Este documental es una road movie por tierras cubanas del cantante, escritor, compositor y filósofo zaragozano Santiago Auserón, alias Juan Perro.
Un recorrido por la isla en busca de las raíces del son, de la música cubana y de sus relación con la tradición folclórica española.
Los mejores momentos son los musicales, en los que intérpretes cubanos tocan sus canciones acompañados del rockero maño.
De Santiago Auserón siempre queda el nostálgico recuerdo de Radio Futura.
Me ha encantado.
Me dan ganas de visitar Cuba y explorar los lugares donde se crio mi madre.
Mi puntuación: 7,55/10.
Dirigido por Juanma Villar Betancort:
Ficha:
Duración: 01h 40 min Género: Documental Título original: Semilla del son Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 10-11-2023 País: España Dirección: JuanMa Betancort Guión: JuanMa Betancort Distribuye en cine: Karma Films
La carrera de José Luis López-Linares como director de fotografía y documentalista es amplísima, habiéndose labrado un reconocido prestigio.
Compone un documental de una calidad técnica pasmosa, con unas imágenes de gran belleza, que, además, adquieren un carácter didáctico.
Después de ver la película te dan ganas de visitar La Rioja y de beber su excelente vino.
La narración se compone de las declaraciones de los viticultores, de expertos y de Pepe Viyuela. Se traslada al espectador el entusiasmo por la crianza y la elaboración de los diferentes caldos.
Cabría la tentación de calificarlo de publirreportaje, pero hay mucha sinceridad y pasión como que se quede solo en eso.
Mi puntuación: 7,39/10.
Dirigido por José Luis López-Linares:
Ficha:
Género: Documental Título original: Rioja, la tierra de los mil vinos Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 10-11-2023 País: España Dirección: José Luis López-Linares Guión: José Luis López-Linares Música: Jorge Magaz Fotografía: José Luis López-Linares
Gran acierto el de nuestro profesor, Carlos Alba, programando esta insólita película.
Se nos presenta la biografía del pintor a través de sus cuadros, que sirven para introducirnos en una época y en unos personajes muy interesantes.
Cada escena se complementa con elementos anacrónicos, que lejos de desvincularnos con la trama y con la época, parece que la recolocaran y la presentan con mayor nitidez.
Contar con Tilda Swinton siempre es un lujo, aquí se trasmuta de jovencita callejera a bellísima gran dama, demostrando, una vez más, que es la actriz más camaleónica de la historia del cine.
Una película dirigida por Derek Jarman cuya vida se merece un biopic. Un artesano y un artista que a base de paciencia y oficio compuso esta magnífica película con un presupuesto exiguo.
Un gran acierto su proyección en este curso de la UNED.
Mi puntuación: 8,55/10.
Dirigido por Derek Jarman:
Ficha:
Duración: 01h 29 min Género: Drama Título original: Caravaggio Año: 1986 País: Reino Unido Dirección: Derek Jarman Intérpretes: Nigel Terry, Sean Bean, Garry Cooper, Dexter Fletcher, Tilda Swinton, Spencer Leigh, Noam Almaz, Nigel Davenport, Michael Gough, Robbie Coltrane, Dawn Archibald, Jack Birkett, Sadie Corre, Una Brandon-Jones, Vernon Dobtcheff, Jonathan Hyde Guión: Derek Jarman, Nicholas Ward Jackson Música: Simon Fisher-Turner Fotografía: Gabriel Beristain Vestuario: Sandy Powell Distribuye en formato doméstico: Cameo
Brian de Palma había obtenido un gran éxito con El precio del poder, protagonizada por Al Pacino, por ello la Columbia le permitió hacer una película tan transgresora con Doble Cuerpo, que era la primera película que se introducía en el mundo del porno, haciendo metacine y con actores de ese mundo paralelo que nunca se había tocado con el cine no exclusivo de adultos.
Como es costumbre en De Palma realiza su homenaje a dos películas del maestro Hitchcock, La ventana indiscreta, de la que se cumplía el vigésimo aniversario de su estreno y Vértigo, estrenada 18 años antes.
Cambia la acrofobia por la claustrofobia que padece el protagonista.
Craig Wasson da vida a Jake, un actor de tercera al que le tienden una trampa para hacer de testigo en un asesinato. (Pedazo de spoiler!).
De Palma vuelve a liquidar a la protagonista interpretada por Deborah Shelton hacia la mitad de metraje y la sustituye por Holly, Melanie Griffith, que se atrevió con un papel de porno star.
El director de New Jersey ridiculiza el cine de terror barato y trata con más cariño el cine porno, en una especie de homenaje a dos géneros que respeta.
Sigue disfrutando con sus películas demostrando una y otra vez que es un virtuoso con la dirección y moviendo y colocando la cámara de manera espectacular al servicio de la narración y de su ego.
Su virtuosismo como director sirve para ocultar lo endeble de su argumento, que en manos de otro resultaría ridículo.
Para mí otra obra maestra que soporta el tiempo con una dignidad asombrosa y que por muchas veces que se vea, siempre resulta absorbente.
Por cierto, me tengo que comprar un telescopio… Para ver las estrellas, claro.
Mi puntuación: 9,32/10.
Curiosidades y anécdotas:
Brian De Palma planeó originalmente que esta fuera la primera película de Hollywood que presentara escenas de sexo no simuladas. El estudio pensó diferente.
La distintiva casa ultramoderna futurista en forma de octágono en la cima de las colinas que se ve en la película se conoce como “Quimiosfera” y está ubicada justo al lado de Mulholland Drive en la región del Valle de San Fernando de Hollywood Hills en Los Ángeles, California.
El edificio fue descrito una vez por la Enciclopedia Británica como “la casa más moderna construida en el mundo“. La vivienda, de arquitectura modernista, fue diseñada por el arquitecto estadounidense John Lautner en 1960.
Dennis Franz basó su interpretación de Rubin el director en Brian De Palma.
La novela American Psycho de Bret Easton Ellis (adaptada a American Psycho (2000) ) hace referencia a esta película muchas veces. Es una de las películas favoritas de Patrick Bateman y la ha alquilado más de treinta y siete veces.
A Brian De Palma se le ocurrió la idea de dirigir Body Double después de trabajar con un doble de cuerpo para la escena de la ducha de Angie Dickinson en Vestida para matar (1980) .
La actriz Melanie Griffith ha dicho que su papel en esta película contribuyó en gran medida a que consiguiera los papeles principales femeninos tanto en Algo salvaje (1986) como en Armas de mujer (1988) .
La voz de Deborah Shelton fue doblada por la actriz Helen Shaver.
El decorado de la secuencia Frankie Goes to Hollywood de Doble cuerpo (1984) también se utilizó al año siguiente para la escena de discoteca de Noche de miedo (1985).
Ambas películas fueron producidas y distribuidas por el estudio Columbia Pictures.
Primera de un contrato de tres películas en Columbia para Brian De Palma tras su tremendo éxito con El precio del poder (1983).
Sin embargo, esta película fue tan mal recibida que el estudio canceló las otras dos películas.
La estrella porno Annette Haven fue elegida originalmente para el papel de Holly, pero Columbia Pictures decidió rechazarla cuando sus ejecutivos vieron qué tipo de películas había estado haciendo.
Haven declaró más tarde que estaba feliz por eso, porque no le había gustado el guion y no le había gustado estar en una película con violencia sangrienta.
La modelo y actriz Deborah Shelton recibió dos escenas del director Brian De Palma de dos películas para que las ensayara para su audición.
Eran de Fuego en el cuerpo (1981) de Lawrence Kasdan y Secretos de un matrimonio (1973) de Ingmar Bergman.
La actriz de cine para adultos Holly Body tomó su nombre artístico del personaje de Melanie Griffith en esta película.
Debut cinematográfico y primeras escenas de desnudos de Barbara Crampton.
Tatum O’Neal, Jamie Lee Curtis y Carrie Fisher audicionaron para el papel de Holly, pero lo rechazaron.
A Brooke Shields se le ofreció el papel, pero lo rechazó para estudiar literatura francesa en Princeton.
Linda Hamilton rechazó el papel para prepararse para su papel en Terminator (1984) .
El director Brian De Palma inicialmente estaba decidido a que esta sería la primera película convencional de Hollywood con clasificación X.
Sin embargo, se dio cuenta de que los ejecutivos de Coca-Cola, propietaria de Columbia en ese momento, nunca aprobarían una película así.
Papel cinematográfico innovador de la actriz Melanie Griffith, que fue nominada al Globo de Oro por esta película a la mejor interpretación de una actriz en un papel secundario en una película.
El auto de Jake es un Chevrolet Camaro RS convertible de 1967.
En 2010, este coche todavía existía, repintado de blanco y con motor nuevo.
En 2021, un ejemplar de este coche en excelentes condiciones podría valer más de 50.000 dólares.
El nombre de la película de terror de bajo presupuesto en la que aparecía Scully era “Vampire’s Kiss“.
En la vida real, una película con ese título, Besos de vampiro (1988) protagonizada por Nicolas Cage, fue realizada y estrenada unos cuatro años después de Doble cuerpo (1984) .
Melanie Griffith estuvo casada con el actor Steven Bauer, quien recientemente había protagonizado El precio del poder (1983) del director Brian De Palma y la pareja se conocía antes de Doble cuerpo (1984) debido a este matrimonio.
Bauer y Griffith estaban casados cuando se hizo la película y ambos trabajaron con el director de Palma en más de una ocasión.
Primer largometraje que se rodará en el complejo del centro comercial Rodeo Collection en 421 Rodeo Drive, Beverly Hills, California, Estados Unidos.
Al comienzo de la secuencia de Frankie va a Hollywood, mientras el portero nocturno cantante (interpretado por Holly Johnson) escolta a Jake escaleras abajo, una actriz vestida como Gloria Swanson como Norma Desmond en El crepúsculo de los dioses (1950) baja las escaleras justo frente a ellos, gesticulando como lo hizo Norma en la escena final de aquella película, que también trataba sobre Hollywood y la industria cinematográfica.
La apariencia de Holly (cabello rubio corto) está inspirada en la clásica estrella del cine para adultos Seka y Cara Lott.
Lott también aparece en la película mientras Jake mira un avance de “Holly Does Hollywood“.
La actriz Deborah Shelton había sido Miss USA – “Miss USA 1970”, del 19º Concurso de Miss USA, ganando el concurso en mayo de 1970, y representando al estado estadounidense de Virginia.
Shelton también ganó el premio Miss Pixable durante el evento Miss USA de ese año.
La película fue descrita por la revista del mundo del espectáculo ‘Variety‘ como “sexpenser“, que es un término de la industria cinematográfica que es un juego de palabras para una película orientada a adultos que también es una película de suspenso y misterio, como un thriller erótico.
Según el director Brian De Palma, la película obtuvo una calificación “R” con sólo cortes menores, a diferencia de la batalla con la junta de calificaciones que tuvo en Vestida para matar.
Una de las numerosas colaboraciones del director Brian De Palma y el compositor musical Pino Donaggio.
Primera de dos colaboraciones (hasta la fecha, agosto de 2015) de la actriz Melanie Griffith y el director Brian De Palma siendo la segunda y última película La hoguera de las vanidades (1990) .
“La película fue un homenaje directo a las películas de Alfred Hitchcock , concretamente La ventana indiscreta (1954) y Vértigo (De entre los muertos) (1958) “, según recoge la web Wikipedia.
“Doble de cuerpo“ es un término de la industria cinematográfica y se relaciona con la trama del thriller y ciertos elementos de la historia.
El Collins English Dictionary define el término como “una persona que sustituye a una estrella en el rodaje de una escena que involucra tomas del cuerpo en lugar de la cara“, mientras que el American Heritage Dictionary of the English Language define un “doble del cuerpo” como ” un actor de cine que sustituye a un actor principal, especialmente en tomas lejanas o escenas que no involucran el rostro, como primeros planos de una parte del cuerpo“.
Duración: 01h 54 min Género: Thriller Título original: Body Double Año: 1984 País: EE.UU. Dirección: Brian De Palma Intérpretes: Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Guy Boyd, Dennis Franz, Barbara Crampton, Lane Davies Argumento: Brian De Palma (Historia) Guión: Robert J. Avrech, Brian De Palma Música: Pino Donaggio Fotografía: Stephen H. Burum Montaje: Gerald B. Greenberg
Comenzamos esta segunda temporada con un monográfico dedicado al movimiento cinematográfico conocido como “New Hollywood”.
Casi dos décadas (desde mediados de los años´60 hasta principios de los años´80) durante los que surgió, se desarrolló y se destruyó una generación de cineastas que cambiaron drásticamente la industria de Hollywood, tanto en la forma como se realizaban y comercializaban sus productos (películas) como también su concepto.
Un recorrido por sus Orígenes (Hollywood: Primitivo y Clásico), Escuelas (New American Cinema Group, Generación T.V., Cine Underground, …), Géneros (Terror, Western, Ci-Fi, …), Cineastas (John Cassavetes, Roger Corman, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, …), e Influencias (Nouvelle Vague Francesa, Free Cinema Británico, …).
Todo ello en un contexto social tan significativo y peculiar como fue La Contracultura.
MONOGRÁFICO DE CINE: ”NEW HOLLYWOOD” (Adiós al sueño Americano) DÍA: 26/10/2023 HORA: 19:00 h. LUGAR: EJE (Espacio Joven Europeo)
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MONOGRÁFICO Nº1: “New Hollywood” (Adiós al sueño americano)
INTRODUCCIÓN
El New Hollywood fue una corriente cinematográfica estadounidense que abarca desde mediados de los años ´60 hasta principios de los años ´80.
Casi dos décadas, durante los que surgió, se desarrolló y se destruyó una generación de cineastas que cambiaron drásticamente la industria de Hollywood, tanto en la forma cómo se realizaban y comercializaban sus productos (películas) como también su concepto.
El New Hollywood representa probablemente la última edad de oro del cine norteamericano, un auténtico renacimiento de sus aún tibias cenizas cuando estaba en una fase casi terminal.
FILMOGRAFÍA ESENCIAL (25 TÍTULOS):
1. EL GRADUADO 2. BONNIE & CLYDE 3. EASY RYDER 4. EL PADRINO 5. EL PADRINO II PARTE 6. COWBOY DE MEDIANOCHE 7. ANNIE HALL 8. ALGUIÉN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO 9. STAR WARS (LA GUERRA DE LAS GALAXIAS) 10. TIBURÓN 11. MALAS TIERRAS 12. TIBURÓN 13. EL EXORCISTA 14. LA ÚLTIMA PELÍCULA 15. EL CAZADOR 16. TAXI DRIVER 17. GRUPO SALVAJE 18. LA SEMILLA DEL DIABLO 19. M.A.S.H. 20. CARRIE 21. UNA MUJER BAJO LA INFLUENCIA 22. APOCALYPSE NOW 23. HARRY EL SUCIO 24. TORO SALVAJE 25. ALL THAT JAZZ
NACIMIENTO DE HOLLYWOOD
A partir de la segunda década del siglo XX, varias empresas cinematográficas, nuevos estudios e independientes se establecen en un barrio, conocido como Hollywood, en la zona de Los Ángeles (California). Huyen del monopolio que Thomas Edison mantiene en la Costa Este dentro del mundo del cine ( episodio que se conoce como “la guerra de las patentes”); así como la búsqueda de un lugar geográfica y climáticamente tan propicio para realizar cine como es California.
Este periodo fue reflejado por la película “Así empezó Hollywood” (1976), dirigida por Peter Bogdanovich. Este director es uno de los nombres propios del New Hollywood, director de cine, guionista, actor, productor y crítico cinematográfico, comenzó su carrera como ayudante de dirección de otro gran protagonista del nuevo movimiento Roger Corman.
HOLLYWOOD CLÁSICO
El periodo que abarca desde los años ´30 hasta los años ´50, se conoce como la Edad Dorada del Hollywood Clásico.
El sistema de grandes Estudios (Paramount, Warner, MGM, …), el Star System, los Happy-End, un cine marcadamente narrativo, …, lo convierten en el principal referente de la industria cinematográfica a nivel mundial. Reflejamos este concepto a través de la película “Barton Fink” (1991, Hnos. Coen).
CLAVES Y NOMBRES PROPIOS DEL NEW HOLLYWOOD
Los Nuevos Cines
Al filo del años ´60 un potente movimiento de renovación y de rejuvenecimiento sacudió a varias cinematografías mundiales: el Free Cinema Británico, la Nouvelle Vague Francesa, el Cine del Deshielo de la Unión Soviética, el Cinema Novo Brasileño, etc…
Inevitablemente todas estas corrientes, aunque tarde, fueron una influencia notable para los nuevos realizadores norteamericanos (muchos de ellos con formación universitaria por primera vez).
Elegimos un montaje de la corriente cinematográfica más icónica: La Nouvelle Vage Francesa.
FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:
– LOS CUATROCIENTOS GOLPES – AL FINAL DE LA ESCAPADA – HIROSHIMA MON AMOUR – JULES ET JIM – CLÉO DE 5 A 7 – FUEGO FATUO – EL SIGNO DE LEO – PIERROT EL LOCO – PARÍS NOS PERTENECE – LA MAMÁ Y LA PUTA
La Televisión
El auge de la televisión en los Estados Unidos en los años ´50, va a condicionar la manera de entender el Cine en dicho país. Es la época de las grandes innovaciones tecnológicas (Cinemascope, Cinerama, los primeros films en 3-D, …), la sangría de talentos provocada por el Comité de Actividades Antinorteamericanas (Caza de Brujas), y en otro orden de cosas, se produce un espectacular crecimiento de asistencia en los “Drive-in” (cine para automovilistas) que refleja el cambio generacional de espectadores.
Ante tal situación, Hollywood decide seguir el famoso axioma de cuando no puedes vencer a tu enemigo, únete a él; y así surgen nuevas alianzas entre el Cine y la Televisión.
Se conoce como Generación T.V. al grupo de realizadores que comenzaron su carrera en programas de televisión, y que posteriormente dieron el salto a la dirección cinematográfica.
Algunos nombres propios son los siguientes:
– SIDNEY LUMET – MARTIN RITT – ROBERT ALDRICH – ROBERT MULLIGAN – JOHN FRANKENHEIMER – ARTHUR PENN – SINDEY POLLACK – FRANKLIN J. SCHAFFNER – GEORGE ROY HILL – STUART ROSENBERG
La Contracultura
Socialmente hablando, la Contracultura describe los valores y normas de comportamiento de un grupo que se opone a las corrientes sociales de su época.
En Estados Unidos en la década de los ´60, especialmente los jóvenes proponían otros valores y soluciones alternativas, como el pacifismo, la vida en comunas, el retorno a la naturaleza, la experimentación con drogas psicodélicas, el amor libre o la espiritualidad oriental.
Se inició como reacción contra las normas sociales petrificadas desde los años ´50, la segregación racial en el profundo Sur, la inexistencia de derechos civiles, la desigualdad de la mujer y la guerra de Vietnam.
FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:
– HAIR – PUNTO LÍMITE: CERO – CARRETERA ASFALTADA EN DOS DIRECCIONES – EASY RIDER – BOB, CAROL, TED Y ALICE – APOCALIPSE NOW – AMERICAN GRAFFITTI – JUVENTUD SIN ESPERANZA
Blaxploitation
El blaxploitation, o filmes de explotación negra, fue un movimiento cinematográfico que tuvo lugar en los Estados Unidos a principios de los años 70´, protagonizado por actores de color y dirigido principalmente a la comunidad afroamericana.
Hasta los años ´50, las películas hechas por dicha comunidad, estaban relegadas a una especie de gueto cinematográfico que recibió el nombre de race movies.
Una década más tarde, los movimientos sociales, capitaneados primero por los Black Power y a mediados de la década de los años ´60 por los Black Panthers (Panteras Negras), fueron generando un hervidero cultural que se convertiría en el caldo de cultivo del blaxploitation.
FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:
– SHAFT – COFFY – BLACULA – SUPER FLY – SWETT SWEETBACK´S BAADASSSSS SONG
Grandes Directores
Vimos el episodio de Woody Allen de la serie “Cortos de Gigantes” como representación de uno de los grandes directores del New Hollywood.
Géneros en el New Hollywood
El New Hollywood se caracterizó por una profunda revisión de los grandes géneros clásicos. Desde distintas perspectivas (Parodia, Homenaje, Fusión de Géneros, …), los directores se acercaron para adaptarlos al nuevo orden. Elegimos el Western para finalizar la sesión, el más Americano de todos los Géneros.
FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:
– GRUPO SALVAJE – DOS HOMBRES Y UN DESTINO – EL JUEZ DE LA HORCA – EL DÍA DE LOS TRAMPOSOS – HASTA QUE LLEGÓ SU HORA – UN HOMBRE LLAMADO CABALLO – LA BALADA DE CABLE HOGUE – PEQUEÑO GRAN HOMBRE – PISTOLEROS EN EL INFIERNO – FORAJIDOS DE LEYENDA
Animatrónicos asesinos. Freddy, Bonnie, Chica, Foxy y Golden Freddy.
Un taquillazo en España y en el mundo.
Basado en un vídeo juego que cuenta con millones de seguidores, su traslación al cine ha supuesto un acierto, al menos financiero.
Yo esperaba una historia sencilla y mucha sangre. Me he encontrado con una trama compleja, llena de personajes torturados y pasados turbios y ausencia absoluta de gore y escasa hemoglobina.
Me ha entretenido, pero, desde luego, no he pasado miedo, ni me ha dado sustos, pero, tampoco, me ha aburrido.
Reconozco el esfuerzo de los guionistas para construir una trama compleja, adecuada para un público adulto.
También agradezco una dirección serena, que se dirige a contar la historia.
Sin embargo, echo en falta más salsa de tomate.
Mi puntuación: 5,71/10.
Dirigido por Emma Tammi:
Ficha:
Duración: 01h 50 min Género: Terror Título original: Five Nights at Freddy’s Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 01-11-2023 País: EE.UU. Dirección: Emma Tammi Intérpretes: Josh Hutcherson, Elizabeth Lail, Piper Rubio, Kat Conner Sterling, Mary Stuart Masterson, Matthew Lillard, Asher Colton Spence, David Huston Doty, Liam Hendrix , Jophielle Love, Tadasay Young , Michael P. Sullivan Argumento: Scott Cawthon (videojuego) Guión: Emma Tammi, Scott Cawthon, Seth Cuddeback Música: Tyler Bates Fotografía: Lyn Moncrief Producción: Jason Blum, Scott Cawthon Distribuye en cine: Universal
Las ventajas de ser amantes. (El amor entre paréntesis).
Deliciosa película que nos relata una relación que pretende ser sin compromisos.
Un film amable y sencillo.
Me encanta que no hay grandes dramas, ni situaciones crispadas.
Mantener el equilibrio en las relaciones sentimentales, es sumamente difícil, siempre se ven enturbiadas por afectos espurios que las trastocan.
Charlote, a la que da vida la extraordinaria y encantadora Sandrine Kiberlain, y Simon, encarnado por un sentimental Vincent Macaigne, forman una pareja estupenda, que se tiene que convencer continuamente que son solo una relación entre paréntesis, con principio y fin, que nunca debe llegar a más.
El aire sensible y cordial de la película se impregna al espectador.
Me ha encantado.
Mi puntuación: 8,10/10.
Dirigido por Emmanuel Mouret:
Ficha:
Duración: 01h 40 min Género: Romántico | Comedia | Drama Título original: Chronique d’une liaison passagère Título alternativo: Diary of a Fleeting Affair Año: 2022 Fecha de estreno en España en cines : 24-03-2023 País: Francia Dirección: Emmanuel Mouret Intérpretes: Sandrine Kiberlain, Vincent Macaigne, Georgia Scalliet, Maxence Tual, Stéphane Mercoyrol Guión: Emmanuel Mouret, Pierre Giraud Fotografía: Laurent Desmet Distribuye en cine: La Aventura Audiovisual
Dos aspectos diferentes, pero entrelazados, me parecen muy interesantes en este documental.
Por un lado la figura de Michelangelo Merisi da Caravaggio, ese gran artista que pintó a caballo entre los siglos XVI y XVII, pendenciero y violento, con una vida novelesca cuya pintura combina una observación realista de la figura humana, tanto en lo físico como en lo emocional, con un uso dramático de la luz, lo cual ejerció una influencia decisiva en la formación de la pintura del Barroco.
Por otro las peripecias en la investigación de la autoría de La Magdalena en éxtasis.
He de reconocer que la vida del pintor me ha parecido más atractiva, de hecho, me ha entusiasmado.
El documental está bien construido, se ve con interés.
Título original Caravage: un chef-d’oeuvre sort de l’ombre Año 2023 Duración 93 min. País Francia Dirección Frédéric Wilner Guion Frédéric Wilner Reparto Documental, Voz: Frédéric Wilner Música Stéphane Gassot Compañías Iliade productions, Les films de l’odyssée Género Documental | Biográfico. Pintura
El debutante Diego Vicentini nos presenta la historia de un personaje, Simón, al que da vida Christian McGaffney, herido psicológicamente por el sufrimiento sufrido en la detención por las fuerzas de seguridad venezolanas.
Estamos ante una película de denuncia de la situación de pobreza y represión en la Venezuela actual.
Impresiona que los detenidos que acompañan a Simón y a su amigo Chucho (Roberto Jaramillo) no sean activistas, solo pasaban por ahí en un mal momento.
Lo importante no es detener opositores, sino doblegar voluntades a través de las prácticas más abyectas que puede realizar un individuo y recibir una persona, la tortura.
En parte descubrimos la realidad social a través de los asombrados ojos de una chica norteamericana, Melissa, interpretada por Jana Nawartschi.
El director elude intencionadamente imágenes crueles, que suceden fuera de campo, dando un tono de pesadilla a algunas escenas.
Una película muy interesante, que ha sido un éxito en su país, sorteando la censura de manera sorprendente y que se postula como mejor película iberoamericana en los Goya 2024.
Le deseamos mucho éxito.
Mi puntuación: 8,55/10.
Dirigido por Diego Vicentini:
Ficha:
Título original Simón Año 2023 Duración 99 min. País Venezuela Dirección Diego Vicentini Guion Diego Vicentini Reparto Música Freddy Sheinfeld Fotografía Horacio Martinez Compañías Coproducción Venezuela-Estados Unidos; Black Hole Enterprises Género Drama | Inmigración
Hacía muchos años que no visitaba esta magnífica película. Recuerdo que la vi en un cine gigantesco que recién habían inaugurado en Zaragoza, el Cine Quijote (*). Por cierto, tengo que ver si sigue existiendo.
En aquél tiempo era gilipollas (ahora probablemente también) y despreciaba el cine de terror. Me movía en círculos culturetas. Veíamos películas de Godard, Pasolini y Éric Rohmer. Todo lo que oliera a comercial era denostado.
A mí El exorcista me pareció un peliculón, aunque no expresé en voz alta mi opinión.
Me asombra que al volverla a visitar, la recordara tan bien.
Me encanta la estructura de la película. Primero las excavaciones en Irak, comprobando que el demonio siempre ha estado presente.
Después la presentación de esa familia, con esa chiquilla tan dulce que resulta empalagosa.
Después los cambios en Regan y todo el sufrimiento causado por la medicina moderna. Dura crítica a los médicos que intentan dar explicaciones alambicadas a la patología que padece.
Después ya la presencia desatada del diablo y la lucha de los dos exorcistas. Un último episodio, breve y directo.
Un final realmente explosivo. Y un epílogo triste.
Entre medio el detective Kinderman (un estupendo Lee J. Cobb) investigando la muerte en esa escalinata fundamental.
También la historia del Padre Karras (Jason Miller), un personaje fundamental.
Pero además de un guion muy redondo está la dirección de William Friedkin, que con 38 años, consigue crear una atmósfera muy perturbadora y desesperanzada. La transformación de Regan (Linda Blair) es de una crueldad inusitada y el sufrimiento al que es sometida inconmensurable.
Han pasado cincuenta años desde su estreno y ser reestrenada es todo un acierto. Creo que ha mejorado con los años.
Peliculón!!!
Mi puntuación: 9,33/10.
(*) El Cine Don Quijote fue construido sobre el antiguo solar del Cuartel del Carmen, obra del equipo de arquitectos Yarza. La comodidad de sus butacones y la forma cóncava de la pantalla, pensada para la proyección en CINERAMA, lo cual nunca se produjo. Desde 2002, funciona como Casino.
Dirigido por William Friedkin:
Ficha:
Duración: 02h 13 min Género: Terror Título original: The Exorcist Año: 1973 País: EE.UU. Dirección: William Friedkin Intérpretes: Ellen Burstyn, Lee J. Cobb, Jason Miller, Linda Blair, Max Von Sydow, Kitty Winn, Jack MacGowran, Peter Masterson, William O’Malley, John Mahon Argumento: William Peter Blatty (novela) Guión: William Peter Blatty Música: Mike Oldfield Fotografía: Owen Roizman Montaje: Evan A. Lottman, Norman Gay, Craig McKay Distribuye en formato doméstico: Warner
Caye Casas (Matar a Dios de 2018) ha confeccionado una durísima comedia negra, que tiene mucho, también, de thriller psicológico.
Es impresionante la completa construcción de los personajes y la creación de una atmósfera turbadora y viciada desde el inicio de la película.
Colosal la sevillana Estefanía de los Santos.
Superlativo el onubense David Pareja.
Casas ha sabido llegar a las profundidades del terror español, con su tono castizo y costumbrista, que roza el esperpento desde lo cotidiano.
Estamos ante un film que no está recomendado para individuos sensibles o débiles de estómago. Solo personas curtidas por muchas horas de gore y terror podrán soportarla sin pestañear.
Mi puntuación: 9,15/10.
Dirigido por Caye Casas:
Ficha:
Duración: 01h 31 min Género: Terror | Comedia | Drama Título original: La mesita del comedor Año: 2022 País: España Dirección: Caye Casas Intérpretes: Estefanía de los Santos, David Pareja, Claudia Riera, Josep Riera, Eduardo Antuña, Gala Flores, Itziar Castro, Cristina Dilla, Claudia Font, Paco Benjumea, Emilio Gavira Guión: Cristina Borobia, Caye Casas Música: Bambikina Fotografía: Alberto Morago Distribuye en cine: Festival Films
Centauros de La Alcarria: Five Nights at Freddy´s y análisis de El Chico y la Garza y The Killer
03/11/2023
Después de la semana pasada, que vino cargada de estrenos, esta tocaba levantar el pie del acelerador. Aún así, os presentamos cuatro opciones de las que, al menos tres, resultan bastante estimulantes. La primera es Five Nights at Freddy´s, una película de terror basada en un popular videojuego que en España ya es el mejor estreno de terror de la historia. Tal cual. Aunque no está cosechando las mejores críticas, la película está funcionando de maravilla.
También tenemos Vidas Pasadas, un drama que está cosechando grandes críticas y que incluso suena para los Oscar. Y David Trueba nos trae Saben Aquell, en la que recoge algunos de los años de vida de uno de los cómicos más populares de nuestro país, Eugenio. El cuarto estreno de la semana es Juniper, que viene abalada por la interpretación de Charlotte Rampling (aunque a Ramón no le haya parecido gran cosa).
Y en la zona SPOILER TOTAL, analizamos El Chico y la Garza de Miyazaki y The killer, de David Fincher.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Los tres van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Comparto sala con dos personas que admiro. Mi compañero Samuel de la Asociación Amigos del Cine de Azuqueca y Enrique González Macho, que mi amigo Jesús Hernando me presenta. Un doble honor.
Saben aquell es una película que nos desvela como llegó a alcanzar su inmensa popularidad el contador de chistes Eugenio.
David Trueba ha sabido componer una película redonda. Bien ambientada, con personajes bien construidos, relatando dos biografías, que reflejan también la España de la época.
Hasta hace unos años, muchos de mis amigos me consideraban un chistoso, nunca intenté imitar a Eugenio, porque su estilo era único y solo le podía funcionar a él.
Siempre he admirado a las personas que nos hacen reír y he soltado muchas carcajadas con los chistes, que ya conocía, que se cuentan durante la película, que me han trasladado a una época en la que necesitábamos reír más que nunca.
David Verdaguer vuelve a hacer de catalán triste transmutándose en el humorista de manera camaleónica.
Pero la que está desbordante es Carolina Yuste, que da vida, con una naturalidad apasionante a la pareja del contador de chistes y de la que no tenía ni idea de su existencia.
La película está cargada de nostalgia y emociona, especialmente a los que admiramos a este personaje singular.
Era un hombre tan desgraciado que fue al pajar y se clavó la aguja.
Mi puntuación: 8,66/10.
Dirigido por David Trueba:
Ficha:
Duración: 01h 45 min Género: Biográfico | Drama Título original: Saben aquell Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 01-11-2023 País: España Dirección: David Trueba Intérpretes: David Verdaguer, Carolina Yuste, Pedro Casablanc, Marina Salas, Ramon Fontserè Argumento: Gerard Jofra (libros “Eugenio” y “Saben aquel que diu…”) Guión: David Trueba, Albert Espinosa Música: Andrea Motis Distribuye en cine: Warner
Impresionante la cantidad de material, que los tres directores de este documental (Santos Bacana, Cristina Trenas y Rogelio González), nos ofrecen.
Se sigue al artista C. Tangana durante 4 años, con sus grandes éxitos, sus actuaciones en público, sus celebraciones privadas, los momentos de crisis, de discusión, de inseguridades, de miedos, de alegría, de tristeza…
En estas dos horas de metraje se suceden una apabullante cantidad de anécdotas, bien montadas, tal vez, no tan bien estructuradas, pero con la incómoda sensación de que no llegamos al fondo del personaje, que se nos pierde en un mar de informaciones.
Mi puntuación: 6,84/10.
Dirigido por Santos Bacana, Cristina Trenas, Rogelio González:
Ficha:
Duración: 01h 58 min Género: Documental Título original: Esta ambición desmedida Título alternativo: This Excessive Ambition Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 26-10-2023 País: España Dirección: Santos Bacana, Cristina Trenas, Rogelio González Intérpretes: C. Tangana Guión: Santos Bacana, Cristina Trenas, Rogelio González Música: C. Tangana, Cristian Quirante Catalán Fotografía: Daniel Meré, Diego Trenas, Flavia Martínez Distribuye en cine: Avalon
Se ha llegado a afirmar que es la película mejor dirigida de todos los tiempos. Incluso se ha aseverado que es una obra maestra total.
De Palma depura su estilo y nos muestra escenas brillantísimas como la del museo, en la que combina planos subjetivos, travelings y movimientos de cámara virtuosos, creando una atmósfera desasosegante.
Por supuesto que rinde homenaje a Psicosis, con esa navaja ese ascensor y el truco de guion de cargarse a la protagonista a la media hora.
También hay referencias a La ventana indiscreta, incluso a Extraños en un tren, esto solo para muy cafeteros.
Se muestra fetichista y sexual, con elementos sangrientos. Siempre colocando y moviendo la cámara de manera impecable.
En su momento, y ahora, mereció críticas de la comunidad LGTBIQ+, sin duda, totalmente justificadas.
Cuando la vi en su estreno me volvió loco, me apasionó. El paso del tiempo ha moderado mi entusiasmo.
Mi puntuación: 9,02/10.
Dirigido por Brian De Palma:
Ficha:
Duración: 01h 45 min Género: Terror | Thriller Título original: Dressed to Kill Año: 1980 País: EE.UU. Dirección: Brian De Palma Intérpretes: Michael Caine, Angie Dickinson, Nancy Allen, Keith Gordon, Dennis Franz, David Margulies, Bill Randolph Guión: Brian De Palma Música: Pino Donaggio Fotografía: Ralf D. Bode Montaje: Gerald B. Greenberg
Anécdotas y curiosidades:
Angie Dickinson dijo que la escena en la que su personaje es seducido en la parte trasera de un taxi fue filmada en la ciudad de Nueva York, donde varios curiosos observaron la escena y gritaron: “¡Adelante, mujer policía!” (refiriéndose a su anterior papel televisivo como personaje principal en La mujer policía(1974) ).
Cuando era joven, a instancias de su madre, Brian De Palma siguió a su padre y utilizó un equipo de grabación para intentar atraparlo con otra mujer. Ese incidente inspiró esta película.
El escritor y director Brian De Palma escribió específicamente el papel de Liz Blake para que lo interpretara su entonces esposa Nancy Allen. Fue la primera y única actriz a la que le ofreció su papel.
Esta película fue originalmente calificada como X por la MPAA. El escritor y director Brian De Palma luchó contra la calificación y, con la edición, finalmente la redujeron a una R, lo que mejoró enormemente las posibilidades de éxito financiero de la película.
En la escena de la ducha de Kate Miller (Angie Dickinson), se utilizó un doble. Cuando se estrenó la película por primera vez, los productores alentaron a Dickinson, que entonces tenía 48 años, a afirmar que el cuerpo era suyo. Sin embargo, pronto se supo que en realidad se trataba de Victoria Johnson.
Michael Caine cuenta en su biografía que el director Brian De Palma fue un cineasta brillante pero mostró muy pocas emociones con los actores y el equipo.
Angie Dickinson, Nancy Allen y Keith Gordon elogiaron la generosidad y el profesionalismo de Michael Caine como actor en esta película. Como estrella principal, solo se le exigía que estuviera en el set cuando su personaje estaba en la toma, pero los tres declararon que insistía en estar allí cuando su personaje no estaba en la toma, de modo que sus compañeros de reparto siempre actuaban a su ritmo. personaje y no a un sustituto o nada en absoluto.
Brian De Palma vendió el guión de esta película por 1 millón de dólares.
En 1982, esta película tuvo su estreno televisivo en NBC. Durante esta transmisión, el siguiente diálogo pasó inadvertido y fue transmitido a millones de personas:
Dr. Robert Elliott:
“¿Cuándo fue la última vez que tuvo relaciones sexuales con su esposa, teniente?“
Detective Marino:
“Ahora, ¿qué carajo te importa?“
A finales de la década de 1970, Brian De Palma escribió un guion basado en el artículo “Cruising” de Gerald Walker, pero no pudo obtener los derechos del material. A la caza (1980), la historia de una serie de asesinatos brutales en el inframundo gay de la ciudad de Nueva York, fue posteriormente adaptada y dirigida por William Friedkin, mientras que De Palma adaptó algunos de los elementos de su propio guion de Cruising a esta película. En 1980, ambas películas se estrenaron con gran controversia (y después de numerosas batallas con la MPAA para evitar las clasificaciones X).
Victoria Johnson se ofreció a no atribuirse el mérito de ser la doble de Angie Dickinson en la escena de la ducha. Además, como Johnson es pelirroja, tuvo que teñirse el vello púbico de rubio para poder duplicar efectivamente a Dickinson en la escena de la ducha.
En 1993, los productores de NBC se acercaron a Angie Dickinson para coprotagonizar un episodio de un nuevo programa de televisión que estaban desarrollando y que presenta nuevos directores y sus películas cada semana.
Los productores le dijeron a Dickinson que querían que ella y Brian De Palma hablaran sobre sus experiencias en esta película con el entrevistador Pat Sajak.
Dickinson estuvo de acuerdo y se presentó en el estudio el día de la grabación.
Sajak estaba allí, pero De Palma no.
Cuando Dickinson le preguntó al respecto, Sajak admitió que NBC la había engañado y, de hecho, la había tendido una trampa en un episodio de This Is Your Life (1950) sobre ella.
Dickinson estaba furiosa, dijo que no iba a hacer “este maldito programa” y se fue, dejando a todos sus amigos y familiares varados allí.
Ella es la única persona en los 50 años de historia del programa que se negó a participar cuando estaban preparados para aparecer.
“The Tonight Show” le prohibió ser invitada a partir de ese momento, en represalia.
Bob Hope, que iba a ser uno de los invitados, la arrinconó más tarde en un restaurante y le dijo: “¡¡Muchas gracias! ¡Salí a una gran cena para ti! ¡¿Y luego ni siquiera hiciste el espectáculo?!!“
Todo esto se puede ver en clips en YouTube.
La secuencia de coqueteo con Angie Dickinson y el hombre misterioso del museo dura casi nueve minutos, tiempo durante el cual no se habla de ningún diálogo.
El director de arte fotográfico del cartel, Stephen Sayadian, tardó cinco días en encontrar los zapatos de tacón de aguja que se utilizaron en el cartel teatral de una sola hoja. Además, como dichos zapatos eran talla once, tuvieron que rellenarse con papel de seda para que la modelo los usara.
Originalmente se suponía que la escena del museo tendría un diálogo en off de Kate Miller (Angie Dickinson).
Brian De Palma originalmente quería que Liv Ullmann interpretara a Kate Miller, pero ella se negó.
El escritor y director Brian De Palma le ofreció a Sir Sean Connery el papel del Dr. Robert Elliott, y se mostró entusiasmado con él, pero lo rechazó debido a compromisos adquiridos previamente. Trabajaron juntos en Los intocables de Eliot Ness (1987), por la que Connery recibió un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto.
Los exteriores de la escena del museo se rodaron en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, los interiores fueron filmados en el Museo de Arte de Filadelfia (tener en cuenta el logotipo del grifo en el mapa que revisa Angie Dickinson).
La gran pintura del gorila que ve (llamada Desnudo reclinado) ahora se encuentra en la oficina del gerente de operaciones mayoristas y minoristas del museo.
Es una obra de 1976 del artista estadounidense Tommy Dale Palmore (n. 1944).
Angie Dickinson dijo en The Tonight Show Starring Johnny Carson (1962) que de todas las películas en las que participó, ésta es su favorita.
Es curioso que le guste tanto esta película, que ha sido tachada de misógina por muchos críticos, y que odie La mujer policía (1974) , que es vista por muchos como un punto de inflexión para la televisión feminista al ser el primer policial procesal que protagonizada por una mujer.
Cerca del comienzo de la deslumbrante secuencia del gato y el ratón del museo, Kate Miller se quita el guante izquierdo (punto importante de la trama) para mostrar su anillo de bodas al apuesto desconocido, Warren Lockman.
Su propósito para esto no estaba claro, por lo que el espectador puede suponer que lo hizo en un intento de transmitir que estaba casada y no disponible, o que debido a que estaba casada, era una apuesta segura para un breve encuentro sin condiciones.
William Finley (Bobbi) es un habitual de las películas del escritor y director Brian De Palma.
También apareció en Hermanas (1972) unos años antes.
Era conocido por ser un extraño personaje de aspecto villano con una voz inquietante.
De Palma usa sólo su voz en esta película.
Hablando de su escena de la ducha, Nancy Allen dijo:
“Una escena de desnudo es incómoda para todos. Un set puede ser relajado y lleno de risas, pero cuando se trata de una escena de desnudo, siempre se vuelve tenso y serio. Sólo tienes que conseguirlo”.
“Se hizo lo más rápido y eficientemente posible. El director establece el clima. Si lo aborda como un viejo sucio, ahora todos actuarán. También tuve una escena de desnudo en la ducha en Carrie (1976), pero esa vez allí. Había 30 o 40 chicas desnudas en la escena. Brian es sensible a la difícil situación del actor, aunque un día, durante la escena de la ducha en ‘Dressed to Kill‘, de repente dijo: ‘¿Qué? ¿Estoy loco? Tener a mi esposa desnuda delante de mí. ¿Toda esta gente?'”
Cuando Kate Miller encuentra el formulario sobre la enfermedad venérea, la fecha que figura en el formulario es 17/11/80.
El 17 de noviembre es el cumpleaños del director Martin Scorsese.
Scorsese y Brian De Palma son amigos cercanos.
El productor original Ray Stark quería contratar a Suzanne Somers para el papel de Liz Blake.
Brian De Palma rechazó la idea de que Somers fuera elegido porque escribió específicamente el personaje para Nancy Allen.
Keith Gordon estaba muy interesado en el cine en el momento del rodaje y le preguntó al director Brian De Palma si podía seguirlo como una curva de aprendizaje personal, a lo que estuvo de acuerdo.
Por tanto, Gordon estuvo en el set durante la mayor parte del rodaje.
A Angie Dickinson se le ocurrió la idea de escribir “recoger pavo” en el libro durante la secuencia del museo. Además, guardó los guantes que llevaba en dicha secuencia.
El consultorio psiquiátrico del Dr. Robert Elliott (Sir Michael Caine) está ubicado en 162 East 70th Street en el Upper East Side de Manhattan.
La explicación que Kate Miller da a su hijo Peter sobre la historia del pastel Napoleón es una completa licencia poética.
No hay evidencia de que el general francés tuviera algo que ver con su creación.
Es mucho más probable que el nombre derive del adjetivo francés para Nápoles, “napolitain“.
Las escenas de sexo y la violencia gráfica fueron eliminadas en gran medida por el entonces censor irlandés Frank Hall cuando se estrenó por primera vez en cines en Irlanda.
Los críticos parecieron amar la interpretación de Kate Miller, ama de casa que da vida Angie Dickinson, y odiar la interpretación de la atrevida prostituta de Nancy Allen, Liz Blake.
Muchos críticos se han preguntado abiertamente por qué la trágica actuación de Dickinson no obtuvo una nominación al Oscar; mientras que Nancy Allen obtuvo una nominación a los Razzie ese año por Peor actuación.
Esto puede tener que ver con que el público acepta más (en ese momento) a las mujeres en roles de víctimas que en roles heroicos.
Primera colaboración cinematográfica de la actriz Nancy Allen, el actor Dennis Franz y el guionista y director Brian De Palma .
El segundo y último sería Impacto (1981) del año siguiente.
Esta película se considera mucho más exitosa y efectiva que Bajo sospecha (1982), una oda de temática similar a Alfred Hitchcock también sobre un psiquiatra que parece ser acosado por una misteriosa rubia, que se estrenó en 1982 y fue dirigida por el ganador del Premio de la Academia, Robert Benton.
Un documental biográfico sobre la vida de este batería de Los Planetas y Lagartija Nick, muy conocido en Granada.
Es un documental de manual, con entrevistas que vamos viendo entrecortadas y mezcladas, alternando con elementos musicales.
Nos presenta la personalidad presuntamente arrolladora de este músico.
Detrás de esa fachada de gamberro y transgresor parece esconderse un individuo bastante convencional, casi conservador.
El conjunto de la película tiene un tufillo a laudatorio bastante molesto.
Se soporta y poco más.
Mi puntuación: 5,22/10.
Dirigido por César Martínez Herrada:
Ficha:
Duración: 01h 35 min Género: Biográfico | Documental Título original: La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 10-11-2023 País: España Dirección: César Martínez Herrada Guión: César Martínez Herrada Fotografía: Juan Pérez Fajardo Producción: César Martínez Herrada Distribuye en cine: Oliete Films
Ji-min Park es la protagonista absoluta de esta película.
Una rara avis con producción camboyana, director francés, que se desarrolla en Corea del Sur.
Frédérique se puede mostrar divertida, desinhibida, provocadora, triste, melancólica, tímida, acomplejada, poderosa y desvalida. Todo a la vez y en todas partes.
Adoptada en Francia, viaja de manera posiblemente casual a Corea del Sur, su país de origen. De forma azarosa, sin mucha premeditación, conoce a la familia de su padre. El encuentro resulta decepcionante.
A partir de entonces la película avanza con saltos en el tiempo que nos permiten ver la transformación de la protagonista.
Tenemos la sensación que, a pesar de la impresión que causa de poderosa, en realidad, es una chica frágil, que no termina de encajar en ninguna de las dos culturas en las que se ve obligada a navegar y no termina de superar sus propios obstáculos vitales.
Me da la sensación que al igual de la muchacha, la película no avanza y se queda atascada en buenas ideas que no terminan de cuajar.
Me resultó francamente aburrida en su segunda mitad.
Espero que guste a los miembros del Cine Club Alcarreño que se merecen mejores películas que ésta.
Mi puntuación: 5,03/10.
Dirigido por Davy Chou:
Ficha:
Duración: 01h 55 min Género: Drama Título original: Retour à Séoul Año: 2022 Fecha de estreno en España en cines : 24-03-2023 Países: Alemania, Bélgica, Camboya, Corea del Sur, Francia, Qatar, Rumanía Dirección: Davy Chou Intérpretes: Park Ji-min, Oh Kwang-rok, Guka Han, Kim Sun-young, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Hur Ouk-Sook, Son Seung-Beom, Emeline Briffaud, Dong Seok Kim, Lim Cheol-Hyun, Régine Vial Guión: Davy Chou Música: Jérémie Arcache, Christophe Musset Fotografía: Thomas Favel Distribuye en cine: Vértigo
Esta película de Paco Arango pretende ser una comedia sentimental, con toques de fantástico.
Funciona a ratos. Cuando pretende ser una comedia descacharrante desparrama y es insoportable. En cambio, cuando usa de un humor más sutil, más refinado, que busca más un ligera sonrisa, se muestra efectiva.
Arango cuenta para no naufragar con la estupenda Carmen Maura, que está muy natural. Le acompaña en el reparto un muy divertido Fernando Albizu que protagoniza los momentos más entretenidos y que se contiene en su personaje.
Olivia Molina sostiene con firmeza un papel complicado.
Penosas sería un calificativo generoso para Macarena Gómez y Ana Obregón.
Para Caros Santos no tengo palabras.
Mi puntuación: 4,22/10.
Dirigido por Paco Arango:
Ficha:
Duración: 01h 52 min Género: Comedia Título original: Mi otro Jon Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 20-10-2023 País: España Dirección: Paco Arango Intérpretes: Carmen Maura, Fernando Albizu, Olivia Molina, Rossy de Palma, Carlos Santos, Marisol Ayuso, María José Alfonso, María Luisa Merlo, Enrique Villén, Ana Obregón, Macarena Gómez, Verónica Gregory, Aitana Sánchez-Gijón Guión: Paco Arango Fotografía: Pablo Bürmann Distribuye en cine: Wanda
Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez han escrito y dirigido, a cuatro manos, esta comedia negra.
El resultado es pésimo. Una historia sin gracia, donde los personajes se mueven y actúan de forma caricaturesca y excesiva.
El guion es inconexo y se reitera en las mismas ideas, sin que la historia avance.
Los personajes se pasean por el escenario sin orden ni concierto y la sucesión de escenas chirriantes es incesante y produce sonrojo.
Ni siquiera Carlos Areces, que siempre está gracioso, consigue despertar una sonrisa.
Irritante y molesta.
Ni de lejos se parece a La comunidad.
Mi puntuación: 2,55/10.
Dirigido por Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez:
Ficha:
Duración: 01h 38 min Género: Comedia Título original: Alimañas Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 27-10-2023 País: España Dirección: Jordi Sánchez, Pep Anton Gómez Intérpretes: Carlos Areces, Antonio Resines, Jordi Sánchez, Loles León, Sílvia Abril, Carmina Barrios, Pilar Bergés Guión: Jordi Sánchez, Pep Anton Gómez Música: Isabel Royán Producción: Juana Macías Distribuye en cine: Sony
Éste era mi primer año en la Seminci y la experiencia ha sido sumamente satisfactoria.
He descubierto un Valladolid laberíntico, limpio y cuidado. La ciudad del mundo con más iglesias por metro cuadrado. Con excelentes sitios para comer y a precios muy asequibles. Después de San Sebastián todo parece barato.
El hostal en el que me instalé, recomendado por mi amigo Iñaki de Algorta, estaba a tiro de piedra de los lugares de proyección. Un sitio cómodo, donde he escrito tranquilo mis cutrecomentarios a diario.
Siempre rodeado de buenos amigos, con los que discutir y polemizar.
Mi impresión sobre las 37 películas que he visto es diversa, como no podía ser de otra manera. Unas pocas un auténtico horror, algunas reguleras y muchas bastante buenas o excelentes.
La Seminci es un festival de cine de autor. Caben poco géneros como el terror o la comedia. Predominan los dramas, como es habitual. Algo he visto de cine experimental, siempre atractivo, aunque no conecte demasiado.
Las ruedas de prensa interesantes y cortas con presencias importantes como Paul Laverty, Ken Loach o Manolo Martín Cuenca, cineastas que siempre tienen mucho que decir.
Después de haber estado acreditado en más de 40 festivales en los últimos diez años he comprendido que lo que más me interesa y satisface es ver películas. El famoseo y las entrevistas me interesan cero, las ruedas de prensa algo, pero mucho menos que las películas.
En un festival puedo satisfacer mi cinefagia y me encuentro feliz.
Contento de haber llevado al día mis cutrecomentarios que escribía por las mañanas, muy temprano, el momento del día en el que me encuentro más lúcido y cabal. Ya he abandonado alfombras rojas y galas.
Las sedes que he visitado para ver filmes han sido teatros como Calderón, Carrión, Cervantes, Zorrilla y la sala Fundos. Todos con asientos muy incómodos, que nada tienen que ver con los de los multicines modernos. Ponían a prueba mi castigada espalda.
Voy con el Palmarés.
Llamó la atención que de los cinco miembros del jurado de la Sección Oficial solo subieran los dos hombres a cantar el Palmarés. Seguramente hubo discrepancias. Durante su lectura se oyeron pataleos y aplausos.
En Valladolid si una película no gusta, el público patalea. Me atrae esa idea. Enseguida me adapté.
Hubo algunos premios muy controvertidos, pero la Espiga de Oro lo fue el que más. Laura Ferrés se llevaba el gran premio por una película sin pretensiones, muy de autor, con actrices protagonistas no profesionales. La Imatge permanent.
Este año hemos visto que Estíbaliz Urresola ganaba en Málaga con ‘20.000 especies de abejas‘ y Jaione Camborda se llevaba la Concha de Oro en San Sebastián por ‘O corno‘. Y ahora Laura Ferrés triunfa en Valladolid. Está claro que es el año de las directoras.
La espiga de plata fue para La quimera de Alice Rohrwacher, que a mí me pareció regulera. Incomprensible que el jurado se olvidara de las que he citado.
La mejor dirección fue para Angela Schanelec por la insoportable Música, un engendro rodada en largos e insufribles planos fijos. Un ejercicio formal que puso a prueba la paciencia del público que pateó al final de su proyección. Una película que no tendrá carrera comercial, que no llegará a las salas y, tal vez, algún cine club proyecte por error.
Un film que no debería ni haber sido seleccionado.
Cuando salí del cine estaba profundamente enfadado. Una película, de esta calaña en la Seminci, era inexplicable.
Que, además, tenga un premio, es el colmo.
Ver durante hora y media a unos jóvenes emborrachándose y intentando tener sexo es abrumadoramente detestable. Un puto horror.
La directora debió de preguntar quién estaba más borracho y a esa persona le dio la cámara para que rodara con pulso tembloroso y desenfocnado todo lo que pudiera. Pataleo a tope.
En cierto modo es un reconocimiento a esta estupenda película rebosante de crítica social y de optimismo, que además se llevó el Premio del Público, que demuestra tener mucho mejor criterio que el jurado.
Dave Turner, dando vida a TJ Ballantyne, un actor no profesional, natural, como se dice ahora, otorga una profundidad a su personaje impresionante, consiguiendo emocionar de verdad.
Una película que dura dos horas y media y que me resultó eterna, aburrida, tediosa, sin interés, petulante e insultancial. Léa siempre está bien, pero no es una película en la que se pueda lucir.
Música se llevó otro premio, a la mejor fotografía. No es mala, es natural, pero una película así no se merece nada.
Sí acertó dando el premio al mejor guion a Marco Bellocchio y Susanna Nicchiarelli por El rapto, una película bien construida, con una dirección muy potente, que te deja clavado a la butaca las dos horas que dura.
Sala de profesores de Ilker Çatak se llevó de manera incontestable el premio al mejor montaje. Una película frenética, que nos enseña que lo más ético, lo más generoso, no es siempre lo mejor.
Con la alemana, Leonie Benesch dando vida a Carla Nowak, impresionante, merecedora al premio a mejor actriz.
Ésta va a ser una de las películas del año, sin duda.
Se otorgan muchos más premios que no comento por no alargarme, pero no quiero dejar de mencionar el Premio Jurado Joven de la Sección Oficial que fue para la funesta How to Have Sex de Molly Manning Walker.
Una película que no trasmite ningún valor, tal vez, solo la moraleja que después de la borrachera viene una resaca de órdago. Estos muchachos y muchachas que han otorgado este premio se lo tienen que mirar.
Sin galardón se quedó El maestro que prometió el mar de Patricia Font que puede tener éxito en taquilla, un homenaje a los maestros de la República, muy emotiva con una excelente dirección.
Fuera de concurso pudimos ver Mamacruz de Patricia Ortega con una Kiti Mánver estupenda que se mueve entre la sacristía, la misa, la máquina de coser y sus nuevas amigas del Taller de masturbación.
No quiero olvidar dos películas que ya habían pasado por otros festivales.
La zona de interés (The Zone of Interest)de Jonathan Glazer que nos lanza la pregunta: ¿se puede ser feliz cuando al otro lado del muro se encuentra la industria de la muerte? y The Bastard (La tierra prometida) de Nikolaj Arcel con un magnífico Mads Mikkelsen, que interpreta al capitán Ludvig von Kahlen, un hombre que ambiciona un título nobiliario y pretende conseguirlo haciendo cultivables los páramos de Jutlandia. Un actor que con solo su mirada es capaz de expresar una colosal gama de sentimientos. Una de las mejores películas de este año.
Fuera de competición la zaragozana Paula Ortiz presentó Teresa, una película muy teatral en la que el inquisidor Asier Etxeandia y la monja Blanca Portillo mantienen un intenso diálogo. Cine religioso, con un estilo literario del siglo XVI y temas actuales como la fe, la duda, el feminismo, la pureza de la Iglesia, la Revelación…
Mucho y buen cine el que hemos visto en la Seminci.
Sus mayores pecados, para mí, han sido el uso reiterado de la voz en off y ese malabarismo formal, que gusta de usar, para demostrar lo buen director que es.
Después de haber visto su bodrio anterior, El irlandés (The Irishman), nada bueno se podía esperar de una película de tres horas y media.
Pero mis temores eran totalmente infundados.
Killers of the Flower Moones una película seria y sólida. Sin voz en off y con una cámara que Scorsese mueve con maestría, con solvencia, que parece que fuera Spielberg.
Planos bien construidos, sin grandes alharacas. En conjunto una dirección virtuosa, con un plano cenital final con travelling vertical que me ha permitido soñar y ser feliz.
Scorsese se ha convertido en el notario de una parte de la historia norteamericana, denunciando ese terrible defecto de los blancos anglosajones de creerse superiores a todos y no soportar la prosperidad que no sea suya. Cuando ya se había avanzado en el siglo XX estos supremacistas decidieron eliminar uno a uno a los ricos propietarios indios de Oklahoma.
Había leído y oído tanto de la historia que no me ha sorprendido, pero he disfrutado de la magnífica manera de contarla de este maestro que es Scorsese, con el que me acabo de reconciliar y al que perdono todos sus pecados anteriores.
DiCaprio está colosal, De Niro sublime y Lly Gladstone de Oscar.
Duración: 03h 36 min Género: Thriller | Drama Título original: Killers of the Flower Moon Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 20-10-2023 País: EE.UU. Dirección: Martin Scorsese Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Jesse Plemons, Robert De Niro, Lily Gladstone, Tantoo Cardinal, John Lithgow, Barry Corbin, Brendan Fraser, Louis Cancelmi, Pat Healy, Gary Basaraba, Nathaniel Arcand, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion, William Belleau, Tatanka Means, Michael Abbot Jr., Scott Shepard, Jason Isbell, Sturgill Simpson Argumento: David Grann (libro) Guión: Eric Roth, Martin Scorsese Música: Robbie Robertson Fotografía: Rodrigo Prieto Montaje: Thelma Schoonmaker Vestuario: Jacqueline West Producción: Martin Scorsese Diseño de producción: Jack Fisk Distribuye en cine: Paramount Distribuye en formato doméstico: Apple TV+
Película sentimentaloide con un argumento tan usado que parece de segunda mano o de ocasión.
No hay novedadades. Muchacho conflictivo que ha perdido a su madre. Abuela cascarrabias, pero de buen corazón. Padre con problemas con su madre.
Tal vez, la única novedad es el alcoholismo de la anciana, que, curiosamente, es tratado como una virtud. De hecho, parece que la película realiza una cierta alabanza al alcohol, que tal vez, delate las aficiones del director.
Charlotte Rampling está como se espera, sin más.
Una película destinada a un público poco exigente, que gusta de ver la misma película una y otra vez y cuando sale de la sale dice, con ese tono característico: ¡qué bonita! Incluso puede que hasta haya derramado alguna lágrima.
Mi puntuación: 4,22/10.
Dirigido por Matthew Saville:
Ficha:
Duración: 01h 34 min Género: Drama Título original: Juniper Año: 2021 Fecha de estreno en España en cines : 03-11-2023 País: Nueva Zelanda Dirección: Matthew J. Saville Intérpretes: Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor Guión: Matthew J. Saville Música: Mark Perkins, Marlon Williams Fotografía: Martyn Williams Distribuye en cine: Festival Films
