Cuando me enteré que Andy Serkis había dirigido una peli me pregunté: ¿será Smeagol o Gollum?
Una razón para vivir es una producción británica que habla de la superación personal ante la mayor de las adversidades.
Llena de momentos sentimantoloides, se trata de la típica película buenista que obvia los aspectos negativos para centrarse en los positivos.
Resulta difícil criticar una peli así, porque se puede interpretar que no apoyas este tipo de actitudes.
Me molesta que la carga del esfuerzo recaiga en el enfermo, cuando está claro que su cuidadora es la que más ha hecho por su enfermo.
Se pone al descubierto el interés por llevar una vida “normal” de este tetrapléjico.
Se olvidan elementos básicos de la vida cotidiana que son cuando menos molestos.
Cuestiones como la higiene, la alimentación, incluso la movilidad. Al paciente lo vemos en la cama y en el fotograma siguiente en la silla de ruedas como si esta operación fuera sencilla.
Movilizar a un enfermo de estas características exige mucho esfuerzo, desde luego su abnegada esposa por sí sola no lo podría hacer de ningún modo.
La peli además se mueve entre el drama y la comedia, confundiendo al espectador.
En una escena en la que se para el respirador y el protagonista comienza a sufrir de axfixia, parte del publico se reía antes las muecas y aspavientos del sufridor.
Lo más catastrófico es la parte que se desarrolla en España.
Vemos en un camino la señal de Tarragona, en un paisaje de tierras rojizas, alejado del ambiente mediterráneo.
Cuando una avería les deja paralizados en la cuneta aparecen un grupo de gitanos con guitarras cantando por bulerías. Una cosa muy catalana.
Diego, que me acompañó a la proyección, y un servidor nos quedamos hasta el final de los créditos para comprobar que había sido rodada en Sudáfrica e Inglaterra, ni un fotograma en Cataluña, como ya presentíamos.
Por cierto en el pasaje que se desarrola en Kenia (aunque en realidad es Sudáfica) los negros aparecen como elemento decorativo.
Decidamente esta peli la ha rodado Gollum y no Smeagol.
Ana Murugarren Fabo (Marcilla, Navarra, 1961) es una directora y editora de cine de larga trayectoria en la industria audiovisual española. Pertenece a la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales CIMA.
La peli comienza con la descripción terrible de los “escuadrones de la muerte falangistas” que en base a delatores iban dando “el paseíllo” a los desafectos al Régimen.
Aunque se llenaban la boca que estaban realizando una misión honorable, incluso sagrada, en el fondo de sus corazones sabían que eran miserables y temían la justicia (humana o divina).
Karra Elejalde ve en la mirada de un niño la posibilidad de la venganza y perdiendo la razón (o tal vez recobrándola) se convierte en una especie de anacoreta custodiando a la sombra de una higuera la tumba de sus víctimas.
La peli toma caminos berlanguianos por momentos.
Karra inconmensurable como siempre, pero el que me sorprende es un Carlos Areces, que esta vez no hace reír.
Este paisano de corazón sucio trasmite repugnancia y representa lo más miserable de la condición humana, sin redención ni ganas de tenerla.
Todos los actores estupendos. Pepa Aniorte es una especie de isla de sentido común en medio de un mar de sinsentidos.
Mikel Losada está irreconocible. Da miedo.
Es una peli que no todos los paladares disfrutarán, pero el mío sí.
A Elena siempre le han gustado las pelis de nazis (y a mí también).
Nos decidimos a ver esta producción francesa.
La parte inicial relata el ascenso dentro en el mundo nazi de Reinhard Heidrych, interpretado por un más que convincente Jason Clarke.
La segunda se centra en las peripecias de dos jóvenes que aterrizan con sus paracaídas en Praga para cargarse al malvado alemán.
Mientras la primera es muy interesante con el retrato de un psicópata, que es impulsado por su ambiciosa esposa, una especie de mujer fatal gamada.
En la segunda el relato del atentado y los preparativos resultan rutinarios, incluso irritantes.
Porque estos dos soldados se echan novia, cumpliendo con los requisitos necesarios para componer el telefilm más rutinario que se puede idear.
La fotografía es muy bonita con planos virtuosos que no pueden disimular la falta de fuerza narrativa de una historia que podría haberla tenido y se ha quedado en muy poco.
Rosamun Pike interpreta a una nacionalsocialista cautivadora. Tal vez el que se la eche de novia estaría destinado a idear “la solución final”.
Jean Servais interpretando a Tony “El Stéphanois” es la encarnación pura del declive personal.
Enfermo, para terminar moribundo, emprende una hazaña, que él y todos saben, está destinada al fracaso.
La bella Madó ejerce de mujer fatal, cuya fidelidad a Tony duró lo que un paquete de droga en la puerta de un instituto, pero tal vez, era solo pura supervivencia.
Sin personajes buenos, sin redención, sin misericordia.
Malhechores con sus códigos de amistad y de lealtad.
Blanco, negro y cielos grises.
Cine negro en estado puro.
Curiosidades:
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Julius Dassin (18 de diciembre de 1911, Middletown (Connecticut), Estados Unidos – 31 de marzo de 2008, Atenas, Grecia) fue un guionista, escritor, actor y director de cine estadounidense de origen judío-ruso.
Es padre del cantante Joe Dassin.
Tras una importante carrera cinematográfica, entre 1941 y 1950, acabó trasladándose a Francia, al ser incluido en la lista negra de Hollywood durante el macarthismo.
Allí cambió su nombre por el de Jules, continuando con su profesión. Finalizó rodando en colaboración con Grecia.
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Una larga secuencia:
La secuencia de robo dura más de 32 minutos de duración y no contiene una sola línea de diálogo o música.
El equipo de producción y el compositor Georges Auric pensaron que sería un desastre tener una secuencia tan larga sin diálogo.
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Imitadores:
Las autoridades mexicanas prohibieron la película de los cines después que se cometieron varios robos con métodos similares a los que se muestran.
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Rififi:
En el argot francés, “Rififi” se define libremente como conflicto violento entre hombres en tugurios parisinos.
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Dassin es César:
El escritor y director Jules Dassin interpretó a César, el Milanés; solo porque el actor que fue contratado tuvo problemas justo antes del rodaje.
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Trucos:
Para la escena en la que Jo y Mario informan a Tony de su intención de atracar Mappin & Webb, el equipo colocó una mesa y tres sillas frente a un marco de ventana falso en el medio de la calle para crear la ilusión de que estaban sentados en un café al otro lado de la calle de los joyeros.
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Sin ruidos:
Dassin afirma que su razón para el largo silencio era el realismo.
Reforzaba el armonioso trabajo en equipo bien planificado.
Trabajan en un estado de completo silencio donde cualquier sonido (como Jo golpeando el piano) era su enemigo mortal.
Cesar usa zapatillas de ballet durante el atraco.
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Dassin en la ruina:
La película fue realizada con un presupuesto extremadamente pequeño (tan escaso que Dassin afirma que las personas no le creen cuando él les dice la cantidad), y esa es la razón por la que tantas personas desesperadas (incluido él mismo) o inexpertas fueron contratadas para la producción.
El director estaba tan arruinado en el festival de cine de Cannes en 1955 (donde ganó el premio al mejor director) que, mientras veía a uno de los productores jugar en los casinos, tuvo que pedir algo de dinero para apostar.
Luego preguntó en qué fecha habían comenzado a filmar Rififi.
Cuando se le informó de la fecha (el día 18), Dassin puso todo su dinero en 18 y ganó.
Él afirma que su familia logró vivir de este dinero por un tiempo.
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En argot:
La jerga en la que se escribió la novela era incomprensible para el escritor y director Jules Dassin.
Cuando llegó a comprender la novela convenció al escritor, Auguste Le Breton, para que cediera los derechos.
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Días grises:
Dassin, con el objetivo de realizar una película oscura y sombría, con grises profundos, se negó a filmar en hermosos días soleados.
Esto supuestamente causó mucha frustración entre los productores, ya que el rodaje se alargó.
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De argelinos a franceses:
Dassin se vio obligado a abandonar los USA al estar en la lista negra de Hollywood.
Un asunto polémico fue que varios de los personajes de la novela eran argelinos.
En esa época estaba en plena efervescencia el “Problema Argelino”.
Los productores querían que Dassin convirtiera a los personajes en estadounidenses.
El director acordó que solo fueran franceses.
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Joyas buenas:
Las joyas robadas durante el atraco fueron auténticas cedidas por el joyero Jean Dusausoy, con la condición de que estuvieran protegidas por la policía.
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Truffaut:
El crítico, actor y director de cine François Truffaut dijo lo siguiente: “de la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de cine negro que yo haya visto nunca“.
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Premios:
1955: Cannes: Mejor director (ex-aequo con Vasilyev por “Los héroes de Chipka”)
1956: National Board of Review: Top mejores películas extranjeras
Todas las semanas Guadalajara Media nos brinda la oportunidad de realizar una entrevista a un aficionado al cine.
Diego Gismero conduce el programa que realizamos en los Multicines Guadalajara.
Esta semana hemos tenido la suerte de contar con Julio Cuevas, uno de los grandes médicos de atención primaria de la provincia y Presidente del Colegio de Médicos de Guadalajara.
Lo hemos pasado fenomenal, hablando de John Wayne.
Más de treinta años después que se presentara Rocío de Fernando Ruiz Vergara, José Luis Tirado realiza este documental sobre el rodaje y los problemas de exhibición de esta película.
Cuenta con los testimonios de los técnicos, de los productores y del propio director antes de su fallecimiento.
El equipo de rodaje se involucró plenamente en la realización de la peli.
Durmió en tiendas de campaña los días de filmación.
Vivió, comió y mal durmió como los propios peregrinos.
Se metieron con sus cámaras en medio de la muchedumbre, que incluso les aupaban para que pudieran grabar mejor.
Ruiz Vergara daba unas instrucciones generales y los profesionales filmaban sin conocimiento.
El documental se montó en Lisboa, donde se cedió todo el equipo necesario.
Este trabajo duró más de un año.
La polémica surgió por dos cuestiones.
Por un lado la mención sobre unos asesinatos durante la Guerra Civil donde se relacionaba a unos de los presidentes de la Hermandad del Rocío.
El supuesto criminal ya estaba fallecido, pero su familia interpuso una demanda.
El director se responsabilizó de todo lo expuesto y fue condenado a prisión y a una cuantiosa indemnización.
Ya no volvió a rodar ninguna película más.
Además la peli fue prohibida durante unos años y posteriormente se obligó a cortar determinados segmentos de película, que cuando se volvió a exhibir aparecían en negro con una leyenda sobre la sentencia del juzgado correspondiente.
Además la Iglesia Católica interpuso otra demanda sobre “escarnio a la religión” que no prosperó.
El material sobre los asenitatos durante la guerra, se lo encontró el director de casualidad, sin buscarlo.
No venía muy al caso en un documental sobre la Romería del Rocío, pero eran testimonios de tanta potencia que no pudo evitar la tentación y los expuso en la película. Sin suponer el lío en el que se metía.
Lo que se exponía en esta película rompía el “Espíritu de la Transición“.
Ese pacto en el que no se podían remover asuntos pendientes de la Guerra Civil, en el que no se podían poner en cuestión los poderes establecidos, donde no había sitio para lo que después se llamó “la memoria histórica”.
Lo curioso es que no fueron los poderes políticos los que prohibieron la peli, sino el judicial que ejerció de brazo ejecutor para impedir la libertad de expresión.
El Jurado Internacional de la Sección Oficial del Festival de Sevilla 2017, compuesto por THOMAS ARSLAN, AGATHE BONITZER, FERNANDO FRANCO, PAOLO MORETTI y VALÉRIE DELPIERRE, ha decidido otorgar los siguientes premios:
GIRALDILLO DE ORO
Película: A FÁBRICA DE NADA (Portugal, 2017)
Dirigida por: Pedro Pinho
El documental, la ficción y el musical conviven brillantemente en esta atrevida y cercana película, que lleva al espectador a un viaje visionario y dramáticamente realista. Por centrarse en la compleja situación económica contemporánea con una enfoque antirretórico, poético y profundamente original.
A partir de una historia aparentemente marginal y “local”, el director crea un retrato social metafórico preciso y tenso, que trasciende poderosamente lo real para adquirir una gran magnitud sociopolítica.
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
Película: ZAMA (Argentina, España, Francia, Holanda, EEUU, Brasil, México, Portugal, Lebanon, Suiza, 2017)
Director: Lucrecia Martel
Transnacional, transterritorial, poética y políticamente, la película explora un universo fantasioso pero histórico que nunca deja de evocar el tiempo presente.
He conocido algún crítico sevillano y al director del Festival de Cortos de Fantástico y Terror la Vieja Encina que se celebra en la localidad sevillana de San Nicolás del Puerto.
He asistido a pocos saraos para centrarme más en ver pelis.
He terminado mucho menos cansado que en otros festivales al acostarme a horas prudentes.
Repasemos un poco el Palmarés.
Es siempre difícil coincidir con los jurados.
Suele haber intención de repartir los premios para contentar a casi todos, cuestión siempre imposible.
El Giraldillo de oro se lo ha llevado A fábrica de nada de Pedro Pinho, un drama social portugués que entraba dentro de las quinielas y que yo había avanzado en EsRadio Guadalajara con Mónica Gallo que podía ser una de las ganadoras.
A pesar de sus casi tres horas de metraje no se hace larga. Es un Ken Loach a la portuguesa.
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No comprendo tanto el Gran Premio del Jurado a Western de Valeska Grisebach, una producción búlgara que no recomiendo a nadie. Pero que puede tener cabida en el Cine Club Alcarreño.
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Zama de Lucrecia Martel ha recibido una mención especial, que entiendo porque es una peli muy de festival.
Además viene apadrinada por El Deseo la productora de Agustín Almodóvar, que acudió a la rueda de prensa a defenderla.
Me pareció un coñazo.
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Mathieu Amalric se llevó el premio a la mejor dirección por el biopic (raro) musical Barbara, que a mí me fascinó.
Una peli con una excelente fotografía (y no esta Hermanos de invierno) es Les gardiennes de Xavier Beauvois que se ha quedado sin nada, siendo una de las que esperaba fuera premiada, a pesar de su ritmo pausado y de su corta historia.
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Como veis todo muy repartido. Premios a una portuguesa, a una búlgara, a una española, a dos francesas, a dos italianas y a una danesa.
Las mejores pelis han estado fuera de la Sección Oficial en secciones como Special Screening o Selección EFA.
Y la rusa Sin amor de Andreï Zviaguintsev una peli estupenda, que si no es exhibida en salas comerciales se merece un espacio de lujo en los Cine Clubes. Mezcla de drama familiar e intriga. Desgarradora y triste.
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Voy a poner la lista de pelis que he visto en el Festival ordenadas de peor a mejor, según mi criterio (claro) y con la puntuación:
Rachid Hami | Francia | 2016 | 96 min. V.O. Francés subtitulada en español e inglés.
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Simón (Kad Merad, Los chicos del coro, Bienvenidos al norte) es un distinguido violinista que, a los 50 años y en horas bajas personales y profesionales, termina dando clases a una orquesta de sexto curso de una escuela parisina. Un plato que acogerá con bastantes reparos, sin darse cuenta de que se enfrenta al reto de su vida. Una película que plasma con emoción los desafíos de la educación a día de hoy y las dificultades para transmitir la pasión artística, en un mundo en que el arte se revela fundamental para formar a seres humanos cabales.
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Dirección: Rachid Hami
Guion: Guy Laurent, Valérie Zenatti, Rachid Hami
Fotografía: Jérôme Almeras
Montaje: Joëlle Hache
Música: Bruno Coulais
Sonido: Laurent Poirier, Éric Tisserand, Hélène, Lelardoux, Arnaud Rolland
Intérpretes: Kad Merad, Samir Guesmi, Renely Alfred
Producción: Nicolas Mauvernay
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Este tipo de películas se ha prodigado mucho en los últimos años en el cine francés.
La educación como elemento de redención de los más desfavorecidos socialmente.
En este caso se trata de clases de violín en un colegio multirracial.
Tanto el profesor como los alumnos terminan encontrando el gustillo al asunto.
Todo sale perfecto. Se superan las desavenencias y todos felices.
Hablar mal de una peli buenista es peligroso.
Pero la realidad no suele ser tan bonita.
Esa es la palabra.
Unas señoras al salir decían con acento sevillano: ¡Qué boniiiita!
Será un éxito en las salas porque tal vez es lo que a todos, incluido un servidor, nos gusta pensar.
Llegará un profesor de violín a un colegio y los niños ya no estarán abocados a la droga, al paro, a la marginalidad, porque el arte ejerce un efecto redentor.
Andrey Zvyagintsev | Rusia, Francia, Alemania, Bélgica | 2017 | 127 min. V.O. en ruso subtitulada en español e inglés.
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Andrey Zvyagintsev (Elena, Leviatán) ganó el Premio del Jurado de Cannes por este thriller de poderosas imágenes basado en la desintegración de una pareja, reflejo implacable de la nueva Rusia de Putin y del neocapitalismo salvaje. Zhenya y Boris tuvieron un hijo muy jóvenes, pero ahora se odian a muerte. Cada uno ha hecho su vida (él ha dejado embarazada a una joven, y ella está liada con un hombre rico), y en sus cuitas se olvidan del hijo, que desaparece tras una de sus peleas. Ante la inoperancia de la policía, habrán de aunar fuerzas y buscar alternativas para dar con su paradero.
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Dirección: Andreï Zviaguintsev
Guion: Oleg Negin, Andreï Zviaguintsev
Fotografía: Mikhail Krichman
Montaje: Anna Mass
Música: Evgeni Galperin
Sonido: Andrei Dergachev
Intérpretes: Mariana Spivak, Alexéi Rozin, Matvéi Novikov, Marina Vasilieva, Andris Keishs, Alexéi Fateev
Producción: Alexandre Rodnianski, Sergueï Melkoumov
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Esta peli rusa es la caña.
Comienza como un drama familiar para derivar en un thriller.
La representación de está pareja, algo más que descompuesta, putrefacta es descomunal.
La conversación que desencadena el llanto del niño escondido mientras discuten sus padres, es tan terrible, tan despiadada que me revolvió las tripas.
El drama mayúsculo de un niño no deseado que ha sufrido una existencia “sin amor“.
Cuando el retrato de los personajes está completo, en esa Rusia de Putin neocapitalista, donde lo que prima es el hedonismo de las clases pudientes, se abre paso la intriga.
La búsqueda consigue mantener el clímax en todo momento, fotografiando la Rusia destruida, en escombros.
Una peli colosal. De lo mejor que he visto en mucho tiempo.
Espero que llegue a nuestras pantallas o al menos al Cine Club Alcarreño.
Laurent Cantet | Francia | 2017 | 113 min. | V.O. en francés subtitulada en español e inglés.
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Cantet (El empleo del tiempo, La clase) domina el arte de poner en escena un debate y convertirlo en algo apasionante, y de hacer un cine político lejos de consignas mononeuronales. La adrenalina del desacuerdo y del intercambio de ideas brilla en un taller de escritura en el sur de Francia, verano junto al mar en el que un grupo de jóvenes intenta escribir una novela negra de la mano Olivia, escritora de éxito. Cuando un alumno díscolo surge, empiezan a revelarse las dinámicas sociales subyacentes en el grupo al calor del pasado industrial del lugar y de la popularidad de Marine Le Pen.
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Dirección: Laurent Cantet
Guion: Laurent Cantet y Rober Campillo
Fotografía: Pierre Milon
Montaje: Mathilde Muyard
Música: Bedis Tir y Édouard Pons
Sonido: Olivier Mauvezin, Agnès Ravez, Antoine Baudouin
Intérpretes: Marina Foïs, Matthieu Lucci, Warda Rammach Y Issam Talbi
Producción: Denis Freyd
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Un grupo de jóvenes se reúnen en un taller de escritura.
Es la representación de la Francia multirracial.
Hay un alumno que se aparta del respeto a los demás y que no termina de encajar.
La peli nos descubre la ideología que tiene detrás.
Laurent Cantet plantea el problema, pero la solución la parece encontrar el ultraderechista, o no.
Lo que he terminado entendiendo, que tal vez no sea lo que quiere decir el director, es que hay individuos que no se van a integrar en una sociedad que para ellos debería ser excluyente.
Las escenas del rapto me parecen chirriantes, pero aún así la peli me ha gustado.
En la Sección Oficial de este festival se han presentado cinco pelis galas.
En lugar de coger acento sevillano lo estoy cogiendo francés.
Kikol Grau | España | 2017 | 60 min. | V.O. en español subtitulada en inglés.
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Desde un espíritu punk y con su ya conocida estrategia de “search footage”, Kikol Grau desafía el discurso imperante sobre la Transición: una etapa supuestamente modélica, pero que mirada de cerca ofrece no pocas dobleces. Un batiburrillo pensante en el que lo mismo caben las obras de cineastas disidentes como Jordá o Soler que el cine quinqui, los noticiarios, las películas del destape, La bola de cristal o Los santos inocentes. Avalancha visual, cadáver exquisito que radiografía esa querida España, mía y nuestra, de entre 1975 y 1982.
Kikol Grau en un trabajo fin de carrera intenta desmontar el mito de la Transición modélica.
Para ello cuenta con un inmenso material, sobre todo películas, pero también programas de televisión.
Intenta argumentar que toda la información que se suministró fue para convencer que la Transición era el paradigma de la reconciliación.
Muchas de las imágenes que se nos ofrecen son de una calidad ínfima.
Por otra parte aporta datos que para mí son demasiado sabidos y me resultan superflúos.
Comparto su argumentación en lo de la Monarquía y en otros muchos aspectos.
Pero lamentablemente no da una alternativa (teórica) para ese proceso de paso de la dictadura a la democracia.
En cualquier caso quiero felicitarle a Kikol por realizar un documental entretenido, con calado y que además me da a conocer películas que habrá que visionar.
En el trabajo le pusieron un seis y el título no lo tiene firmado por Felipe VI. No es broma.
Paolo Taviani, Vittorio Taviani | Italia, Francia | 2017 | 84 min. V.O. en italiano subtitulada en español e inglés.
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Un triángulo amoroso se complica cuando entre sus vértices se cierne la borrasca de la Segunda Guerra Mundial. Los Taviani, leyendas vivas del cine italiano, firman un ágil, hermoso y elegante film sobre los amores jóvenes y la Italia antifascista. Milton, recorriendo el Piamonte con el bando de los partisanos, da con el caserón en el que transcurrió su bello verano, en el que rivalizaba con Giorgio por el amor de la incomparable y caprichosa Fulvia. Bailes, sol, tardes juntos, que vuelven a él ante la sospecha de que Giorgio y Fulvia eran amantes secretos. Decide entonces ir en busca de Giorgio, que está en otra brigada, cuando se entera de que le han apresado los fascistas.
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Dirección: Paolo & Vittorio Taviani
Guion: Paolo & Vittorio Taviani
Fotografía: Simone Zampagni
Montaje: Roberto Perpignani
Música: Giuliano Taviani, Carmelo Travia
Sonido: Gianfranco Tortora
Intérpretes: Luca Marinelli, Lorenzo Richelmy, Valentina Bellé, Francesca Agostini, Jacopo Olmo Antinori
Producción: Donatella Palermo, Ermanno and Elisabetta Olmi, Serge Lalou, Eric Lagesse
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Los octogenarios hermanos Taviani nos centran su historia en la guerra entre fascistas y partisanos en el Piamonte, en plena Segunda Guerra Mundial.
A Milton, un guerrillero curtido y conocido, le da un ataque de cuernos cuando sospecha que su mejor amigo se ha podido liar con su mejor amiga…
De eso hablan los Taviani en esta “Cuestión privada” en medio de una guerra.
Contada con vigor, incluso con vehemencia.
La crónica de una pasión que hace perder el conocimiento y el sentido común.
Esta semana EsRadio Guadalajara ha contado para hacer su programa de cine semanal con Mónica Gallo, Diego Gismero y desde Sevilla, un servidor, Ramón Bernadó.
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Hemos comentado especialmente estas películas que han sido presentadas en el Festival de Cine Europeo de Sevilla:
Stéphane De Freitas, Ladj Ly | Francia | 2017 | 99 min. V.O. Francés subtitulada en español.
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Alzar la voz, hablar con elocuencia, construir y argumentar un discurso. Herramientas tan necesarias en la vida como apasionantes de construir. Se acerca la fecha de Eloquentia, concurso de oratoria donde jóvenes (no precisamente privilegiados) medirán sus fuerzas. En esta cuenta atrás, todo un entrenamiento en plan Rocky (pero del arte de hablar en público, y con más humor) les llevará a lo más alto de su potencial. Una emocionante carrera en la que participan desde un exhomeless, hasta una feminista musulmana, una joven que ha perdido a sus padres y otro que camina 15 kilómetros cada día para ir a clase desde su casa en el bosque. Todos ansiosos por hablar alto y claro al mundo.
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Dirección: Stéphane De Freitas & Ladj Ly
Guion: Stéphane de Freitas
Fotografía: Ladj Ly, Timothée Hilst
Montaje: Jessica Menéndez, Pierre Herbourg
Música: Superpoze
Sonido: Henri D’Armancourt
Intérpretes: Bertrand Périer, Loubaki Loussalat, Pierre Derycke, Alexandra Henry
Producción: Harry Tordjman & Anna Tordjman
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Un documental magníficamente construido, con una labor de montaje encomiable.
Pero los valores cinematográficos (que son muchos) no son los importantes en este documental.
Hay un mensaje muy emotivo y trascendental.
La importancia de la palabra, del discurso bien elaborado, de la elocuencia.
Cuando oigo a personajes públicos sus frases bien construidas, con razonamientos bien elaborados, causan en mí una profunda admiración.
Esta peli esta repleta, rebosante de estas cuestiones.
Estudié muchos años francés en el colegio. Las veces que he estado en Francia me he defendido.
Recuerdo una vez visitando una iglesia en París (Eglise Saint-Eustache) que oí al sacerdote en su sermón. Su dicción, su pronunciación eran tan perfectas que conseguí entender todo.
Me ha vuelto a pasar con algunos de los protagonistas de este documental.
He sentido una emoción especial.
He aprendido que ser elocuente y dar un toque personal, no solo no están reñidos, sino que van necesariamente de la mano.
Desde ahora prometo esforzarme por hablar correctamente, por pronunciar mejor y por intentar construir mis discursos lo mejor posible.
Agradecer a su director Stéphane De Freitas su presencia en el Festival de Sevilla y esta magnífica muestra del mejor cine.
Eva Vila | España | 2017 | 90 min. | V.O. en español y catalán subtitulada en español e inglés
Con el mito como motor, Penélope se despliega en un imponente paisaje como una versión elíptica y crepuscular de La Odisea de Homero, tan íntima como absorbente. La Penélope de esta historia se llama Carmen, tiene el carácter de una generación dura pero sentida, y espera en Santa María de Oló. El Ulises es Ramón, que regresa al pueblo tras treinta años de ausencia. Un último viaje cuyo fin, más allá de lo vivido, es el regreso a una patria y a un modo de vida que se extinguirá con ellos. Una película de Eva Vila (Bajarí), el único proyecto español en recibir apoyo de Eurimages.
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Dirección: Eva Vila
Guion: Pep Puig, Eva Vila
Fotografía: Julián Elizalde
Montaje: Diana Toucedo
Música: Juan Sánchez ‘Cuti’
Sonido: Amanda Villavieja, Eva Valiño
Intérpretes: Carme Tarte Vilardell, Ramon Clotet Sala
Producción: Monika Derenda, Sandra García
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¿Cómo alguien puede dedicar tiempo de su vida en hacer este bodrio?
Llevo un día muy malo en el Festival de Sevilla.
La anterior peli del día, Little crusader, era un aburrimiento absoluto, le he puesto un cero patatero.
Pero ésta no le va a la zaga.
La vida cotidiana de una anciana en un pueblo de Cataluña.
Se oye de vez en cuando una voz en off contando La Odisea (no es coña).
Con ritmo, no pausado, comatoso.
Con planos supuestamente poéticos.
Hemos soportado cuatro minutos de campanas tañendo y muchas más escenas innecesarias.
La viejecilla es una actoraza, pero en muchas escenas en penumbra no se le ve la cara.
¡Qué no vengan con qué es cine de autor, no apto para todo el público!
Ni la madre de la directora es capaz de aguantar este bodrio.
Václav Kadrnka | República Checa | 2017 | 90 min. | V.O. en checo subtitulada en español.
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Ganadora del Globo de Cristal, máximo galardón de Karlovy Vary. Una mañana luminosa, el niño rubio de la armadura y la espada de madera se va de casa. Al padre del niño le espera una cruzada, la de encontrarle, para la que solo va armado con un retrato bordado en un pañuelo. Bosques, tabernas, poblados, monjes y feriantes se cruzan en este periplo celeste y crema, en una película que camina junto al Lancelot du Lac de Bresson con aires ligeros y serenos. Con amor por el detalle, mirada precisa y una sencillez que no camufla su grandeza, Kadrnka (Eighty Letters) se confirma como el cineasta checo más certero a día de hoy.
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Dirección: Václav Kadrnka
Guion: Vojtěch Mašek, Jiří Soukup, Václav Kadrnka
Fotografía: Jan Baset Střítežský
Montaje: Pavel Kolaja
Sonido: Jan Čeněk
Intérpretes: Karel Roden, Aleš Bílík, Matouš John, Jana Semerádová, Jana Oľhová, Ivan Krúpa, Eliška Křenková
Producción: Václav Kadrnka sr.
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Se trata de un remake de Juego de Tronos, a la checa.
Pero no hay ni Lannister, ni Starks, ni castillo Rocadragón, ni Khaleesi, ni Targaryen, ni Desembarco del Rey, ni el Muro del Norte, ni los Guardianes de la noche, ni Aria, ni dragones, ni Jon Nieve, ni la madre que la pario.
Solo un señor con barbas ataviado con una cota de malla encima de un caballo.
Planos largos de duración y de composición, que se hacen eternos.
Llega una escena que salen unas veinte personas. No pude evitar reírme: ¡Parece una superproducción!
Penosa, ridícula e insoportable tomadura de pelo.
Alguien podrá decirme que no la he entendido.
Seguro que no la ha entendido ni yo, ni su p… madre. Con perdón.
