Sergio en un tono afable y muy cordial, nos cuenta sus proyectos de difusión de este magnífico musical, que va a poder ser visto, de nuevo, el día 30 de Enero, en el Buero Vallejo de Guadalajara y, posteriormente, en otras ciudades españolas.
Esta semana relato a los oyentes de EsRadio Guadalajara y a los espectadores de Alcarria TV, la historia de Fermín, un muchacho al que conocí en la prisión de Alcalá Meco, que padecía un Trastorno delirante crónico.
Productora: Coproducción Bélgica-Francia; Lunanime,Wrong Men North
Género: Drama | Transexualidad / transgénero
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Comentario de Ramón:
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La intolerancia del padre.
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La pobre Lola (Mya Bollaers) acaba de perder a su madre y la relación con su padre es nefasta.
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Su progenitor no consigue, ni lo intenta, comprender a su hija trans.
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La necesidad de llevar las cenizas de su madre hacia el mar, les hace emprender un viaje, que está surcado de inconvenientes.
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Philippe(Benoît Magimel) es ese tipo de persona, mejor dicho individuo, intolerante y reaccionario. Incapaz de abrir su mente a expectativas que no sean tradicionales.
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Lola es impulsiva e inconformista, pero tiene clara su sexualidad y sus expectativas.
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Laurent Micheli enfrenta bien las dos personalidades y crea una película difícil, sin casi momentos de paz, donde el choque lo llena todo.
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Me resulta divertido que se alojen en una habitación de un club.
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El único pero que le pongo es que el cartel de la peli nos cuenta el final.
Reparto: Julia Peña,José Antonio Amor,Ernesto Martín,Paloma Guzmán…
Productora: Escuela Oficial de Cinematografía (EOC)
Género: Drama. Musical | Mediometraje
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Comentario de Ramón:
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Ser mujer en la España de Franco.
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Cecilia Bartolomé realizó este filme como práctica de fin de carrera en la Escuela Oficial de Cinematografía. Problemas con la censura de la época le impidieron iniciar su carrera cinematográfica durante varios años.
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En clave de comedia relata un fracaso matrimonial que termina en una separación.
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Cecilia realiza el retrato de una época. Un franquismo vetusto y casposo, con un machismo que lo impregnaba todo.
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Julia Peña da vida a Margarita, una chica que intenta abrirse camino en esa España antigua y carca.
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Pero además Margarita y el lobo es un musical. Toda la trama está salpicada de canciones, la mayoría introducidas con mucha guasa.
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Impresionante Lola Lemos haciendo de señora burguesa.
Productora: Marea Films,ICAIC,Eurimages,ICAA,TVE,European Script Fund,Animatógrafo
Género: Drama | África. Años 50
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Comentario de Ramón:
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Un drama colonial.
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Cecilia Bartolomé aprovecha la relación de estas dos niñas para contar la realidad de Guinea Ecuatorial.
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Parece que tenga tintes autobiográficos.
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De una manera casi didáctica Cecilia Bartolomé nos explica como era el sistema de clases y racial en la colonia española.
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La actitud de todos los habitantes y como evolucionan en una década.
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Los peninsulares y los africanos. Un eufemismo para hablar de metrópoli y colonia.
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Hay un intento de aproximación a las costumbres y ritos indígenas, pero no dejan de ser vistos desde el punto de vista de superioridad del blanco civilizado.
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En su tramo final la peli deriva hacia un melodrama carente de interés.
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Todo el metraje se mueve en cierta impostura, con algunas interpretaciones lamentables.
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Uno de los escasos intentos de aproximación a las historias coloniales españolas, que parece que siempre naufraguen.
No me voy a entretener en comentar la trama de estas tres temporadas. Es imposible resumir todos los matices, las intrigas, los relatos, las historias y los personajes que componen estos 30 episodios, unas 25 horas de cine del bueno.
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Better Call Saul es una mezcla endiablada de drama familiar, pelis de gánsteres, de juicios y comedia.
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De este cóctel surge una serie inteligente, con mucho humor y que retrata a personajes muy de verdad.
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Me encanta que el espectador sea tratado como alguien capaz de deducir y de indagar. Además siempre hay un conejo que sacar de la chistera de la trama, para sorprender al espectador, que se convierte en cómplice.
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Mucho le debemos a un actor tan mayúsculo como Bob Odenkirk, capaz de hacer su personaje tan atractivo.
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Esperamos más temporadas. Más bien, las necesitamos.
Kenneth Branagh nos relata su infancia en la capital de Irlanda del Norte.
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Al igual que Alfonso Cuarón nos ofreció en Roma, nos hace un relato, en blanco y negro, de su infancia y de la sociedad en la que vivió.
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Una calle de protestantes, en medio de un barrio de católicos, atacada por fanáticos protestantes. Un sin sentido, como lo son todos los conflictos religiosos.
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Es curioso, como en ese universo convulso y desquiciado, el jovencito Buddy vivió una infancia feliz, donde se pudo enamorar de una rubita católica, oír los consejos de su abuelo y tener el cariño de su compleja familia.
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Es asombroso, que yo también recuerde mis años de niñez en blanco y negro. Solo las películas eran a colores.
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Branagh mata tres pájaros de un tiro. Nos relata su infancia hasta su emigración a Londres. Nos habla del conflicto norirlandés. Hace un homenaje a su ciudad.
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La patria, siempre, es aquélla en la que pasamos nuestra infancia.
Productora: Maven Pictures,Templeheart Films,Farcaster Films,Trio Entertainment,Winsome Entertainment
Género: Drama | Maternidad
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Comentario de Ramón:
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¿Porqué se quiere quitar la vida Julie?
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No es fácil tratar el tema de la depresión y el suicidio.
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Los trastornos mentales escapan, en la mayoría de las ocasiones, a la compresión humana. No tienen lógica.
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Muchas veces he oído:
¡No comprendo porqué está deprimida, si lo tiene todo!
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Y una expresión que se dice habitualmente a los depresivos es ¡anímate!. Como si estar triste o alegre dependiera de su voluntad. A mí esa expresión me parece insultante.
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Repasando un poco los comentarios (generalmente malos), algún sesudo crítico dice que no encuentra lógica en el trastorno de esta chica. Siento decirlo, pero eres un imbécil.
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La depresión y muchas de las patologías psiquiátricas no tienen lógica, ocurren y los psicoanalíticos excavarán en su infancia o donde sea, pero no hay coherencia.
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Esto está especialmente bien expresado en esta película.
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Nadie sabe, ni siquiera la misma Julie, que le impele a intentar quitarse la vida.
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Esa incomprensión la encuentra en sus amigos, especialmente en su amiga Lucy, la siempre eficaz Jennifer Carpenter, una actriz que me encanta.
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La depresión al igual que muchas enfermedades mentales es una gran incomprendida.
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Su directora, Amy Koppelman, se nota que sabe de lo que habla.
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Construye una peli eficaz, que te mantiene perplejo y con el alma en vilo.
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Muy destacable la interpretación de Amanda Seyfried, en un compromiso actoral muy difícil.
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Una peli valiosa, que no va a servir para hacer entender la depresión, ni el suicidio, pero que lo ha intentado.
Género: Romance. Drama. Comedia | Comedia romántica. Drama romántico
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Comentario de Ramón:
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Una comedia romántica más falsa que una moneda de tres euros.
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Son tantas las cuestiones que me molestan de esta película, que no sé por donde empezar.
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Todos los personajes son prefabricados, de diseño, sin que haya en ellos nada de verdad.
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El papel de locuela de Bénérice Bejo es exagerado y ridículo, y mira que me gusta esta actriz.
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El trauma de Albertine, a la que da vida la bella Matilda De Angelis, es de una previsibilidad insultante. Con un final tan esperable que resulta hiriente.
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El resto de los secundarios componen un panorama penoso.
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El bonito escenario creado se explota hasta la saciedad y se insiste una y otra vez en sacar la Torre Eifel, desde diferentes puntos de vista, para que sepamos que están en París. ¡Qué manía de repetir siempre los mismos clichés!
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La historia romántica es de una mojigatería pasmosa.
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Una de las pocas cosas que salvo es la explicación de lo que es un oxímoron.
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Castellito está carente de ideas y de imaginación. Compone una peli de elementos, que se suponen atractivos, para hacer una pantomima.
No conocía la Academia de Cine. Me recibe mi amigo Ricardo Arrakis.
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Puedo saludar a Luis Alegre, un personaje en Zaragoza, economista, escritor, periodista, promotor cultural…
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Compartimos amistad con Teo Lozano y soy compañero y amigo, de muchos años, de su primo Agustín.
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El acto comienza a las diez y media con una Mesa redonda moderada por Luis, con la participación de Ángeles González Sinde y Fernando Lafuente.
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Antes intervienen algunos políticos turolenses y aragoneses.
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El acto es presentado por Nacho Escuín del Instituto de Estudios Turolenses (IET)
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Segundo de Chomón es uno de los grandes cineastas desconocidos en este país. Nacido en Teruel con madre de Calamocha.
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Aprendió el oficio en Francia con Gaumont y trabajó en Italia con Abel Gance.
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Tocó muchos géneros cinematográficos, siendo un pionero. Un descubridor de nuevos lenguajes cinematográficos.
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La revista cultural Turia he realizado un monográfico, estupendo con unos dos cientos artículos. Nos lo presenta su director Raúl Carlos Maícas, que nos regalaron a la salida. Una joya.
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Después con música en directo nos muestran un montaje de José Ángel Guimerá, Más que magia, cine. Segundo de Chomón, donde se nos muestran escenas de sus películas, dándonos un perfil de todos los géneros que trató en su abundante filmografía.
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Después del acto nuestro amigo y académico, Carlos Taillefer nos enseñó la sede de la Academia. Nos presentó a la bibliotecaria de la Academia, que nos habló con pasión de su trabajo.
Serie colombiana de 96 episodios, drama romántico, 2021.
Es un remake de una telenovela de 1994, también colombiana.
Dirigida por Mauricio Cruz y Olga Lucía Rodríguez.
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Esta serie tiene formato de telenovela, un drama romántico en toda regla, sobre la vida de Gaviota, una joven recolectora de café, y Sebastián, el hijo de Octavio Vallejo, empresario cafetero y dueño de la hacienda de Casablanca.
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Dos jóvenes de estrato social muy diferente.
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A la historia de estos jóvenes, se añadirán el resto de historias de la familia Vallejo y sus allegados, a sí como, la de los trabajadores de la finca.
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Conforme avanza la narración crecen las dificultades y problemas.
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La temática es muy diversa: amor-odio, traición, clases sociales, asuntos turbios, mentiras, engaños, homosexualidad, maltrato, lavado de dinero, amistad, camaradería, relaciones familiares…
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Pero sobre todo, resalta y pondera a la mujer, su fortaleza, su trabajo, poder desdoblamiento en las tareas y, de conseguir sus sueños.
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Hay que reseñar, la magnífica fotografía de Alfredo Ruiz, llena de luz y colorido.
Reparto: Sam Worthington,Machine Gun Kelly,Thomas Jane…
Productora: Blind Wink,Renegade Entertainment,VMI Worldwide. Distribuidora:VMI Worldwide,Redbox Entertainment [USA]
Género: Acción. Drama. Western
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Comentario de Ramón:
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Estamos ante un western duro, salvaje y despiadado.
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Un salvaje Oeste en el que la ley intenta prosperar, pero que la maldad humana y las grandes distancias solitarias son inmensas y juegan en su contra.
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Este asesino, Isaac Le May, al que da vida un irreconocible Sam Worthington, ha ido dejando hijos bastardos, sabe que su muerte vendrá de manos de uno de sus retoños, según una profecía Cheyenne.
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Por ello va recorriendo el país buscando a sus hijicos, para ir eliminándolos.
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Pero se encuentra a uno tan malo, o más que él.
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Las escenas de violencia se suceden, componiendo un retrato de la inmundicia humana.
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Veo que no ha tenido ninguna crítica positiva. Pues la mía va a ser la primera.
Reparto: Dick Powell,Ruby Keeler,Warner Baxter,Ginger Rogers…
Productora: Warner Bros.
Género: Musical. Comedia
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Comentario de Ramón:
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Un prototipo de musical. Una exquisita pieza de museo.
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La estructura de este musical va a ser empleada en innumerables ocasiones más.
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La selección y los ensayos de una comedia musical, para al final, en el último tercio de la peli, mostrarnos el brillante resultado.
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Los números musicales y las canciones se concentran en la última media hora de metraje.
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Se nota que ha llegado la Gran Depresión.
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El director es un hombre arruinado con poca salud que se lo juega todo en este proyecto.
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Los productores tienen que contar con la financiación de un viejo rico, bastante bobo, que se ha encaprichado de la protagonista del musical.
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Las chicas luchan, no por triunfar, sino por subsistir.
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En varias ocasiones se hace mención a los puestos de trabajo que están en juego.
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Ginger Rogers interpreta un secundario claramente cómico.
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Dick Powell es el joven galán, que canta algo y baila poco. Muy simpático.
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La protagonista es una sosita Ruby Keeler, que da vida a Peggy Sawyer que obtiene una oportunidad única de protagonizar este musical.
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Solo he captado la presencia de tres personajes negros. Un limpiabotas, una asistenta, retratada como muy tonta, y un delincuente, en un número musical que muestra la realidad de las calles de Nueva York, con crímenes, pillos y violencia machista. Unas escenas muy ilustrativas del tiempo en el que se vive, con una dirección excelente.
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Una exquisita pieza de museo.
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No puedo olvidar destacar las coreografías caleidoscópicas de Busby Berkeley, un auténtico genio, que dio un toque distintivo y único al musical.
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Con el famoso plano Berkeley. Una toma cenital donde vemos a los bailarines perfectamente colocados y con movimientos simétricos, simulando figuras geométricas que van cambiando de forma de manera armoniosa.
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De pronto quedan anticuados los planos generales frontales del escenario. El musical en el cine cobra una dimensión extraordinaria gracias a Berkeley.
Tras el incendio del Globe Theatre, William Shakespeare regresa a Stratford con su familia.
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El escritor debe lidiar con los fantasmas del pasado de sus ancestros y sus vástagos.
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Es paradójico, que el autor más universal de toda la historia, no pudiera resolver sus problemas personales.
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La vida en su localidad de origen es complicada, con sus hijas metidas en escándalos, los yernos dando el coñazo, la falta de respeto y consideración de los vecinos, y el duelo no superado por el hijo fallecido.
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Kenneth Branagh nos ofrece una peli con una fotografía y una ambientación maravillosas, pero nos decepciona con un William demasiado normal, que conserva algún vestigio de su genio personal, pero que no demuestra especial habilidad ni oratoria ni personal.
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Cuando en España teníamos la Inquisición, en Inglaterra no estaban mejor, con sus organismos encargados de velar por la fe protestante.
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Hay un fondo de homenaje a las mujeres de esa familia, que se muestran muy potentes y empoderadas.
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Se cuenta en la peli que Shakespeare, a diferencia de su contemporáneo Cervantes, no viajó y no tuvo grandes experiencias, fue, sobre todo, un hombre de teatro.
El poderoso destructivo y acaparador, también de personas.
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Patrick Bruel, como Gilles Fontaine, representa a ese tipo de personajes poderososs que todo lo parasitan para su beneficio propio.
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Luc Germon, dando vida, de manera magistral, al abogado Niels Arestrup, se termina dando cuenta, y termina siendo, un simple sirviente del empresario corrupto.
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El capitán de velero Jérémie es como la voz de la clarividencia, es el personaje que dice las verdades, conocedor del espacio y puesto que ocupa.
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Un placer volver a ver en pantalla a Irène Jacob, como atrapada esposa.
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Fontaine es ese tipo de rico, de poderoso, que todo lo quiere dominar que todo lo quiere poseer, incluso las personas, y disfruta, en su vileza y en su soledad, de jugar con ellas a su capricho.
Película estadounidense, biografía, 2021.
Dirigida por Reinaldo Marcus Green.
Escrita por Zach Baylin.
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Nos narra la vida de la familia Williams.
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Richard, el padre, fue el entrenador de sus hijas Venus y Serena, famosas tenistas, desde sus inicios.
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Desarrolló un proyecto de entrenamiento profesional con ellas. No se quedó en el deporte, fue más allá, abarcó el ámbito educacional y profesional, inculcándoles valores para hacer de ellas unas personas humildes, disciplinadas, rectas, profesionales.
. Will Smith hace de padre, tiene una actuación a la que no nos tiene acostumbrados, muy bien interpretada.
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La película me ha gustado pero me parece un poco larga. ¡Qué empeño hay hoy en día, de añadir minutos al mensaje!
La historia de cómo un padre controlador y manipulador llevó a sus hijas al mayor de los éxitos en el tenis.
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Es la típica y tópica historia de superación. Una familia negra, en un barrio marginal, a base de esfuerzo y filosofía de galletitas de la suerte, llega a triunfar en un deporte pijo como es el de las raquetas.
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Estas historias del esfuerzo para alcanzar metas gusta mucho a Hollywood, pero las hemos visto demasiadas veces.
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La peli insiste hasta la saciedad en la filosofía de panfleto de autoayuda del cabeza de familia que actúa de manera soberbia. Además de reiterativa, se alarga y se alarga componiendo un metraje innecesariamente prolongado.
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Todo está pensado para que Will Smith se lleve el Oscar. Historia de superación (esto ya lo he dicho), momentos sentimentaloides, un protagonismo (excesivo) en el personaje central y además consigue sus propósitos.
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Si algo gusta al público es que la historia tenga “valores” positivos y un happy end.
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En definitiva: un producto de diseño que va a engañar al gran público y a los académicos.
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Dicho todo esto, he de reconocer que determinadas escenas me emocionaron. Este cine manipulativo me engaña con facilidad.
En su Número 523 de Diciembre de 2021 la revista Dirigido por dedica un dossier especial al Musical, realizando un repaso por los musicales más representativos y emblemáticos de la historia del cine.
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Muchos ya los he visto, pero algunos no. Entre los primeros hay unos cuantos que me encantará revisitar y con los segundos tengo la obligación de conocerlos y disfrutarlos.
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En consecuencia, me embarco en esta nueva aventura cinéfila que comienzo con The Broadway Melody, que he dado en llamarMusicales emblemáticos de la historia del cine.
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Dos hermanas en Broadway, antes del Colapso del 29.
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Esta película ha pasado a la historia del cine con mayúsculas, primero por ser el primer gran musical, y, segundo, por haber obtenido el Oscar a la mejor película en unos premios recién creados.
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Aunque el cine silente siempre había estado acompañado de música, el género musical comienza en 1927 con el cine sonoro.
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Aunque hay alguna peli previa a ésta que incorpora canciones y números musicales es The Broadway Melody el primer gran musical.
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En su trama se incorporan canciones formando parte de la trama, no solo como el retrato de los números en un escenario, sino que sus músicas son incorporadas a la historia y forman parte de ella.
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El argumento es muy sencillo, que ya hemos visto en muchas ocasiones. Dos hermanas acuden a Nueva York buscando el sueño del triunfo en el mundo del espectáculo.
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Hay, como no, un triángulo amoroso.
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Rodada antes del colapso de 1929 tiene el optimismo pueril de la época.
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Después de los años de cine mudo, esta película, como la mayoría de su tiempo padece unos diálogos incesantes. Como si todo lo que no se hubiera hablado antes, tuviera que ser dicho ahora.
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Anita Page interpreta a la guapa de las dos hermanas, de la que todos se enamoran, pero en la peli se ve que canta y baila muy poquito, siendo su hermana en la ficción, Bessie Love, la que parece más profesional.
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Llama la atención lo ligera de ropa que aparece en algunas escenas Anita, muy de la Belle Epoque.
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Con personajes clásicos en el cine del espectáculo, como el productor que todo lo domina y todo lo controla, o el personaje malévolo que quiere conquistar la honestidad de Anita a base de caros regalos, que toma el nombre de Warriner, que a mí me resulta gracioso.
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Muchos de los temas musicales fueron utilizados en otras películas musicales.
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Tiene un pequeño papel Arthur Freed, que más tarde sería uno de los grandes productores de Hollywood con Un americano en París o Gigi.
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La peli a pesar de sus defectos tiene un gran valor histórico y se ve con mucho agrado.
Diego Gismero nos ilustra sobre este remake de Scream, con sus protagonistas desde hace 25 años, Courteney Cox,Neve Campbell y David Arquette, todos ellos incombustibles.
Parece que el azar, que no el destino que sería demasiado determinista, domine la existencia de Barry Lyndon.
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La voz en off me parece totalmente innecesaria. Nada de lo que se expone es necesario para comprender la trama y le resta la capacidad de deducción al espectador.
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La labor técnica de Kubrick es irreprochable.
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La peli será eterna e incombustible, pero mi mirada se ha vuelto más crítica. No me emociona, solo me produce admiración.
