo que demuestra el importante posicionamiento internacional del festival, con un conjunto de títulos que son una radiografía del audiovisual en español de los últimos meses.
El director del Festival ha destacado “ algunos datos muy interesantes, que conforman la radiografía de nuestro festival: un 65% de las inscritas son españolas, lo que demuestra que somos el Festival referencia del cine español. Además, hemos recibido 822 audiovisuales latinoamericanos, lo que refleja el importante prestigio y nuestro posicionamiento creciente en los territorios hermanos. Un 9% son coproducciones, fiel reflejo del dinamismo de las coproducciones españolas (255). Y un dato que nos gusta especialmente: somos un festival que sigue siendo impulsor del talento emergente, con un 33%, 904 óperas primas, de las inscritas”.
Vigar ha destacado que, de las 2.745 películas inscritas, 977 han sido dirigidas por mujeres, lo que significa un 35,5% del total; mientras que, de las seleccionadas, 100 han sido dirigidas por mujeres, un 38,5%, “lo que supone prácticamente el mismo promedio de películas inscritas dirigidas por mujeres, con lo que mantenemos la proporcionalidad y, con ello, el compromiso ya histórico con el cine hecho por mujeres. Y de los 22 largometrajes de Sección Oficial a competición, 13 han sido dirigidas por mujeres, lo que significa prácticamente el 60% del total (cifra que además se mantiene en el caso de películas producidas por mujeres en esta misma sección), así que, por primera vez en la competición de nuestro festival, las mujeres directoras superan a los hombres”.
Contenidos
La Sección Oficiala concurso incluirá 22 películas (15 españolas y 7 latinoamericanas). A ellas hay que sumar 21 películas (16 españolas y 5 latinas) en sección Oficial no competitiva, incluida la clausura.
A las españolas ya anunciadas – La buena letra, de Celia Rico; La buena suerte, de Gracia Querejeta; La furia, de Gemma Blasco; Los tortuga, de Belén Funes y Sorda, de Eva Libertad- se suman El cielo de los animales, de Santi Amodeo; Jone, batzuetan, de Sara Fantova; La terra negra, de Alberto Morais; Lo que queda de ti, de Gala Gracia; Molt Lluny (Muy lejos), de Gerad Oms; Ruido, de Ingride Santos; Todo lo que no sé, de Ana Lambarri; Una quinta portuguesa, de Avelina Prat y Ravens, de Mark Gill. Y como película inaugural, La deuda, el nuevo trabajo del actor y director Daniel Guzmán.
Junto a éstas, las latinoamericanas Culpa cero, de Valeria Bertucelli y Mora Elizalde (Argentina); El ladrón de perros, de Vinko Tomicic (Bolivia, Chile, México, Ecuador, Francia e Italia); El diablo en el camino, de Carlos Armella (México y Francia); Nunca fui a Disney, de Matilde Tute Vissani (Argentina); Perros, de Gerardo Minutti (Uruguay y Argentina); Sugar Island, de Johanné Gómez (República Dominicana y España) y Violentas mariposas, de Adolfo Dávila (México).
Y en Sección oficial fuera de competición, las españolas 8, de Julio Medem; Enemigos, de David Valero; Aullar, de Sergio Siruela; Faisaien irla (La isla de los fasisanes), de Asier Urbieta; Hamburgo, de Lino Escalera; La huella del mal, de Manuel Ríos San Martín; La niña de la cabra, de Ana Asensio; Los aitas, de Borja Cobeaga; Pequeños calvarios, de Javier Polo; Playa de lobos, de Javier Veiga; También esto pasará, de María Ripoll; Tierra de nadie, de Albert Pintó; Tras el verano, de Yolanda Centeno; Un año y un día, de Alex San Martín; Uno Equis Dos, de Alberto Utrera y Vírgenes, de Álvaro Díaz Lorenzo.
Y en cuanto a las latinas fuera de concurso, estarán Lo que quisimos ser, de Alejandro Agresti (Argentina y Francia) -director al que se le otorgará una Biznaga honorífica a toda su carrera-; Mazel Tov, de Adrián Suar (Argentina); El casero, de Matías Luchessi (Argentina y Uruguay); Una muerte silenciosa, de Sebastián Schindel (Argentina) y Mensaje en una botella, de Gabriel Nesci, también de Argentina.
El jurado de la Sección Oficial estará formado por la actriz argentina Mercedes Morán (presidenta); la actriz española Irene Escolar; el director español Carlos Marqués-Marcet; la actriz chilena Daniela Vega; la directora Pilar Palomero; la actriz Belén Cuesta; el cantante del grupo Vetusta Morla y gran cinéfilo, Pucho, y la directora del Festival de Guadalajara (México), Estrella Araiza.
Además, el Festival contará con Zonazine, una apuesta por el nuevo cine que cumple ya 22 años; las secciones de Cortometrajes; Documentales y Mosaico: Panorma Internacional, donde habrá ocho películas no latinoamericanas que han cosechado importantes premios en festivales. Además de la sección Afirmando los derechos de las mujeres, donde se han seleccionado 11 audiovisuales de los 347 inscritos.
En la selección de Series (sección oficial no competitiva), participan, además de Mariliendre en clausura: La canción, creada y escrita por Pepe Coira y Fran Araújo y dirigida por Alejandro Marín (Movistarplus+ y Buendía Estudios); Perdiendo el juicio, creada por Jaime Olías y dirigida por María Togores, Pablo Guerrero y Humberto Miró (Atresmedia en colaboración con Boomerang TV) y Weiss & Morales, dirigida por Oriol Ferrer y Lucía Estévez de Portocabo, NADCON, y ZDF STUDIOS en colaboración con RTVE y ZDF.
En cuanto a la sección gastronómica del Festival, Cinema Cocina, en colaboración con Lumen, Producciones Gastronómicas y patrocinada por Cervezas Victoria, participan largometrajes y cortometrajes documentales inéditos españoles e iberoamericanos. Habrá 12 documentales (7 largometrajes y 5 cortometrajes) provenientes de España, México, Argentina, Francia y Portugal, que optan a las biznagas de plata de esta sección, que contará además con las ya habituales mesas redondas y Cena de Gala en el Gran Hotel Miramar.
Tecnología y cultura
Y este año, y como ya ha adelantado Vigar en algunas ocasiones, el Festival cumple su objetivo de acercarse al mar. Lo hará con La Villa del Mar, un espacio en la playa de la Malagueta en colaboración con el Polo Digital para mostrar los lazos, proyectos y sinergias entre la industria audiovisual y cultural y las tecnologías que la están cambiando día a día. La Villa del Mar es el espacio de innovación, tecnología y nuevas tendencias del Festival de Málaga, un punto de encuentro donde el entretenimiento, la tecnología, la creatividad y la sostenibilidad se fusionan con el mundo audiovisual.
En un entorno versátil y dinámico, la Villa del Mar acogerá del 15 al 22 de marzo talleres, activaciones de marcas, experiencias inmersivas, networking y conferencias, ofreciendo un escaparate ideal para empresas y creadores que buscan conectar con el futuro del entretenimiento. La Villa del Mar estará abierta a profesionales y al público general y albergará conciertos al aire libre y gratuitos.
En estos conciertos al aire libre en la playa de la Malagueta, al lado del restaurante Antonio Martín, y con el patrocinio de Repsol, tendremos el sábado 15 a Celia Flores (13:00 h) y Alonso (17.00); el domingo 16 a Lito Blues Band (13:00) y Cristalino (17:00); el lunes 17 a El Zurdo (13.00) y Tonia Rodríguez (17:00); el martes 18 a Dan Shiva (13:00) y Soul Station (17:00) y el miércoles 19, Amajazz (13.00) y por la tarde una sorpresa que se anunciará más adelante.
Juan Antonio Vigar ha resaltado también un proyecto estratégico para el Festival, el área de Industria MAFIZ, constituida por eventos que promueven la financiación, coproducción, distribución y venta del cine en español, todo ello desde el apoyo e impulso al nuevo talento audiovisual iberoamericano en su consideración de objetivo transversal para esta amplia área industrial.
Destaca en el área de Industria Spanish Screenings Content, mercado audiovisual, que se celebra del 18 al 20 de marzo gracias al apoyo del Ministerio de Cultura mediante el ICAA, y el ICEX y en colaboración con el Festival de San Sebastián.
Además, Latinamerican Focus, el foro bilateral de coproducción, tendrá este año como protagonista a República Dominicana, País de Honor de la 28 edición. Y en la sección Territorios, dedicada a la producción de nuestras comunidades autónomas, ocupará un lugar preferente Murcia, comunidad autónoma de referencia en esta sección.
Homenajes, publicaciones y conciertos
En cuanto a los homenajes, el Premio Málaga-Sur será para la actriz Carmen Machi; el Premio Ricardo Franco-Academia de Cine será para la guionista Lola Salvador; el Premio Málaga Talent-La Opinión de Málaga, para Elena Martín Gimeno; el Premio Retrospectiva-Málaga Hoy irá para el actor argentino Alejandro Agresti y la Biznaga Ciudad de Paraíso, para los imprescindibles del cine español, será para María Luisa San José. Además, como cada año, el Festival acogerá la entrega del Premio Talento Andaluz de Canal Sur, cuyo premiado se anunciará próximamente.
La Película de Oro del 27 Festival de Málaga será Furtivos, dirigida en 1975 por José Luis Borau, con lo que se conmemoran los 50 años de su estreno. Un homenaje compartido con el Festival de San Sebastián, que también recordará este filme en su sección Klasikoak. Esta película se podrá visionar en una copia restaurada gracias a Videomercury y Flix Olé. Y con este motivo y en colaboración con Filmoteca Española y DAMA, el Festival publicará el libro ‘Furtivos. 50 años’, escrito por Carlos Heredero.
El Festival volverá a tener dos secciones enmarcadas en su objetivo de recuperar el patrimonio fílmico español: La cápsula del tiempo y Underground andaluz, esta última comisariada por Alberto Rodríguez.
De nuevo, la plaza de la Merced contará con el Espacio Solidario, organizado por el Festival con el Área de Derechos Sociales, Igualdad, Accesibilidad y Políticas Inclusivas del Ayuntamiento de Málaga en colaboración con la Fundación ”la Caixa” y cuyo objetivo es abrir el Festival a los diferentes colectivos sociales y fomentar su inclusión.
Por segundo año, tendremos un ciclo en la programación extendida del MaF, Neópolis, que agrupará seis actividades con las que conectaremos las artes audiovisuales con la ciencia y la tecnología.
El Festival concluirá el domingo 23 con el ya tradicional maratón de cine en el Cine Albéniz con las películas ganadoras.
‘Con voz propia’, los nombres propios del cine español y latinoamericano, en CaixaForum+
CaixaForum+, en colaboración con el Festival de Málaga, ofrece a partir de hoy Con voz propia, una serie de entrevistas con profesionales de reconocido prestigio del cine español y latinoamericano que fueron homenajeados en pasadas ediciones del certamen. Son 27 piezas en las que uno o varios de estos protagonistas hablan de sus carreras, del cine, de los equipos que hacen posibles las películas…, además de una clase magistral del cineasta mexicano Guillermo del Toro.
Entre las entrevistas, una muy especial, la del cineasta Carlos Saura, que repasa su vida profesional y reflexiona sobre ella y sobre su carrera. Otros protagonistas de Con voz propia son intérpretes reconocidísimos como Javier Cámara, Antonio de la Torre, Javier Gutiérrez, Blanca Portillo, Fiorella Faltoyano, Julia Gutiérrez Caba, Mónica Randall, Petra Martínez, Paz Vega, Paco León o Raúl Arévalo. Estos tres últimos también se han puesto detrás de la cámara. Y con acento latinoamericano, las actrices Cecilia Roth o Mercedes Morán.
Hay entrevistas con las directoras y directores Alberto Rodríguez, Alejandro Amenábar, Carla Simón, Javier Calvo y Javier Ambrossi, Mariano Barroso, Oliver Laxe, Gracia Querejeta, Rodrigo Sorogoyen, Juan Antonio Bayona, todos inmersos hoy en nuevos proyectos, y el argentino Marcelo Piñeyro.
La serie no se olvida de otros grandes profesionales, indispensables en las creaciones de las películas, como la montadora Teresa Font, el guionista Rafael Cobos, la directora de arte y diseñadora de vestuario Ana Alvargonzález, el diseñador de vestuario Paco Delgado o la maquilladora Sylvie Imbert.
Entradas del 28 Festival de Málaga
Las entradas, incluidas las galas de inauguración y clausura, están a la venta desde hoy miércoles 26 de febrero a las 9:00 horas en taquilla y online. Se pueden adquirir a través de la web del Festival, donde ya se puede consultar la programación, y en www.unientradas.es. En taquilla, están a la venta en Teatro Cervantes, Teatro Echegaray y Cine Albéniz.
El 28 Festival de Málaga proyectará 260 audiovisuales del 14 al 23 de marzo y cumple su objetivo de acercarse al mar con un nuevo espacio
La Villa del Mar, en la playa de la Malagueta, será el punto de encuentro de la tecnología, el entretenimiento, la creatividad y el audiovisual mediante actividades gratuitas abiertas al público
El Festival de Málaga despliega la gran alfombra roja del cine en español en su 28ª edición,del 14 al 23 de marzo, con una programación que acogerá 260 audiovisuales entre todas sus secciones (largometrajes de ficción, documentales, cortometrajes, series de TV, etc) y una gran variedad de contenidos y actividades paralelas para todos los públicos y un nuevo espacio, La Villa del Mar, en la playa de la Malagueta. Asimismo, el certamen malagueño se convertirá de nuevo en punto de encuentro del audiovisual en español en su consolidada área de Industria MAFIZ.
Hoy ha tenido lugar en el Teatro Echegaray de Málaga la presentación de esta edición. El acto, presidido por el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha contado con la presencia del subdelegado del Gobierno en Málaga, Francisco Javier Salas; el viceconsejero de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta de Andalucía, Víctor González; la viceconsejera de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, María Esperanza O’Neill; el vicepresidente de Gestión Económica Administrativa, Manuel Marmolejo Setién; la concejala de Cultura y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Málaga, Mariana Pineda;el subdirector de Cine de la Corporación RTVE, Gervasio Iglesias; el director General de Atresmedia Cine, Jaime Ortiz de Artiñano; el responsable territorial en Andalucía, Ceuta y Melilla de Fundación ”la Caixa”, Juan Carlos Barroso; la directora Comercial de CaixaBank en Málaga, Córdoba, Almería, Ceuta y Melilla, Carmen González Novo; la responsable de Comunicación y Relaciones Externas de Cervezas Victoria, Genoveva Ferragut; la responsable de Patrocinio de Repsol, Ana Bella García; la redactora jefe de Diario Sur, Ana Pérez-Bryan, y Juan Antonio Vigar, gerente de Málaga Procultura y director del Festival de Málaga, así como de representantes de distintas entidades colaboradoras del Festival. A todos ellos, el alcalde ha agradecido su importante compromiso y apoyo a la cultura, a Málaga y al Festival.
Juan Antonio Vigar ha desgranado los contenidos de esta nueva edición del Festival de Málaga. En cuanto a la participación, este año se han inscrito un total de 2.745 audiovisuales (frente a los 2.557 de la pasada edición, un 7,3% más), para un total de 260 audiovisuales seleccionados, procedentes de 54 países, lo que demuestra el importante posicionamiento internacional del festival, con un conjunto de títulos que son una radiografía del audiovisual en español de los últimos meses.
El director del Festival ha destacado “algunos datos muy interesantes, que conforman la radiografía de nuestro festival: un 65% de las inscritas son españolas, lo que demuestra que somos el Festival referencia del cine español. Además, hemos recibido 822 audiovisuales latinoamericanos, lo que refleja el importante prestigio y nuestro posicionamiento creciente en los territorios hermanos. Un 9% son coproducciones, fiel reflejo del dinamismo de las coproducciones españolas (255). Y un dato que nos gusta especialmente: somos un festival que sigue siendo impulsor del talento emergente, con un 33%, 904 óperas primas, de las inscritas”.
Vigar ha destacado que, de las 2.745 películas inscritas, 977 han sido dirigidas por mujeres, lo que significa un 35,5% del total; mientras que, de las seleccionadas, 100 han sido dirigidas por mujeres, un 38,5%, “lo que supone prácticamente el mismo promedio de películas inscritas dirigidas por mujeres, con lo que mantenemos la proporcionalidad y, con ello, el compromiso ya histórico con el cine hecho por mujeres. Y de los 22 largometrajes de Sección Oficial a competición, 13 han sido dirigidas por mujeres, lo que significa prácticamente el 60% del total (cifra que además se mantiene en el caso de películas producidas por mujeres en esta misma sección), así que, por primera vez en la competición de nuestro festival, las mujeres directoras superan a los hombres”.
Contenidos
La Sección Oficiala concurso incluirá 22 películas (15 españolas y 7 latinoamericanas). A ellas hay que sumar 21 películas (16 españolas y 5 latinas) en sección Oficial no competitiva, incluida la clausura, que por primera vez será una serie, Mariliendre, de Javier Ferreiro, producida para Atresmedia en colaboración con SUMA Content por Javier Calvo y Javier Ambrossi y cuyo estreno ha causado una gran expectación.
A las españolas ya anunciadas –La buena letra, de Celia Rico; La buena suerte, de Gracia Querejeta; La furia, de Gemma Blasco; Los tortuga, de Belén Funes y Sorda, de Eva Libertad- se suman El cielo de los animales, de Santi Amodeo; Jone, batzuetan, de Sara Fantova; La terra negra, de Alberto Morais; Lo que queda de ti, de Gala Gracia; Molt Lluny (Muy lejos), de Gerad Oms; Ruido, de Ingride Santos; Todo lo que no sé, de Ana Lambarri; Una quinta portuguesa, de Avelina Prat y Ravens, de Mark Gill. Y como película inaugural, La deuda, el nuevo trabajo del actor y director Daniel Guzmán.
Junto a éstas, las latinoamericanas Culpa cero, de Valeria Bertucelli y Mora Elizalde (Argentina); El ladrón de perros, de Vinko Tomicic (Bolivia, Chile, México, Ecuador, Francia e Italia); El diablo en el camino, de Carlos Armella (México y Francia); Nunca fui a Disney, de Matilde Tute Vissani (Argentina); Perros, de Gerardo Minutti (Uruguay y Argentina); Sugar Island, de Johanné Gómez (República Dominicana y España) y Violentas mariposas, de Adolfo Dávila (México).
Y en Sección oficial fuera de competición, las españolas 8, de Julio Medem; Enemigos, de David Valero; Aullar, de Sergio Siruela; Faisaien irla (La isla de los fasisanes), de Asier Urbieta; Hamburgo, de Lino Escalera; La huella del mal, de Manuel Ríos San Martín; La niña de la cabra, de Ana Asensio; Los aitas, de Borja Cobeaga; Pequeños calvarios, de Javier Polo; Playa de lobos, de Javier Veiga; También esto pasará, de María Ripoll; Tierra de nadie, de Albert Pintó; Tras el verano, de Yolanda Centeno; Un año y un día, de Alex San Martín; Uno Equis Dos, de Alberto Utrera y Vírgenes, de Álvaro Díaz Lorenzo.
Y en cuanto a las latinas fuera de concurso, estarán Lo que quisimos ser, de Alejandro Agresti (Argentina y Francia) -director al que se le otorgará una Biznaga honorífica a toda su carrera-; Mazel Tov, de Adrián Suar (Argentina); El casero, de Matías Luchessi (Argentina y Uruguay); Una muerte silenciosa, de Sebastián Schindel (Argentina) y Mensaje en una botella, de Gabriel Nesci, también de Argentina.
El jurado de la Sección Oficial estará formado por la actriz argentina Mercedes Morán (presidenta); la actriz española Irene Escolar; el director español Carlos Marqués-Marcet; la actriz chilena Daniela Vega; la directora Pilar Palomero; la actriz Belén Cuesta; el cantante del grupo Vetusta Morla y gran cinéfilo, Pucho, y la directora del Festival de Guadalajara (México), Estrella Araiza.
Además, el Festival contará con Zonazine, una apuesta por el nuevo cine que cumple ya 22 años; las secciones de Cortometrajes; Documentales y Mosaico: Panorma Internacional, donde habrá ocho películas no latinoamericanas que han cosechado importantes premios en festivales. Además de la sección Afirmando los derechos de las mujeres, donde se han seleccionado 11 audiovisuales de los 347 inscritos.
En la selección de Series (no competitiva),participan, además de Mariliendre en clausura: La canción, creada y escrita por Pepe Coira y Fran Araújo y dirigida por Alejandro Marín (Movistarplus+ y Buendía Estudios); Perdiendo el juicio, creada por Jaime Olías y dirigida por María Togores, Pablo Guerrero y Humberto Miró (Atresmedia en colaboración con Boomerang TV) y Weiss & Morales, dirigida por Oriol Ferrer y Lucía Estévez de Portocabo, NADCON, y ZDF STUDIOS en colaboración con RTVE y ZDF.
En cuanto a la sección gastronómica del Festival, Cinema Cocina, en colaboración con Lumen, Producciones Gastronómicas y patrocinada por Cervezas Victoria, participan largometrajes y cortometrajes documentales inéditos españoles e iberoamericanos. Habrá 12 documentales (7 largometrajes y 5 cortometrajes) provenientes de España, México, Argentina, Francia y Portugal, que optan a las biznagas de plata de esta sección, que contará además con las ya habituales mesas redondas y Cena de Gala en el Gran Hotel Miramar.
Tecnología y cultura
Y este año, y como ya ha adelantado Vigar en algunas ocasiones, el Festival cumple su objetivo de acercarse al mar. Lo hará con La Villa del Mar, un espacio en la playa de la Malagueta en colaboración con el Polo Digital para mostrar los lazos, proyectos y sinergias entre la industria audiovisual y cultural y las tecnologías que la están cambiando día a día. La Villa del Mar es el espacio de innovación, tecnología y nuevas tendencias del Festival de Málaga, un punto de encuentro donde el entretenimiento, la tecnología, la creatividad y la sostenibilidad se fusionan con el mundo audiovisual.
En un entorno versátil y dinámico, la Villa del Mar acogerá del 15 al 22 de marzo talleres, activaciones de marcas, experiencias inmersivas, networking y conferencias, ofreciendo un escaparate ideal para empresas y creadores que buscan conectar con el futuro del entretenimiento. La Villa del Mar estará abierta a profesionales y al público general y albergará conciertos al aire libre y gratuitos.
En estos conciertos al aire libre en la playa de la Malagueta, al lado del restaurante Antonio Martín, y con el patrocinio de Repsol, tendremos el sábado 15 a Celia Flores (13:00 h) y Alonso (17.00); el domingo 16 a Lito Blues Band (13:00) y Cristalino (17:00); el lunes 17 a El Zurdo (13.00) y Tonia Rodríguez (17:00); el martes 18 a Dan Shiva (13:00) y Soul Station (17:00) y el miércoles 19, Amajazz (13.00) y por la tarde una sorpresa que se anunciará más adelante.
Juan Antonio Vigar ha resaltado también un proyecto estratégico para el Festival, el área de Industria MAFIZ, constituida por eventos que promueven la financiación, coproducción, distribución y venta del cine en español, todo ello desde el apoyo e impulso al nuevo talento audiovisual iberoamericano en su consideración de objetivo transversal para esta amplia área industrial.
Destaca en el área de Industria Spanish Screenings Content, mercado audiovisual, que se celebra del 18 al 20 de marzo gracias al apoyo del Ministerio de Cultura mediante el ICAA, y el ICEX y en colaboración con el Festival de San Sebastián.
Además, Latinamerican Focus, el foro bilateral de coproducción, tendrá este año como protagonista a República Dominicana, País de Honor de la 28 edición. Y en la sección Territorios, dedicada a la producción de nuestras comunidades autónomas, ocupará un lugar preferente Murcia, comunidad autónoma de referencia en esta sección.
Homenajes, publicaciones y conciertos
En cuanto a los homenajes, el Premio Málaga-Sur será para la actriz Carmen Machi; el Premio Ricardo Franco-Academia de Cine será para la guionista Lola Salvador; el Premio Málaga Talent-La Opinión de Málaga, para Elena Martín Gimeno; el Premio Retrospectiva-Málaga Hoy irá para el actor argentino Guillermo Francella y la Biznaga Ciudad de Paraíso, para los imprescindibles del cine español, será para María Luisa San José. Además, el Festival entregará una biznaga honorífica al director argentino Alejandro Agresti y como cada año, acogerá la entrega del Premio Talento Andaluz de Canal Sur, cuyo premiado se anunciará próximamente.
La Película de Oro del 28 Festival de Málaga será Furtivos, dirigida en 1975 por José Luis Borau, con lo que se conmemoran los 50 años de su estreno. Un homenaje compartido con el Festival de San Sebastián, que también recordará este filme en su sección Klasikoak. Esta película se podrá visionar en una copia restaurada gracias a Videomercury y Flix Olé. Y con este motivo y en colaboración con Filmoteca Española y DAMA, el Festival publicará el libro ‘Furtivos. 50 años’, escrito por Carlos Heredero.
El Festival volverá a tener dos secciones enmarcadas en su objetivo de recuperar el patrimonio fílmico español: La cápsula del tiempo y Underground andaluz, esta última comisariada por Alberto Rodríguez.
De nuevo, la plaza de la Merced contará con el Espacio Solidario, organizado por el Festival con el Área de Derechos Sociales, Igualdad, Accesibilidad y Políticas Inclusivas del Ayuntamiento de Málaga en colaboración con la Fundación ”la Caixa” y cuyo objetivo es abrir el Festival a los diferentes colectivos sociales y fomentar su inclusión.
Por segundo año, tendremos un ciclo en la programación extendida del MaF, Neópolis, que agrupará seis actividades con las que conectaremos las artes audiovisuales con la ciencia y la tecnología.
El Festival concluirá el domingo 23 con el ya tradicional maratón de cine en el Cine Albéniz con las películas ganadoras.
‘Con voz propia’, los nombres propios del cine español y latinoamericano, en CaixaForum+
CaixaForum+, en colaboración con el Festival de Málaga, ofrece a partir de hoy Con voz propia, una serie de entrevistas con profesionales de reconocido prestigio del cine español y latinoamericano que fueron homenajeados en pasadas ediciones del certamen. Son 27 piezas en las que uno o varios de estos protagonistas hablan de sus carreras, del cine, de los equipos que hacen posibles las películas…, además de una clase magistral del cineasta mexicano Guillermo del Toro.
Entre las entrevistas, una muy especial, la del cineasta Carlos Saura, que repasa su vida profesional y reflexiona sobre ella y sobre su carrera. Otros protagonistas de Con voz propia son intérpretes reconocidísimos como Javier Cámara, Antonio de la Torre, Javier Gutiérrez, Blanca Portillo, Fiorella Faltoyano, Julia Gutiérrez Caba, Mónica Randall, Petra Martínez, Paz Vega, Paco León o Raúl Arévalo. Estos tres últimos también se han puesto detrás de la cámara. Y con acento latinoamericano, las actrices Cecilia Roth o Mercedes Morán.
Hay entrevistas con las directoras y directores Alberto Rodríguez, Alejandro Amenábar, Carla Simón, Javier Calvo y Javier Ambrossi, Mariano Barroso, Oliver Laxe, Gracia Querejeta, Rodrigo Sorogoyen, Juan Antonio Bayona, todos inmersos hoy en nuevos proyectos, y el argentino Marcelo Piñeyro.
La serie no se olvida de otros grandes profesionales, indispensables en las creaciones de las películas, como la montadora Teresa Font, el guionista Rafael Cobos, la directora de arte y diseñadora de vestuario Ana Alvargonzález, el diseñador de vestuario Paco Delgado o la maquilladora Sylvie Imbert.
Entradas del 28 Festival de Málaga
Las entradas, incluidas las galas de inauguración y clausura, se pondrán a la venta de forma simultánea mañana miércoles 26 de febrero a las 9:00 horas en taquilla y online. Se podrán adquirir a través de la web del Festival, donde ya se puede consultar la programación, y en www.unientradas.es. En taquilla, estarán a la venta en Teatro Cervantes, Teatro Echegaray y Cine Albéniz.
Se podría decir que estamos ante una película de monstruos que son custodiados por dos mercenarios de élite que se lían.
Eso es cierto, totalmente cierto, pero este film tiene una carga psicológica mucho más profunda.
Los “hombres huecos” hacen referencia directa al poema homónimo de T.S. Eliot, publicado en 1925.
Los “hombres huecos” representan una sensación de vacío existencial, desilusión y trauma, temas que resuenan con las experiencias de los personajes principales, Levi y Drasa.
Este concepto alude a personas traumatizadas por la guerra, cuya alma se ha vaciado, quedando solo una “cáscara”.
La película utiliza la imagen de los “hombres huecos” para describir a las criaturas que habitan el abismo, sugiriendo que son seres despojados de su humanidad.
También se utiliza para describir a los personajes principales, ambos soldados que están “huecos” por dentro.
La referencia al poema de Eliot, añade profundidad a la trama, elevándola más allá de un simple thriller de acción.
Esa relación “a distancia” entre Drasa y Levi funciona muy bien, con guiño a Gambito de dama incluido.
La parte final con la batalla de los monstruos se alarga demasiado y se resuelve perezosamente.
Anya Taylor-Joy está espléndida. Miles Teller correcto.
Está fuera de duda que la chica de Miami se está consagrando como una de las grandes del cine actual.
Mi puntuación: 6,58/10.
Dirigido por Scott Derrickson:
Scott Derrickson: El maestro del terror y los superhéroes
Scott Derrickson, nacido el 16 de julio de 1966 en Denver, Colorado, es un director, guionista y productor estadounidense que ha dejado una marca indeleble en el cine de terror y de superhéroes.
Su habilidad para crear atmósferas tensas y explorar temas oscuros y sobrenaturales lo ha convertido en un referente del género.
Derrickson estudió en la Universidad de Biola y en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California, donde perfeccionó su oficio.
Su fe cristiana a menudo se refleja en sus películas, que exploran temas de espiritualidad y la lucha entre el bien y el mal.
Filmografía destacada:
El exorcismo de Emily Rose (2005): Una película de terror psicológico basada en la historia real de Anneliese Michel, que recibió elogios de la crítica por su atmósfera inquietante y sus actuaciones convincentes.
Ultimátum a la Tierra (2008): Una nueva versión del clásico de ciencia ficción de 1951, protagonizada por Keanu Reeves.
Sinister (2012): Una película de terror sobrenatural que sigue a un escritor que descubre una serie de videos caseros perturbadores que revelan asesinatos rituales.
Líbranos del mal (2014): Una película de terror policial basada en el libro de Ralph Sarchie, que sigue a un policía de Nueva York que investiga una serie de crímenes inquietantes.
Doctor Strange (2016): Una película de superhéroes de Marvel que fue un gran éxito comercial y de crítica, y que introdujo al personaje de Doctor Strange en el Universo Cinematográfico de Marvel.
The Black Phone (2021): Una película de terror aclamada por la crítica, basada en un cuento de Joe Hill, que sigue a un niño secuestrado que recibe llamadas de las víctimas anteriores del secuestrador.
Proyectos futuros:
The Black Phone 2: La secuela de su exitosa película de terror, que promete ser aún más aterradora.
El abismo secreto: Una nueva película que se acaba de estrenar en Apple TV+.
Scott Derrickson continúa desafiando las expectativas y cautivando al público con su visión única y su habilidad para crear películas que son tanto aterradoras como reflexivas.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
La montadora, guionista y directora Helena Taberna se basa en la novela de Isaac Rosa, que ha guionizado Virginia Yagüe, para mostrarnos el deterioro progresivo de una relación de pareja.
Un relato minucioso, realista y descarnado, cocinado a fuego muy lento, lo que repercute en el ritmo de la película, que se hace cansina y que se percibe como morosa en su desarrollo.
María Vázquez sabe trasmitirnos emociones, transmutándose de muchacha emocionada a mujer dolida y desgastada.
Más plano, pero también eficaz, está Pablo Molinero, con el que empatizo menos que con el personaje de María.
Cualquier persona que haya sufrido una ruptura se puede ver identificado.
Este biopic de Bob Dylan que centra en sus primeros años.
No es un retrato amable del compositor, más bien deja entrever aspectos turbios de su personalidad.
Sus relaciones sentimentales se manifiestan como superficiales y poco entregadas por parte de Dylan.
Tampoco demuestra ser agradecido con personajes que catapultaron su carrera como Pete Seeger.
Se manifiesta bien en la película su ansia por el éxito y su rechazo a la fama, dando un aspecto huraño de su personalidad.
No he sido un gran seguidor de Dylan, por ello me resulta asombroso que todos los temas que se interpretan en la película me resulten conocidos, incluso, familiares. Lo cual viene a confirmar la gran influencia que ha tenido este artista en la cultura popular.
Tal vez, mi música preferida ha sido la de los cantautores en castellano. Siempre me ha gustado que me contaran historias.
Como nunca he entendido nada de inglés los temas de Bob me resultaban extraños y no conseguí conectar con ellos. Viendo esta película me ha encantado conocer las letras de sus canciones.
James Mangold demuestra ser un grandísimo director de actores. extrae oro puro del gran protagonista Timothée Chalamet que se transmuta en Dylan sin que deje atisbo de duda.
El resto del reparto está magnífico.
Me costó reconocer a Edward Norton.
Elle Fanning y Monica Barbaro están colosales.
He leído críticas dispares.
Me complace coincidir con Carlos Boyero, que, esta vez, sí ha salido emocionado de la proyección.
Es extraño que Don Carlos y yo estemos muy en sintonía últimamente.
Mi puntuación: 8,89/10.
Bob Dylan: El trovador eterno, entre la genialidad, el misterio y la revolución musical
Bob Dylan, nacido como Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, es una figura emblemática de la música y la cultura popular del siglo XX.
Su trayectoria abarca más de seis décadas, durante las cuales ha influido profundamente en diversos géneros musicales y movimientos culturales.
Biografía Personal y Artística
Infancia y Juventud
Criado en una familia judía en Hibbing, Minnesota, Dylan mostró desde temprana edad un interés notable por la música.
Autodidacta, aprendió a tocar el piano y la guitarra, y durante su adolescencia formó parte de varias bandas locales.
En 1959, se matriculó en la Universidad de Minnesota, donde comenzó a sumergirse en la escena folk local y adoptó el nombre artístico de Bob Dylan.
Ascenso en la Escena Folk
En 1961, Dylan se trasladó a Nueva York con el objetivo de conocer a su ídolo, Woody Guthrie, quien se encontraba hospitalizado.
Durante este período, se integró en la vibrante escena musical de Greenwich Village, ganando reconocimiento por sus interpretaciones en clubes locales.
Su talento lo llevó a firmar un contrato discográfico y, en 1962, lanzó su álbum debut homónimo.
Evolución Musical y Reconocimientos
A lo largo de su carrera, Dylan ha explorado una amplia gama de estilos musicales, desde el folk y el rock hasta el country y el blues.
Su capacidad para reinventarse constantemente ha sido una de las claves de su longevidad artística.
En 2016, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura por “haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”.
Carácter y Relación con las Drogas y el Alcohol
Carácter Enigmático
Dylan es conocido por su naturaleza reservada y enigmática.
A pesar de su prominencia pública, ha mantenido su vida personal en privado, evitando en gran medida los reflectores mediáticos fuera del escenario.
Esta actitud ha contribuido a forjar una imagen misteriosa que intriga tanto a seguidores como a críticos.
Relación con las Drogas y el Alcohol
Durante la década de 1960, Dylan experimentó con diversas sustancias, incluyendo el LSD.
Estas experiencias coincidieron con una evolución en su estilo compositivo, adoptando una lírica más abstracta y simbólica.
Sin embargo, en entrevistas posteriores, ha minimizado la influencia de estas sustancias en su proceso creativo, sugiriendo que su uso fue más circunstancial que fundamental en su desarrollo artístico.
Canciones Más Exitosas y Ventas
A lo largo de su prolífica carrera, Bob Dylan ha compuesto numerosas canciones que han dejado una huella indeleble en la música popular.
A continuación, se destacan algunas de sus composiciones más emblemáticas:
Like a Rolling Stone: Considerada una de las mejores canciones de todos los tiempos, fue grabada en 1965 para el álbum Highway 61 Revisited.
Blowin’ in the Wind: Lanzada en 1963 en el álbum The Freewheelin’ Bob Dylan, esta canción se convirtió en un himno de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra.
The Times They Are A-Changin’: Título principal del álbum de 1964, esta canción refleja los cambios sociales y políticos de la época.
Mr. Tambourine Man: Incluida en el álbum Bringing It All Back Home de 1965, esta composición fue popularizada por The Byrds, alcanzando gran éxito en las listas musicales.
Lay Lady Lay: Parte del álbum Nashville Skyline de 1969, esta canción ha sido versionada por más de 40 artistas a lo largo de los años.
En cuanto a las ventas, aunque es difícil precisar cifras exactas para cada canción, se estima que Bob Dylan ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo a lo largo de su carrera.
Su álbum recopilatorio Bob Dylan’s Greatest Hits, lanzado en 1967, ha sido certificado cinco veces como disco de platino en Estados Unidos, consolidándose como uno de sus trabajos más vendidos.
Conciertos en España y Asistencia de Público
Bob Dylan ha mantenido una relación constante con el público español, ofreciendo múltiples conciertos en diversas ciudades a lo largo de su carrera.
A continuación, se detallan algunas de sus presentaciones más destacadas en España:
Gira de 1984: Como parte de la gira europea junto a Carlos Santana, Dylan actuó en el Nuevo Estadio de Vallecas en Madrid el 26 de junio y en el Mini Estadi de Barcelona el 28 de junio. Aunque no se disponen de cifras exactas de asistencia, estos conciertos congregaron a miles de seguidores, reflejando la popularidad del artista en el país.
Gira de 1995: Durante el Never Ending Tour, Dylan ofreció seis conciertos en España, incluyendo presentaciones en ciudades como Madrid y Barcelona. Aunque las cifras de asistencia no están documentadas en las fuentes consultadas, se sabe que estos eventos atrajeron a una cantidad significativa de fanáticos.
Concierto en Pamplona (2019): El 25 de junio de 2019, Dylan se presentó en el Navarra Arena de Pamplona. Aunque no se especifica la asistencia exacta para este concierto, el recinto tiene una capacidad variable que puede albergar hasta 11.800 personas, dependiendo de la configuración del evento. Este concierto fue parte de una serie de eventos que contribuyeron a una asistencia acumulada de 200.000 personas en el Navarra Arena durante 2019.
En 2023, Bob Dylan continuó su prolífica carrera musical con la cuarta etapa de su gira mundial “Rough and Rowdy Ways”, iniciada en 2021 para promocionar su álbum homónimo lanzado en 2020.
Esta fase de la gira abarcó 17 conciertos en Norteamérica durante octubre y noviembre de 2023.
El recorrido comenzó el 1 de octubre en Kansas City, Missouri, y concluyó el 2 de diciembre en Evansville, Indiana.
A lo largo de esta etapa, Dylan se presentó en diversas ciudades, incluyendo St. Louis, Chicago, Milwaukee, Toronto y Montreal.
Durante estos conciertos, Dylan interpretó la mayoría de las canciones de “Rough and Rowdy Ways”, complementándolas con selecciones de su extenso repertorio, como “Watching the River Flow”, “When I Paint My Masterpiece”, “I’ll Be Your Baby Tonight” y “Gotta Serve Somebody”. Además, sorprendió al público con versiones de clásicos como “Not Fade Away” de Buddy Holly y “That Old Black Magic” de Johnny Mercer.
Un hito notable durante esta etapa fue su actuación el 16 de noviembre de 2023 en el Beacon Theatre de Nueva York. Este concierto destacó por su energía y la conexión íntima que Dylan estableció con la audiencia, ofreciendo interpretaciones renovadas de sus clásicos y demostrando su inquebrantable pasión por la música en vivo.
La gira “Rough and Rowdy Ways” reafirma la dedicación de Bob Dylan a su arte y su compromiso con sus seguidores, manteniéndose activo y relevante en la escena musical contemporánea.
¿Por qué se cambió el nombre a Bob Dylan?
Robert Allen Zimmerman adoptó el nombre artístico de Bob Dylan a principios de los años 60, cuando comenzó a actuar en la escena folk de Nueva York.
Existen varias teorías sobre la inspiración detrás de este cambio. La versión más extendida es que tomó “Dylan” del poeta galés Dylan Thomas, aunque Dylan ha negado esta afirmación en varias ocasiones.
En su autobiografía Chronicles: Volume One (2004), explicó que simplemente le gustaba cómo sonaba y que lo había elegido porque quería un nombre que sonara fuerte y distinto. También se especula que la decisión estuvo influida por la tradición de músicos folk que adoptaban nombres artísticos, como Woody Guthrie, su gran referente.
Lo cierto es que Dylan empezó a presentarse con ese nombre antes incluso de trasladarse a Nueva York, durante sus actuaciones en los cafés y clubes de Minneapolis. Para cuando llegó a la gran ciudad, el nombre de Bob Dylan ya estaba consolidado y le ayudó a construir una identidad propia en la escena musical.
Conclusión
Bob Dylan es una de las figuras más influyentes de la música moderna. Con una carrera de más de seis décadas, ha sabido reinventarse continuamente, explorando diversos estilos y dejando una huella imborrable en la historia de la música.
Su personalidad enigmática, su relación con las drogas y su carácter reservado han contribuido a alimentar el mito en torno a su figura.
Su legado no solo está en sus propias composiciones, sino en la cantidad de artistas que han versionado sus canciones en todo el mundo, incluido España, donde ha sido un referente para generaciones de músicos.
A pesar de su aversión a la fama y al estrellato convencional, Dylan ha seguido girando incansablemente, llevando su música a escenarios de todo el mundo, incluido el público español, con una gran cantidad de conciertos a lo largo de los años.
La concesión del Premio Nobel de Literatura en 2016 fue el reconocimiento definitivo a su capacidad para trascender la música y convertirse en un verdadero poeta de su tiempo.
En definitiva, Bob Dylan no es solo un músico, sino un fenómeno cultural cuya influencia sigue vigente en la actualidad.
Sus canciones han definido épocas, sus versos han inspirado revoluciones y su música continúa resonando con nuevas generaciones.
Como él mismo escribió en The Times They Are A-Changin’, los tiempos cambian, pero su legado sigue firme como una piedra que rueda.
Sus amoríos:
A lo largo de su extensa carrera, Bob Dylan ha mantenido una vida privada enigmática, marcada por diversas relaciones sentimentales que han influido tanto en su vida personal como en su obra artística.
A continuación, se detallan algunas de las más significativas:
Primeras Relaciones
Echo Helstrom
Durante su adolescencia en Hibbing, Minnesota, Dylan mantuvo una relación con Echo Helstrom, considerada por algunos como su primer amor. Se cree que Helstrom pudo haber inspirado la canción Girl from the North Country, aunque esta afirmación es objeto de debate. Ambos compartían una pasión por la música y solían escuchar juntos emisoras de radio que transmitían rhythm and blues.
Suze Rotolo
A principios de la década de 1960, Dylan inició una relación con Suze Rotolo, una artista y activista política. Rotolo aparece junto a Dylan en la icónica portada del álbum The Freewheelin’ Bob Dylan.
Su influencia en las composiciones de Dylan durante este período es notable, inspirando canciones como Don’t Think Twice, It’s All Right.
La relación concluyó en 1964.
Sylvie Russo es un personaje ficticio en la película biográfica “A Complete Unknown” (2024), que representa a Suze Rotolo, la primera novia seria de Bob Dylan.
Rotolo fue una artista y activista política que mantuvo una relación con Dylan desde 1961 hasta 1964.
Su influencia en la vida de Dylan fue significativa, inspirando muchas de sus primeras composiciones y apareciendo junto a él en la icónica portada del álbum “The Freewheelin‘ Bob Dylan” de 1963.
Rotolo introdujo a Dylan en diversas corrientes artísticas y políticas, enriqueciendo su perspectiva y, por ende, su música.
La decisión de cambiar el nombre del personaje en la película se tomó a petición de Dylan, para respetar la privacidad de Rotolo, quien siempre valoró su vida personal fuera del foco público
Matrimonios y Familia
Sara Lownds
En noviembre de 1965, Dylan contrajo matrimonio con Sara Lownds, una exmodelo y secretaria.
Juntos tuvieron cuatro hijos: Jesse Byron, Anna Lea, Samuel Isaac Abram y Jakob Luke.
Dylan también adoptó a Maria, hija de un matrimonio anterior de Sara.
Este matrimonio, que duró hasta 1977, es considerado uno de los pilares fundamentales en la vida personal de Dylan.
Algunas de sus composiciones reflejan esta relación, destacando el álbum Blood on the Tracks, que muchos interpretan como una crónica de las tensiones y eventual disolución de su matrimonio.
Carolyn Dennis
Posteriormente, Dylan mantuvo una relación con Carolyn Dennis, una de sus coristas.
Fruto de esta unión nació su hija, Desiree Gabrielle Dennis-Dylan, en 1986.
Dylan y Dennis se casaron en secreto en junio de 1986 y se divorciaron en octubre de 1992.
Este matrimonio y la existencia de su hija se mantuvieron en privado hasta la publicación de la biografía Down the Highway: The Life of Bob Dylan de Howard Sounes en 2001.
Otras Relaciones Notables
Joan Baez
La relación entre Dylan y la cantante Joan Baez fue tanto profesional como sentimental.
Se conocieron en 1961 y colaboraron en numerosas ocasiones durante los años siguientes.
Aunque su romance fue breve, la conexión artística entre ambos dejó una huella significativa en la escena folk de la época.
Edie Sedgwick
En 1964, Dylan tuvo una breve relación con Edie Sedgwick, una de las musas de Andy Warhol.
Aunque su vínculo fue efímero, Sedgwick dejó una impresión en la vida de Dylan durante ese período.
Influencia en su Obra
Las experiencias sentimentales de Dylan han sido una fuente constante de inspiración en su música.
Canciones como Sad-Eyed Lady of the Lowlands y Tangled Up in Blue reflejan momentos y emociones vinculados a sus relaciones personales.
Su capacidad para transformar vivencias íntimas en composiciones universales ha consolidado su reputación como uno de los compositores más influyentes de la música contemporánea.
En resumen, las relaciones sentimentales de Bob Dylan han desempeñado un papel crucial en su desarrollo personal y artístico, dejando una impronta imborrable en su vasto repertorio musical.
Versiones de sus Canciones en España
La obra de Bob Dylan ha trascendido fronteras, inspirando a numerosos artistas españoles a versionar sus canciones, adaptándolas al castellano y al contexto cultural local.
A continuación, se presentan algunas de las versiones más destacadas realizadas en España:
Adiós Angelina: Originalmente Farewell Angelina, fue adaptada por Los Payos en 1968, transformándola en una rumba que resonó con el público español.
El hombre puso nombre a los animales: Versión de Joaquín Sabina de Man Gave Names to All the Animals, incluida en su álbum de 1981 Malas compañías.
Llamando a las puertas del cielo: Adaptación de Knockin’ on Heaven’s Door, ha sido interpretada por diversos artistas en España, manteniendo la esencia emotiva de la versión original.
Como una piedra que rueda: Versión en español de Like a Rolling Stone, ha sido interpretada por diferentes artistas, destacando la adaptación de Miguel Ríos en su álbum Rock & Ríos.
Todo por mi chica: Adaptación de I Want You realizada por Los Pekenikes, incluida en su EP Linda chica de 1966.
Estas versiones reflejan la profunda influencia de Bob Dylan en la música española, evidenciando cómo sus
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por James Mangold:
James Mangold: El narrador versátil que conquistó Hollywood a golpe de talento
James Mangold es un destacado director y guionista estadounidense, reconocido por su versatilidad y habilidad para abordar una amplia gama de géneros cinematográficos.
Nacido el 16 de diciembre de 1963 en Nueva York, ha construido una carrera sólida en la industria del cine, dirigiendo películas aclamadas tanto por la crítica como por el público.
Primeros Años y Formación
Hijo de los artistas Robert Mangold y Sylvia Plimack Mangold, James creció en un entorno profundamente influenciado por el arte. Esta crianza en el vibrante escenario artístico de Manhattan en los años 60 dejó una huella indeleble en su perspectiva creativa.
Desde joven, mostró interés por el cine, comenzando a realizar películas con una cámara Super 8, inspirado por su padre, quien le inculcó el amor por el séptimo arte.
Mangold estudió en el California Institute of the Arts (CalArts), donde fue alumno del director Alexander Mackendrick. Posteriormente, obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Columbia, donde contó con la mentoría del reconocido director Miloš Forman.
Carrera Cinematográfica
Mangold debutó como director con Heavy (1995), una película independiente que ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cine de Sundance.
A partir de ahí, su carrera despegó con una serie de filmes notables:
Cop Land (1997): Un thriller policíaco protagonizado por Sylvester Stallone, Robert De Niro, Harvey Keitel y Ray Liotta.
Inocencia interrumpida (1999): Basada en las memorias de Susanna Kaysen, esta película contó con las actuaciones de Winona Ryder y Angelina Jolie, quien ganó el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel.
Kate & Leopold (2001): Una comedia romántica protagonizada por Meg Ryan y Hugh Jackman, que le valió a Jackman una nominación al Globo de Oro.
Identidad (2003): Un thriller psicológico con John Cusack y Ray Liotta en los papeles principales.
En la cuerda floja (2005): Un biopic sobre el legendario músico Johnny Cash, protagonizado por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon. La película recibió cinco nominaciones al Óscar, con Witherspoon ganando como Mejor Actriz.
El tren de las 3:10 (2007): Un western que reunió a Russell Crowe y Christian Bale, reconocido por su narrativa intensa y dirección sólida.
Lobezno inmortal (2013) y Logan (2017): Ambas películas del universo X-Men, con Hugh Jackman retomando su papel como Wolverine. Logan fue especialmente aclamada, obteniendo una nominación al Óscar al Mejor Guion Adaptado.
Le Mans ’66 (2019): Conocida internacionalmente como Ford v Ferrari, esta película protagonizada por Matt Damon y Christian Bale narra la histórica rivalidad entre Ford y Ferrari en la carrera de Le Mans de 1966. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película.
Indiana Jones y el Dial del Destino (2023): La quinta entrega de la icónica saga, con Harrison Ford retomando su papel como el legendario arqueólogo.
Proyectos Recientes
En 2024, Mangold dirigió A Complete Unknown, un biopic sobre los primeros años de Bob Dylan, protagonizado por Timothée Chalamet.
La película se centra en la llegada de un joven Dylan a Nueva York y su búsqueda por conocer al músico Woody Guthrie, así como sus interacciones con figuras como Pete Seeger, Joan Baez y Suze Rotolo.
Chalamet, quien también produjo el proyecto, interpretó las canciones en vivo, aportando autenticidad a su actuación.
La película recibió ocho nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor.
Estilo y Legado
La versatilidad de Mangold le ha permitido explorar diversos géneros, desde el drama y el thriller hasta el western y las películas de superhéroes.
Su enfoque se caracteriza por una narrativa sólida, desarrollo profundo de personajes y una dirección que equilibra la profundidad artística con el atractivo comercial.
Su capacidad para reinventarse y abordar proyectos variados lo ha consolidado como uno de los directores más respetados de su generación.
Vida Personal
Desde 1998, James Mangold está casado con la productora de cine Cathy Konrad, con quien ha colaborado en varios proyectos a lo largo de su carrera.
En resumen, James Mangold ha demostrado ser un narrador consumado, capaz de abordar una amplia gama de historias y géneros, dejando una marca indeleble en la cinematografía contemporánea.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
La independencia de la India desde el punto de vista británico.
Mis hijos detestaban esta película porque todos los años se la ponían en el colegio.
Es curioso que a mí tampoco me convenció y ahora menos que nunca.
Me fascina la inmensa producción de este film, con miles y miles de extras en cada secuencia.
Como todos los biopics resulta muy episódico. Las escenas se suceden sin que haya una buena ligazón entre ellas, con elipsis que resultan, en muchos casos, tramposas.
La visión del proceso histórico es muy ambigua. En ocasiones estamos situados desde la perspectiva de los hindúes. Otras desde la óptica británica. Pero los malos siempre parecen ser los musulmanes. Sus líderes presentan un aspecto siniestro, como malos de opereta.
La figura de Mahatma Gandhi es constantemente presentada como íntegra e impoluta, sin resquicio para la duda o los malos pensamientos, en una visión claramente hagiográfica del personaje.
Siempre se ha destacado la transformación física de Ben Kingsley como uno de los mayores valores de la película, cuestión que yo no termino de ver. Se utilizan trucos baratos para que parezca más delgado, sin que haya una verdadera modificación real del actor.
El papel de las mujeres es decorativo y poco definido. En ocasiones parece que tenga una esposa y una amante occidental oficiales.
La perspectiva británica de la historia queda especialmente patente en la descolonización, con una India incapaz de seguir unida y con un apaño territorial desastroso.
El rey de la paz no consigue mantener a su país unido y la visión anglosajona insiste en ello.
Sus más de tres horas y su formato de gran espectáculo esconden una película mediocre, de factura impresionante a primera vista que no resiste un análisis riguroso.
Mala elección de este film como educativa.
Mis hijos se quejaban con razón.
Mi puntuación: 4,32/10.
Resumen del texto “Gandhi, iluminación y oscuridad: los antecedentes del proyecto de la película“
El texto analiza el contexto histórico y cinematográfico que precedió a la realización de la película Gandhi (1982) de Richard Attenborough.
Se mencionan las representaciones previas de Gandhi en noticieros, fotografías y documentales, así como su escasa afinidad con el cine.
También se explora cómo su imagen fue utilizada en diferentes producciones antes y después de la película de Attenborough.
Uno de los temas centrales es la controversia en torno a la representación de Muhammad Alí Jinnah en la película, lo que generó críticas por su caracterización negativa. Además, se detalla el papel de Nehru y otros líderes en la supervisión del guion y la financiación de la película, con la India asumiendo una parte significativa del costo tras la falta de apoyo de Hollywood.
El texto también menciona la ausencia de Gandhi en el Premio Nobel de la Paz, a pesar de sus múltiples nominaciones, y cómo su asesinato influyó en la decisión de dejar el galardón desierto en 1948. Se destaca la reacción de líderes indios ante su muerte y la persistencia de su legado.
Por último, se aborda la financiación de la película, que enfrentó dificultades antes de concretarse con el respaldo del gobierno indio y productoras independientes.
También se menciona la película Jinnah (1998) como respuesta a la visión sesgada de Gandhi y Jinnah en la película de Attenborough.
En general, el texto ofrece un análisis detallado sobre los desafíos, decisiones creativas y repercusiones políticas de la película Gandhi.
Gandhi: ¿Santo, Líder o Maltratador?
Cuando pensamos en Mahatma Gandhi, nos viene a la mente la imagen de un hombre delgado, vestido con un simple dhoti, liderando la resistencia pacífica contra el imperialismo británico. Sin embargo, detrás del mito y la veneración, su vida personal ha sido objeto de debate, especialmente en lo que respecta a su relación con su familia y sus creencias sobre la sexualidad y la mujer.
Una Vida de Disciplina Extrema
Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948) se casó a los 13 años con Kasturba Gandhi en un matrimonio arreglado, algo común en la India de la época.
Desde muy joven mostró una disciplina férrea que aplicaba no solo a su activismo político, sino también a su vida personal.
Su relación con Kasturba fue compleja: por un lado, la describió como una mujer fuerte y determinada, pero también se ha documentado que intentó imponerle una vida de estricta austeridad y obediencia, llegando incluso a restringirle ciertas libertades personales.
Su Relación con Kasturba: ¿Dominante o Tradicional?
Hay registros de que Gandhi exigía obediencia absoluta a su esposa.
En sus primeros años de matrimonio, Kasturba desafió algunas de sus órdenes, lo que llevó a conflictos entre ellos.
Gandhi admitió en sus escritos que en su juventud había sido «celoso» y «dominante» con Kasturba, llegando a intentar impedirle que saliera de casa sin su permiso.
Durante los años de lucha política, Kasturba lo acompañó en sus campañas y sufrió encarcelamiento en múltiples ocasiones.
Falleció en 1944, mientras estaba detenida con Gandhi, lo que refuerza la imagen de una mujer leal a su esposo, aunque también atrapada en su rigurosa forma de vida.
Las Pruebas de Castidad y las Polémicas con las Mujeres
Uno de los aspectos más controvertidos de Gandhi fue su obsesión con el celibato (brahmacharya), que adoptó definitivamente en 1906.
Sin embargo, lo que ha generado controversia fueron sus «pruebas de castidad», en las que dormía desnudo junto a mujeres jóvenes, a veces incluso a su sobrina-nieta Manu Gandhi, para probar su autocontrol.
Si bien no hay evidencia de abuso físico en estos actos, muchos los consideran inapropiados y moralmente cuestionables.
Incluso algunos de sus seguidores más cercanos, como su confidente Pyarelal, describieron estas prácticas como perturbadoras.
Gandhi argumentaba que eran ejercicios espirituales para fortalecer su autodisciplina, pero otros las ven como una muestra de hipocresía y abuso de poder sobre jóvenes vulnerables.
¿Y con sus Hijos?
La relación de Gandhi con sus hijos tampoco fue ideal.
Su primogénito, Harilal, tuvo una relación conflictiva con él.
Se sintió abandonado cuando su padre priorizó la lucha política sobre su educación y bienestar personal.
Harilal, incapaz de soportar la severidad de su padre, terminó convirtiéndose al islam por un tiempo y cayendo en el alcoholismo.
Murió en la indigencia en 1948, pocos meses después del asesinato de Gandhi.
¿Maltratador o Hombre de su Tiempo?
La pregunta de si Gandhi fue un maltratador es compleja. Desde los estándares actuales, su relación con Kasturba podría verse como una de dominación masculina, sus pruebas de celibato como una transgresión ética y su trato a sus hijos como negligente.
Sin embargo, también es cierto que muchas de estas conductas estaban enraizadas en la cultura y la época en la que vivió.
Más allá del debate, la figura de Gandhi sigue siendo fascinante por sus contradicciones.
Un hombre que predicaba la paz, pero que en lo privado imponía normas estrictas a su círculo más cercano.
Un líder venerado, pero con sombras que hoy generan preguntas incómodas.
La historia lo recuerda como el padre de la independencia india, pero su vida personal nos recuerda que los ídolos también tienen grietas.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Richard Attenborough:
Richard Attenborough: Actor, director y leyenda del cine
Infancia y primeros años
Richard Attenborough nació el 29 de agosto de 1923 en Cambridge, Reino Unido.
Desde joven mostró una gran pasión por el arte y el cine, estudiando en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA).
Su carrera comenzó en el teatro, pero pronto daría el salto al cine, donde se consolidó tanto como actor y como director.
Carrera como actor
A lo largo de su trayectoria, Richard Attenborough participó en numerosas películas, consolidándose como uno de los actores más respetados del cine británico.
Entre sus actuaciones más memorables destacan:
Brighton Rock (1947), donde interpretó a un despiadado gánster.
La gran evasión (1963), donde compartió pantalla con Steve McQueen en uno de los filmes de guerra más icónicos de la historia.
Doctor Dolittle (1967), en la que mostró su versatilidad interpretativa.
Parque Jurásico (1993), donde dio vida a John Hammond, el excéntrico creador del parque de dinosaurios.
Aunque tuvo una carrera destacada como actor, fue en la dirección donde dejó su huella más profunda en la historia del cine.
Éxito como director
El debut de Richard Attenborough como director llegó en los años 60, pero no fue hasta las décadas siguientes cuando alcanzó reconocimiento internacional con películas ambiciosas y de gran carga histórica y emocional.
Gandhi (1982): Su obra maestra (?)
La película más importante de su carrera fue Gandhi, un monumental biopic sobre la vida de Mahatma Gandhi, interpretado por Ben Kingsley.
La producción fue una de las más ambiciosas de su tiempo, con un rodaje que abarcó numerosos escenarios en la India y una multitud de extras en sus escenas clave.
La película obtuvo un gran éxito en taquilla y se convirtió en un fenómeno mundial.
En los Premios Óscar, arrasó con 8 estatuillas, incluyendo Mejor Película y Mejor Director para Richard Attenborough.
Además, fue elogiada por su fidelidad histórica, su impactante narrativa y la impresionante actuación de Ben Kingsley, quien ganó el Óscar a Mejor Actor.
Otras películas destacadas como director
Además de Gandhi, Richard Attenborough dirigió otros filmes importantes, como:
Un puente lejano (1977), una ambiciosa película bélica con un reparto estelar que incluía a Sean Connery y Robert Redford.
Grito de libertad (1987), que abordaba el apartheid en Sudáfrica y recibió tres nominaciones al Óscar.
Chaplin (1992), un biopic sobre Charlie Chaplin protagonizado por Robert Downey Jr., cuya actuación fue aclamada.
Tierras de penumbra (1993), un drama romántico con Anthony Hopkins y Debra Winger que obtuvo una gran respuesta crítica.
Repercusión y legado
A lo largo de su carrera, Richard Attenborough dejó una marca imborrable en la industria del cine, tanto por sus interpretaciones como por su talento detrás de la cámara. Su pasión por contar historias humanas y su meticuloso enfoque en la dirección lo convirtieron en un referente del cine británico e internacional.
Falleció el 24 de agosto de 2014 a los 90 años, dejando tras de sí un legado de películas inolvidables y un impacto duradero en la cinematografía mundial.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Ravi Shankar:
Ravi Shankar: Maestro del sitar y su contribución a Gandhi
Infancia y primeros años
Ravi Shankar nació el 7 de abril de 1920 en Benarés, India.
Desde joven mostró talento para la música, aprendiendo el arte del sitar bajo la tutela del legendario Allauddin Khan.
Con el tiempo, Ravi Shankar se convirtió en el embajador mundial de la música clásica india, llevando su arte a escenarios internacionales y colaborando con artistas de la talla de The Beatles y Philip Glass.
Carrera musical e impacto en el cine
A lo largo de su vida, Ravi Shankar trabajó tanto en la música tradicional como en la composición de bandas sonoras para el cine.
Su trabajo en el cine indio lo llevó a colaborar con el director Satyajit Ray en películas como La trilogía de Apu, donde su música aportó una dimensión espiritual y emocional inigualable.
También compuso la banda sonora de otras películas destacadas como:
Charly (1968), basada en la historia de Flowers for Algernon, por la cual fue nominado al Globo de Oro a Mejor Banda Sonora.
Raga (1971), un documental sobre su vida y su impacto en la música india y occidental.
Prophecy (1979), una película de terror ecológico que contó con su estilo musical distintivo.
Gandhi (1982): Una banda sonora histórica
Uno de sus trabajos más emblemáticos fue la composición de la banda sonora de Gandhi (1982), dirigida por Richard Attenborough.
Para esta producción, Ravi Shankar colaboró con el compositor George Fenton para crear una partitura que capturara la esencia de la India y la vida de Mahatma Gandhi.
La música de Gandhi es una combinación magistral de instrumentos tradicionales indios, como el sitar y la tabla, con elementos orquestales occidentales.
La partitura evoca el espíritu del movimiento de independencia de la India, utilizando ragas y melodías evocadoras que reflejan la espiritualidad y el sacrificio de Gandhi.
Recepción y legado
La banda sonora de Gandhi fue ampliamente elogiada por su autenticidad y su capacidad de transportar a la audiencia al corazón de la India colonial. La película ganó 8 premios Óscar, aunque la banda sonora no logró obtener el galardón a Mejor Música Original. Sin embargo, su impacto fue duradero y consolidó aún más a Ravi Shankar como un compositor de referencia en el cine.
Más allá de Gandhi, Ravi Shankar continuó su legado musical, influyendo en generaciones de músicos y compositores.
Su trabajo en la banda sonora de la película sigue siendo considerado una de las mejores aproximaciones musicales a la historia de la India en el cine.
Falleció el 11 de diciembre de 2012, dejando tras de sí un legado inigualable en la música y en la historia del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Perkins usa y abusa de los tópicos del cine de terror. Los gemelos, uno bueno y otro malo; el muñeco mecánico malvado; la orfandad; el peso de la maldición…
Su gran arma es el uso del gore como elemento cómico. Lo que ocurre es que, a veces, se pasa de frenada y en ocasiones es tan bestia lo que veo que me he quedado desconcertado, no he sabido si sonreír o apartar la mirada. Soy de estómago sensible.
Pero al final lo que importa de estos productos de entretenimiento sin pretensiones es que diviertan.
Lamentablemente The Monkey no lo consigue. Su falta de ritmo es notoria. Sus personajes bastante esquemáticos y su planteamiento muy de manual.
Se deja ver y poco más.
Si eres una persona sensible que disfrutas con las películas buen royeras, en The Monkey no encontrarás tu lugar. Advertido quedas.
Mi puntuación: 4,51/10.
Dirigido por Osgood Perkins:
Osgood Robert “Oz” Perkins II, nacido el 2 de febrero de 1974 en Nueva York, es un cineasta y actor estadounidense reconocido por su contribución al género de terror.
Hijo deAnthony Perkinsy de la fotógrafa y actrizBerry Berenson, Oz ha forjado una carrera que abarca tanto la actuación como la dirección cinematográfica.
Inicios y carrera como actor
Oz Perkins debutó en el cine a temprana edad, interpretando al joven Norman Bates en Psycho II (1983), papel que su padre inmortalizó en la película original de Alfred Hitchcock.
A lo largo de los años, participó en diversas producciones cinematográficas, destacando su papel como David Kidney en Legally Blonde (2001) y apariciones en películas como Not Another Teen Movie (2001), Secretary (2002) y Star Trek (2009).
Además, tuvo roles en series de televisión como Alias y The Twilight Zone.
Transición a la Dirección
La pasión de Perkins por el cine lo llevó a explorar la dirección y la escritura de guiones, enfocándose principalmente en el género de terror.
Su debut como director fue con The Blackcoat’s Daughter(La enviada del mal)(2015), una película que explora la inquietante experiencia de dos chicas en un internado durante las vacaciones de invierno.
Posteriormente, dirigió I Am the Pretty Thing That Lives in the House (Soy la bonita criatura que vive en esta casa) (2016), una historia de terror psicológico centrada en una enfermera que cuida a una escritora de novelas de horror.
En 2020, presentó Gretel & Hansel (Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas), una reinterpretación oscura del clásico cuento de hadas.
Proyectos Recientes
En 2024, Perkins dirigió Longlegs, un thriller de asesinos en serie que recibió elogios por su atmósfera inquietante y narrativa envolvente.
Al año siguiente, estrenó The Monkey (2025), una adaptación de un relato corto de Stephen King que combina elementos de horror y comedia para narrar la historia de un juguete mecánico maldito que desencadena eventos trágicos.
Este proyecto permitió a Perkins explorar temas personales relacionados con la fatalidad y las tragedias inesperadas, reflejando en parte sus propias experiencias de pérdida.
Vida Personal
La vida de Oz Perkins ha estado marcada por eventos trágicos.
Su padre, Anthony Perkins, falleció en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el SIDA.
Su madre, Berry Berenson, fue una de las víctimas del atentado del 11 de septiembre de 2001, al estar a bordo del vuelo 11 de American Airlines.
Estas experiencias han influido profundamente en su perspectiva y en la temática de sus obras cinematográficas.
A lo largo de su carrera, Oz Perkins ha demostrado ser un narrador versátil, capaz de infundir sus proyectos con una mezcla única de horror, humor y reflexión personal, consolidándose como una figura destacada en el cine contemporáneo de terror.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Woman Walks Aheadestá fotografiada como los grandes clásicos del western, con grandes planos que nos permiten disfrutar de los magníficos paisajes del Oeste americano.
Es también una historia romántica de un amor imposible en el siglo XIX y en la cultura anglosajona, tan racista y clasista.
Al mismo tiempo se narra como una mujer sola (pero con pasta) es capaz de abrirse camino en un mundo muy testosterónico, sin perder su feminidad en ningún momento. Por cierto ese atrevimiento le cuesta mucho sufrimiento.
También es el relato de la marginación y exterminio de los nativos americanos que, vuelvo a los anglosajones, se ha llevado a cabo, de manera sistemática, durante los dos cientos años de historia de los USA.
Todo esto conducido por la impresionante interpretación de una Jessica Chastain sublime, que ha servido para aumentar mi admiración hacia ella elevándola al cielo de mis actrices adorables.
Mi puntuación: 7,88/10.
Dirigido por Susanna White:
Susanna White: Una directora versátil en cine y televisión
Infancia y primeros años
Susanna White nació en el Reino Unido y estudió en la Universidad de Oxford antes de continuar su formación en el National Film and Television School.
Su interés por la dirección comenzó desde temprano, destacándose por su habilidad para narrar historias con sensibilidad y precisión visual.
Carrera en la televisión británica
Antes de incursionar en el cine, White tuvo una exitosa carrera en la televisión británica. Dirigió varias producciones de alto perfil, incluyendo la adaptación de la BBC de Jane Eyre (2006) y la miniserie Generation Kill (2008) para HBO, que fue aclamada por su realismo y su enfoque en la Guerra de Irak.
Su incursión en el cine
Su debut cinematográfico llegó con Nanny McPhee y el Big Bang (2010), una secuela de la popular película infantil protagonizada por Emma Thompson. Con este filme, White demostró su capacidad para manejar grandes producciones sin perder el toque humano en sus historias.
En 2016, dirigió el thriller de espionaje Un traidor como los nuestros, basado en la novela de John le Carré. La película, protagonizada por Ewan McGregor y Stellan Skarsgård, fue bien recibida por la crítica por su tensión y fidelidad a la obra original.
En 2017, dirigió La mujer que camina delante, un drama histórico protagonizado por Jessica Chastain. La película narra la historia de Catherine Weldon, una pintora de Nueva York que viaja a Dakota en el siglo XIX para retratar al jefe sioux Toro Sentado. La película fue elogiada por la actuación de Chastain y su cinematografía, aunque algunos críticos señalaron que la narrativa se centraba demasiado en la perspectiva blanca de la historia indígena.
Estilo y legado
White es reconocida por su versatilidad y su habilidad para contar historias en diferentes géneros. Desde dramas de época hasta thrillers políticos, su trabajo se distingue por un enfoque visual meticuloso y un profundo desarrollo de personajes.
Ha sido una de las directoras que han abierto camino para más mujeres en la industria del cine y la televisión, consolidándose como una voz importante en la narrativa audiovisual contemporánea.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El actor neoyorkino ha dirigido películas tan interesantes como Hasta el último hombre, La pasión de Cristo o Apocalypto, también bodrios sobrevalorados como Braveheart.
Mel Gibson ha sido objeto de múltiples controversias que han afectado su carrera y reputación en Hollywood. Aquí están los principales motivos por los que ha sido “cancelado” en varias ocasiones:
Comentarios antisemitas (2006): En julio de 2006, Gibson fue arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol en Malibú. Durante el arresto, hizo comentarios antisemitas a los oficiales, diciendo frases como “Los judíos son responsables de todas las guerras en el mundo“. Estas declaraciones generaron una gran indignación y llevaron a su marginación en Hollywood.
Comentarios racistas y misóginos (2010): En 2010, su expareja, Oksana Grigorieva, lo acusó de violencia doméstica. Posteriormente, se filtraron grabaciones en las que Gibson usaba lenguaje racista y misógino, incluyendo amenazas hacia Grigorieva y comentarios ofensivos hacia personas afroamericanas y latinas.
Conflictos con la industria cinematográfica: Tras estos escándalos, muchos estudios y actores se distanciaron de Gibson. Fue vetado de grandes producciones y dejó de recibir papeles importantes. A pesar de haber dirigido películas exitosas comoLa Pasión de Cristo (2004) y Apocalypto (2006), su reputación quedó dañada.
Resurgimiento parcial: Con el tiempo, Gibson ha intentado redimir su imagen. En 2016, dirigióHasta el último hombre, que fue bien recibida por la crítica y la Academia, obteniendo nominaciones al Óscar. Sin embargo, sigue siendo una figura divisiva en la industria.
En resumen, Mel Gibson fue “cancelado” por sus declaraciones antisemitas, racistas y misóginas, así como por acusaciones de violencia doméstica. Aunque ha tratado de rehabilitar su imagen, su legado sigue estando marcado por estas controversias.
En Flight Risk nos introduce en un thriller claustrofóbico en la cabina de un avión en casi tiempo real, con tan solo tres personajes en pantalla, en una producción muy de clase B.
Destaca por su absoluta falta de originalidad, la previsibilidad de su argumento y lo aburrida de la narración.
Ha compuesto un producto torpe y sin el más mínimo interés, que solo se puede salvar por la comicidad que desprende el personaje de Mark Wahlberg con su calva postiza que descubrimos cuando se le cae la peluca. Excesivo y caricaturesco sirve para distraernos por unos segundos del tedio general que nos conduce irremediablemente a una terrible e invencible somnolencia.
The Hustlerse ha convertido en una de esas películas míticas de la historia del cine. Un referente para muchos directores, guionistas y críticos.
Su protagonista, al que da vida un soberbio Paul Newman, es una persona autodestructiva que en su afán de obtener el éxito se autoboicotea para alcanzar el fracaso.
Una historia de perdedores solitarios que buscan desesperadamente la compañía y la redención, pero que cuando pueden llegar a ellas lo echan todo por la borda, como si necesitaran vivir en el fracaso para autocompadecerse y castigarse.
Al otro lado los abusadores, los explotadores que se aprovechan de esas debilidades para sentirse superiores y sacar rendimiento. Ahí tenemos a Bert Gordon, interpretado por George C. Scott, que años después daría vida al General Patton en la película de 1970 dirigida por Franklin J. Schaffner.
La actriz Piper Laurie compone de manera magistral el personaje de Sara, con ese final fatal y triste.
Lo que hace que esta película sea tan importante en la historia del cine y tan influyente es la magnífica construcción de personajes, una ambientación realista y unas interpretaciones colosales, que demuestran la estupenda dirección de actores y la magnífica elección del casting.
Mi puntuación: 8,99/10.
Dirigido por Robert Rossen:
Robert Rossen: Un cineasta entre la gloria y la controversia
Infancia y primeros años
Robert Rossen nació el 16 de marzo de 1908 en Nueva York, en el seno de una familia de inmigrantes judíos.
Su carrera comenzó en el teatro antes de dar el salto a Hollywood, donde se consolidó como guionista y posteriormente como director.
A lo largo de su carrera, Rossen abordó temas sociales y políticos con un estilo realista e incisivo, lo que le valió tanto elogios como polémicas.
Su carrera en Hollywood y la caza de brujas
En los años 40, Rossen se consolidó como uno de los directores y guionistas más talentosos de Hollywood.
Dirigió películas como Cuerpo y alma (1947) y El político (1949), esta última le valió el Óscar a Mejor Película.
Sin embargo, su carrera sufrió un duro golpe durante la caza de brujas del macartismo.
Tras negarse inicialmente a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, Rossen finalmente accedió y proporcionó nombres de antiguos compañeros, lo que le permitió seguir trabajando en la industria.
El buscavidas: Una obra maestra del cine
En 1961, Rossen dirigió El buscavidas, una de sus películas más aclamadas y emblemáticas. Protagonizada por Paul Newman en el papel de “Fast Eddie” Felson, la película narra la historia de un talentoso jugador de billar que lucha por redimirse en un mundo despiadado.
El rodaje de El buscavidas no estuvo exento de dificultades.
Rossen insistió en un enfoque realista, lo que llevó a un meticuloso diseño de producción y largas sesiones de filmación para capturar la atmósfera sombría de los bares de billar.
Paul Newman, decidido a perfeccionar su interpretación, entrenó intensamente en el juego del billar, asesorado por el legendario jugador Willie Mosconi, quien incluso tuvo un pequeño papel en la película.
La química entre Newman y su coprotagonista, Piper Laurie, así como la magistral actuación de Jackie Gleason como “Minnesota Fats”, contribuyeron al impacto de la película.
Recepción y legado
El buscavidas fue un éxito tanto de crítica como de público.
Obtuvo nueve nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Paul Newman.
Aunque no ganó en las categorías principales, sí obtuvo los premios a Mejor Fotografía y Mejor Dirección de Arte.
Con el tiempo, la película se convirtió en un clásico del cine estadounidense y consolidó a Paul Newman como una estrella de Hollywood.
El éxito de El buscavidas reafirmó el talento de Rossen, pero fue su última gran obra.
En 1964 dirigió Lilith, un drama psicológico protagonizado por Warren Beatty y Jean Seberg, que no alcanzó el mismo impacto.
Rossen falleció el 18 de febrero de 1966, dejando un legado de cine comprometido, realista y lleno de personajes complejos.
Hoy, El buscavidas sigue siendo una referencia en el cine de deportes y dramas psicológicos, influyendo en generaciones de cineastas y espectadores por igual.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El 17 de diciembre de 2024, coincidiendo con el 35.º aniversario de “Los Simpson“, se estrenó en Disney+ un especial navideño titulado “Ho Ho Ho Santa Homer“.
Este episodio doble cuenta con la participación del mentalista británico Derren Brown, quien llega a Springfield para revitalizar el espíritu navideño de la ciudad.
Durante uno de sus espectáculos, hipnotiza a Homer, haciéndole creer que es Papá Noel, lo que desencadena una serie de eventos que llevan a los habitantes de Springfield a reflexionar sobre el verdadero significado de la Navidad.
El episodio también incluye actuaciones musicales de la cantante Patti LaBelle y del grupo a capela Pentatonix.
Este especial navideño es significativo no solo por celebrar el aniversario de la serie, sino también porque marca un hito en la historia de “Los Simpson“.
En el primer episodio de la 36.ª temporada, titulado “Bart’s Birthday“, Bart Simpson finalmente cumple 11 años, rompiendo con la tradición de mantener a los personajes en la misma edad durante décadas.
Este episodio, que se estrenó el 25 de diciembre de 2024 en Disney+, se presenta como un “final de serie” ficticio, lleno de referencias a otros finales icónicos de la televisión y apariciones de personajes clásicos.
Además, la 36.ª temporada de “Los Simpson” marca la despedida de Pamela Hayden, la actriz que durante más de tres décadas prestó su voz a personajes como Milhouse Van Houten y Rod Flanders. Su retiro representa un cambio significativo en el elenco de doblaje de la serie.
Cutrecomentario de Ramón:
Siempre es un placer revisitar a esta familia típica americana que nos lleva acompañando media vida en mi caso y toda la vida para mis hijos y sobrinos.
Es cierto que conforme pasan los años han ido perdiendo esa chista de originalidad y gracia que poseían en sus primeras temporadas, pero es natural, los espectadores hemos cambiado, hemos perdido inocencia y capacidad de asombro.
Como es clásico en los guiones de esta larga saga de animación, los episodios comienzan con un planteamiento que se abandona antes de la mitad del capítulo para seguir sendas narrativas diferentes.
Siempre he pensado que si viniera un extraterrestre a la tierra y tuviéramos que explicarle cómo somos los seres humanos les pondría unas cuantas temporadas de Los Simpson, porque en estos dibujos animados está perfilada la esencia de la vida cotidiana del mundo occidental.
Esteatosis Hepática: Comprendiendo la Enfermedad y sus Implicaciones
Introducción: La importancia del hígado y su funcionamiento
El hígado es uno de los órganos más importantes del cuerpo humano, desempeñando funciones clave en el metabolismo, la desintoxicación, la síntesis de proteínas y la regulación de diversas sustancias químicas en la sangre. Entre sus funciones principales destacan:
Metabolismo de nutrientes: Procesa carbohidratos, grasas y proteínas provenientes de la dieta, convirtiéndolos en energía utilizable.
Detoxificación: Filtra toxinas y fármacos, eliminándolos del organismo.
Producción de bilis: Fundamental para la digestión de las grasas.
Almacenamiento de vitaminas y minerales: Como la vitamina A, D, B12 y hierro.
Regulación de la glucosa: Mantiene el equilibrio de los niveles de azúcar en sangre.
Dada su importancia, es fundamental detectar a tiempo cualquier alteración hepática. Existen diversas pruebas médicas para evaluar la salud hepática, entre ellas:
Análisis de sangre: Incluyendo enzimas hepáticas (ALT, AST, GGT), bilirrubina y albúmina.
Ecografía hepática: Para detectar acumulación de grasa o anomalías estructurales.
Biopsia hepática: En casos graves, permite un diagnóstico preciso.
Esteatosis Hepática: Definición y Causas
La esteatosis hepática, también conocida como hígado graso, es una condición caracterizada por la acumulación excesiva de grasa en las células hepáticas.
Se considera patológica cuando el contenido de grasa supera el 5-10% del peso del hígado.
Existen dos formas principales de esteatosis hepática:
Esteatosis hepática alcohólica: Causada por el consumo excesivo de alcohol, que altera el metabolismo lipídico del hígado.
Esteatosis hepática no alcohólica (EHNA): Asociada a obesidad, diabetes tipo 2, dislipidemia y síndrome metabólico.
Otros factores de riesgo incluyen:
Dieta rica en azúcares y grasas saturadas.
Sedentarismo.
Factores genéticos.
Uso prolongado de ciertos medicamentos (corticoides, antirretrovirales, etc.).
Manifestaciones Clínicas
En sus etapas iniciales, la esteatosis hepática puede ser asintomática.
Sin embargo, a medida que progresa, pueden aparecer:
Fatiga y debilidad.
Dolor o molestia en el cuadrante superior derecho del abdomen.
Hepatomegalia (hígado agrandado).
Alteraciones en los análisis de enzimas hepáticas.
En casos avanzados, puede evolucionar a esteatohepatitis, fibrosis hepática e incluso cirrosis.
Diagnóstico y Evaluación
El diagnóstico de la esteatosis hepática se basa en:
Historial clínico y exploración física.
Pruebas de laboratorio: Elevación de transaminasas y marcadores de resistencia a la insulina.
Estudios por imagen: La ecografía es la técnica más utilizada, pero en casos específicos se pueden requerir TAC o resonancia magnética.
Tratamiento y Prevención
No existe un tratamiento farmacológico específico aprobado para la esteatosis hepática, por lo que la terapia se basa en cambios en el estilo de vida:
Dieta equilibrada: Reducción de azúcares refinados y grasas saturadas, aumento de fibra y proteína magra.
Ejercicio físico regular: Al menos 150 minutos semanales de actividad aeróbica.
Pérdida de peso gradual: Una reducción del 7-10% del peso corporal mejora significativamente la condición.
Control de enfermedades metabólicas: Diabetes, hipertensión y dislipidemia.
Evitar el alcohol y fármacos hepatotóxicos.
En casos avanzados, con fibrosis o cirrosis, puede ser necesaria la evaluación para trasplante hepático.
Conclusiones
La esteatosis hepática es una enfermedad en aumento debido a los estilos de vida modernos.
Aunque en sus primeras fases es reversible, si no se trata adecuadamente puede evolucionar a patologías graves.
La prevención y el manejo temprano, mediante una dieta saludable, actividad física y control de enfermedades asociadas, son claves para evitar su progresión.
Bibliografía
Chalasani, N., Younossi, Z., Lavine, J. E., et al. (2018). The diagnosis and management of nonalcoholic fatty liver disease: Practice guidance from the American Association for the Study of Liver Diseases. Hepatology, 67(1), 328-357.
European Association for the Study of the Liver (EASL). (2016). EASL–EASD–EASO Clinical Practice Guidelines for the management of non-alcoholic fatty liver disease. Journal of Hepatology, 64(6), 1388-1402.
Mantovani, A., Csermely, A., Petracca, G., & Tilg, H. (2022). NAFLD and liver fibrosis biomarkers: Clinical applications and perspectives. Cells, 11(14), 2228.
Wong, V. W., Adams, L. A., de Ledinghen, V., Wong, G. L., & Sookoian, S. (2018). Noninvasive biomarkers in NAFLD and NASH—Current progress and future promise. Nature Reviews Gastroenterology & Hepatology, 15(8), 461-478.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Milos Forman compone una película de vidas cruzadas en los inicios del siglo XX.
El personaje central es el pianista negro Coalhouse Walker (Howard E. Rollins Jr.) que verá dañada su dignidad por un suceso, según se mire, banal, pero que adquiere una trascendencia extraordinaria y se convierte en una cuestión fundamental de dignidad personal.
La película lejos de tener un tono solemne, tiene texturas de comedia social, aunque sea una tragedia que nos aproxima al racismo de la sociedad norteamericana de inicios del siglo XX, donde para los blancos fachipobres resultaba insoportable que un negro tuviera un nivel de vida superior al suyo.
El film resulta desconsolador y entretenido, con elementos de culebrón. Funciona bien en ese juego de vidas cruzadas.
Interesante y sugestiva la presencia del gran James Cagney en su última aparición en el cine.
Mi puntuación: 7,87/10.
Dirigido por Milos Forman:
Milos Forman: Un maestro del cine entre dos mundos
Infancia y juventud
Milos Forman, cuyo nombre completo era Jan Tomáš Forman, nació el 18 de febrero de 1932 en Čáslav, Checoslovaquia (actual República Checa). Su infancia estuvo marcada por la tragedia: sus padres murieron en campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Forman creció en internados y, posteriormente, estudió en la prestigiosa Escuela de Cine de Praga (FAMU), donde comenzó a desarrollar su talento cinematográfico.
Carrera en Checoslovaquia y la Nueva Ola Checa
Forman fue una de las figuras clave de la Nueva Ola Checa, un movimiento cinematográfico que desafiaba las convenciones del realismo socialista con un enfoque más libre y satírico. Durante esta etapa, dirigió algunas de sus primeras películas, que lo posicionaron como un director innovador:
Pedro el negro (1964)
Los amores de una rubia (1965)
¡Al fuego, bomberos! (1967)
Estas películas, caracterizadas por su tono irónico y un enfoque casi documental, captaron la atención de la crítica internacional. Sin embargo, su última cinta en Checoslovaquia, ¡Al fuego, bomberos!, fue prohibida por el régimen comunista, lo que marcó el inicio de su exilio.
Exilio en Estados Unidos y consagración en Hollywood
En 1968, tras la invasión soviética a Checoslovaquia, Forman emigró a Estados Unidos, donde iniciaría su carrera en Hollywood con Juventud sin esperanza (1971). Sin embargo, su gran salto llegaría con Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), adaptación de la novela de Ken Kesey. Esta película, protagonizada por Jack Nicholson, ganó cinco premios Óscar, incluyendo Mejor Director para Forman, consolidándolo como una figura destacada en la industria.
Su éxito continuó con Hair (1979), una adaptación del icónico musical hippie, y Ragtime (1981), basada en la novela de E. L. Doctorow.
Apogeo con Amadeus
En 1984, Forman dirigió Amadeus, un drama histórico sobre la vida de Mozart y su rivalidad con Salieri. La película fue un triunfo rotundo, obteniendo ocho premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Con un estilo visual exuberante y una narrativa envolvente, Amadeus se convirtió en una de las obras maestras del cine.
Últimos trabajos y legado
Forman siguió explorando el biopic y las historias de personajes rebeldes con películas como:
Valmont (1989)
El escándalo de Larry Flynt (1996), que le valió otra nominación al Óscar
Man on the Moon (1999), sobre el excéntrico comediante Andy Kaufman
Su última película fue Los fantasmas de Goya (2006), donde exploró la Inquisición española a través de la figura del célebre pintor Francisco de Goya.
Milos Forman falleció el 13 de abril de 2018 a los 86 años. Su cine se caracterizó por su agudo sentido del humor, su interés por los personajes inconformistas y su capacidad para fusionar el realismo con la espectacularidad cinematográfica. Su legado perdura como uno de los directores europeos más influyentes en la historia del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Randy Newman:
Randy Newman: Un compositor de cine con sello propio
Infancia y primeros años
Randall Stuart Newman, conocido como Randy Newman, nació el 28 de noviembre de 1943 en Los Ángeles, California. Creció en una familia con una fuerte tradición musical: sus tíos Alfred, Lionel y Emil Newman fueron influyentes compositores de bandas sonoras en Hollywood. Desde muy joven, Newman mostró talento para la música y comenzó a estudiar piano y composición.
Carrera musical y primeros trabajos en el cine
Aunque en sus inicios se destacó como cantante y compositor en la escena del pop y el rock, su estilo único, con un característico tono satírico y melancólico, lo llevó a convertirse en uno de los más reconocidos compositores de bandas sonoras.
A partir de los años 70, empezó a trabajar en la industria cinematográfica, componiendo partituras que se convertirían en icónicas.
Ragtime: Su gran entrada en el cine
Uno de sus trabajos más notables en el cine fue la banda sonora de Ragtime (1981), dirigida por Milos Forman y basada en la novela de E. L. Doctorow.
La partitura de Newman capturó a la perfección la atmósfera de la película, ambientada en los Estados Unidos de principios del siglo XX.
Su trabajo en Ragtime le valió dos nominaciones al Óscar, consolidándolo como un compositor de referencia en el mundo del cine.
Éxito en el cine de animación
A partir de los años 90, Randy Newman se convirtió en un nombre clave en la música para películas de animación, especialmente gracias a su colaboración con Pixar. Su inconfundible estilo ha quedado plasmado en películas como:
Toy Story (1995), con la icónica canción You’ve Got a Friend in Me
Bichos: Una aventura en miniatura (1998)
Toy Story 2 (1999)
Monsters, Inc. (2001), por la que ganó el Óscar a Mejor Canción Original con If I Didn’t Have You
Cars (2006)
Toy Story 3 (2010)
Monsters University (2013)
Otros trabajos y legado
Además de su éxito en el cine de animación, Newman ha trabajado en otras películas como Pleasantville (1998), Cold Turkey (1971) y Meet the Parents (2000). Ha sido nominado a los premios Óscar en más de veinte ocasiones y ha ganado varios premios Grammy y Emmy.
Su estilo combina el humor, la ironía y la emoción con una sensibilidad melódica única.
Con más de cinco décadas en la industria, Randy Newman sigue siendo una figura esencial en la música cinematográfica, dejando un legado que ha marcado generaciones de espectadores y amantes del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Se cumplen en este 2025, 45 años desde que estrenase en salas comerciales su primer largometraje “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” (1980), rodado con muy pocos medios y todavía poca destreza técnica, Cine Amateur.
Más de cuatro décadas que incluyen 23 largometrajes y 2 mediometrajes. Tiene previsto rodar este año su próximo largometraje “Amarga navidad” (título provisional).
Recorremos la vida y obra de Pedro Almodóvar en nuestro próximo monográfico, probablemente el director español más internacional e influyente desde Luis Buñuel.
MONOGRÁFICO DE CINE:
“¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea…de salvar lo nuestro?” (Almodóvar)
DÍA: 27/02/2025
HORA: De 18:30 h. a 20:30 h.
LUGAR: EJE (Espacio Joven Europeo)
MONOGRÁFICO Nº4:
“Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea…,
de salvar lo nuestro”
(Pedro Almodóvar)
PRÓLOGO
Abrimos el monográfico “Existe alguna posibilidad…” dedicado a Pedro Almodóvar con un montaje sobre toda su filmografía.
– PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)
– LABERINTO DE PASIONES (1982)
– ENTRE TINIEBLAS (1983)
– ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO! (1984)
– MATADOR (1986)
– LA LEY DEL DESEO (1987)
– MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)
– ¡ÁTAME! (1989)
– TACONES LEJANOS (1991)
– KIKA (1993)
– LA FLOR DE MI SECRETO (1995)
– CARNE TRÉMULA (1997)
– TODO SOBRE MI MADRE (1999)
– HABLE CON ELLA (2002)
– LA MALA EDUCACIÓN (2004)
– VOLVER (2006)
– LOS ABRAZOS ROTOS (2009)
– LA PIEL QUE HABITO (2011)
– LOS AMANTES PASAJEROS (2013)
– JULIETA (2016)
– DOLOR Y GLORIA (2019)
– MADRES PARALELAS (2021)
– LA HABITACIÓN DE AL LADO (2024)
ALBERTO IGLESIAS
El compositor donostiarra, colabora con Almodóvar desde 1985, su brillante carrera abarca 19 nominaciones a los Goya, habiendo conseguido 12 galardones.
Elegimos una escena de Hable con ella (2001), una “set piece” (El amante menguante) dentro de la propia película, con tratamiento de cine mudo, está acompañada por la banda sonora de Alberto Iglesias, probablemente una de sus mejores composiciones musicales.
TILDA SWINTON
Actriz británica (1960 – ), conocida por interpretar personajes excéntricos y enigmáticos. Con Pedro Almodóvar ha colaborado en dos ocasiones, el mediometraje “LA VOZ HUMANA” (2020) y el largometraje “LA HABITACIÓN DE AL LADO” (2024).
FILMOGRAFÍA SELECIONADA:
1. CARAVAGGIO (1986, Derek Jarman)
2. EDUARDO II (1991, Derek Jarman)
3. ORLANDO (1992, Sally Potter)
4. THE WAR ZONE (1999, Tim Roth)
5. ADAPTATION. EL LADRÓN DE ORQUIDEAS (2002, Spike Jonze)
6. FLORES ROTAS (2005, Jim Jarmusch)
7. QUEMAR DESPUÉS DE LEER (2008, Hnos. Coen)
7. TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN (2011, Lynne Ramsay)
8. ROMPENIEVES (2013, Bong Joon-Ho)
9. EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014, Wes Anderson)
10. DR. STRANGER (2016, Scott Derrickson)
JOHN CASSAVETES
El número de influencias y referencias en el cine de Almodóvar es múltiple, elegimos una escena de la película “Noche de estreno” (1977, John Cassavetes), película que gravita entorno al mundo del teatro y cuya influencia en la película “Todo sobre mi madre” es notable.
MATRIMONIO DE CONVENIENCIA
Montaje dedicado a la relación de algunos directores con actrices, cuya colaboración han superado en muchos casos el ámbito profesional. Es el caso de Pedro Almodóvar con Carmen Maura en sus primeros años (´80) y con Penélope Cruz desde (1999 a la actualidad). Algunos ejemplos serían:
Woody Allen & Diane Keaton
Ingmar Bergman & Liv Ullman
Derek Jarman & Tilda Swinton
Carlos Saura & Geraldine Chaplín
Roberto Rosellini & Ingrid Bergman
Federico Fellini & Giuletta Massini
M.Antonioni & Monica Vitti
W.R.Fassbinder & Hanna Schyguila
Woody Allen & Mia Farrow
EL DESEO
Además de dar nombre a su productora desde 1987, el Deseo es un tema recurrente y decisivo en su filmografía. La diversidad de orientaciones, identidades y practices sexuales son epicentro y motor de sus películas.
Parafraseando a Wong Kar-Wai, titulamos el montaje que vimos “Deseando amar”.
CINE DENTRO DEL CINE
Seleccionamos el falso cortometraje “Chicas y maletas”, integrado dentro de la propia película “Los abrazos rotos”, como ejemplo del carácter metacinematográfico y autorreferencial que tiene el cine de Pedro Almodóvar.
CORTOS DE GIGANTES
Elegimos el cortometraje dedicado a Pedro Almodóvar de la Universidad Argentina 3 de febrero.
PLAY-LIST ALMODÓVAR
Acabamos la sesión con un montaje dedicado a diferentes momentos musicales dentro de sus películas, poniendo en valor el buen uso que hace de ellas.
SELECCIÓN:
LO DUDO (Los Panchos / La ley del deseo)
CUCURRUCUCÚ PALOMA (Caetano Veloso / Hable con ella)
NE ME QUITTE PAS (Maysa Mataraso / La ley del deseo)
RESISTIRÉ (Dúo Dinámico / Átame)
UN AÑO DE AMOR (Luz Casal / Tacones lejanos)
LA BIEN PAGÁ (Miguel de Molina / ¿Qué he hecho yo para merecer esto!)
LUZ DE LUNA (Chavela Vargas / Kika)
ESPÉRAME EN EL CIELO (Mina / Matador)
PURO TEATRO (La Lupe / Mujeres al borde de un ataque de nervios)
TABAJONE (Ismaël Lo / Todo sobre mi madre)
QUIZÁS, QUIZÁS, QUIZÁS (Sara Montiel / La mala educación)
Centauros de la Alcarria: Hay debate con el análisis de La Tutoría
21/02/2025
Esta semana en Centauros de la Alcarria … Javier P., Ramón y Rafa se reúnen para analizar los estrenos más destacados de la semana en los Multicines Guadalajara y para analizar una película, que no gustará a todos, pero sí que tiene mucho de lo que hablar, La Tutoría.
Entre las novedades, hablamos de Aún estoy aquí , el nuevo drama de Walter Salles que explora la lucha por la memoria y la justicia en la última dictadura militar brasileña, y de La reina, que nos trae una visión intensa y política sobre Catalina Parr, la sexta esposa de Enrique VIII, interpretada por Alicia Vikander.
El terror y el misterio llegan con The Monkey, la adaptación de Stephen King dirigida por Oswood Perkins, donde un simple juguete desencadena una ola de muertes cruentas en una película de humor macabro.
En un tono más introspectivo, Nacho Vigalondo nos ofrece Daniela Forever, una historia de amor, duelo y ciencia ficción que cuestiona los límites entre los sueños y la realidad.
Para los más pequeños (y no tan pequeños), Paddington: Aventura en la selva nos lleva a Perú con este entrañable osito mientras que Con el agua al cuello, con Michael Keaton, nos presenta una comedia emotiva sobre la paternidad y los lazos familiares.
Además, adelantamos la próxima película del Proyecto Viridiana, Lee Miller, que se proyectará el día 24, y vemos un vídeo especial sobre la primera sesión de Cine Alcarria, en la que Pilar Sancho, reciente ganadora del Goya al Mejor Cortometraje Documental, compartió su experiencia con los participantes de este año.
Por último, en la zona Spoiler Total nos centramos en La Tutoría, una película en la que un incidente bastante turbio entre dos niños nos lleva a una reflexión mucho más profunda sobre las relaciones humanas y la sociedad. Dura, sí, pero también interesante.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
