Película de terror, 2020.
Dirigida por Julius Berg.
. Los Huggins, un matrimonio anciano, que vive en una antigua casa rural de Inglaterra, verán alterada su rutina y tranquilidad por la incursión de dos amigos de la infancia, Nathan y Terry, mal influenciados por un colega psicópata.
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Van en busca de una caja fuerte que el señor Huggins, médico de profesión, tiene en el sótano y que la madre de Terry, que trabaja para los señores, le ha comentado en alguna ocasión a su hijo.
. Mary, la novia de Nathan, también se verá implicada sin querer participar en ello.
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Aunque el género de terror no es que me guste, puedo entender que a los amantes del mismo les pueda agradar.
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El film va avanzando con cuestiones predecibles pero que están bien planteadas.
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El final se va intuyendo pero tiene una sorpresa en última instancia.
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Se desarrolla íntegramente en el interior del caserón, con fotografía oscura como requiere la situación.
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Cumple con todos los ingredientes de una película de terror.
Estamos ante una home invasion, es decir una peli en la que se lía parda al intentar hacer un robo en una casa.
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Las cosas que más me molestan de esta peli son las que la hacen más atractiva.
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Los ladrones son unos chapuceros, la chica lloriquea, pero, de vez en cuando, se muestra dominadora, el gordo es cobardica, el doctor es malo y su delgaducha esposa está como para atar, hay un secreto en el sótano, hay desaparecidas y final sorprendente (más o menos).
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Lo dicho todo lo que parecen defectos se convierten en virtud, al contemplar que la peli te lleva por los senderos trillados de este género, sin que sorprenda, pero sin que defraude.
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Noventa minutos de diversión predecible.
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Una pena ver a Maisie Williams, la gran Arya de Juego de tronos, metida en esta serie B.
Animación. Fantástico. Musical. Romance. Terror | Comedia de terror. Monstruos. Halloween. Navidad. Stop Motion. Película de culto. 3-D. Animación para adultos
País: Estados Unidos
Dirección: Henry Selick
Guion: Caroline Thompson,Michael McDowell (Historia: Tim Burton)
Forma parte de este grupo de mis películas favoritas.
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Primero porque es un musical, que es, tal vez, mi género preferido.
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Segundo porque su estética feísta rompe con la tradición Disney y luego Pixar, de películas con animaciones y dibujos perfectos.
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Tercero porque redundando en lo dicho la técnica del stop motion (animación en volumen, fotograma a fotograma) la hace imperfecta y le da un tono de ternura de lo mal acabado.
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Cuarto por todo lo demás, que voy a argumentar.
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Jack Skellington no tiene malas intenciones. Quiere ser un héroe, además de en el mundo de Halloween, en el planeta de la Navidad.
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Pero ninguno de los habitantes del mundo de los difuntos comprenden el universo de los vivos. Solo Sally (la misma actriz que en La novia cadáver) sospecha el error que se va a cometer.
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En definitiva nos da la lección que solo con buenas intenciones no se solucionan las cuestiones. Hay que conocer y comprender para resolver.
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Además de ser un musical terrorífico, toda la peli está impregnada de un negro sentido del humor, ahondando en esas cuestiones tópicas que nos siguen dando miedo.
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A mí es una peli que me entusiasma y ha sido un placer verla en pantalla grande.
Ciencia ficción. Fantástico. Terror | Vida rural (Norteamérica). Extraterrestres. Serie B. Película de culto
Director: Don Siegel
Música compuesta por: Carmen Dragon
Productor: Walter Wanger
Cinematografía: Ellsworth Fredericks
Guion: Jack Finney, Daniel Mainwaring
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Comentario de Ramón:
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En el Taller de Cine de Azuqueca tenemos la suerte de disfrutar de una sesión doble. Gracias a Susana y Jose.
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La primera peli es de 1956. La he visto un montón de veces. La escena en la que el Dr. Miles se sube desesperado al camión lleno de vainas, lo cual aumenta su terror, no deja de impresionarme y fascinarme. Una de las escenas icónicas del cine de terror.
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La peli tiene una estructura de thriller clásico, con el narrador en voz en off, un maravilloso en blanco y negro, incluso su mujer (al final) fatal. Puro cine negro.
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Pero lo que hace de esta peli especial y de culto es que, siendo cine negro, lo es también de terror con extraterrestres, pero además es un retrato de la vida rural norteamericana.
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Esta mezcla de géneros la hace única.
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Las escenas más inquietantes son en las que algunos personajes secundarios se encuentran trastornados al no reconocer a sus seres queridos.
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Ese niño huyendo de su madre es muy inquietante.
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Lo curioso del asunto es que cuando las vainas toman la vida y la personalidad de sus víctimas se crea una relación de cooperación entre ellas que es envidiable, forman una verdadera comunidad.
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Fuera de toda duda que es una cuento sobre la amenaza comunista. La invasión ideológica es el centro de la esencia de la peli.
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En otras pelis de la Guerra Fría vemos hormigas gigantes o monstruos que no dejan de simbolizar la amenaza nuclear.
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Aquí es la invasión ideológica de una sociedad más cooperativa, igualitaria incluso, pero ausente de sentimientos y de humanidad.
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Don Siegel hace parodia del miedo irracional de la sociedad americana basada en la libre opinión, el consumo y la diferencia de clases.
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Ridiculiza este miedo mostrando que la invasión de la ideología soviética es el robo de las personalidades, creando monstruos de apariencia humana a partir de vainas todas iguales, borrando y anulando la diversidad personal y social.
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Por cierto, Dana Wynter me parece bellísima.
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Ahora que está de moda llamar a los médicos héroes, el protagonista de esta historia es un médico rural que curiosamente se volvería loco si se mantiene despierto para no ser sustituido por una vaina. La elección está entre la locura capitalista o la homogeneidad comunista.
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Invito a Elena, Víctor y Alberto a que contribuyan con sus siempre brillantes comentarios en este humilde blog. Por supuesto invito a los críticos que todos lleváis dentro a escribir.
Premios: MTV Movie & TV Award for Best Music Documentary
Productores: Lady Gaga, Chris Moukarbel, Bobby Campbell, Heather Parry
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Comentario de Ramón:
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Lady Gaga no me interesaba para nada hasta que vi en el Festival de San Sebastián en Ha nacido una estrella de Bradley Cooper, en ese momento mi desinterés hacia la cantante y actriz se transformó en veneración. Su interpretación me parece colosal.
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Lady Gaga demuestra una gran valentía produciendo este documental con una cámara que la sigue y la presenta en muchos momentos “incómodos”.
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El director Chris Moukarbel no duda en mostrárnosla recién levantada de la cama con la cara hinchada o dolorida por su lesión de cadera o agotada o intentando obtener un nuevo look más natural o tomando el sol en tetas en su piscina…
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Es un retrato tan íntimo como el de un observador que planta su cámara y sigue a la diva todo el día.
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Lady Gaga no se descubre a sí misma contando sus sentimientos internos y recónditos, eso lo dejaremos para más adelante.
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Me impresiona la figura del padre, Joe Germanotta, que siempre está por ahí, sin que influya, en apariencia, en la vida de su hija.
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El documental comienza con una Lady Gaga dañada por su última ruptura sentimental y parece que, sin decirlo, el trabajo cotidiano la hace recuperarse hasta el éxito de su intervención en la Super Bowl en 1997, donde demuestra que es una super estrella y para mí, también una diosa.
Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica. Enfermedad
Fecha de estreno inicial: 26 de febrero de 2021
Director: Dani de la Orden
Guion: Natalia Durán
Productora: Netflix
Cinematografía: Daniel Aranyó
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Comentario de Ramón:
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Dani de la Orden dirige esta comedia romántica en un psiquiátrico.
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Dani, a pesar de juventud ha rodado una buena colección de comedias, que, aunque no son obras maestras, han demostrado su solvencia y no son en absoluto despreciables:
Adri, Álvaro Cervantes, después de pasar una noche loca e inolvidable con Carla, Susana Abaitua, decide encontrarla para declararle su amor, pero Carla padece trastorno bipolar.
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Es meritorio el tono adecuado y didáctico con el que de la Orden trata el tema de enfermedad mental.
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Aborta aspectos interesantes y cotidianos, como la incomprensión de estos trastornos, la culpabilización del enfermo y desmonta esos odiosos mensajes de autoayuda de mierda, como si tú quieres puedes, como si el enfermo mental pudiera evitar su patología y fuera responsable de ella.
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Es lo mismo que decirle a un enfermo de cáncer o de neumonía que con la voluntad vencerá su enfermedad.
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Aborda a través de tres personajes el trastorno bipolar, la esquizofrenia paranoide y el síndrome de Tourette, a través de tres actores, absolutamente magistrales, Susana Abaitua, Luis Zahera y Aixa Villagrán, que están impresionante manteniendo ese difícil equilibrio de hacer su personaje realista, entrañable y para nada paródico.
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Dani los sabe dirigir con maestría y oficio.
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Álvaro Cervantes queda deslucido ante el buen hacer de sus compañeros de reparto.
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A pesar de tratar temas tan dramáticos la peli sabe encontrar el tono de comedia romántica componiendo una peli encantadora.
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El mensaje de aceptación del enfermo y su enfermedad me parece estupendo.
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Una buena oferta de Netflix para ver en casa. Una pena que esta peli no haya pasado por los cines, hubiera tenido su público.
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Tenemos pendiente de estreno Mamá o papá, con Paco León y Miren Ibarguren, que espero que no se descuelgue de los cines.
Se trata de una peli india producida para Netflix.
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Las pelis de Bollywood siempre tienen vistosos números musicales y son de larga duración, al menos tres horas.
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Esta producción está adaptada al mercado mundial que domina Netflix y por ello es de un metraje moderado (120 minutos) y solo tiene un par de elementos musicales.
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Después de terminar de ver otra peli, Netflix me lanza esta sugerencia y sin darme tiempo a reaccionar me la pone en marcha.
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El baile del inicio me encanta (conocida es mi pasión por los musicales), pero cuando termina la canción me doy cuenta que es una especie de adaptación (refrito) de La chica del tren (2016 – Tate Taylor). Ni siquiera el título lo esconde.
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Resulta ser un telefilm de tercera (o de cuarta) con una incesante e insoportable voz en off, que se obstina en explicar la espectador lo que ya está viendo.
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Para colmo de desventuras su protagonista, Aditi Rao Hydari, es un auténtico desastre, obstinada en poner caritas de susto y asombro.
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Cuando llevo una hora de visionado mi hastío es absoluto. La dejo, pero esa esperanza fundamentalista que me ocurre con todas las pelis malas me invade y continuo viéndola.
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Dividida en dos días se hace menos insoportable.
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Lamento haber perdido dos horas de mi vida en ver este bodrio, del que solo salvo sus numeritos musicales.
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No volveré a hacer caso de los consejos de Netflix.
No saber nada de una peli cuando vas a verla al cine puede ser una experiencia maravillosa.
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Leyendo revistas de cine todos los días del mes, oyendo varios podcasts de cine y escribiendo de películas es muy difícil llegar a una sala sin saber nada de una peli, pero a veces, lo consigo.
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Por ello me gustan tanto los festivales. Vas a las nueve de la mañana y que sorprendan con una peli, sin que esperes nada de ella.
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Recuerdo que cuando era crío leía el Teleprograma, una revistilla que te daba la parrilla de la dos únicas cadenas que existían. En las películas ponía una pequeña recensión.
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Era una peli de terror, no recuerdo bien cual. Leí la sinopsis, pero el TP se había equivocado de peli o habían cambiado la programación. El caso es que pusieron en la tele otra peli diferente a la anunciada. Me pasé toda el metraje esperando que pasara lo que había leído. No disfruté nada de ella. Me había hecho la ilusión de ver una cosa y al visionar algo diferente se me rompieron mis esquemas. Ya no volví a leer sinopsis.
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Comencé a disfrutar de Dating Amber desde los primeros minutos. Estaba ante una comedia romántica irlandesa que no cumplía ninguno de los criterios de la comedia romántica americana.
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Una maravillosa relación de conveniencia entre un chico y una chica gays que para ocultarlo deciden pasarse por novios. en la católica Irlanda de los ochenta.
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El retrato de los adolescentes de la isla verde no es muy amable, llenos de prejuicios machistas y más bien tirando a feos.
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A veces es difícil que la sociedad te acepta tal como eres, pero también puede ser muy difícil aceptarse a sí mismo y asumir la propia sexualidad.
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Cada uno va a asumirlo de manera diferente, pero pesan mucho las expectativas de los padres y la presión social.
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La peli está contada de manera deliciosa en tono de comedia, pudiendo disfrutar muchas escenas cómicas, pero sin dejar el fondo de realidad social y de reflexión sobre lo que he comendado tan acertadamente.
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Los personajes de Eddie y, sobre todo, Amber son maravillosos.
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Bien por sus intérpretes Fionn O´Shea y Lola Petticrew.
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Es una peli que me ha encantado y recomiendo encarecidamente.
La peli gira alrededor de las interpretaciones de Barbara Sukowa yMartine Chevallier.
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Dan vida a una pareja de ancianas que viven en clandestinidad su relación, haciéndose pasar por buenas vecinas.
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Este dramón, muy sentimental, toma, ocasionalmente, toques de thriller con esas visitas clandestinas y nocturnas impulsadas por un amor verdadero, maduro y permanente.
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Los hijos son, en muchas ocasiones, más intolerantes con sus padres que cualquier otra persona y pretenden que cumplan con los estereotipos sociales de viuda, buena madre y ejemplar abuela.
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El joven director italiano Filippo Meneghetti dirige esta producción francesa con la suficiente destreza como para atraer al espectador y permitirle emocionarse con un amor en la enfermedad.
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Como era de esperar a Don Carlos Boyero no le gustó nada: “Asisto a ella en plan témpano. Todo me parece endeble“.
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Es lo que pasa si no te gusta el cine, nada te contenta.
Fecha de estreno: 14 de enero de 2021 (Nueva Zelanda)
Director: Simon Stone
Historia de: John Preston
Música compuesta por: Stefan Gregory
Adaptaciones de: The Dig
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Comentario de Ramón:
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Una peli muy británica, muy correcta, pero emotiva.
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Hay una reivindicación del trabajo artesanal, bien hecho, fundamentado en la experiencia, más que en los conocimientos teóricos.
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Entre esta señora enferma, una Carey Mulligan que ha envejecido muy rápido, y el excavador Ralph Fiennes se establece una relación de amistad y respeto.
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Me encanta la actitud de May Brown, interpretada por Monica Dolan, como esposa comprensiva y respetuosa que valora el trabajo de su esposo, que no es sumisa en absoluto y que sin decirlo se percata de la realidad…
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En cambio la historia secundaria amorosa que protagoniza la empalagosa Lily James me parece vulgar e innecesaria. Me empieza a dar la impresión que esta chica estropea todo lo que toca.
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Como siempre digo… la fotografía, la música, el vestuario, la ambientación en esta producción británica son impecables y le dan ese toque de calidad característico.
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Una buena peli, pero que no pasará a la historia ni a mis recuerdos.
Obtuve el apoyo de unos cuantos miembros, pero ninguna respuesta de los directivos de la Asociación. Creo que por dos motivos fundamentalmente.
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Primero por no acrecentar la polémica. No echar leña a un fuego que ya ardía en las redes y que lamentablemente hizo que los Feroz cobraran un protagonismo indeseado.
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Segundo porque soy un miembro irrelevante (nimio, sin importancia, intrascendente e insignificante) dentro de la asociación, con un blog personal y modesto y que colaboro con medios de ámbito provincial. Por todo ello considero coherente no haber obtenido respuesta alguna.
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Afortunadamente Victoria Abril en su discurso explicitó:
“Pido disculpas si en la rueda de prensa, hablando sin filtros de los vivos, he podido ofender a sus seres queridos.
Os juro que no ha sido mi intención. (Aplausos)
Para mí todas las vidas cuentan.
Creedme por favor.
Y volviendo a la Gala…”
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A mí esta disculpa, que está bien, me supo a poco. No solamente pudo ofender a las víctimas ridiculizando una enfermedad con más del 2% de mortalidad sino que además dijo mentiras, como que las vacunas no son seguras, fomentando a los antivacunas que son, perdonadme que sea claro, elementos socialmente nocivos.
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Insisto no pongo en duda que es una gran actriz. Nunca boicotearé sus películas. Me parece bien que exprese sus opiniones por locas que me parezcan. Incluso defenderé con todas mis fuerzas su libertad de expresión, pero el asunto no es ese.
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La clave es que la AICE le ha dado el premio de honor a una persona, que en momentos tan terribles, con (según el INE) 100.000 muertos, minimice esta tragedia que aún padecemos.
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En mi opinión no ha sido la elección adecuada este año. Retirarle el Feroz de Honor, y explicarlo bien, hubiera sido la opción más acertada.
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El premio fue entregado (simbólicamente) por Jorge Sanz, que realizó una semblanza de la actriz con escasa convicción.
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La Abril fue recibida con muchos aplausos y algunos vítores, lo que pone de manifiesto el apoyo de los críticos y de los miembros de la profesión que allí estaban.
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Victoria leyó penosamente su discurso estando muy cabal en mencionar a los tres directores que han marcado su carrera, Vicente Aranda, Pedro Almodóvar y Agustín Díaz Yanes.
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Me sorprendió que una actriz acostumbrada a memorizar textos, trajera escrito su discurso. Tal vez para no dejar nada a la improvisación.
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La que estuvo realmente acertada y brillante fue María Guerra, presidenta de la AICE:
“…Porque estar y respetar son la base de este nuevo contrato social que nos trae la pandemia.
Como periodistas firmamos este contrato y añadimos la defensa de la libertad de expresión, pero sobre todo de la información veraz y decimos no a los bulos que destruyen la convivencia y nuestro sustento.
Nuestra intención al celebrar esta Gala presencial es trasmitir un mensaje alto y claro y que, además llevamos, lleváis, practicando en la cultura durante este año aciago. Y es que la cultura es segura…”
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Comparto íntegramente sus palabras.
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Tal vez el Feroz de Honor se lo mereciera ella.
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Os pongo los vídeos. El de la polémica, el de Victoria y el María.
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La Gala:
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Los Feroz siempre han jugado a ser unos premios irreverentes y gamberros, desde esa primera edición en los Cines Callao, transformado en salón de cenas, hace ocho años donde conocí a amigos como Alfonso Caro, de El Palomitrón.
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Uno de las grandes protagonistas de la noche fue Paca la Piraña, que conocimos en la serie de los Javis (como siempre muy simpáticos), Veneno.
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Paca estuvo estupenda en la entrevista con David Martos en la Alfombra Roja y más tarde salió a presentar un premio.
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Paca es absolutamente auténtica. Me encanta. Incapaz de pronunciar FlixOlé, me parto con ella.
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Desde la fila dos estuvo interpelando a todos los que aparecían por el escenario.
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Este año hemos disfrutado de monólogos intensos y divertidos como los dos de Pilar Castro, la brillante presentadora de la Gala, el de Samantha Hudson, o el de Asaari Bibang.
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Pero el que más gracia me hizo fue el de Esty Quesada (@soy una pringada) con el que me partí de risa, aunque olvidó en algún instante como seguir y causó cierto desconcierto entre el público.
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A mí esta chica me encanta.
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Como siempre que se pretende hacer humor hay algún momento chirriante, pero en general me parecieron con chispa y, además, está bien dejar lo solemne para otras ceremonias.
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Fueron dos horas y media de Gala, que a mí me resultó amena, excepto, como siempre, los agradecimientos, algunos interminables. El mejor el de Hovik Keuchkerian, que solo dijo “muchas gracias”. Un ejemplo donde se deberían mirarse muchos.
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Se respetaron escrupulosamente todas las medidas de prevención Covid, incluso Victoria Abril llevó su mascarilla mientras estaba sentada en el auditorio y solo se la quitó para leer su agradecimiento al Feroz de Honor.
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La AICE decidió que la protagonista de Átame no desfilara por la Alfombra Roja, ya que había advertido que iría sin mascarilla.
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Bien por David Martos que aguantó de pie, casi tres horas, y a tres metros de los entrevistados en la Alfombra Roja.
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Me encantaron como entregadores de premios Paco León, con un look muy setentero, y Loles León que me dio la impresión de representar la cordura, por cierto, le ha plantado cara a Victoria Abril en las redes sociales (“Ni el paso de los años le quitan la tontería que siempre ha tenido ¡Qué ignorante!“).
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La organización (por parte de La Tropa Produce@LaTropaProduce) ha sido impecable, demostrando que un evento cultural, cómo éste, puede ser presencial en tiempos de pandemia. Es más difícil, más arriesgado, pero sí se puede.
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Un gran acierto.
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Este año no asistí, primero porque el toque de queda en Castilla La Mancha es a las 22 horas y hubiera llegado tarde, con el posible lío de ser parado por la Guardia Civil y tener que explicar lo inexplicable y segundo porque el no poder estar en contacto directo con actrices, actores, directores y amigos le quitaba mucho aliciente.
Pero la razón principal es que no acudía Leticia Dolera.
Cuando se vota en unos premios siempre se desea que tu favorito (y tu votado) sea el ganador. Y como soy muy egocéntrico, cuando el premiado no coincide con mi elección considero que es un error.
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Este año ha habido pocos errores.
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Las niñas es posiblemente la gran ganadora de la noche que se llevó Mejor peli dramática, dirección y guion. Mi paisana, la maña Pilar Palomero subió varias veces la escalerilla para recoger sus feroces.
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Desde luego esta producción independiente ha sido el bombazo de este año.
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Presentada en Málaga consiguió el apoyo de la prensa y se llevó la Biznaga de Oro del festival de la capital de la Costa del Sol, del que soy incondicional.
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Este apoyo ha sido fundamental para que la película funcionara en cines, dentro de las limitaciones e inconvenientes de la pandemia.
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Otro premio cantado es La boda de Rosa como mejor comedia de Icíar Bollaín que no asistió a la ceremonia.
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Sí que estuvo su protagonista Candela Peña que no se llevó el de mejor actriz.
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Ese premio fue para Patricia López Arnáiz por la madre sufridora y de mal carácter de Ane, que agradeció el premio muy emocionada.
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Increíble que Mario Casas se llevará el de mejor actor protagonista por poner cara de susto y de bobo en No matarás. Los Feroz siempre han sido muy generosos con él. Aunque la nominación hace 8 años por La mula me pareció justificada.
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Me encanta el premio a Verónica Echegui por la murcianica descarada en la infravalorada Explota explota, como actriz de reparto
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Muy merecido el premio a Juan Diego Botto por su papel de privilegiado social en el franquismo en Los europeos. Dedicó el premio a su madre Cristina Rota. Un tío elegante.
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El Feroz a la mejor serie dramática se lo llevó Antidisturbios. Es indiscutible la excelente cosecha de series que ha habido este año pandémico, éstas nos han servido para evadirnos de una realidad monstruosa.
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Me alegro mucho del éxito de Rodrigo Sorogoyen al que hemos seguido desde su primera peli, Stockholm, que fue apoyada con un Feroz.
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Lo teníamos difícil para elegir la mejor serie de comedia, todas las candidatas me hicieron reír y mucho, Mira lo que has hecho, Nasdrovia, Vergüenza y Vamos Juan, que fue la que se llevó el gato al agua, pero estoy convencido que por muy poca diferencia.
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Aunque si lo piensas Juan Carrasco es el que había realizado una mejor campaña electoral apoyado por su hija (Esty Quesada) que de youtubera a pasado a excelente monologuista.
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Javier Cámara, además, tiene ese don de elevar a muy grande cualquier papel que interprete.
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Patria, la serie de HBO, se llevó los premios de interpretación femenina, con Elena Irureta, frustrada por no poder subir al escenario a su amiga Ane Gabarian y Loreto Mauleón, premio que me alegra mucho, su interpretación de hemipléjica me parece sorprendente.
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Un cura y un policía, Eduard Fernández y Hovik Keuchkerian, se llevaron el Feroz a mejor actor protagonista de serie.
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Muy acertados el Premio especial a My Mexican Bretzel, una peli insólita y sorprendente que me cautivó y al Mejor Documental por la gran obra a pantalla partida, El año del descubrimiento que analiza la España de hoy con la visión de 1992, o al revés.
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Creo que los Feroz, un año más han sabido repartir los premios de manera inteligente, apoyando las producciones por su calidad. Buen trabajo.
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Al final no he sido nada cáustico.
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Supongo que nadie conseguirá leer hasta aquí abajo. Esta vez no me comprometo a una comida, porque ya tengo unas cuantas pendientes. Solo invitaré a los que vengan a verme a Guadalajara, la que está al lado de Madrid en la N II, a una Sandy o similar.
Una semana más nos reunimos con Zoom, José Luis Solado, nuestro coordinador, Diego Gismero, productor y crítico de cine, y un servidor.
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Diego nos comenta los premiados en la última edición de Los Globos de Oro.
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Decidimos hacer un repaso rápido a la Cartelera de los Multicines Guadalajara, al mismo que celebramos emocionados su reapertura.
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Diego nos comenta un estreno de Netflix, Loco por ella, una peli de Dani de la Orden, con Álvaro Cervantes y Susana Abaitua como protagonistas.
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Dentro de las pelis estrenadas en los Multicines me detengo en comentar un poco más extensamente Nuevo orden, una violenta película mexicana de Michel Franco.
Película mexicana, drama, 2020.
Dirigida por Michel Franco.
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Mientras se celebra una boda en casa de unos señores muy adinerados, en las calles se produce una revolución de clases, que terminará en un golpe de estado.
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Los revolucionarios irrumpen en la celebración de la boda que termina en tragedia.
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Es una buena película, bien rodada y montada, donde predomina la imagen ante el diálogo. Extremadamente violenta a pesar del cuidado con que se trata la misma, que se intuye más que se ve, pero no por ello deja de ser muy explícita.
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La interpretación de los actores está muy medida y es muy creíble, expresa perfectamente los sentimientos.
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A mí me ha resultado muy dura y estaba deseando que se terminase, porque me parecía una violencia muy real.
El mexicano Michel Franco nos presenta esta violenta distopía, de producción mexicanofrancesa.
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Después de la revuelta de los pobres vienen las consecuencias.
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El director y guionista nos presenta los hechos con realismo, con los elementos narrativos imprescindibles para que el espectador juzgue y saque sus conclusiones.
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Con una cámara que se mueve con soltura, con agilidad entre los personajes, siguiéndolos como un observador imparcial.
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En su relato hay pocos personajes buenos, la mayoría, la inmensa mayoría son culpables.
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Su visión de la humanidad coincide con la mía. El tiempo y la historia me ha vuelto terriblemente misántropo.
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El instinto de supervivencia me hace refugiarme en mi familia, en mis pocos amigos, en el cine… y con eso consigo sobrevivir a un mundo lleno de injusticias, muerte y dolor.
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A Michel Franco se puede acusar de haber realizado una película violenta, pero yo no estoy demasiado de acuerdo. Muchos de los asesinatos son fuera de campo, no hay gore, ni recreación en la violencia.
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¿Qué nos hace sentir que estamos ante algo muy violento?
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La respuesta es fácil. Que lo percibimos como real.
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No es una violencia fantástica, ni de cómic.
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Las situaciones que presenciamos son cercanas y tremendamente creíbles y eso nos repugna porque nos parecen cercanas y posibles.
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En un mundo dónde los ricos lo son cada vez más y los pobres siguen cayendo, donde la brecha social se hace abisal es perfectamente posible que lo que nos muestra Michel Franco.
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Desde que la pandemia de la Covid 19 nos llegó, comenzamos a entender que las pelis de catástrofes podían hacerse realidad.
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Esta es una peli de estas características que (esperemos que no) esté prediciendo un futuro muy cercano.
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Tal vez, como especie nos merezcamos lo peor, pero hay unos pocos humanos que no se merecerían un Nuevo orden.
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Notable interpretación de la mexicana Naian González Norvind.
Productores: Paul W. S. Anderson, Martin Moszkowicz, Jeremy Bolt, Robert Kulzer, Dennis Berardi, Ken Kamins
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Comentario de Ramón:
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Hace unos pocos días que vi esta peli y casi la he olvidado.
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Recuerdo a Milla Jovovich pegando tiros, huyendo de monstruos terribles y colosales, un rollo de una ventana a otra dimensión paralela, no sé… poco más.
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No puedo decir que me aburriera. Es todo acción y si te abstraes y te dejas llevar en la butaca, entras en una especie de estado hipnótico relajante en el que lo que le pase a los personajes, incluso a Milla, te da absolutamente igual.
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Lo se supone que debería ser intensidad y emoción es todo lo contrario, como meter los pies en agua templada, que al principio está bien, pero cuando llevas un rato los quieres sacar, pero el secártelos, manchar el suelo… te da pereza.
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(Creo que en mi vida había hecho una comparación tan deplorable).
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Pasas un rato, sientes que has perdido el tiempo, pero sin culpabilidad (con dos…) y la olvidas ( a Dios gracias).
Nominaciones: León de Oro, Oscar a la mejor película extranjera
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Comentario de Ramón:
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Terminamos con esta peli el curso que ha impartido Carlos Alba, Oriente en la mirada, con una selección de películas estupenda y unos comentarios bien documentados y fundamentados. He aprendido y disfrutado mucho.
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Nos anuncia para el curso que viene la propuesta de cine sobre migraciones. Si Dios me da salud no me lo perderé.
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Vamos con la multipremiada La linterna roja.
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La vida familiar que se narra no tiene una localización temporal identificable, podría ser siglo XV o XX.
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La familia es siempre un gran tema. El cuñadismo es en sí mismo una cultura.
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Comprendo que a, la casi niña, Songlian le resulte difícil adaptarse a su nueva familia. Viene de cuarta esposa y a un lugar donde todo son tradiciones y convenciones.
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Asfixiante la situación para esta muchacha, pero también para el espectador que vive con ella en ese microcosmos de envidias, de traiciones, de engaños, de hipocresía y de disimulo.
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El “amo” es un personaje que flota siempre en el ambiente, pero del de conocemos poco y al que, tan apenas, vemos su rostro.
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Es la representación del poder, distante, pero siempre presente, que se disputan, cada una con sus estrategias, estas cuatro esposas.
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La inocente Songlian va perdiendo su candidez para volverse tan malvada como sus “hermanas esposas“.
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Colores vivos y encuadres geométricos para intentar contener el inmenso drama que se vive en ese palacio que, en realidad, es una cárcel.
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El rojo es el color del poder, de la influencia, que ilumina los patios de estas concubinas cuando gozan del favor del amo.
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Como en la sociedad real, esa que rodea este palacio, la del mundo, los subyugados en lugar de aliarse contra el poder se dedican a pelearse entre ellos para que el poder sea reforzado en cada pugna.
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La película fue nominada a mejor película de habla no inglesa por Hong Kong y no por China, donde fue prohibida. Los censores chinos, fueron más listos que los de otros países, y supieron ver la carga de profundidad que conlleva esta película.
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Gong Li, en estado de gracia, más bella que nunca, soporta gran parte del peso de la peli sobre su rostro, que con la contención, no muy oriental, sabe trasmitir una gama muy variada de sentimientos.
De nuevo, una semana más, nos reunimos José Luis Solano, nuestro director, el gran crítico de cine Diego Gismero y un servidor para comentar estrenos en cines y en plataformas.
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Comenzamos con la británica La Sra. Lowwry e hijo, sobre las complicadas relaciones entre este magnífico pintor del siglo XX y su maléfica madre.
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Continuamos con una producción mexicana, El ombligo de Guie’dani, una mezcla muy interesante entre Roma y Parásitos.
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Diego nos comenta la producción coreana que podemos ver en Netflix, Barrenderos espaciales.
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Terminamos con la canadiense que parece francesa, 14 días 12 noches.
Guion: Jo Sung-hee, Yoon Seung-min, Yoo-kang Seo-ae
Productores: InBeom Yoon, Neung-yeon Joh, Han Sang-hyeon, Kim Su-jin
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Comentario de Ramón:
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Producción coreana de ajustado presupuesto, pero que impresiona de superproducción.
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Argumento enrevesado con acción trepidante y mareante que da poco descanso al espectador.
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Cuesta, en ocasiones seguir la trama, sobre todo porque las peleas, los tiros y los números acrobáticos te mantienen en vilo y el fondo de la historia te termina dando igual.
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Hay una niña muy graciosa que da el toque humano y sentimentaliode a la trama. Los chistes de pedos son un valor seguro.
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El malo no es oriental, los buenos sí, y tiene ciertas similitudes, me parece a mí, con cierto personaje que fundó una empresa de manzanas mordidas.
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Me mantuvo entretenido durante su visionado, pero se olvida rápido.
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Un típico producto Netflix de consumo rápido que no defrauda, pero no deja poso.
Lo primero presentarme. Soy Ramón Bernadó. Hago información y crítica de cine en radio, tele y prensa locales en Guadalajara. Tengo un blog que mantengo desde hace más de 10 años.
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Soy miembro de la AICE desde su fundación.
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Además soy médico de atención primaria, este año cumpliré los 40 años de ejercicio profesional.
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Soy admirador de Victoria Abril como actriz y creo que ha tenido una carrera brillante.
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Respeto su libertad de expresión, pero en sus polémicas declaraciones no solo da opiniones sino que realiza afirmaciones que son rotundamente falsas y que no contribuyen a acabar con la pandemia que niega y minusvalora.
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Durante este año de Coronavirus he atendido a centenares de pacientes Covid 19, muchos con pocos síntomas, otros han requerido hospitalización y algunos ha padecido en la UCI un calvario y unos pocos han fallecido.
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Muchos que han perdido familiares directos.
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El dolor y el sufrimiento que ha causado esta pandemia está fuera de toda discusión.
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Podemos recordar cifras terribles, como la mortalidad en residencias de ancianos que ha alcanzado el 40%.
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El Premio Feroz de Honor se da a una carrera cinematográfica, que en el caso de Victoria ha sido brillante, pero también se da a la persona. No es un premio a una interpretación es un premio a un personaje.
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Victoria ha utilizado (de manera tramposa) un foro que la ha dado la AICE para hacer estas declaraciones que cuestionan la gravedad de la pandemia con desprecio bochornoso a los científicos, a los profesionales sanitarios y, sobre todo, a las víctimas.
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Como miembro, sin ninguna revelancia, de la AICE invito a reflexionar si se puede dar este premio a una persona con estas ideas.
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¿Se lo daríamos a alguien que fuera xenófobo, homófobo o que negara la violencia machista?
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Seguiré viendo las películas de Victoria y admiraré sus trabajos, pero esto es otra cuestión muy diferente.
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¿Puede una asociación de periodistas de cine premiar con el Feroz de Honor a esta persona?
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Yo creo que se está a tiempo de retirarle el galardón y, tal vez, evitar un bochornoso espectáculo el día de la Gala.
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Este año hubiera sido perfecto para premiar a un cineasta que hubiera tenido una carrera con aportaciones sociales.
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Muchas gracias.
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Si alguien ha conseguido leer hasta el final, cuando venga por Guadalajara que me llame que le invito a comer.
Productora: Centro Nacional del Cine y la Imagen Animada
Guion: Thierry Frémaux
Productores: Thierry Frémaux, Bertrand Tavernier
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Comentario de Ramón:
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Mi amigo Jesús, al que tanto debo, me regala un BR con esta película.
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Se trata de un documental montado a base de 108 cortos que los hermanos Lumière rodaron desde 1895 a 1905.
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Ordenados y comentados por el propio director, magníficamente restaurados.
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Es un auténtico placer su visionado y descubrir que en esas pelis tan simples estaba recogido el arte cinematográfico y muchos de los grandes géneros y temas del Séptimo arte.
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Porque los Lumièrs no solo grabaron documentales, en ocasiones dramatizaciones que simulaban documental, sino obras de ficción.
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Además enviaron a sus cámaras por el mundo para que retrataran, en movimiento, catástrofes naturales, paisajes y la vida en lugares lejanos.
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Desde el principio comprendieron que el cine es movimiento y en los retratos de familia descubren la importancia de la inquietud de las hojas de los árboles.
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Filmaron travellings, primeros planos, movieron su cámara y hicieron trucos que luego genios como Méliès desarrollarían.
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Supieron componer planos con maestría. No eran solo inventores, eran artistas. Hicieron comedia, drama, efectos especiales.
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El director Thierry Fremaux comenta de manera infatigable todos y cada uno de los cortos, no permitiendo descansar a un espectador como yo que detesta profundamente la voz en off. Ese es el gran lastre de esta peli.
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Se aprende mucho de cine, gracias a sus observaciones, pero me agota y no termino de disfrutar del todo del visionado de estos maravillosos cortos.
No es una peli que haga justicia al gran pintor del siglo XX L.S. Lowry.
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Se centra en la relación de este personaje con su anciana madre.
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No es una relación bidireccional. Él le da paciencia, ternura, amor, comprensión y dedicación y ella, en cambio, no hace más que joderle la vida.
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Me alegra que el cine refleje madres castradoras como ésta interpretada por la gran Vanessa Redgrave, que ya no sé si seguirá siendo militante troskista.
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El cine nos obsequiado muchas madres buenas, abnegadas y cariñosas, pero las madres, como las personas, pueden ser buena o malas.
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Yo no digo que mi madre fuera mala, era especial y única.
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Hubo momentos en la peli que me la recordaron.
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Me apetece contar alguna anécdota con frase para la posteridad de Clarita.
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La preocupación por mis estudios de mis padres fue nula. En primero de medicina saqué tres matrículas de honor. El comentario de mi madre fue (textual): “serán asignaturas muy fáciles y además es tu obligación“.
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Una vez que nos visitó en mi época de médico rural: “tanto estudiar para terminar siendo médico de pueblo“.
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Tenía fijación con la obesidad: “estás cada día más gordo, aún te dará algo a la cabeza y te morirás antes que yo“.
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Podría seguir, pero, de momento, ya me ha servido de catarsis psicoanalítica por hoy.
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Claro que lo de mi santa madre no es nada comparado con la de este pintor. Su crueldad y su egoísmo llegan a límites poco imaginables, superando el sadismo.
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Su afán de desanimar a su bondadoso hijo llega a ser profundamente odioso.
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Una persona que no ha sido feliz, porque siempre ha considerado que no ha tenido la vida regalada que se merecía y que su esposo primero y su hijo después no le han sabido, ni podido dar.
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El tour de force entre los dos personajes Elisabeth Lowry y Laurence Stephen “L.S.” Lowry (Timothy Spall) es intenso y profundo, un prodigio de interpretaciones. Solo por ello ya es valiosa esta peli.
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A pesar de no haber cosechado buenas críticas, a mí me parece excelente.
Nominaciones: Canadian Screen Award a la Mejor Interpretación de una Actriz en un Papel de Reparto
Próximos estrenos España 19 de febrero
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Comentario de Ramón:
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Melodrama canadiense que bien podría ser francés, lo cual no es ningún halago.
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El viaje de una madre adoptiva que vive el duelo por la pérdida de su hija.
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Esta señora quiere conocer el país y los orígenes de su hija después de fallecida. Durante su vida no se preocupó de ello y ahora, tal vez, sienta remordimientos.
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La canadiense Anne Dorval da vida a esta desconsolada madre, reproduciendo una sucesión interminable y empalagosa de caritas, muecas y pucheritos para manifestar su dolor. Me resulta sorprendente que algún crítico haya alabado esta actuación tan zafia.
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En cambio el personaje al que da vida Leanna Chea (actriz francesa de ascendencia vietnamita y camboyana) tiene más enjundia, más historia y está magníficamente interpretado, con la contención medida, lo que hace aún peor, por comparación la de la canadiense.
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El quebequés Jean-Philippe Duval realiza una dirección sin complicaciones, esforzándose en mostrar que se ha ido a rodar a países exóticos. No sabe guiar a la Dorval por los senderos de la buena interpretación.
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Una peli que se deja ver, no mata, como se dice ahora, que aprueba por los pelos.
Lidia (Érika López) es la criada sumisa y agradecida y, en cambio su hija, Guie’dani, es la rebeldía de la juventud, que actúa más por instinto que por reflexión.
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La familia de burgueses son tan repugnantes como cabría esperar, mucho peores que los de Roma.
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La pobre Lidia está satisfecha con su vida, que encuentra cómoda dentro de la infinita laboriosidad, pero su hija no se va a conformar con esa existencia (o, tal vez, sí).
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Guie’dani (Sótera Cruz) encuentra el apoyo ideal en Maru (Mónica del Carmen) que como ella desprecia y envidia a sus amos.
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Las clases sociales y la raza van muy unidas, de eso no cabe duda.
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La realidad es que el único porvenir de muchas muchachas indígenas es el de ser domésticas en una casa de blanquitos, condescendientes, explotadores e inútiles.
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Un gran personaje el de la madre de la señora de la casa, que solo aparece en una escena y se encuentra contrariada ante la altura de la chacha, que es casi la misma que la de su hija. ¡Hasta en eso tiene que haber diferencias!
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Una peli estupenda, profunda, que funciona bien como peli de denuncia, pero que nos aclara los mecanismos por los que se rige la sociedad capitalista.
Como bien decía nuestro profesor Carlos Alba: cincuenta años en la historia de China desde el punto de vista de dos actores de ópera.
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No hay un solo fotograma que no sea impactante y esté cargado de intensidad.
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La peli tiene desde el principio posee un carácter embriagador, que te subyuga y te arrastra por la vida de estos actores que viven la tragedia de su país y también sus conflictos personales y amorosos, complejos y desbocados, con el detonante de situaciones extremas a la encantadora y arrebatadora Gong Li.
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Imágenes que perdurarán siempre en mi retina como las torturas en ese centro de formación de artistas, el niño ahorcado, las actuaciones antes los diferentes públicos y la belleza barroca de la ópera china.
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La fotografía se adapta a cada escena según convenga a la narración de manera prodigiosa.
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Una obra cumbre del cine. Una peli imprescindible en la historia del séptimo arte.
Esta estupenda peli tiene mucho para comentar. Seguro que tendremos en el Taller de cine un debate muy rico e ilustrativo.
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Confío, también, en las ilustradas aportaciones de Víctor y Alberto.
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Yo solo quiero comentar unos pocos aspectos que me han llamado la atención.
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Lo primero lo bien rodada que está esta película. No recuerdo qué director dijo “solo hay un sitio donde colocar la cámara“, pues De Sica sabía cual era ese sitio.
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Las escenas de los tumultos en ese patio del correccional están maravillosamente grabadas, con una sensación de realidad muy intensa.
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De Sica sabe enfocar la cara de estos niños con precisión, pero evitando el sentimentalismo, dejando al espectador la distancia necesaria para que vea y juzgue con inteligencia y sin que haya ese intento de manipulación tan frecuente por parte de malos directores.
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La ilusión de estos niños de tener un caballo se rompe por una realidad muy poderosa. La realidad de un país derrotado, hambriento y mísero.
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No hay personajes íntegros todos sobreviven en una sociedad que se ha podrido por una guerra.
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Hay una importante reflexión sobre la delación, la amistad y la tortura. Elementos que se entrelazan para que surja un conflicto que no tiene solución.
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El limpiabotashabla de la infancia desvalida, de la pobreza, de la miseria y es además un peli de prisiones, donde determinados clichés se vuelven a presentar, para que los espectadores sintamos la satisfacciones de verlos de nuevo. El abusón, la idea de la fuga, el buen carcelero, el médico que pasa de todo…
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Me asombra como en el juicio el tribunal da más importancia a la adquisición del caballo, convirtiéndose en un elemento clave para ellos, cuando nada tenía que ver con el delito en cuestión.
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Muchos más elementos que comentar: los abogados defensores, la madre dolida, los canallas que usan a los niños para el delito, el yanqui tomorrow, las escenas finales de intenso dramatismo…
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