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El cine clásico de Hollywood fue una etapa del cine americano lleno de ensoñación, glamour y excesos, que hicieron de la industria de cine norteamericana un icono global.
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Este periodo se engloba entre mediados de los años 30 hasta finales de la década de los 50, una época que muchos han idealizado y vanagloriado a lo largo de los años.
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Aunque es cierto que muchas de las películas más fascinantes de la historia del cine, se llevaron a cabo durante este periodo, la verdad es que reinaba cierta tiranía dentro de los estudios cinematográficos más importantes de aquel momento.
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El cine clásico americano, desprendió una inmensa corriente creativa y de grandes innovaciones, pero también es cierto que había cierto totalitarismo y monopolio reinante en aquel Hollywood.
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Historia de los años de oro de Hollywood
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El periodo de cine clásico o como algunos lo denominan (la época dorada de Hollywood) comenzó con la introducción del sonido en la cinematografía.
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Aunque existe cierta discrepancia sobre cuándo comenzó oficialmente la era del sonido, el lanzamiento de The Jazz Singer (1927) significó un cambio radical en la industria del cine.
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Por primera vez el sonido se reproduce a través de los altavoces que rodean un cine mientras las imágenes se reproducen en la pantalla.
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En 1929, casi todas las películas lanzadas usaban sonido.
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Durante este tiempo, hubo un puñado de géneros que se fueron introduciendo poco a poco al mundo sonoro; géneros como el western, la comedia del slapstick o los musicales fueron algunos de los géneros que empezaron a usar sonido en sus películas, tras haber cosechado un glorioso periodo en el cine mudo.
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Una gran parte de la población norteamericana de finales de la década de los años 20, encontraron en las salas de cine un refugio donde aguardarse de la gran crisis económica que estaba sufriendo el país.
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No solo utilizaban las salas de cine como escape, sino que también buscaban un significado en esas maravillosas historias.
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Las películas de estos años, usaban frecuentemente elementos como el deseo o la pérdida para construir sus tramas; tramas con las que el público de aquellos años de recesión podrían identificarse.
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Momento cumbre de Hollywood
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La Metro Goldwyn Mayer, Twentieth Century Fox y Paramount fueron las productoras cinematográficas líderes de la industria, llevando a cabo la mayoría de las películas más importantes de dicho periodo.
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Sin embargo, con la unión de sonido e imágenes, muchos críticos de cine argumentaban que la calidad artística de las películas durante ésta época sufrió descenso.
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Hizo falta hasta finales de la década de 1930 para que el cine se afianzara en la tecnología moderna y comenzara a producir películas con la misma estética creativa que cuando todavía estaba el cine mudo.
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Pero una vez que lo hicieron, el cine se consolidó como una forma fundamental de contar historias.
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En el año 1939, el cine de Hollywood alcanzó una popularidad como nunca antes lo había hecho.
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Estrenos como los de Cumbres borrascosas (1939), Lo que el viento se llevó (1939), El mago de Oz (1939) o Casablanca (1942), abrieron un nuevo periodo de plenitud en la industria hollywoodiense .
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Todas las películas estrenadas durante estos años se caracterizaron por los distintos avances que presentaban.
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Hubo tres elementos primordiales que marcaron el cine de estos años: los dispositivos cinematográficos que se empezaron a utilizar, tramas con una construcción narrativa mucho más sólida y una tecnología más puntera.
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Características del cine clásico de Hollywood
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Nuevas formas de montaje
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En primer lugar, los cineastas empezaron a utilizar dispositivos cinematográficos como la edición de continuidad para dividir las escenas, dando a los espectadores diferentes perspectivas del tiempo y espacio.
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Del mismo modo, la regla de los 180 grados hizo que los cineastas fingieran que había una línea a lo largo del eje de 180 grados de cada toma, mostrando dónde se debía colocar la cámara para apuntar al centro de la acción.
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Esta regla garantizaba coincidencias en la posición y el movimiento de la pantalla y construir un espacio de juego realista para los personajes.
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Los realizadores empezaron a filmar la acción desde un lado del eje de acción que atraviesa el centro de la acción principal de la escena.
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Al permanecer en un lado de esta línea, la cámara asegura esa dirección de la pantalla que permanezca constante.
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Es decir, si un personaje se para en el ala derecha del cuadro y otro a la izquierda, esos personajes conservan su relación posicional de la pantalla de una toma a la siguiente (a menos que, por supuesto, se muevan).
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Ciertos directores como John Ford, violaban repetidamente esta regla y otros como Howard Hawks, la obedecían escrupulosamente.
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Se establecieron tanto el corte transversal, que reveló la acción simultánea en diferentes ubicaciones, como el corte axial, que no contenía cortes, sino que se movía dentro y fuera de la escena.
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Tenemos un ejemplo en La diligencia (1939) de John Ford, donde el director realiza numerosos saltos de eje.
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Historias más solidas narrativamente
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En segundo lugar, una construcción narrativa más sólida de la trama.
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La lógica narrativa general fue impulsada por personajes humanos identificables y establecidos por un comienzo, un desarrollo y un final claramente marcado.
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De esta forma, la narrativa estaba estructurada por una fórmula estándar de causa y efecto.
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También se creó el tiempo cinematográfico.
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Esto funciona de manera similar como una lógica narrativa, pero también incluye flashbacks a lo largo de la historia.
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Avances tecnológicos
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En tercer lugar, también se destacó por la mejoría tecnológica que empezó a usarse a partir de inicios de la década de los 40.
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Se empezó a utilizar iluminación artificial, iluminación discreta y efectos visuales.
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Todos los cineastas de esta época, jugaron con las sombras y la luz para crear cualquier cosa, desde un estado de ánimo alegre hasta una siniestra escena de terror.
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Como resultado de estos avances, las películas se hicieron más largas y las tramas más complejas.
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Las historias que alguna vez estuvieron confinadas al papel como libros u obras de teatro se transformaron visualmente para ser disfrutadas por un público más amplio.
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La importancia de la imagen
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Por último, una de las cosas que venían muy arraigadas del cine mudo, era la importancia que se le debía dar a la imagen, como medio narrativo predominante.
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En el cine mudo era algo fundamental, que durante el periodo más álgido del Hollywood clásico, se trabajó en traerlo de vuelta.
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Por ejemplo, una toma de ángulo bajo en la que la cámara mira hacia arriba, la acción podría adquirir significado a través de un proceso de asociación, convirtiéndose en algo que pudiéramos relacionar con un personaje o situación específica.
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Esto empezó a utilizarse repetidamente en las películas del cine clásico de Hollywood, brindándoles un mayor valor cinematográfico.
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Todas estas cuestiones fueron fundamentales, para varios de los cineastas más formidables de Hollywood que querían seguir la corriente europea del momento.
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Esto hizo que las películas de Hollywood consiguieran la aclamación general, tanto del público como de los críticos de cine.
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Esa capa superflua que engalanaba al Hollywood de los comienzos del cine sonoro, poco a poco fue perdiéndose, adquiriendo una personalidad más definida.
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Esto pudo ser posible, por creadores europeos que emigraron a Estados Unidos; muchos de ellos, huyendo de la guerra.
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Por poner un ejemplo muy claro, Hollywood no se puede llegar a entender sin la figura de Hitchcock.
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Hitchcock no solo realizaba películas que llegaban a ser accesibles para el amplio público, sino que era probablemente el cineasta que dominó más a la perfección el lenguaje cinematográfico.
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También hubo muchos otros cineastas europeos, que forjaron este modo de realizar cine, durante la época del cine clásico americano.
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Las reglas que reinaban en aquellos años
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El cine clásico de Hollywood fue conocido por su ostentación y glamour, y eso se debía en gran parte a las legendarias estrellas, que han perdurado con el paso del tiempo.
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Las celebridades durante este tiempo aguantaron mucho para triunfar.
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Debido a los contratos estrictos que imponían a los actores las grandes productoras, llegaban a controlarles de muchas maneras.
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Estas son varias de las reglas que imponían las productoras cinematográficas en aquellos años:
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- Tenían que firmar contratos a largo plazo: Hoy en día, los actores y actrices pueden trabajar en una película con un estudio y luego pasar a un nuevo estudio para su próxima película. Pero era común durante la época del cine clásico, que los estudios cinematográficos descubrieran talentos y los firmaran con contratos de cuatro a siete años.
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- Los actores no podían rechazar papeles: Durante la época dorada de Hollywood, era inaudito que un actor rechazara un papel, porque hacerlo a menudo tenía graves consecuencias. De hecho, Warner Bros suspendió a Bette Davis por rechazar ciertos papeles.
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- Tenían que estar dispuestos a cambiar sus nombres: Muchas de las estrellas del cine clásico de Hollywood que conocemos hoy en día como Marilyn Monroe, Rita Haywort o Judy Garland, usaban nombres artísticos elegidos por los estudios de Hollywood. Incluso el estudio de la Metro Goldwyn Mayer, llevó a cabo una especie de concurso para elegir el nombre de la nueva joven estrella Lucille LeSueur, más conocida por todos como Joan Crawford.
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- Se obligaba frecuentemente a las actrices, a cambiar su apariencia física: Más allá de teñirse el cabello, algunas estrellas tuvieron incluso que someterse a la cirugía plástica con tal de complacer a los estudios donde trabajaban. Esto les convertía en muñecos de usar y tirar, donde lo que importaba era la imagen; es por ello, que muchas actrices de aquella época recuerdan con malos ojos ciertos aspectos de aquel Hollywood.
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- Tenían que tomar clases de interpretación y de voz: A veces, los estudios veían potencial en un actor o actriz incluso antes de que pudieran demostrar sus habilidades como actores. Así que era común que las estrellas emergentes que ya habían firmado contratos con los principales estudios, tomaran clases de interpretación. En cuanto a las clases de voz, hubo actrices tan reconocidas como Lauren Bacall que tuvieron que pasar por ello. Fue a través de estas sesiones donde la actriz desarrolló la sensual voz baja por la que se hizo conocida y que la distinguió de sus otras compañeras de profesión.
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- Sus vidas amorosas a menudo se veían influenciadas por los estudios: Las citas falsas, como se les llamaba en ese entonces, eran una forma en que un estudio podía generar publicidad para las próximas imágenes de sus estrellas; era una forma de generar publicidad de la marca, a partir del uso de cierto sensacionalismo. Muchas veces iban más allá y llegaban incluso a orquestar matrimonios o a prohibir ciertos affaires entre actores del mismo estudio.
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Principales directores del cine clásico americano
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Billy Wilder
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Genio cinematográfico indiscutible, Billy Wilder nació el 22 de junio de 1906 en la ahora extinta Austria-Hungría, donde abandonó una prometedora carrera como abogado para convertirse en reportero.
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Después de haber estado fascinado durante mucho tiempo por el mundo teatral, pronto se encontró inmerso en la industria del entretenimiento, escribiendo guiones.
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En su larga e irreprochable carrera, Wilder dirigiría obras maestras tan diversas como Días sin huella (1942), El crepúsculo de los dioses (1950), Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960) entre muchos otras.
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Esta grandiosa carrera tanto como director y como guionista, lo han convertido en uno de los nombres más emblemáticos de aquellos años de Hollywood.
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Estuvo haciendo películas casi 50 años. De 1934 a 1981.
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Frank Capra
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Frank Capra se hizo un nombre en la Columbia Pictures durante la Depresión del 29.
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Harry Cohn, el jefe del estudio, le dio al cineasta la libertad creativa que Capra necesitaba y él correspondió con una serie de éxitos que sacaron al estudio del bache económico que atravesaba.
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Durante sus cuarenta y tantos años en el cine, Capra hizo más de 50 películas y ganó 3 premios Oscar.
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Entre ellos se encuentran los clásicos atemporales Sucedió una noche (1934), Horizontes perdidos (1937), Vive como quieras (1938), El secreto de vivir (1936) o Caballero sin espada (1939).
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Aunque probablemente la película más recordada de él, sea la mítica cinta protagonizada por James Stewart, Qué bello es vivir (1946).
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Su carrera como director en Hollywood, le llevó a convertirle en el realizador que mejor retrató los valores estadounidenses en la gran pantalla.
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Howard Hawks:
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Howard Winchester Hawks fue un director, guionista y productor estadounidense.
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En su amplia filmografía, que incluyó cine negro, películas del oeste y comedias, entre otras, se cuentan numerosas películas galardonadas con premios Óscar y otras distinciones.
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John Ford:
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John Ford —bautizado como John Martin Feeney y que comenzó su carrera cinematográfica con el nombre de Jack Ford— fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio de la Academia.
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Empezó como director en 1917 en el Cine Mudo.
Su última película es de 1976, un documental.
Casi 60 años como director, con más de cien películas.
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La lista de directores y de películas del Hollywood clásico es inconmensurable.
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Para terminar cito algún (gran) director más:
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Nicholas Ray, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Rossen, Raoul Walsh, Elia Kazan, Robert Siodmak, William Wyler, John Huston, Anthony Mann, George Cukor, Joseph L. Mankiewicz, Orson Welles, Otto Preminger , Michael Curtiz…
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El Cine en el Periodo de Entreguerras – Ramón Bernadó – Biblioteca Pública de Alovera
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Muchos besos y muchas gracias.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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