Efectivamente se trata de dos pelis paralelas con discursos parecidos, con semejanzas en la manera de contar la historia.
Productos navideños de consumo familiar sin pretensiones alejados de la órbita cultureta de la crítica.
Hicimos Ricard, Diego y yo una sesión doble con estos dos productos y me lo pasé fenomenal.
Las pelis con protagonistas femeninas me encantan.
Las tres madres y las tres abuelas son maravillosas y componen un mosaico de diferentes prototipos de mujeres en sus relaciones familiares.
Le sobran edulcorantes artificiales al final del metraje, pero aún así me ha complacido.
Las dos pelis terminan con el viaje de los más mayores a un determinado sitio de los USA. Se podrían juntar y hacer una secuela común. Se podría llamar El gran desmadre de padres y madres malos por desigual en Las Vegas.
Creo que la vi por primera vez en un Cine Club de un colegio mayor en Zaragoza, pero no lo recuerdo.
La vuelvo a ver en una calidad pésima en YouTube, pero aún así ejerce un poder de atracción brutal.
Desde el principio del visionado me encontré mal.
Con ese malestar que produce un alimento en mal estado, o un viaje en barco, para mí que padezco vértigo periférico.
Esa desagradable sensación se fue acrecentando hasta que llegó un momento que tuve que dejar de verla.
Al día siguiente reanudé su visionado y me pasó lo mismo.
Estos tres “ejecutores de sentencia” comen y beben mientras comentan anécdotas de los que han ido “ajusticiando” a lo largo de su vida como “funcionarios”.
Me impresiona su frialdad afectiva, la falta absoluta de remordimientos, la ausencia de cualquier atisbo de culpa o de pesar.
Unos psicópatas ignorantes y patanes.
Pero en algo tienen razón.
Ellos ejecutaban la sentencia, pero más responsables eran los jueces y fiscales y las propias leyes que admitían la muerte como castigo.
Martín Patino nos sumerge también en la crónica negra de una época, relatando crímenes abominables, generalmente realizados por personas incultas, de muy baja extracción social.
El relato espeluznante de una época.
Veo esta peli porque la comentamos en el Taller de Cine de Azuqueca de Henares en relación con la próxima peli que podremos disfrutar en pantalla grane, El verdugode Berlanga.
Julita es una octogenaria, la matriarca de una familia con muchos hijos que tuvo un mono y que perdió un castillo.
Todo el documental gira en torno a ella con su fuerte personalidad.
Es también el relato de una familia con una especie de Síndrome de Diógenes colectivo, donde el único cabal es el marido de Julita que acepta la idea de desprenderse de cosas inútiles.
El resto de la familia acata con resignación o prestando apoyo la idea de conservarlo todo como reflejo de la nostalgia de otros tiempos.
No puedo evitar recordar a mi madre. Una mujer de fuerte carácter que siempre quiso ser el centro de todas las atenciones.
En cambio mi Clarita no era tan colaboradora a la hora de ponerse delante de la cámara como Julita.
A mi madre había que pillarla en buen momento.
Tan solo conseguí de ella que comentara algunas pelis míticas en su vida.
No puedo evitar que las distopías o ucronías me entusiasmen.
Las pelis de nazis siempre me han atraído.
La combinación de estas dos cuestiones está claro que me tenía que encantar.
La idea de un mundo dominado por alemanes y japoneses que han ganado la Segunda Guerra Mundial es estupenda.
La presentación de esta realidad alternativa es muy atractiva.
Solo la ambientación y la descripción de estas sociedades ya tienen máximo interés.
Eso es lo que mejor funciona en la serie.
Pero también ruedan bien las intrigas de “alta política”.
Los personajes están bien construidos en ese ámbito.
Lo que peor funciona son las cuestiones de la Resistencia, con personajes más simples y con una protagonista Juliana Crane que se pasa todo el metraje lloriqueando, sin terminar de definirse, que no se mueve por fines patrióticos sino sentimentales.
He deseado que se la cargaran, de hecho nadie la quiere, pero no hay manera.
El toque fantástico, le da un atractivo aumentado. Confunde y despista, pero hipnotiza.
El macguffin es claramente las cintas, que no entiendo, ni entenderé supongo, pero que es chulo.
El final de la segunda temporada es apoteósico.
Un final que podría ser un perfecto colofón, pero supongo que habrá tercera temporada.
No recuerdo mi primera vez, pero estoy seguro que me partí de risa.
Cuando era niño y adolescente agradecía mucho el humor.
Cualquier cosa cómica me gustaba.
Tal vez, el vivir un país en (un poco) blanco y (mucho) negro influía.
La peli se tolera porque dura poco más de ochenta minutos.
Pero a mí me satura.
No deja de ser una sucesión de sketches y gags, la mayoría muy divertidos, pero sin una narración que mantenga el interés.
La peli se sostiene solo por las continuas bromas, pero en absoluto porque la trama sea interesante o se cree en el espectador cierta espectación por lo que va a ocurrir.
Te ríes, pero la olvidas.
De hecho recordaba alguna escena especialmente graciosa, pero no sabía muy bien de que iba la peli.
El éxito de Toma el dinero y corre sirvió para que Allen haya seguido rodando durante casi cincuenta años sus películas.
Bienvenida sea.
Es ideal para salir del cine y volverte a reír recordando algunos de los chistes.
Curiosidades:
Estreno modesto:
La película fue finalmente estrenada en una pequeña sala en Manhattan llamada Playhouse.
Debido al éxito del film la gente comenzó a acudir en masa superándose el récord de entradas de la sala.
.
.
.
Falso documental:
La película sigue un estilo documental.
Woody Allen comentó lo siguiente sobre el uso de este estilo en una entrevista con Richard Schickel:
Toma el dinero y corre era un pseudo-documental.
La idea de hacer un documental, cosa que, finalmente, perfeccioné con Zelig me acompañaba desde el día que empecé a hacer películas.
Pensaba que era un vehículo ideal para hacer comedia, sobre todo porque el documental es un formato muy serio, de tal manera que uno se ve obligado a trabajar dentro de unos parámetros muy fijos donde cualquier cosa, por pequeña que sea, hecha con la intención de romper la seriedad se convierte inmediatamente en algo divertido.
.
.
.
San Francisco:
La película fue grabada en San Francisco a diferencia del Nueva York de las siguientes películas del director.
Incluso en una escena sale el famoso restaurante Ernie’s en que se rodó una escena de Vértigo de Alfred Hitchcock.
La prisión que aparece en la película es la de San Quentin.
.
.
.
.
Mickey Rose:
Allen co-escribió la película con Mickey Rose, un antiguo compañero de instituto, tardaron tres semanas y según palabras del director, “el objetivo de la película era provocar la risa durante todo el metraje“.
.
.
.
Ralph Rosenblum:
El primer montaje de Woody Allen se consideró decididamente poco gracioso.
Los productores Jack Rollins y Charles H. Joffe lo convencieron para reunirse con el editor principal Ralph Rosenblum para ver qué se podía salvar.
Lo primero que hizo Rosenblum fue cortar el sangriento final, luego reestructuró la película por completo, y en general reforzó la narración suelta de Allen.
Este esfuerzo transformó la película terminada en un clásico de comedia.
Rosenblum posteriormente se convirtió en el editor elegido de Allen en la mayoría de sus siguientes películas, incluyendo Bananas(1971), El dormilón (1973), La última noche de Boris Grushenko (1975) y Annie Hall (1977).
.
.
.
San Quentin:
A cien prisioneros de San Quentin se les pagó una pequeña tarifa para trabajar en la película durante las secuencias de la prisión.
El elenco y el equipo regular fueron sellados cada día con una tinta especial que brillaba bajo luz ultravioleta para que los guardias pudieran decir a quién se les permitía abandonar el recinto de la prisión al final del día.
.
.
.
Fecha de nacimiento:
Virgil Starkwell nació el 1 de diciembre de 1935.
Esta es la fecha real de nacimiento de Woody Allen.
.
.
.
Dillinger:
El inepto intento de Virgil de escapar de la prisión sacando una pistola de jabón teñida de negro con betún se basa libremente en la famosa fuga del ladrón de bancos John Dillinger en la cárcel de Indiana, Crown Point, usando una pistola de madera ennegrecida con betún.
En un paralelo interesante, en la película Dillinger (1973) dirigida por John Milius y protagonizada por Warren Oates como John Dillinger, se le muestra usando una pastilla de jabón en lugar de una pieza de madera.
.
.
.
.
Bandas de escuela:
El “Spring Street Settlement House Marching Band“, con la que Woody Allen intenta tocar el chelo en una escena, fue realmente la banda de marcha de Tamalpais High School en Mill Valley, California, justo al norte de San Francisco.
La banda había recibido una invitación para actuar en Disneyland en un festival de bandas de la escuela secundaria y la tarifa que recibieron de la película les ayudó a pagar su viaje.
.
.
.
Julius Epstein:
El nombre del psiquiatra es Dr. Julius Epstein.
Se trata muy probablemente un homenaje al guionista Julius J. Epstein, quien es más conocido por ganar un Oscar por su guión Casablanca (1942).
.
.
.
Nervioso:
Más tarde, Woody Allen dijo que no estaba nervioso por su primer día, pero estaba tan emocionado por filmar en la prisión de San Quentin que se cortó la nariz afeitándose esa mañana.
El contratiempo se puede ver en la escena de la prisión en la película.
Él y su equipo encontraron que los reclusos eran muy amables y cooperativos.
Las autoridades de la prisión también acogieron con entusiasmo la producción, pero emitieron una advertencia: el reparto y el equipo técnico debían estar siempre acompañados por guardias y, si eran tomados como rehenes, no se abrirían las puertas para asegurar su liberación.
.
.
.
Lewis:
Esta fue la primera película que dirigió Woody Allen.
Su falta inicial de confianza lo llevó inicialmente a pedirle a Jerry Lewis que dirigiera la película, pero Lewis estaba ocupado con su propio trabajo.
.
.
.
Final triste:
Al principio, Woody Allen filmó un final deprimente en el que era asesinado a tiros, cortesía de los efectos especiales de AD Flowers.
El editor de Allen, Ralph Rosenblum (cuyo primer trabajo con Allen fue éste), lo convenció de ir por un final más ligero.
.
.
.
Mejor tiempo en San Francisco:
Filmado durante 10 semanas en el área de San Francisco.
Woody Allen bromeó diciendo que era un mejor lugar para pasar el verano que Cleveland, pero, en realidad, sabía que la ciudad era lo suficientemente compacta como para permitirle a él y a su equipo completar 87 escenas en 50 días.
Su equipo de filmación sabía que un calendario tan desalentador era más adecuado para la industria de la televisión, donde trabajar hasta las 10 u 11 de la noche era algo habitual.
Pero Allen completó la película sin trabajar hasta tarde, y varias veces terminó el rodaje a las 4 en punto.
.
.
.
Tres funciones:
La primera vez que Woody Allen realizó la triple tarea de escribir, dirigir y actuar en una película.
.
.
.
Reescritura rápida:
Ralph Rosenblum hizo que Woody Allen escribiera nuevas escenas de narración y voz en off para ayudar a unir las piezas dispares.
Allen mostró una habilidad virtuosa para ir a una esquina y sacar nuevas páginas en un santiamén que encajaban perfectamente con las sugerencias de Rosenblum.
.
.
.
Cinemobile:
Fouad Said, el director de fotografía original de la película, que fue reemplazado unas semanas después de la producción, había inventado recientemente el Cinemobile para Yo soy espía(1965), un vehículo que facilita el transporte de equipos en rodajes de ubicación.
Al usar este dispositivo, Allen pudo filmar hasta en seis lugares por día, tres veces lo habitual para una unidad de filmación de Hollywood en ese momento.
Como resultado, redujo el presupuesto en casi medio millón de dólares y acortó el rodaje en una semana.
.
.
.
Casino Royale:
La decisión de Woody Allen de convertirse en su propio director fue parcialmente estimulada por el caótico y descontrolado rodaje de Casino Royale(1967), en el que apareció dos años antes.
.
.
.
Falsa peli verdaderos productores:
La película que Virgil muestra a su pandilla (“Trout Fishing in Quebec“) aparece como una producción de Rollings and Joffe, los productores de la vida real de Woody Allen.
.
.
.
Palomar Pictures:
El contrato que Woody Allen tuvo con Palomar Pictures le dio carta blanca para hacer lo que quería con esta película, incluido el corte final, estableciendo el precedente de cómo trabaja hasta el día de hoy.
“Nunca me molestaron”, dijo.
“Fue una experiencia muy agradable. Y desde ese día nunca tuve ningún problema en el cine desde el punto de vista de la interferencia de ninguna manera”.
.
.
.
Arthur Penn:
Como director neófito, Woody Allen admitió que había buscado muy poca ayuda de cineastas más experimentados.
“Nunca se me ocurrió por un segundo que no sabría qué hacer“, dijo, y dejó que la visión de la película en su cabeza guiara cómo hacerlo.
Almorzó con Arthur Penn, quien le impartió cierta información técnica (como el proceso de corrección de color de las tomas) y algunos detalles logísticos, pero de lo contrario, simplemente se sumergió.
.
.
.
Improvisar:
Woody Allen animó a su elenco a improvisar, a menudo filmando hasta tres gags improvisados para cada escena.
.
.
.
Muchas tomas:
Woody Allen rodó innumerables tomas e imprimió la mayoría de ellas porque en su inexperiencia asumió que un buen director debe hacer muchas tomas y protegerse con cobertura desde todos los ángulos.
Continuó la práctica en sus primeras películas, pero luego se ganó la confianza para hacer lo que le parecía más apropiado: largas tomas, con poca o ninguna cobertura y muy pocas repeticiones.
.
.
Material eliminado:
Una de las primeras cosas que Ralph Rosenblum hizo fue pedir ver todo el material que se había cortado.
Descubrió que Woody Allen había eliminado muchas de sus partes más divertidas.
También reorganizó la película.
Debido a que estaba muy poco estructurado de todos modos, con muchos diálogos visuales dispersos, fue libre de usar el estilo documental para cambiar el orden y el ritmo de la película para lograr un mejor efecto.
Él dividió las entrevistas con los padres de Virgil en varios segmentos a los que podría volver para tener algo que separar, un puente entre otras secuencias.
.
.
.
Música nueva:
Ralph Rosenblum descubrió que Woody Allen había puesto música melancólica detrás de algunas de las escenas para enfatizar la triste vida de su personaje.
Rosenblum sustituyó la música por una nueva y optimista -una pieza de ragtime de Eubie Blake aquí, una bossa nova allí- para mostrarle a Allen la mejora, y le ofreció el consejo de cortar siempre con música, incluso antes de que se completara la escena.
Este aspecto de la imagen también fue ayudado tremendamente por el compositor Marvin Hamlisch, un antiguo pianista de ensayo nuevo en el negocio que sorprendió a todos con su capacidad para realizar sugerencias y componer la música adecuada en prácticamente cualquier estilo en un período de tiempo sorprendentemente corto.
.
.
.
Cuidado con Hamlisch:
A pesar de su satisfacción con el trabajo del compositor Marvin Hamlisch, todos se volvieron un poco locos por su personalidad.
Llamaba constantemente, obsesivo y nervioso, queriendo discutir el puntaje, rogándole a la gente que escuchara lo que había escrito inmediatamente.
A veces incluso insistía en que escucharan por teléfono, cuestionaba qué instrumentos preferían oír tocar y pedía que se ampliaran las escenas para acomodar los temas que había creado.
En una sesión de grabación para la secuencia principal del título, una balada original con la que Hamlisch estaba particularmente complacido, Allen escuchó impasible, se encogió de hombros y preguntó:
“¿Qué fue eso?”
El compositor estaba tan devastado que cuando Allen salió de la habitación, se acostó en el suelo del estudio y lloró.
.
.
.
Elegir el personal:
La mayoría del equipo de producción de Woody Allen fue elegido para él, pero seleccionó al diseñador de vestuario, al director de fotografía y al director de arte.
A las pocas semanas de producción, sin embargo, tuvo problemas con sus elecciones y despidió al director de fotografía, Lester Shorr.
.
.
.
Actores no profesionales:
Muchos de los miembros del elenco no eran profesionales y fueron elegidos porque parecían más auténticos y reales que los actores del personaje en el enfoque “documental” que Woody Allen tenía en mente.
Ralph Rosenblum encontró a Woody Allen reservado, desanimado por los problemas con su película, pero para nada arrogante ni exigente.
Admitió que no sabía lo que estaba haciendo y siguió las sugerencias de Rosenblum.
.
.
Fritz:
Marcel Hillaire interpreta a un ex director de cine llamado Fritz, quien obviamente es una caricatura de Fritz Lang, con su característico acento teutón, botas negras…
.
.
.
.
Granujas de medio pelo:
La primera de dos falsos documentales cómicos de Woody Allen, y la segunda es Granujas de medio pelo (2000), que se hizo y se estrenó alrededor treinta y un años después.
.
.
.
Charles Starkweather:
La historia, y la referencia inherente en el nombre del personaje principal, fueron inspiradas en parte por Charles Starkweather, un famoso criminal y asesino de la década de 1950.
.
.
.
Primera peli:
Una edición en DVD de esta película declara que esta película es la “primera película como guionista, director y estrella” de Woody Allen .
.
.
.
Cómo dirigir:
Antes del primer día de rodaje, Allen estaba leyendo un libro titulado “Cómo dirigir”.
.
.
Louise Lasser:
Una de las actrices es Louise Lasser, esposa de Allen en ese momento.
.
.
.
El sexo:
“En relación a las mujeres, el psiquiatra de la cárcel me preguntó si había estado con alguna, y dije que no.
Me preguntó si el sexo me parecía sucio, y contesté que solo si se hace bien“.
Remake del exitoso film italiano “Perfetti sconosciuti” (2016), de Paolo Genovese.
Tal vez el que más sepa de nuestras vidas en este momento sea nuestro móvil.
Conoce todos nuestros contactos, nuestras conversaciones, nuestros deseos, nuestras compras…
En cambio los mejores amigos, incluso la pareja desconocen muchos de nuestros secretos.
Todos, incluso el más sincero del mundo, tiene pequeños secretillos que no son confesables a todo el mundo.
Pero no solo no es necesario que sean conocidos, muchas veces incluso no son convenientes.
Cierta intimidad te da seguridad.
El tener una pequeña parcela propia que nadie conoce y que no quieres compartir es mentalmente higiénico.
Perfectos desconocidos es una peli muy divertida, hilarante, incluso descacharrante.
Con interpretaciones descomunalmente perfectas.
Bien dirigida. Siendo una pieza teatral, De la Iglesia sabe mover la cámara y montar las escenas para dar sensación de movilidad, trasformando el teatro en cine.
Su reflexión final coincide con la mía.
La sinceridad absoluta no es conveniente, ni deseable.
Cierto nivel de ignorancia produce felicidad.
Alguien dirá “falsa felicidad”. Pero más vale eso que verdadera desgracia.
Diego Gismero y Ramón Bernadó hemos pasado un rato estupendo entrevistando a Beatriz Martínez que demuestra ser una gran experta en cine español actual.
Mamma Mia! es la peli ideal para ver un sábado por la tarde con frío glacial.
Dos opciones, o te vas a un centro comercial para idolatrar al dios Consumo o te quedas en el sofá viendo Mamma Mia!.
Todo trasmite alegría en esta peli.
Una fotografía luminosa y brillante.
Un paisaje idílico, de calas y mar con aguas templadas.
Números musicales simpáticos y jocosos.
Personajes entrañables.
Amanda Seyfried llena de juventud y vitalidad.
Cuando la vi en su estreno sirvió para que me reconciliara doblemente.
Meryl Streep siempre me había caído gorda, muy buena actriz, pero siempre con papeles dramáticos. Verla en una comedia musical cambió mi opinión sobre ella, desde entonces soy fan.
La música de ABBA era despreciada por mí en los setenta y ochenta. Me consideraba un intelectual, más bien un cultureta. Yo era de cantautores y de música clásica. La estupidez congénita que siempre me ha acompañado.
Oír las canciones del grupo sueco en este musical, me hizo comprender que lo mío era solo postureo.
Me asombra que Phyllida Lloyd haya dirigido solo dos películas.
Tanto en ésta como en La Dama de Hierro demuestra ser una buena directora.
En Guadalajara de Cine no dejamos de traer grandes invitados para realizarles nuestra entrevista cinéfila.
Esta semana, junto con Diego Gismero, hemos tenido la suerte de tener a Lourdes Muñoz, una gran anestesista y una magnífica cinéfila como nos demuestra sobradamente.
