Una peli desoladora. El relato de sufrimiento infinito de un niño abandonado, explotado, ninguneado.
Nos habla del concepto de paternidad responsable.
Este niño que demanda a sus padres por haberlo traído al mundo para desocuparse de él.
Unos padres que por dejadez extrema ni siquiera lo han registrado, no le han dado entidad jurídica. Argumentan que lo quieren, que son víctimas de una sociedad que les ha hecho miserables.
En contraposición la madre etíope sí cuida y se preocupa por su pequeño Yonas. Con precariedad con sufrimiento, pero con interés y dedicación.
Una sociedad en la que un niño no tiene importancia. Se le por la calle y nadie se preocupa o se interesa por él.
Aquí en España en un pueblo, incluso en una gran ciudad esto sería impensable.
El niño demuestra ser más cabal que sus padres, miserables social y personalmente. Que a mí no me inspiran la más mínima misericordia. Despojos humanos, que traen hijos al mundo para condenarlos a una vida de asco y sufrimiento.
Apoyo al pequeño Zain en la demanda hacia sus detestables progenitores. Por cierto, Zain Al Rafeea un actorazo inconmensurable.
La gran baza de la peli es mostrarnos esta realidad sin sentimentalismos, sin cargar las tintas, sin buscar la lágrima fácil. Enseñando, pero no recreando.
Una peli que te impresiona, que te perturba, que te desasosiega, pero que no se queda en movilizar sentimientos efímeros.
Reparto: Jean-Claude Drouot, Marie-France Boyer, Claire Drouot, Olivier Drouot, Sandrine Drouot, Marc Eyraud, Sylvia Saurel, Paul Vecchiali
Productora: Parc Film
Género: Drama. Romance | Familia. Drama romántico. Drama psicológico. Nouvelle vague
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Comentario:
No conocía esta peli de esta directora francesa, la “abuela de la nueva ola” que con 90 años sigue en activo.
Durante 28 años fue la esposa de Jacques Demy.
Lo primero que se me viene a la cabeza al ver esta peli es Los girasoles de 1970 dirigida por Vitorio de Sica, con Sophia Loren y Marcello Mastroianni.
Las dos tienen un tono diferente, pero tratan un tema parecido, la facilidad del hombre para encontrar un nuevo amor.
El girasol es una flor que se mueve hacia el sol que más calienta como los protagonistas masculinos de estas dos pelis.
En una forman parte de los primeros fotogramas y del cartel y en otra del título.
Esta peli en los sesenta en España es absolutamente impensable.
Por las escenas de sexo, por la presencia de desnudos femeninos y por el adulterio, sin culpa y sin complejos que se nos cuenta.
Supongo que al censor le sangrarían los ojos al verla, aunque notara en algún momento algún cosquilleo en la entrepierna.
Varda nos presenta una historia banal, sin grandes dramas, ni grandes sucesos, aunque tiene como temas centrales la paternidad, el adulterio, el patriarcado y el suicidio.
La vida apacible y sencilla de un carpintero que quiere a su esposa y a sus hijos, pero se ve atraído por otra rubia, no más guapa, no más encantadora que su esposa.
Su mayor baza para la seducción, por otra parte innecesaria, es la sinceridad. Su declaración de amor a su esposa le hace aún más atractivo.
Varda nos lo presenta con un tono ligero, suave, intrascendente para contar cuestiones de calado, aún no resueltas.
Porque François al pasar tiempo con su amante se lo está quitando a su familia y en ello hay algo malo y traicionero, no solo a la esposa, sino también a los hijos. No quiero ser un moralista, sino presentar una realidad, para desmontar la bondad de este hombre, que siendo feliz necesita algo más.
Esa misma sinceridad la usa con su esposa para desculpabilizarse, pero a ella, está claro, que no la convence.
Varda irónicamente nos muestra una peli colorista con imágenes bucólicas que ayudan a representar esa falsa felicidad que padecen los protagonistas.
Resignados a seguir una vida ya prefijada, sencilla, sin grandes expectativas, sin grandes alicientes. Donde el varón es el centro de ese universo pequeño burgués.
Donde todos parecen resignados a cumplir sus roles.
El padre trabajador y dedicado, la madre al cuidado de los hijos y dar felicidad a un esposo que infiel, por lo menos es sincero. Hasta la amante llena su casa vacía de sumisión y resignación.
Todo enfocado al servicio del hombre, centro de la historia y de este irónicamente feliz relato.
Donde la madre fallecida es sustituida por la amante, clónica y destinada a sufrir el mismo destino.
Todo muy idílico, terriblemente previsible. Con un ganador el hombre y unas perdedoras…
Moss Hart (Obra: Dorothy Parker, Alan Campbell, William A. Wellman, Robert Carson)
Música:
Ray Heindorf
Fotografía:
Sam Leavitt
Reparto: Judy Garland, James Mason, Jack Carson, Charles Bickford, Tommy Noonan,Amanda Blake, Lucy Marlow, Irving Bacon, Hazel Shermet, Paul Bryar, Mae Marsh,James Brown, Al Hill, John Saxon, Frank Ferguson, Pat O’Malley, Bess Flowers,Leon Alton, Willis Bouchey, Frank Puglia, Harold Miller, Joan Shawlee, Jack Mower
Productora:
Warner Bros. / Transcona Enterprises
Género: Drama. Romance. Musical | Cine dentro del cine. Melodrama. Remake
Sinopsis: Norman Maine, un famoso actor adicto al alcohol, descubre a Esther, una joven con un gran talento para la canción, y decide impulsar su carrera cinematográfica. Ella triunfa y, pocos meses después, la pareja contrae matrimonio. Pero, a medida que el éxito de Esther aumenta, el de Norman declina y esa situación lo empuja a la autodestrucción. (FILMAFFINITY)
Premios:
1954: Oscar: 6 nominaciones, incluyendo actor (Mason) y actriz (Garland)
1954: Globos de Oro: Mejor actor (Mason) y actriz (Garland) – Musical/Comedia
1954: Círculo de Críticos de Nueva York: 2 nominaciones
1954: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
1954: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
1954: National Board of Review: Top 10 Mejores películas
1955: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz extranjera (Judy Garland)
Hay escenas calcadas en esta segunda versión y el metraje adicional se aporta por las canciones de Judy Garland que da un recital interpretativo.
La parte musical corre a cargo exclusivamente por sus intervenciones, en general números musicales muy bien confeccionados que aportan poco a la trama, pero la dan calidad.
James Mason demuestra lo buen actor que es y hace fenomenal su papel de alcohólico.
Se experimentan sentimientos encontrados sobre este personaje. Se le quiere por su empeño de hacer de una maravillosa Judy Garland una estrella. Pero por otro lado se le detesta por esa tendencia terrible autodestructiva, que contamina su entorno.
A pesar de su largo metraje, me parece mejor que su predecesora.
Esta ficción original del humorista Berto Romero llega a Movistar+, donde la historia gira en torno a una pareja formada por un cómico y presentador de televisión y una joven médico anestesista que acaban de ser padres, explorando así el concepto de paternidad y cómo la vida de uno se ve alterada por el nacimiento de un hijo. Además, la serie cuenta con dotes autobiográficas del propio Berto, con el objetivo de mostrar lo difícil que puede ser resultar esta experiencia. La serie construida como una sitcom en cuanto a duración, consta de seis capítulos grabados en Barcelona. La serie, además, está protagonizada por el propio Berto, Mariano Venancio, Chete Lera, Eva Ugarte o Anna Carreño, entre otros.
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Comentario:
Berto nos intenta dar una visión de la paternidad este siglo XXI.
Es un acierto que se interprete a sí mismo y nos dé la impresión de ver un documental de su experiencia como padre.
Elena y yo recordamos con nostalgia los primeros años de nuestros hijos. Éramos muy jóvenes y poco preparados, en esos tiempos no había YouTube, ni siquiera internet.
En absoluto nos pareció una experiencia difícil, ni traumática.
Por ello nos impresiona de demasiado hipérbólico este relato, en el que la maternidad se vivencia como una tortura insuperable.
Pero aún así, tiene bastante gracia.
Especialmente la presencia de esos miedos a qué lo que se hace mal en los primeros días o meses de vida repercuta en el futuro de tu hijo.
En mi época llevabas al niño al colegio que te tocaba y listo. Ahora se elige el sistema educativo de la guardería. Este asunto da para episodios muy hilarantes.
Esta primera temporada son seis episodios de poco más de 20 minutos y se ve en un suspiro.
Me he divertido mucho.
Supongo que muchos padres recientes se verán retratados. Un servidor desde luego que no.
Álex Pina y Esther Martínez Lobato, responsables de ‘La casa de papel’, vuelven con ‘El embarcadero’ (‘The Pier’), drama actual protagonizado por Verónica Sánchez (‘Sin identidad’), Álvaro Morte (‘La casa de papel’) e Irene Arcos (‘Vis a vis’). La serie está protagonizada por dos mujeres, Alejandra (Sánchez), una arquitecta metódica que busca la perfección hasta rozar lo obsesivo, y Verónica (Arcos), cuyos destinos se cruzan tras la repentina muerte de Óscar (Morte), el hombre con el que compartían, aunque por separado, sus vidas. En la vida de Alejandra todo es perfecto hasta que aparece muerto su marido Óscar, uniendo así su destino con el de Verónica, con la que Óscar mantenía una relación extra-matrimonial desde hace años en una zona rural cercana al Parque Nacional de la Albufera (Valencia). La muerte de Óscar provocará en Alejandra la necesidad de descubrir los motivos que le llevaron a alejarse de ella y enamorarse de Verónica.
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Comentario:
Una compañera de trabajo le habla entusiasmada a Elena sobre esta serie.
Comienza como un thriller para convertirse en una drama/enredo pseudo-romántico.
Toda la trama gira alrededor del trío Óscar, Alejandra y Verónica. Usando como recurso central continuos flashbacks.
La historia principal es adornada por subtramas que aportan poco, incluso molestan. Como es el caso de la escapada de Ada en el último capítulo que claramente nos indica que esta serie lleva la intención de tener segunda temporada, y efectivamente no se termina de resolver.
He tenido la ingrata sensación de estar perdiendo el tiempo.
Vivimos en un tiempo con cientos de magníficas series y ver una regulera produce una clara insatisfacción.
El personaje de Verónica, interpretado por Irene Arcos, me parece demasiado idílico, muy irreal.
Verónica Sánchez, la esposa cornuda, hace un esfuerzo importante para dar vida a Alejandra, pero no siempre lo consigue.
La que más me ha gustado es Marta Milans que interpreta a Katia, una mujer liberada y conocedora de su situación de “la otra“. La relación con su hija es más que interesante (Judit Ampudia).
El peor de este reparto es Álvaro Morte, torpemente inexpresivo.
Es difícil valorar una producción de manera ecuánime en la vorágine que representa un festival. En tan solo 9 días terminas viendo cuarenta pelis.
Ahora con este visionado más tranquilo y más reposado he encontrado detalles que se me habían pasado por alto. Compruebo lo buen director que es Carlos Vermut que impregna sus pelis de esos puntitos de calidad.
Su peli tiene algo de drama almodovariano, de tragedia total.
No puedo resistir la tentación de contar la peli a través de sus personajes. Si no la has visto deja de leer, a partir de aquí todo son spoilers.
Violeta (impresionante Eva Llorach) es fan absoluta de una cantante retirada. Se dedica a imitarla en un karaoke. Amargada y triste por la relación con su hija (una hijaputa). No ha tenido suerte en la vida. Destinada a la melancolía.
Lila (Najwa Nimri) después de una parada cardíaca sufre amnesia.
La Lila de antes del suceso se nos muestra a través de su casa y se puede concluir que era gilipollas.
Crudíbora, engreída, egocéntrica y con una crisis creativa que le duraba desde la muerte de su madre, desde hace 10 años.
Tiene que aprender a ser Lila Cassen la gran artista y para ello recurre a Violeta que le tiene que enseñar a volver a ser ella misma, o la imitación de ella misma.
Cuando murió su madre perdió su fuente creativa que va a encontrar en su nueva amiga.
Porque Lila es un fraude es solo una imitadora y termina siendo una imitadora de una imitadora.
Blanca (Carme Elías) es la sempiterna acompañante de Lila. Confundida por el bache creativo de su admirada cantante. La falta de sinceridad de Lila la tiene molesta. Entre ellas ha habido algo más que amistad. Un personaje que ha dedicado su vida de manera baldía.
Marta (espeluznante Natalia de Molina), una poligonera zumbabacala, inculta y sin moral. No comprende a su madre.
Su vida pasa por tener un móvil con mejor cámara, comer pipas delante de la tele y bailar en botellones de zonas industriales.
Mantiene una situación de sometimiento a su madre.
Necesita una buena bofetada que busca en riñas de niñatas.
Hay una historia oscura, que no se cuenta.
Marta y Violeta se fueron de Madrid, tal vez, huyendo de un maltratador y la hija aprendió de su malvado padre a torturar a su madre.
Historias tristes de mujeres rotas.
Quién te cantará es una de las mejores pelis de 2018, injustamente tratada en los Goya, donde no tuvo hueco para ser nominada a mejor peli.
Menos mal que la crítica le dio el premio en San Sebastián.
Una semana más, Mónica Gallo, Diego Gismero y Ramón Bernadó, reunidos en torno a los micrófonos de EsRadio Guadalajara para comentar la actualidad cinematográfica.
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Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
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Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
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Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
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Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
Guillermo Chicharro: dirección, guión, banda sonora original y producción.
Juan Segovia: vídeo, sonido, edición y montaje.
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Comentario:
Guillermo Chicharro fue compañero de clase en el colegio y en el instituto de mi hija Marta.
Ella siempre nos ha contado anécdotas de su época escolar.
Se dedicaba a escribir poesías que daba a mi hija para que las leyera.
Un virtuoso de la guitarra ha triunfado en el mundo de la música.
Presenta este corto (o mediometraje?) documental en el EJE de Azuqueca de Henares.
Por medio de Marta nos reservan dos entradas.
Acudimos pronto para coger buen sitio.
Chicho presenta su película. Una aventura que nace de una canción que da pie a realizar un homenaje a su abuela Julia Casas y a su pueblo natal Santotís, en Sierra Gorda.
Nos lee emocionado, con un público entregado, la presentación de su documental.
Comete, el error de contarnos las intenciones y el mensaje de su peli. Yo hubiera preferido descubrirlo durante su visionado.
El corto tiene una magnífica factura técnica, con una voz en off en tono poético y con imágenes potentes, bellas y tristes, con fotos de la época muy ilustrativas y las declaraciones de Julia y su tío Pedro.
La música excelente acompaña todo el metraje.
Es la historia paralela de una aldea abandonada y de su abuela que tuvo que emigrar.
El recuerdo nostálgico de la vida rural, sencilla, ecológica, armoniosa…
Me ha impresionado el relato de la expropiación de las tierras y las casas de esta aldea, por designios de un gobierno que posiblemente no veía rentable la existencia de un pueblo alejado y que prefería que sus habitantes engrosaran la mano de obra barata de las fábricas que nacían alrededor de las grandes urbes.
Ahora nos encontramos que unos jóvenes que quieren restaurar lo que nadie quiere, lo abandonado, para llevar esa vida sencilla rural, se encuentran que son penalizados. Sorprendente e injusto.
Chicho ha realizado una peli sensible, profunda, llena de emoción, de sentimiento, de cariño, de poesía, de reivindicación.
Espero que tenga éxito en festivales.
David el proyeccionista del cine del EJE, me recomendaba a la salida que fuera generoso que “estaba empezando en esto del cine“.
Se trata de un biopic que retrata cómo la voluntad de una mujer puede conseguir cambiar las leyes.
Ruth Bader Ginsburg consigue entrar en una de las facultades más elitistas de los USA, por su valía (es lo que nos cuentan), pero también por la pasta de la familia (eso lo obvian).
Gracias a su empuje consiguió convencer a un tribunal que las leyes son mejorables y que hay que cambiarlas para adaptarse a las nuevas sociedades.
La peli es muy de manual, sigue bien los cánones de este tipo de pelis que trasmite valores, buenos valores.
Soy muy de tramas judiciales, además creo que como los juicios americanos no hay ninguno. No olvidemos que me crié viendo a Perry Mason y Arresto y juicio.
La peli funciona, sin originalidad, pero con la convicción de la justicia del feminismo, convirtiéndose en un magnífico alegato para los que quieren retroceder en los derechos de las mujeres y de los ciudadanos en general.
Reconozco que me emocionó Felicity Jones (maravillosa) en su alegato ante ese jurado que pone caritas de aprobación al oírla.
Una serie violenta como Vikingos no viene mal de vez en cuando.
Esta quinta temporada te lleva a luchar contra los ingleses, a pasear por las arenas del desierto del Sahara, a navegar por el Mediterráneo, a descubrir las tierras volcánicas de Islandia y a las guerras fratricidas (nunca mejor dicho) entre los propios vikingos.
Porque las ansias de poder y la venganza son los motores que mueven a estos reyezuelos a enfrentarse de manera inmisericorde.
Desde las primeras temporadas hasta ahora la producción se ha multiplicado. Lo que en los capítulos iniciales eran poco más que escaramuzas, ahora son batallas legendarias, con la dosis prudente de sangre y desmembramientos.
Sigue habiendo personajes muy interesantes
Sigo siendo incondicional de Lagertha. Comprendo a sus sus seguidores. Si tú me dices ven, lo dejo todo.
No esta octava maravilla, pero me lo paso fenomenal con estas hemoglobínicas guerras.
El director de esta peli es Christopher Landon, hijo de Michael Landon. Sí ese Landon. El hijo pequeño de Bonanza, el de Autopista hacia el cielo o la inefable La casa de la pradera.
Es curioso que su hijo se dedique a hacer pelis de terror, destrozando el género para subvertirlo en comedia gamberra juvenil.
Mezcla descaradamente la idea de El día de la marmota (Atrapado en el tiempo) y Regreso al Futuro 2.
Su guión no es que sea precisamente sólido, pero la peli funciona porque es desvergonzadamente burlona y juguetona y se ríe de su antecesora para dejar de disimular y con la coartada de cine de terror componer una comedia atrevida, insolente y ligera.
Su falta de pretensiones, su ligereza es la mayor de sus bazas. En ningún momento engaña al espectador. Desde el primer momento te dice que vas a ver lo mismo que en la primera entrega, pero con una vuelta de tuerca que te va a hacer reír más.
La otra gran baza es la encantadora Jessica Rothe que se va a erigir como la nueva reina de la comedia gamberra, sustituyendo a Cameron Díaz. Un relevo puramente generacional.
La peli ni te hace pensar, ni tiene reflexiones inteligentes, ni te emociona, pero te divierte sin más.
Como no gastas más de un 10% de tu capacidad cerebral, sales fresco como una lechuga, dispuesto a releer Breve historia del tiempo de Stephen Hawking.
Mónica Gallo, Diego Gismero y un servidor nos atrevemos a analizar las ocho películas nominadas a los Oscar y hacemos nuestra porra particular, sin temor a equivocarnos:
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Black Panther
La Favorita
Roma
Green Book
Ha Nacido una Estrella
El Vicio del Poder
Infiltrado en el KKKlan
Bohemian Rhapsody
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Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
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Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
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Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
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Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
Se nota la mano en la producción de James Cameron.
Como ya demostró en Avatar de 2009, el canadiense sabe reciclar ideas ya usadas para crear productos atractivos, que en sus partes no son originales, pero que en su conjunto son muy resultones.
Con esa capacidad de recrear mundos distópicos muy intensos visualmente, que por otra parte a mí me entusiasman.
Alita combina animación e imagen real con una perfección técnica inusitada que permite hacer creíble lo inverosímil.
Estamos hablando de un manga con sus características intrínsecas: peleas a lo oriental, competiciones llenas de velocidad, grandes ojos, trama con política incluida…
En esta Alita hay también elementos de western cyberpunk, como la presencia de los cazarrecompensas y yo me atrevo a ver similitudes en algún popular juego de PC como StarCraft.
El conjunto resulta muy entretenido, pero nada original.
Michael Paré, Diane Lane, Rick Moranis, Willem Dafoe, Amy Madigan, Bill Paxton,Richard Lawson, Elizabeth Daily, Rick Rossovich, Marine Jahan, Stoney Jackson,Deborah Van Valkenburgh, Grand L. Bush, Mykelti Williamson, Robert Townsend
Productora
Universal Pictures / RKO Pictures / A Hill-Gordon-Silver Production
Género
Acción. Thriller. Drama. Romance. Musical | Película de culto. Western futurista.Música. Crimen. Neo-noir. Secuestros / Desapariciones. Bandas/pandillas callejeras
Sinopsis
En medio de un panorama de desenfreno y rocanrol, la banda de los Moteros terroristas, capitaneada por el vicioso Raven Shaddock (Willem Dafoe), secuestra a la diva de la canción Ellen Aim (Diane Lane). Su única esperanza es ser rescatada por unos héroes atípicos: el cazafortunas Tom Cody (Michael Paré) y su ayudante McCoy (Amy Madigan). Ambos, ayudados por el mánager de Ellen (Rick Moranis), se adentran en un mundo de coches calientes y asesinos mortales. (FILMAFFINITY)
Premios
1984: Festival de Sitges: Mejor actriz (Amy Madigan)
1984: Premios Razzie: Nominada a Peor actriz secundaria (Diane Lane)
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Comentario:
Una peli muy ochentera, que cuando la vi en la tele en los noventa no me gustó y que revisito por recomendación de mi admirado Javier Ocaña.
Un western urbano con personajes tópicos, con una trama ligeramente inverosímil a la que hay que pillarle el tilín.
Yo sigo sin pillárselo.
El protagonista me parece un chulo barato de discoteca.
La chica una sosa, nominada a los Razzie con toda justicia. Eso sí, muy guapa Diane Lane.
Rick Moranis insoportable.
Willem Dafoe un malo de pacotilla, aunque es el mejor personaje.
La trama se desarrolla entre la burla, la comedia chusca y el western trasnochado de baja estopa.
Con un montaje torpe y trasnochado.
No me convenció hace treinta años, ni ahora tampoco.
Guion: Dorothy Parker, Alan Campbell, Robert Carson (Argumento: William A. Wellman, Robert Carson)
Música: Max Steiner
Fotografía: W. Howard Green
Reparto: Fredric March, Janet Gaynor, Adolphe Menjou, May Robson, Andy Devine,Lionel Stander, Franklin Pangborn, Owen Moore, Peggy Wood, Dennis O’Keefe
Productora: United Artists / Selznick International Pictures
Género: Drama. Comedia | Cine dentro del cine
Premios: 1937: Oscar: Mejor argumento original. 7 nominaciones
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Comentario:
Inicio con esta peli el llamado (por mí) Proyecto A Star is Born.
El objetivo es ver las cuatro versiones y compararlas.
Empiezo por orden cronológico.
Esta primera versión no es para nada musical.
La protagonista (Janet Gaynor) es una chica de pueblo que quiere ser una actriz de cine, pero de las famosas.
El resto ya es conocido.
Es una peli aceptable que se ve con cierta ternura pues tiene ese toque simple, algo infantil y nostálgico de la época, donde no hay malos.
El tema del alcoholismo es tratado con dulcificación. Es como si solo bebiera vino moscatel.
Muy en su estilo la abuela May Robson.
Andy Devine deja las riendas de La diligencia para ser el amigo bueno de la chica.
Fredirric March, tal vez fuera un galán de la época, pero a mí me convence más Janet Gaynor.
John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, Andy Devine, George Bancroft,Donald Meek, Louise Platt, John Carradine, Berton Churchill, Tom Tyler, Tim Holt
Productora
United Artists
Género
Western
Sinopsis
Personajes muy variopintos emprenden un largo, duro y peligroso viaje en diligencia. Entre ellos, un fuera de la ley en busca de venganza, una prostituta a la que han echado del pueblo, un jugador, un médico, la mujer embarazada de un militar, un sheriff. Las relaciones entre ellos serán difíciles y tensas. Además, durante el viaje, tendrán que afrontar el ataque de una partida de indios apaches. (FILMAFFINITY)
Premios
1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell), bso (adaptada). 7 nominaciones
1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director
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Comentario:
La diligencia de Ford marca un antes y un después en el western.
Sus personajes se convierten en los estereotipos que definirán el cine del Oeste.
El médico borrachín, el jugador sureño, la señora muy digna ella, la chica de mala vida, el banquero estafador (de eso sabemos mucho casi un siglo después), el sherif de buen corazón, el cochero cobarde, el vendedor de güisqui, los hermanos malvados y traidores…
Monument Valley será el mejor paisaje para el género.
Jerónimo será el renegado más malo.
El Séptimo de caballería a partir de entonces acudirá en auxilio al ataque de los indios.
Y Jonh Wayne será el héroe. El icono que dará nombre a estas películas. Porque de niño yo acudía al cine a ver una peli de “Juan Vaine”. Ya fui mayor cuando descubrí que había alguien que las dirigía y que se llamaba John Ford y desde entonces los reverencio a los dos.
Tiene elementos cinematográficos indiscutibles además de novedosos.
Me asombra como viajan en esa cabina de carruaje siete personas y como Ford es capaz de meterse con la cámara, dando la sensación de aprisionamiento como si fuera el gran precedente del camarote de los Hermanos Marx.
A Ford, queda claro después de ver La diligencia, que le da igual “el eje“. Ese dogma de fe de todo académico cineasta, el director se lo salta a la torera constantemente, demostrando que la acción y la narración si están bien montadas no precisan del sacrosanto “eje”.
Guion: Juan de Orduña, Vicente Escrivá (Historia: Ángel Fernández Marrero, Clemente Pamplona)
Música: Juan Quintero
Fotografía: Theodore J. Pahle, Mariano Ruiz Capillas (B&W)
Reparto: Aurora Bautista, Fernando Rey, Virgilio Teixeira, Eduardo Fajardo, Manuel Luna,José Bódalo, Fernando Fernández de Córdoba, Guillermo Marín, María Asquerino,Manuel Arbó, Fernando Aguirre, Juan Espantaleón, Raúl Cancio, Aníbal Vela,Nicolás D. Perchicot, Pablo Álvarez Rubio, Juan Vázquez, María Cañete,Valeriano Andrés, Eugenio Domingo, Fernando Nogueras, Fernando Sancho,Antonia Plana, Francisco Pierrá, José Orjas, Pilar Muñoz, Arturo Marín, José Jaspe,Rosario García Ortega, Félix Fernández, Adriano Domínguez, Alfonso de Córdoba
Productora: CIFESA
Género: Drama | Biográfico. Guerra de la Independencia Española. Siglo XIX
Sinopsis: Durante el asedio de las tropas francesas de Napoleón a la ciudad de Zaragoza, Agustina, joven prometida a punto de contraer matrimonio, se ve implicada en un asunto secreto del Estado. Encendida de patriotismo, decidida y valiente, se pone al frente de los aragoneses, a los que estimula y anima con su valor y su patriotismo. Agustina rompe con su prometido al enterarse de que se ha vendido a los franceses y se enamora de un bravo baturro llamado Juan. Animados por Agustina, figura inmortal en la historia de España, los aragoneses logran arrojar a los franceses de su territorio y obtener la victoria para ellos y para su patria. (FILMAFFINITY)
Donde por medio de más de 150 películas se representa el papel de la mujer en el cine español.
Entre los cortes estaba uno de esta Agustina de Aragón de Juan de Orduña del año 1950.
Recuerdo bien haber visto esta peli en la tele en mi infancia, en más de una ocasión. Desde entonces no la había revisitado.
Al ver el pedazo de peli dentro del documental algo de ardor patriótico se revolvió en mi corazón.
Como zaragozano de cuna y de vocación hay elementos irracionales que mueven mis sentimientos.
Por ejemplo cuando oigo una jota me emociono. O cuando alguien habla de la Virgen del Pilar o de los sitios de Zaragoza. No lo puedo evitar se mueven sentimientos de nostalgia o de sensibilidad inexplicables en un tío curtido y frío como yo.
Mi interés era máximo al volver a ver esta peli para comprobar si la emoción que me causó en la infancia se revivía cincuenta años después.
Se anuncia así misma como una “Superproducción de CIFESA“.
Efectivamente para la época de autarquía y hambre que vivía la España de la posguerra es una gran producción, con muchos extras y figurantes y con gran despliegue de pólvora y caballería.
Un cartelito antes de empezar la peli en sí aclara el cómo (se ve arriba). La colaboración del ejército español, perdón del “glorioso” ejército español.
Chocante llamar al Pilar “Santuario de la Raza”. Me pregunto ¿de qué raza?
Queda claro desde antes de empezar que Agustina de Aragón es una peli de propaganda patriótica y como tal hay que aceptarlo.
Aurora Bautista ocupa casi el 100% de los planos de la peli. Una buena actriz que cuando se pone dramática se le va la olla y se pasa de rosca.
En la trama el gabacho francés es malvado, lujurioso y torpe. Impresionante José Bódalo haciendo de lascivo oficial imperial.
Es entretenido reconocer a los actores que llenaron mi infancia: Aurora Bautista, Fernando Rey, Manuel Luna, Fernando Fernández de Córdoba, Guillermo Marín, María Asquerino entre otros.
La peli resulta entretenida y reconozco que me emocioné (de nuevo como un niño) con los llamamientos de la catalana Agustina a la lucha hasta la muerte.
Me llamaron la atención los guiños idiomáticos que se presentan al principio de la peli, con catalanes y valencianos hablando en sus lenguas.
La peli en algunos momentos resulta pueril y excesiva en otros. Los personajes son simplistas y todo discurre a ritmo de manual de cine patriótico de la época.
Pero no me ha disgustado.
Me da cierta tranquilidad. Si volviera la tele única con películas de este corte lo podría soportar. Es lo que tiene ser cinéfago de buena boca.
Raymond Chandler, Billy Wilder (Novela: James M. Cain)
Música
Miklós Rózsa
Fotografía
John F. Seitz (B&W)
Reparto
Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson, Tom Powers, Porter Hall,Jean Heather, Byron Barr, Richard Gaines, Fortunio Bonanova, John Philliber,Bess Flowers, Miriam Nelson
Productora
Paramount Pictures
Género
Cine negro. Intriga. Thriller | Crimen
Grupos
Adaptaciones de James M. Cain
Novedad
Sinopsis
En la ciudad de Los Angeles un agente de una compañía de seguros (Fred MacMurray) y una cliente (Bárbara Stanwyck) traman asesinar al marido de esta última para así cobrar un cuantioso y falso seguro de accidentes. Todo se complica cuando entra en acción Barton Keyes (Edward G. Robinson), investigador de la empresa de seguros. (FILMAFFINITY)
Premios
1944: 7 nominaciones al Oscar, incluyendo película, director, actriz y guión
1944: Círculo de críticos de Nueva York: 2 Nominaciones
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Comentario:
Lo primero pedir disculpas a mis amigos del Taller de Cine de Azuqueca de Henares.
He tardado demasiado tiempo en colgar esta crítica, por razones técnicas.
Eso me permite fagocitar los comentarios y análisis que hemos realizado en el debate posterior a su visionado.
Siempre aprendo y disfruto de todos ellos.
Una de mis pasiones, además de ver pelis, es hablar de ellas. El contraste de opiniones, de puntos de vista es muy enriquecedor.
Agradecer a Jose y Susana la selección de esta peli en la programación del Taller.
Se trata de una de mis pelis favoritas. De la que disfruto con todo, incluso con sus (maravillosos) defectos.
Pero además agrego que cada vez que la veo compruebo que mejora con los años.
Yo también haría cualquier barbaridad por una Barbara Stanwyck como la de Doble indemnización y desde luego que dejaría arrastrar por ella a la perdición.
Desde que vi esta peli en la tele de mi casa cuando ya tenía una edad, cada vez que me fijo en una pulsera de tobillo se me encienden las pasiones. Es un acto reflejo. La huela que Perdición ha dejado en mí.
2006: 3 nominaciones al Oscar: Mejor guión adaptado, fotografía, montaje
2006: 2 Premios BAFTA: Mejor diseño de producción y fotografía. 3 nominaciones
2006: Festival de Venecia: Mejor contribución técnica (escenografía)
2006: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a Mejor fotografía
2006: Asociación de Críticos de los Angeles: Mejor fotografía
2006: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Fotografía
2007: Premios Sur: Nominada a mejor película extranjera
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Comentario:
Vuelvo a ver esta maravilla de peli.
Me detengo a revisar algunos planos-secuencia que me parecen tan impresionantes que no dejan de aturdirme, por mucho que los contemple.
No me extraña que esta peli se estudie en las facultades de cine.
Otro de los elementos que me entusiasma es ese futuro distópico más cercano que nunca con Brexit, Trump y Vox llamando a nuestra puerta.
Uno de los argumentos de la peli es la utilización política de la maternidad que ahora estamos viviendo en nuestras carnes en esta precampaña que padecemos.
Una peli tremendamente actual, filmicamente impresionante. Una maravilla. Una obra maestra.
Ahora en pleno siglo XXI hay que ser muy fuerte para triunfar como mujer.
Se pueden contar con los dedos de las manos las presidentas de gobierno en el mundo.
Durante el siglo XVI hubo dos mujeres que reinaron en Escocia e Inglaterra y fueron rivales.
María de Escocia e Isabel de Inglaterra tuvieron que tener un poderío y una personalidad tremendas para conseguir imponerse en un mundo solo de hombres.
La peli que dirige Josie Rourke es sobre todo un film político, centrado en los avatares políticos, pero también el retrato personal de estas dos mujeres, con sus debilidades y fortalezas.
Destacar un vestuario y, sobre todo, un maquillaje perfectos. Con esa cara de Margot Robie sembrada de viruela recubierta con un grueso espesor de crema, para disimularla sin conseguirlo.
A mi la peli del griego me pareció claramente misógina, en cambio ésta de la británica me parece descaradamente feminista y con una mirada moderna de la historia.
Me arrodillo y las adoro a las dos protagonistas Saoirse Ronan y Margot Robbie.
Estudios: Akzente Film- und Fernsehproduktion,Studio Canal
Distribuidora: Karma Films
No recomendado menores de 12 años
Fechas de estreno
España: 20 Julio 2018
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Comentario:
El terrible abismo en el que pueden caer este tipo de historias es el del maniqueísmo y la ideologización.
La revolución silenciosaplantea el problema de hasta dónde te puede arrastrar la integridad moral.
Este tipo de cuestiones se plantean en las sociedades donde no existe libertad de expresión.
Aunque en la Democracia española actual nos hemos enfrentado a disturbios judiciales que han cercenado la libertad de expresión y provocado la autocensura.
Otra de las cuestiones planteadas es la información veraz y la manipulación de la noticia en interés partidista, cuestión que también vivimos en esta segunda década de este nuevo siglo XXI en nuestro país.
En definitiva problemas que se viven en la Alemania de la RDA en la década de los cincuenta, pero con son intemporales y universales.
Una peli magnífica, con un grupo de jóvenes protagonistas que cumplen a las mil maravillas con su papel.
Una producción más que recomendable.
Me encanta esa fotografía gris, que retrata tan bien esa época.
No puedo remediarlo las apocalipsis me entusiasman.
Aquí el elemento perturbador de la Fuerza en una especie de sombra, que el que la ve queda dominado por instintos autolíticos. Lo que aporta buenos momentos gores.
Interesante que los malos, los psicópatas, se vuelvan servidores de ese extraño poder.
El guión resulta lo bastante retorcido como para que sea muy interesante.
Tal vez, solo sea una vuelta de tuerca más a la misma idea, pero es una vuelta de tuerca novedosa.
Al final la trama es una road movie en barca que cambia la vida de los tres supervivientes.
El happy end ayuda a su comercialidad, aunque su trayecto narrativo es bastante cruel.
La multioperada Sandra Bullock hace bien su papel de sufridora (por enésima vez). Nunca me gusto esta actriz. Lo siento.
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