La conocida actriz Behnaz Jafari no puede resistirse a la llamada de auxilio de una chica de provincias cuya familia quiere impedirle que siga estudiando en el Conservatorio de Teherán. Behnaz decide abandonar un rodaje y recurre al cineasta Jafar Panahi para resolver el misterio que se esconde tras los problemas de la joven. Se desplazan en coche hacia el noroeste rural del país, donde conocen a los amables habitantes del pueblo montañoso de la actriz en ciernes. Pero los visitantes no tardan en descubrir que la tradición es tan poderosa como la hospitalidad…
FICHA
DIRECCIÓN
Jafar Panahi
GUION
Jafar Panahi
FOTOGRAFÍA
Amin Jafari
INTÉRPRETES
Behnaz Jafari, Jafar Panahi, Marziyeh Rezaei
DURACIÓN
100 m.
PAÍS
Irán
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Comentario:
Jafar Panahi dirige y protagoniza esta peli.
Su humilde formato puede dar a pensar que se trata de una peli pequeña. Lo será en presupuesto, pero no en mensajes.
Una actriz famosa recibe un vídeo más que inquietante, por lo que acompañada de Panahi emprende un viaje hacia el Irán profundo.
Esa ruralidad llena de prejuicios, de conceptos anticuados y de costumbres (al menos) curiosas.
Se habla del honor, de la aversión/admiración a los artistas, del valor del prepucio (no es broma), de la (falsa) hospitalidad en los pueblos (más postureo que otra cosa), de la sumisión de las mujeres…
Todo contado con pasmosa naturalidad, con vocación de simplicidad, como si los grandes temas de los que se habla fueran poco importantes.
Personajes muy de verdad, como ese hermano fortachón, una auténtica bestia, más cercano al mundo animal que al racional.
O esa pintora, ex-actriz que vive marginada, después de sus años de gloria. Personaje, por cierto, al que no llegamos a ver la cara.
Lo dicho, que no os engañe la modestia de la producción, su contenido es inmenso.
Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda Gonzalez, María Martins, Alicia Guerra, Yverá Zayas
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Comentario:
Peli sudamericana, aunque con productores también europeos, premiada en Berlín con el Oso de Plata.
Si os cuento el argumento os va a parecer interesante.
Pero ver la peli no lo es.
La vida de una pareja de señoras, que han vivido de las rentas, se ve alterada cuando Chiquita, la dominante, entra en la cárcel por estafa y se ven obligadas a ir vendiendo sus pertenencias.
Chela descubre que puede ser útil en la vida conduciendo su viejo Mercedes y haciendo nuevas amistades.
Además hay un retrato cruel de esas burguesas momificadas y ricas.
La peli está rodada con una fotografía mortecina, con abundantes planos cogote (que tanto detesto) y con escenas en las que no ocurre nada.
Los elementos valiosos que tiene la peli son más mérito del espectador, que aguanta con estoicismo el tedio que se presenta en la pantalla, más que por el director, que no hace nada para atraer al público.
No me gustó nada.
Está claro que al jurado de Berlín sí y algún crítico gafapasta también.
Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Luis Rubio, Andrea Pietra, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrea Politti, Gabriel Corrado, Andrés Gil, Mariú Fernández, Norman Briski, Juan Minujín
DURACIÓN
129 m.
PAÍS
Argentina
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Comentario:
Empezamos el Festival de San Sebastián con esta peli argentina.
Una pareja con 30 años de matrimonio, ante la marcha del hijo, deciden divorciarse, porque ya no están enamorados.
En su nueva soltería descubren nuevas experiencias…
La peli se mueve más en la comedia que en el drama.
Repleta de buenos diálogos, con ironías, sarcasmo y humor inteligente.
Estas conversaciones llenan la película, no tienen desperdicio, por ello mismo, llegan a saturar.
Se echan de menos silencios y diálogos intrascendentes.
La vida no está llena de cosas inteligentes y con enjundia, muy al contrario, rebosa vanalidad.
Los dos protagonistas están estupendos.
Darín ya parece que ha llegado a la cúspide de la interpretación y hace su papel con naturalidad, pero ya no asombra.
Mercedes Morán está arrebatadora y enamora.
Me molesta que habiendo un buen puñado de mujeres maduras (y belleas) con papeles destacados, sea una jovencita la única que aparece desnuda.
El mensaje que da la peli es, tal vez, un poco reaccionario y adaptativo, aunque lo comparto plenamente.
La soltería, tal vez, sea más divertida, pero es más complicada y produce más dolores de cabeza.
No siendo una peli mala, no deja se ser una peli del montón.
‘La catedral del mar’ es una ficción de Antena 3 basada en el bestseller del mismo nombre de Ildefonso Falcones. La serie está ambientada en Barcelona, más concretamente en el siglo XIV, una época donde las clases sociales se encontraban muy rígidas y la posibilidad de fluctuar entre ellas era un hecho impensable. En ese momento la ciudad condal se encuentra en plena prosperidad económica, por lo que no para de crecer. La Ribera, el barrio de los pescadores, es su nuevo límite. Será allí donde traten de construir el mayor templo hasta la fecha, el cual será la catedral de Santa María de la Mar. En este contexto se moverá Arnau, el protagonista, quien ha conseguido abandonar la vida como siervo y ha huido a Barcelona en busca de ser un ciudadano de pleno derecho. Trabajando incansablemente, conseguirá alcanzar una posición privilegiada. Sin embargo, esto desatará la envidia de sus iguales, lo que le llevará a ser el objetivo de una conjura.
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Comentario:
Recuerdo que leí esta novela después de Los pilares de la tierra y no me hizo mucho tilín.
Los pilares me pareció emocionante y vibrante, en cambio La catedral me resultó alargada y con poco interés, pasaban muchas cosas, salían muchos personajes, pero no terminaba de engancharme.
Con la serie me ha pasado lo mismo.
Demasiado episódica y muchos diálogos. Defectos muy propios de las adaptaciones literarias.
Me da la impresión que está pensada para que se pueda ver mientras se quita el polvo, se hace la cena o se llena el lavavajillas.
Los continuos diálogos permiten no mantener la atención en la pantalla y seguir la trama sin complicaciones.
No hay respiro para solo las imágenes.
La trama, que pretende ser realista deriva en muchos tramos en culebrón.
Refleja, más o menos, bien la realidad medieval. Lo poco que valía la vida, los prejuicios, la estructura social, pero de manera superficial.
Hay algunos decorados que los han aprovechado muy bien.
No está mal rodada, pero adolece de los defectos de la novela, me da la impresión que es una fiel traslación a la pequeña pantalla.
Respecto a los actores, están mejor las chicas que los chicos.
Destaco a Pablo Derqui que me ha convencido y al gran Josep María Pou.
Hay predators buenos y malos, marines psiquiátricos, hay niño autista como evolución de la especie humana, una científica experta (inesperadamente) en armas, los que ven a los alienígenas deben ser eliminados (¿porqué?).
El Predator malo tiene mil y una oportunidades de matar al protagonista, un chulito rubito y guapete, pero solo le da mamporros casi cariñosos.
Todo es un sin sentido, sin que haya nada coherente.
Esta semana en los estudios de EsRadio Guadalajara hemos hablado de los estrenos de las semana con dos grandes de la información alcarreña, con Mónica Gallo y Diego Gismero.
Veerle Baetens, Stijn Van Opstal, Jeroen Perceval, Hilde Van Mieghem,Gene Bervoets, Peter Van den Begin, Natali Broods, Cécile Enthoven,Ruth Beeckmans, Lynn Van Royen, Gregory Frateur, François Beukelaers,Bilall Fallah, Jan Debski, Marc Peeters, Tom Audenaert, Ferre Nachtergaele,Olaf Verghote, Steven van Watermeulen, Viviane De Muynck, Michael Pas,Ruth Becquart, Koen De Sutter, Annemie Gils, Elke Shari Van Den Broeck,Vic de Wachter, Mathias Pille, Isabelle van Hecke, Soufiane Chilah, Patrick Pickart,Marc Didden, Steve Van Nuffel, Peter De Graef, Els Olaerts, Kevin Bellemans,Valentijn Dhaenens, Eric Kempeneers, Bob Snijers, Rachida Chbani
Productora
Caviar Films. Distribuida por ZDF Enterprises
Género
Serie de TV. Thriller | Secuestros / Desapariciones
Me recomiendan esta serie belga que juega como elemento básico, para construir la historia, con el recuerdo.
La protagonista sufre una amnesia después de un accidente. No es capaz de recordar lo que ocurre de manera cotidiana.
La desaparición de un joven provoca que una psiquiatra y un viejo inspector de policía escarben en su memoria para conocer la verdad.
La trama va combinando imágenes en el centro de atención mental con varios tiempos del pasado. Para que el espectador no se confunda, se va dando la información de que localización temporal.
La historia se construye como un puzzle, en el que los retazos que lo conforman no siempre son verdaderos, porque un amnésico rellena sus huevos con fabulaciones, no confabulaciones como la pésima traducción dice a veces.
Es un thriller con elementos esquizoides y oníricos, que mantiene muy bien la intriga, con ese fondo turbio que caracteriza a las series nórdicas, aunque Bélgica no sea demasiado del norte.
No puedo contar más de la trama. Se disfruta mucho armando ese puzzle.
Se trata de una producción española (Morena Films), aunque con colaboración de France 3 Cinema, dirigida por un director iraní con dos oscars, con un elenco de actores (todos españoles) de primera línea nacional e internacional.
Asghar Farhadi ha demostrado saber retratar la realidad de su país en sus pelis con oscar (Nader y Simin, una separación y El viajante).
Sorprendentemente es capaz de retratar con maestría singular la esencia de la vida rural española.
Con estructura de thriller y representación como un dramón de tomo y lomo, retrata en primer lugar unos personajes que componen la realidad de los pueblos españoles y por otro disecciona con mediana claridad esa España donde todos se conocen, donde todos saben de todos o lo suponen, donde hay rencillas, envidias, resquemores, odios soterrados.
La peli empieza con alegría para romperse en un drama.
El personaje que mejor representa esta ruptura es el de Penélope Cruz que transforma su rostro, su expresión de manera tan apabullante que resulta aplastante. Demostrando lo descomunal actriz que es.
Javier Bardem está impecable y sublime en un papel muy complicado, con muchos matices, al que llegas a comprender y empatizar. El gran perdedor que cumple con su deber.
La historia que nos cuenta Farhadi es un relato de pérdidas, pero siempre hay quien pierda más y quien pierde menos. Bardem lo pierde todo.
Siempre los fracasados son grandes personajes.
Bárbara Lennie estupenda. Ma-ra-vi-llo-sa.
Eduard Fernández y Elvira Mínguez, fondones y también fracasados. Sospechosos desde el principio. Qué actorazos!
Ramón Barea brillante, dando vida al “señorito” que ha perdido su fortuna entre botellas de vino y partidas de póker. Un cabrón rencoroso y con mala follá.
Darín da la impresión que se interpreta así mismo, no destacando sobre el resto de los monstruos de la interpretación que le acompañan.
La pobre Inma Cuesta vuelve a interpretar a una novia que no podrá olvidar su boda.
Hay ciertos momentos que me pareció una peli de Almodóvar, pero si lo piensas bien es una peli de Farhadi, diseccionador de realidades con fino bisturí y ajustado microscopio.
La peli se ha rodado en Torrelaguna y son perfectamente indentificables su plaza, su bar y sus calles.
Este año el Premio Donosti se lo dan a este director nipón, por ello visito algunas de sus pelis.
Nuestra hermana pequeña es una historia de sentimientos. La historia sencilla de una familia puzzle japonesa.
Siempre tiendo a pensar que esto de los líos de familias es más europeo o incluso americano, pero con esta producción comprendo que es universal.
La delicadeza del relato, su sinceridad consiguen trasmitirme una emoción que llega a cristalizar en llanto en varias ocasiones.
No espero que el espectador medio, curtido vitalmente, se emocione tan fácilmente como yo.
Son historias tan sencillas, tan cotidianas, tan verdaderas de cuatro hermanas diferentes, pero unidas por ese vínculo de relación que solo da la familia, que no es amistad, pero que traspasa la relación interpesonal para pasar a una situación superior en la que las diferencias, las controversias, sabes que se van a poder superar siempre.
Estas cuatro jóvenes, cada una a su manera, son maravillosas.
Me encantan las escenas de comidas, donde se ve como disfrutan de esos platos, que solemos despreciar ante una fabada asturiana o unos huevos rotos, pero que en esta peli me parecen super sabrosos.
Qué lo sepáis: Sachi, Yoshino, Chika y Suzu os quiero.
Mi amigo Ricardo Arrakis me recomienda este western.
No sé si se ha estrenado en España.
Se trata de una peli salvaje, dura, descarnada.
“La conquista del salvaje Oeste” es un término, un eufemismo, para designar el genocidio que se realizó en los USA, exterminando a las tribus de indios americanos que poblaban este inmenso país.
Una historia de violencia inusitada donde el desprecio por la vida casi era secundario, porque las torturas y los sufrimientos infringidos eran superiores al desenlace de la muerte.
En esta cinta, un capitán, marcado por el odio de haber visto morir a sus compañeros, tiene que devolver a sus tierras de origen a un viejo jefe indio moribundo y su familia.
Su trayecto está marcado por el asesinato y el dolor.
Paradógicamente encuentra apoyo en sus antiguos enemigos y en una viuda.
Como en todas las road movies se produce un viaje interior que transforma al curtido militar.
Western puro con grandes praderas, bosques, ríos y hombres malos. Con intolerancia, con racismo, con prejuicios, sin escrúpulos…
Triste y desoladora historia de violencia, en la que veo el reflejo de la construcción de un país, basado en los principios de la falta de humanidad y en las armas como símbolo falso y fallido de libertad.
Una peli que se estrenó en España en Enero, pero veo ahora tras su lanzamiento en DVD.
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Me encuentro ante una obra artística apabullante.
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Cada fotograma (56.800) es una pintura con la técnica al óleo del pintor holandés, Vincent Van Gogh.
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Con la colaboración de cien artistas que han realizado esta película que nos relata a base de flashback los últimos días de la muerte del genio.
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El joven Armant se ve en el compromiso de entregar una carta del pintor a su hermano Theo, que murió poco después.
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En la búsqueda de su destinatario va descubriendo la verdad, o, al menos, acercándose a ella, sobre la muerte traumática de Vincent.
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Tiene forma de thriller, con las diversas versiones sobre la personalidad y los hechos que rodearon su fallecimiento.
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Su estructura narrativa es inmejorable y la apuesta formal alucinante, increíble, sublime.
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Pero tanta belleza, tanto óleo, tanta textura cromática llega a abrumar y la apuesta formal se come a la narrativa, que aunque sólida, no puede alcanzar la aplastante belleza de sus fotogramas.
Va a ser la décimo sexta edición del Festival de Cine Solidario de Guadalajara.
Desde hace unos años se celebra la primera semana de Octubre, del 2 al 6, entre el Festival de San Sebastián y el de Sitges.
Llevo asistiendo hace muchos años y he tenido la fortuna de colaborar como jurado de la prensa (Premio Picazo de la Prensa) en esta edición que viene y en la anterior, cuestión que agradezco infinito a mi amigo José Luis y a su director Luis Moreno.
Juego con ventaja ya que he visto y calificado todos los cortos de la Sección Oficial.
En su momento haré comentarios de todos ellos.
Como decía juego con ventaja y estoy en posición de afirmar que este FESCIGU va a ser un éxito.
Primero por la calidad de los cortos que se presentan. No hay ni uno malo y, en cambio, la mayoría son excelentes.
Felicito al comité seleccionador que es capaz de apreciar la calidad entre los cientos de películas que se presentan.
Otro baza que tiene garantizada este Festival es el público que abarrota el Teatro Auditorio Buero Vallejo, sobre todo el fin de semana.
Estos dos elementos, calidad y público, hacen del FESCIGU un gran Festival.
Además con el añadido de contar con unos recursos muy escasos. Este obstáculo es superado gracias a la decisión y al tesón de los voluntarios y colaboradores del Festival y a su director que hace todos los años el milagro de los panes y los peces.
Felicito a Luis Moreno que además de todas las funciones de director es el diseñador de la web, que funciona fenomenal y es muy útil.
Este año el lema es “Agua. El oro azul“, con la presentación de cortos dedicados a la problemática del líquido elemento.
Con un cartel (que se puede ver abajo) maravilloso de la diseñadora gráfica Raquel Lozano.
El FESCIGU cuenta con diez secciones. A parte de las ya citadas, Oficial y Oro azul, están Memorias enterradas, Acaso te acosa, Iguales para hoy, Infancine y Juvenciney la más popular la deRequetecortoscon muchos seguidores.
Una cita que ningún aficionado al Séptimo Arte de Guadalajara se puede perder.
Sucedió una noche es un programa de la Cadena Ser de cine clásico que dirige y presenta Antonio Martínez.
Soy fiel oyente de este podcast, de hecho casi todas las noches me duermo escuchándolo.
En uno de los últimos programas hablaron de esta peli.
Se desarrolla en el mundo del ballet clásico.
Dos mujeres que empezaron siendo compañeras dirigieron sus vidas de manera diferente.
Anne Bancroft interpreta a Emma, una bailarina de éxito al comienzo de su ocaso profesional por el inexorable paso de la edad.
En su juventud usó todos los trucos y trampas para llegar al estrellato.
Según afirma solo es feliz bailando y cuando no danza solo desea hacerlo.
Envidia a su amiga y la vida que escogió.
Shirley MacLaine (Deedee) dejó el baile porque se quedó embarazada del bailarín más guapo. Ha criado a tres hijos.
Siempre se ha preguntado si hubiera conseguido el triunfo en el ballet.
Envidia a su amiga.
Las dos desearían la vida de la otra, las dos desprecian la vida de la otra.
Su relación es de amistad, pero también de recelos, de resquemores, de viejas rencillas.
Cuando la hija de Shirley (Emilia) se traslada a Nueva York para ser bailarina profesional resurge el conflicto entre estas dos mujeres.
Toda esta historia está salpicada de maravillosos números musicales de una belleza extraordinaria.
Se trata de una peli de mujeres, con dos actrices potentísimas, infinitas en sus capacidades interpretativas, que emocionan, que llegan al corazón.
El conflicto que plantean, esa dicotomía entre familia y profesión sigue vigente. Está de rabiosa actualidad. Aún sin resolverse.
Además esta The Turning Point es el relato del mundo del ballet clásico, con todos los personajes que lo integran: la productora de vuelta de todo y con falta de tacto, los coreógrafos, las bailarinas protagonistas que se suceden y se convierten en divas, los bailarines mujeriegos, reyes entre tantas mujeres, las viejas glorias dedicadas a la enseñanza…
Un universo despiado y poco glamuroso que recuerda al que retratara Joseph L. Mankiewicz en Eva la desnudo, pero en aquella ocasión en el mundo del teatro.
Una peli que no conocía y que me ha encantado.
Agradezco a Antonio Martínez sus recomendaciones y su programa. Para mí sería una gran ilusión poderle saludar en persona.
No se trata de un relato de aventuras sino de una reflexión moral.
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Los sueños están bien, hay que tenerlos, pero no son suficientes. Hay que saberlos llevar a la práctica, conocer tus posibilidades y afrontar con realismo las situaciones.
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Es como comprar un décimo de lotería y con lo que supuestamente vas a ganar comprarte un yate y un chalé en Marbella.
Donald se enfrascó con toda la ilusión del mundo en una aventura de la que no podía salir victorioso. Diseñó un barco que no había sido probado, con supuestas innovaciones que nadie había experimentado. Y se lanzó a circunnavegar el mundo sin escalas y sin Norte.
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No contaré más del argumento.
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Gran parte de la peli se basa en la idea del remordimiento, de la incapacidad de mantener un error y de cómo afrontarlo.
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Desde ese punto de vista resulta interesante, pero su desarrollo es ciertamente tedioso, con la sensación que no pasa nada, posiblemente la misma que su protagonista, de incógnito en la inmensidad del océano.
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Colin Firth da correctamente vida a este personaje.
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La que destaca de verdad es Rachel Weisz que ejecuta una interpretación magistral, robando la peli, aunque su papel sea más pequeño.
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Saco varias conclusiones:
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Primero:
Medita bien en las empresas que te metes. Sé realista y no un iluso. Y si tiras para delante no impliques a tu familia y amigos.
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Segundo:
Piensa mucho si decir una mentira. Si cometes ese error soporta las consecuencias con dignidad, si es que te queda.
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Tercera:
Vivas donde vivas ten tu habitáculo ordenado y limpio, no hagas como Colin Firth que tenía su barco hecho una pocilga.
Este documental de propaganda nazi está considerado como una de las mejores obras cinematográficas de la historia del cine.
Cuenta los eventos del sexto congreso del Partido Nacional Socialista alemán que se desarrolló en la ciudad de Nuremberg en 1934.
Formalmente me gustan muchos de sus componentes.
Helene Bertha Amalie Riefenstahl no usa para nada la voz en off, sitúa la cámara desde perspectivas novedosas y subyugantes, sus planos son originales, usando travellings, planos aéreos, primeros planos e inmensos planos generales que dan la impresión de contemplar algo grandioso desde los ojos de un espectador metido en la muchedumbre.
Lo que vemos no deja de ser grandes masas de señores uniformados, con cortes de pelo similares, que caminan disciplinadamente, con expresiones entre tristes y orgullosas y que piensan lo mismo, o lo que es peor que piensan lo que otro les ha dicho.
En el plano formal serulta abrumador, pero en el fondo impresiona de perturbador, de peligroso, de siniestro.
Como ya he dicho, no hay diálogos ni narradores, solo imágenes con música marcial e individuos dando discursos o arengas vacías de contenido, llamando a una Alemania grande y poderosa.
Ver a Adolf Hitler gesticular como un enfermo mental resultaría gracioso, sino fuera porque este sujeto ocasionó la mayor matanza de la historia de la humanidad.
Coincido con Adolfito que es un documental “de nazis, para nazis, sobre nazis“, seguro que es en lo único que podemos estar de acuerdo.
Bello en la forma, repugnante en el fondo.
La biografía de Leni Riefenstahl es muy interesante, una vida azarosa, una mujer decidida y con mala leche que cometió el error (un imperdonable error) de colaborar con sus estéticas producciones al auge del imperio nazi. Murió ya entrado en siglo XXI a la edad de 101 años.
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Mi puntuación: 8,00/10. (El ocho por la estética, el cero cero por el fondo).
Olvidémonos de la interpretación de Eugenio Derbez.
Pasemos de las situaciones supuestamente divertidas, que resultan patéticas.
Quedémonos con la moralina de las bondades de la vida en familia y de la intrascendencia de la existencia sin esfuerzo de los ricos.
Tengamos presente a la graciosa Anna Faris.
Sonriamos con las escenas de un vago que tiene que trabajar duro por primera vez en su vida.
Riámonos con ese cocinero enganchado a los culebrones.
Contemplemos a la siempre maravillosa Eva Longoria, a la que admiro desde Mujeres desesperadas.
Si hacemos todos esto podemos pasar un buen rato viendo esta comedieta.
Me gusta que toda la argumentación de la peli sobre la vida en familia con esfuerzos para salir adelante se vea rota por el afán de lucro, eso le da un carácter realista.
(Para comprender lo que digo hay que ver la peli. Lo siento).
Todos los elementos que componen esta producción me resultan atractivos.
Una familia disfuncional, con padrastro siniestro, madre sometida e hija rarita.
Una relación entre dos antiguas amigas que se reencuentran en la adolescencia. Una de ellas declaradamente psicópata, consciente de su alteración se ha adaptado y es capaz de simular los sentimientos de los que carece.
Un ambiente desasosegante en un caserón de familia bien en Connecticut.
Una trama criminal con toques de humor muy negro.
Una puesta en escena fría, distante, donde las emociones quedan a un lado, como les ocurre a las dos jóvenes protagonistas.
Con todo ello el debutante Cory Finley construye una peli tan atractiva, como complicada de soportar, en la que ningún personaje te puede caer bien, pero que te alegras de su final.
Pero además hay un trasfondo de abrumadora crítica social, sobre la superficialidad en las relaciones, sobre la podredumbre de una clase social parásita que se aburre, sobre la imposibilidad de alcanzar el sueño americano.
Esta peli francesa premiada en Sitges, tal vez no cuente una historia demasiado original, tal vez tenga un final previsible, pero es lo suficientemente sucia, sangrienta y explícita como para entusiasmarme.
Su directora demuestra que es capaz de crear una peli turbadora y polvorienta que engancha a un espectador como yo cansado de pelis de acción y venganza.
Desde el principio se crea una atmósfera que predice que nada va ir bien.
Lejos de construir un relato rutinario y aburrido la peli se plantea como un torbellino de acción, con insertos de planos de detalle o de pesadillas que le dan un carácter truculento dentro de una historia de violencia y crueldad.
Cuando se hace más visceral, más gore, mejora aún más.
Colosal la interpretación de la despampanante italiana Matilda Anna Ingrid Lutz que pasa de ser bombón sexual a implacable vengadora.
A mí Daniel Monzón es un tipo que me cae fenomenal.
Hace unos días me contaba mi amigo Andrés Aberasturi que lo había tenido de crítico de cine hace muchos años en un programa de Onda Cero.
Luego Daniel escribió en Fotogramas y paso a Días de Cine.
Le recuerdo bien haciendo críticas sesudas, elegantes y divertidas delante de las cámaras de Televisión Española en la 2.
Llegó a la cúspide de su carrera con la estupenda Celda 211.
Ahora se mete en la comedia, aunque siempre sus pelis habían tenido algún momento divertido.
Una peli que se desarrolla en un crucero no me deja de recordar la serie Vacaciones en el mar, con 10 temporadas y 250 episodios, que a mí me irritaba por la reiteración en sus tramas, pero no podía dejar de verla.
Yucatán es una peli de vacaciones en el mar, con elementos de comedia romántica, con trío amoroso, de timadores, de musical y de reflexiones sobre el dinero adquirido rápido como elemento de destrucción personal.
Ninguno de sus elementos funciona del todo bien, exceptuando la parte musical que resulta muy divertida y estimulante gracias a la estupenda Stephanie Cayo que tiene el don de enamorar a la cámara y la capacidad de dar vida a los momentos dramáticos.
Luis Tosar, como siempre perfecto.
Rodrigo de la Serna hace muy bien de argentino.
Me parto solo con ver a Jorge Asín, al que conozco por los cortos de Oregón TV.
Aún no siendo una peli perfecta, resulta divertida y entretenida, con elementos de farsa, incluso de bufonada, que lejos de molestarme, me hicieron gracia.
A pesar de sus 130 minutos, no se hizo larga.
Conté con la compañía de mi amigo Santiago, al que encontré en el cine casualmente. Se partió de risa durante toda la proyección, dando ejemplo de lo que es un espectador agradecido.
Bélgica
