Kiril Serébrennikov es un director de cine y teatro ruso, que fue acusado y condenado por malversación de fondos estatales de apoyo a la cultura, aunque se ha rumoreado que era una represalia orquestada por la Iglesia Ortodoxa Rusa para desprestigiarle.
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Esta película que nos ocupa fue presentada en el último Festival de Cannes, donde realizó declaraciones contra la invasión rusa de Ucrania. Permanece en el exilio.
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El centro de la esta producción es Antonina Miliukova, a la que da vida magistralmente Alyona Mikhailova, que se enamora perdidamente del compositor Piotr Chaikovski. La película nos describe el sufrimiento de esta muchacha por esta compleja relación.
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En realidad es un biopic que nos relata las desdichas y tragedias de Antonina. Como en todas las biografías el relato resulta ser bastante episódico con elipsis que, a veces, cuesta rellenar.
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En esta trama hay algo de romanticismo, pero mucho más de sordidez y fatalismo.
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La crueldad de Piotr Chaikovski (Odin Lund Biron) y su entorno hacia la desgraciada Antonina es repugnante y a mí me ha enervado. Claro que la obstinación de esta esposa no tiene parangón.
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A pesar de sus casi dos horas y media de metraje a mí me ha interesado y me ha cautivado.
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Mi puntuación: 6,22/10.
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Dirigido por Kirill Serebrennikov:
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Ficha:
Duración: 02h 23 min
Género: Biográfico | Drama
Título original: Zhena Chaikovskogo
Título alternativo: Tchaikovsky’s Wife
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 21-04-2023
Países: Francia, Rusia, Suiza
Dirección: Kirill Serebrennikov
Intérpretes: Alyona Mikhailova, Odin Lund Biron, Miron Fedorov, Andrey Burkovskiy, Ekaterina Ermishina, Filipp Avdeev, Natalya Pavlenkova, Aleksandr Gorchilin, Varvara Shmykova, Vladimir Mishukov, Viktor Khorinyak, Yuliya Aug
Guión: Kirill Serebrennikov
Fotografía: Vladislav Opelyants
Distribuye en cine: Vercine
Siempre es un placer (culpable) ver a Nicolas Cage en pantalla. Es conocido que sostengo la opinión de que es el peor actor de la historia del cine. Pero verlo en pantalla interpretando al Conde Drácula nos brinda la oportunidad de poder contemplar su histrionismo de la forma más desatada imaginable.
Chris McKay es el director, entre otras, de La guerra del mañana y Batman: La LEGO película.
Aquí cambia de registro componiendo una comedia de terror con elementos de thriller y con un fondo de denuncia de las relaciones tóxico-dependientes interesante.
Se ríe de los terapeutas, de la psicoterapia de grupo, de los libros de autoayuda y de los poderes de Drácula y sus sicarios usando el gore como arma arrojadiza de conmoción y risas.
No podemos pedir un argumento serio en una película que aspira a ser de cachondeo, más cercana al lenguaje del cómic que el del cine.
En esta hora y media he disfrutado de lo lindo.
Posiblemente soy el más ferviente anti-fan de Nicolas Cage.
Mi puntuación: 6,02/10.
Dirigido por Chris McKay:
Ficha:
Duración: 01h 33 min Género: Romántico | Fantástico | Terror | Comedia Título original: Renfield Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023 País: EE.UU. Dirección: Chris McKay Intérpretes: Nicholas Hoult, Awkwafina, Nicolas Cage, Ben Schwartz, Shohreh Aghdashloo, Caroline Williams, Jenna Kanell, Adrian Martinez, Bess Rous, Joshua Mikel, Derek Russo, Christopher Matthew Cook Guión: Robert Kirkman, Ryan Ridley Música: Marco Beltrami Fotografía: Mitchell Amundsen Producción: Robert Kirkman, Chris McKay Distribuye en cine: Universal
Nadie puede negar la desatada imaginación de Makoto Shinkai que firma el guion y la dirección de la película.
La animación en 2D es intensamente fascinante y funciona de manera arrolladora, componiendo lienzos de gran lirismo y plasticidad que resultan embriagadores.
Pero a pesar de todos estos imponentes elementos, o, tal vez, precisamente por ellos, la película me produce cierta en su tramos central y final, que me llega a aburrir, conduciéndome hacia un ligero e inadecuado sopor.
La película nos habla no solo de los monstruos que parecen al abrir esas puertas, sino de los propios, esos que permanecen ocultos en nuestro interior que hay que aprender a conocer y dominar.
Mi puntuación: 6,55/10.
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Dirigido por Makoto Shinkai:
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Ficha:
Duración: 02h 02 min Género: Acción | Aventuras | Animación Título original: Suzume no tojimari Año: 2023 Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023 País: Japón Dirección: Makoto Shinkai Guión: Makoto Shinkai Música: Radwimps, Kazuma Jinnouchi Montaje: Makoto Shinkai Distribuye en cine: Sony
No suelo ver, ni oír, los programas en los que intervengo. Generalmente me aburre visitar lo que he realizado. Pero este episodio se dedicó, en gran parte, a la película de Alberto Rodríguez, Modelo 77, cuestión que se aprovechó para que Javi me hiciera una especie de entrevista sobre mi experiencia penitenciaria.
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Estaba disfrutando del paseo y del podcast. Habíamos llevado un buen ritmo de marcha, solo interrumpido para hacer fotos de árboles en flor y para comprar el pan en el chino del Paseo Clara Campoamor.
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Ya estábamos cerca de casa, traspasábamos la Avenida de Madrid por el paso de cebra más cercano a la Avenida de los Escritores, cuando una pequeña saliente en el asfalto me hizo tropezar.
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Un resalte que no hubiera sido ningún problema para una persona que levantara los pies más que yo al caminar o que fuera algo más joven o habilidosa.
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En mi caso me hizo perder el equilibrio precipitando una aparatosa caída.
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Sabía que si intentaba parar el golpe con las manos corría el grave riesgo de una fractura de muñeca por lo que me dejé llevar por la inercia, sin ofrecer resistencia.
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Solté la mano de Elena, para conseguir evitar arrastrarla, pero ella, en un gesto de generosidad, me la agarró fuerte en un intento de evitarme un intenso golpe.
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Ella fue arrastrada por mi inercia y cayó también aunque de manera menos aparatosa.
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Ya en el suelo con mi zona lateral izquierda de la pelvis y el muslo contusionados y en el suelo intenté reponerme.
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Enseguida acudieron tres viandantes, que se interesaron por mi estado y se ofrecieron a levantarme.
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Elena ya en pie se componía con mucha más dignidad que yo.
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Entre los cuatro querían incorporarme. Les dije que enseguida me recompondría y me levantaría por mis medios.
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En un par de minutos me puse en pie. Un análisis rápido de la situación me dio cierta tranquilidad. El móvil íntegro, la ropa sin rotos y sin manchas notorias y yo sin fracturas. Solo ligeramente dolorido.
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Lo peor es que había interrumpido un divertido podcats y las lesiones de Elena que (haciendo inventario) presentaba una contusión en la eminencia hipotenar de la mano derecha, dolor en la articulación radiocarpiana izquierda y dolorimiento en miembros inferiores y zona lumbar.
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Un balance, afortunadamente, escaso para lo que podría haber sido un auténtico desastre.
Jean-Jacques Annaud tuvo unos años dorados en los ochenta del siglo pasado con El oso, El nombre de la rosa y En busca del fuego. Se ha seguido manteniendo con una película cada dos o tres años.
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Ésta que nos ocupa es una de sus mejores direcciones.
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Una superproducción británica, que se desarrolla en Rusia, con un director francés, con reparto internacional.
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En su momento la producción europea más costosa.
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Hay dos aspectos destacables en este film. Por un lado las estupendas escenas bélicas que trasmiten mucha intensidad y traspiran el caos de una batalla.
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Por otro el enfrentamiento estilo western entre dos ídolos de los dos bandos enfrentados.
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Pero el verdadero mensaje de la película es la construcción del mito del héroe para mantener la fe en la lucha y en la victoria.
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Temer más las balas del sargento que las del enemigo, solo puede ser un revulsivo pasajero y efímero para la batalla. Es más eficaz el estímulo positivo de que hay personas que han podido resquebrajar al enemigo. El afán de emulación y de saber que es posible la victoria se convierten en elementos muy potentes para continuar la lucha.
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La historia de amor es muy forzada. Se ve metida con calzador.
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Sí funciona bien el duelo de titanes entre Ed Harris y Jude Law.
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Interesantísima la figura de ese comisario político, al que da vida Joseph Fiennes, que usando las palabras resulta más eficaz que con las balas.
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Un descubrimiento ver a Bob Hoskins interprtetando al líder soviético Nikita Khruschev.
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Un disfrute de película.
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La imagen del niño ahorcado inolvidable.
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Mi puntuación: 7,88/10.
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Anécdotas y curiosidades:
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Jude Law y Ed Harris se basaron en gran medida en la expresividad de sus ojos. Con frecuencia fueron usados para transmitir emociones sin decir una palabra.
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En las grandes escenas de batalla se consideró demasiado peligroso, con tantos extras, en un espacio reducido, provocar explosiones por control remoto. Los especialistas se mezclaron con los extras para desencadenar las explosiones pisando placas de presión.
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La película muestra a Zaitsev como un tonto sin educación, de algún lugar atrasado del país, pero que sabía disparar un rifle. En realidad, Zaitsev era un hombre educado y había trabajado durante cinco años como contador en la armada rusa estacionada en el Pacífico antes de unirse al ejército.
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Se puede ver al Mayor König, interpretado por Ed Harris, con guantes y sin el dedo índice y el pulgar de la mano derecha. Esto era bastante común para los francotiradores en condiciones de frío, ya que ayudaba a prevenir la congelación en la mano, al tiempo que les permitía realizar cambios delicados en su arma y aseguraba un apretón suave del gatillo.
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Se estima que el Eje sufrió 260.000 soldados muertos en acción con 90.000 capturados durante la Batalla de Stalingrado. Las bajas soviéticas fueron mucho más graves, con un estimado de 500.000 soldados muertos y probablemente al menos la misma cantidad de civiles.
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Habiendo servido durante años en la armada rusa antes de ser transferido al ejército, Zaitsev estaba orgulloso de su experiencia naval y usó su camisa azul marino a rayas blancas y azules debajo de su uniforme durante su tiempo en Stalingrado.
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El personaje de Ludmilla es una posible referencia a otra famosa francotiradora soviética, Lyudmila Pavlichenko, que tuvo más de 300 muertes, incluso más que Vassili Zaitsev, quien tuvo alrededor de 257 muertes.
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A las 54:10, uno de los francotiradores se quema los dedos con una estufa de campaña y rápidamente se los frota detrás de las orejas. Esto es muy realista, ya que generalmente se acumula aceite corporal allí y aliviaría la formación de ampollas, y tocar los lóbulos de las orejas después de quemarse los dedos ayudará a transferir parte del calor y aliviar el dolor.
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El gran decorado de Stalingrado tuvo que construirse desde cero en Alemania. La construcción del set comenzó en octubre de 1999 y tomó casi cinco meses.
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En la película, Zaitsev y sus camaradas parecen ser explotados por el liderazgo comunista, aparentemente arrojados a los horrores de la guerra sin saber a qué se enfrentaban, vistos principalmente como nada más que carne de cañón. Sin embargo, según los propios escritos de Zaitsev sobre la guerra, él y sus camaradas en la marina suplicaron durante mucho tiempo a sus superiores que los transfirieran al ejército para que pudieran luchar en Stalingrado, sabiendo muy bien para qué se ofrecían como voluntarios.
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Fuera de los propios relatos de guerra de Zaitsev, no hay evidencia de la existencia del Mayor Konig.
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La mayoría de los personajes de la película están basados en personas reales. Nikita Khrushchev fue de hecho un comisario político en el Ejército Rojo que popularizó y promovió al francotirador Zaitsev.
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Un equipo de 300 personas tardó casi cinco meses en crear todos los cadáveres protésicos que se ven en la película.
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En el momento de su estreno, ésta era la película británica de mayor presupuesto jamás realizada.
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Si bien se dice mucho de que Stalingrado tiene un valor simbólico para Hitler, era un centro de tránsito para las entregas de petróleo para los soviéticos, que en ese momento obtenían su petróleo de Chechenia y Azerbaiyán. Todo el enfoque del sur de la campaña del Eje en el Frente Oriental fue capturar los campos petrolíferos del Cáucaso.
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En la escena en la imprenta cuando los personajes de Vassili y Danilov discuten, las lágrimas en los ojos de Jude Law son genuinas.
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“Enemy at the Gate” fue el llamado a la resistencia en 1941 cuando los nazis sitiaron Stalingrado (ahora Volgogrado). La resistencia de Stalingrado detuvo a los nazis, y las palabras “Enemigo en la puerta” se convirtieron en un llamado a la resistencia antinazi en todas partes. Las mismas palabras se usan en el libro “Enemy at the Gate: The Battle for Stalingrad” (1973) de William Craig, que también documenta las hazañas de guerra de la vida real de Vasilli Zaitsev.
En la copia de bluray, hay varios reportajes sobre la realización de esta película. En uno de ellos, el director Annaud dijo que hay (solo) 3 páginas en todo el libro dedicadas a la batalla de francotiradores entre Zaitsev y el francotirador alemán.
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Algunos veteranos del Ejército Rojo de Stalingrado se sintieron tan ofendidos por las inexactitudes en la película y por cómo se retrató al Ejército Rojo que el 7 de mayo de 2001, poco después del estreno de la película en Rusia, expresaron su descontento en la Duma y exigieron la prohibición de la película. pero su petición no fue concedida.
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Originalmente, la historia era un proyecto largamente anhelado de Sergei Eisenstein. La Batalla de Stalingrado también fue un proyecto que Sergio Leone estaba dispuesto a hacer, pero el proyecto fracasó.
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La película fue mal recibida en el festival de Berlín. El escritor germano-ruso Wladimir Kaminer que hizo de extra en la película, critica cómo se retrata a los soldados soviéticos en la película.
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La locomotora utilizada para filmar la escena del tren de tropas es, irónicamente, una “Kriegslok” (“locomotora de guerra”) construida en Alemania.
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Vasily usa un rifle Mosin-Nagant durante la película. Tiene una cámara de 7.62x54R.
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Los restos de un avión alemán fuera de la escena de los grandes almacenes son un Siebel Si204, un transporte militar ligero construido en pequeñas cantidades. Es consistente con el período y las marcas son auténticas para el frente ruso. Fue construido en Francia y Checoslovaquia, así como en Alemania, y muchos fueron operados por flotas aéreas civiles y militares hasta la década de 1970. Es claramente una maqueta, sin embargo, y el plano de cola está mal: es un plano de cola único y el 204 tenía una cola doble.
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Desde un punto de vista estratégico, la Batalla de Stalingrado tuvo mucha menos importancia que la Segunda Batalla de El Alamein. La victoria aliada en El Alamein ganó la Campaña del Norte de África, ganó la Batalla del Mediterráneo, puso fin al Sitio de Malta, evitó que el Eje invadiera Egipto, salvó el Canal de Suez, aseguró el Medio Oriente con sus vastas reservas de petróleo e hizo posible las invasiones de Sicilia, Italia y el sur de Francia.
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Siete años después del lanzamiento de Enemy at the Gates, Ron Perlman (Koulikov) narró la versión en audio de City of Thieves de David Benioff. Ambos muestran la guerra urbana de la Segunda Guerra Mundial desde la perspectiva rusa, y la relación personal central es entre dos camaradas masculinos y una francotiradora.
. Joseph Fiennes fue el primer actor del reparto.
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La ametralladora con ruedas utilizada para disparar a los rusos en retirada es una ametralladora Vickers británica modificada para parecerse a una PM M1910 rusa. Ambos se basaron en la pistola Maxim desarrollada en la década de 1880.
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El elenco de la película incluye a una ganadora del Oscar: Rachel Weisz; y tres nominados al Oscar: Ed Harris, Bob Hoskins y Jude Law.
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Uno de los avances realizados para la película utilizó varios temas musicales de Nixon (1995). Ed Harris y Bob Hoskins protagonizan ambas películas.
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Originalmente programado para su lanzamiento a fines de diciembre, Paramount lo retrasó hasta la primavera siguiente.
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Desafortunadamente, en la vida real, no hubo un reencuentro feliz para Vassili y Tania.
Al final de la batalla, cada uno pensó que el otro estaba muerto, y Tania supo años después que su amante no solo seguía vivo, sino que se había casado recientemente. O al menos, eso decía ella.
Según Vassili, nunca fueron amantes y, de hecho, él nunca tuvo ninguna relación durante la guerra.
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El duelo entre Zaitsev y Konig se basa parcialmente en los registros realizados por Zaitsev.
El visor del rifle tomado del francotirador alemán asesinado se encuentra ahora en el Museo del Ejército Central en Moscú, Rusia.
El alemán que recibió un disparo en el duelo fue el francotirador de las SS, el coronel Heinz Thorvald.
Los alemanes afirmaron que alguien llamado Koenig había recibido un disparo en el duelo y no Thorvald porque no querían admitir que su as estaba abajo. Esto fue afirmado por Zaitsev, quien también encontró los documentos en el cuerpo que lo identificaban como Thorvald.
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A lo largo de la película, las únicas veces que se ve a Vasilli matando a alguien es al principio (en Stalingrado cuando conoce a Danilov) y al final (cuando mata a Konig), siendo la primera la única escena que muestra su destreza con la puntería.
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Después de que se cree que Vasily ha sido asesinado, el general alemán exige las “placas de identificación” del mayor König, un término que no utilizan las tropas alemanas; se habrían denominado discos de identidad.
Duración: 02h 11 min
Género: Bélico
Título original: Enemy at the Gates
Año: 2001
Países: Alemania, EE.UU., Irlanda, Reino Unido
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Ed Harris, Rachel Weisz, Bob Hoskins, Ron Perlman, Eva Mattes, Matthias Habich, Gabriel Thomson, Sophie Rois, Ivan Shvedoff, Clemens Schick
Guión: Jean-Jacques Annaud, Alain Godard
Música: James Horner
Fotografía: Robert Fraisse
Distribuye en formato doméstico: Tri Pictures
Mario Bros es un icono de la cultura popular del siglo XX. Lleva con nosotros desde hace casi cuarenta años.
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Desde 2010 la ciudad de Zaragoza (la mejor del mundo) cuenta con una avenida que lleva el nombre de este famoso fontanero.
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Adaptar un juego de plataformas al cine me parece sumamente difícil. Tenemos personajes, una historia muy simple y poco más.
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Illumination Entertainment ha realizado una labor admirable ofertando animación de inmejorable calidad, con un guion lleno de guiños a los video juegos Nintendo. Un producto espectacular que mantiene la atención de padres y niños durante esa hora y media de carrusel explosivo de colores y experiencias.
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Se han actualizado personajes como la Princesa Peach que es una super heroína y se han incluido un nutrido grupo de figurantes que recuerdan a los Minios, marca y emblema de la casa.
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Hay un mensaje estupendo en esos dos hermanos que juntos pueden con todo.
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El mensaje negativo: la resolución de conflictos a base de hostias.
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Siempre me ha entusiasmado que el héroe fuera un fontanero bajito, con bigote de origen italiano. Me gusta Mario.
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Puntuación de Luca: 10/10.
Puntuación de Leo: 10/10.
Mi puntuación: 6,55/10.
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Dirigido por Aaron Horvath y Michael Jelenic:
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Ficha:
Duración: 01h 32 min
Género: Aventuras | Animación | Comedia
Título original: The Super Mario Bros. Movie
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 05-04-2023
Países: EE.UU., Japón
Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic
Guión: Matthew Fogel
Música: Koji Kondo, Brian Tyler
Distribuye en cine: Universal
Michael Jacobs realizó en 1991 la serie de televisión Dinosaurios, con cuatro temporadas, en ella contaba una trama estilo Simpsons, pero con dinosaurios de protagonistas. A mí me hizo gracia.
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Ahora es el máximo responsable de esta película, al firmar el guion y la dirección.
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Antes de saber que era un texto original para la película, pensé que se basaba en una obra teatral.
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Su estructura es totalmente escénica.
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Son seis personajes que parlotean sobre el amor, el matrimonio y las relaciones de pareja. El discurso es aburrido, sin interés y, en muchas ocasiones, rancio.
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Son burgueses aburridos de la existencia, incluida la pareja joven, que disertan sobre tonterías, sin profundidad, sin nada nuevo que agregar en relaciones caducas, que carecen de verdaderos problemas.
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Salvo a William H. Macy, a Susan Sarandon y la joven Emma Roberts que parecen intentar defender sus papeles.
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Penosos Luke Bracey, Richard Gere y, especialmente, Diane Keaton, que después de verla en sus últimas películas me pregunto si alguna vez fue una buena actriz.
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Una comedia romántica que no es ni lo uno, ni lo otro, solo un fiasco y un aburrimiento.
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Mi puntuación: 2,15/10.
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Ficha:
Duración: 01h 35 min
Género: Comedia | Romántico
Título original: Maybe I Do
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 21-04-2023
País: EE.UU.
Dirección: Michael Jacobs
Intérpretes: Emma Roberts, Susan Sarandon, Luke Bracey, Diane Keaton, Richard Gere, William H. Macy, Natalie Ortega
Guión: Michael Jacobs
Música: Lesley Barber
Fotografía: Tim Suhrstedt
Producción: Michael Jacobs
Distribuye en cine: Youplanet , Beta Fiction
Vaqueros contra ovejeros. El viaje desde África. La fuga de la rebelde.
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De estas tres tramas la primera, que protagonizan Harrison Ford y Helen Mirren, es la central y la que ocupa más metraje.
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El amor entre Spencer (Brandon Sklenar) y Alex (Julia Schlaepfer) y su odisea de regreso a Montana es mucho menos interesante. La historia del cazador atormentado por la Gran Guerra y la niña rica caprichosa, que no quiere seguir una vida convencional es mucho menos interesante. La música empalagosa no sirve más que para hacer una historia de amor y aventuras ñoña y edulcorada.
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La trama de la salvaje y justiciera Teonna (Aminah Nieves), en cambio, me apasiona. Una luchadora incansable. En esta parte de la serie se habla de la crueldad de las instituciones religiosas con los indios, considerados como almas del diablo. Hecho en falta más metraje dedicado a esta muchacha valiente, que solo despierta en mí admiración y compasión.
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El western clásico con esos paisajes impresionantes de Montana y el enfrentamiento entre pequeños ganaderos y ricachones mineros es un buen relato de la historia de los Estados Unidos y del capitalismo que lleva en sus venas, en su esencia. Todo encaja bien hasta que el personaje de Donald Whitfield, al que da vida Timothy Dalton, comienza a desbarrar, en esos capítulos la serie pierde interés y se vuelve telefilmera.
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Un placer ver a estos dos granes y veteranos de las pantallas, Ford y Mirren, los tíos Duton, que aunque sin hijos cuidan, o al menos lo intentan, su legado.
Serie TV
Género: Drama | Western
Título original: 1923
Año: 2022
Fecha de estreno en España en SkyShowtime: 28-02-2023
País: EE.UU.
Creado por: Taylor Sheridan
Dirección: Guy Ferland, Ben Richardson
Intérpretes: Harrison Ford, Helen Mirren, Brandon Sklenar, Julia Schlaepfer, Jerome Flynn, Darren Mann, Isabel May, Brian Geraghty, Aminah Nieves, Michelle Randolph, Caleb Martin, Robert Patrick
Guión: Taylor Sheridan
Música: Breton Vivian, Brian Tyler
Fotografía: Robert McLachlan, Ben Richardson
Distribuye en formato doméstico: SkyShowtime
Hay casi 100 adaptaciones de la novela de Alejandro Dumas. No sé si hacía falta una más.
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Los franceses se han gastado más de 70 millones de euros en esta producción. Su primer de semana de exhibición en tierras galas ya ha recaudado más de un millón de euros. Todas las películas que llegan a las carteleras españolas del país vecino vienen con el marchamo de una excelente taquilla.
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Me parece un contrasentido que hayan cuidado el vestuario y los decorados, gastándose una pasta y la cámara de Martin Bourboulon se mueva con frenesí, sin dar tiempo a contemplar escenarios, ni observar detalles.
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Porque el director parece empeñado en rodar esta producción como si fuera de bajo presupuesto, muy cerca de los actores, cámara en mano, con una fotografía gris y unas escenas nocturnas muy oscuras.
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Es cierto, que en las escaramuzas consigue un efecto realista. Algunas rodadas en plano secuencia con una cámara que no para de moverse, trasmitiendo la sensación de caos y lío de manera eficaz, pero mareante.
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Me encantan los efectos de sonido, con esos mosquetazos impresionantes, que ni los personajes, ni los espectadores sabemos de donde vienen.
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El plantel de actores es apabullante.
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Me encanta ver a Louis Garrel como Luis XIII, me sorprende que lo lleve tan bien.
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Un deleite ver a Vicky Krieps como reina adúltera.
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Muy convincente Vincent Cassel como Athos, el José Coronado francés.
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Eva Green encaja muy bien en el papel de Milady.
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Lyna Khoudri es perfecta para la encantadora Constance Bonancieux…
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Hay una segunda entrega que se promete para dentro de un año, por lo que el final resulta un tanto abrupto.
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La he visto con atención, con escenas interesantes, posiblemente la que más me ha impactado, tal vez por mi acrofobia, haya sido la persecución de Athos a Milady.
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Se deja ver, pero no es para echar cohetes.
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Mi puntuación: 6,55/10.
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Dirigido por Martin Bourboulon:
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Ficha:
Duración: 01h 52 min
Género: Aventuras
Título original: Les Trois Mousquetaires: D’Artagnan
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
Países: Alemania, España, Francia
Dirección: Martin Bourboulon
Intérpretes: Vincent Cassel, Eva Green, Romain Duris, Louis Garrel, Vicky Krieps, François Civil, Pio Marmaï, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Alexis Michalik, Patrick Mille, Marc Barbé, Eric Ruf, Ralph Amoussou, Ivan Franek, Thibault Vinçon
Argumento: Alexandre Dumas (novela)
Guión: Martin Bourboulon, Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière
Música: Guillaume Roussel
Fotografía: Nicolas Bolduc
Distribuye en cine: DeAPlaneta
Centauros de la Alcarria: Nuestras pelis de vampiros, Air y el proyecto más chulo de Alcalá, Antrología
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Los programas se nos quedan pequeños… cada vez más. Esta semana os traemos los estrenos de la semana, y conste que hay unos cuantos.
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Destaca Reinfield, en la que Nicolas Cage hace nada más y nada menos que de Drácula. Una película que juega con la comedia y el gore.
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También tenemos una nueva versión de Los Tres Mosqueteros que estará divida en dos partes y le ofrece a Eva Green la posibilidad de hacer un papel que sin duda estaba hecha para interpretar.
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Del creador de Your Name recibimos Suzume… y Ernesto, claro, está entusiasmado con ella.
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Javier P.. apuesta por Novembre , un policíaco francés centrado en la investigación de los asesinatos del Bataclán, como la película tapada y por lo tanto imprescindible por la semana. Y se pega con Ramón por saber cuál será peor: Marca de Vida o Maravilloso Desastre. Ambas con su público. Familiar y conservador la primera y adolescente y empavado la segunda.
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También hablamos con Pablo y Carlos Cristóbal del que probablemente sea uno de los proyectos más bonitos del que hemos tenido conocimiento en los últimos tiempos, Antrología, una serie echa por ellos mismos con mucha ayuda centrada en reivindicar Alcalá de Henares, sus bares y su cultura.
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Y por último, aprovechando el estreno de Reinfield reivindicamos nuestras pelis de vampiros favoritas: Solo los amantes sobreviven, Lo que hacemos en las sombras, Déjame entrar, Los viajeros de la noche y Vampiros, la de Carpenter.
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Y además nos pegamos debatazo sobre AIR y comentamos El Exorcista del Papa y Super Mario Bros. ¿Alguien da más? Seguramente. ¿Pero mejor? Probablemente. Pero nosotros necesitamos de vuestro amor.
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Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
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Los tres van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
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Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Ayer la revisité muy enfadado por el formato inadecuado en el que se proyectaba, de lo cual me responsabilizo.
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Aún así disfruté de una dirección brillante por parte de un Villeneuve de 42 años. Con esta película se dio a conocer mundialmente, gracias a sus premios y la nominación al Oscar.
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El canadiense juega bien con los espacios y los tiempos, creando una atmósfera de tensión que disfraza un folletín en thriller emocional.
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El análisis concienzudo del guion, que firma junto con Valérie Beaugrand-Champagne, basado en la obra teatral de Wajdi Mouawad, nos presenta unas cuantas lagunas argumentales muy artificiosas y forzadas.
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Dos cuestiones pongo sobre la mesa, que a mi modo de ver, están mal explicadas o carecen de coherencia.
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Por un lado, la transformación de la pacifista Nawal Marwan en asesina, un giro argumental incoherente.
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Por otro, la historia de Nihad y sus transformaciones son increíbles y mal explicadas con prisa, en una escena que es el núcleo central de este folletín.
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Pero, a pesar de estos (graves) defectos, la película me conmueve y me impresiona. El dramatismo de la biografía de Nawal crea un sensación desoladora, con la impresión de que la maldad humana es infinita y el destino juega con la vida de los mortales de manera cruel.
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Efectivamente, hay historias que es mejor no conocer.
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Mi puntuación: 7,15/10.
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Comentario de Samuel:
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Si tuviera que describir con una sola palabra la película que lanzó a la fama a Villeneuve, sin duda sería “impactante”. El punto de partida es una obra de teatro aclamada de Mouawad, que ya de por sí impresionó. Consciente de esto, Villeneuve respeta la estructura narrativa no lineal que le da interés a la historia y mantiene un enfoque naturalista y cercano a los protagonistas para involucrarnos fácilmente como espectadores.
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A partir de ahí, la película destaca por el gran número de recursos cinematográficos que Villeneuve despliega con precisión en los diferentes géneros que aborda, pero siempre con una personalidad marcada tras la cámara.
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Destacar el uso de la música. El compositor, Hetzel, utiliza una combinación de música tradicional libanesa y occidental para reflejar diferentes aspectos culturales. Además, las localizaciones donde se filmó la película presentan diferentes tonalidades que logran transmitir tensión y trauma en función de su contexto. En cuanto al tratamiento de la violencia, se emplean secuencias crudas y realistas que recuerdan el estilo neorrealista de Rossellini, y otras donde la elipsis es más fuerte y sugiere con mayor intensidad el horror.
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Una obra contundente que no da tregua y lanza preguntas incómodas sobre la naturaleza humana.
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Curiosidades y anécdotas:
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Aunque se filmó en Jordania, el país del Medio Oriente en el que se desarrolla la película se dejó deliberadamente sin nombre. Algunos espectadores han notado la palabra “Palestina” visible en una ventana de la escuela de Nawal, pero el conflicto cristiano-musulmán parece implicar que el escenario es el Líbano, el lugar de nacimiento del dramaturgo Wajdi Mouawad. .
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“Incendies” significa conflagraciones (o incendios) en francés, pero la película mantuvo su título en francés en muchos países, incluido Estados Unidos. En algunos países, el título se tradujo como “Incendies – The Woman Who Sings” (la mujer que canta). .
. Esta película ganó el premio a Mejor Largometraje otorgado por el jurado en el Festival de Cine de Adelaida de 2011. El director Denis Villeneuve respondió diciendo que “Como un signo poético de gratitud al Festival de Cine de Adelaide, le daré el nombre de ‘Adelaide’ a uno de mis personajes principales en mi próxima película. Así que gracias mil veces a el Festival de Cine de Adelaide!“. Sin embargo, Villeneuve aún no ha nombrado a ninguno de sus personajes Adelaide en ninguna de sus películas desde entonces. .
. Cerca del comienzo de la película, cuando Simon encuentra a su madre en el pasillo del hospital, el niño que se ve al comienzo de la toma es el hijo menor del director Denis Villeneuve, Sasha. .
. Esta película se encuentra en el Top 250 oficial de largometrajes narrativos en Letterboxd. .
. Para el rodaje en exteriores, Denis Villeneuve utilizó una mezcla de equipos iraquíes y libaneses. Inicialmente, le preocupaba que revivir algunas de las experiencias de la guerra resultaría demasiado traumático para ellos, pero en cambio descubrió que estaban interesados en que sus historias se contaran al resto del mundo. .
. Para prepararse para su papel como Simon, Maxim Gaudette recorrió los campos de refugiados palestinos en Jordania. .
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Denis Villeneuve vio por primera vez la obra de Wajdi Mouawad en 2004 y era muy consciente de que estaba presenciando una obra maestra. .
. El casting de Nawal resultó problemático ya que Denis Villeneuve vio decenas de actrices de todo el mundo para el papel. No fue hasta que vio a Lubna Azabal en Paradise Now (2005) de Hany Abu-Assad que finalmente encontró a la actriz perfecta. .
. Denis Villeneuve pasó cinco años trabajando en el guion, dirigiendo dos largometrajes y dos cortos en el tiempo intermedio. .
. El rodaje duró 40 días, principalmente en Montreal, 15 de ellos en Jordania. .
. Aunque Lubna Azabal tenía 30 años en el momento de la filmación, Denis Villeneuve estaba convencido de que la actriz podría transmitir el lapso de tiempo de los 18 a los 60 a través del hábil uso del maquillaje.
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. Inicialmente, Denis Villeneuve imaginó hacer una película muda, pero luego abandonó la idea por ser demasiado poco práctica para un material tan pesado. . Basado parcialmente en la vida de la activista libanesa Souha Béchara . .
. El problema matemático que Jeanne presenta en clase es la conjetura de Collatz. La conjetura de Collatz es un algoritmo que produce el número 1 a partir de cualquier número entero positivo dividiendo los números pares por 2 y multiplicando los números impares por 3 y sumando 1. El resultado eventualmente producirá 1. La conjetura se refleja más tarde alegóricamente en el clímax de la película cuando Simon le pregunta a Jeanne si 1 y 1 pueden hacer 1, haciendo referencia al incesto inherente a su parentesco. Se revela que las dos personas que Simon y Jeanne han buscado a lo largo de la película, su padre y su hermano, son la misma persona, lo que refuerza el tema de la película de que todos los caminos conducen a uno. De acuerdo con la conjetura de Collatz, dos se convierte en uno. .
. La película dibuja una buena cantidad de similitudes entre eso y la historia de Edipo el Rey. Edipo (que se traduce como pie hinchado) tiene hijos con su madre. Nihad of May se tatuó el pie cuando era bebé y luego tuvo hijos con su madre. Las tramas también son similares en la forma en que en ambas historias los personajes principales intentan descubrir la historia de su pasado. Edipo intenta descubrir la historia de su profecía. Jeanne y Simon están tratando de descubrir la historia de su hermano. .
Aquí nos ofrece un thriller policial puro, bastante caótico, que va a toda velocidad, dejando cabos sueltos y cuestiones no bien explicadas, pero que a mí me ha enganchado y me ha entretenido.
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No hay construcción de personajes porque la trama avanza a tal celeridad que no da tiempo. La tensión que se vivió en los servicios antiterroristas franceses, después del atentado de 13 de noviembre de 2015, está muy bien reflejada.
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Tal vez, el mejor y único personaje con cierta estructura e historia es Samia, estupenda Lyna Khoudri, cuya colaboración fue fundamental para la policía. El trato que recibió por parte del Estado francés fue execrable.
Duración: 01h 40 min
Género: Policiaco | Thriller | Drama
Título original: Novembre
Título alternativo: November
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: Francia
Dirección: Cédric Jimenez
Intérpretes: Jean Dujardin, Anaïs Demoustier, Sandrine Kiberlain, Jérémie Renier, Marine Vacth, Cédric Kahn, Lyna Khoudri, Sofian Khammes, Sami Outalbali, Stéphane Bak, Raphaël Quenard, Sarah Afchain
Guión: Cédric Jimenez, Olivier Demangel
Música: Guillaume Roussel
Fotografía: Nicolas Loir
Distribuye en cine: Flins y pinículas
La película reúne todos los elementos clásicos de este tipo de cine, sin nada nuevo que ofrecer.
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Asisto a la proyección displicente y poco interesado. No me aburro (demasiado), no me irrito, no me dan ganas de irme de la sala.
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Hay unos cuantos elementos que me hacen gracia.
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El Padre Amorth, al que da vida eficazmente Russell Crowe, viaja en Lambretta desde Roma a Segovia.
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Resulta que, al final, descubrimos que la Santa Inquisición era una obra del Diablo.
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La película fue rodada en Irlanda y Australia, aunque simulan ser Segovia.
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Está obteniendo una buena taquilla. Me alegro que la gente vaya al cine.
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Gabriel Amorth fue un personaje real.
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Un sacerdote italiano que ejerció como exorcista en la diócesis de Roma y se hizo muy popular por sus libros, conferencias e intervenciones radiofónicas y televisivas sobre la materia.
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Llegó a afirmar que había realizado más de 70.000 exorcismos en toda su vida.
. Gabriele Amorth fundó la Asociación Internacional de Exorcistas en 1990 y fue presidente hasta su retiro a los 75 años de edad, en el año 2000. Fue declarado presidente honorario de por vida de la asociación.
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El padre Amorth también formula que el interés y práctica de diversas corrientes ocultistas de los líderes nazis (ocultismo nazi), pudieron haber hecho que estos fueran poseídos.
Además que existe la posibilidad de que Adolf Hitler, así como Iósif Stalin fueran influenciados por algún demonio para afectar a millones de personas por el mal.
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El religioso también ha criticado las novelas de Harry Potter de J. K. Rowling pues indica que “detrás de Harry Potter se oculta la firma del rey de la oscuridad, el diablo”, ya que en las novelas no existe el concepto retratado de una distinción mágica entre lo blanco y negro, no existe un guía espiritual, ni existen referencias a la religión o la espiritualidad.
Considera que esto influencia y acentúa el interés de los jóvenes por la prácticas mágicas y “porque la magia es siempre una vuelta al diablo”.
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El London Sunday Telegraph ha divulgado que la película preferida de Amorth es El Exorcista, la cual trata del exorcismo de un demonio en una muchacha joven, historia basada en un exorcismo real realizado en los años 50 en San Luis, Misuri.
Al respecto, Amorth piensa que la gente debería verla, para que “miren lo que nosotros hacemos“ y ha mencionado: “Por supuesto, los efectos son exagerados, pero es un buen filme, y exacto substancialmente, basado en una notable novela que refleja una historia verdadera“.
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Por otra parte, también ha aparecido en una entrevista para el segundo episodio de “True Horror with Anthony Head“, donde dijo que nunca lleva a cabo exorcismos en personas que declaran que están poseídos sin estarlo verdaderamente, y que él siempre envía a la gente a consultarse primero con psiquiatras y psicólogos antes de pasar por él.
Incluso comentó como anécdota que cuando ve a alguien que no está poseso pero la persona insiste, él responde: “Usted no tiene al diablo. Si tiene un problema, hable con un buen veterinario”.
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Mi puntuación: 5,55/10.
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Dirigido por Julius Avery:
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Ficha:
Duración: 01h 43 min
Género: Biográfico | Thriller | Drama
Título original: The Pope’s Exorcist
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 05-04-2023
País: EE.UU.
Dirección: Julius Avery
Intérpretes: Russell Crowe, Franco Nero, Alex Essoe, Daniel Zovatto, Paloma Bloyd, Laurel Marsden, Peter DeSouza-Feighoney, River Hawkins, Cornell John, Carrie Munro, Bianca Bardoe, Ryan O’Grady, Tom Bonington, Edward Harper-Jones, Derek Carroll, Pablo Raybould, Marc Velasco, Victor Solé
Guión: Evan Spiliotopoulos, Chester Hastings, R. Dean McCreary
Fotografía: Khalid Mohtaseb
Distribuye en cine: Sony
La película de Ben Affleck funciona fenomenal, tiene ritmo, no decae y engancha al espectador, ofreciendo una trama sencilla que tampoco tiene demasiado interés.
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La gran habilidad de Ben es conseguir que una historia de marketing empresarial pueda ser interesante.
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El guion lo firma Alex Convery, un debutante en estas funciones, basándose en la biografía de Michael Jordan.
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La trama tiene la habilidad de presentarnos a Matt Damon de Nike como el héroe, enfrentándose a dos marcas, que son los malos de la película. Converse con directivos que llevan Rolex y Adidas que son germanos.
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El film tiene como eje al baloncestista sin que, en realidad, lo veamos en toda la película, como pasaba en Al descubierto con Harvey Weinstein, para dar más protagonismo a su madre, Viola Davis, y a Sonny Vaccaro (Damon), que así no serán eclipsados por la estrella. Es una peli sobre Jordan, sin Jordan.
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Aporta, además, una cuadrilla de personajes bien diseñados para hacer atractivo un grupo diverso. El padre sonriente, el agente mezquino, el directivo que acepta el riesgo, el diseñador friki, el publicista simpaticón…
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Todo perfecto para vender el producto. Dando al espectador lo que quiere. Una historia que acaba bien, con un epílogo en el que todos han salido ganando, se han hecho ricos y han realizado obras de caridad.
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El sueño americano llevado a la cumbre. Tener éxito, ganar mucho dinero, conseguir la felicidad.
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El capitalismo da la felicidad, pero debe quedar claro que solo a unos pocos. El trabajo esclavo de fabricar esos millones de zapatillas, como se dice en la película, en Taiwán o Corea, ahora sería Vietnam y China, con jornadas maratonianas con salarios ínfimos, sería la otra cara de la moneda del capitalismo. Para que unos pocos obtengan el sueño americano muchos millones tiene que llevar una vida miserable.
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Ben Affleck está interesado en ofrecernos la cara A de esta historia y lo hace de manera muy comptetente.
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Todos esos millones de personas aficionados al baloncesto que no son Michael Jordan se conformarán con llevar las mismas zapatillas que él.
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Consumirán, a un precio superior, ese calzado solo porque lleva el nombre de los héroes del siglo XX y XXI, esos dioses que son los deportistas de élite, a los que se admira e idolatra por meter canastas o goles, no por ser listos, o generosos, o grandes pensadores sino por sus condiciones físico deportivas.
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Así es el mundo actual. Así funciona el capitalismo.
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Mi puntuación: 7,30/10.
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Dirigido por Ben Affleck:
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Ficha:
Duración: 01h 52 min
Género: Biográfico | Drama
Título original: Air
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 05-04-2023
País: EE.UU.
Dirección: Ben Affleck
Intérpretes: Jason Bateman, Matt Damon, Ben Affleck, Chris Messina, Gustaf Skarsgård, Viola Davis, Marlon Wayans, Chris Tucker, Jessica Green, Matthew Maher, Julius Tennon, Barbara Sukowa, Joel Gretsch, Dan Bucatinsky
Guión: Alex Convery
Fotografía: Robert Richardson
Producción: Ben Affleck, Matt Damon
Distribuye en cine: Warner
Distribuye en formato doméstico: Amazon Prime Video
Lo más interesante de este documental es el debate que me presenta sobre la pornografía.
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Está claro que la gran diferencia, que hace que un vídeo porno sea lícito o no, es el consentimiento de las partes. Si no hay consentimiento es ilegal y reprobable.
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Nos muestra los diferentes puntos de vista en el conflicto que se ha planteado con esta web de vídeos de contenido sexual, que yo no conocía.
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Por un lado los (puritanos) que pretenden eliminar la web, porque puede difundir porno infantil y vídeos sin el consentimiento de las víctimas, y los que defienden la pornografía como método de diversión y esparcimiento generador de empleo para los artistas.
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Está claro que una empresa si ve negocio le puede dar igual el contenido que se difunda. Eso es deleznable, pero el control de la red es muy complejo y por ello se deben de poner todos los medios posibles para evitarlo y minimizarlo al máximo.
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El documental está bien, sobre todo, porque me ha dado a conocer aspectos que no había sospechado.
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Hecho en falta la presencia de más Porno Stars.
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Mi puntuación: 5,88/10.
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Dirigido por Suzanne Hillinger:
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Ficha:
Título original
Money Shot: The Pornhub Story
Año
2023
Duración
94 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Suzanne Hillinger
Reparto
Música
Kyle Scott Wilson
Fotografía
Iris Ng
Compañías
Jigsaw Productions. Distribuidora: Netflix
Género
Documental | Sexualidad y pornografía. Internet / Informática
No es una película del video juego. Es una película de cómo se consiguieron las patentes de Tetris para el resto del mundo.
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También es un retrato de la época final de la Unión Soviética y de la corrupción que había carcomido los ideales del comunismo.
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El libre mercado, el capitalismo acabó venciendo al llamado socialismo real.
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La película juega a ser comedia con estructura de thriller y cine de espías.
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La fotografía es sensacional. Retratando una URSS triste y gris.
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La trama central de la compra de los derechos del video juego es solo un pretexto para contar todo lo demás.
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Su protagonista Taron Egerton, que da vida a Henk Rogers, es el único que parece optar por una posición ética, dentro del modelo del mercado.
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Magnífico el personaje de Alexey Pajitnov, como ese genio informático, al que pone presencia Nikita Efremov. Todo un acierto.
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Me ha divertido mucho y me ha mantenido en tensión.
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Conclusión: la que manda es la pasta.
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Voy a jugar un ratillo al Tetris.
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Mi puntuación: 8,23/10.
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Dirigido por Jon S. Baird:
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Ficha:
Duración: 01h 58 min
Género: Biográfico | Drama
Título original: Tetris
Año: 2023
Fecha de estreno en España en Apple TV+: 31-03-2023
País: EE.UU.
Dirección: Jon S. Baird
Intérpretes: Taron Egerton, Nikita Efremov, Toby Jones, Sofya Lebedeva, Matthew Marsh, Ben Miles, Rick Yune, Roger Allam, Ayane, Ieva Andrejevaite, Anthony Boyle, Togo Igawa, Oleg Stefan, Ken Yamamura, Ayane Nagabuchi
Guión: Noah Pink
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Alwin H. Küchler
Producción: Matthew Vaughn, Claudia Schiffer
Distribuye en formato doméstico: Apple TV+
Una película sensiblera, empalagosa y torpe para ofrecer un mensaje manipulador.
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La bondad de todos los personajes, rodeados de un sentimentalismo edulcorado, producen en mí un intenso sentimiento de rechazo.
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No es posible que en una historia como ésta, todo absolutamente todo sea tierno y benigno. El único conflicto es saber cual de los personajes va a llorar más y va a manifestar más humanidad.
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La película nos lleva hacia el mensaje que he expuesto en la portada.
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Es un telefilm infame, no por su mensaje, que es perfectamente respetable y que puedo compartir, sino por la terrible e insufrible manipulación a la que es sometido el espectador.
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No hay personas tan íntegras en la vida real.
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Uno de los personajes se dedica a grabar con su móvil todas las escenas conmovedoras e íntimas, en una especie de pornografía sentimental, que me parece deleznable.
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Una de las peores películas que he visto en mi vida.
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Absolutamente infumable.
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Mi puntuación: cero patatero/10.
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Dirigido por Kevin Peeples:
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Ficha:
Duración: 02h 00 min
Género: Drama
Título original: Lifemark
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: EE.UU.
Dirección: Kevin Peeples
Intérpretes: Raphael Ruggero, Kirk Cameron, Rebecca Rogers, Dawn Long, Justin Sterner, Alex Kendrick, Lowrey Brown, Marisa Lynae Hampton, Isabelle Almoyan, Melissa Coles, Elleina Papageorgiou, Harlen Ernest
Guión: Kevin Peeples, Alex Kendrick, Stephen Kendrick
Música: Kyle McCuiston
Fotografía: Bob Scott
Distribuye en cine: European Dreams Factory
La película francesa de esta semana no aporta grandes novedades.
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Un grupo de antiguos amigos se reúnen en la zona de la Champagne, a beber vinos y cotillear.
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El eje argumental, además de las diferentes relaciones personales, es la aparición de la joven novia de uno de estos maduritos.
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Una chica que es el objeto de mofa y ataque de, especialmente, las mujeres del grupo.
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Pretende ser una dramedia de tono desenfadado.
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Ofrece poco y aporta menos.
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La he visto con cierta desgana, pero no la condeno. No aporta nada, tampoco ofende.
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Me compadezco de la joven Christine (Claire Chust), una corderita en medio de una manada de lob@s.
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Hay oda a la amistad y todo eso… que ya hemos visto mil y una veces.
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Mi puntuación: 4,98/10.
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Dirigido por Nicolas Vanier:
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Ficha:
Duración: 01h 32 min
Género: Comedia
Título original: Champagne!
Año: 2022
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: Francia
Dirección: Nicolas Vanier
Intérpretes: Elsa Zylberstein, Stéphane De Groodt, Eric Elmosnino, Valérie Karsenti, François-Xavier Demaison, Sylvie Testud, Stefi Celma, Marie-Julie Baup, André Penvern, Claire Chust, Arielle Sémenoff, François Berléand
Guión: Nicolas Vanier, Xavier Nemo
Música: Matteo Locasciulli, Sylvain Goldberg
Fotografía: Eric Guichard
Distribuye en cine: A Contracorriente
“Primera parte de la obra dedicada a la vida del gángster Jacques Mesrine, alias “el hombre de las mil caras”, una auténtica leyenda del crimen. Siendo soldado en Argelia, fue perdiendo sus escrúpulos al tener que aplicar en los interrogatorios los brutales métodos del ejército francés. Al regresar a Francia, la reincorporación a la vida cotidiana se le hizo difícil. Con la ayuda de un amigo se introdujo en el mundo de la delincuencia y, en poco tiempo, pasó de ser un sicario a convertirse en un poderoso gángster”.
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Impresionante el retrato que recrea Vincent Cassel de este delincuente despiadado.
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Tal vez, llevara en su interior un psicópata, o, tal vez, aprendió a serlo, cuando se dedicó a la tortura en la Guerra de Argelia.
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Entonces mataba legalmente para defender el colonialismo patrio, cuando lo hace por sus intereses se convierte en el enemigo público número uno.
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Hay escenas impactantes que no podré olvidar, como cuando lleva la violencia machista al paroxismo con su esposa española, una estupenda Elena Anaya.
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Mal dibujado queda el personaje de Cécile De France. Cuando la película llega a esas alturas del metraje se vuelve más inconexa y fugaz, no pierde ritmo, pero sí profundidad.
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Estoy haciendo un pequeño ciclo sobre Jean-François Richet, el director, productor y guionista francés que creció en Meaux, un suburbio al este de París.
Título original
Mesrine: L’instinct de mort
Año
2008
Duración
113 min.
País
Francia
Dirección
Jean-François Richet
Guion
Abdel Raouf Dafri. Novela: Jacques Mesrine
Reparto
Música
Marco Beltrami, Marcus Trumpp
Fotografía
Robert Gantz
Compañías
Coproducción Francia-Italia-Canadá; La Petite Reine, 120 Films, M6 Films, Pathé, Canal+, TPS Star, Novo RPI
Género
Thriller | Biográfico. Crimen. Robos & Atracos. Años 50. Años 60
Su antecesora fue una película modesta que hizo una floja recaudación, pero con los años se fue convirtiendo en una película apreciada por los seguidores de la ciencia ficción.
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Por eso se decide producir esta secuela, que contó con un abultado presupuesto de unos 100 millones de dólares, con los que se realizaron unos magníficos efectos especiales.
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En los USA salvó los trastos por poco, pero en el resto del mundo fue un exitazo muy taquillero.
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Cameron se desenvolvió en su salsa, con un presupuesto a la medida de su megalomanía, creando una película compleja y tremendamente novedosa en su estructura y propuesta.
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Impresionante Linda Hamilton, que en estos siete año,s de una `película a otra, se transformó en una guerrera implacable, atormentada y tenaz que produce cierto miedo en espectadores sensibles como yo.
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Un acierto el personaje de metal líquido que ha pasado a la historia del cine. El T-1000 al que da vida Robert Patrick.
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La película denuncia el trato en los psiquiátricos que pretenden la docilidad del paciente, más que su tratamiento y curación.
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Se nos ofrece un psiquiatra sin piedad, el Dr. Silberman (Earl Boen), que ya fue presentado en la película de 1984. Tan odioso que nos alegra la violencia de Sarah hacia él.
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Estupenda la relación entre el joven Jonh y el Terminator salvador. Es formidable cómo el niño alecciona al adulto robot en las cosas prácticas de la vida y en la moral.
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La película tiene un claro mensaje advirtiendo de los peligros de la inteligencia artificial.
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Afortunadamente, de momento, Skynet no se ha hecho con el poder. Ya tenemos a Putin y a Zelensky para generar conflictos.
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La peli es extraordinaria, nos mantuvo a los tres pegados en los asientos, sin pestañear.
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¿Qué bien hace Arnold Schwarzenegger de robot!
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Luca 10/10.
Leo: 10/10
Mi puntuación: 9,22/10.
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Dirigido por James Cameron:
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Ficha:
Duración: 02h 34 min
Género: Acción | Ciencia ficción
Título original: Terminator 2: Judgment Day
Año: 1991
País: EE.UU.
Dirección: James Cameron
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong, Robert Patrick, Earl Boen, Joe Morton, Terrence Evans, S. Epatha Merkerson, Jenette Goldstein, Xander Berkeley, Castulo Guerra, Danny Cooksey
Guión: James Cameron, William Wisher Jr.
Música: Brad Fiedel
Fotografía: Adam Greenberg
Distribuye en formato doméstico: Universal
Ese dicho, ciertamente rancio, de nunca segundas partes fueron buenas, aquí claramente no se cumple. La 2 es mucho mejor.
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Pero hablemos de esta primera entrega.
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Me llama la atención lo cutres que son las imágenes del futuro, que ahora es nuestro presente. Esos robots bélicos son muy de palo y cantan la traviata.
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Me encanta el look ochentero de una blandita Linda Hamilton, dando vida a Sarah Connor. Impresionante la transformación que sufre en la segunda entrega.
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Tiene emoción e intensidad, pero queda anulada por la brillantez de su secuela.
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Luca: 9,5/10
Leo: 9/10
Mi puntuación: 6,88/10.
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Dirigido por James Cameron:
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Ficha:
Duración: 01h 47 min
Género: Acción
Título original: The Terminator
Año: 1984
País: EE.UU.
Dirección: James Cameron
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Michael Biehn, Linda Hamilton, Paul Winfield, Lance Henriksen, Bess Motta, Earl Boen, Rick Rossovich, Dick Miller, Shawn Schepps, Bill Paxton, Franco Columbu
Guión: James Cameron, Gale Anne Hurd
Música: Brad Fiedel
Fotografía: Adam Greenberg
Producción: Gale Anne Hurd
Distribuye en formato doméstico: Sony
Interesantísimo documental en el que se nos cuenta la biografía de los inicios del director y se nos presentan sus películas más importantes.
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Muchas de las suposiciones sobre la adolescencia y juventud de Steven, que se proponía en la magnífica Los Fabelman, se ven confirmadas por las declaraciones del propio protagonista y de sus hermanas.
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Enternecedor ver a los padres reconciliados en la vejez.
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Un documental estupendo que los amantes del cine de este grandísimo director sabemos apreciar aún más.
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Mi puntuación: 7,88/10.
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Dirigido por Susan Lacy:
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Ficha:
Duración: 02h 27 min
Género: Biográfico | Documental
Título original: Spielberg
Año: 2017
Fecha de estreno en España en HBO Max: 08-10-2017
País: EE.UU.
Dirección: Susan Lacy
Guión: Susan Lacy
Fotografía: Ed Marritz, Samuel Painter
Distribuye en formato doméstico: HBO Max
Remake de “Asalto a la comisaría del distrito 13” (1976), dirigida por John Carpenter, que a su vez estaba inspirada en “Río Bravo” (1959), de Howard Hawks, de la que el propio Hawks había realizado un remake en 1966 (“El Dorado“).
Violencia, tensión y policías corruptos, componen la esencia de esta película, que me mantuvo pegado al asiento en todo momento.
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Los casi veinte años desde su estreno no parecen ser un lastre a esta película, que me ha entretenido mucho.
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Ethan Hawke da bien el tipo de sargento torturado por sus errores que tiene que enfrentarse a sus miedos y a un enemigo muy superior, al que le puede entregar la vida en sacrificio, pero no no sus principios morales.
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Formidables las presencias de Maria Bello y Drea de Matteo, con papeles potentes, pero que vistos desde este 2023 parecen un poco trasnochados.
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Estupendo Laurence Fishburne haciendo de malo y Gabriel Byrne de más malo.
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Mi puntuación: 7,22/10.
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Dirigido por Jean-François Richet:
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Ficha:
Duración: 01h 49 min
Género: Acción
Título original: Assault On Precinct 13
Año: 2005
Países: EE.UU., Francia
Dirección: Jean-François Richet
Intérpretes: Ethan Hawke, Laurence Fishburne, Maria Bello, Gabriel Byrne, John Leguizamo, Ja Rule, Drea de Matteo, Kim Coates, Brian Dennehy, Matt Craven, Aisha Hinds, Currie Graham, Fulvio Cecere, Tig Fong, Peter Bryant, Hugh Dillon, Jessica Greco, Jasmin Geljo
Argumento: John Carpenter (película original)
Guión: James DeMonaco
Música: Graeme Revell
Fotografía: Robert Gantz
Distribuye en formato doméstico: Universal
Se nos narra en dos tiempos problemas relacionados con la prostitución y el abuso de mujeres excluidas.
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Por un lado la biografía de Antonia Mª de Oviedo y Schönthal (Alexandra Ansidei), conocida también como Madre Antonia (Lausana, 16 de marzo de 1822 – Ciempozuelos, 28 de febrero de 1898) fue la fundadora, junto a José María Benito Serra, de la Congregación de las Hermanas Oblatas del Santísimo Redentor. La Iglesia católica le concedió el título de Venerable el 7 de julio de 1962.
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Por otro las inquietudes sociales de Rebeca (Paula Iglesias), una profesora que se interesa por la madre de una alumna, Sharik (Toyemi), dedicada a la prostitución como método de subsistencia.
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La parte centrada en la Venerable Madre, en el siglo XIX, resulta episódica y algo impostada. No colabora a darle intensidad su protagonista.
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La trama narrada en este tiempo es más certera, planteando conflictos personales y sociales interesantes.
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Me hace gracia ver a Ruth Gabriel dando vida, de manera eficaz, a la regente María Cristina.
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La he visto con interés, a pesar de sus defectos, me parece interesante.
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Mi puntuación: 5,55/10.
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Dirigido por Antonio Cuadri:
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Ficha:
Género: Drama
Título original: Si todas las puertas se cierran
Año: 2023
Fecha de estreno en España en cines : 14-04-2023
País: España
Dirección: Antonio Cuadri
Intérpretes: Alexandra Ansidei, Toyemi, Paula Iglesias, Roberto Álvarez, Pastora Vega, Ruth Gabriel, Carlos Iglesias, Gonzalo Trujillo, Eloisa Vargas, Daniela Ceñera, Jacobo Muñoz, Ignacio Ysasi, Marisa Cotolí, Madele Tónzhéze, Noelia Marló, Javier Ruiz Bobillo, Montse Rangel, Olivia Martin
Guión: Claudio Crespo, Antonio Cuadri, Inmaculada Ruiz de Baluguera, Marisa Cotolí
Música: Jesús Calderón
Fotografía: Rubén D. Ortega
