Guion: Andy Tennant, Bekah Brunstetter, Rick Parks, Rebecca Brunstetter
Productores: Rhonda Byrne, Joe Gelchion, Robert W. Cort, Matthew George
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Comentario de Ramón:
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En los años ochenta padecimos una serie que se titulaba Autopista hacia el cielo, protagonizada y dirigida por el inefable Michael Landon.
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Un ángel viajaba por los USA repartiendo felicidad solucionando los problemas de la gente.
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Esta película me ha recordado esta serie.
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Aquí aparece un tipo que viene a resolver los conflictos de una familia de madre viuda y tres hijos.
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La peli está repleta de momentos sentimentales, con un guion infumable que no se puede creer nadie.
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Con el tono y la realización de un telefilm, de los que sabes desde el minuto uno como va a terminar.
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Katie Holmes ya tiene 41 añitos, yo la recuerdo por la noventera serie Dawson crece como la buena amiga que no se come un rosco. Sigue estando estupenda. Tal vez sea el único atractivo de la peli.
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Se me ha hecho larga, muy larga.
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Os suelto un spoiler que ya suponíais: al final terminan juntos.
Acudo a ver este dramón familiar sin mucha convicción.
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Salgo impresionado.
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Annette Bening da vida a una esposa pasivo agresiva que no deja en paz a su reposado marido. Empeñada en hostigarle para que manifieste sentimientos que ha perdido.
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Bill Nighy se ha cansado se soportar a su absorbente esposa y decide abandonarla.
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William Nicholson nos relata, con inmensa sinceridad, cómo esta esposa debe comprender, asumir y adaptarse a su nueva situación.
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Película muy británica que evita los sentimentalismos y la búsqueda de la lágrima fácil, planteando las situaciones desde el punto de vista del hijo que tampoco sabe cómo actuar, pero intenta hacer lo mejor para apoyar a su asfixiante e insoportable madre.
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El joven Josh O’Connor es eclipsado ante la interpretación de la Bening que está sublime en su insufrible papel.
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Siempre he pensado que los hombres somos seres simples. En cambio, las mujeres son mucho más complicadas y exigentes.
El tema de la chica abandonada ya ha sido tratado por el director manchego en más de una ocasión.
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En este corto, de media hora, se encuentran resumidas muchas de las características del cine de Almodóvar.
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La mujer como elemento central de su filmografía.
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A Tilda Swinton le saca oro puro a su interpretación. Su chica Almodóvar se ha trasformado con los años y se ha estilizado. Ya no es la Carmen Maura doliente y fracasada de Qué hecho yo para merecer esto, o la abnegada Marisa Paredes de La flor de mi secreto.
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Tilda espera la llamada de su amado, pero es capaz de revelarse y cambiar con decisión su vida. En un gesto final de qué le den. Algo impensable para Carmen o para Marisa.
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Aparecen en este corto sus decorados, un elemento icónico en su cine. Esos decorados postizos, exagerados, coloristas, atrevidos…
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Además para incidir en su carácter artificial los localiza en una gran nave.
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Almodóvar nos demuestra que nunca ha querido retratar la realidad. Él, siempre, nos ha mostrado su realidad, su ficción.
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Al ver a la Swinton de rojo no he podido evitar recordar una peli, que nada tiene ver con ésta, Tenemos que hablar de Kevin de Lynne Ramsay. La protagonista tenía que soportar a un hijo psicópata y la peli estaba impregnada del rojo como color central.
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Solo me queda felicitar a nuestro director más internacional y decirle que su corto se me ha hecho muy corto.
Mezcla atractiva de falso documental, intriga, humor y terror.
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La peli habla sobre la fama y nos muestra una manera curiosa y terrible de adquirirla.
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Está impregnada de mucha guasa, haciendo crítica del concepto de fama.
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Hay una larga lista de colaboradores, que dan verismo al conjunto de la trama.
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Me hace mucha gracia que Fuentelsaz del Campo, un minúsculo municipio de Guadalajara próximo al límite provincial con Zaragoza, relativamente cerca al Monasterio de Piedra, ocupe un lugar destacado.
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Los actores y el equipo que viajaron a esta aldea podrán presumir de ser unas de las pocas personas, que sin ser oriundos del lugar, la hayan visitado.
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Porque por Fuentelsaz no se pasa solo se va, cuestión esta última muy extraordinaria.
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Me ha entretenido y divertido.
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Este fin de semana vamos de excursión. ¿Adivina qué pueblo vamos a visitar?
Nominaciones: Oscar a la mejor película extranjera
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Comentario de Ramón:
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Después de haber observado el Tíbet desde la mirada occidental en la regulera Siete años en el Tíbet, nuestro profesor Carlos Alba nos ofrece esta peli de sello nepalí aunque su director y equipo sean franceses.
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Se trata de una mezcla de documental etnográfico y drama de aventuras.
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Aunque su director es galo su película nos ofrece la visión desde los habitantes de ese poblado perdido, especialmente desde la del niño que está destinado a ser el jefe.
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En gran parte es la historia de obstinación de un anciano empeñado en realizar una hazaña imposible para su edad.
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La peli nos describe las costumbres de estos tibetanos y nos da idea de su escala de valores y de su espíritu de sacrificio hacia la colectividad.
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Aunque detrás de los protagonistas puede haber grandes egos, sus metas son siempre colectivas, en beneficio de su aldea, de sus gentes. Todo muy alejado del individualismo occidental.
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A diferencia de la citada peli de Jean-Jacques Annaud, Himalaya nos muestra con respeto y con cierta admiración a los habitantes de Dolpo en Nepal.
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Aunque los paisajes no están tan bien fotografiados como en la peli con la que la comparamos, tienen un mayor verismo y dan más sensación de realidad.
Manolo Caro nació hace 35 años en Guadalajara, México. Es el director de la exitosa La Casa de las Flores.
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En esta miniserie nos relata las desgracias de una familia bien de la posguerra española.
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Después de unos años Gabino (Alejandro Speitzer) regresa de México. Su padre Gregorio es un alto cargo del Ministerio del Interior o de la Gobernación.
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En aquellos años andaban muy ocupados buscando rojos, masones y “maricones”.
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Aunque parezca mentira en España hasta la Constitución del 78 ser homosexual era delito y estaba penado con cárcel.
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La trama se mueve por los caminos del culebrón televisivo, con el gran interés del retrato de una clase social superior mezquina y traidora, que vive en el disimulo y la mentira. De misa diaria, golpes en el pecho y mano en alto.
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Me impresiona la cotidianeidad del manejo de las armas por parte de todos los miembros de la familia.
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Ernesto Alterio, dando vida a ese padre ultrajado está impresionante.
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Muy turbadora y atractiva Ester Expósito, una gran promesa del cine actual español
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Pero a mí la que me encanta es la tampiqueña Cecilia Suárez, haciendo de madre coraje.
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Y la que te deja boquiabierto es Carmen Maura, haciendo de abuela psicópata, que solo se quiere así misma. A sus 75 años está esplendorosa en su papel y cuando coge el rifle te quedas trastornado. Ojo con la abuelita.
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A pesar, de su aire a melodrama, y a que el título te da la pista de lo que irremediablemente va a ocurrir, me ha gustado.
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Mi puntuación: 7,15/10.
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. Comentario de Elena:
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Serie mexicano-española, drama, 2020.
Primera temporada de tres episodios.
Dirigida por Manolo Caro.
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Como su título indica, así transcurre la historia, a la espera de quién va a morir.
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Es una serie inquietante donde familias de la alta sociedad con poder y riqueza en la España de los años 50, se desenvuelven en un ambiente opresor donde no cuentan las individualidades, solo el pensamiento único y “bien pensante”, el papel de la mujer queda relegado al hogar, hijos, marido o hermanos varones.
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Vivir para la apariencia, lo vergonzoso hay que ocultarlo porque, según ellos, lo que no se ve no existe. Incluso el amor paternal, interpretado por Ernesto Alteiro, se diluye ante una situación de vergüenza como la homosexualidad, y entonces aparece la crueldad.
. Carmen Maura en el papel de abuela deja mucho que desear, de abuelita amorosa tiene bien poco. Es una mujer dura, dominante, manipuladora y cruel.
. Carlos Cuevas cambia de registro en esta serie con respecto a ” Merlí“, ya no es un joven jovial, agradable, simpático, es todo lo contrario, está soliviantado, es agresivo, amargado, enfadado con el mundo, y todo porque oculta una realidad que no quiere reconocer y le pasa factura.
Nominaciones: Oscar a la mejor película extranjera, MÁS
Premios: Polish Film Award al Mejor Film
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Comentario de Ramón:
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El hábito sí hace al monje.
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Hace unos días vi la anterior peli de este director, Hater, y quedé impresionado.
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Partiendo de una premisa argumental ridícula y poco verosímil se articula una película emocionante y moralmente intensa.
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La peli nos habla del interior de ética que llevamos todos dentro.
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Si a un muchacho le otorgas el papel de delincuente juvenil se comportará como tal, pero si le das el de sacerdote, además libre de las doctrinas superiores de la Iglesia, se dejará llevar por ese espíritu interior que nos dice lo que es bueno y malo.
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La peli ahonda en el perdón y en el rencor, con ese sentimiento tan humano (y tan cristiano) de buscar un culpable a una desgracia.
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El protagonista, al que da vida un perturbador Bartosz Bielenia, nos guía durante el metraje por los vericuetos de la fe y de la redención, del sufrimiento y de la pasión.
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La peli termina con una aire nihilista y fatalista, en el que se nos viene a decir que nadie es capaz de escapar de su destino.
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Estamos ante una gran película que se mueve entre el drama personal y la religión.
Me sorprende las dispares críticas que ha recibido esta peli.
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Se plantea como un duelo entre el inquisidor, Àlex Brendemühl y la acusada Amaia Aberasturi.
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Él representa el fanatismo machista y ella la astucia femenina.
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Catalogar a muchachas felices y, hasta cierto punto, libres, de brujas es una tónica presente en la historia machista y patriarcal de la humanidad.
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Pablo Agüero utiliza sabiamente la fotografía para crear atmósferas contrastadas y estilizadas.
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Su realización es realista, pero posee al mismo tiempo una aire irreal y onírico.
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Pero no solo los dos personajes principales se enfrentan, también los actores que los encarnan en un duelo interpretativo que resulta lo mejor de la película. Magníficos Amaia Aberasturi yÀlex Brendemühl.
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Impresionante Daniel Fanego carcomido físicamente por la miseria moral que lo posee.
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No comprendo que haya quien hable mal de esta peli.
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A mí me ha gustado de cabo a rabo (y no necesariamente del diablo).
La serie nos cuenta, desde los dos puntos de vista opuestos, como se fueron consiguiendo la igualdad de derechos entre hombres y mujeres en la década de los setenta en los USA.
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Por un lado la pertinaz Phyllis Schlafly (Cate Blanchett). Una mujer conservadora que se opone a la “Enmienda de Igualdad de Derechos” (“Equal Rights Amendment“).
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Por otro lado las líderes feministas, con muy diferentes sensibilidades, encabezadas por Bella Abzug (Margo Martindale) y Gloria Sreinem (Rose Byrne) entre otras muchas.
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No termino de comprender como Phyllis Schlafly, una mujer inteligente, experta en armamento nuclear, apoya el machismo reinante intentando impedir que la ley dé igualdad de derechos a hombres y mujeres.
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Entre los propios republicanos conservadores es ninguneada y sometida a humillaciones. Su propio esposo cita como su mejor cualidad la sumisión.
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Pero a pesar de todo ella insiste en intentar impedir los cambios sociales y legislativos.
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Cuando Phyllis Schlafly habla para su público es fácil encontrar el aplauso, pero cuando debate con las feministas, o las saca de quicio o se queda sin argumentos.
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Cate Blanchett está descomunal, impresionante, llenando de matices su personaje, que vas depreciando más y más conforme avanzan los episodios. Las secuencias finales de la serie son desoladoras.
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Se representan bien los diferentes discursos que hay dentro del feminismo de la época, donde hay discrepancias políticas sobre el racismo, la homosexualidad, el aborto…
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No puedo dejar de destacar a la siempre maravillosa Elizabeth Banks que da vida a la republicana pero partidaria de la ERA, Jill Ruckelshaus.
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Una serie muy interesante y aleccionadora.
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A mí personalmente me resulta muy inquietante que aún pueda haber personas que no se consideren feministas, que no crean que los hombres y mujeres deban de tener los mismos derechos.
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Mi puntuación: 8,05/10.
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. Comentario de Elena:
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Serie de serie de televisión de política social 2020.
Creada por Dahvi Waller.
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Está basada en hechos reales sobre la lucha por la enmienda de igualdad de derechos en Estados Unidos a principios de los años 70 y la oposición más radical por parte de otro grupo de mujeres conservadoras liderado por Phiyllis Schlafly.
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Me ha llamado poderosamente la atención la evolución de tres de sus protagonistas así como sus características y registros.
. Phiyllis Schlafly, magníficamente interpretada por Cate Blanchett, una mujer que representa la figura líder de la defensora de la mujer, eso sí, en casa haciendo labores de madre, esposa y asistente sin sueldo, aunque no es su caso, pero sí lo que defiende.
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No es bien tratada por sus colegas políticos.
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Es una mujer fría y manipuladora con las otras mujeres y consentidora con el género masculino a pesar de lo que dice y su apariencia.
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Por otro lado, Gloria Steinem, interpretada por Rose Byrne, defensora a ultranza de la igualdad de derechos.
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El personaje a veces me resulta ñoño con una voz muy bonita, pero cuando se expresa ante el público, adquiere una fuerza arrolladora.
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Por último, comentar la evolución de la amiga de Philips, Alice Macray, interpretada por Sarah Paulson, otra ama de casa a favor de la mujer sumisa y sin derechos, que despierta a la realidad de los tiempos y a la injusticia con las mujeres.
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Es una buena serie que se acompaña de buen guión y casting.
Esta peli la vi cuando fue estrenada y la recordaba bastante bien.
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Me parece una obra para el lucimiento y admiración de un buenorro Brad Pitt con un pelazo teñido de rubiales para interpretar al estereotipo ario.
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La peli nos quiere contar la transformación vital de este montañero egoísta e individualista en una mejor persona.
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A mí lo que más me atrae de la peli son los paisajes que tan bien sabe retratar Jean-Jacques Annaud.
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En estas películas en las que “el hombre blanco” viaja para “descubrir” recónditos lugares, siempre me molesta el tratamiento de supremacía que se le da al viajero occidental y el retrato, muchas veces pintoresco y otras cómico y ridículo, de los habitantes de estos países.
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Aquí, en mi opinión, se cae en este mal que padecemos los occidentales de pensar que un lugar no existía hasta que llegamos y lo descubrimos.
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También me molesta que el malo y traidor Ngwang Jigme (BD Wong) se le dé aspecto de afeminado, insinuando su condición de homosexual.
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En cambio me encantan los tres actores que encarnan al Dalai Lama con 4, 8 y 14 años (Dorjee Tsering, Sonam Wangchuk y Jamyang Jamtsho Wangchuk).
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Se podría decir que es cine sobre el Tíbet desde la mirada de un austriaco.
Nunca comprendo porque hay personas que apuestan por realizar versiones de clásicos del cine.
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De antemano se sabe que van a ser un fiasco.
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En este caso, ¿quién podría superar la Rebeca de Hitchcock?.
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Ben Wheatley compone una peli colorista que no ofrece nada nuevo y que solo obtiene aburrimiento.
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Las diferencias que introduce respecto a la versión de 1940 solo consiguen molestar y defraudar.
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Una misma obra literaria puede ser una maravilla o una basura como esta versión de 2020.
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La vi con desagrado, con la miserable sensación de estar perdiendo un tiempo precioso.
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Ni siquiera tiene un aire más moderno, muy al contrario, parece una película rancia y trasnochada que no encuentra su sitio, por la sencilla razón que nunca lo tuvo.
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Un consejo, en lugar de ver este bodrio disfruta con la del Maestro del suspense.
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Mi puntuación: 2,03/10.
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. Comentario de Elena:
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Película dramática, 2020.
Dirigida por Ben Wheatley.
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Qué despropósito hacer nuevas versiones de películas, que ya de por sí, son fabulosas.
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Lo considero un atrevimiento, tiene más posibilidades de fracaso que de éxito, y aún más, tratándose de un maestro como Alfred Hitchcock con su “Rebeca” de 1940. Magnífica e imposible de igualar.
. Rebeca, 2020 es pretenciosa, hace aportaciones que no tienen ningún interés, gratuitas e innecesarias.
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Trata de explicar cómo son los personajes anticipando lo que el espectador va a descubrir por sí mismo a lo largo de la película.
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Los actores desde mi punto de vista, no son los más adecuados en cuanto a perfil se refiere, distan mucho de los originarios.
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En ambientación, vestuario y peluquería pierde glamour
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La intervención de los protagonistas en la resolución del misterio a la visita médica, se aleja de la concepción de una mujer temerosa de actuar por la presión del ambiente en la mansión de Manderley.
Productora: Coproducción España-Estados Unidos; 9am Media Lab,Aquí y Allí Films. Distribuida por Film Sales
Género: Documental | Familia. Infancia
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Comentario de Ramón:
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Antonio Méndez Esparza pone su cámara delante de los declarantes en el Tribunal de Familia Unificado de Tallahasee (Florida), un juzgado especializado en casos en los que hay menores implicados.
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Se deciden la custodia, la patria potestad y la adopción de niños con un pasado, frecuentemente, triste.
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Casi dos horas de una cámara estática e imparcial que retrata los juicios con descarnada simplicidad.
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El espectador observa y juzga, sin que el intermediario, el director en este caso, interfiera en sus decisiones, de una manera imparcial y aséptica.
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No hay música, no hay voz en off, nada que pueda influenciar al espectador.
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Se consigue así una obra cinematográfica muy interesante en la que observamos la grandeza y la mezquindad del ser humano.
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Dos personajes centrales me interesan sobre manera.
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Por un lado esa fiscal comprometida que vive y padece el sufrimiento de los menores a los que debe proteger y por otro ese juez, conciliador, comprensivo y empático que sentencia desde la autoridad moral del razonamiento legal y no desde la soberbia de un cargo.
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Tal vez se haga algo reiterativa, pero Méndez Esparza nos ha lecciones de buen cine documental sin intentar influir en el espectador al que gozosamente se le trata como inteligente y capaz.
Fecha de estreno: 25 de septiembre de 2020 (Estados Unidos)
Director: Aaron Sorkin
Guion: Aaron Sorkin
Productoras: Marc E. Platt, Amblin Entertainment, MÁS
Productores: Marc E. Platt, Stuart M. Besser, Tyler Thompson, Matt Jackson
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Comentario de Ramón:
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En 1969 se celebró uno de los juicios más populares de la historia de Estados Unidos, en el que siete activistas fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional.
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La Convención Nacional de 1968 del Partido Demócrata se celebró en Chicago del 26 al 29 de agosto, con el propósito de elegir el candidato para las elecciones presidenciales de 1968.
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Los manifestantes contra la guerra de Vietnam protestaron durante toda la convención, enfrentándose con la policía en los alrededores del centro de convención, el Anfiteatro Internacional de Chicago (en las calles, así como en los parques Lincoln y Grant).
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El alcalde Richard J. Daley mantuvo una línea particularmente dura frente a los manifestantes, negándose a permitir reuniones, mítines o marchas, y exigiendo que se hiciese uso de la fuerza necesaria para doblegar a las masas.
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La peli nos relata estos hechos, desde la perspectiva de los acusados y sus abogados, montando la trama a base de flashback, mientras se desarrolla el juicio.
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Una acción judicial claramente amañada con un juez senil y partidista, magnífico Frank Langella.
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Dentro de la trágica historia se introducen elementos de humor, protagonizados por Abbie Hoffman, al que da vida un imponente Sacha Baron Cohen, y Jerry Rubin, interpretado por un irreconocible Jeremy Strong.
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Es desolador que la historia de los USA, el país de las libertades, se haya visto salpicada por tantos sucesos violentos y con una justicia que no tiene nada de justa.
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Quero destacar a Mark Rylane actuando como un abogado defensor, que intenta poner cordura en una sala de juicios desbocada.
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Es interesante el papel del fiscal Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt), un cargo de la administración Nixon, que no puede dejar de ser un hombre justo.
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Película coral que me mantuvo muy interesado.
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Mi puntuación: 8,22/10.
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. Comentario de Elena:
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Película dramática basada en hechos reales, 2020.
Dirigida por Aaron Sorkin.
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Está basada en hechos reales, el juicio en 1969 a 7 ciudadanos, por conspiración a la seguridad nacional de Estados Unidos.
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Manipulación política según el interés de las circunstancias.
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Todo vale para conseguir los objetivos previstos políticamente.
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La figura del juez es penosa, un hombre autoritario que no deja resquicio para el descubrimiento de la verdad.
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No le interesa, quiere solventar el juicio pronto y sin ruido, con una sentencia que interesa al gobierno.
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Es una película entretenida, con momentos incluso cómicos, a pesar de lo trágico de la situación.
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Nos cuenta los hechos sucedidos intercalados con el juicio.
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Los actores están muy metidos en los personajes y los hacen muy creíbles.
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El guión y la ambientación merecen la pena ser reseñados.
Dirigidos por José Luis Solano, Diego Gismero y un servidor hemos hablado de series en Alcarria TV y en EsRadio Guadalajara.
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El creador de series tan emblemáticas como The Wire o Generación Kill, David Simon nos ha ofrecido recientemente la tercera temporada de The Deuce que nos cuenta el inicio del mundo de la pornografía en el Nueva York de los setenta y ochenta.
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Modern Family ya se ha convertido en una serie mítica después de 11 temporadas y 250 episodios. Su final ha emocionado a Diego.
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José Luis nos hace una recomendación, la serie de animación de Netflix, Final Space.
A mí los documentales sobre música me suelen gustar bastante. Éste no es el caso.
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No conocía nada de este grupo coreano de K-Pop.
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Son cuatro chicas delgadicas que bailan y cantan sin estilo propio. Son como un producto bien diseñado para encandilar a adolescentes que desean ser lo que ven en el escenario.
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Sus vidas se han reducido a estar cinco años en un internado para que aprendan a cantar y bailar, creando un producto de éxito comercial.
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Estas chicas tienen poco que contar y su charla aburre hasta el hastío.
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Más vacías que un coco seco.
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Me gusta su estilismo de falditas y tacones, tal vez por que soy un viejo verde fetichista, pero no mantiene mi atención durante 79 minutos. Eso solo me atrae 15 segundos.
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Cuatro chicas muy monas, pero de rostros clónicos, de cuerpos clónicos, que bailan lo mismo y cantan lo ensayado una y mil veces, sin el menos resquicio para la espontaneidad o para la diversidad.
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El documental es más bien un publirreportaje para fans incondicionales, no profundiza en la cuestión básica: ¿porqué estas cuatro chicas sin nada que decir son número uno y atraen masas a sus conciertos?
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Son ídolos de usar y tirar. Una manifestación más de una sociedad de consumo que un día regala a sus hijos patinetes hasta agotar existencias, y otro se viste con vaqueros rotos, o pone de moda llevar pulseritas con la bandera española.
Filmada como si fuera en celuloide reciclado, con medios técnicos muy precarios, cuestión que ha debido costar su esfuerzo.
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Una historia estupenda. El amor entre Bruna Cusí (siempre maravillosa) y un extraterrestre lagarto con disfraz de humano, un colosal Javier Botet, que puede con todo.
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Los directores aprovechan para introducir el tema de las convenciones sociales y la Iglesia.
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A mí me ha resultado muy divertida y estimulante, impregnada de ternura y mucho humor, que hay que pillar, que no se entrega gratis.
1941: 5 Oscars: Película, director, actor sec. (Donald Crisp), fotografía, direcc. artística
1941: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director
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Comentario de Ramón:
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Esta película que nos ocupa competía en los Oscar de 1941 con Ciudadano Kane, pero la que se llevó los premios fue la de Ford. Welles se tuvo que conformar, solo, con el de mejor guion original.
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El director de wésterns nos cuenta la historia de una familia minera en Gales desde el punto de vista del más pequeño de la familia, pero recordando su infancia.
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Este detalle es capital, porque la trama está contada con la nostalgia del que recuerda su niñez, que no necesariamente es lo que ocurrió, sino lo que el narrador recuerda de ella, tamizado por los sentimientos y la visión infantil del mundo de los adultos.
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Siendo un melodrama de tomo y lomo, Ford lo impregna de elementos de humor, como suele hacer en casi todas sus pelis. Un humor cotidiano, sencillo, coloquial que no chirría, nunca jamás.
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El director de Centauros del desierto usa la cámara para mover sentimientos en el espectador, con contrapicados y planos detalle, que nos hace recordar el realismo soviético.
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Ford siempre afirmaba que había que poner la cámara a la altura de los ojos del espectador… Pues eso se lo saltaba cuando le convenía. Lo maravilloso es que lo hacía sin que el espectador se diera cuenta, con una cámara invisible, dando protagonismo a la historia y a los personajes y no a su realización. Lo contrario que Welles que quería ser la estrella de su película.
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En ¡Qué verde era mi valle! se habla de la familia, del amor, de las convenciones sociales, de la solidaridad, del chismorreo y la falsa moral, del sufrimiento, de la clase obrera, de la emigración forzosa, de la explotación, del matrimonio de conveniencia… de la vida.
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A Ford le interesaban los sufrimientos y las desdichas de la clase obrera, con compromiso, sin aspavientos, sin cargar las tintas.
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Esta familia cuyo motor es la madre que cuida y sufre por todos y para todos es un ejemplo modélico, según los ojos del adulto con la mirada del niño que fue.
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Maureen O´Hara, tan maravillosa como siempre, una mujer fuerte, pero que hace lo que las convenciones sociales le obligan.
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La escena de la boda cuando el velo se eleva por los aires, al bajar la escalera de la iglesia, es impresionante..
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Cuando a Ford le preguntaron cómo consiguió esa escena, afirmó: con mucha suerte y dos ventiladores de cinco mil watios.
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Otra obra maestra del mejor director de la historia del cine.
Premios: Premio Primetime Emmy al Mejor Actor – Serie Dramática, MÁS
Nominaciones: Anexo:Premio Primetime Emmy a la mejor actriz de reparto en una serie dramática, MÁS
Autores: Jesse Armstrong, Lucy Prebble, Jonathan Glatzer…
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Premios:
2020: 5 Emmy: Mejor serie drama, actor (Strong), dirección, guion y actriz invitada
2019: Emmy: Mejor guion serie drama. 3 nominaciones
2019: Globos de Oro: Mejor serie drama y actor (Brian Cox)
2018: Globos de Oro: Nominada a mejor actor secundario (Kieran Culkin)
2019: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores Programas de TV del año
2018: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores Programas de TV del año
2019: Premios BAFTA TV: Nominada mejor serie de TV – Internacional y guion drama
2018: Premios BAFTA TV: Mejor serie de TV – Internacional
2019: Critics Choice Awards: Mejor serie drama Y actor (Strong)
2018: Critics Choice Awards: Nomin. a mejor serie drama y actor sec. (Macfayden)
2019: Sindicato de Productores (PGA): Mejor serie de TV – Drama
2019: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director en serie drama
2018: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director en serie drama
2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion serie drama y episodio
2018: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion serie drama y nueva
2019: Satellite Awards: Mejor serie drama, reparto en TV y actor secundario (Strong)
2018: Satellite Awards: nominada a Mejor serie drama
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Comentario de Ramón:
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Decidimos ver esta serie por el aparatoso número de premios obtenidos.
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Los cuatro hijos del magnate Logan Roy se disputan su sucesión cuando le da un jamacuco.
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El tono es de clara sátira, cebándose en personajes patéticos, ricos de cuentas bancarias, pero pobres de espíritu.
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Impresionante Brian Cox, dando vida y enfermedad al patriarca de los Roy. ¡Menudo hijo de puta!
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Hemos dejado de verla porque no conseguía tener el interés suficiente para nosotros. Con tres episodios ha sido suficiente.
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Tal vez luego mejore…
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Mi puntuación: 5,67/10.
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. Comentario de Elena:
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Serie de humor dramático, tres capítulos, 2019.
Creada por Jesse Armstrong.
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La sucesión en el emporio empresarial del cabeza de familia -compuesta por cuatro hijos, interpretados por Hiam Abbass, Alan Ruck, Jeremy Strong, Sarah Snook y Kierkan Culkin– está llena de ironías, golpes bajos, manipulaciones…
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Se trata de una familia aristocrática llena de secretos y omisiones.
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Las relaciones entre sus miembros son de puro interés monetario.
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Los personajes no me terminan de encajar, no resultan atractivos, y la historia transcurre de forma lenta y previsible.
Hay dos cosas en el cine que detesto profundamente: el plano cogote (un auténtico cáncer del cine actual) y a Mario Casas (el peor actor, después de Nicolas Cage, claro).
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El colmo de la provocación para mi persona, es comenzar una peli con tres minutos de un plano secuencia del cogote de Mario Casas. Estuve al filo de la muerte. Es claramente un delito federal que debería ser castigado con la hoguera. Pensándolo bien, igual me quedo corto.
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Nuestro amigo Casas es un pringadillo que se mete en un lío que no veas por culpa de una pelandrusca, a la que se cala de lejos.
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Mario se dedica a poner cara de tonto, lo cual para él no requiere mucho esfuerzo, concatenando una tras otra malas decisiones.
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David Victori nos introduce en una especie de ensoñación donde la realidad y la subjetividad del protagonista se mezclan, consiguiendo un resultado virtuoso.
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Terminas enfadado por la torpeza del personaje y admirado por la realización del director.
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Sin Casas y sin plano cogote hubiera sido una buena película.
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Una recomendación: si te encuentras con Milena Smith, sal corriendo como alma que lleva el diablo, te va a liar seguro.
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Mi puntuación: 4,99/10.
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. Comentario de Elena:
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Película española, thriller dramático, 2020.
Dirigida por David Victori.
. Dani, Mario Casas, es un joven tranquilo, responsable y tímido, poco decidido que siempre se comporta como un buen hijo y hermano.
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Durante la enfermedad de su padre se dedica a trabajar y cuidar de él, casi con completa dedicación.
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Cuando éste fallece, el mundo de Dani, tras el encuentro con Mila, Milena Smith, una joven extraña, inestable e impetuosa, le hará tomar un camino sin retorno.
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Sinceramente, la primera parte de la película no ha tenido gran interés, un Dani que no sabe decir no, una joven caprichosa alocada y sin fundamento.
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La segunda mitad es de mayor interés con una música inquietante que te mantiene en tensión y un ritmo trepidante. Incluso Mario Casas cambia de registro y mejora.
Diego Gismero, José Luis Solano y un servidor, después de cinco semanas de buen autocine, nos despedimos del FESCIGU 2020.
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El FESCIGU ha salido más que airoso de una complicada situación con una apuesta muy arriesgada, pero indiscutiblemente la más segura posible para tiempos de pandemia, con un palmarés de primera división.
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Un 10 en el aspecto artístico y un 10 en el organizativo.
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Analizamos dos de los más destacados estrenos:
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La última de Woody Allen, Rifkin´s Festival y la estupenda y divertida comedia musical Explota Explota de Nacho Álvarez.
Reinventar un Festival de Cine en tiempos de pandemia:
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Aunque Cannes este año lo dio por perdido, el resto de los grandes y pequeños festivales de cine se han reinventado para seguir adelante.
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Primero porque la continuidad es fundamental para la permanencia de muchos festivales y por otro por ese espíritu que la cultura debe continuar contra vientos, mareas y coronavirus.
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La idea de hacer el FESCIGU 2020 en formato autocine me parece excelente y novedosa.
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Montar y organizar de cero todo este tinglado es mucho lío, por ello hacer un festival alargado desde el 2 de Septiembre hasta el 10 de Octubre ha sido una decisión muy valiente, pero adecuada.
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Los cortos a competición se concentraron la semana de los últimos días de Septiembre y los primeros de Octubre.
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El resto de parrilla se rellenó con selecciones de cortos y películas de autor, en una programación muy atractiva.
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Acudí el día 3 de Octubre para ver los Requetecortos, la Gala de entrega de premios y la proyección de los cortos ganadores.
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Era la primera vez en mi larga vida en la que acudía a un autocine.
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Pude hablar unos minutos con el director del FESCIGU, Luis Moreno, que me recibió muy cordialmente.
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Estaba muy satisfecho por el desarrollo del festival y la calidad de las proyecciones, pero la asistencia de público no había sido muy numerosa.
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Mi experiencia como espectador de esta forma de ver cine ha sido muy satisfactoria.
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Me llevaron diligentemente a mi sitio, las proyecciones fueron magníficas y todo fue sobre ruedas.
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Me fui convenientemente preparado con una mantita y un termo de Cola Cao. Pude soportar bien el frío nocturno.
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No puedo más que felicitar al FESCIGU por estas siete semanas de buen cine y por tirar para delante con un cambio novedoso y arriesgado.
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No quiero olvidar destacar lo buena que es la web del FESCIGU, que lleva años funcionando muy bien. Es una página muy bien confeccionada y atractiva. Mucho que mejor que la de otros festivales más grandes.
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La ceremonia de entrega de premios del FECIGU 2020:
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Tuvo tres grandes virtudes: fue breve, fue divertida y no se olvidó de nada ni de nadie.
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A falta de un escenario físico y ante la imposibilidad de celebrar una gala al uso, los actores Montse de la Cal y Poli Calle fueron conduciendo la celebración, con grandes dosis de humor, desde diferentes ubicaciones del autocine, dando paso a los ganadores de los diferentes premios e interactuando con el público en directo.
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Pudimos ver a los miembros del jurado entregar los dos primeros premios y también a los representantes políticos de la instituciones que apoyan el festival. Este año han sido mucho más breves que el pasado, lo cual se agradece mucho.
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El palmarés del FESCIGU en su décimo octava edición:
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Lo primero destacar la elevada calidad de los cortos premiados, todos magníficos.
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En segundo lugar que entre los premiados hay directores de mucho prestigio, como los hermanos Fesser (Campeones) o el tandem Aitor Arregi y José Mari Goenaga (La trinchera infinita,Handia,Loreak), o grandes promesas del cine español como la encantadora Susan Béjar o el ya ganador de un Goya José Manuel Carrasco o Joaquín Villalonga que ha sido asistente de dirección en producciones como la Trinchera infinita o Arde Madrid.
El FESCIGU ha salido más que airoso de una complicada situación con una apuesta muy arriesgada, pero indiscutiblemente la más segura posible para tiempos de pandemia, con un palmarés de primera división.
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Un 10 en el aspecto artístico y un 10 en el organizativo.
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Os pongo el cutrevídeo que realicé la noche de la Gala de entrega de premios, de una calidad pésima, y el espacio más extenso dedicado al FESCIGU en Alcarria TV con Diego Gismero y José Luis Solano.
Entre mediados de los setenta y mediados de los ochenta hubo un gran bar en Nueva York, The Hi Hat.
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Concretamente situado al oeste del Times Square, donde comienza la conocida zona recreativa de la ciudad, con decenas de sex-shops, cines X, y clubes de striptease.
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El bar estaba regentado por Vincent y Abby. Ahí acudían ejecutivos que trabajaban por la zona, prostitutas, chulos, camellos, mafiosos, drogadictos, puteros, activistas, actrices porno… Todos encontraban una palabra amable y a todos se les acogía.
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The Deuce es la historia de la transformación de esta zona de la Gran Manzana. De la prostitución, de los prostíbulos, del inicio de la pornografía, de los negocios de la mafia, de la especulación inmobiliaria.
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La historia se narra siguiendo a muchos personajes, que todos terminan siendo protagonistas de su relato y de la serie.
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Estos personajes son tratados con cariño, con ternura. Terminas queriéndolos, necesitándolos.
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El relato de fondo es el de sumisión y opresión de la mujer, víctima del machismo implantado en la sociedad que la trata como un objeto de consumo y de uso y no como una persona.
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De todos los personajes voy a elegir a Eileen ‘Candy’ Merrell, a la que da vida una portentosa Maggie Gyllenhaal. Tal vez sea de ella, de la que más se nos cuenta su vida, a retazos en las tres temporadas de la serie. Una infancia triste que la arrastró a la prostitución, pero se supo superar y llegar a ser una directora de cine porno de prestigio.
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En el capítulo final se cuenta que realizó una peli no porno titulada “Un peón en su juego(remasterizada por Criterion)“, considerada como peli de culto, aunque tuvo nulo éxito en taquilla.
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He buscado y no la encuentro. Puede ser que solo sea una ficción. Si alguien lo sabe que me lo diga, por favor.
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En resumen, The Deuce es una serie estupenda, una auténtica maravilla. Sentí una gran pena y cierto desamparo al ver su último capítulo, cargado de nostalgia, al ser consciente que se acababa una serie que podría haber seguido viendo toda la vida.
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Mi puntuación: 10/10.
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. Comentario de Elena:
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Serie, 3 temporadas. Drama, 2017.
Dirigida por David Simon (creador), Michelle Maclaren, Ernest R. Dickerson.
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Con una temática en torno a la legalización y auge de la industria pornográfica en Nueva York entre 1970 y 1980.
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Prostitutas, sus chulos, mafiosos, camellos, muertes, soledad, frustración, diversos trabajadores de la noche neoyorkina se reúnen en un lugar de encuentro, un bar de copas situado en “The Deuce“, en un escenario concreto, en el centro de Nueva York.
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Maravilloso elenco de personajes, todos ellos de gran peso y necesarios para la historia.
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Buenos casting y caracterización.
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Guion maravilloso y trabajado con magnífica ambientación.
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Los personajes forman un grupo muy variopinto, entre ellos surgen diferentes relaciones, y en su gran mayoría llegan a tener verdaderos lazos familiares prestándose ayuda en los momentos más difíciles.
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Surgen todo tipo de sentimientos y emociones inmersos en una temática variada.
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La lucha por los derechos de la mujer está muy presente.
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Ellas son capaces de hacer otras cosas y de emprender proyectos, como nos lo hace ver Candy, Maggie Gyllenhaald, una directora de cine porno con un punto de vista diferente. Capaz de hacer algo innovador.
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Un camino a la deriva en la persona de Lori, Emily Meade.
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La protección por parte de Vincent, James Franco, sobre su hermano y todos los amigos.
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El saber estar al frente de las situaciones de Abigail, Margarita Leviera.
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Y otros muchos personajes, todos dignos de mención.
Productores: Viggo Mortensen, Chris Curling, Daniel Bekerman
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Comentario de Ramón:
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Viggo Mortensen se ha pasado, por fin, a la dirección .
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Ha compuesto un dramón familiar, muy intenso y muy cruel.
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Ya sabemos que la familia es la que nos toca y con ella tenemos que lidiar toda la vida.
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Willis (Lance Henriksen) es el anciano y senil padre de John (Vigo). Es un individuo desagradable, siempre enfadado. Para él todas las personas son putas o maricas.
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Además lleva mal su demencia, no tolera que se le corrija o se le intente ayudar.
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Es un hijo puta de tomo y lomo. Un tipo detestable e inaguantable.
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Lo fue desde su juventud y sus hijos no guardan un buen recuerdo de su infancia gracias a él.
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Pero ahora hay que cuidarle. No se lo merece, pero lo necesita.
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Su paciente hijo lo intenta lo mejor que puede, pero su padre no se lo pone fácil.
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La peli nos habla del perdón y de la carga familiar.
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Las interpretaciones de todos los actores son excelentes, pero desde luego brilla en un papel muy agradecido Lance Henriksen, al que solo puedes odiar.
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Ha hecho bien Vigo en apostar para su primera película en algo pequeño en formato, aunque grande en sentimientos.
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Y además ha acertado.
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Después de ver este Padre padrone, pienso que los míos fueron muy buenos.
