Lo más interesante de este documental es el debate que me presenta sobre la pornografía.
.
Está claro que la gran diferencia, que hace que un vídeo porno sea lícito o no, es el consentimiento de las partes. Si no hay consentimiento es ilegal y reprobable.
.
Nos muestra los diferentes puntos de vista en el conflicto que se ha planteado con esta web de vídeos de contenido sexual, que yo no conocía.
.
Por un lado los (puritanos) que pretenden eliminar la web, porque puede difundir porno infantil y vídeos sin el consentimiento de las víctimas, y los que defienden la pornografía como método de diversión y esparcimiento generador de empleo para los artistas.
.
Está claro que una empresa si ve negocio le puede dar igual el contenido que se difunda. Eso es deleznable, pero el control de la red es muy complejo y por ello se deben de poner todos los medios posibles para evitarlo y minimizarlo al máximo.
.
El documental está bien, sobre todo, porque me ha dado a conocer aspectos que no había sospechado.
.
Hecho en falta la presencia de más Porno Stars.
.
Mi puntuación: 5,88/10.
.
.
Dirigido por Suzanne Hillinger:
.
.
Ficha:
Título original
Money Shot: The Pornhub Story
Año
2023
Duración
94 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Suzanne Hillinger
Reparto
Música
Kyle Scott Wilson
Fotografía
Iris Ng
Compañías
Jigsaw Productions. Distribuidora: Netflix
Género
Documental | Sexualidad y pornografía. Internet / Informática
No es una película del video juego. Es una película de cómo se consiguieron las patentes de Tetris para el resto del mundo.
.
También es un retrato de la época final de la Unión Soviética y de la corrupción que había carcomido los ideales del comunismo.
.
El libre mercado, el capitalismo acabó venciendo al llamado socialismo real.
.
La película juega a ser comedia con estructura de thriller y cine de espías.
.
La fotografía es sensacional. Retratando una URSS triste y gris.
.
La trama central de la compra de los derechos del video juego es solo un pretexto para contar todo lo demás.
.
Su protagonista Taron Egerton, que da vida a Henk Rogers, es el único que parece optar por una posición ética, dentro del modelo del mercado.
.
Magnífico el personaje de Alexey Pajitnov, como ese genio informático, al que pone presencia Nikita Efremov. Todo un acierto.
.
Me ha divertido mucho y me ha mantenido en tensión.
.
Conclusión: la que manda es la pasta.
.
Voy a jugar un ratillo al Tetris.
.
Mi puntuación: 8,23/10.
.
.
Dirigido por Jon S. Baird:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 58 min
Género: Biográfico | Drama
Título original: Tetris
Año: 2023
Fecha de estreno en España en Apple TV+: 31-03-2023
País: EE.UU.
Dirección: Jon S. Baird
Intérpretes: Taron Egerton, Nikita Efremov, Toby Jones, Sofya Lebedeva, Matthew Marsh, Ben Miles, Rick Yune, Roger Allam, Ayane, Ieva Andrejevaite, Anthony Boyle, Togo Igawa, Oleg Stefan, Ken Yamamura, Ayane Nagabuchi
Guión: Noah Pink
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Alwin H. Küchler
Producción: Matthew Vaughn, Claudia Schiffer
Distribuye en formato doméstico: Apple TV+
Una película sensiblera, empalagosa y torpe para ofrecer un mensaje manipulador.
.
La bondad de todos los personajes, rodeados de un sentimentalismo edulcorado, producen en mí un intenso sentimiento de rechazo.
.
No es posible que en una historia como ésta, todo absolutamente todo sea tierno y benigno. El único conflicto es saber cual de los personajes va a llorar más y va a manifestar más humanidad.
.
La película nos lleva hacia el mensaje que he expuesto en la portada.
.
Es un telefilm infame, no por su mensaje, que es perfectamente respetable y que puedo compartir, sino por la terrible e insufrible manipulación a la que es sometido el espectador.
.
No hay personas tan íntegras en la vida real.
.
Uno de los personajes se dedica a grabar con su móvil todas las escenas conmovedoras e íntimas, en una especie de pornografía sentimental, que me parece deleznable.
.
Una de las peores películas que he visto en mi vida.
.
Absolutamente infumable.
.
Mi puntuación: cero patatero/10.
.
.
Dirigido por Kevin Peeples:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 00 min
Género: Drama
Título original: Lifemark
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: EE.UU.
Dirección: Kevin Peeples
Intérpretes: Raphael Ruggero, Kirk Cameron, Rebecca Rogers, Dawn Long, Justin Sterner, Alex Kendrick, Lowrey Brown, Marisa Lynae Hampton, Isabelle Almoyan, Melissa Coles, Elleina Papageorgiou, Harlen Ernest
Guión: Kevin Peeples, Alex Kendrick, Stephen Kendrick
Música: Kyle McCuiston
Fotografía: Bob Scott
Distribuye en cine: European Dreams Factory
La película francesa de esta semana no aporta grandes novedades.
.
Un grupo de antiguos amigos se reúnen en la zona de la Champagne, a beber vinos y cotillear.
.
El eje argumental, además de las diferentes relaciones personales, es la aparición de la joven novia de uno de estos maduritos.
.
Una chica que es el objeto de mofa y ataque de, especialmente, las mujeres del grupo.
.
Pretende ser una dramedia de tono desenfadado.
.
Ofrece poco y aporta menos.
.
La he visto con cierta desgana, pero no la condeno. No aporta nada, tampoco ofende.
.
Me compadezco de la joven Christine (Claire Chust), una corderita en medio de una manada de lob@s.
.
Hay oda a la amistad y todo eso… que ya hemos visto mil y una veces.
.
Mi puntuación: 4,98/10.
.
.
Dirigido por Nicolas Vanier:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 32 min
Género: Comedia
Título original: Champagne!
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: Francia
Dirección: Nicolas Vanier
Intérpretes: Elsa Zylberstein, Stéphane De Groodt, Eric Elmosnino, Valérie Karsenti, François-Xavier Demaison, Sylvie Testud, Stefi Celma, Marie-Julie Baup, André Penvern, Claire Chust, Arielle Sémenoff, François Berléand
Guión: Nicolas Vanier, Xavier Nemo
Música: Matteo Locasciulli, Sylvain Goldberg
Fotografía: Eric Guichard
Distribuye en cine: A Contracorriente
“Primera parte de la obra dedicada a la vida del gángster Jacques Mesrine, alias “el hombre de las mil caras”, una auténtica leyenda del crimen. Siendo soldado en Argelia, fue perdiendo sus escrúpulos al tener que aplicar en los interrogatorios los brutales métodos del ejército francés. Al regresar a Francia, la reincorporación a la vida cotidiana se le hizo difícil. Con la ayuda de un amigo se introdujo en el mundo de la delincuencia y, en poco tiempo, pasó de ser un sicario a convertirse en un poderoso gángster”.
.
Impresionante el retrato que recrea Vincent Cassel de este delincuente despiadado.
.
Tal vez, llevara en su interior un psicópata, o, tal vez, aprendió a serlo, cuando se dedicó a la tortura en la Guerra de Argelia.
.
Entonces mataba legalmente para defender el colonialismo patrio, cuando lo hace por sus intereses se convierte en el enemigo público número uno.
.
Hay escenas impactantes que no podré olvidar, como cuando lleva la violencia machista al paroxismo con su esposa española, una estupenda Elena Anaya.
.
Mal dibujado queda el personaje de Cécile De France. Cuando la película llega a esas alturas del metraje se vuelve más inconexa y fugaz, no pierde ritmo, pero sí profundidad.
.
Estoy haciendo un pequeño ciclo sobre Jean-François Richet, el director, productor y guionista francés que creció en Meaux, un suburbio al este de París.
Título original
Mesrine: L’instinct de mort
Año
2008
Duración
113 min.
País
Francia
Dirección
Jean-François Richet
Guion
Abdel Raouf Dafri. Novela: Jacques Mesrine
Reparto
Música
Marco Beltrami, Marcus Trumpp
Fotografía
Robert Gantz
Compañías
Coproducción Francia-Italia-Canadá; La Petite Reine, 120 Films, M6 Films, Pathé, Canal+, TPS Star, Novo RPI
Género
Thriller | Biográfico. Crimen. Robos & Atracos. Años 50. Años 60
Su antecesora fue una película modesta que hizo una floja recaudación, pero con los años se fue convirtiendo en una película apreciada por los seguidores de la ciencia ficción.
.
Por eso se decide producir esta secuela, que contó con un abultado presupuesto de unos 100 millones de dólares, con los que se realizaron unos magníficos efectos especiales.
.
En los USA salvó los trastos por poco, pero en el resto del mundo fue un exitazo muy taquillero.
.
Cameron se desenvolvió en su salsa, con un presupuesto a la medida de su megalomanía, creando una película compleja y tremendamente novedosa en su estructura y propuesta.
.
Impresionante Linda Hamilton, que en estos siete año,s de una `película a otra, se transformó en una guerrera implacable, atormentada y tenaz que produce cierto miedo en espectadores sensibles como yo.
.
Un acierto el personaje de metal líquido que ha pasado a la historia del cine. El T-1000 al que da vida Robert Patrick.
.
La película denuncia el trato en los psiquiátricos que pretenden la docilidad del paciente, más que su tratamiento y curación.
.
Se nos ofrece un psiquiatra sin piedad, el Dr. Silberman (Earl Boen), que ya fue presentado en la película de 1984. Tan odioso que nos alegra la violencia de Sarah hacia él.
.
Estupenda la relación entre el joven Jonh y el Terminator salvador. Es formidable cómo el niño alecciona al adulto robot en las cosas prácticas de la vida y en la moral.
.
La película tiene un claro mensaje advirtiendo de los peligros de la inteligencia artificial.
.
Afortunadamente, de momento, Skynet no se ha hecho con el poder. Ya tenemos a Putin y a Zelensky para generar conflictos.
.
La peli es extraordinaria, nos mantuvo a los tres pegados en los asientos, sin pestañear.
.
¿Qué bien hace Arnold Schwarzenegger de robot!
.
Luca 10/10.
Leo: 10/10
Mi puntuación: 9,22/10.
.
.
Dirigido por James Cameron:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 34 min
Género: Acción | Ciencia ficción
Título original: Terminator 2: Judgment Day
Año: 1991
País: EE.UU.
Dirección: James Cameron
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong, Robert Patrick, Earl Boen, Joe Morton, Terrence Evans, S. Epatha Merkerson, Jenette Goldstein, Xander Berkeley, Castulo Guerra, Danny Cooksey
Guión: James Cameron, William Wisher Jr.
Música: Brad Fiedel
Fotografía: Adam Greenberg
Distribuye en formato doméstico: Universal
Ese dicho, ciertamente rancio, de nunca segundas partes fueron buenas, aquí claramente no se cumple. La 2 es mucho mejor.
.
Pero hablemos de esta primera entrega.
.
Me llama la atención lo cutres que son las imágenes del futuro, que ahora es nuestro presente. Esos robots bélicos son muy de palo y cantan la traviata.
.
Me encanta el look ochentero de una blandita Linda Hamilton, dando vida a Sarah Connor. Impresionante la transformación que sufre en la segunda entrega.
.
Tiene emoción e intensidad, pero queda anulada por la brillantez de su secuela.
.
Luca: 9,5/10
Leo: 9/10
Mi puntuación: 6,88/10.
.
.
Dirigido por James Cameron:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 47 min
Género: Acción
Título original: The Terminator
Año: 1984
País: EE.UU.
Dirección: James Cameron
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Michael Biehn, Linda Hamilton, Paul Winfield, Lance Henriksen, Bess Motta, Earl Boen, Rick Rossovich, Dick Miller, Shawn Schepps, Bill Paxton, Franco Columbu
Guión: James Cameron, Gale Anne Hurd
Música: Brad Fiedel
Fotografía: Adam Greenberg
Producción: Gale Anne Hurd
Distribuye en formato doméstico: Sony
Interesantísimo documental en el que se nos cuenta la biografía de los inicios del director y se nos presentan sus películas más importantes.
.
Muchas de las suposiciones sobre la adolescencia y juventud de Steven, que se proponía en la magnífica Los Fabelman, se ven confirmadas por las declaraciones del propio protagonista y de sus hermanas.
.
Enternecedor ver a los padres reconciliados en la vejez.
.
Un documental estupendo que los amantes del cine de este grandísimo director sabemos apreciar aún más.
.
Mi puntuación: 7,88/10.
.
.
Dirigido por Susan Lacy:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 27 min
Género: Biográfico | Documental
Título original: Spielberg
Año: 2017
Fecha de estreno en España en HBO Max: 08-10-2017
País: EE.UU.
Dirección: Susan Lacy
Guión: Susan Lacy
Fotografía: Ed Marritz, Samuel Painter
Distribuye en formato doméstico: HBO Max
Remake de “Asalto a la comisaría del distrito 13” (1976), dirigida por John Carpenter, que a su vez estaba inspirada en “Río Bravo” (1959), de Howard Hawks, de la que el propio Hawks había realizado un remake en 1966 (“El Dorado“).
Violencia, tensión y policías corruptos, componen la esencia de esta película, que me mantuvo pegado al asiento en todo momento.
.
Los casi veinte años desde su estreno no parecen ser un lastre a esta película, que me ha entretenido mucho.
.
Ethan Hawke da bien el tipo de sargento torturado por sus errores que tiene que enfrentarse a sus miedos y a un enemigo muy superior, al que le puede entregar la vida en sacrificio, pero no no sus principios morales.
.
Formidables las presencias de Maria Bello y Drea de Matteo, con papeles potentes, pero que vistos desde este 2023 parecen un poco trasnochados.
.
Estupendo Laurence Fishburne haciendo de malo y Gabriel Byrne de más malo.
.
Mi puntuación: 7,22/10.
.
.
Dirigido por Jean-François Richet:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 49 min
Género: Acción
Título original: Assault On Precinct 13
Año: 2005
Países: EE.UU., Francia
Dirección: Jean-François Richet
Intérpretes: Ethan Hawke, Laurence Fishburne, Maria Bello, Gabriel Byrne, John Leguizamo, Ja Rule, Drea de Matteo, Kim Coates, Brian Dennehy, Matt Craven, Aisha Hinds, Currie Graham, Fulvio Cecere, Tig Fong, Peter Bryant, Hugh Dillon, Jessica Greco, Jasmin Geljo
Argumento: John Carpenter (película original)
Guión: James DeMonaco
Música: Graeme Revell
Fotografía: Robert Gantz
Distribuye en formato doméstico: Universal
Se nos narra en dos tiempos problemas relacionados con la prostitución y el abuso de mujeres excluidas.
.
Por un lado la biografía de Antonia Mª de Oviedo y Schönthal (Alexandra Ansidei), conocida también como Madre Antonia (Lausana, 16 de marzo de 1822 – Ciempozuelos, 28 de febrero de 1898) fue la fundadora, junto a José María Benito Serra, de la Congregación de las Hermanas Oblatas del Santísimo Redentor. La Iglesia católica le concedió el título de Venerable el 7 de julio de 1962.
.
Por otro las inquietudes sociales de Rebeca (Paula Iglesias), una profesora que se interesa por la madre de una alumna, Sharik (Toyemi), dedicada a la prostitución como método de subsistencia.
.
La parte centrada en la Venerable Madre, en el siglo XIX, resulta episódica y algo impostada. No colabora a darle intensidad su protagonista.
.
La trama narrada en este tiempo es más certera, planteando conflictos personales y sociales interesantes.
.
Me hace gracia ver a Ruth Gabriel dando vida, de manera eficaz, a la regente María Cristina.
.
La he visto con interés, a pesar de sus defectos, me parece interesante.
.
Mi puntuación: 5,55/10.
.
.
Dirigido por Antonio Cuadri:
.
.
Ficha:
Género: Drama
Título original: Si todas las puertas se cierran
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: España
Dirección: Antonio Cuadri
Intérpretes: Alexandra Ansidei, Toyemi, Paula Iglesias, Roberto Álvarez, Pastora Vega, Ruth Gabriel, Carlos Iglesias, Gonzalo Trujillo, Eloisa Vargas, Daniela Ceñera, Jacobo Muñoz, Ignacio Ysasi, Marisa Cotolí, Madele Tónzhéze, Noelia Marló, Javier Ruiz Bobillo, Montse Rangel, Olivia Martin
Guión: Claudio Crespo, Antonio Cuadri, Inmaculada Ruiz de Baluguera, Marisa Cotolí
Música: Jesús Calderón
Fotografía: Rubén D. Ortega
Taylor Sheridan ha sido el guionista de de estupendas películas como Sicario de 2015, dirigida por Denis Villeneuve; Comanchería de 2016, de David Mackenzie; o de Wind River de 2017, que él mismo dirigió.
.
1883 es la precuela de la serie ‘Yellowstone‘, que sigue la historia de la familia Dutton en un viaje hacia el Oeste a través de las Grandes Llanuras, para ir hacia el último bastión de la indómita América, durante ese 1883.
.
El western es para muchos el género más cinematográfico. El cine ya desde sus inicios fue western. Este género nos permite ver grandes espacios donde la naturaleza es poderosa, bella y peligrosa.
.
Es también el retrato de la historia de los USA, cargada de violencia, de falta de ley y de moral.
.
Seguimos en esta serie las andanzas de esta familia que intentará sobrevivir junto a una caravana de pioneros de origen alemán, que no saben nada de la vida en el salvaje Oeste.
.
La gran protagonista de la historia es Elsa Dutton, a la que da vida de manera eficaz Isabel May, una chica valiente e imprudente, que rompe las normas en una sociedad carente de principios. Es también la narradora reflexiva de la serie. Esta voz en off, lejos de crisparme, me ha parecido necesaria, aportando lirismo y poesía al conjunto.
.
Una serie que merece la pena ser vista, rica en personajes potentes, en situaciones límite.
.
Mi puntuación: 8,03/10.
.
.
Taylor Sheridan (Creador):
.
.
Ficha:
Serie TV
Duración: 10h 50 min
Género: Western
Título original: 1883
Año: 2021
Fecha de estreno en España en SkyShowtime: 28-02-2023
País: EE.UU.
Creado por: Taylor Sheridan
Dirección: Ben Richardson, Christina Alexandra Voros, Taylor Sheridan
Intérpretes: Sam Elliott, Tim McGraw, Faith Hill, Isabel May, LaMonica Garrett, Marc Rissmann, Audie Rick, James Landry Hébert, Gratiela Brancusi, Anna Fiamora, Malcolm Stephenson, Amanda Jaros
Guión: Taylor Sheridan
Música: Breton Vivian, Brian Tyler
Fotografía: Christina Alexandra Voros, Ben Richardson
Distribuye en formato doméstico: SkyShowtime
Centauros de La Alcarria: Air, El Exorcista del Papa, cine deportivo y se lia parda con Dungeons and Dragons
.
Programa especial de Miércoles Santo, que nos vamos de vacaciones y los cines estrenan películas.
.
Hoy destacamos AIR, la película que narra la creación de las míticas Air Jordan. También hablamos de El Exorcista del Papa, El Inocente y De caperucita a loba.
.
Además, hay un duro debate en torno a Dungeons and Dragons. Ramón se atreve a insinuar que no tiene alma y Ernesto y Javi P. reaccionan con virulencia, puede que desproporcionada… o no.
.
Y por último, aprovechamos el estreno de Air para hablar de cine deportivo, con películas tan míticas como Hossiers, Un Domingo Cualquiera, Rollerball, Rocky y Evasión o Victoria o El Mejor… y otras más cuestionables como Campeones, 42 segundos o Rocky III.
.
.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
.
Los tres van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
El parisino Louis Garrel, protagoniza, dirige y forma el guion de esta película que mezcla comedia romántica con cine de atracos.
.
Garrel realiza este film basándose en sus experiencias personales. Su madre en la vida real tiene un perfil muy parecido a la Sylvie de esta película, que también se casa con un recluso en un Centro Penitenciario.
.
La historia pivota alrededor de dos parejas.
.
El matrimonio de esposa alocada y enamorada (Anouk Grinberg) y el exconvicto seductor, pero duro (Roschdy Zem); y joven traumatizado por la desaparición de su esposa (el propio Garrel) y su amiga (Noémie Merlant).
.
La película se mueve en los territorios resbaladizos de la comedia, que nunca toma rasgos inadecuados y termina encajando bien en la trama, que a la postre resulta más bien dramática.
.
La escena cumbre de la película es en ese restaurante de carretera. Garrel nos muestra con maestría inusitada cómo la simulación, la teatralidad puede exponer la verdad más que incluso la propia realidad.
.
La película se ve con agrado. Se consigue la empatía del espectador con todos los personajes.
.
No puedo dejar de destacar la naturalidad y lo atrayente que se muestra en pantalla la actriz Noémie Merlant, que hemos podido ver en TÁR, Retrato de una mujer en llamas, París, Distrito 13, Un año, una noche o en Curiosa.
.
Mi puntuación: 7,55/10.
.
.
Dirigido por Louis Garrel:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 39 min
Género: Comedia | Thriller | Drama
Título original: L’innocent
Título alternativo: The Innocent
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 05-04-2023
País: Francia
Dirección: Louis Garrel
Intérpretes: Louis Garrel, Anouk Grinberg, Yanisse Kebbab, Roschdy Zem, Noémie Merlant
Guión: Louis Garrel, Tanguy Viel, Naïla Guiguet
Música: Grégoire Hetzel
Fotografía: Julien Poupard
Distribuye en cine: Bteam Pictures
Contenidos (de 0 a 4 ¿qué es esto?)
En su anterior película, La inocencia, Lucía Alemany brilló de manera destacada, convirtiéndose, al menos para mí, en una de las grandes directoras del cine español.
.
Mari(dos) es una película con clara vocación comercial que cuenta con dos protagonistas infalibles, Paco León y Ernesto Alterio.
.
El film huye de la comedia de brocha gorda sainetesca, que tanto detesto, y se dedica a componer situaciones cómico-patéticas en las que los diálogos son inteligentes y los personajes están bien construidos.
.
Es curioso que el personaje femenino central de la película, al que da vida, o más bien cama, Celia Freijeiro, sea el motor de la trama y permanezca en coma la mayor parte del metraje.
.
Se plantean dos maneras de entender la paternidad y el rol de marido. Dos personajes tan diferentes, como el catalán conciliador y el madrileño cascarrabias, terminan encontrando vínculos de amistad.
.
Qué nadie espere una comedia descacharrante. Aquí el humor es de trazo fino y servido en platos de postre.
.
Tal vez, la nota más descacharrante sea la de ese médico, de buen humor y sabedor de sus limitaciones, que compone Raúl Cimas, que verbaliza lo que la mayoría se callan.
.
Yo le pediría a Lucía que volviera al cine de su película anterior, más interesante, más intenso, aunque menos comercial. ¡Qué jodidas son las segundas películas!
.
Me olvidaba. Me agota Paco León con su acento catalán.
.
La película se desarrolla en escenarios naturales de los Pirineos Aragoneses y se rodó en un lugar tan estupendo como Biescas.
.
Mi puntuación: 5,02/10.
.
.
Dirigido por Lucía Alemany:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 42 min
Género: Comedia
Título original: Mari(dos)
Título alternativo: Maridos
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 10-03-2023
País: España
Dirección: Lucía Alemany
Intérpretes: Paco León, Ernesto Alterio, Celia Freijeiro, Raúl Cimas, Lucía Gómez, Emma Hernández, Kirill Bunegin, Jesús Olmedo, María Córdoba, Joseph Ewonde, Adriana Fornés
Guión: Pablo Alén, Breixo Corral
Música: Vanessa Garde
Fotografía: Josu Inchaustegui
Distribuye en cine: Walt Disney
Tal vez el rasgo más común de la obra cinematográfica de Agustí Villaronga sea que siempre se ha movido, de una manera u otra, en el cine social.
.
Aquí compone una comedia en la describe, con certeza, el Alzheimer y por otro lado las carencias de una infancia, que viviendo en la pobreza se esfuerza en aparentar normalidad. De nuevo, cine social.
.
Podría parecer una obra menor de este director, y, tal vez, lo sea, pero está llena de buenas intenciones y de elementos narrativos y de guion muy interesantes.
.
Susi Sánchez, más en forma que nunca, compone un personaje muy bien construido, con una descripción fiel de la demencia que padece.
.
Es curioso (y gracioso) que el malo de la trama sea el hermano, el tío Ramón (Fernando Esteso) abducido por los Testigos de Jehová.
.
Una película sencilla, con escasas aspiraciones, que funciona gracias a su protagonista y al mensaje de denuncia, pero optimista que trasmite su director.
.
Mi puntuación: 6,03/10.
.
.
Dirigido por Agustí Villaronga:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 38 min
Género: Comedia | Drama
Título original: Loli Tormenta
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 31-03-2023
País: España
Dirección: Agustí Villaronga
Intérpretes: Susi Sánchez, Joel Gálvez, Mor Ngom, Maria Anglada Sellarés, Celso Bugallo, Fernando Esteso, Pepa Charro, Meteora Fontana
Guión: Agustí Villaronga
Fotografía: Josep M. Civit
Distribuye en cine: Youplanet , Caramel Films
Contenidos (de 0 a 4 ¿qué es esto?)
El director Pablo Moreno está especializado en cine religioso.
.
Aquí nos ofrece la hagiografía de esta santa fundadora de las Religiosas de María Inmaculada, que desde hace más de 150 años llevan dedicadas a la promoción de las mujeres que salían de sus pueblos para labrarse un futuro mejor en el servicio domestico de la capital.
.
La película, como no podía ser de otra manera, está cargada de buenas intenciones, con personajes excesivamente buenos o malos, pero hay un trasfondo de profundo humanismo, que me emociona y me llega a mi sableado corazón.
.
La idea de ayudar a las más pobres y necesitadas, evitando que caigan en la esclavitud que supone la prostitución, es una obra que merece reconocimiento.
.
Me gusta mucho la interpretación de Cristina González del Valle que compone un personaje muy creíble, con muchos sentimientos.
.
Menos afortunada está Eva Jakubovska.
.
Es un placer volver a ver en pantalla a Assumpta Serna y a Elena Furiase, las dos muy eficaces en sus papeles respectivos.
.
Me ha parecido una peli estupenda, que no solo pueden disfrutar católicos devotos, sino, incluso, ateos irreverentes.
.
Mi puntuación: 6,22/10.
.
.
Dirigido por Pablo Moreno:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 45 min
Género: Biográfico | Drama
Título original: La sirvienta
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 24-03-2023
País: España
Dirección: Pablo Moreno
Intérpretes: Cristina González del Valle, Assumpta Serna, Eva Jakubovska, Elena Furiase, Antonio Reyes, Carolina Aller, Marian Arahuetes, Antonio Velasco, Oscar Martin (III), Saskia van Ryneveld, Raúl Escudero, Mayka Braña, Rafa Jiménez, Olatz Beobide, Sergio Cardoso, Carmen Adsuara, Belén San Román
Guión: Pablo Moreno
Música: Óscar M. Leanizbarrutia
Fotografía: Rubén D. Ortega
Distribuye en cine: Proyecfilm , Bosco Films
Comparto el vsionado de esta película mítica con mis nietos Luca y Leo.
.
Cuando mi hijo Fernando era un niño vio en bucle esta película en formato VHS. Cada vez que contemplaba morir a ET, lloraba desconsolado. Ya sabía que resucitaba, pero las emociones se acumulaban y no podía evitarlo.
.
Mis nietos no han derramado ni una lágrima, incluso, en algunas escenas cumbres, parecía que se aburrían. Los tiempos han cambiado y las sensibilidades infantiles también.
.
A mí me sigue entusiasmando esa relación simbiótica de amistad que nace entre estos dos personajesemblemáticos en la historia de cine.
.
Hasta Spielberg los extraterrestres eran seres peligrosos y despiadados que solo venían a colonizar de forma violenta la Tierra. Esta idea la cambia Steven, presentando a alienígenas bondadosos, como ET, un poco perdidos en un mundo que no comprenden.
.
La peli destila humor, buenos sentimientos, vitalidad e inocencia, aunque tiene un exceso de sentimentalismo.
.
La versión que veo en esta plataforma no está edulcorada digitalmente. Los agentes del FBI van armados, algunos con escopetas, lo cual resulta chocante para perseguir a unos inofensivos niños.
.
Ya es icónica la imagen de esas bicicletas volando, una maravilla, el deseo (cumplido) de todo niño de ascender con su vehículo a los cielos.
.
Luca: 6/10.
Leo: 8/10.
Mi puntuación: 7,50/10.
.
.
Dirigido por Steven Spielberg:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 55 min
Género: Ciencia ficción
Título original: E.T. the extra-terrestrial
Año: 1982
País: EE.UU.
Dirección: Steven Spielberg
Intérpretes: Henry Thomas, Dee Wallace, Peter Coyote, Robert McNaughton, Drew Barrymore, Erika Eleniak, C. Thomas Howell, K.C. Martel, Sean Frye
Guión: Melissa Mathison
Música: John Williams
Fotografía: Allen Daviau
Producción: Kathleen Kennedy
Distribuye en formato doméstico: Universal
Hace unos veinte años que vi por última vez esta película, en mi casa en la pantalla de la tele, entonces, no demasiado grande, y me pareció un pestiño.
.
Esta vez en la pantalla grande del EJE la disfruto de una forma sorprendente. Las imágenes de Pasqualino De Santis y la música de Gustav Mahler me parecen fascinantes.
.
El compositor Gustav von Aschenbach acude a Venecia para intentar olvidar, o al menos digerir, la muerte de su hijo y sus últimos fracasos como artista, pero ahí encuentra una sociedad decadente, una aristocracia constreñida por los buenos modales y las apariencias que, tal vez, no sobreviva a una Primera Guerra Mundial que acabó con el Imperio Austrohúngaro.
.
También descubre en una ciudad gris, azotada por un persistente siroco, enferma de cólera. Una localidad agonizante y maloliente.
.
Todo ello en su decadencia personal, enfermo de una cardiopatía, con cierta fobia social, conocedor de su pertenencia a la clase dominante. Envejecido y en declive, intenta, al final de la película, aparentar una juventud y una belleza perdidas, con una macabra máscara de maquillaje y tinte, que le da un aspecto bufonesco y patético.
.
La única tabla de salvación es la belleza que encuentra en un adolescente. Un muchacho de rubios cabellos, de hermosos ojos que se está abriendo a la vida, lo opuesto a él, que se está cerrando en la muerte.
.
Se ha hablado en la homosexualidad del personaje, que yo personalmente no veo por ninguna parte. Sí vislumbro pedofilia en esa atracción hacia el niño Tadzio. Seguro que no será capaz de transformarla en pederastia, pero esa atracción hacia el bello muchacho me impresiona de ello.
.
Luchino Visconti compone una película triste, una tragedia sobre la decadencia de una clase social, de una ciudad y de un personaje. Su ritmo es deliberadamente pausado. El ocio se eleva al tedio en esta aristocracia que habita y parasita ese hotel, tan deprimente como la vida de esos huéspedes, que evitan el sol en la playa, el agua en el mar, y los sentimientos sinceros en la vida.
.
Su cámara se mueve con suavidad, sus travellings se confunden con zooms y sus primeros planos se intercalan para dar detalles sentimentales al relato.
.
Dirk Bogarde compone una interpretación, tal vez, muy teatral. Un personaje que teniendo pasiones y lacras vitales muy graves, debe esconderlas tras la circunspección que le pide su estatus social.
.
Una escuálida Silvana Mangano, resulta casi irreconocible.
.
Dentro de las pinceladas de la biografía de Gustav von Aschenbach, podemos contemplar la belleza de su esposa, a la que da vida Marisa Berenson.
.
La pantalla grande ha obrado su milagro conmigo, consiguiendo que mis ojos contemplaran una obra de arte, lo que otrora me pereció un truño.
.
Mi puntuación: 9,80/10.
.
.
Información aportada por Rafa, presentador de Muerte en Venecia en la ACAZ:
.
.
.
Comentario de Samuel:
.
La belleza es un tema central en la obra de Thomas Mann, donde explora la tensión entre la apreciación de la belleza y el deseo que ésta puede generar. En su obra “La montaña mágica”, Mann afirma que la belleza es una fuerza irresistible que puede causarnos dolor, pero que es imposible no rendirse a ella.
. En la adaptación cinematográfica de “Muerte en Venecia” dirigida por Luchino Visconti, el mayor desafío fue el lenguaje simbólico y metafórico que Mann utiliza en la novela. A pesar de ello, Visconti logró crear una obra cinematográfica llena de alicientes para el espectador.
. “Muerte en Venecia” no es una película fácil de ver. Requiere que el espectador preste atención y esté completamente entregado a la experiencia cinematográfica. La película tiene un ritmo lento y reflexivo, que se ajusta perfectamente al sublime Adagio de la 5ª Sinfonía de Mahler, que es utilizado sabiamente por Visconti para crear una atmósfera emocional que nos conecta con los sentimientos del protagonista.
. El Adagio es una pieza conmovedora que logra crear una sensación de tristeza y nostalgia, que se ajusta perfectamente a la historia. Los momentos más destacados de la película son aquellos en los que el espectador puede olvidarse de la trama principal, la cual es expuesta y desarrollada de una manera un tanto torpe a mi parecer, y dejarse llevar por esa acumulación de estímulos que supone escuchar a Mahler, la composición visual y el tratamiento del color con el que el director de fotografía, De Santis, logra crear una atmósfera de decadencia.
.
.
.
La obra de Mann. La película de Visconti:
.
En 1971 Luchino Visconti adaptó una novela de tan sólo 122 páginas de Thomas Mann, una de las más extraordinarias obras de un director definitivamente excepcional.
. Según parece Visconti conseguía con Muerte en Venecia una de las mejores traslaciones de un libro a la pantalla grande y resumía en su poco más de dos horas de metraje los aspectos esenciales de la obra de Mann: una honda meditación sobre la belleza en su acepción platónica, la decadencia de la carne, el vacío de la existencia en la lucha entre el deseo y lo prohibido, y también una mirada al fin de esa aristocracia europea a la que el propio realizador pertenecía. .
Muerte en Venecia, además de representar la corrupción moral en un entorno dominado por el mal como una constante poética del director, también será el segundo eslabón de la denominada “Trilogía alemana” junto con La caída de los dioses (1969) y Ludwig (1973), así como otra de las obras sobre las que se señalará su “decadentismo”, definición que pareciera acompañar cualquier aproximación a su cine. .
“He sido frecuentemente acusado de decadente. Tengo de la decadencia una opinión muy favorable, como la tenía también, por ejemplo, Thomas Mann. Estoy embebido de dicha decadencia. Mann es un decadente de la cultura germana, y yo de la cultura italiana. Lo que siempre me ha interesado es el examen de una sociedad enferma”, declaraba el realizador sobre su película. . ¿Cual sería la mirada del propio autor sobre su texto? La rescata Roman Karst en su libro Thomas Mann, historia de una disonancia:
“Es una historia acerca de la muerte en cuanto fuerza tentadora y antimoral, una historia sobre el deleite de la decadencia. Pero el problema fundamental que yo tenía en mente era el de la dignidad del artista, siendo mi intención escribir, en cierto modo, la tragedia de la genialidad”, señalaba Mann. . La decadencia expresa así la síntesis del relato, donde la fascinación por la belleza se hace presente. Junto a Muerte en Venecia, los otros dos libros que siempre acompañaban al director eran En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust, y Los monederos falsos, de André Gide. . Existen profundas diferencias entre el texto y el film. La profesión de Gustav von Aschenbach que de escritor pasa a compositor, junto con varios elementos que la novela observa y el film omite, como el paseo de von Aschenbach por Munich; la llegada a una isla cercana a Istria, y aspectos fundamentales de su vida pasada. . Por el contrario, el vínculo con Tadzio será respetado minuciosamente y serán agregadas diversas escenas que construyen un perfil de von Aschenbach muy diferente al que presenta la novela sustentándose en fotos familiares y en sus recuerdos.
.
.
.
En busca de Tadzio:
. Así como Lucía Bosé fue descubrimiento y musa de Visconti, el hijo que la famosa estrella tuvo con el torero Luis Miguel Dominguín convertirá en padrino al conde italiano. . Será una figura presente con su ahijado, al que acompañará en paseos por el parque y regalará libros, a excepción de una vez en la que le obsequió una cámara de fotos, tal como recordaba Miguel Bosé ya convertido en un ícono de la escena española. . Pero la relación con el pequeño Miguel incluye la búsqueda de un rostro para Tadzio, porque Visconti encontró en aquél adolescente de 14 años al efebo perfecto para el ideal pagano de la belleza absoluta que necesitaba. . Cuenta la leyenda que el torero se opuso rotundamente a que su hijo se viera envuelto en una historia con ribetes homosexuales. . Dos años después Miguel Bosé entrará en el mundo de la música y pocos años más tarde el tema “Mi libertad” lo consagraba tanto en España como en América Latina. .
La negativa a su participación en Muerte en Venecia obliga a Visconti a un largo peregrinaje en busca del rostro ideal. . Tamaña búsqueda se extiende por la antigua Europa del Este e incluye un documental del propio realizador Alla ricerca di Tadzio, cuyas imágenes devuelven su paseo por una nevada Budapest. . “Tadzio es descrito por Thomas Mann como un joven rubio y de ojos claros. Pero en Budapest Visconti encontró jóvenes de cabellos castaños y ojos oscuros”, relata la voz en off de su propio trabajo, suerte de backstage de esa búsqueda insaciable. .
A Tadzio lo encontrará en un frío febrero en Suecia, luego de seis o siete muchachos que se presentaron para una prueba. . Pero Visconti quería estar seguro y el casting continuó con decenas de aspirantes. . “Que bello. Dile que se quite el pullover”, dirá Visconti a la intérprete cuando el joven Björn Johan Andrésen aparece en la sala. . Sin embargo, el realizador de Rocco y sus hermanos continuará en Helsinki con la búsqueda aunque volverá sobre sus pasos para que Andrésen encarne el ideal de belleza apolínea. . Con todo, Visconti visita Varsovia y las imágenes devuelven las impresiones de un nevado y reconstruido centro histórico y suma sus reflexiones sobre los cambios de la juventud polaca luego de la Segunda Guerra Mundial. . El documental finaliza con una aciaga premoción: “… y allí estará también Tadzio. ¿Por qué seguir llamándolo Bjorn Andrésen? Se llama Tadzio ahora. Tadzio, y basta”.
.
.
.
Bjorn Andrésen es Tadzio:
.
El drama de la película superó los límites de la representación y se instaló como una llaga en su juvenil protagonista. . Andrésen, contra lo que se cree, no tuvo gracias a Visconti su primer acercamiento al cine porque previamente había desempeñado un papel de reparto en la película Historia de amor sueco, de Roy Andersson, un relato sobre un romance de verano que le hizo ganar a su director varios premios en el Festival de Berlín y a la productora varias ventas internacionales dos años más tarde, cuando todos repararon que su elenco tenía al bello joven del cual todo el mundo hablaba. Pero hasta ese momento nadie se había detenido en su rostro como lo hizo Visconti en aquél febrero.
. “El chico más hermoso del mundo”, lo definió en la rueda de prensa en el Festival de Cannes donde Andrésen comenzaba su lento descenso a los infiernos. . Pero pasaría medio siglo hasta que se conociera qué había sucedido con “el chico de Muerte en Venecia”, tal como el público definió el impacto de un rostro que hizo olvidar un nombre. . El documental The Most Beautiful Boy in the World de Kristinaa Lindström y Kristian Petri –estrenado en una edición streaming del Festival de Sundance- rescata el derrotero de un casi irreconocible Andrésen y además permite conocer detalles ocultos del vínculo del entonces quinceañero con el maestro del cine italiano. . “Me miraban con descaro, como si fuera un plato apetecible. No podía reaccionar, habría sido un suicidio social. Fue el primero de muchos encuentros de este tipo. La gente no comprende el efecto que esto puede tener en un chico”, relata cuando rememora la fiesta gay que siguió a la presentación de la película en Cannes y de la cual sólo recordaba las paredes de terciopelo rojas. . Siguió un contrato en Japón, donde tenía tantas apariciones que difícilmente podría descansar: “Me dieron dos o tres pastillas rojas que estaban destinadas a hacerme sentir mejor”, dice Andrésen en el documental, sobre cómo conoció las drogas y luego probó sin suerte, ser reconocido en el mundo de la música. . Su vida nunca fue como antes y el film lo muestra sobreviviendo en un sucio y diminuto departamento.
.
.
.
El rodaje:
. Muerte en Venecia se rodó durante largos seis meses, entre las 9.30 y las 18, con un promedio de repetición de cinco tomas por cada escena (en algunos casos fueron incluso nueve), hasta conseguir el efecto deseado por el realizador. . Si bien reparte escenas por la ciudad de Venecia su gran escenario es el Hotel des Bains, donde también transcurre la novela, y que –aprovechando que se encontraba cerrado porque era invierno- fue restaurado para recrearlo exactamente como hubiese sido en aquél 1911 que enmarca la acción, convirtiéndose en el principal set de filmación de una producción que Visconti desarrolló por su cuenta gracias a las ganancias obtenidas con La caída de los Dioses.
.
“Tuve la idea de hacer el film con música de Mahler porque supuse que eso era lo que Mann hubiese querido”, declaró el director.
.
“No sólo di a mi héroe, convertido en víctima de un desorden orgiástico, el nombre del gran músico, sino que también le puse en cierto modo la máscara de Mahler al describir su aspecto exterior”, confesaba mucho antes Thomas Mann a su amigo el pintor Wolfgang Born. . La escena final de la película consigue esa amalgama indisoluble entre realizador y escritor de la mano del maravilloso “Adagietto” de la Quinta Sinfonía de Gustav Mahler, que por otra parte acompaña el gran trabajo de Dick Bogarde desde el comienzo del film señalando el sino excelso y trágico de ese arribo a Venecia.
.
El desenlace, una de las mejores escenas de toda la historia del cine, ocurre en la playa de Lido cuando Gustav von Aschenbach, enfermo y débil, llega a la arena y desde una reposera mira al impecable Tadzio jugando en la orilla para luego adentrarse en el mar.
.
El deterioro del músico es tan visible como las gotas de sudor manchado que surcan su maquillado rostro en la búsqueda imposible de una juventud evaporada.
.
Una muerte en la contemplación de la belleza en un mundo de las apariencias que también sucumbe y se corroe.
.
Sensaciones que trascendieron la pantalla en un jovencito de tan sólo 15 años que, medio siglo después, con la piel ajada y los ojos tristes, recuerda y revela que la película se convirtió en el espejo de su propia existencia cuando la búsqueda de la belleza imposible concretó una perfección plástica en imágenes que significó la gloria del cine y el ocaso de una vida.
.
.
.
La música de Gustav Mahler:
.
Es imposible pensar en ‘Muerte en Venecia‘ sin recordar la música de Gustav Mahler. . La película de Luchino Visconti es un claro ejemplo de cuánta importancia puede adquirir el sonido en la construcción de una historia, en la reflexión sobre sus significados o en su retrato del protagonista principal.
.
.
Anatomía de una escena: . La última escena de ‘Muerte en Venecia‘ tiene lugar en la playa del Lido, donde en otras escenas hemos visto cómo cobraban vida las pinturas de Joaquín Sorolla.
. Cuando la música de Mahler empieza a sonar, el protagonista empieza a tener una revelación. Su objeto de deseo, el pequeño Tadzio (un niño de rasgos andróginos y mirada inquietante), está en la orilla jugando, y en cierto momento camina de espaldas a la cámara hacia dentro del agua. . La perspectiva está aquí indiscutiblemente dominada por Aschenbach, que le observa con angustia sentado en una hamaca en mitad de la arena. . El sol está descendiendo, y convierte la visión de Tadzio (que ya de por sí tiene los rasgos de una escultura griega) en una obra de arte, donde el sol ciega ligeramente la vista. . Es una imagen que simboliza el final, la entrada al paraíso o la caída definitiva al infierno, la última postal antes de dejar el mundo de los mortales. . El arte tiene ese poder catártico, porque el arte es profundamente humano, hasta cuando no lo parece.
.
Mientras el niño sigue adentrándose en el agua, el estado del protagonista va degenerando más y más. . Durante el filme le hemos visto maquillándose la cara y tintándose el pelo para esconder la putrefacción causada por la enfermedad que le consume, que consume a toda la isla, sumida en la epidemia. . Sin embargo, en su mundo, las apariencias lo son todo, y ahora esas mismas apariencias están desmoronándose. . Esa gota de color negro que recorre la cara sudorosa del hombre resume de forma brillante el momento que está viviendo: la máscara que ha se ha puesto durante estas más de dos horas cae sin remedio, porque bajo el sol y frente a la belleza más pura no hay pretensiones que se mantengan en pie.
. Aunque en la novela de Mann era un novelista con un bloqueo creativo, aquí se trata de un compositor que ha perdido la inspiración. . Tiene sentido que en un formato literario y en uno cinematográfico las profesiones cambien para sacar mejor partido del medio.
. Aquí el uso está claro: la música sigue sonando cada vez más fuerte e intensa mientras la vida de Aschenbach está llegando a su fin, y de alguna manera parece que esa melodía está sonando en su cabeza como la pieza final y magnífica que no supo escribir. . Dada la perspectiva de la escena, no cuesta creer que la orquesta esté sonando en su cabeza, que por fin ha podido encontrar la belleza que andaba buscando.
.
La escena avanza con la misma mecánica. La figura del muchacho a contraluz le confiere un aura sobrehumana, como si fuese un ángel de la muerte enviado desde el principio para guiar al personaje hacia la muerte. En cierto momento de la escena, éste se gira. . No le vemos la cara, pues ya solo es una silueta negra para nosotros, pero sabemos que está mirando al hombre sentado en la playa. Y esa condición de ser de otro mundo que ha venido a llevárselo, como si fuese la muerte con su guadaña, se intensifica. . Entonces hace un gesto curioso: pone el brazo derecho sobre su cintura, y levanta el izquierdo bien alto mientras apunta hacia el horizonte. ¿Le está marcando el camino hacia su final?
.
Es un momento cautivador, al que la música sigue acompañando con intensidad. . El personaje, al que la cámara se va acercando más y más para apreciar los detalles de su progresiva descomposición, reacciona a este gesto con dramatismo, apoyándose ligeramente en su silla y levantando el brazo como para intentar rozar inútilmente esa figura llegada del más allá. . Así, con una última mirada a ese increíble plano general que engloba la playa, el mar, la figura de Tadzio y una cámara estratégicamente colocada a la derecha, Aschenbach exhala su último aliento y se deja caer sobre uno de los reposabrazos. . Los pocos bañistas que le rodean no tardan en percatarse de su muerte, y se lo llevan de la playa en volandas. Es el final de la película.
.
‘Muerte en Venecia‘, y este final que acaba resumiendo todos los grandes conceptos de la misma, encuentra una despedida inmejorable para su protagonista. . La música (además de preciosa) es el vehículo de la catarsis del compositor a través del arte que conforma la parte más importante de su vida.
.
El maquillaje que cae, toda una metáfora de la vejez, la pérdida de las máscaras sociales y las apariencias. . El niño Tadzio, adentrándose en el agua completamente oscurecido por el contraste con el sol, la visión más bella de la Muerte que se ha visto jamás. . Los elementos más claros de la escena ya la convierten en una maravilla, y de una coherencia absoluta (en forma y contenido) para lo que ha venido contándonos la película. Pero el momento da para muchas interpretaciones.
.
Puede leerse como un ajuste de cuentas individual entre el personaje y su pasado (todo lo que hemos visto mediante flashbacks con su familia, el ataque de pánico durante un concierto, etc.), o también como una representación de un momento histórico muy particular. . Es imposible no prestar atención a la profunda decadencia de las clases altas allí reunidas, intentando salvarse de una epidemia que tarde o temprano les acabará pillando.
. ¿Es Aschenbach una profecía que predice la muerte de la vieja Europa, que se verá completamente transformada después de unas décadas de guerras, conflictos políticos y fascismo? . Sin duda, el filme parece despedirse de una época caduca que, aunque desigual e injusta, estaba llena de una belleza clásica irresistible.
.
.
.
Dirigido por Luchino Visconti:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 10 min Género: Drama Título original: Morte a Venezia Año: 1971 Países: Francia, Italia Dirección: Luchino Visconti Intérpretes: Dirk Bogarde, Romolo Valli, Mark Burns, Nora Ricci, Marisa Berenson, Björn Andrésen, Carole André, Silvana Mangano Argumento: Thomas Mann (Novela) Guión: Luchino Visconti, Nicola Badalucco Música: Gustav Mahler Fotografía: Pasqualino De Santis Distribuye en formato doméstico: Warner
Una historia fantástica impregnada de humor, que mezcla brujería, magia, peleas y ambiente medieval. Un producto destinado a gustar como película de entretenimiento familiar.
.
Funciona bien en sus pretensiones, que son las de un espectáculo ligero, con buenos mensajes y con una asombrosa atracción hacia la pantalla gracia a unos efectos visuales muy logrados.
.
El guion se esfuerza en dar historia a cada uno de los personajes, una cuadrilla de pringados, que unidos pueden llevar a cabo una misión imposible.
.
Una película cargada de buenas intenciones y excelentes propósitos.
.
Pero que carece de personalidad, que me parece un producto tópico y típico, fabricado en serie, clónico en su concepción y en sus pretensiones.
.
Para hacer esta producción han hecho falta seis guionistas y dos directores, pero perfectamente se lo podríamos haber encargado a un dispositivo con IA de última generación.
.
Mi puntuación: 5,89/10.
.
.
Dirigido por John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 14 min
Género: Acción | Aventuras | Fantástico
Título original: Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 31-03-2023
País: EE.UU.
Dirección: Jonathan Goldstein, John Francis Daley
Intérpretes: Chris Pine, Michelle Rodríguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head, Hugh Grant, Jason Wong, Nicholas Blane
Guión: Chris McKay, Michael Gilio, Jonathan Goldstein
Fotografía: Barry Peterson
Distribuye en cine: Paramount
Los niños pasan por una edad en la que culo-caca-pedo-pis les hace mucha gracia, incluso se regodean insistiendo en verbalizar estas “palabrotas”.
.
Para estos niños está pensada esta película en la que el cerdito ventosea y exonera con generosidad.
.
No me gusta, por lo que me toca, el mensaje del abuelito malvado.
.
Me encanta la construcción esquemática, pero efectista, de los personajes. La madre comprometida, el padre adicto a los crucigramas, el yayo manipulador, la niña confundida, el amiguito incrédulo…
.
La película resulta deliciosamente divertida y escabrosa.
.
Hay imágenes que se me quedan pegadas a la corteza cerebral y que no podré superar. Pienso en las salchichas de mierda.
.
Mi puntuación: 7,02/10.
.
.
Dirigido por Mascha Halberstad:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 12 min
Género: Animación
Título original: Knor
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 31-03-2023
Países: Bélgica, Holanda
Dirección: Mascha Halberstad
Argumento: Tosca Menten (libro)
Guión: Fiona van Heemstra
Música: Rutger Reinders
Fotografía: Peter Mansfelt
Distribuye en cine: A Contracorriente
Centauros de la Alcarria 43: Super Mario Bros , Dungeons & Dragons, OsoVicioso y cine y videojuegos
.
.
En este nuevo programa de Centauros de la Alcarria debatimos sobre cuál debería el estreno de la semana: ¿Super Mario, Dragones y Mazmorras u Oso Vicioso?
.
También hacemos previas de la inquietante #tinytina ; de la última película de Agustí Villaronga, #LoliTormenta; y de la propuesta de animación #oinkoink .
.
Precisamente aprovechando el estreno de Super Mario hablamos también de cine y videojuegos, de nuestras adaptaciones favoritas y las que nos gustaría que se llevaran a cabo.
.
Y por último, hablamos de #65 , la película de aventuras con dinosaurios protagonizada por Adam Driver. ¿Nos habrá gustado?
.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
.
Los tres van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Esta nueva entrega vuelve a combinar las acciones de estos aprendices de superhérores y el humor, en una producción que la convierte en un espectáculo familiar.
.
En el cine había un grupo como de quince niños de unos seis o siete años, pastoreados por tres abnegados padres. Lo cierto es que se portaron muy bien, saliendo a orinar casi al final de la película, con tanta Coca-Cola es comprensible. Se rieron con alguna palabrota, pero no metieron bulla.
Todo esto habla mucho a favor de la película.
.
Aparecen Lucy Liu interpretando a Kalypso, Helen Mirren a Hespera y Rachel Zegler a Anthea. Supuestamente son hijas del Titán Atlas, que tuvo siete con la ninfa marina Pléyone. Éstas son las malas del film, algunas solo regulares.
.
Destacar la presencia de la madrileña Marta Milans, dando vida a Rosa Vasquez, la madre de esta familia.
.
La película alberga el mensaje de la importancia de la colaboración y de la familia, aunque sea no normativa.
.
Hay un romance entre dos adolescentes (el pringado Freddy y la nueva Ann) y muchas peleas con rayos, que tienen escaso interés.
.
La película no me aburrió, pero tampoco me mantuvo atrapado, en varias ocasiones, dejé volar mi imaginación fuera de la pantalla.
.
No sé si es spoiler mencionar que aparece Wonder Woman, cuya presencia es siempre un gran aliciente. Aunque canta demasiado que no asistió al rodaje. Sus apariciones fueron filmadas en otro lugar y tiempo e insertadas con escaso acierto.
.
Me pasa como a Shazam. Yo también sueño con ella.
.
Mi puntuación: 6,12/10.
.
.
Dirigido por David F. Sandberg:
.
.
Ficha:
Duración: 02h 10 min
Género: Acción | Aventuras | Fantástico | Comedia
Título original: Shazam! Fury of the Gods
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 17-03-2023
País: EE.UU.
Dirección: David F. Sandberg
Intérpretes: Zachary Levi, Helen Mirren, Adam Brody, Lucy Liu, Jack Dylan Grazer, Meagan Good, Ross Butler, Rachel Zegler, Marta Milans, Grace Caroline Currey, Asher Angel, D.J. Cotrona
Guión: Henry Gayden
Música: Christophe Beck
Fotografía: Gyula Pados
Distribuye en cine: Warner
.
.
Nota didáctica:
En la mitología griega el Titán Atlas, tuvo siete hijas con la ninfa marina Pléyone. Estas siete hijas fueron llamadas las Pléyades.
Maya, la mayor de las siete Pléyades, fue madre de Hermes con Zeus. Celeno fue madre de Lico, Nicteo y Eufemo con Poseidón. Alcíone fue madre de Hirieo, Hiperénor y Etusa con Poseidón. Electra fue madre de Dárdano y Yasión con Zeus. Estérope fue madre de Enómao con Ares (aunque en la Biblioteca mitológica se decía que Enómao había sido su esposo). Táigete fue madre de Lacedemón con Zeus. Mérope fue la única de las Pléyades que no mantuvo relaciones con los dioses, pero se desposó en cambio con el Eólida Sísifo, naciendo de esta desigual unión Glauco.
Si veis o habéis visto la película os daréis cuenta porqué titulo este cutrecomentario así.
.
Este piloto espacial, al que da vida un esforzado Adam Driver, tiene muy mala suerte y se lesiona reiteradamente. En él se acumulan las desgracias.
.
Desde luego vivir en esa época en la Tierra debía de ser muy peligroso.
.
Después de estas brillantes reflexiones diré que es una película con escasas pretensiones que se ve con cierto interés y que dura menos de hora y media. A Javi Pastrana no le dio tiempo de terminarse las palomitas. Yo no tuve que salir a orinar a las dos horas, como suelo estar obligado a hacer. Son todo ventajas.
.
Mi puntuación: 6,02/10.
.
.
Dirigido por Scott Beck y Bryan Woods:
.
.
Ficha:
Duración: 01h 29 min
Género: Acción | Aventuras | Ciencia ficción | Drama
Título original: 65
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 24-03-2023
País: EE.UU.
Dirección: Scott Beck, Bryan Woods
Intérpretes: Adam Driver, Ariana Greenblatt, Chloe Coleman, Nika King, Brian Dare
Guión: Scott Beck, Bryan Woods
Música: Chris Bacon, Danny Elfman
Fotografía: Salvatore Totino
Producción: Sam Raimi, Scott Beck, Bryan Woods
Distribuye en cine: Sony
