El Festival de Cine de San Sebastián es, como todo el mundo sabe y sin lugar a dudas, el más importante de España.
Está, además, en el selecto grupo de los cinco festivales más importantes del mundo, junto a Cannes, Toronto, Venecia y Berlín.
Se celebra en esta edición desde el 21 al 29 de septiembre.
Los que me seguís, sabéis que siempre relato todo desde mi perspectiva personal, incapaz de hacer una crónica o una crítica a la usanza clásica.
Entonces, ¿porqué os cuento esto de este Festival?
Pues porque este año subo a primera división y estoy acreditado.
Siempre me ha asombrado que un individuo como yo, más bien tontico, haya prosperado en la vida.
Hace nueve años comencé con la web, primero con los chistes y después con el blog que terminó siendo de cine.
Me asombré cuando Roberto Mangas, director de El Heraldo del Henares, quiso publicar mis críticas.
Luego me facilitó participar en la radio y en la tele.
Me asombré cuando la recientemente formada (hace seis años) Asociación de Informadores Cinematográficos de España me admitió como socio. Siempre he pensado que les pillé desprevenidos.
Desde entonces he asistido a varios festivales, especialmente al de Málaga, al que tengo un cariño especial.
He sido jurado en varios festivales de cortos o en las secciones a las que da premio la Asociación y he participado con mi voto eligiendo los Premios Feroz desde su primera edición.
Una, para mí, brillante carrera como crítico cinematográfico, bien seguro inmerecida.
Es cierto que en todos los festivales a los que he asistido he hecho una cobertura agotadora, criticando siempre todas las pelis que he visto y comentando entregas de premios, homenajes y ruedas de prensa, incluso haciendo reportajes en los photocall.
Ya en la última edición del Festival de Málaga decidí bajar el ritmo y solo me dediqué a ver pelis y comentarlas y aunque asistía a ruedas de prensa no realicé posts de ellas, por una cuestión de salud.
Los festivales deben ser para mí un divertimento y no un sufrimiento extenuante. Tengo bien claro que veré pelis y las comentaré, pero nada más.
Cuando vuelva haré especiales en tele y radio, pero nada de conexiones diarias.
El Festival de San Sebastián coincide en fechas con las fiestas de Azuqueca. Mantenía un compromiso profesional con esta ciudad en la que resido desde hace 26 años, pero este compromiso se ha roto, lo cual me liberó en esas fechas.
Amigos y familiares me apoyaron para tomar la decisión de intentar acreditarme en el Festival español más importante.
Roberto desde El Heraldo no lo dudó ni un solo momento y realizó los trámites necesarios para intentar mi acreditación.
Pensaba que iba a ser complicado, al fin y al cabo soy un periodista cinematográfico de ámbito local y acceder a un festival de los más grandes no es fácil.
Ni Roberto ni yo hicimos un “Cifuentes” a la hora de enumerar mis méritos, fuimos sinceros y veraces.
Asombrosamente Donosti nos acogerá en su sexagésimo sexta edición.
Una edición que rendirá tributo al director japonés Hirokazu Kore-Eda, al actor americano Danny Devito y a la británica Judi Dench.
Tendré la oportunidad de ver en su Sección Oficial pelis tan prometedoras como la argentina El amor menos pensado con Ricardo Darín (la peli inaugural), El reino de Rodrigo Sorogoyen, Entre dos aguas de Isaki Lacuesta, la esperada Quién te cantará de Carlos Vermut (al que idolatro desde Magical Girl), Yulide Icíar Bollaín o Gigantes de Enrique Urbizu.
Como Proyección Especial podremos ver la esperada Tiempo después de José Luis Cuerda, la tardía secuela de Amanece que no es poco o Un asunto de familia de Hirokazu Koreeda.
En la Sección Perlak disfrutaremos de la última de Spike LeeBlackkklansman y la libanesa que clausura el festival Capharnaüm.
Se me presentan nueve días intensos de mucho (y espero) buen cine en una ciudad tan maravillosa como Donostia, acompañado de buenos y expertos amigos como Pepe Málaga o Ricardo Arrakis que lleva participando en el festival desde los años setenta, ahí es nada.
Voy acreditado por El Heraldo del Henares, con el apoyo de Guadalajara Media (en la sección de la acreditación como “otros medios“). En cambio no he contado con el apoyo de EsRadio Guadalajara, ni con Alcarria TV ya que Goyo, su director, no quiso molestarse en rellenar el cuestionario.
Ramón Nonato (Portell, 1204 – Cardona, 31 de agosto de 1240), religioso mercedario, fue un santo nacido en un pueblo de la antigua Corona de Aragón que, actualmente, forma parte de Cataluña, en España.
Su epíteto nonnatus (en latín: no nacido) se deriva de haber sido extraído del útero de su madre por cesárea después de que ella hubiera fallecido.
Es el santo patrón de los partos, matronas, niños, embarazadas y personas acusadas falsamente.
Estando cautivo, sus carceleros musulmanes lo martirizaron perforando sus labios con hierro candente para colocarle un cerrojo en su boca e impedir su prédica.
Muchos milagros le fueron atribuidos antes y después de su muerte.
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Según mi cuñado Fidel:
Ramón Bernadó (Zaragoza 1958 … y mucho más), matasanos a sueldo, periodista intrépido, jugador profesional de Trivial, criado y engordado a base de pollo y migas del Reino de Aragón.
Estuvo cautivo durante varios años en la cárcel de Alcalá Meco, donde ejerció de matasanos y curandero.
Monje que no respetó la castidad, se casó con la Reina Madre, Elena “la mártir”, con la que tuvo dos infantes.
El destino lo nombró visitador de plazas de toros y de salas de cine.
Muchos milagros se le atribuyen, como el poder mantenerse dentro del agua horas infinitas, beber líquido sin fin, desaparición de comida de forma celestial, otros milagros como el de retratar a todo lo que se le pone por delante.
Es un caminante de senderos y aceras… que sigue escribiendo su leyenda sin fin.
Es muy triste terminar esta temporada como una obligación, más que por diversión.
Tanto Elena como yo hemos notado desde el comienzo del primer episodio que la historia estaba desgastada, que nos enfrentábamos ante un alargamiento inútil y fracasado de una historia que se había retorcido para llenar episodios, y no para entretener al espectador.
Me ha sacado de quicio la falta de puntería. Mil disparos y ningún muerto, por lo menos conocido, solo algún figurante sin frase se veía caer, con la penosa sensación de tomadura de pelo.
Las escenas de batalla, que son abundantes. están rodadas como el culo. Montaje penoso, ausencia de racord.
Insultante que en medio de refriegas, supuestamente a vida o muerte, diera tiempo para consideraciones morales o escenitas de amor.
Lo peor con ventaja es la muerte de Carl. Dura dos episodios (eternos) y el duelo hasta el final de la temporada.
Carl ha sido un coñazo durante toda la serie, un niño torpe que encima deja un legado buenista de conciliación en un mundo donde la primera regla es sobrevivir y no hacer lo correcto.
Cuando un personaje tan penoso como Carl desaparece de una serie podría ser motivo de alegría, pero ocupa tanto espacio que ni siquiera su ausencia nos consuela a los espectadores.
Dejemos a Carl que descanse en paz.
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Estaba claro que Negan era un personaje que había que conservar para próximas temporadas a toda costa. Más de veinte oportunidades de eliminarlo son desperdiciadas de manera increíble. En lugar de matarlo y luego la charla, ésta precede de manera desesperante al acto que no se llega a ejecutar.
No hay drama ni tensión narrativa, hay cabreo puro y duro por unos personajes tan tontos.
Hay giros de guión que son de traca o escenas imposibles como cuando los Salvadores disparan todos a la vez con balas defectuosas fabricadas por un Eugene que nadie comprende porqué cambia de bando.
Aún recuerdo lo bien que lo pasábamos viendo a un grupo de supervivientes recorrer los caminos de la zona Este de los USA, intentando escapar de los zombis.
Ahora los caminantes son solo objetos decorativos que han perdido fuerza, de ser las estrellas han paso a secundarios o incluso figurantes.
De todos los personajes me quedo con dos mujeres de armas tomar, la “Viuda” Maggie que no olvida ni perdona y la competente Rosita que no deja de recordarme a Lara Croft.
Denzel Washington interpreta a una especie de vengador, que hace “favores” a buena gente. Pongo un ejemplo, libera a una niña del secuestro de su padre, “solo” mata a tres individuos, cronometrando sus asesinatos para hacerlos en un tiempo récord.
Es un antiguo agente de la CIA que abandonó la Agencia por un lío que ya he olvidado…
La peli está repleta de clichés de tono fascista, que encaja bien en esta época del conservadurismo de pistola en cinto de la Era Trump.
Denzel es posiblemente uno de los grandes actores de la cinematografía actual. Resulta penoso verlo metido en un engendro de tiros y tramas pueriles de espías de pacotilla.
La mezcla, al final de la peli, de vengador y catástrofe natural resulta insultantemente previsible.
No sé muy bien porqué siempre he tenido manía a Barbra Streisand.
Eso me ha impedido disfrutar, como debiera, de muchas de sus películas.
Al ver la maravillosa WALL•E de Andrew Stanton deseo revisitar esta peli que solamente he visto en la pequeña pantalla.
Lo primero que me llama la atención es lo colorista de su fotografía, que ayuda inestimablemente a crear una atmósfera optimista y alegre.
Los números musicales se nota que están dirigidos por el gran Gene Kelly, llenos de vitalidad y acrobacias, con una energía que se trasmite al espectador.
Los personajes me parecen todos tonticos, incluso alguno me irrita, pero esa desagradable sensación desaparece cuando se ponen a bailar y cantar.
Impresionante el derroche de medios y esas imágenes del desfile con miles de figurantes y actores usando grúas y planos generales que me apuballan.
La Streisand no me parece convincente, sosteniendo un guión de traca, pero cuando canta me encanta.
Un auténtico placer revisitar una de los últimos musicales clásicos.
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Curiosidades:
Judy Garland:
Originalmente, Carol Channing quien había protagonizado la versión en Broadway era la opción más lógica, pero después de su participación en Millie al director y productores les pareció exagerada y falta de talento y voz, entonces Gene Kelly pensó en Judy Garland. Su primera película había sido con ella y tenían varias juntos.
La película pudo haber sido protagonizada por Judy Garland, pero por sus problemas de salud los productores no querían arriesgarse a que parara la producción como en otras películas; Gene Kelly, decepcionado de no poder ayudar a su amiga, tuvo que desechar la idea y Garland moriría más tarde.
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B. Streisand en el personaje de Dolly:
Después de intentarlo con Garland, trataron con Ethel Merman, quien rechazó el papel, y con Mary Martin, que no llegó para cuando se le había requerido y fue apartada del proyecto. Bette Davis rechazó el papel al igual que Julie Andrews .
Finalmente fue escogida Barbra Streisand, que acababa de ganar un Oscar en su debut cinematográfico con Funny Girly tenía un contrato con la productora de la película que la obligaba a protagonizar otros dos musicales.
Barbra Streisand tenía entonces 27 años y a pesar de su ya consagrado estrellato, era por entonces una recién llegada al mundo del cine.
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W. Matthau en el papel de Horace:
El papel estaba escrito para una mujer con más años, y el actor que había de representar el protagonista masculino, Walter Matthau, había sido escogido con esa perspectiva.
Probablemente Streisand no contó con muchas simpatías en el set de filmación, ya fuese por su reciente éxito en Funny Girlo por las diferencias generacionales con el director y con Matthau.
Los conflictos durante la filmación se airearon y la prensa del corazón hizo su agosto, pero a pesar de ello la película fue un rotundo éxito comercial en su época, que ha continuado reportando grandes beneficios en las ventas en formato vídeo y aún es considerada uno de los últimos grandes musicales de Hollywood.
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El desencuentro de Barbra Streisand:
A lo largo de su carrera, Barbra Streisand nunca ha incluido canciones de la película en sus escasas giras.
Sólo una vez cantó alguna canción de Hello, Dolly!: fue en un espectáculo en Las Vegas, poco después del estreno de la película.
En el 2009 se dijo que se repondría la obra en Broadway, y el papel le fue ofrecido a Barbra Streisand para su regreso al teatro y, aunque en ese momento ella ya tenía la edad necesaria, su respuesta fue un rotundo no.
En una entrevista en la que le preguntaron cuál había sido su experiencia en el filme, la describió de desagradable y uno de los papeles que más insatisfecha la habían dejado.
A pesar de ello, se le sigue asociando al papel a tal extremo que la mayoría de las intérpretes que lo abordan en el teatro la toman como punto de referencia obligado.
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Homenajeada:
Aparecen menciones a la película en el largometraje animado WALL·E (Disney, Pixar), donde el robot WALL·E mira partes del filme y graba las canciones para escucharlas mientras trabaja.
Para mí John Hamm está asociado con tabaco y alcohol después de haberle visto en la afamada serie Mad Men.
Aquí no me defrauda demostrando que es el que mejor se toma los sorbos de bourbon.
Le secunda la estupenda Rosamund Pike que interpreta un difícil papel que se mueve en la década de los ochenta como si fuera una mujer de los dos mil.
Brad Anderson, el director, tiene una carrera portentosa en la tele, interviniendo en series, para mí, míticas. Cito algunas: The Sinner, En hombre en el castillo, The Killing, Boardwalk Empire, Fringe, The Wire…
Tony Gilroy es el guionista de la Saga de Bourne y de Rogue One: Una historia de Star Wars, por poner dos ejemplos.
Con todos estos elementos se puede hacer una buena peli. O no?
El rehén es una historia de espías al estilo clásico. Los agentes secretos no son superhombres ni se dedican a dar mamporros a diestro y siniestro.
Esta peli tiene un carácter realista y se empeña en exponernos con claridad la problemática de El Líbano antes y después de la Guerra.
Un conflicto imposible de entender y de explicar, pero ahí reside una de las fortalezas de este film. El espectador sale con la impresión que ha comprendido algo de este galimatías de intereses en esta zona siempre en conflicto.
Otra de las bazas es el personaje de Mason Skiles (Jon Hamm) que nos convence como negociador y como hombre perdido y derrotado por la vida que no encuentra refugio en la bebida, por mucho que insista en buscarla.
A la salida un amigo me preguntó si se entendía. Lo le dije: “si la entiendo yo, la entiende cualquiera“.
Lo mejor que tiene la peli es que nos muestra la biografía de esta artista mexicana.
La mayoría de los biopics pecan de ser episódicos, sin que haya una narración coherente y continuada. Se limitan a contar en escenas episodios de la vida del biografiado.
Julie Taymor consigue, en cambio, dar un hilo argumental coherente a su película y mostrarnos con dulzura, de manera edulcorada, las peripecias personales y artísticas de este personaje singular.
A eso colabora de manera ejemplar su protagonista la atractiva Salma Hayek que se trasmuta en la artista y le da vida y personalidad. Compone un personaje cuya belleza es sobre todo interior, con esa fuerza que le hizo sobreponerse al dolor y a la enfermedad.
Otro de los grandes personajes es Diego Rovira encarnado por Alfred Molina, que también está espléndido, al que hace unas semanas pudimos ver como Robert Aldrich en Feud: Bette and Joan.
Destacar también las intervenciones, algunas muy cortas, solo cameos, de Geoffrey Rush, Ashley Judd, Antonio Banderas, Edward Norton, Patricia Reyes Spíndola, Valeria Golino, Saffron Burrows, Chavela Vargas, Diego Luna…
Hay aspectos muy interesantes en la peli que plantea cuestiones que yo no he conseguido resolver.
¿En una relación amorosa tiene que haber reciprocidad en las condiciones?
¿Hasta dónde se tiene que llevar el compromiso ideológico de un artista?
¿Vale la pena ceder y ver tu obra terminada, o dar tu brazo a torcer y conseguir realizar (a medias) un sueño artístico?
Diez años después de su estreno le debía un comentario a esta obra maestra.
La vi en un AVE, en malas condiciones. Nada más volver del viaje la tuve que revisitar. Es curioso que recuerde el tren, pero no el sitio al que iba.
La vuelvo a visionar y la vuelvo a descubrir.
Las distopías siempre han gozado de mi admiración.
En ese planeta repleto de basura solo WALL•E parece seguir activo.
Es curioso que se haya humanizado al coleccionar objetos de uso por nuestra especie.
Pero lo que más le ha convertido en persona son las imágenes de un musical.
Su ocio consiste en imitar los temas musicales de Hello, Dolly!, que Gene Kelly dirigió en 1960.
Eso le ha convertido en un robot con alma, que añora sobre todo, el amor.
El poder del cine musical, convertirá también a la cuadriculada EVA.
Por otro lado nos muestran el futuro de los hombres, nuestro futuro. Individuos enganchados a una pantalla que ya no somos capaces de caminar, porque la tecnología no lo hace necesario. Personas obesas que mantienen relaciones indirectas a través de aparatos y que ya no conocen que es el contacto físico real.
Oh, cielos! Me están describiendo!
La peli termina con una revolución y una gran esperanza. No podía tener un mejor final.
Una obra maestra, con unos minutos iniciales con solo imagen, sin diálogos que te hacen amar el cine originario, el que no necesitaba palabras para contar historias y manifestar emociones.
Esta peli obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2017, pero además:
Premios del Cine Europeo: Mejor montaje. 3 nominaciones
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera
Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera
Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Premios César: 6 premios incluyendo mejor película, guion original y montaje
Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film de la Unión Europea
Premios Guldbagge (Suecia): Nominada a Mejor film extranjero
Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado, Premio FIPRESCI
Por premios no quedará.
Curioso que un tema como el SIDA despierte, aún, tanto entusiasmo.
La peli es el relato de un grupo de activistas contra esta plaga en los años noventa en Francia.
Lo primero para intentar poner solución a un problema es reconocerlo.
La aceptación del problema tardó casi una década.
Recuerdo bien como empezó esta epidemia. Al principio se la llamaba la enfermedad de las haches, porque afectaba a heroinómanos, homosexuales y haitianos, después se agregó una nueva hache la de hemofílicos y después de heterosexuales.
Esta suma de haches nos hizo comprender que era un problema de toda la población. Algunos lo entendimos pronto y otros mucho más tarde.
La mojigatería y la falta de miras hizo que las medidas preventivas se implementaran cuando la infección ya había adquirido un carácter de pandemia.
La difusión del preservativo o los programas de metadona se encontraron con una oposición inusitadamente intensa, lo que difundió más y más la infección. Por cierto, nunca se ha pedido responsabilidades a los culpables.
Si esta peli ha funcionado tan bien entre la crítica y los festivales es porque lo que cuenta es una hermosa historia de amor con el fondo de la plaga del VIH, pero una historia de amor al fin y al cabo.
El amor entre Nathan y Sean es contado con pasión y veracidad, sentimos sus sentimientos y nos emocionan.
El grupo de personajes que les rodean están también muy bien señalados, con trazo grueso, pero muy reales.
Si queréis ver una buena peli sobre los inicios de esta enfermedad os tengo que remitir a una producción de 1993 de Roger Spottiswoode, un telefilm realizado con meticulosidad y corazón que ayuda a comprender cómo se investiga una nueva enfermedad y cómo se puede hacer comprender a la población y a los políticos de su importancia. Hablo de And the Band Played On que aquí en España se tituló (muy desafortunadamente) como En el filo de la duda, un título sin personalidad, con lo fácil que hubiera sido Y la banda toca, su traducción literal y una frase que se dice en la peli.
Uno sabe que hay momentos en la vida que no olvidarás.
Llevamos a mi nieto Luca a ver esta producción Disney-Pixar.
La peli predecesora la ha visto en la tele troceada. Nunca aguanta más de diez minutos.
Con solo tres años es incapaz de comprender la trama y muchos menos los mensajes que Pixar esconde en sus pelis para que los adultos las podamos ver con más agrado, incluso, que los niños.
Luca nada más entrar a la sala se asombra del tamaño de la pantalla.
Pregunta por los tráilers, por los anuncios, por el corto (Bao).
Tal vez su atención esté más centrada en las palomitas que en la proyección.
Aguanta como un campeón, sale con su paciente madre en dos ocasiones a comprar más palomitas y regalices.
La segunda hora mira para todos los sitios, incluso en alguna ocasión a la pantalla.
Brad Bird su director ya se encargó de la uno, con una filmografía muy potente en su curriculum (Misión imposible: Protocolo fantasma, Ratatouille, El gigante de hierro, Los Simpson…)
Son dos horas de diversión en el que protagonismo lo ocupa esta familia bastante disfuncional.
La peli habla sobre la crisis del hombre del siglo XXI superado en su actividad laboral por su esposa e incapaz de hacerse cargo del hogar.
Es un magnífico exponente de la realidad actual: la superioridad femenina.
Cuando a la mujer se le da una oportunidad es capaz de demostrar su valía.
Los personajes están magníficamente construidos, tanto los buenos como los malos.
Por cierto en el sector malvado es (también) la mujer la más inteligente y creativa.
Curioso que el vehículo de perdición sean las pantallas que posiblemente, como en esta trama, nos hipnoticen y nos idioticen.
Lo más descacharrante de la peli es el bebé Jack Jack y el descubrimiento de sus superpoderes.
Impresionante como se presentan los demás super-héroes y sus poderes, de una manera sencilla, rápida e ilustrativa. Todo un ejemplo de cómo contar bien las cosas yendo al grano.
Conserva mensajes de la anterior de la saga como la manipulación de la opinión pública y la importancia de la presentación que hace la prensa de los hechos.
Un acierto de Disney es haber dejado que Pixar haya seguido la senda que se marcó desde un principio. Hacer productos de calidad para consumo infantil, pero que no defrauden a los padres, que pueden encontrar lecturas más profundas.
Está claro que de todos los personajes me quedo con Helen Parr, una heroína en su casa y en el trabajo, me recuerda a mi mujer.
Lo primero que me sorprende son las unánimes buenas críticas que ha recibido esta producción.
Lo habitual es dejarse arrastrar por la marea y apostillar alguna cosilla y poco más ante una completa y única opinión.
Si discrepas entre todos solo puedes ser un raro que pretende destacar.
Lo segundo decir que Tom Cruise siempre me ha caído mal, pero lo vi en Barry Seal: El traficante de Doug Liman y mi opinión cambió. Llegué a afirmar, cito textualmente:
Cruise está estupendo (pensé que esto nunca saldría de mi teclado), gracioso, divertido, convincente.
Y tercero, cuando comencé en esto de la crítica de cine me comprometí a ser sincero, a dar mi opinión contra viento y marea. En eso estoy.
Este blockbuster dirigido por el norteamericano McQuarrie es como una montaña rusa que te lleva a gran velocidad con periodos de más aceleración, sin que te dé mucho tiempo en comprender lo que está sucediendo.
Cuando me bajé de esta atracción tuve la sensación de haber perdido el tiempo, de haber asistido a un espectáculo vacío, en el que, incluso, me podían haber tomado el pelo.
Misión imposible: Fallout es una sucesión sin límite de persecuciones y disparos, donde la trama es engullida por la acción.
Donde todo es imposible, comenzando por los personajes, cuya composición, si es analizada mínimamente, resulta cómica.
Las situaciones, a cual más inverosímil, se suceden frenéticamente para demostrar la valía del bueno de Cruise.
Por cierto muy bien operado. Si tuviera que escoger un cirujano plástico desde luego me quedo con el de Tom.
El tío tiene 56 años y se conserva genial, está muy guapetón y muy en forma. (Esto me ha quedado un poco gay).
En todos los rodajes se dice que se lesiona, porque realiza él mismo las escenas de acción. Aquí parece que de verdad fue así, pues la grabación se tuvo que interrumpir varias semanas.
La peli dura dos horas y media y se hace larga, aunque todo funcione como un reloj, me aburre ver a Tom correr sin parar y recibir mamporros.
Descubro entre el reparto a la inglesa Vanessa Kirby que hacía de la díscola Princesa Margarita en The Crown. Se ha rumoreado que ha tenido un romance con Cruise, que ella ha desmentido (qué más quisiera Tom!).
Deseo que todo el mundo que vaya a ver esta Misión Imposible se lo pase fenomenal que disfrute con el más difícil todavía.
No comprendo cómo se repone en los cines esta peli de la época de la transición.
Su mayor interés es la presencia de Rafael Azcona como guionista.
Se trata de un sainete, de una comedieta muy pegada a la actualidad del momento.
Todo y todos giran alrededor del personaje de Paloma interpretado por una joven y arrebatadora Ana Belén.
Lo que más gracia me hace son las hijas de la protagonista, Paloma, Almudena, Atocha e Isidra. ¿Se puede ser más de Madrid?
Pepe Secristán da vida al marido que nunca ha trabajado para hacer boicot a los empresarios y evitar se beneficien de la plusvalía.
Toca temas muy delicados que ahora, creo yo, no son políticamente correctos, como la pedofilia.
Se hace chiste de manera reiterativa con los negros y de la huelga.
Se nota la mala leche de Azcona al fondo, pero falta el estilo Berlanga, porque García Sánchez no sabe darle la gracia, ni la sutileza adecuadas.
Casi nunca me fijo en la música. Solo la percibo si es muy buena o es inadecuada. Aquí me he dado cuenta por lo segundo. Llama la atención su uso en escenas donde es innecesaria.
Rozando y llegando en ocasiones al esperpento, resulta graciosa, a veces, y chirriante muchas otras.
Destacar las buenas interpretaciones, todas estupendas sin excepciones.
Luis Ciges impresionante como siempre.
Muy jóvenes Juan Echanove y Antonio Resines.
Lo mejor Ana Belén, muy natural en su papel de madre y mujer deseada, y las cuatro niñas que se mueven con una soltura pasmosa.
Me la recomienda un amigo esta peli. No puedo recordar quien lo hizo.
Con la palabra llamada hay varias pelis en este siglo que vivimos.
Está Última llamada de Joel Schumacher de 2002, La llamada de los Javis de 2017, Llamada perdida de Takashi Miike de 2003, Llamada perdidade Eric Valette de 2008, La llamada de Jason Stone de 2014, Llamada oculta de Amariah Olson de 2014, otra vez La llamada de David Nieto Wenzell de 2012 (una peli ecuatoriana) y otras cincuenta más.
Esta es La última llamadade Brad Anderson protagonizada por Halle Berry.
No comprendo el entusiasmo del que me la recomendó.
Se puede calificar de entretenida, si tus pretensiones son más bien tirando de bajas a nulas.
Una trabajadora del 112 a la que da vida la actriz mencionada vive a través de su teléfono una experiencia traumática que años después va a repetir tratando de evitar los mismos errores.
No hay profundización en los personajes, especialmente en el malo que no está ni perfilado.
Todo se mueve dentro de la senda del telefilm, con una realización rutinaria, sin ni un atisbo de originalidad o interés.
El guión sigue el camino ya perfilado desde el principio sin dar un solo paso hacia la sorpresa.
En definitiva, un producto rutinario de clase B sin el más mínimo interés.
Esta producción está construida con tres elementos: imágenes reales de la época del genocidio perpetrado por los Jemeres Rojos, figuritas esculpidas en arcilla y coloreadas a mano para recrear situaciones de las que no hay testimonio gráfico y la incesante voz en off de uno de los supervivientes.
Es el retrato en tono tristemente poético de una pesadilla histórica.
El relato es claramente subjetivo, lo que lo impregna de un sentimentalismo, de una especie de fatalismo aterrador.
La presencia de las figuritas de arcilla, aunque parezca paradógico, llena de expresividad el film.
Se aprende historia y se pasa mal, muy mal.
He leído que le falta un centímetro para ser una obra maestra, tal vez sean algunos más. La incansable voz en off no para ni un segundo. Creo que habría que haber dado una oportunidad a las imágenes por sí solas.
No puedo dudar de las buenas intenciones de esta película, ni del voluntarismo de su protagonista, una encantadora Amy Schumer.
Como le he oído decir al gran Carlos Pumares: “un drama tiene que hacer llorar y una comedia reír”.
Esta comedia hace sonreír poco, de lo pedido por Pumares nada.
El supuesto gran mensaje de la película se ve venir desde el principio y queda reducido a una pantomima cuando se presenta de una manera tan escasamente sutil.
La peli presenta la “gran” moraleja de saberse valorar a uno mismo (la autoestima) y saber aceptarse a sí mismo.
Esta pareja de directores podrían haber tratado el tema con más sutileza, con más elegancia.
Es una pena que un mensaje tan positivo pierda validez y fuerza cuando se expresa de una forma tan tosca.
Dicho esto, quiero dejar claro que siempre me hubiera gustado ser guapo.
Los guapos lo tienen más fácil en la vida.
A mi madre siempre le decía: “cuánto me hubiera gustado ser guapo“. Ella me respondía: “alguna otra cualidad tendrás“.
A pesar de todo he de decir que he tenido mucha suerte en la vida y que todo me ha salido bien tirando a muy bien, a pesar de ser feo.
Había oído hablar muy elogiosamente del director de esta peli Genndy Tartakovsky.
Ideólogo de esta saga, al que se le había dado barra libre para hacer la peli que quisiera.
Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas es una peli que no llega a ser entretenida, se acerca, pero no lo consigue.
Repleta de chistes sin gracia, decepciona casi todo el metraje.
Solo ocasionalmente hubo algo que me hizo reír, como esa familia de lobos con cientos de lobeznos pululando alrededor de sus padres, posiblemente lo mejor.
Desde luego no es Pixar. La trama es muy simple y no hay segundas, ni terceras lecturas.
Visualmente resulta atractiva, pero sin novedades y sin nada especial que recordar.
Esta miniserie está ambientada en el Nueva York de finales del XIX.
Se trata de un thriller con elementos de melodrama.
Con ese título no podía faltar la ración de psicología criminal barata.
Con personajes protagonistas atormentados por su triste pasado. Con malos muy malos a los que les coges verdadero asco.
Con dosis de feminismo en los personajes de Mary Palmer (Q´orianka Kilcher) y Sara Howard (Dakota Fanning).
La ambientación es colosal, con una representación muy cruda de la miseria de esa gran ciudad.
Además se respira la turbiedad moral en las calles y tugurios que se nos presentan y en las altas esferas de una sociedad profundamente corrupta donde los crímenes de los poderosos van a quedar impunes.
Hay algún truco de guión que no se explica.
La serie es interesante, pero no engancha tanto como otros productos.
¡Mamma Mia! La película sirvió hace diez años para que me reconciliara con Meryl Streep.
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Siempre la había visto en papeles dramáticos y contemplarla llena de alegría y de energía sirvió para que la apreciara como actriz, con su producción anterior y posterior.
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Estamos ahora ante una secuela y una precuela.
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Nos cuenta como fue ese verano de relaciones de Donna con tres jóvenes y por otro lado la inauguración del hotel diez años después de la boda de Amanda Seyfried.
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He disfrutado de esta peli con cada fotograma.
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Todos los números musicales con sus coreografías me han parecido sensacionales.
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Yo que nunca fui un gran fan de Abba, desconocía alguna de las canciones, pero me daba igual, son todas maravillosas.
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Lily James (Baby Drive, Orgullo + Prejuicio + Zombies, Cenicienta), la joven Donna, es un gran descubrimiento como cantante. Con una frescura, una gracia, un carisma ante la pantalla que la hacen irresistible.
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La aparición de Cher le da un plus. Impresionante cantando Fernando.
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El número final con todo el mundo vestido a lo Abba es una delicia. Dan ganas de bailar y de ser feliz.
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La Streep aparece poco, pero lo suficiente como para recordarnos que tenemos que ver la de hace diez años.
Estamos ante un biopic de la escritora de Frankenstein o el moderno Prometeo.
Su directora ha querido impregnar su peli de espíritu romántico.
Hay en sus personajes buenas dosis de inconsciencia, de ansias de libertad, de hedonismo y de espíritu artístico.
La fotografía, la ambientación, los diálogos todos muy británicos, con ese made in British.
Aunque está contada con elegancia, hay cierta ausencia de emoción, como si se pretendiera distanciarse de los personajes y no tomar partido descaradamente.
El desarrollo resulta muy teatral, con diálogos continuos que acompañan a las imágenes de manera constante. Con el uso de voz en off, para relatar la producción literaria, que agota.
De todo el reparto me quedo con la hermana interpretada por una extraordinaria Bel Powley.
A mí me ha parecido didáctica. No conocía cómo esta joven escritora realizó una obra que ha tenido tanta repercusión posterior.
![Hello Dolly (1969) | Pers: Barbra Streisand | Dir: Gene Kelly | Ref: HEL023CZ | Photo Credit: [ 20th Century Fox/Chenault / The Kobal Collection ] | Editorial use only related to cinema, television and personalities. Not for cover use, advertising or fictional works without specific prior agreement](http://www.holasoyramon.com/blog/wp-content/uploads/2018/08/poster_hellodolly.jpg)
