Spin-off de “The Mandalorian” centrado en el cazarecompensas Boba Fett y su lugarteniente Fennec Shand, que vuelven al planeta Tatooine lidiando con el inframundo galáctico para reclamar el territorio que en su día gobernó Jabba el Hutt.
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Me entristece haber leído críticas negativas de esta magnífica serie.
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Me entusiasma que esté repleta de referencias a la saga.
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Me encantan las apariciones, para mí inesperadas, de grandes personajes de Star Wars.
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En muchos momentos se convierte en un werstern espacial.
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Su final épico me ha atado al asiento.
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Me ha sabido a poco. Quiero más.
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Tengo abiertos dos proyectos por un lado ver todas las pelis de Buñuel. Por otro revisitar los mejores musicales de la historia del cine.
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Cuando termine estos dos asuntos, que supongo que será para finales de año voy a realizar un ciclo sobre el Star Wars canónico en orden cronológico de la historia, no de los estrenos en pantalla.
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Mi puntuación: 9,03/10.
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Lo próximo de esta saga:
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‘Obi- Wan Kenobi’– Serie
A lo largo de seis capítulos recuperaremos al personaje diez años después de los acontecimientos de ‘Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith’, tras la conversión de Anakin Skywalker al lado oscuro.
Fecha de estreno: 25 de mayo en Disney+.
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‘Ahsoka‘ – Serie
Esta serie spin-off de ‘The Mandalorian‘ se centrará en las aventuras de la jedi Ahsoka Tano (Rosario Dawson), quien en su momento fuera aprendiz de Anakin Skywalker antes de que éste se transformara en Darth Vader.
De momento poco se sabe del proyecto más allá de que será escrito por Dave Filoni (el responsable de dar continuidad a la línea temporal de ‘The Mandalorian‘) y que supondrá el muy esperado regreso de Hayden Christensen.
Fecha de estreno: Sin confirmar. Prevista para el verano 2022, en Disney+.
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‘The Mandalorian‘: Temporada 3 – Serie
La primera serie en acción real de Star Wars continuará una nueva temporada de la mano de sus creadores, Jon Favreau y Dave Filoni.
Después del impactante final de la segunda temporada todos los acontecimientos de esta nueva entrega se mantienen en secreto pero con la combinación de Luke Skywalker, Baby Yoda y Mando es posible que la temporada conecte la trilogía clásica con la de ‘El despertar de la fuerza‘.
Fecha de estreno: Sin confirmar. Prevista para 2022/2023, en Disney+.
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‘Andor’ – Serie
El primer spin-off de ‘Rogue One: una historia de Star Wars‘ será esta serie precuela con Cassian Andor (Diego Luna) como protagonista.
En un tono de thriller de espías, la serie seguirá las aventuras del personaje durante sus años de formación con La Rebelión, justo antes de los eventos de ‘Rogue One‘.
Fecha de estreno: Sin confirmar. Prevista para 2022, en Disney+.
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‘Star Wars: A Droid Story‘ – Serie
La primera serie protagonizada por los inseparables R2D2 y C3PO.
Los icónicos droides protagonizarán un viaje épico para cumplir una misión secreta y presentarán a un nuevo héroe de la saga.
Fecha de estreno: Sin confirmar. En Disney+.
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‘The Acolyte‘ – Serie
Leslye Headland (‘Russian Doll‘) se pone al mando de esta serie de Star Wars en clave de thriller.
La historia se adentrará por primera vez plenamente en los oscuros secretos de la Fuerza para relatar cómo emergió el lado oscuro durante los últimos días de la Alta República.
Fecha de estreno: Sin confirmar. Prevista para 2023, en Disney+.
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‘Lando‘ – Serie
Tras interpretar al sinvergüenza Lando Calrissian en ‘Han Solo: Una historia de Star Wars‘, Donald Glover podría recuperar al carismático personaje.
La serie correrá a cargo de Justin Simien, el creador de ‘Dear White People‘.
Fecha de estreno: Sin confirmar.
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Star Wars: La película de Taika Waititi
Taika Waititi está trabajando en un guion propio para realizar otra película de Star Wars, del que se sabe muy poco por el momento.
El director conoce la saga de primera mano por su labor en ‘The Mandalorian‘, donde ha puesto la voz de IG-11 y dirigido uno de los mejores episodios de la primera temporada.
Fecha de estreno: Sin confirmar.
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Jon Favreau (Creador):
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Ficha:
Título original
The Book of Boba Fett
Año
2021
Duración
50 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Jon Favreau (Creador), Dave Filoni (Creador), Jon Favreau, Dave Filoni, Bryce Dallas Howard, Robert Rodriguez, Steph Green, Kevin Tancharoen
Guion
Jon Favreau, Noah Kloor, George Lucas, Dave Filoni. Personajes: George Lucas
Música
Ludwig Göransson, Joseph Shirley
Fotografía
David Klein, Dean Cundey, Paul Hughen
Reparto
Temuera Morrison, Ming-Na Wen, Matt Berry, David Pasquesi, Carey Jones, Frank Trigg, Collin Hymes, Jennifer Beals, Marlon Aquino, Andrea Bartlow, Leilani Shiu, Pedro Pascal, Sophie Thatcher, ver 26 más
Productora
Lucasfilm, Golem Creations. Distribuidora: Disney+
Género
Serie de TV. Aventuras. Ciencia ficción | Western futurista. Star Wars. Spin-off
Buñuel compone, en esta segunda peli de su etapa mexicana, una comedia moral.
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Un guion ya cerrado basado en la obra de Adolfo Torrado, creado por los hermanos Janet Alcoriza yLuis Alcoriza, que el aragonés apenas modificó.
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Rodada en tan solo 18 días ajustándose al presupuesto y al tiempo. Un gran éxito de público. Todo ello le permitió seguir haciendo pelis.
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La peli funciona por que todo está enfocado para que el espectador entre en el juego de la comedia. Situaciones disparatadas e increíbles, actuaciones exageradas y un desarrollo burlesco.
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Siendo una peli del director de Calanda me pasé la peli buscando referencias surrealistas.
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No hay gallinas, ni planos extraños insertados.
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Como mucho detectar en la primera escena algo de genialidad en esas piernas enredadas en un rincón de una celda por un grupo de borrachos.
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La declaración entre el electricista Pablo (Rubén Rojo) y la bellísima Virginia (Rosario Granados) es totalmente atípica. Mientras se toman un polo de chocolate y sin beso final, que eran tan detestados por Buñuel.
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Cómicas y surrealistas son las locuciones que Pablo hace desde su vehículo para anunciar productos extravagantes.
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También tiene un toque del director la boda en la que las voces del cura y del megáfono se entremezclan.
“…la castidad en el matrimonio…”, “…únicamente las que usan medias Suspiro de Venus…”…
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La peli tiene un aire buenista que me ha recordado a Frank Capra.
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Me ha divertido.
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Mi puntuación: 7,22/10.
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Dirigido por Luis Buñuel:
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Ficha:
Duración
92 min.
País
México
Dirección
Luis Buñuel
Guion
Janet Alcoriza, Luis Alcoriza. Obra: Adolfo Torrado
Música
Manuel Esperón
Fotografía
Ezequiel Carrasco (B&W)
Reparto
Fernando Soler, Rosario Granados, Andrés Soler, Rubén Rojo, Gustavo Rojo, Maruja Grifell, Francisco Jambrina, Luis Alcoriza, Antonio Bravo, Antonio Monsell, María Luisa Serrano
Productora
Ultramar Films
Género
Comedia | Comedia negra
Mickey metiendo la pata, dinosaurios, Zeus en chancletas, Thanos repartiendo oscuridad.. todo con música clásica.
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Recuerdo perfectamente cuando mi padre me llevó a verla al Cine Dorado cuando tendría 8 años, en una de esas reposiciones Disney, que eran el pan de cada día en aquellos años.
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Una peli de Disney en pantalla grande era un plan excelente.
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Pero yo, necesitado de historias, me vi sorprendido con una peli que se salía de lo convencional, que combinaba música clásica e imágenes.
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Lo cierto es que me aburrió, aunque me debió de impactar, porque después de más de cincuenta años aún la recordaba.
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Mi padre, un eterno aspirante a cultureta, salió entusiasmado. Me miró con cara de desprecio cuando di mi opinión. Nunca olvidaré ese rostro.
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La revisito en la tarea autoimpuesta de ver los musicales más emblemáticos de la historia del cine, en cuya lista no puede faltar este film. Sin duda.
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Es una peli de episodios.
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“Tocata y fuga en re menor” de Bach (arreglo para orquesta sinfónica por Stokowski de la versión original para órgano). La animación consiste en dibujos animados abstractos que mezclan el cielo y varias formas geométricas, inspiradas por el trabajo del artista abstracto alemán Oskar Fischinger.
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“El cascanueces” de Piotr Ilich Tchaikovsky evocando las cuatro estaciones:
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Danse de la fée Dragée: hadas y elfos depositan rocío, colores de otoño o escarcha en lo bajo del bosque.
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Danza china: un pequeño hongo no consigue entrar en el círculo.
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Danza de los mirlitons: flores que caen al agua.
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Danza árabe: ballet de peces.
. Danza rusa (Trépak): con cardos cosacos y orquídeas campesinas rusas.
. Baile de las flores: donde elfos y hojas de otoño bailan hasta el invierno, en compañía de copos de nieve.
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En “El Aprendiz de Brujo” (P. Dukas), Mickey Mouse, discípulo de un mago, se mete en un gran embrollo, pues sus conocimientos de magia son muy limitados.
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“La Consagración de la Primavera” (Stravinsky) cuenta la historia de la evolución, desde los seres unicelulares hasta la extinción de los dinosaurios.
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“Sinfonía Pastoral nº 6”(Beethoven). La secuencia presenta una sucesión de dioses y criaturas de la mitología greco-romana: Familia Divina, Pegaso, Baco y un asno, pequeños ángeles alados, centauros machos y hembras, Iris, Zeus, Vulcano, Helios y Diana.
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“La Danza de las Horas” (Ponchielli) es un fragmento de un ballet cómico interpretado por elefantes, hipopótamos, cocodrilos y avestruces.
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“Una Noche en el Monte Pelado” de Mussorgsky y el “Ave Maria” de Schubert describen el enfrentamiento entre la oscuridad y la luz.
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Me ha interesado mucho más que de niño, lógicamente.
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La que ha quedado más anticuada es la representación de La Pastoral deBeethoven. La presentación de los personajes mitológicos tiene un dibujo, un trazo más infantil, que ha quedado obsoleto, pero a mí es posiblemente la que más me ha gustado. Es ideal para ir reconociendo la fauna mitológica romana.
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La he soportado, pero no me ha entusiasmado. No levanta en mí las pasiones que a otros melómanos. Tal vez no sea demasiado aficionado a la música o mi recuerdo infantil lastra mis impresiones actuales.
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Mi puntuación: 7,03/10.
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Dirigido por James Algar:
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Ficha:
Duración
120 min.
País
Estados Unidos
Dirección
James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe Jr., Norman Ferguson, Jim Handley, T. Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts, Paul Satterfield, Ben Sharpsteen
Guion
Joe Grant, Dick Huemer
Música
Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, Igor Stravinsky, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Paul Dukas, Franz Schubert, Modest Mussorgsky
Fotografía
Animación, James Wong Howe
Reparto
Animación, Leopold Stokowski, Deems Taylor
Productora
Walt Disney Productions. Distribuidora: RKO Radio Pictures
Género
Animación. Musical. Fantástico. Infantil | Música. Cine familiar. Mickey Mouse. Película de episodios
El poder de la imagen y el texto al servicio de la información.
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En la transición me leí La guerra civil española de Hugh Thomas. Me interesaba el tema del que no sabía nada.
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En el colegio nada se nos había hablado de lo que se llamaba Guerra de Liberación nacional.
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De hecho cuando en la segunda mitad de los setenta se empezó hablar de Guerra Civil pensaba que era la que padecimos contra las tropas napoleónicas.
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Desde entonces he intentado descubrir la historia que no se me contó en el colegio.
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El formato cómic me resulta muy agradable porque hace comprensible y entretenido lo que podría ser un ladrillo.
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Mi sorpresa ha sido inmensa al leer este cómic histórico.
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He disfrutado con un texto comprensible e inteligente y unos dibujos didácticos e ilustrativos, que a pesar de su aparente simplicidad trasmiten bien sentimientos e información.
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Maravillado por lo que me ha entretenido y servido para afianzar conocimientos e ideas y atormentado por la escabechina que vivimos los españoles hace casi un siglo y que se prolongó durante toda la Dictadura.
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Mi puntuación: 10/10.
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Texto de Paul Preston y dibujos de José Pablo García:
Una Presidenta de la República francesa enferma. Un candidato de la ultraderecha desafiante que se ve ganador. Un candidato de la derecha republicana, salpicado por la corrupción, tosco y cretino. Una trama de dinero sucio que se va a destapar, con el patrocinio de Moscú, para dar la victoria a quien hará que se pierdan los principios republicanos de igualdad, libertad y fraternidad.
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Impresiona ver agonizante a Léa Drucker como Madame la présidente Isabelle de Raincy que necesita transfusiones y oxígeno al igual que la nación que representa.
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El buen planteamiento inicial no se continua con una peli a la altura, pero el retrato de la democracia es patético, triste, desolador, agónico.
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Cine político pesimista y triste. Tal vez, real.
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Mi puntuación: 6,84/10.
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Dirigido por Diastème:
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Ficha:
Duración
89 min.
País
Francia
Dirección
Diastème
Guion
Diastème. Novela: Stefan Zweig
Música
Valentine Duteil
Fotografía
Philippe Guilbert
Reparto
Léa Drucker, Denis Podalydès, Alban Lenoir, Benjamin Biolay, Emma de Caunes
Productora
Fin Août Productions
Género
Drama | Política
El tema es casi calcado a la peli de Manolo Martín Cuenca, La hija.
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Las comparaciones son inevitables.
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Lo tengo diáfano. Gana por goleada la peli del año pasado de Martín Cuenca.
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Fran Torres debuta en el largo con una peli que resulta interesante, pero que naufraga en su tramo final, por falta de coherencia argumental.
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Apunta aspectos interesantes en esa relación de ama-esclava que se establece, a pesar del ventajoso contrato para ambas partes, pero no termina desarrollándolos de manera eficaz y atractiva.
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Esto que se plantea, a mi entender, no es una maternidad subrogada, sino el secuestro durante la gestación para la “cesión” en adopción después del parto.
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En cualquier caso se establece en estas “transacciones” una relación de poder, de domino económico y moral por una de las partes, absolutamente deleznable y miserable.
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Seguro que a Fran Torres le sale mejor la siguiente peli.
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Ésta La jefa no es tampoco despreciable y se deja ver.
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Buenas interpretaciones de la veterana Aitana Sánchez-Gijón y de la recién llegada Cemelen Sanz.
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Excelente el retrato de personajes secundarios que componen de abogado Pedro Casablanc y de obstetra Vanesa Rasero.
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Mi puntuación: 6,23/10.
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Dirigido por Fran Torres:
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Ficha:
Duración
109 min.
País
España
Dirección
Fran Torres
Guion
Laura Sarmiento
Fotografía
Ángel Iguacel
Reparto
Aitana Sánchez-Gijón, Cumelen Sanz, Pedro Casablanc, Younes Bachir, María Fernández Prat, Vanesa Rasero, Alex Pastrana
Productora
Feel good Media, Republicana de Cine
Género
Drama | Maternidad
Los franceses atacan con otra comedia romántica (cárnica).
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Comedia romántica con el esquema habitual, pero esta vez no son jovencitos sino maduritos.
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Un fornido carnicero y una estirada periodista de moda. Agua y aceite.
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La peli hace una apología de la carne obtenida de granjas de ganadería extensiva que alimentan a sus animales con productos naturales y de calidad.
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La trama avanza a trompicones con elementos cómicos, generalmente, chirriantes que no funcionan.
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No llega a ser insoportable como otros productos galos de esta calaña, pero se termina con la terrible sensación de haber perdido el tiempo.
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El resultado de la combinación entre los dos protagonistas, Géraldine Pailhas y Arnaud Ducret, da cero patatero, o mejor cero carnicero.
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Mi puntuación: 4,03/10.
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Dirigido por Christopher Thompson:
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Ficha:
Duración
91 min.
País
Francia
Dirección
Christopher Thompson
Guion
Fabrice Roger-Lacan, Christopher Thompson
Música
Arthur Simonini
Fotografía
Rémy Chevrin
Reparto
Geraldine Pailhas, Arnaud Ducret, Alison Wheeler, Stéphane De Groodt, Jean-François Stévenin, Antoine Gouy, Elisa Ruschke, Gigi Ledron, Mahault Mollaret, Anne Le Ny, Hervé Briaux, Antony Hickling, Nathanaël Bez, ver 11 más
Productora
Coproducción Francia-Bélgica; Les Films du Cap, MM Films, G Films. Distribuidora: Orange Studio Cinéma, UGC Distribution, Other Angle Pictures
Género
Romance. Comedia | Comedia romántica
Comienza la etapa mexicana de Buñuel. Melodrama con pinceladas surrealistas.
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Estamos ante la primera película mexicana de Buñuel.
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El interés del aragonés en hacer una peli que funcionara en taquilla era máximo. Quería seguir trabajando en el país.
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Don Luis se esforzó al máximo. No se pasó de presupuesto y terminó el rodaje en tiempo.
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Pero la peli fue un fracaso comercial.
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Influyeron varias razones.
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Primero, la peli no se proyectó en Argentina, un mercado muy poderoso para el cine latino americano. La protagonista Libertad Lamarque era antiperonista declarada y el General la prohibió.
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Jorge Negrete, además del protagonista, era productor de la película. En aquél momento presidía el sindicato de actores enfrentado con los magnates de la industria y con los exhibidores.
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Los proyeccionistas mexicanos boicoteaban sus películas con copias de mala calidad, poniendo imágenes borrosas y sonido inadecuado.
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Aunque la peli está bien construida y contaba con dos protagonistas taquilleros, no consiguió caja y Buñuel tardó más de dos años en rodar su siguiente película.
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Buñuel había adquirido experiencia en el rodaje de películas con las tres producciones de Filmófono en España, donde ejerció de productor, pero también de director en la sombra.
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Copiaba el sistema de Hollywood, como productor enérgico y consiguiendo que se filmaran en tiempo y con el presupuesto ajustado.
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Todos sus conocimientos los aplicó en este melodrama.
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Efectivamente compone un drama con elementos musicales a cargo, sobre todo, de Negrete, pero también de la argentina Lamarque y de la mexicana Meche Barba.
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A mi modo de ver la peli tiene un cierto aire de western que plantea el enfrentamiento de un pequeño explotador petrolífero boicoteado y presionado por las grandes corporativas norteamericanas. Lo que le da también un cierto carácter social.
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La dirección de Buñuel se ciñe a un guion que no es suyo, pero que él modificaba día a día.
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Aunqe es una peli de encargo, de cine alimenticio, hay algunos rasgos que nos dejan ver un cierto sello de autor surrealista.
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En lugar de un beso, que Buñuel detestaba presentarlos en sus películas, nos ofrece un plano del chapapote.
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El asesinato de El Rayado se realiza con una pequeña estatua de la libertad y hay unos fotogramas de un reflejo en un espejo roto, que dan más dramatismo a la escena..
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Hay algún movimiento de cámara de 360º virtuosos y alguna rotura del eje, de los que Buñuel gustaba usar para desconcertar.
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Por lo demás nada destacable, salvo la presencia ocasional del Trío Calaveras, que aparecen ocasionalmente haciendo de coro a Negrete, de una manera bastante cómica y absurda, muy divertida.
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También es chocante la actuación del grupo escocés, que parece una broma de guion.
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A pesar de ser lo que es, se trata de una peli entretenida que se ve con agrado, con algún diálogo más que interesante, lastrada por un presupuesto muy cortito, donde lo que debían ser grandes exteriores son unos decorados de unos pozos de petróleo de cartón piedra, que dan bastante pena.
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Mi puntuación: 6,03/10.
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Dirigido por Luis Buñuel:
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Ficha:
Duración
101 min.
País
México
Dirección
Luis Buñuel
Guion
Mauricio Magdaleno. Novela: Michel Weber
Música
Manuel Esperón
Fotografía
Jack Draper (B&W)
Reparto
Libertad Lamarque, Jorge Negrete, Julio Ahuet, Fernande Albany, Meche Barba, José Baviera, Alfonso Bedoya, Agustín Isunza, Francisco Jambrina
Productora
Películas Anáhuac
Género
Drama. Musical
Nos volvemos a reunir, a través de Zoom, una semana más, José Luis Solano, Diego Gismero y un servidor, para hacer un repaso a la Cartelera de los Multicines Guadalajara.
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Anunciamos que los días 3, 4 y 5 de Mayo (martes, miércoles y jueves) se volverá a celebrar la Fiesta del Cine con entradas muy baratitas y cuatro sesiones por sala.
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Después comentamos un amplio abanico de películas:
Consejos sobre cómo dejar de fumar
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Existen muchas maneras para dejar de fumar.
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También hay recursos para ayudarlo.
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Su familia, amigos y compañeros de trabajo pueden servir como apoyo.
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Pero para tener éxito, usted de verdad debe tener el deseo de dejar de fumar.
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Información
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La mayoría de las personas que han sido capaces de dejar de fumar exitosamente lo intentaron al menos una vez sin éxito en el pasado.
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Trate de no ver los intentos pasados de dejar de fumar como fracasos.
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Véalos como experiencias de aprendizaje.
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Dejar de fumar o dejar de usar tabaco libre de humo es difícil, pero cualquiera puede hacerlo.
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Conozca qué síntomas debe esperar cuando deje de fumar.
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Estos se denominan síntomas de abstinencia.
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Los síntomas comunes incluyen:
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Un intenso deseo de nicotina
Ansiedad, tensión, inquietud, frustración o impaciencia
Dificultad para concentrarse
Somnolencia o problemas para dormir
Dolores de cabeza
Incremento del apetito y aumento de peso
Irritabilidad o depresión
La intensidad de los síntomas dependerá de por cuanto tiempo usted fumo.
La cantidad de cigarrillos que fumaba también influirá.
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¿SE SIENTE LISTO PARA DEJAR DE FUMAR?
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Primero fije la fecha para comenzar.
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Esta es la fecha en la que dejará de fumar por completo.
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Antes de esa fecha, usted puede comenzar a reducir el consumo de cigarrillo.
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Recuerde, que no existe un nivel seguro de consumo de tabaco.
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Haga una lista de las razones por las cuales usted quiere dejar el tabaco.
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Incluya los beneficios tanto a corto como a largo plazo.
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Identifique los momentos en los que es más propenso a fumar.
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Por ejemplo, ¿Tiende a fumar cuando está estresado o deprimido? ¿Cuándo sale en las noches con amigos? ¿Cuándo está tomando café o alcohol? ¿Cuándo está aburrido? ¿Cuándo está conduciendo? ¿Inmediatamente después de una comida o de tener relaciones sexuales? ¿Durante un descanso en el trabajo? ¿Mientras está viendo televisión o jugando cartas? ¿Cuándo está con otros fumadores?
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Comunique a todos sus amigos, familia y compañeros de trabajo su plan para dejar de fumar. Infórmeles la fecha en la que lo hará.
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Puede ayudar el hecho de que ellos sepan por lo que usted va a pasar, sobre todo cuando usted esté malhumorado.
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Deshágase de todos sus cigarrillos justo antes de la fecha en la que va a dejar de fumar.
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Limpie todo lo que huela a humo, como ropa y muebles.
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HAGA UN PLAN
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Planee lo que va a hacer en lugar de fumar en los momentos en los que es más propenso a hacerlo.
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Sea lo más específico posible.
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Por ejemplo, si en el pasado fumaba mientras tomaba una taza de café, ahora tome té.
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Es posible que el té no desencadene el deseo por un cigarrillo.
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O, cuando se sienta estresado, dé un paseo en lugar de fumar un cigarrillo.
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Deshágase de los cigarrillos del automóvil. En su lugar coloque galletas o caramelos.
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Encuentre actividades que ocupen sus manos y su mente, pero que no sean agotadoras ni engordadoras.
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Los juegos de computadora, solitario, tejer, coser y hacer crucigramas pueden ayudar.
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Si usted normalmente fuma después de comer, encuentre otras formas de finalizar una comida.
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Coma un pedazo de fruta.
Levántese y haga una llamada.
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Dé un paseo (una buena distracción que también quema calorías).
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CAMBIE SU ESTILO DE VIDA
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Haga otros cambios en su estilo de vida.
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Cambie su horario y hábitos diarios.
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Coma a horas diferentes, o consuma varias comidas pequeñas en lugar de tres grandes.
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Siéntese en una silla diferente o incluso en una habitación diferente.
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Satisfaga sus hábitos orales en formas diferentes.
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Coma apio u otro refrigerio bajo en calorías.
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Mastique goma de mascar sin azúcar.
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Chupe una rama de canela.
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Finja que fuma utilizando una pajilla en la boca.
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Haga más ejercicio.
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Camine o monte en bicicleta.
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El ejercicio le ayuda a aliviar las ganas de fumar.
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ESTABLEZCA ALGUNAS METAS
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Establezca metas para dejar de fumar a corto plazo y recompénsese cuando las logre.
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Todos los días, ponga en un frasco el dinero que normalmente gasta en cigarrillos.
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Luego, gaste ese dinero en algo que le guste.
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Trate de no pensar en todos los días que le esperan en los que necesitará evitar fumar.
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Tome las cosas un día a la vez.
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Tan solo una fumada o un cigarrillo harán que el deseo por los cigarrillos sea más fuerte.
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Sin embargo, es normal cometer errores.
Así que aun si fumó un cigarrillo, no necesita fumar el próximo.
Mantener en pie Downton Abbey supone una gran inyección de dinero. Hay que arreglar urgentemente el tejado. Por lo que se toman en serio la oferta de rodar una película entre los muros de la mansión. El dinero que les aporte irá destinado a esas reparaciones.
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Todos se vuelcan en el proyecto y algunos se implican especialmente.
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Se trata el tema del paso del cine mudo al sonoro.
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La película no tiene desperdicio es muy entretenida y divertida.
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Como siempre la ambientación, peluquería, vestuario son maravillosos; cuidando todos los detalles.
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Los diálogos entre los personajes no tienen desperdicio, de lo más divertidos.
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En general todos los intérpretes actúan estupendamente, pero, para mi gusto, la mejor es Maggie Smith dando vida a Violet Crawleyt.
Arriba, abajo, una villa francesa y las gentes del cine.
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He leído la crítica que hice en 2019 (Downton Abbey) de la secuela fílmica de la serie.
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Podría hacer un copia y pega y valdría perfectamente.
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Para valorar la peli, me tengo que abstraer del desprecio que siento hacia esa clase social parásita, vaga e indecente que vive rodeada de privilegios, incapaces de hacer nada por sí mismos, atendidos por serviles criados que disfrutan de su condición de lacayos.
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Dicho esto, que quiero quede bien clarito, Downton Abbey: A New Era es una película que se esfuerza en que empaticemos con todos los personajes y veamos como naturales las relaciones de dueño siervo que se plantean durante todo el relato.
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Unos señoritos que viven despreocupados, de fiesta en fiesta y unos criados bien alimentados, contentos con vivir en la parte más oscura de la casa.
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Pero estos ricos también lloran y tienen que alquilar su casa para que las gentes del cine rueden una peli. Podrán arreglar el tejado de ese palacio descomunal, que cuesta una fortuna mantener. Porque ser rico sale muy caro.
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Además el pasado romántico de la abuela aparece en forma de herencia de un rico galo que les deja una villa en la Riviera.
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Me gusta el aspecto dedicado al rodaje, que al igual que Cantando bajo la lluviase tiene que adaptar del mudo al sonoro.
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Los señores de la mansión consideran esto del cine una atracción de feria miserable.
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Los criados son fanáticos de un arte que nació claramente popular y que ha servido de entretenimiento y elemento culturizante de las clases populares desde su aparición en 1995.
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Aparece el doblaje como elemento necesario para corregir y mejorar una filmación.
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La llegada de las gentes del cine sirve como elemento modernizador en esa estancada compartimentación social.
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Se viven los últimos años de La Belle Epoque. Se está cerca de la debacle del 29 y la llegada de los fascismos y la guerra.
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Por otro lado es gozoso ver el contraste de la vida rígida de la aristocracia británica y el liberalismo de los ricos franceses que disfrutan con orquestas compuestas por negros y bailando el Charleston. Estos ricos galos son capaces de poner vino en su copa sin que se lo sirva un criado, para asombro del servicio británico desplazado para hacer una vida fácil a sus dueños.
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Simon Curtis trata con cariño a todos sus personajes, componiendo una peli simpática, agradable, boba, divertida, sentimentaloide, que despierta en mí emociones y empatía, moviendo la parte más visceral de mi intelecto.
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Es la típica peli de la que sales comentando: ¡qué bonita! con una sonrisa en la boca, deseando haya una tercera parte.
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No es necesario comentar que esta producción british tiene una ambientación, decorados, fotografía, vestuario, montaje y actores impecables.
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Extasiado con Michelle Dockery como Lady Mary, con Joanne Froggatt como Anna Bates y con Tuppence Middleton como Lucy Smith.
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Mi puntuación: 7,73/10.
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Dirigido por Simon Curtis:
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Ficha:
Duración
125 min.
País
Reino Unido
Dirección
Simon Curtis
Guion
Julian Fellowes. Personajes: Julian Fellowes
Reparto
Hugh Bonneville, Michelle Dockery, Imelda Staunton, Maggie Smith, Dominic West, Hugh Dancy, Laura Haddock, Nathalie Baye
Productora
Focus Features, Carnival Film & Television. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures
Género
Drama | Drama de época. Secuela
No olvidemos el legado de Anne Frank. Aprendamos del pasado.
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Kitty, la amiga imaginaria de Anne Frank, nos descubre como fue su relación con esa niña escritora y se enfrenta a como es la vida y el legado en la Europa actual.
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Se mueve entre el retrato de lo real y la ensoñación y recreación de la imaginación de Anne. Es un difícil equilibrio que, a veces confunde y chirría, pero que a mí me atrae y me conmueve.
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Ari Folman nos lo presenta con una animación elegante y sutil, ideal para la historia que quiere contar.
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No duda en establecer paralelismos entre el trato a los judíos en la Europa de los treinta y cuarenta y el que reciben los refugiados en este siglo XXI.
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Un vehículo magnífico de reflexión.
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Contrasta el apabullante homenaje que se hace a la figura de Anna, poniendo su nombre a teatros, puentes, bibliotecas y colegios, y el olvido de su mensaje de solidaridad y convivencia.
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Un peli entrañable que me ha despertado muy buenos sentimientos.
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Mi puntuación: 8,22/10.
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Dirigido por Ari Folman:
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Ficha:
Duración
99 min.
País
Bélgica
Dirección
Ari Folman
Guion
Memorias: Ana Frank
Música
Ben Goldwasser, Karen O
Fotografía
Animación, Tristan Oliver
Reparto
Animación
Productora
Coproducción Bélgica-Francia-Países Bajos (Holanda)-Luxemburgo; Samsa Film, Walking The Dog, Bridgit Folman Film Gang, Submarine, Highly Spirited, Le Pacte, Magellan Films, Purple Whale Films
Género
Animación. Drama | Biográfico. II Guerra Mundial. Nazismo. Holocausto
Impresionante el número de producciones que nos cuelan los franceses.
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Algunas con interés por ser apuestas novedosas de cierto interés y otras que no aportan nada nuevo, pero que rellenan nuestras carteleras, ya de por sí saturadas de estrenos.
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Historia de niña traumatizada por la muerte de su madre que encuentra el camino hacia su restablecimiento gracias al regalo de un cachorrillo.
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Estas historias con animales siempre se olvidan de las partes más penosas de la experiencia. Se cagan y mean por todas partes y destrozan lo que les viene en gana. Hasta que se les educa, a veces, en solo unos días, es un calvario.
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La peli tiene un tono buenista, que no demoniza a los ganaderos porque expone sus razones.
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De claro mensaje conservacionista, la he visto con agrado y no me ha ofendido su buenrollismo de base.
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Se podría decir que es cine familiar.
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Mi puntuación: 6,59/10.
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Dirigido por Denis Imbert:
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Ficha:
Duración
84 min.
País
Francia
Dirección
Denis Imbert
Guion
Mathieu Oullion, Denis Imbert, Stéphanie Vasseur
Música
Armand Amar
Fotografía
Fabrizio Fontemaggi
Reparto
Vincent Elbaz, Shanna Keil, Marie Gillain, Tchéky Karyo, Eric Elmosnino, Vincent Deniard, Eric Savin, Romain Lancry, Matthieu Warter
Productora
Radar Films, Solar Entertainment, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma, OCS, Ciné+, Gaumont, Entourage Pictures, Angoa-Agicoa, CNC
Género
Drama | Familia. Perros/Lobos
Su inicio me produce un visceral rechazo, el que siempre siento hacia las comedias francesas.
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Pero en unos pocos minutos comprendo que estoy ante una oferta iconoclasta y salvaje.
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Construida como una torpeza, que, incluso, contribuye a hacerla más divertida.
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Es una apología primero del antiveganismo y segundo de los manjares que no saboreamos por los terribles prejuicios.
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Si alguien sabe donde venden cerdo iraní, que me reserve kilo y cuarto.
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Mi puntuación: 7,23/10.
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Dirigido por Fabrice Eboué:
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Ficha:
Duración
87 min.
País
Francia
Dirección
Fabrice Eboué
Guion
Fabrice Eboué, Vincent Solignac
Música
Guillaume Roussel
Fotografía
Thomas Brémond
Reparto
Marina Foïs, Fabrice Eboué, Jean François Cayrey, Lisa Do Couto Texeira, Virginie Hocq, Victor Meutelet, Stephane Soo Mongo, Nicolas Lumbreras, Alexia Chardard, Franck Migeon, Colette Sodoyez, Ted Etienne, Roby Schinasi
Productora
Apollo Films, Chez Félix, Cinéfrance Studios, TF1 Films Production. Distribuidora: Apollo Films
Género
Comedia | Comedia negra
El talentoso Ti West mezcla con destreza elementos simbióticos del cine de terror.
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Porno y liberación sexual con esa malsana atracción hacia un mundo fascinante y cutre al mismo tiempo.
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El enfrentamiento entre el descaro de los setenta y el tradicionalismo mugriento de la América profunda.
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La sexualidad juvenil y el deseo en la tercera edad.
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Pero el elemento realmente perturbador es esa anciana deseosa de experiencias sexuales que, tal vez, disfrutó en su juventud y necesita imperiosamente revivir antes de la muerte.
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Para satisfacerse va a ser capaz de todo.
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Lo realmente chispeante es que el origen de la tragedia, no sea la venganza, ni los celos, ni la envidia… que sea a lujuria.
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Mi puntuación: 8,55/10.
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Dirigido por Ti West:
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Ficha:
Duración
105 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Ti West
Guion
Ti West
Música
Tyler Bates, Chelsea Wolfe
Fotografía
Eliot Rockett
Reparto
Jenna Ortega, Brittany Snow, Mia Goth, Kid Cudi, Martin Henderson, Owen Campbell, Stephen Ure, Geoff Dolan, James Gaylyn, Simon Prast
Productora
A24, Bron Studios, MAD SOLAR
Género
Terror | Años 70. Cine dentro del cine. Sexualidad y pornografía
Los hermanos Nee nos ofrecen una comedia de aventuras.
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No engañan y desde el principio nos meten en una sucesión absurda de los tópicos que componen los relatos de aventuras, pero con un tono paródico y jocosamente divertido.
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Se ríen, a veces, con poca gracia, de estas historias imposibles. Esa esencia de humor es lo que salva la película.
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Especialmente divertido es todo el metraje en el que interviene Brad Pitt. Esta parte es especialmente socarrona y descacharrante.
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Dentro de toda esta parodia La Bullok, sin una arruga gracias a la cirugía, está como pez fuera del agua, desconcertada y perpleja, intentando tomarse todo el asunto en serio, lo que resulta aún más gracioso.
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Desafortunadamente, Sandrita te has convertido en una caricatura.
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Estos hermanitos han compuesto un producto tan ridículo que funciona, mal que bien, como parodia crepuscular de un género, del que ya se ha visto todo.
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Mi puntuación: 5,66/10.
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Dirigido por Aaron Nee y Adam Nee:
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Ficha:
Duración
120 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Aaron Nee, Adam Nee
Guion
Dana Fox, Oren Uziel, Adam Nee, Aaron Nee. Historia: Seth Gordon
Música
Pinar Toprak
Fotografía
Jonathan Sela
Reparto
Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Brad Pitt, Oscar Nuñez, Da’Vine Joy Randolph, Patti Harrison, Raymond Lee, Bowen Yang, Joan Pringle, Héctor Aníbal, Sli Lewis, Adam Nee, Omar Patin, Marcy Jarreau
Productora
3dot productions, Exhibit A, Fortis Films Production. Distribuidora: Paramount Pictures
Género
Aventuras. Comedia. Acción | Comedia romántica
Hasta los mismísimos de los turistas. Le vamos a poner remedio.
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Álex de la Iglesia nos ofrece una peli de terror con una cámara mareante y montaje que juega a la confusión.
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No hace un mal retrato de estos jóvenes turistas y de su manera de afrontar, cada uno a su estilo, la visita a la ciudad que se hunde.
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Hay lugares en el mundo que van a perecer de éxito y los verdugos son los turistas.
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Hay una crítica hacia ese turismo basura, que yo detesto y desprecio, que pretende conocer una ciudad en un día. Es solo por el decir que se ha estado.
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Es lógico que las ciudades se rebelen ante estos insultos… y la emprendan contra los agresores.
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Álex nunca sabe acabar sus películas y aquí cae en el desconcierto al final del metraje y el tono salvaje e inquietante se transforma en melodramático.
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Me gustan mucho Ingrid García Jonsson,Silvia Alonso y Goize Blanco, las protagonistas de la peli, mucho más listas que el resto de los personajes masculinos.
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A pesar de los defectos, Álex de la Iglesia construye muy bien una trama que resulta inquietante y perturbadora y que a mí me ha enganchado.
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Mi puntuación: 7,22/10.
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Dirigido por Álex de la Iglesia:
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Ficha:
Duración
100 min.
País
España
Dirección
Álex de la Iglesia
Guion
Jorge Guerricaechevarría, Álex de la Iglesia
Música
Roque Baños
Fotografía
Pablo Rosso
Reparto
Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Alberto Bang, Cosimo Fusco, Enrico Lo Verso, Caterina Murino, Nico Romero, Armando de Razza, Nicolás Illoro, Alessandro Bressanello, Diego Pagotto
Productora
The Fear Collection, Pokeepsie Films, Sony Pictures España, Amazon Studios, Eliofilm, TLM The Last Monkey
Género
Terror | Slasher
La road movie de Dorothy para descubrir que realidad y sueños no están tan lejos.
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Revisito esta película que tanto me atrae y que no podía faltar en mi lista de Musicales emblemáticos de la historia del cine.
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En 2013 me documenté después de verla e hice estos cometarios que copio:
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El mago de Oz es uno de los grandes musicales de la historia del cine.
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Es un cuento, en parte terrorífico, lleno de ingenuidad.
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Costó casi tres millones de dólares (una auténtica fortuna para la época) pero recaudó en su fin de semana de estreno más de 5 millones.
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Victor Fleming figura como su director pero en realidad contó con cinco directores.
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Richard Thorpe filmó durante varias semanas, ninguno de los planos aparece en la película final. El estudio encontró su trabajo insatisfactorio y nombró a George Cukor temporalmente.
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Cukor no llegó a filmar escenas, sino que simplemente modificó el aspecto de Judy Garland y Ray Bolger (el espantapájaros).
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Victor Fleming se hizo cargo y rodó la mayor parte de la película, hasta que fue asignado a Lo que el viento se llevo.
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King Vidor filmó las restantes secuencias, sobre todo las piezas en blanco y negro de la película ambientada en Kansas (la tormenta y “Over the Rainbow“)
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El productor Mervyn LeRoy también dirigió algunas escenas de transición.
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Además de este baile de directores el rodaje fue de lo más accidentado, sobre todo en cuestiones de maquillaje.
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Jack Haley, el actor que interpretaba al hombre de hojalata, sufrió una grave reacción alérgica a la pintura de aluminio y tuvo que ser sustituido. La voz de las canciones pertenece a un tercer actor.
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El traje que llevaba el león cobarde (Bert Lahr) era muy pesado y producía muchísimo calor lo que obligaba a parar los rodajes con mucha frecuencia.
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El maquillaje verde de la Bruja del Oeste le produjo una quemadura en la cara…
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Se buscaron cientos de enanos para las escenas en Pequeñilandia que fueron una auténtica pesadilla. Eran muy indisciplinados y estaban bastante salidos. Se colaban en los camerinos de Judy Garland para intentar verla desnuda…
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A partir de aquí mis nuevas aportaciones.
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Está claro que Dorothy va a descubrir en este viaje por el mundo de Oz que realidad y sueños no están tan lejos.
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Aprende que los empleados en la granja pueden ser personajes de cuento que saben de sus debilidades y buscan sus remedios.
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Que un gran mago puede ser un charlatán de feria y que una vecina chismosa y desagradable es, en realidad, una bruja.
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Que los mundos paralelos convergen y llevan a la inocente Dorita a concluir que se está haciendo mayor y que su perrito Totó ya se puede dar vida por sí solo, sin que ella lo sobreproteja.
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Querría vivir en Oz y dar la mano a Dorita en ese viaje por baldosas amarillas para encontrar mis debilidades y recomponerlas.
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Mi puntuación: 8,63/10.
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Dirigido por Victor Fleming:
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Ficha:
Duración
98 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Victor Fleming
Guion
Noël Langley, Florence Ryerson, Edgar Alan Wolfe. Cuento: L. Frank Baum
Música
Herbert Stothart, E.Y. Harburg, Harold Arlen
Fotografía
Harold Rosson
Reparto
Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke, Clara Blandick, Margaret Hamilton, Charley Grapewin
Productora
Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Productor: Mervyn LeRoy
Género
Fantástico. Musical. Aventuras | Cine familiar. Cuentos. Película de culto
Uno de esos films ochenteros que han marcado a los millennials.
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Mi recuerdo sobre esta peli era muy vago. Incluso dudaba si la había visto. Pero delante de la pantalla la recordé.
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El espabilado Cornie nos relata, con tono nostálgico, la amistad de cuatro muchachos, en los años cincuenta, que van a descubrir la cara triste de la muerte.
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Cuatro personajes muy diferentes unidos por el sagrado vínculo de la amistad en esos años de adolescencia, donde se va perdiendo la inocencia.
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Reiner retrata bien los problemas de estos chicos y la voz de Cornie nos cuenta su futuro, que se vislumbra incierto en ese Oregón, América profunda, donde salir en los periódicos es lo más.
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Relato entrañable y sincero, que emociona.
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Reconozco a River Phoenix, Kiefer Sutherland, John Cusack y, por supuesto, a Richard Dreyfuss.
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Mi puntuación: 7,59/10.
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Dirigido por Rob Reiner:
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Ficha:
Duración
86 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Rob Reiner
Guion
Bruce A. Evans, Raynold Gideon. Novela: Stephen King
Música
Jack Nitzsche
Fotografía
Thomas Del Ruth
Reparto
Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O’Connell, Kiefer Sutherland, Casey Siemaszko, Gary Riley, Bradley Gregg, Jason Oliver, Marshall Bell, Frances Lee McCain, Bruce Kirby, William Bronder, ver 17 más
Productora
Columbia Pictures, Act III Productions
Género
Aventuras. Drama | Años 50. Amistad. Adolescencia. Vida rural (Norteamérica). Comedia dramática
Crónica de una devastación. Esta Iglesia es una ruina.
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Después de tres años aún no se ha llegado a ninguna conclusión respecto el origen del terrible incenció que destruyó una de las joyas del gótico francés.
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¿Una paloma, un cigarrillo, una instalación eléctrica deteriorada…?
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Jean-Jacques Annaud realiza el relato de un desastre absoluto.
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Los bomberos tardaron en llegar tres cuartos de hora y hasta pasada una hora del inicio del incendio no soltaron ni una gota de agua por sus mangueras. Más de una hora Notre-Dame ardió a lo loco.
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Annaud pretende darle un tono épico al relato, ensalzando la figura del bombero como el héroe de la jornada, cuando a mí me parece que a pesar de sus intentos es solo la historia de un fracaso de los servicios de emergencias en París.
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Mi conclusión es que visitar la capital gala es un acto de riesgo, tal vez más que hacer alta montaña.
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La peli está rodada de forma convencional. Muy correcta, pero sin que aporte, ni comunique nuevas sensaciones.
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Aún con todo resulta entretenida, aunque se hizo un pelín larga.
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Mi puntuación: 5,23/10.
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Dirigido por Jean-Jacques Annaud:
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Ficha:
Duración
110 min.
País
Francia
Dirección
Jean-Jacques Annaud
Guion
Jean-Jacques Annaud, Thomas Bidegain
Música
Simon Franglen
Fotografía
Jean-Marie Dreujou
Reparto
Élodie Navarre, Chloé Jouannet, Jesuthasan Antonythasan, Kevin Garnichat, Samuel Labarthe, Jeremie Laheurte, Maximilien Seweryn, Daniel Horn, Vassili Schneider, Sebastien Lalanne, Ava Baya, Jules Sadoughi, Tony Le Bacq, ver 7 más
Productora
Pathé, TF1 Films Production, TF1, TMC
Género
Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Bomberos
Esta nueva producción del inefable Michael Bay ha representado para mí una alargada tortura.
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Puede ser que agrade a un público deseoso de ver acción trepidante y situaciones inverosímiles tratadas con un drama insoportable, pero lamentablemente no estoy entre ellos.
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Decir que Bay mueve la cámara con oficio y que es un director competente es obvio.
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El problema para mí, es que necesito que me cuenten una historia con personajes creíbles. No puedes relatar una persecución con giros y más giros sin que detrás haya nada de interés.
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Su cámara me resulta mareante y su abigarramiento formal insoportable.
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Todo lo relacionado con lo médico es de traca.
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Cualquiera que haya hecho transporte sanitario y trabajado en ambulancias sabe lo difícil que es hacer cualquier intervención con el vehículo en marcha. Aquí son capaces de hacer una transfusión y una esplenectomía. ¿Quién da más?
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Pensándolo bien. Como lo ejecuta la bellísima Eiza González, sí es posible.
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Sr. Bay, con pelis como ésta no vamos resucitar las salas, las vamos a enterrar.
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Mi puntuación: 2,09/10.
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Dirigido por Michael Bay:
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Ficha:
Duración
136 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Michael Bay
Guion
Chris Fedak. Historia: Laurits Munch-Petersen, Lars Andreas Pedersen
Música
Lorne Balfe
Fotografía
Roberto De Angelis
Reparto
Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González, Garret Dillahunt, Moses Ingram, Keir O’Donnell, Colin Woodell, Devan Long, Chelsea Harris, Sheila Houlahan, Brendan Miller, Olivia Stambouliah, José Pablo Cantillo, ver 9 más
Productora
Universal Pictures, Bay Films, 5150 Action, Endeavor Content, New Republic Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género
Acción. Thriller. Drama | Road Movie. Robos & Atracos. Remake. Crimen
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El cine, así como cualquier otra forma de arte, ha ido evolucionando a lo largo de su historia.
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Las películas que se filmaban a finales del siglo XIX no tienen nada que ver con las que se filman hoy en día, y más allá de que los avances técnicos y tecnológicos, que hicieron mucho para que esto sea así, existe algo que ha sabido convertir al cine en mucho más que simplemente una fotografía en movimiento: el lenguaje cinematográfico.
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¿Qué es el lenguaje cinematográfico?
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El lenguaje cinematográfico es el medio a través del cual una historia es contada y comprendida.
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De la misma manera en que un escritor utiliza las palabras para contar su historia, el director de una película utiliza el lenguaje cinematográfico para contar la suya.
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Este lenguaje se compone de diversos elementos que, al unirse en un film, conforman un todo comprensible para la audiencia.
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Los elementos que componen el lenguaje cinematográfico son el espacio, el ritmo, el movimiento, el sonido, el montaje, la iluminación, el tono y el color.
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Cada uno de estos elementos aportará un matiz expresivo a la película, y la suma de estos matices es la que “explicará” el argumento del film.
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Escena y SECUENCIA, PLANO y TOMA: Conceptos de CINEMATOGRAFÍA
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Espacio
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Cuando hablamos del espacio en el lenguaje cinematográfico debemos analizarlo a través de sus propios componentes, que son la angulación, el encuadre, el plano, la profundidad de campo y el punto de vista.
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El encuadre es, básicamente, la parte de la realidad que el operador de cámara capta a través de la lente de la cámara.
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O, lo que es lo mismo, todo lo que veremos en la pantalla durante un film.
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¿Qué es el fuera de campo?
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El fuera de campo es la parte de la escena que no está en el encuadre delimitado por el campo óptico de la cámara.
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El fuera de campo no se ve, pero, a veces es muy importante para la narración.
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Tipos de planos en cine según el ángulo. ¿Dónde poner la cámara?
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La angulación está definida por el ángulo de la cámara en relación con el objeto o personaje enfocado.
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Existen diferentes tipos de angulación que proyectan diferentes mensajes (por ejemplo: una angulación contrapicada otorga un valor de magnificencia y poder al personaje, mientras que una angulación picada lo reduce y rebaja).
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Plano Frontal:
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El plano frontal también es conocido por plano neutro o normal.
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La cámara se coloca paralela al suelo, justo delante del modelo y a la altura de sus ojos. Es el tipo de plano más utilizado.
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Plano lateral o perfil:
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La cámara está a un lado del personaje, mostrando su perfil.
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Plano dorsal:
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También conocido como «plano semisubjetivo» nos introduce dentro de la escena como espectadores.
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Para entenderlo mejor, es la visión del asesino en las películas de terror, cuando vemos a su víctima de espaldas y nos sentimos dentro de la habitación con los protagonistas.
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Plano a nivel:
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La cámara se coloca a la misma altura que los personajes.
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Plano picado:
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Para hacer un plano picado hay que situar la cámara por encima del sujeto de forma oblicua a unos 45º aproximadamente, hasta menos de 90º en los que ya hablaríamos de plano cenital.
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Coloca la cámara a una altura aproximada de la de los ojos, que hará que la imagen trasmita al espectador una sensación de inferioridad y fragilidad.
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Plano cenital:
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El plano cenital se realiza desde encima del sujeto. Es un buen plano para componer con sombras o la colocación de los objetos de la escena.
La escena se capta de forma perpendicular al suelo.
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Plano contrapicado:
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El plano contrapicado se realiza situándote justo enfrente del sujeto, a una altura por debajo de la de sus ojos. El objetivo debe estar orientado al techo de forma opuesta al plano picado.
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Con el contrapicado podrás mostrar al sujeto más fuerte, magnificarlo, hacerlo más importante.
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Plano Nadir:
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El plano Nadir es el plano opuesto al cenital. En él hayque situar la cámara justo debajo del sujeto, de forma perpendicular al suelo.
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Seguro que habrás visto escenas de películas o fotos en las que los protagonistas están sobre un cristal o saltan por encima de la cámara.
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Plano con escorzo o sin escorzo:
El plano escorzo es uno de los planos más utilizados en el cine para las conversaciones de dos personas.
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En la escena aparecería la persona que escucha de espaldas y la que habla de frente con el rostro a la vista, con la cámara colocada a unos 45º del sujeto
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Plano holandés:
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Para conseguir un plano holandés se coloca la cámara inclinada hasta los 45º aproximadamente, con esto conseguirás una escena mucho más dinámica e inestable, perfecta para escenas de acción.
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Tipos de planos según el punto de vista:
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Plano objetivo:
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Es aquel cuya imagen no pertenece a la mirada, ni al punto de vista, de ningún personaje, sino al narrador, que es el director, por supuesto.
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Plano subjetivo:
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El plano subjetivo cinematográfico, ese que muestra directamente el punto de vista del personaje, con el que vemos la acción en forma de protagonista de la propia película, está también en la base de buena parte de los videojuegos, que lo llevan al extremo de la exclusividad.
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Tipos de planos según el encuadre. ¿Qué vemos en pantalla?
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Plano general
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Es el que se utiliza para mostrar no solo al personaje, sino también el lugar en el que se encuentra.
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En muchos casos, incluso, el personaje puede perderse o diluirse con el entorno.
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El principal valor de este encuadre es descriptivo, ya que nos permite detallar y especificar el lugar en el que transcurre la escena.
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El gran plano general se trata de un plano fotográfico amplio, generalmente tomado con un objetivo angular, en el que el sujeto principal solo ocupa una pequeña parte de la imagen y se usa principalmente para describir la situación.
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Plano entero o plano figura
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Este es uno de los planos de cine que muestra al personaje en cuerpo completo, dejando solo un poco de “aire” alrededor.
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Los límites superior e inferior están regidos por la cabeza y los pies del personaje.
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Plano medio
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El plano medio es el que muestra al personaje solo de cintura para arriba.
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Es el plano que se utiliza generalmente para representar una interacción poco íntima entre dos o más personajes.
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Primer plano
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En este plano el personaje se muestra desde los hombros a la cabeza.
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Es un plano de cine muy expresivo, ya que nos permite ver en detalle el rostro del personaje, por lo que se lo suele utilizar para aquellos momentos en los que el público debe sumergirse en algún grado de intimidad del personaje.
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Primerísimo primer plano
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Probablemente es el plano más expresivo de todos.
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En este plano la parte superior e inferior están delimitadas por la parte superior e inferior de la cabeza del personaje, por lo que lo único que podemos ver es su rostro y la expresión del mismo.
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Plano americano o plano 3/4:
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Este plano explotó en popularidad en la década de 1940, durante la época de oro del cine western (de ahí el nombre).
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En el plano americano, que no es más que una adaptación del plano medio, el personaje se muestra desde las rodillas para arriba, dejando fuera del encuadre la parte inferior.
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Decimos que este plano es una adaptación del plano medio por una simple cuestión: el plano medio no permitía mostrar las armas de los vaqueros, algo fundamental en cualquier película western.
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Para resolver esto se ampliaba el encuadre hasta las rodillas de forma que se podía ver con todo lujo de detalles el momento en que el vaquero desenfundaba su arma.
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Un ejemplo de esto lo podemos encontrar en esta escena de Solo ante el peligro, en la que podemos ver como cuando se pasa del plano americano inicial al plano medio siguiente se pierde por completo la visión del arma.
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Plano detalle
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Utilizado principalmente en objetos, aunque también puede utilizarse en partes del cuerpo humano o en animales, el plano detalle muestra el elemento en cuestión en su máxima expresión, ofreciendo así un nivel de expresividad solo equiparable con el primerísimo primer plano.
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La profundidad de campo
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La profundidad de campo es, de forma muy sencilla, todo el espacio que se ve bien enfocado en la imagen.
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Esto no solo es importante dentro del lenguaje cinematográfico porque nos permite definir a qué queremos que la gente le preste atención y a qué no, sino que también el uso de distintas lentes (una pieza clave en la definición de la profundidad de campo) nos permitirá conseguir diferentes tipos de imagen.
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El punto de vista. El narrador.
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La función del narrador es vital para delimitar el tipo de información que trasladamos a la audiencia, elegir los tipos de puntos de vista sobre el cual abordemos una narrativa es vital.
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Para contar historias en el cine, es vital que conozcamos las clases de narradores en el cine y como podemos focalizar una historia.
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Existen distinto tipos de focalizaciones que nos permiten ejecutar el papel del narrador desde diversos tipos de puntos de vista.
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Los tipos de focalización que podemos utilizar son: focalización externa, focalización interna y focalización omnisciente.
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Movimientos de Cámara
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Panorámica:
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La panorámica es un movimiento de la cámara sobre su propio eje horizontal. Es decir, de izquierda a derecha, o viceversa.
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Es un movimiento similar a cuando giramos la cabeza. También se le conoce como PAN, que es como se le llama en inglés.
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Travelling:
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El travelling es el nombre con el que popularmente se conoce a un tipo de plano rodado en el que la cámara se desplaza de su eje de forma lineal, hacia adelante, atrás o hacia los lados. Este movimiento permite, principalmente, romper la barrera formal que hace que lo que veamos nos parezca impostado.
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Zoom:
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Se da cuando se aumenta la distancia focal de la lente, lo que produce un acercamiento a los objetos y se reduce la profundidad de campo, aplanando la imagen.
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Dolly:
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Dolly es cuando la persona se mueve junto con la cámara hacia adelante o hacia atrás. Cuando se mueve uno hacia adelante se le denomina DOLLY IN y cuando se mueve hacia atrás se denomina DOLLY OUT.
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Se podría decir que es una modalidad de travelling al que se le da un nombre especial.
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Plano grúa:
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La cámara se coloca en una grúa o jirafa para grabar desde el aire y realizar movimientos muy complejos y espectaculares
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Cámara al hombro:
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La cámara en mano o cámara en hombro fue una de las primeras herramientas que aparecieron en el cine una vez las cámaras comenzaron a reducir sus dimensiones.
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Tan pronto las cámaras tenían un peso más razonable para llevar encima, los operarios comenzaron a cargársela a la espalda para grabar con más versatilidad.
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Ahora más que nunca, ya que una cámara de cine puede ser tan pequeña que se puede aguantar con una sola mano.
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Utilizar la cámara en mano, a pesar de ser un recurso cada vez más común, tiene un fuerte vínculo narrativo con la cámara documental.
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A menudo se utiliza para dar un carácter más realista o rutinario a la escena y trasladar de forma más efectiva al espectador dentro de la historia.
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Aún así, la cámara en mano comenzó a ser un recurso habitual en películas de acción para “ocultar” la falta de velocidad o dinamismo que podría tener una acción.
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Por ejemplo, en una escena de persecución, si el intérprete corre extremadamente rápido, en la segunda toma ya casi no puede correr.
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Con el zarandeo de cámara – un recurso llamado Shaky cam -, ayudas a crear la sensación de estar corriendo a mucha velocidad, aunque el intérprete vaya a un ritmo menor.
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Por esta razón, la cámara en mano cada vez más está ligada a sensaciones de tensión e intensidad muy próximas a las emociones que se pretenden transmitir en las películas de acción.
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La steadicam:
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Cuando se quieren evitar demasiados movimientos bruscos, se usa la steadicam, una cámara montada sobre un sistema de contrapesos sujeto al cuerpo por un chaleco y que se ha universalizado su uso tanto en cine como en televisión.
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El Raccord o la Continuidad
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La continuidad cinematográfica (raccord) hace referencia a la relación que existe entre los diferentes planos de una filmación, a fin de que no rompan en el receptor o espectador la ilusión de secuencia; el montaje debe derivar en una continuidad mental para el espectador que lo contempla.
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Ritmo
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El ritmo de una película es una suerte de percepción psicológica que tenemos sobre el film en función de diversos factores.
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La duración de los planos, la intensidad dramática o el tipo de montaje son los tres principales factores.
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En lo referente a la duración de los planos, un plano con un duración larga tenderá a marcar un ritmo lento, mientras que los planos cortos lo acelera.
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Del mismo modo, la intensidad dramática también afecta al ritmo de una película, sintiéndose más lentas aquellas más intensas y más rápidas las que cuentan con un grado de intensidad menor.
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Por último, el tipo de montaje es, probablemente, el factor que más palpable hace al ritmo de una película: una sucesión de planos cortos dotarán al film de un ritmo más veloz en comparación con la misma sucesión en planos largos.
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Del mismo modo, pasar de un plano muy abierto a uno muy cerrado marcará la pauta de un ritmo rápido, contrario al pase de un plano cerrado a uno abierto, que nos llevará por un ritmo más tranquilo de la película.
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Tono y color
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Si bien el ejemplo más claro y más obvio sobre cómo afecta el color a este lenguaje es la filmación en blanco y negro, la realidad es que existe un abanico casi infinito de opciones que harán que una película determinada comunique una cosa u otra en función del color y el tono que elijamos.
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Dejando de lado el cine en blanco y negro, otro ejemplo –aunque no el único- del uso del color para desarrollar un determinado lenguaje cinematográfico lo podemos encontrar en las películas históricas.
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En ellas podemos ver como se utiliza una paleta de colores determinada para intentar reproducir la atmósfera cromática del momento histórico que se está representando.
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Un ejemplo lo podemos encontrar la película Malditos bastardos, en la que la paleta de colores desaturada busca representar los colores que nosotros, en el siglo XXI, percibimos como característicos de la Segunda Guerra Mundial.
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Es importante resaltar la palabra “representar”, que no es lo mismo que “imitar”, ya que aquellos colores no tienen por qué ser los mismos que se utilizan en la película (incluso más: no lo eran).
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Sonido
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El sonido también es una parte fundamental del lenguaje cinematográfico.
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Existen personas que lo clasifican dentro del ritmo, ya que la música y los efectos de sonidos pueden, claramente, marcar el ritmo de una escena o incluso de toda la película.
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Pero más allá de que efectivamente el sonido puede afectar al ritmo de un film, la realidad es que también tiene una entidad propia dentro del lenguaje cinematográfico, por lo que lo más acertado es analizarlo por separado.
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El sonido cinematográfico es un campo sumamente fértil para la creatividad, a tal punto que no son pocas las personas que afirman que puede ofrecer incluso las mismas posibilidades creativas que el montaje.
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Tanto la música como los efectos de sonido son pieza clave de la narrativa audiovisual, por lo que la elección de los elementos sonoros de un film afectarán directamente a la percepción que el público tenga del mismo.
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Hablamos de sonido diegético, o sonido in, cuando la fuente de sonido se halla en el espacio fílmico, es decir, pertenece a la historia.
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La principal exigencia del sonido diegético es la de ser realista y coherente con el espacio dramático.
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La voz de los personajes, la música de una radio, el sonido de una puerta, etc.
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La banda sonora y la voz de un narrador son claros ejemplos de sonido no diegético.
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En general, el sonido diegético es aquel sonido que perciben los personajes; y el nodiegético es aquel que no es percibido.
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El llamado indistintamente sonido foley o efecto de sala, consiste en la recreación de sonidos en el cine.
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Este doblaje del sonido puede ser por diferentes motivos.
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O bien que no se haya recogido bien el sonido el rodaje por dificultades técnicas.
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O bien por motivos estéticos, dramáticos o narrativos.
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El nombre de sonido foley proviene del sonidista estadounidense Jack Foley, que es a quien se atribuye el desarrollo de esta técnica tan extendida hoy día.
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El sonido foley es fundamental para hacer mucho más rico el sonido de una película.
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Tanto si es de ficción como si es documental, cualquier producción cinematográfica profesional tiene sonido foley.
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Montaje
. El montaje cinematográfico es el responsable de asegurarse de que las distintas tomas de una película sean capaces de formar una obra fluida, atractiva y creíble.
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Pero la función del montaje cinematográfico no solo es la de simplemente ordenar las tomas para formar una película (¡como si eso fuera poco!), sino también la de darle sentido a la imagen que vemos en pantalla, ya que una imagen adquirirá un significado u otro dependiendo de con qué otra imagen sea montada a continuación.
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Técnicas de montaje cinematográfico: corte y transición
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Tipos de corte
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El montaje más básico que podemos hacer es el corte. Consiste en cambiar simplemente de plano, cambiando la perspectiva, y haciendo avanzar la historia.
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En principio puedes montar prácticamente todo al corte, pero hay ciertos trucos que hacen las producciones mucho más dinámicas.
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Cutting on action (corte sobre la acción)
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Consiste en pasar de un plano a otro cuando el personaje está realizando una acción. Desde levantarse, a pasar por una puerta, a propinar una patada o un puñetazo.
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Cut away (corte con inserto)
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En este caso, insertamos un plano recurso de lo que está viendo el personaje, y luego volvemos a él.
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Esto nos permite, por ejemplo, acortar el plano del personaje si ha quedado largo, o incluso coger la primera parte de una toma, y la segunda parte de otra. Por eso es tan importante rodar siempre planos recursos para el montaje.
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En incluso podemos hacer un inserto de lo que está pasando por la cabeza del personaje. Como si tuviera una visión, o un recuerdo.
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. Cross cut (montaje cruzado o en paralelo)
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En este caso, estamos montando una secuencia que transcurre en dos sitios diferentes. Por ejemplo, una conversación por teléfono.
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O dos situaciones que transcurren al mismo tiempo, y las montamos seguidas para crear expectación y suspense.
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Jump cut
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Consiste en hacer pequeñas elipsis con un mismo plano, obviando al espectador. Se utiliza principalmente para dar dinamismo al montaje.
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O también para mostrar la cantidad de veces que alguien intenta conseguir un objetivo: como golpear una bola de béisbol.
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Match cut
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Consiste en pasar de un decorado a otro, o de una secuencia a otro, con una composición del encuadre prácticamente idéntica, o continuando una acción.
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También valdría el ejemplo de Austin Powers en el que van construyendo una frase jugando con diferentes momentos inconexos e imágenes para hacer humor.
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Tipos de transiciones
. Fade in / Fade out (fundido de entrada / fundido de salida)
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Probablemente, una de las técnicas de montaje cinematográfico más utilizadas.
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Básicamente, consiste en abrir de negro para pasar poco a poco a una imagen nítida, o al revés. El ejemplo más básico es cuando termina una película y hace un fundido a negro. En español también lo llamamos pasar a negro, o fundido final.
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Dissolve (fundido)
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En este caso, pasamos poco a poco de una imagen a otra. Una se va desvaneciendo, dejando paso a la siguiente. Se puede hacer intencionadamente, o a veces, como último recurso si dos planos no montan bien al corte.
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Puede representar un paso del tiempo, para hacer elipsis. También como truco para ver cómo alguien se desvanece de la imagen.
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Iris
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Esta transición se usaba mucho en el cine clásico. Cuando la imagen abría de negro o cerraba a negro, pero no toda la imagen, sino abriendo en forma de círculo, o cerrando.
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Hoy en día no se usa con tanta asiduidad, pero todavía se utiliza como recurso puntual.
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Wipe (cortinilla)
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Este tipo de transición funciona pasando de un plano a otro como si abriéramos una cortina. Aunque la traducción exacta de wipe no es cortina, en España al menos le llamamos cortinilla.
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Hay de muchos tipos: cortinilla de estrellas, de rombo, con dientes…
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Por ejemplo, se usa para hacer humor, o para marcar un estilo.
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Pensad en las transiciones de la serie de Batman. Era una cortinilla con forma de murciélago.
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Smash cut
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Es un corte que impacta al espectador, por el cambio brusco. Por ejemplo, cuando el personaje despierta de un sueño.
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Es decir, funciona como una transición.
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Invisible cut (corte invisible)
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Es un corte que debe pasar desapercibido. Se utiliza para dar la sensación de plano secuencia y de que no hay elipsis.
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El ejemplo reciente más claro lo tenemos en Birdman, de Alejandro González Iñárritu. Y también en La soga de Hitchcock.
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También se utiliza en forma de barrido, ese movimiento de cámara tan rápido que difumina la imagen durante un instante.
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Normalmente se hace en movimiento, para que no dé la sensación de que hemos cambiado de plano.
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O por ejemplo haciendo que algo pase por delante de la cámara: una persona, un coche, un autobús, un tren…
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Pero también podemos hacer este corte con el mismo encuadre, simplemente saliendo y entrando, como en el ejemplo del póker.
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L-Cut
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Es una transición de audio. Sucede cuando el audio de un plano continúa en el siguiente.
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Por ejemplo, cuando alguien está hablando y pasamos a otro plano.
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J-cut (cabalgar el sonido)
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En este caso, el sonido anticipa lo que vamos a ver en el siguiente plano.
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El ejemplo más claro es cuando oímos cómo despega un avión, unos segundos antes de pasar a ese plano.
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Sirven para enlazar mejor una secuencia con la siguiente, y también con una intención de sorpresa.
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Combinar las técnicas de montaje cinematográfico
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Los usos son infinitos, y podemos mezclarlas o combinarlas.
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Principalmente, podremos jugar deliberadamente con este tipo de técnicas de montaje cinematográfico en secuencias oníricas o secuencias resumen en las que resumimos algo.
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En cualquier caso, el límite es vuestra imaginación.
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El plano secuencia:
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Un plano secuencia es, en el cine y la televisión, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado, pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición de un escenario.
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Es el montaje sin cortes.
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La elipsis en el cine
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En una historia contada en imágenes, manipulamos el tiempo a nuestro antojo. La elipsis en el cine nos permite contar 10 años en 10 segundos, por ejemplo.
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Cuando narramos una historia, podemos hacerlo de forma cronológica, en tiempo presente, o efectuando saltos en el tiempo hacia el pasado o hacia el futuro.
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La elipsis en el cine es un salto temporal. A excepción de los planos secuencia o las películas contadas en un falso plano secuencia, como Birdman, de Alejandro González Iñárritu o La Soga, de Alfred Hitchcock, el relato cinematográfico es una elipsis continua.
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¿Por qué? Porque nosotros seleccionamos los momentos que queremos que vea el espectador, y los montamos dando una falsa continuidad, haciendo elipsis cada vez que saltamos de una escena a otra.
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Lo hacemos incluso dentro de la misma escena para imprimirle ritmo y ahorrarnos tiempos muertos.
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Existen elipsis cortas, y elipsis largas, incluso de miles de años.
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Una de las elipsis más magistrales de la Historia del cine es este flashforward que hizo Stanley Kubrick en 2001: una odisea en el espacio.
Al inicio de la película, Kubrick cuenta el origen de los homínidos, y hace un elipsis de miles y miles de años con un simple cambio de plano por corte.
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El jumpcut, la elipsis más corta
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El jumpcut es una elipsis muy corta, dentro de una misma escena.
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Se utiliza para dar dinamismo e ir a las partes importantes, o con una intención estética.
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Los Youtubers lo utilizan continuamente. La mayoría de las veces por una cuestión práctica.
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En lugar de rodar diferentes planos, graban su discurso todo seguido, y luego quitan las pausas y lo que no les interesa. Pues eso es un jumpcut.
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Flashback y Flashforward: «viajes» en el tiempo
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Además de la elipsis lineal, en la que se sigue una temporalidad continua, también podemos usar recursos como el flashback y el flashforward.
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El FLASHBACK es un viaje hacia el pasado.
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El FLASHFORWARD es un viaje hacia el futuro.
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Hay muy buenos ejemplos de obras que se han caracterizado por el uso del flashback y el flashforward.
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Por ejemplo, la serie de televisión Lost (Perdidos).
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Esa serie se caracterizaba precisamente porque en cada episodio nos mostraba varios flashbacks de cada personaje antes de llegar a la isla.
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Otros ejemplos de manipulación del tiempo en el cine
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Además de recurrir a la elipsis en el cine, también podemos alterar el transcurso del tiempo de otras formas.
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Acelerado o cámara rápida
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Se puede hacer recurriendo a la técnica del timelapse, o directamente acelerando en el montaje el material que hemos grabado.
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Se puede utilizar para hacer comedia, o también con una intención estética y narrativa.
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Ralentizado, cámara lenta o slowmotion
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Podemos hacer que 10 segundos se alarguen, haciéndose eternos.
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Esta técnica, que era más propia del cine, hoy está ya en televisión y en las retransmisiones deportivas gracias al avance tecnológico de las cámaras.
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Inversión del tiempo hacia atrás
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Hay cortometrajes que basan su razón de ser en la inversión del tiempo.
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Por ejemplo, La ruta natural, de Álex Pastor.
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También es una técnica utilizada en algunas películas de largometraje, como en Memento de Christopher Nolan, que se cuenta hacia atrás.
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Detención del tiempo o uso de fotografías para contar la historia
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Aunque a la mayoría se os vendrá a la cabeza la famosa escena de Matrix en la que el tiempo se detiene…
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En cualquier caso, también es una técnica que se puede utilizar con muchos fines distintos
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Iluminación
. La iluminación cinematográfica, no solo cuenta con un elevadísimo valor artístico dentro del lenguaje cinematográfico, sino que además ofrece una enorme cantidad de variaciones expresivas en función del tipo de luz, el tipo de fuente, etc.
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El tipo de iluminación marcará la pauta de una escena o de toda una película.
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Para ejemplificar esto pensemos en un grupo de personas bailando dentro de un salón.
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Si utilizamos una iluminación general, este grupo de personas se convertirá en una multitud de entre la que no sobresale nadie; si en cambio utilizamos algunas luces puntuales para iluminar a ciertos personajes mientras mantenemos al resto del grupo en penumbras ya tendremos a los protagonistas de esa escena.
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La noche americana
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La noche americana es una técnica utilizada para simular una ambientación nocturna en una escena rodada a la luz del día.
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Consiste en filmar escenas durante el día utilizando un filtro en cámara, de color azul si se filma en color, o bien de color rojo si se utiliza película en blanco y negro, y subexponiendo la imagen, a modo de conseguir una imagen oscurecida y azulina, en su caso.
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De esta forma, se simula la noche y la luz de la luna.
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Mientras se filma con esta técnica, se evita filmar el cielo y se tiene especial cuidado en las sombras para no perder realismo.
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Esta técnica, desarrollada inicialmente en los Estados Unidos con el nombre originario de Day for night, fue muy usual durante largas décadas del cine.
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Más recientemente se ha ido abandonando, debido a que se dispone de material fotográfico mucho más sensible, que permite filmar en condiciones de poca luz.
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Con ello se consigue un efecto más real, ya que en la noche americana el espectador se da cuenta fácilmente de la técnica utilizada, debido a que los objetos proyectan fuertes sombras, lo cual ocurre de noche muy poco o en ningún grado.
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El título de la película de François Truffaut La noche americana (1973) hace referencia a esta técnica.
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La cuarta pared:
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La música en el cine:
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Por música cinematográfica se entiende toda música, por lo general orquestada e instrumental, compuesta específicamente para acompañar las escenas de una película y apoyar la narración cinematográfica.
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En las películas hoy dos tipos de música: la música que forma parte de la acción que se ve en la pantalla, y la música subjetiva o incidental, que crea un fondo de música irreal pero que se acepta convencionalmente.
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La música incidental es con frecuencia música de fondo, y crea una atmósfera para la acción.
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Puede incluir obras que agreguen mayor interés del público, por ejemplo obertura, o música que se interprete entre los cambios de escena.
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Esta música forma parte de la banda sonora de la película, típicamente abreviada como “BSO“, que también puede incluir música preexistente, diálogos y efectos de sonido, y comprende una serie de piezas orquestales, instrumentales o corales llamadas señales, que están programadas para comenzar y finalizar en puntos específicos durante la película con el fin de mejorar la narración dramática y el impacto emocional de la escena en cuestión.
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Las partituras están escritas por uno o más compositores, bajo la guía o colaboración del director o productor de la película y generalmente son interpretadas por un conjunto de músicos, la mayoría de las cuales incluyen una orquesta o banda, solistas instrumentales y coro o vocalistas. – y grabado por un ingeniero de sonido.
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Las bandas sonoras originales “BSO” de las películas abarcan una enorme variedad de estilos de música, dependiendo de la naturaleza de las películas a las que acompañan.
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La mayoría de estas son obras orquestales enraizadas en la tradición clásica occidental, pero muchas otras están influenciadas por el jazz, el rock, el pop, el blues, la música new age, la música de “ambient”, y una amplia gama de estilos de música étnica y mundial.
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Desde la década de 1950, un número creciente de bandas sonoras también han incluido partes y elementos electrónicos, y la mayoría de la música escrita hoy para cine presenta un híbrido de instrumentos orquestales y electrónicos.
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Los trailers, los carteles y los títulos de créditos en el cine:
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Un tráiler es una herramienta de marketing que posiciona una determinada película en el mercado cinematográfico.
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Un cartel de cine es un cartel que se usa para anunciar una película.
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En su origen solían incluir escenas significativas del filme o imágenes de los actores principales o sus nombres; más tarde se añadió el nombre del director y a veces un logo o imagen representativa o, en su caso, los premios obtenidos.
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La Ilustración de los carteles de Cine es una forma de Arte conectada al proceso publicitario que engloba la experiencia total de una película.
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Este tipo de Ilustración reúne varias de las técnicas de imagen y comunicación visual que hacen de ese trabajo una de las especialidades más fascinantes.
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Los créditos de película son ese gran listado de nombres que aparece generalmente al final de un filme y en el que aparece el nombre de todas las personas, empresas, marcas o instituciones que han tenido algo que ver en la producción, grabación o realización de la cinta.
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SAUL BASS (1920-1996) El hombre que diseñó el cine
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¿Qué HACE un DIRECTOR DE CINE? [los 4 PASOS de una PELICULA]
Las películas que ahora triunfan en taquilla son las de super héroes y el llamado cine familiar, como ésta que nos ocupa.
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Los padres desean tener una experiencia con sus hijos y por ello estas pelis tienen éxito.
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Bendito sea, pues, este cine y esta película que lleva gente al cine y contribuye a la supervivencia de las salas, que, ahora, después de la pandemia recaudan la mitad que cuando la vida era alegre y feliz.
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Sonic 2 combina animación con personajes reales de manera técnicamente perfecta. Esta vez el arsenal de personajes de dibujos se amplía.
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Estamos ante una peli simplona con mucha acción, con toques de comedia americana y de monstruos.
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Curioso que en esta producción con personajes caricaturescos, el que más parece un dibu es Jim Carrey, que mantiene esa tendencia natural hacia el insoportable histrionismo.
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Después de una copiosa comida no me dormí. Lo cual es mucho.
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A Elena y a mí nos acompañaron Leo y Luca, que prestaron atención y se divirtieron.
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No pidamos más.
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Puntuación de Luca: 9,5/10.
Puntuación de Leo: 10/10
Mi puntuación: 6,02/10.
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Dirigido por Jeff Fowler:
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Ficha:
Duración
122 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Jeff Fowler
Guion
Patrick Casey, Worm Miller, John Whittington. Historia: Patrick Casey, Worm Miller
Música
Junkie XL
Fotografía
Brandon Trost
Reparto
James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter, Idris Elba, Natasha Rothwell, Shemar Moore, Adam Pally, Lee Majdoub. Voz: Ben Schwartz
Productora
Original Film, Paramount Pictures, Sega Sammy Group. Distribuidora: Paramount Pictures
Género
Aventuras. Acción. Comedia | Secuela. Videojuego
Historia épica de venganza y violencia, narrada con una estética impactante.
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La belleza y el poderío visual que nos ofrece Robert Eggers es “apabullante”. Calificativo que he oído reiteradamente y copio con descaro.
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Pero la historia es de una simpleza “apabullante”. Una historia mil veces narrada que se escribe en una servilleta de papel.
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¿Cuántas historias de venganza hemos visto y leído?
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Me respondo: miles. La mayoría más complejas que ésta.
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Robert Eggers nos la adorna con un tono shakespeariano, grandilocuente y pomposo. Añade, como en toda peli de vikingos, buenas dosis de brutalidad.
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A mí, ver señores fornidos con el torso al descubierto no me inspira nada.
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Eggers, en un entrevista, afirmaba que ha intentado dar un realismo total a su película. Perdona querido Robert, pero estos muchachotes solo pueden alcanzar esa musculatura hipertrófica con anabolizantes y muchas sesiones de gimnasio. Ningún nórdico del siglo VIII podía tener esa musculatura, que no da la genética sola.
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Coincido con Elena FerCun. Nicole Kidman no tiene ni una arruga, pero su rostro es una máscara esperpéntica.
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De Anya Taylor-Joy solo puedo decir maravillas. es lo que tiene ser incondicional.
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Lamento mucho que la mayoría de la crítica, carezca del espíritu crítico necesario para darse cuenta que esto es un fraude, que no aporta nada.
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Recomiendo ver cualquier temporada de la serie Vikingos. Te lo pasas mejor.
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Mi puntuación: 4,03/10.
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Dirigido por Robert Eggers:
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Ficha:
Duración
136 min.
País
Estados Unidos
Dirección
Robert Eggers
Guion
Robert Eggers, Sjón Sigurdsson
Música
Robin Carolan, Sebastian Gainsborough
Fotografía
Jarin Blaschke
Reparto
Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Willem Dafoe, Ethan Hawke, Björk, Claes Bang, Ralph Ineson, Kate Dickie, Murray McArthur, Ian Gerard Whyte, Hafþór Júlíus Björnsson, Ian Whyte, ver 9 más
Productora
Regency Television, Focus Features. Distribuidora: Focus Features
Género
Aventuras. Drama | Vikingos. Siglo X. Venganza. Cine épico
Tiempos de colapso. Tiempos de amor infantil. Tiempos de reconciliación en adultos. Tiempos de esperanza.
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Louis Garrel protagoniza, dirige y coguioniza, junto al mítico Jean-Claude Carrière, este cuento ecologista y subversivo.
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Estos niños son la esperanza de un planeta que agoniza.
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Los adultos poseemos miles de cosas inútiles que cuando desaparecen no nos damos ni cuenta.
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La idea de que pequeños cambios, como separar la basura o poner placas solares en nuestro chalé, pueden cambiar el mundo es solo para tranquilizar nuestras conciencias pequeño burguesas, pero no son efectivas.
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Estos niños de la peli de Garrel son muy ambiciosos en sus propuestas y radicales en eso de exterminar a la mitad de la población adulta.
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La peli se mueve bien en la comedia y es bonito dar un soplo de optimismo.
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Un placer ver a Laetitia Casta.
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Mi puntuación: 6,03/10.
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Dirigido por Louis Garrel:
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Ficha:
Duración
67 min.
País
Francia
Dirección
Louis Garrel
Guion
Jean-Claude Carrière, Louis Garrel
Música
Grégoire Hetzel
Fotografía
Julien Poupard
Reparto
Laetitia Casta, Joseph Engel, Louis Garrel
Productora
Why Not Productions
Género
Comedia
