Se podría decir que estamos ante una película de monstruos que son custodiados por dos mercenarios de élite que se lían.
Eso es cierto, totalmente cierto, pero este film tiene una carga psicológica mucho más profunda.
Los “hombres huecos” hacen referencia directa al poema homónimo de T.S. Eliot, publicado en 1925.
Los “hombres huecos” representan una sensación de vacío existencial, desilusión y trauma, temas que resuenan con las experiencias de los personajes principales, Levi y Drasa.
Este concepto alude a personas traumatizadas por la guerra, cuya alma se ha vaciado, quedando solo una “cáscara”.
La película utiliza la imagen de los “hombres huecos” para describir a las criaturas que habitan el abismo, sugiriendo que son seres despojados de su humanidad.
También se utiliza para describir a los personajes principales, ambos soldados que están “huecos” por dentro.
La referencia al poema de Eliot, añade profundidad a la trama, elevándola más allá de un simple thriller de acción.
Esa relación “a distancia” entre Drasa y Levi funciona muy bien, con guiño a Gambito de dama incluido.
La parte final con la batalla de los monstruos se alarga demasiado y se resuelve perezosamente.
Anya Taylor-Joy está espléndida. Miles Teller correcto.
Está fuera de duda que la chica de Miami se está consagrando como una de las grandes del cine actual.
Mi puntuación: 6,58/10.
Dirigido por Scott Derrickson:
Scott Derrickson: El maestro del terror y los superhéroes
Scott Derrickson, nacido el 16 de julio de 1966 en Denver, Colorado, es un director, guionista y productor estadounidense que ha dejado una marca indeleble en el cine de terror y de superhéroes.
Su habilidad para crear atmósferas tensas y explorar temas oscuros y sobrenaturales lo ha convertido en un referente del género.
Derrickson estudió en la Universidad de Biola y en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California, donde perfeccionó su oficio.
Su fe cristiana a menudo se refleja en sus películas, que exploran temas de espiritualidad y la lucha entre el bien y el mal.
Filmografía destacada:
El exorcismo de Emily Rose (2005): Una película de terror psicológico basada en la historia real de Anneliese Michel, que recibió elogios de la crítica por su atmósfera inquietante y sus actuaciones convincentes.
Ultimátum a la Tierra (2008): Una nueva versión del clásico de ciencia ficción de 1951, protagonizada por Keanu Reeves.
Sinister (2012): Una película de terror sobrenatural que sigue a un escritor que descubre una serie de videos caseros perturbadores que revelan asesinatos rituales.
Líbranos del mal (2014): Una película de terror policial basada en el libro de Ralph Sarchie, que sigue a un policía de Nueva York que investiga una serie de crímenes inquietantes.
Doctor Strange (2016): Una película de superhéroes de Marvel que fue un gran éxito comercial y de crítica, y que introdujo al personaje de Doctor Strange en el Universo Cinematográfico de Marvel.
The Black Phone (2021): Una película de terror aclamada por la crítica, basada en un cuento de Joe Hill, que sigue a un niño secuestrado que recibe llamadas de las víctimas anteriores del secuestrador.
Proyectos futuros:
The Black Phone 2: La secuela de su exitosa película de terror, que promete ser aún más aterradora.
El abismo secreto: Una nueva película que se acaba de estrenar en Apple TV+.
Scott Derrickson continúa desafiando las expectativas y cautivando al público con su visión única y su habilidad para crear películas que son tanto aterradoras como reflexivas.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
La montadora, guionista y directora Helena Taberna se basa en la novela de Isaac Rosa, que ha guionizado Virginia Yagüe, para mostrarnos el deterioro progresivo de una relación de pareja.
Un relato minucioso, realista y descarnado, cocinado a fuego muy lento, lo que repercute en el ritmo de la película, que se hace cansina y que se percibe como morosa en su desarrollo.
María Vázquez sabe trasmitirnos emociones, transmutándose de muchacha emocionada a mujer dolida y desgastada.
Más plano, pero también eficaz, está Pablo Molinero, con el que empatizo menos que con el personaje de María.
Cualquier persona que haya sufrido una ruptura se puede ver identificado.
Este biopic de Bob Dylan que centra en sus primeros años.
No es un retrato amable del compositor, más bien deja entrever aspectos turbios de su personalidad.
Sus relaciones sentimentales se manifiestan como superficiales y poco entregadas por parte de Dylan.
Tampoco demuestra ser agradecido con personajes que catapultaron su carrera como Pete Seeger.
Se manifiesta bien en la película su ansia por el éxito y su rechazo a la fama, dando un aspecto huraño de su personalidad.
No he sido un gran seguidor de Dylan, por ello me resulta asombroso que todos los temas que se interpretan en la película me resulten conocidos, incluso, familiares. Lo cual viene a confirmar la gran influencia que ha tenido este artista en la cultura popular.
Tal vez, mi música preferida ha sido la de los cantautores en castellano. Siempre me ha gustado que me contaran historias.
Como nunca he entendido nada de inglés los temas de Bob me resultaban extraños y no conseguí conectar con ellos. Viendo esta película me ha encantado conocer las letras de sus canciones.
James Mangold demuestra ser un grandísimo director de actores. extrae oro puro del gran protagonista Timothée Chalamet que se transmuta en Dylan sin que deje atisbo de duda.
El resto del reparto está magnífico.
Me costó reconocer a Edward Norton.
Elle Fanning y Monica Barbaro están colosales.
He leído críticas dispares.
Me complace coincidir con Carlos Boyero, que, esta vez, sí ha salido emocionado de la proyección.
Es extraño que Don Carlos y yo estemos muy en sintonía últimamente.
Mi puntuación: 8,89/10.
Bob Dylan: El trovador eterno, entre la genialidad, el misterio y la revolución musical
Bob Dylan, nacido como Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, es una figura emblemática de la música y la cultura popular del siglo XX.
Su trayectoria abarca más de seis décadas, durante las cuales ha influido profundamente en diversos géneros musicales y movimientos culturales.
Biografía Personal y Artística
Infancia y Juventud
Criado en una familia judía en Hibbing, Minnesota, Dylan mostró desde temprana edad un interés notable por la música.
Autodidacta, aprendió a tocar el piano y la guitarra, y durante su adolescencia formó parte de varias bandas locales.
En 1959, se matriculó en la Universidad de Minnesota, donde comenzó a sumergirse en la escena folk local y adoptó el nombre artístico de Bob Dylan.
Ascenso en la Escena Folk
En 1961, Dylan se trasladó a Nueva York con el objetivo de conocer a su ídolo, Woody Guthrie, quien se encontraba hospitalizado.
Durante este período, se integró en la vibrante escena musical de Greenwich Village, ganando reconocimiento por sus interpretaciones en clubes locales.
Su talento lo llevó a firmar un contrato discográfico y, en 1962, lanzó su álbum debut homónimo.
Evolución Musical y Reconocimientos
A lo largo de su carrera, Dylan ha explorado una amplia gama de estilos musicales, desde el folk y el rock hasta el country y el blues.
Su capacidad para reinventarse constantemente ha sido una de las claves de su longevidad artística.
En 2016, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura por “haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”.
Carácter y Relación con las Drogas y el Alcohol
Carácter Enigmático
Dylan es conocido por su naturaleza reservada y enigmática.
A pesar de su prominencia pública, ha mantenido su vida personal en privado, evitando en gran medida los reflectores mediáticos fuera del escenario.
Esta actitud ha contribuido a forjar una imagen misteriosa que intriga tanto a seguidores como a críticos.
Relación con las Drogas y el Alcohol
Durante la década de 1960, Dylan experimentó con diversas sustancias, incluyendo el LSD.
Estas experiencias coincidieron con una evolución en su estilo compositivo, adoptando una lírica más abstracta y simbólica.
Sin embargo, en entrevistas posteriores, ha minimizado la influencia de estas sustancias en su proceso creativo, sugiriendo que su uso fue más circunstancial que fundamental en su desarrollo artístico.
Canciones Más Exitosas y Ventas
A lo largo de su prolífica carrera, Bob Dylan ha compuesto numerosas canciones que han dejado una huella indeleble en la música popular.
A continuación, se destacan algunas de sus composiciones más emblemáticas:
Like a Rolling Stone: Considerada una de las mejores canciones de todos los tiempos, fue grabada en 1965 para el álbum Highway 61 Revisited.
Blowin’ in the Wind: Lanzada en 1963 en el álbum The Freewheelin’ Bob Dylan, esta canción se convirtió en un himno de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra.
The Times They Are A-Changin’: Título principal del álbum de 1964, esta canción refleja los cambios sociales y políticos de la época.
Mr. Tambourine Man: Incluida en el álbum Bringing It All Back Home de 1965, esta composición fue popularizada por The Byrds, alcanzando gran éxito en las listas musicales.
Lay Lady Lay: Parte del álbum Nashville Skyline de 1969, esta canción ha sido versionada por más de 40 artistas a lo largo de los años.
En cuanto a las ventas, aunque es difícil precisar cifras exactas para cada canción, se estima que Bob Dylan ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo a lo largo de su carrera.
Su álbum recopilatorio Bob Dylan’s Greatest Hits, lanzado en 1967, ha sido certificado cinco veces como disco de platino en Estados Unidos, consolidándose como uno de sus trabajos más vendidos.
Conciertos en España y Asistencia de Público
Bob Dylan ha mantenido una relación constante con el público español, ofreciendo múltiples conciertos en diversas ciudades a lo largo de su carrera.
A continuación, se detallan algunas de sus presentaciones más destacadas en España:
Gira de 1984: Como parte de la gira europea junto a Carlos Santana, Dylan actuó en el Nuevo Estadio de Vallecas en Madrid el 26 de junio y en el Mini Estadi de Barcelona el 28 de junio. Aunque no se disponen de cifras exactas de asistencia, estos conciertos congregaron a miles de seguidores, reflejando la popularidad del artista en el país.
Gira de 1995: Durante el Never Ending Tour, Dylan ofreció seis conciertos en España, incluyendo presentaciones en ciudades como Madrid y Barcelona. Aunque las cifras de asistencia no están documentadas en las fuentes consultadas, se sabe que estos eventos atrajeron a una cantidad significativa de fanáticos.
Concierto en Pamplona (2019): El 25 de junio de 2019, Dylan se presentó en el Navarra Arena de Pamplona. Aunque no se especifica la asistencia exacta para este concierto, el recinto tiene una capacidad variable que puede albergar hasta 11.800 personas, dependiendo de la configuración del evento. Este concierto fue parte de una serie de eventos que contribuyeron a una asistencia acumulada de 200.000 personas en el Navarra Arena durante 2019.
En 2023, Bob Dylan continuó su prolífica carrera musical con la cuarta etapa de su gira mundial “Rough and Rowdy Ways”, iniciada en 2021 para promocionar su álbum homónimo lanzado en 2020.
Esta fase de la gira abarcó 17 conciertos en Norteamérica durante octubre y noviembre de 2023.
El recorrido comenzó el 1 de octubre en Kansas City, Missouri, y concluyó el 2 de diciembre en Evansville, Indiana.
A lo largo de esta etapa, Dylan se presentó en diversas ciudades, incluyendo St. Louis, Chicago, Milwaukee, Toronto y Montreal.
Durante estos conciertos, Dylan interpretó la mayoría de las canciones de “Rough and Rowdy Ways”, complementándolas con selecciones de su extenso repertorio, como “Watching the River Flow”, “When I Paint My Masterpiece”, “I’ll Be Your Baby Tonight” y “Gotta Serve Somebody”. Además, sorprendió al público con versiones de clásicos como “Not Fade Away” de Buddy Holly y “That Old Black Magic” de Johnny Mercer.
Un hito notable durante esta etapa fue su actuación el 16 de noviembre de 2023 en el Beacon Theatre de Nueva York. Este concierto destacó por su energía y la conexión íntima que Dylan estableció con la audiencia, ofreciendo interpretaciones renovadas de sus clásicos y demostrando su inquebrantable pasión por la música en vivo.
La gira “Rough and Rowdy Ways” reafirma la dedicación de Bob Dylan a su arte y su compromiso con sus seguidores, manteniéndose activo y relevante en la escena musical contemporánea.
¿Por qué se cambió el nombre a Bob Dylan?
Robert Allen Zimmerman adoptó el nombre artístico de Bob Dylan a principios de los años 60, cuando comenzó a actuar en la escena folk de Nueva York.
Existen varias teorías sobre la inspiración detrás de este cambio. La versión más extendida es que tomó “Dylan” del poeta galés Dylan Thomas, aunque Dylan ha negado esta afirmación en varias ocasiones.
En su autobiografía Chronicles: Volume One (2004), explicó que simplemente le gustaba cómo sonaba y que lo había elegido porque quería un nombre que sonara fuerte y distinto. También se especula que la decisión estuvo influida por la tradición de músicos folk que adoptaban nombres artísticos, como Woody Guthrie, su gran referente.
Lo cierto es que Dylan empezó a presentarse con ese nombre antes incluso de trasladarse a Nueva York, durante sus actuaciones en los cafés y clubes de Minneapolis. Para cuando llegó a la gran ciudad, el nombre de Bob Dylan ya estaba consolidado y le ayudó a construir una identidad propia en la escena musical.
Conclusión
Bob Dylan es una de las figuras más influyentes de la música moderna. Con una carrera de más de seis décadas, ha sabido reinventarse continuamente, explorando diversos estilos y dejando una huella imborrable en la historia de la música.
Su personalidad enigmática, su relación con las drogas y su carácter reservado han contribuido a alimentar el mito en torno a su figura.
Su legado no solo está en sus propias composiciones, sino en la cantidad de artistas que han versionado sus canciones en todo el mundo, incluido España, donde ha sido un referente para generaciones de músicos.
A pesar de su aversión a la fama y al estrellato convencional, Dylan ha seguido girando incansablemente, llevando su música a escenarios de todo el mundo, incluido el público español, con una gran cantidad de conciertos a lo largo de los años.
La concesión del Premio Nobel de Literatura en 2016 fue el reconocimiento definitivo a su capacidad para trascender la música y convertirse en un verdadero poeta de su tiempo.
En definitiva, Bob Dylan no es solo un músico, sino un fenómeno cultural cuya influencia sigue vigente en la actualidad.
Sus canciones han definido épocas, sus versos han inspirado revoluciones y su música continúa resonando con nuevas generaciones.
Como él mismo escribió en The Times They Are A-Changin’, los tiempos cambian, pero su legado sigue firme como una piedra que rueda.
Sus amoríos:
A lo largo de su extensa carrera, Bob Dylan ha mantenido una vida privada enigmática, marcada por diversas relaciones sentimentales que han influido tanto en su vida personal como en su obra artística.
A continuación, se detallan algunas de las más significativas:
Primeras Relaciones
Echo Helstrom
Durante su adolescencia en Hibbing, Minnesota, Dylan mantuvo una relación con Echo Helstrom, considerada por algunos como su primer amor. Se cree que Helstrom pudo haber inspirado la canción Girl from the North Country, aunque esta afirmación es objeto de debate. Ambos compartían una pasión por la música y solían escuchar juntos emisoras de radio que transmitían rhythm and blues.
Suze Rotolo
A principios de la década de 1960, Dylan inició una relación con Suze Rotolo, una artista y activista política. Rotolo aparece junto a Dylan en la icónica portada del álbum The Freewheelin’ Bob Dylan.
Su influencia en las composiciones de Dylan durante este período es notable, inspirando canciones como Don’t Think Twice, It’s All Right.
La relación concluyó en 1964.
Sylvie Russo es un personaje ficticio en la película biográfica “A Complete Unknown” (2024), que representa a Suze Rotolo, la primera novia seria de Bob Dylan.
Rotolo fue una artista y activista política que mantuvo una relación con Dylan desde 1961 hasta 1964.
Su influencia en la vida de Dylan fue significativa, inspirando muchas de sus primeras composiciones y apareciendo junto a él en la icónica portada del álbum “The Freewheelin‘ Bob Dylan” de 1963.
Rotolo introdujo a Dylan en diversas corrientes artísticas y políticas, enriqueciendo su perspectiva y, por ende, su música.
La decisión de cambiar el nombre del personaje en la película se tomó a petición de Dylan, para respetar la privacidad de Rotolo, quien siempre valoró su vida personal fuera del foco público
Matrimonios y Familia
Sara Lownds
En noviembre de 1965, Dylan contrajo matrimonio con Sara Lownds, una exmodelo y secretaria.
Juntos tuvieron cuatro hijos: Jesse Byron, Anna Lea, Samuel Isaac Abram y Jakob Luke.
Dylan también adoptó a Maria, hija de un matrimonio anterior de Sara.
Este matrimonio, que duró hasta 1977, es considerado uno de los pilares fundamentales en la vida personal de Dylan.
Algunas de sus composiciones reflejan esta relación, destacando el álbum Blood on the Tracks, que muchos interpretan como una crónica de las tensiones y eventual disolución de su matrimonio.
Carolyn Dennis
Posteriormente, Dylan mantuvo una relación con Carolyn Dennis, una de sus coristas.
Fruto de esta unión nació su hija, Desiree Gabrielle Dennis-Dylan, en 1986.
Dylan y Dennis se casaron en secreto en junio de 1986 y se divorciaron en octubre de 1992.
Este matrimonio y la existencia de su hija se mantuvieron en privado hasta la publicación de la biografía Down the Highway: The Life of Bob Dylan de Howard Sounes en 2001.
Otras Relaciones Notables
Joan Baez
La relación entre Dylan y la cantante Joan Baez fue tanto profesional como sentimental.
Se conocieron en 1961 y colaboraron en numerosas ocasiones durante los años siguientes.
Aunque su romance fue breve, la conexión artística entre ambos dejó una huella significativa en la escena folk de la época.
Edie Sedgwick
En 1964, Dylan tuvo una breve relación con Edie Sedgwick, una de las musas de Andy Warhol.
Aunque su vínculo fue efímero, Sedgwick dejó una impresión en la vida de Dylan durante ese período.
Influencia en su Obra
Las experiencias sentimentales de Dylan han sido una fuente constante de inspiración en su música.
Canciones como Sad-Eyed Lady of the Lowlands y Tangled Up in Blue reflejan momentos y emociones vinculados a sus relaciones personales.
Su capacidad para transformar vivencias íntimas en composiciones universales ha consolidado su reputación como uno de los compositores más influyentes de la música contemporánea.
En resumen, las relaciones sentimentales de Bob Dylan han desempeñado un papel crucial en su desarrollo personal y artístico, dejando una impronta imborrable en su vasto repertorio musical.
Versiones de sus Canciones en España
La obra de Bob Dylan ha trascendido fronteras, inspirando a numerosos artistas españoles a versionar sus canciones, adaptándolas al castellano y al contexto cultural local.
A continuación, se presentan algunas de las versiones más destacadas realizadas en España:
Adiós Angelina: Originalmente Farewell Angelina, fue adaptada por Los Payos en 1968, transformándola en una rumba que resonó con el público español.
El hombre puso nombre a los animales: Versión de Joaquín Sabina de Man Gave Names to All the Animals, incluida en su álbum de 1981 Malas compañías.
Llamando a las puertas del cielo: Adaptación de Knockin’ on Heaven’s Door, ha sido interpretada por diversos artistas en España, manteniendo la esencia emotiva de la versión original.
Como una piedra que rueda: Versión en español de Like a Rolling Stone, ha sido interpretada por diferentes artistas, destacando la adaptación de Miguel Ríos en su álbum Rock & Ríos.
Todo por mi chica: Adaptación de I Want You realizada por Los Pekenikes, incluida en su EP Linda chica de 1966.
Estas versiones reflejan la profunda influencia de Bob Dylan en la música española, evidenciando cómo sus
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por James Mangold:
James Mangold: El narrador versátil que conquistó Hollywood a golpe de talento
James Mangold es un destacado director y guionista estadounidense, reconocido por su versatilidad y habilidad para abordar una amplia gama de géneros cinematográficos.
Nacido el 16 de diciembre de 1963 en Nueva York, ha construido una carrera sólida en la industria del cine, dirigiendo películas aclamadas tanto por la crítica como por el público.
Primeros Años y Formación
Hijo de los artistas Robert Mangold y Sylvia Plimack Mangold, James creció en un entorno profundamente influenciado por el arte. Esta crianza en el vibrante escenario artístico de Manhattan en los años 60 dejó una huella indeleble en su perspectiva creativa.
Desde joven, mostró interés por el cine, comenzando a realizar películas con una cámara Super 8, inspirado por su padre, quien le inculcó el amor por el séptimo arte.
Mangold estudió en el California Institute of the Arts (CalArts), donde fue alumno del director Alexander Mackendrick. Posteriormente, obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Columbia, donde contó con la mentoría del reconocido director Miloš Forman.
Carrera Cinematográfica
Mangold debutó como director con Heavy (1995), una película independiente que ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cine de Sundance.
A partir de ahí, su carrera despegó con una serie de filmes notables:
Cop Land (1997): Un thriller policíaco protagonizado por Sylvester Stallone, Robert De Niro, Harvey Keitel y Ray Liotta.
Inocencia interrumpida (1999): Basada en las memorias de Susanna Kaysen, esta película contó con las actuaciones de Winona Ryder y Angelina Jolie, quien ganó el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel.
Kate & Leopold (2001): Una comedia romántica protagonizada por Meg Ryan y Hugh Jackman, que le valió a Jackman una nominación al Globo de Oro.
Identidad (2003): Un thriller psicológico con John Cusack y Ray Liotta en los papeles principales.
En la cuerda floja (2005): Un biopic sobre el legendario músico Johnny Cash, protagonizado por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon. La película recibió cinco nominaciones al Óscar, con Witherspoon ganando como Mejor Actriz.
El tren de las 3:10 (2007): Un western que reunió a Russell Crowe y Christian Bale, reconocido por su narrativa intensa y dirección sólida.
Lobezno inmortal (2013) y Logan (2017): Ambas películas del universo X-Men, con Hugh Jackman retomando su papel como Wolverine. Logan fue especialmente aclamada, obteniendo una nominación al Óscar al Mejor Guion Adaptado.
Le Mans ’66 (2019): Conocida internacionalmente como Ford v Ferrari, esta película protagonizada por Matt Damon y Christian Bale narra la histórica rivalidad entre Ford y Ferrari en la carrera de Le Mans de 1966. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película.
Indiana Jones y el Dial del Destino (2023): La quinta entrega de la icónica saga, con Harrison Ford retomando su papel como el legendario arqueólogo.
Proyectos Recientes
En 2024, Mangold dirigió A Complete Unknown, un biopic sobre los primeros años de Bob Dylan, protagonizado por Timothée Chalamet.
La película se centra en la llegada de un joven Dylan a Nueva York y su búsqueda por conocer al músico Woody Guthrie, así como sus interacciones con figuras como Pete Seeger, Joan Baez y Suze Rotolo.
Chalamet, quien también produjo el proyecto, interpretó las canciones en vivo, aportando autenticidad a su actuación.
La película recibió ocho nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor.
Estilo y Legado
La versatilidad de Mangold le ha permitido explorar diversos géneros, desde el drama y el thriller hasta el western y las películas de superhéroes.
Su enfoque se caracteriza por una narrativa sólida, desarrollo profundo de personajes y una dirección que equilibra la profundidad artística con el atractivo comercial.
Su capacidad para reinventarse y abordar proyectos variados lo ha consolidado como uno de los directores más respetados de su generación.
Vida Personal
Desde 1998, James Mangold está casado con la productora de cine Cathy Konrad, con quien ha colaborado en varios proyectos a lo largo de su carrera.
En resumen, James Mangold ha demostrado ser un narrador consumado, capaz de abordar una amplia gama de historias y géneros, dejando una marca indeleble en la cinematografía contemporánea.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
La independencia de la India desde el punto de vista británico.
Mis hijos detestaban esta película porque todos los años se la ponían en el colegio.
Es curioso que a mí tampoco me convenció y ahora menos que nunca.
Me fascina la inmensa producción de este film, con miles y miles de extras en cada secuencia.
Como todos los biopics resulta muy episódico. Las escenas se suceden sin que haya una buena ligazón entre ellas, con elipsis que resultan, en muchos casos, tramposas.
La visión del proceso histórico es muy ambigua. En ocasiones estamos situados desde la perspectiva de los hindúes. Otras desde la óptica británica. Pero los malos siempre parecen ser los musulmanes. Sus líderes presentan un aspecto siniestro, como malos de opereta.
La figura de Mahatma Gandhi es constantemente presentada como íntegra e impoluta, sin resquicio para la duda o los malos pensamientos, en una visión claramente hagiográfica del personaje.
Siempre se ha destacado la transformación física de Ben Kingsley como uno de los mayores valores de la película, cuestión que yo no termino de ver. Se utilizan trucos baratos para que parezca más delgado, sin que haya una verdadera modificación real del actor.
El papel de las mujeres es decorativo y poco definido. En ocasiones parece que tenga una esposa y una amante occidental oficiales.
La perspectiva británica de la historia queda especialmente patente en la descolonización, con una India incapaz de seguir unida y con un apaño territorial desastroso.
El rey de la paz no consigue mantener a su país unido y la visión anglosajona insiste en ello.
Sus más de tres horas y su formato de gran espectáculo esconden una película mediocre, de factura impresionante a primera vista que no resiste un análisis riguroso.
Mala elección de este film como educativa.
Mis hijos se quejaban con razón.
Mi puntuación: 4,32/10.
Resumen del texto “Gandhi, iluminación y oscuridad: los antecedentes del proyecto de la película“
El texto analiza el contexto histórico y cinematográfico que precedió a la realización de la película Gandhi (1982) de Richard Attenborough.
Se mencionan las representaciones previas de Gandhi en noticieros, fotografías y documentales, así como su escasa afinidad con el cine.
También se explora cómo su imagen fue utilizada en diferentes producciones antes y después de la película de Attenborough.
Uno de los temas centrales es la controversia en torno a la representación de Muhammad Alí Jinnah en la película, lo que generó críticas por su caracterización negativa. Además, se detalla el papel de Nehru y otros líderes en la supervisión del guion y la financiación de la película, con la India asumiendo una parte significativa del costo tras la falta de apoyo de Hollywood.
El texto también menciona la ausencia de Gandhi en el Premio Nobel de la Paz, a pesar de sus múltiples nominaciones, y cómo su asesinato influyó en la decisión de dejar el galardón desierto en 1948. Se destaca la reacción de líderes indios ante su muerte y la persistencia de su legado.
Por último, se aborda la financiación de la película, que enfrentó dificultades antes de concretarse con el respaldo del gobierno indio y productoras independientes.
También se menciona la película Jinnah (1998) como respuesta a la visión sesgada de Gandhi y Jinnah en la película de Attenborough.
En general, el texto ofrece un análisis detallado sobre los desafíos, decisiones creativas y repercusiones políticas de la película Gandhi.
Gandhi: ¿Santo, Líder o Maltratador?
Cuando pensamos en Mahatma Gandhi, nos viene a la mente la imagen de un hombre delgado, vestido con un simple dhoti, liderando la resistencia pacífica contra el imperialismo británico. Sin embargo, detrás del mito y la veneración, su vida personal ha sido objeto de debate, especialmente en lo que respecta a su relación con su familia y sus creencias sobre la sexualidad y la mujer.
Una Vida de Disciplina Extrema
Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948) se casó a los 13 años con Kasturba Gandhi en un matrimonio arreglado, algo común en la India de la época.
Desde muy joven mostró una disciplina férrea que aplicaba no solo a su activismo político, sino también a su vida personal.
Su relación con Kasturba fue compleja: por un lado, la describió como una mujer fuerte y determinada, pero también se ha documentado que intentó imponerle una vida de estricta austeridad y obediencia, llegando incluso a restringirle ciertas libertades personales.
Su Relación con Kasturba: ¿Dominante o Tradicional?
Hay registros de que Gandhi exigía obediencia absoluta a su esposa.
En sus primeros años de matrimonio, Kasturba desafió algunas de sus órdenes, lo que llevó a conflictos entre ellos.
Gandhi admitió en sus escritos que en su juventud había sido «celoso» y «dominante» con Kasturba, llegando a intentar impedirle que saliera de casa sin su permiso.
Durante los años de lucha política, Kasturba lo acompañó en sus campañas y sufrió encarcelamiento en múltiples ocasiones.
Falleció en 1944, mientras estaba detenida con Gandhi, lo que refuerza la imagen de una mujer leal a su esposo, aunque también atrapada en su rigurosa forma de vida.
Las Pruebas de Castidad y las Polémicas con las Mujeres
Uno de los aspectos más controvertidos de Gandhi fue su obsesión con el celibato (brahmacharya), que adoptó definitivamente en 1906.
Sin embargo, lo que ha generado controversia fueron sus «pruebas de castidad», en las que dormía desnudo junto a mujeres jóvenes, a veces incluso a su sobrina-nieta Manu Gandhi, para probar su autocontrol.
Si bien no hay evidencia de abuso físico en estos actos, muchos los consideran inapropiados y moralmente cuestionables.
Incluso algunos de sus seguidores más cercanos, como su confidente Pyarelal, describieron estas prácticas como perturbadoras.
Gandhi argumentaba que eran ejercicios espirituales para fortalecer su autodisciplina, pero otros las ven como una muestra de hipocresía y abuso de poder sobre jóvenes vulnerables.
¿Y con sus Hijos?
La relación de Gandhi con sus hijos tampoco fue ideal.
Su primogénito, Harilal, tuvo una relación conflictiva con él.
Se sintió abandonado cuando su padre priorizó la lucha política sobre su educación y bienestar personal.
Harilal, incapaz de soportar la severidad de su padre, terminó convirtiéndose al islam por un tiempo y cayendo en el alcoholismo.
Murió en la indigencia en 1948, pocos meses después del asesinato de Gandhi.
¿Maltratador o Hombre de su Tiempo?
La pregunta de si Gandhi fue un maltratador es compleja. Desde los estándares actuales, su relación con Kasturba podría verse como una de dominación masculina, sus pruebas de celibato como una transgresión ética y su trato a sus hijos como negligente.
Sin embargo, también es cierto que muchas de estas conductas estaban enraizadas en la cultura y la época en la que vivió.
Más allá del debate, la figura de Gandhi sigue siendo fascinante por sus contradicciones.
Un hombre que predicaba la paz, pero que en lo privado imponía normas estrictas a su círculo más cercano.
Un líder venerado, pero con sombras que hoy generan preguntas incómodas.
La historia lo recuerda como el padre de la independencia india, pero su vida personal nos recuerda que los ídolos también tienen grietas.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Dirigido por Richard Attenborough:
Richard Attenborough: Actor, director y leyenda del cine
Infancia y primeros años
Richard Attenborough nació el 29 de agosto de 1923 en Cambridge, Reino Unido.
Desde joven mostró una gran pasión por el arte y el cine, estudiando en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA).
Su carrera comenzó en el teatro, pero pronto daría el salto al cine, donde se consolidó tanto como actor y como director.
Carrera como actor
A lo largo de su trayectoria, Richard Attenborough participó en numerosas películas, consolidándose como uno de los actores más respetados del cine británico.
Entre sus actuaciones más memorables destacan:
Brighton Rock (1947), donde interpretó a un despiadado gánster.
La gran evasión (1963), donde compartió pantalla con Steve McQueen en uno de los filmes de guerra más icónicos de la historia.
Doctor Dolittle (1967), en la que mostró su versatilidad interpretativa.
Parque Jurásico (1993), donde dio vida a John Hammond, el excéntrico creador del parque de dinosaurios.
Aunque tuvo una carrera destacada como actor, fue en la dirección donde dejó su huella más profunda en la historia del cine.
Éxito como director
El debut de Richard Attenborough como director llegó en los años 60, pero no fue hasta las décadas siguientes cuando alcanzó reconocimiento internacional con películas ambiciosas y de gran carga histórica y emocional.
Gandhi (1982): Su obra maestra (?)
La película más importante de su carrera fue Gandhi, un monumental biopic sobre la vida de Mahatma Gandhi, interpretado por Ben Kingsley.
La producción fue una de las más ambiciosas de su tiempo, con un rodaje que abarcó numerosos escenarios en la India y una multitud de extras en sus escenas clave.
La película obtuvo un gran éxito en taquilla y se convirtió en un fenómeno mundial.
En los Premios Óscar, arrasó con 8 estatuillas, incluyendo Mejor Película y Mejor Director para Richard Attenborough.
Además, fue elogiada por su fidelidad histórica, su impactante narrativa y la impresionante actuación de Ben Kingsley, quien ganó el Óscar a Mejor Actor.
Otras películas destacadas como director
Además de Gandhi, Richard Attenborough dirigió otros filmes importantes, como:
Un puente lejano (1977), una ambiciosa película bélica con un reparto estelar que incluía a Sean Connery y Robert Redford.
Grito de libertad (1987), que abordaba el apartheid en Sudáfrica y recibió tres nominaciones al Óscar.
Chaplin (1992), un biopic sobre Charlie Chaplin protagonizado por Robert Downey Jr., cuya actuación fue aclamada.
Tierras de penumbra (1993), un drama romántico con Anthony Hopkins y Debra Winger que obtuvo una gran respuesta crítica.
Repercusión y legado
A lo largo de su carrera, Richard Attenborough dejó una marca imborrable en la industria del cine, tanto por sus interpretaciones como por su talento detrás de la cámara. Su pasión por contar historias humanas y su meticuloso enfoque en la dirección lo convirtieron en un referente del cine británico e internacional.
Falleció el 24 de agosto de 2014 a los 90 años, dejando tras de sí un legado de películas inolvidables y un impacto duradero en la cinematografía mundial.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Ravi Shankar:
Ravi Shankar: Maestro del sitar y su contribución a Gandhi
Infancia y primeros años
Ravi Shankar nació el 7 de abril de 1920 en Benarés, India.
Desde joven mostró talento para la música, aprendiendo el arte del sitar bajo la tutela del legendario Allauddin Khan.
Con el tiempo, Ravi Shankar se convirtió en el embajador mundial de la música clásica india, llevando su arte a escenarios internacionales y colaborando con artistas de la talla de The Beatles y Philip Glass.
Carrera musical e impacto en el cine
A lo largo de su vida, Ravi Shankar trabajó tanto en la música tradicional como en la composición de bandas sonoras para el cine.
Su trabajo en el cine indio lo llevó a colaborar con el director Satyajit Ray en películas como La trilogía de Apu, donde su música aportó una dimensión espiritual y emocional inigualable.
También compuso la banda sonora de otras películas destacadas como:
Charly (1968), basada en la historia de Flowers for Algernon, por la cual fue nominado al Globo de Oro a Mejor Banda Sonora.
Raga (1971), un documental sobre su vida y su impacto en la música india y occidental.
Prophecy (1979), una película de terror ecológico que contó con su estilo musical distintivo.
Gandhi (1982): Una banda sonora histórica
Uno de sus trabajos más emblemáticos fue la composición de la banda sonora de Gandhi (1982), dirigida por Richard Attenborough.
Para esta producción, Ravi Shankar colaboró con el compositor George Fenton para crear una partitura que capturara la esencia de la India y la vida de Mahatma Gandhi.
La música de Gandhi es una combinación magistral de instrumentos tradicionales indios, como el sitar y la tabla, con elementos orquestales occidentales.
La partitura evoca el espíritu del movimiento de independencia de la India, utilizando ragas y melodías evocadoras que reflejan la espiritualidad y el sacrificio de Gandhi.
Recepción y legado
La banda sonora de Gandhi fue ampliamente elogiada por su autenticidad y su capacidad de transportar a la audiencia al corazón de la India colonial. La película ganó 8 premios Óscar, aunque la banda sonora no logró obtener el galardón a Mejor Música Original. Sin embargo, su impacto fue duradero y consolidó aún más a Ravi Shankar como un compositor de referencia en el cine.
Más allá de Gandhi, Ravi Shankar continuó su legado musical, influyendo en generaciones de músicos y compositores.
Su trabajo en la banda sonora de la película sigue siendo considerado una de las mejores aproximaciones musicales a la historia de la India en el cine.
Falleció el 11 de diciembre de 2012, dejando tras de sí un legado inigualable en la música y en la historia del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Perkins usa y abusa de los tópicos del cine de terror. Los gemelos, uno bueno y otro malo; el muñeco mecánico malvado; la orfandad; el peso de la maldición…
Su gran arma es el uso del gore como elemento cómico. Lo que ocurre es que, a veces, se pasa de frenada y en ocasiones es tan bestia lo que veo que me he quedado desconcertado, no he sabido si sonreír o apartar la mirada. Soy de estómago sensible.
Pero al final lo que importa de estos productos de entretenimiento sin pretensiones es que diviertan.
Lamentablemente The Monkey no lo consigue. Su falta de ritmo es notoria. Sus personajes bastante esquemáticos y su planteamiento muy de manual.
Se deja ver y poco más.
Si eres una persona sensible que disfrutas con las películas buen royeras, en The Monkey no encontrarás tu lugar. Advertido quedas.
Mi puntuación: 4,51/10.
Dirigido por Osgood Perkins:
Osgood Robert “Oz” Perkins II, nacido el 2 de febrero de 1974 en Nueva York, es un cineasta y actor estadounidense reconocido por su contribución al género de terror.
Hijo deAnthony Perkinsy de la fotógrafa y actrizBerry Berenson, Oz ha forjado una carrera que abarca tanto la actuación como la dirección cinematográfica.
Inicios y carrera como actor
Oz Perkins debutó en el cine a temprana edad, interpretando al joven Norman Bates en Psycho II (1983), papel que su padre inmortalizó en la película original de Alfred Hitchcock.
A lo largo de los años, participó en diversas producciones cinematográficas, destacando su papel como David Kidney en Legally Blonde (2001) y apariciones en películas como Not Another Teen Movie (2001), Secretary (2002) y Star Trek (2009).
Además, tuvo roles en series de televisión como Alias y The Twilight Zone.
Transición a la Dirección
La pasión de Perkins por el cine lo llevó a explorar la dirección y la escritura de guiones, enfocándose principalmente en el género de terror.
Su debut como director fue con The Blackcoat’s Daughter(La enviada del mal)(2015), una película que explora la inquietante experiencia de dos chicas en un internado durante las vacaciones de invierno.
Posteriormente, dirigió I Am the Pretty Thing That Lives in the House (Soy la bonita criatura que vive en esta casa) (2016), una historia de terror psicológico centrada en una enfermera que cuida a una escritora de novelas de horror.
En 2020, presentó Gretel & Hansel (Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas), una reinterpretación oscura del clásico cuento de hadas.
Proyectos Recientes
En 2024, Perkins dirigió Longlegs, un thriller de asesinos en serie que recibió elogios por su atmósfera inquietante y narrativa envolvente.
Al año siguiente, estrenó The Monkey (2025), una adaptación de un relato corto de Stephen King que combina elementos de horror y comedia para narrar la historia de un juguete mecánico maldito que desencadena eventos trágicos.
Este proyecto permitió a Perkins explorar temas personales relacionados con la fatalidad y las tragedias inesperadas, reflejando en parte sus propias experiencias de pérdida.
Vida Personal
La vida de Oz Perkins ha estado marcada por eventos trágicos.
Su padre, Anthony Perkins, falleció en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el SIDA.
Su madre, Berry Berenson, fue una de las víctimas del atentado del 11 de septiembre de 2001, al estar a bordo del vuelo 11 de American Airlines.
Estas experiencias han influido profundamente en su perspectiva y en la temática de sus obras cinematográficas.
A lo largo de su carrera, Oz Perkins ha demostrado ser un narrador versátil, capaz de infundir sus proyectos con una mezcla única de horror, humor y reflexión personal, consolidándose como una figura destacada en el cine contemporáneo de terror.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Woman Walks Aheadestá fotografiada como los grandes clásicos del western, con grandes planos que nos permiten disfrutar de los magníficos paisajes del Oeste americano.
Es también una historia romántica de un amor imposible en el siglo XIX y en la cultura anglosajona, tan racista y clasista.
Al mismo tiempo se narra como una mujer sola (pero con pasta) es capaz de abrirse camino en un mundo muy testosterónico, sin perder su feminidad en ningún momento. Por cierto ese atrevimiento le cuesta mucho sufrimiento.
También es el relato de la marginación y exterminio de los nativos americanos que, vuelvo a los anglosajones, se ha llevado a cabo, de manera sistemática, durante los dos cientos años de historia de los USA.
Todo esto conducido por la impresionante interpretación de una Jessica Chastain sublime, que ha servido para aumentar mi admiración hacia ella elevándola al cielo de mis actrices adorables.
Mi puntuación: 7,88/10.
Dirigido por Susanna White:
Susanna White: Una directora versátil en cine y televisión
Infancia y primeros años
Susanna White nació en el Reino Unido y estudió en la Universidad de Oxford antes de continuar su formación en el National Film and Television School.
Su interés por la dirección comenzó desde temprano, destacándose por su habilidad para narrar historias con sensibilidad y precisión visual.
Carrera en la televisión británica
Antes de incursionar en el cine, White tuvo una exitosa carrera en la televisión británica. Dirigió varias producciones de alto perfil, incluyendo la adaptación de la BBC de Jane Eyre (2006) y la miniserie Generation Kill (2008) para HBO, que fue aclamada por su realismo y su enfoque en la Guerra de Irak.
Su incursión en el cine
Su debut cinematográfico llegó con Nanny McPhee y el Big Bang (2010), una secuela de la popular película infantil protagonizada por Emma Thompson. Con este filme, White demostró su capacidad para manejar grandes producciones sin perder el toque humano en sus historias.
En 2016, dirigió el thriller de espionaje Un traidor como los nuestros, basado en la novela de John le Carré. La película, protagonizada por Ewan McGregor y Stellan Skarsgård, fue bien recibida por la crítica por su tensión y fidelidad a la obra original.
En 2017, dirigió La mujer que camina delante, un drama histórico protagonizado por Jessica Chastain. La película narra la historia de Catherine Weldon, una pintora de Nueva York que viaja a Dakota en el siglo XIX para retratar al jefe sioux Toro Sentado. La película fue elogiada por la actuación de Chastain y su cinematografía, aunque algunos críticos señalaron que la narrativa se centraba demasiado en la perspectiva blanca de la historia indígena.
Estilo y legado
White es reconocida por su versatilidad y su habilidad para contar historias en diferentes géneros. Desde dramas de época hasta thrillers políticos, su trabajo se distingue por un enfoque visual meticuloso y un profundo desarrollo de personajes.
Ha sido una de las directoras que han abierto camino para más mujeres en la industria del cine y la televisión, consolidándose como una voz importante en la narrativa audiovisual contemporánea.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El actor neoyorkino ha dirigido películas tan interesantes como Hasta el último hombre, La pasión de Cristo o Apocalypto, también bodrios sobrevalorados como Braveheart.
Mel Gibson ha sido objeto de múltiples controversias que han afectado su carrera y reputación en Hollywood. Aquí están los principales motivos por los que ha sido “cancelado” en varias ocasiones:
Comentarios antisemitas (2006): En julio de 2006, Gibson fue arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol en Malibú. Durante el arresto, hizo comentarios antisemitas a los oficiales, diciendo frases como “Los judíos son responsables de todas las guerras en el mundo“. Estas declaraciones generaron una gran indignación y llevaron a su marginación en Hollywood.
Comentarios racistas y misóginos (2010): En 2010, su expareja, Oksana Grigorieva, lo acusó de violencia doméstica. Posteriormente, se filtraron grabaciones en las que Gibson usaba lenguaje racista y misógino, incluyendo amenazas hacia Grigorieva y comentarios ofensivos hacia personas afroamericanas y latinas.
Conflictos con la industria cinematográfica: Tras estos escándalos, muchos estudios y actores se distanciaron de Gibson. Fue vetado de grandes producciones y dejó de recibir papeles importantes. A pesar de haber dirigido películas exitosas comoLa Pasión de Cristo (2004) y Apocalypto (2006), su reputación quedó dañada.
Resurgimiento parcial: Con el tiempo, Gibson ha intentado redimir su imagen. En 2016, dirigióHasta el último hombre, que fue bien recibida por la crítica y la Academia, obteniendo nominaciones al Óscar. Sin embargo, sigue siendo una figura divisiva en la industria.
En resumen, Mel Gibson fue “cancelado” por sus declaraciones antisemitas, racistas y misóginas, así como por acusaciones de violencia doméstica. Aunque ha tratado de rehabilitar su imagen, su legado sigue estando marcado por estas controversias.
En Flight Risk nos introduce en un thriller claustrofóbico en la cabina de un avión en casi tiempo real, con tan solo tres personajes en pantalla, en una producción muy de clase B.
Destaca por su absoluta falta de originalidad, la previsibilidad de su argumento y lo aburrida de la narración.
Ha compuesto un producto torpe y sin el más mínimo interés, que solo se puede salvar por la comicidad que desprende el personaje de Mark Wahlberg con su calva postiza que descubrimos cuando se le cae la peluca. Excesivo y caricaturesco sirve para distraernos por unos segundos del tedio general que nos conduce irremediablemente a una terrible e invencible somnolencia.
The Hustlerse ha convertido en una de esas películas míticas de la historia del cine. Un referente para muchos directores, guionistas y críticos.
Su protagonista, al que da vida un soberbio Paul Newman, es una persona autodestructiva que en su afán de obtener el éxito se autoboicotea para alcanzar el fracaso.
Una historia de perdedores solitarios que buscan desesperadamente la compañía y la redención, pero que cuando pueden llegar a ellas lo echan todo por la borda, como si necesitaran vivir en el fracaso para autocompadecerse y castigarse.
Al otro lado los abusadores, los explotadores que se aprovechan de esas debilidades para sentirse superiores y sacar rendimiento. Ahí tenemos a Bert Gordon, interpretado por George C. Scott, que años después daría vida al General Patton en la película de 1970 dirigida por Franklin J. Schaffner.
La actriz Piper Laurie compone de manera magistral el personaje de Sara, con ese final fatal y triste.
Lo que hace que esta película sea tan importante en la historia del cine y tan influyente es la magnífica construcción de personajes, una ambientación realista y unas interpretaciones colosales, que demuestran la estupenda dirección de actores y la magnífica elección del casting.
Mi puntuación: 8,99/10.
Dirigido por Robert Rossen:
Robert Rossen: Un cineasta entre la gloria y la controversia
Infancia y primeros años
Robert Rossen nació el 16 de marzo de 1908 en Nueva York, en el seno de una familia de inmigrantes judíos.
Su carrera comenzó en el teatro antes de dar el salto a Hollywood, donde se consolidó como guionista y posteriormente como director.
A lo largo de su carrera, Rossen abordó temas sociales y políticos con un estilo realista e incisivo, lo que le valió tanto elogios como polémicas.
Su carrera en Hollywood y la caza de brujas
En los años 40, Rossen se consolidó como uno de los directores y guionistas más talentosos de Hollywood.
Dirigió películas como Cuerpo y alma (1947) y El político (1949), esta última le valió el Óscar a Mejor Película.
Sin embargo, su carrera sufrió un duro golpe durante la caza de brujas del macartismo.
Tras negarse inicialmente a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, Rossen finalmente accedió y proporcionó nombres de antiguos compañeros, lo que le permitió seguir trabajando en la industria.
El buscavidas: Una obra maestra del cine
En 1961, Rossen dirigió El buscavidas, una de sus películas más aclamadas y emblemáticas. Protagonizada por Paul Newman en el papel de “Fast Eddie” Felson, la película narra la historia de un talentoso jugador de billar que lucha por redimirse en un mundo despiadado.
El rodaje de El buscavidas no estuvo exento de dificultades.
Rossen insistió en un enfoque realista, lo que llevó a un meticuloso diseño de producción y largas sesiones de filmación para capturar la atmósfera sombría de los bares de billar.
Paul Newman, decidido a perfeccionar su interpretación, entrenó intensamente en el juego del billar, asesorado por el legendario jugador Willie Mosconi, quien incluso tuvo un pequeño papel en la película.
La química entre Newman y su coprotagonista, Piper Laurie, así como la magistral actuación de Jackie Gleason como “Minnesota Fats”, contribuyeron al impacto de la película.
Recepción y legado
El buscavidas fue un éxito tanto de crítica como de público.
Obtuvo nueve nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor para Paul Newman.
Aunque no ganó en las categorías principales, sí obtuvo los premios a Mejor Fotografía y Mejor Dirección de Arte.
Con el tiempo, la película se convirtió en un clásico del cine estadounidense y consolidó a Paul Newman como una estrella de Hollywood.
El éxito de El buscavidas reafirmó el talento de Rossen, pero fue su última gran obra.
En 1964 dirigió Lilith, un drama psicológico protagonizado por Warren Beatty y Jean Seberg, que no alcanzó el mismo impacto.
Rossen falleció el 18 de febrero de 1966, dejando un legado de cine comprometido, realista y lleno de personajes complejos.
Hoy, El buscavidas sigue siendo una referencia en el cine de deportes y dramas psicológicos, influyendo en generaciones de cineastas y espectadores por igual.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
El 17 de diciembre de 2024, coincidiendo con el 35.º aniversario de “Los Simpson“, se estrenó en Disney+ un especial navideño titulado “Ho Ho Ho Santa Homer“.
Este episodio doble cuenta con la participación del mentalista británico Derren Brown, quien llega a Springfield para revitalizar el espíritu navideño de la ciudad.
Durante uno de sus espectáculos, hipnotiza a Homer, haciéndole creer que es Papá Noel, lo que desencadena una serie de eventos que llevan a los habitantes de Springfield a reflexionar sobre el verdadero significado de la Navidad.
El episodio también incluye actuaciones musicales de la cantante Patti LaBelle y del grupo a capela Pentatonix.
Este especial navideño es significativo no solo por celebrar el aniversario de la serie, sino también porque marca un hito en la historia de “Los Simpson“.
En el primer episodio de la 36.ª temporada, titulado “Bart’s Birthday“, Bart Simpson finalmente cumple 11 años, rompiendo con la tradición de mantener a los personajes en la misma edad durante décadas.
Este episodio, que se estrenó el 25 de diciembre de 2024 en Disney+, se presenta como un “final de serie” ficticio, lleno de referencias a otros finales icónicos de la televisión y apariciones de personajes clásicos.
Además, la 36.ª temporada de “Los Simpson” marca la despedida de Pamela Hayden, la actriz que durante más de tres décadas prestó su voz a personajes como Milhouse Van Houten y Rod Flanders. Su retiro representa un cambio significativo en el elenco de doblaje de la serie.
Cutrecomentario de Ramón:
Siempre es un placer revisitar a esta familia típica americana que nos lleva acompañando media vida en mi caso y toda la vida para mis hijos y sobrinos.
Es cierto que conforme pasan los años han ido perdiendo esa chista de originalidad y gracia que poseían en sus primeras temporadas, pero es natural, los espectadores hemos cambiado, hemos perdido inocencia y capacidad de asombro.
Como es clásico en los guiones de esta larga saga de animación, los episodios comienzan con un planteamiento que se abandona antes de la mitad del capítulo para seguir sendas narrativas diferentes.
Siempre he pensado que si viniera un extraterrestre a la tierra y tuviéramos que explicarle cómo somos los seres humanos les pondría unas cuantas temporadas de Los Simpson, porque en estos dibujos animados está perfilada la esencia de la vida cotidiana del mundo occidental.
Esteatosis Hepática: Comprendiendo la Enfermedad y sus Implicaciones
Introducción: La importancia del hígado y su funcionamiento
El hígado es uno de los órganos más importantes del cuerpo humano, desempeñando funciones clave en el metabolismo, la desintoxicación, la síntesis de proteínas y la regulación de diversas sustancias químicas en la sangre. Entre sus funciones principales destacan:
Metabolismo de nutrientes: Procesa carbohidratos, grasas y proteínas provenientes de la dieta, convirtiéndolos en energía utilizable.
Detoxificación: Filtra toxinas y fármacos, eliminándolos del organismo.
Producción de bilis: Fundamental para la digestión de las grasas.
Almacenamiento de vitaminas y minerales: Como la vitamina A, D, B12 y hierro.
Regulación de la glucosa: Mantiene el equilibrio de los niveles de azúcar en sangre.
Dada su importancia, es fundamental detectar a tiempo cualquier alteración hepática. Existen diversas pruebas médicas para evaluar la salud hepática, entre ellas:
Análisis de sangre: Incluyendo enzimas hepáticas (ALT, AST, GGT), bilirrubina y albúmina.
Ecografía hepática: Para detectar acumulación de grasa o anomalías estructurales.
Biopsia hepática: En casos graves, permite un diagnóstico preciso.
Esteatosis Hepática: Definición y Causas
La esteatosis hepática, también conocida como hígado graso, es una condición caracterizada por la acumulación excesiva de grasa en las células hepáticas.
Se considera patológica cuando el contenido de grasa supera el 5-10% del peso del hígado.
Existen dos formas principales de esteatosis hepática:
Esteatosis hepática alcohólica: Causada por el consumo excesivo de alcohol, que altera el metabolismo lipídico del hígado.
Esteatosis hepática no alcohólica (EHNA): Asociada a obesidad, diabetes tipo 2, dislipidemia y síndrome metabólico.
Otros factores de riesgo incluyen:
Dieta rica en azúcares y grasas saturadas.
Sedentarismo.
Factores genéticos.
Uso prolongado de ciertos medicamentos (corticoides, antirretrovirales, etc.).
Manifestaciones Clínicas
En sus etapas iniciales, la esteatosis hepática puede ser asintomática.
Sin embargo, a medida que progresa, pueden aparecer:
Fatiga y debilidad.
Dolor o molestia en el cuadrante superior derecho del abdomen.
Hepatomegalia (hígado agrandado).
Alteraciones en los análisis de enzimas hepáticas.
En casos avanzados, puede evolucionar a esteatohepatitis, fibrosis hepática e incluso cirrosis.
Diagnóstico y Evaluación
El diagnóstico de la esteatosis hepática se basa en:
Historial clínico y exploración física.
Pruebas de laboratorio: Elevación de transaminasas y marcadores de resistencia a la insulina.
Estudios por imagen: La ecografía es la técnica más utilizada, pero en casos específicos se pueden requerir TAC o resonancia magnética.
Tratamiento y Prevención
No existe un tratamiento farmacológico específico aprobado para la esteatosis hepática, por lo que la terapia se basa en cambios en el estilo de vida:
Dieta equilibrada: Reducción de azúcares refinados y grasas saturadas, aumento de fibra y proteína magra.
Ejercicio físico regular: Al menos 150 minutos semanales de actividad aeróbica.
Pérdida de peso gradual: Una reducción del 7-10% del peso corporal mejora significativamente la condición.
Control de enfermedades metabólicas: Diabetes, hipertensión y dislipidemia.
Evitar el alcohol y fármacos hepatotóxicos.
En casos avanzados, con fibrosis o cirrosis, puede ser necesaria la evaluación para trasplante hepático.
Conclusiones
La esteatosis hepática es una enfermedad en aumento debido a los estilos de vida modernos.
Aunque en sus primeras fases es reversible, si no se trata adecuadamente puede evolucionar a patologías graves.
La prevención y el manejo temprano, mediante una dieta saludable, actividad física y control de enfermedades asociadas, son claves para evitar su progresión.
Bibliografía
Chalasani, N., Younossi, Z., Lavine, J. E., et al. (2018). The diagnosis and management of nonalcoholic fatty liver disease: Practice guidance from the American Association for the Study of Liver Diseases. Hepatology, 67(1), 328-357.
European Association for the Study of the Liver (EASL). (2016). EASL–EASD–EASO Clinical Practice Guidelines for the management of non-alcoholic fatty liver disease. Journal of Hepatology, 64(6), 1388-1402.
Mantovani, A., Csermely, A., Petracca, G., & Tilg, H. (2022). NAFLD and liver fibrosis biomarkers: Clinical applications and perspectives. Cells, 11(14), 2228.
Wong, V. W., Adams, L. A., de Ledinghen, V., Wong, G. L., & Sookoian, S. (2018). Noninvasive biomarkers in NAFLD and NASH—Current progress and future promise. Nature Reviews Gastroenterology & Hepatology, 15(8), 461-478.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Milos Forman compone una película de vidas cruzadas en los inicios del siglo XX.
El personaje central es el pianista negro Coalhouse Walker (Howard E. Rollins Jr.) que verá dañada su dignidad por un suceso, según se mire, banal, pero que adquiere una trascendencia extraordinaria y se convierte en una cuestión fundamental de dignidad personal.
La película lejos de tener un tono solemne, tiene texturas de comedia social, aunque sea una tragedia que nos aproxima al racismo de la sociedad norteamericana de inicios del siglo XX, donde para los blancos fachipobres resultaba insoportable que un negro tuviera un nivel de vida superior al suyo.
El film resulta desconsolador y entretenido, con elementos de culebrón. Funciona bien en ese juego de vidas cruzadas.
Interesante y sugestiva la presencia del gran James Cagney en su última aparición en el cine.
Mi puntuación: 7,87/10.
Dirigido por Milos Forman:
Milos Forman: Un maestro del cine entre dos mundos
Infancia y juventud
Milos Forman, cuyo nombre completo era Jan Tomáš Forman, nació el 18 de febrero de 1932 en Čáslav, Checoslovaquia (actual República Checa). Su infancia estuvo marcada por la tragedia: sus padres murieron en campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Forman creció en internados y, posteriormente, estudió en la prestigiosa Escuela de Cine de Praga (FAMU), donde comenzó a desarrollar su talento cinematográfico.
Carrera en Checoslovaquia y la Nueva Ola Checa
Forman fue una de las figuras clave de la Nueva Ola Checa, un movimiento cinematográfico que desafiaba las convenciones del realismo socialista con un enfoque más libre y satírico. Durante esta etapa, dirigió algunas de sus primeras películas, que lo posicionaron como un director innovador:
Pedro el negro (1964)
Los amores de una rubia (1965)
¡Al fuego, bomberos! (1967)
Estas películas, caracterizadas por su tono irónico y un enfoque casi documental, captaron la atención de la crítica internacional. Sin embargo, su última cinta en Checoslovaquia, ¡Al fuego, bomberos!, fue prohibida por el régimen comunista, lo que marcó el inicio de su exilio.
Exilio en Estados Unidos y consagración en Hollywood
En 1968, tras la invasión soviética a Checoslovaquia, Forman emigró a Estados Unidos, donde iniciaría su carrera en Hollywood con Juventud sin esperanza (1971). Sin embargo, su gran salto llegaría con Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), adaptación de la novela de Ken Kesey. Esta película, protagonizada por Jack Nicholson, ganó cinco premios Óscar, incluyendo Mejor Director para Forman, consolidándolo como una figura destacada en la industria.
Su éxito continuó con Hair (1979), una adaptación del icónico musical hippie, y Ragtime (1981), basada en la novela de E. L. Doctorow.
Apogeo con Amadeus
En 1984, Forman dirigió Amadeus, un drama histórico sobre la vida de Mozart y su rivalidad con Salieri. La película fue un triunfo rotundo, obteniendo ocho premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Con un estilo visual exuberante y una narrativa envolvente, Amadeus se convirtió en una de las obras maestras del cine.
Últimos trabajos y legado
Forman siguió explorando el biopic y las historias de personajes rebeldes con películas como:
Valmont (1989)
El escándalo de Larry Flynt (1996), que le valió otra nominación al Óscar
Man on the Moon (1999), sobre el excéntrico comediante Andy Kaufman
Su última película fue Los fantasmas de Goya (2006), donde exploró la Inquisición española a través de la figura del célebre pintor Francisco de Goya.
Milos Forman falleció el 13 de abril de 2018 a los 86 años. Su cine se caracterizó por su agudo sentido del humor, su interés por los personajes inconformistas y su capacidad para fusionar el realismo con la espectacularidad cinematográfica. Su legado perdura como uno de los directores europeos más influyentes en la historia del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Randy Newman:
Randy Newman: Un compositor de cine con sello propio
Infancia y primeros años
Randall Stuart Newman, conocido como Randy Newman, nació el 28 de noviembre de 1943 en Los Ángeles, California. Creció en una familia con una fuerte tradición musical: sus tíos Alfred, Lionel y Emil Newman fueron influyentes compositores de bandas sonoras en Hollywood. Desde muy joven, Newman mostró talento para la música y comenzó a estudiar piano y composición.
Carrera musical y primeros trabajos en el cine
Aunque en sus inicios se destacó como cantante y compositor en la escena del pop y el rock, su estilo único, con un característico tono satírico y melancólico, lo llevó a convertirse en uno de los más reconocidos compositores de bandas sonoras.
A partir de los años 70, empezó a trabajar en la industria cinematográfica, componiendo partituras que se convertirían en icónicas.
Ragtime: Su gran entrada en el cine
Uno de sus trabajos más notables en el cine fue la banda sonora de Ragtime (1981), dirigida por Milos Forman y basada en la novela de E. L. Doctorow.
La partitura de Newman capturó a la perfección la atmósfera de la película, ambientada en los Estados Unidos de principios del siglo XX.
Su trabajo en Ragtime le valió dos nominaciones al Óscar, consolidándolo como un compositor de referencia en el mundo del cine.
Éxito en el cine de animación
A partir de los años 90, Randy Newman se convirtió en un nombre clave en la música para películas de animación, especialmente gracias a su colaboración con Pixar. Su inconfundible estilo ha quedado plasmado en películas como:
Toy Story (1995), con la icónica canción You’ve Got a Friend in Me
Bichos: Una aventura en miniatura (1998)
Toy Story 2 (1999)
Monsters, Inc. (2001), por la que ganó el Óscar a Mejor Canción Original con If I Didn’t Have You
Cars (2006)
Toy Story 3 (2010)
Monsters University (2013)
Otros trabajos y legado
Además de su éxito en el cine de animación, Newman ha trabajado en otras películas como Pleasantville (1998), Cold Turkey (1971) y Meet the Parents (2000). Ha sido nominado a los premios Óscar en más de veinte ocasiones y ha ganado varios premios Grammy y Emmy.
Su estilo combina el humor, la ironía y la emoción con una sensibilidad melódica única.
Con más de cinco décadas en la industria, Randy Newman sigue siendo una figura esencial en la música cinematográfica, dejando un legado que ha marcado generaciones de espectadores y amantes del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Se cumplen en este 2025, 45 años desde que estrenase en salas comerciales su primer largometraje “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” (1980), rodado con muy pocos medios y todavía poca destreza técnica, Cine Amateur.
Más de cuatro décadas que incluyen 23 largometrajes y 2 mediometrajes. Tiene previsto rodar este año su próximo largometraje “Amarga navidad” (título provisional).
Recorremos la vida y obra de Pedro Almodóvar en nuestro próximo monográfico, probablemente el director español más internacional e influyente desde Luis Buñuel.
MONOGRÁFICO DE CINE:
“¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea…de salvar lo nuestro?” (Almodóvar)
DÍA: 27/02/2025
HORA: De 18:30 h. a 20:30 h.
LUGAR: EJE (Espacio Joven Europeo)
MONOGRÁFICO Nº4:
“Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea…,
de salvar lo nuestro”
(Pedro Almodóvar)
PRÓLOGO
Abrimos el monográfico “Existe alguna posibilidad…” dedicado a Pedro Almodóvar con un montaje sobre toda su filmografía.
– PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)
– LABERINTO DE PASIONES (1982)
– ENTRE TINIEBLAS (1983)
– ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO! (1984)
– MATADOR (1986)
– LA LEY DEL DESEO (1987)
– MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (1988)
– ¡ÁTAME! (1989)
– TACONES LEJANOS (1991)
– KIKA (1993)
– LA FLOR DE MI SECRETO (1995)
– CARNE TRÉMULA (1997)
– TODO SOBRE MI MADRE (1999)
– HABLE CON ELLA (2002)
– LA MALA EDUCACIÓN (2004)
– VOLVER (2006)
– LOS ABRAZOS ROTOS (2009)
– LA PIEL QUE HABITO (2011)
– LOS AMANTES PASAJEROS (2013)
– JULIETA (2016)
– DOLOR Y GLORIA (2019)
– MADRES PARALELAS (2021)
– LA HABITACIÓN DE AL LADO (2024)
ALBERTO IGLESIAS
El compositor donostiarra, colabora con Almodóvar desde 1985, su brillante carrera abarca 19 nominaciones a los Goya, habiendo conseguido 12 galardones.
Elegimos una escena de Hable con ella (2001), una “set piece” (El amante menguante) dentro de la propia película, con tratamiento de cine mudo, está acompañada por la banda sonora de Alberto Iglesias, probablemente una de sus mejores composiciones musicales.
TILDA SWINTON
Actriz británica (1960 – ), conocida por interpretar personajes excéntricos y enigmáticos. Con Pedro Almodóvar ha colaborado en dos ocasiones, el mediometraje “LA VOZ HUMANA” (2020) y el largometraje “LA HABITACIÓN DE AL LADO” (2024).
FILMOGRAFÍA SELECIONADA:
1. CARAVAGGIO (1986, Derek Jarman)
2. EDUARDO II (1991, Derek Jarman)
3. ORLANDO (1992, Sally Potter)
4. THE WAR ZONE (1999, Tim Roth)
5. ADAPTATION. EL LADRÓN DE ORQUIDEAS (2002, Spike Jonze)
6. FLORES ROTAS (2005, Jim Jarmusch)
7. QUEMAR DESPUÉS DE LEER (2008, Hnos. Coen)
7. TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN (2011, Lynne Ramsay)
8. ROMPENIEVES (2013, Bong Joon-Ho)
9. EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014, Wes Anderson)
10. DR. STRANGER (2016, Scott Derrickson)
JOHN CASSAVETES
El número de influencias y referencias en el cine de Almodóvar es múltiple, elegimos una escena de la película “Noche de estreno” (1977, John Cassavetes), película que gravita entorno al mundo del teatro y cuya influencia en la película “Todo sobre mi madre” es notable.
MATRIMONIO DE CONVENIENCIA
Montaje dedicado a la relación de algunos directores con actrices, cuya colaboración han superado en muchos casos el ámbito profesional. Es el caso de Pedro Almodóvar con Carmen Maura en sus primeros años (´80) y con Penélope Cruz desde (1999 a la actualidad). Algunos ejemplos serían:
Woody Allen & Diane Keaton
Ingmar Bergman & Liv Ullman
Derek Jarman & Tilda Swinton
Carlos Saura & Geraldine Chaplín
Roberto Rosellini & Ingrid Bergman
Federico Fellini & Giuletta Massini
M.Antonioni & Monica Vitti
W.R.Fassbinder & Hanna Schyguila
Woody Allen & Mia Farrow
EL DESEO
Además de dar nombre a su productora desde 1987, el Deseo es un tema recurrente y decisivo en su filmografía. La diversidad de orientaciones, identidades y practices sexuales son epicentro y motor de sus películas.
Parafraseando a Wong Kar-Wai, titulamos el montaje que vimos “Deseando amar”.
CINE DENTRO DEL CINE
Seleccionamos el falso cortometraje “Chicas y maletas”, integrado dentro de la propia película “Los abrazos rotos”, como ejemplo del carácter metacinematográfico y autorreferencial que tiene el cine de Pedro Almodóvar.
CORTOS DE GIGANTES
Elegimos el cortometraje dedicado a Pedro Almodóvar de la Universidad Argentina 3 de febrero.
PLAY-LIST ALMODÓVAR
Acabamos la sesión con un montaje dedicado a diferentes momentos musicales dentro de sus películas, poniendo en valor el buen uso que hace de ellas.
SELECCIÓN:
LO DUDO (Los Panchos / La ley del deseo)
CUCURRUCUCÚ PALOMA (Caetano Veloso / Hable con ella)
NE ME QUITTE PAS (Maysa Mataraso / La ley del deseo)
RESISTIRÉ (Dúo Dinámico / Átame)
UN AÑO DE AMOR (Luz Casal / Tacones lejanos)
LA BIEN PAGÁ (Miguel de Molina / ¿Qué he hecho yo para merecer esto!)
LUZ DE LUNA (Chavela Vargas / Kika)
ESPÉRAME EN EL CIELO (Mina / Matador)
PURO TEATRO (La Lupe / Mujeres al borde de un ataque de nervios)
TABAJONE (Ismaël Lo / Todo sobre mi madre)
QUIZÁS, QUIZÁS, QUIZÁS (Sara Montiel / La mala educación)
Centauros de la Alcarria: Hay debate con el análisis de La Tutoría
21/02/2025
Esta semana en Centauros de la Alcarria … Javier P., Ramón y Rafa se reúnen para analizar los estrenos más destacados de la semana en los Multicines Guadalajara y para analizar una película, que no gustará a todos, pero sí que tiene mucho de lo que hablar, La Tutoría.
Entre las novedades, hablamos de Aún estoy aquí , el nuevo drama de Walter Salles que explora la lucha por la memoria y la justicia en la última dictadura militar brasileña, y de La reina, que nos trae una visión intensa y política sobre Catalina Parr, la sexta esposa de Enrique VIII, interpretada por Alicia Vikander.
El terror y el misterio llegan con The Monkey, la adaptación de Stephen King dirigida por Oswood Perkins, donde un simple juguete desencadena una ola de muertes cruentas en una película de humor macabro.
En un tono más introspectivo, Nacho Vigalondo nos ofrece Daniela Forever, una historia de amor, duelo y ciencia ficción que cuestiona los límites entre los sueños y la realidad.
Para los más pequeños (y no tan pequeños), Paddington: Aventura en la selva nos lleva a Perú con este entrañable osito mientras que Con el agua al cuello, con Michael Keaton, nos presenta una comedia emotiva sobre la paternidad y los lazos familiares.
Además, adelantamos la próxima película del Proyecto Viridiana, Lee Miller, que se proyectará el día 24, y vemos un vídeo especial sobre la primera sesión de Cine Alcarria, en la que Pilar Sancho, reciente ganadora del Goya al Mejor Cortometraje Documental, compartió su experiencia con los participantes de este año.
Por último, en la zona Spoiler Total nos centramos en La Tutoría, una película en la que un incidente bastante turbio entre dos niños nos lleva a una reflexión mucho más profunda sobre las relaciones humanas y la sociedad. Dura, sí, pero también interesante.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
“La Petite Fille de la Mer” es una composición del renombrado músico griego Vangelis, incluida en su álbum de 1973 “L’Apocalypse des Animaux“. Este álbum es la banda sonora de una serie documental homónima dirigida por Frédéric Rossif, que explora la vida animal y fue transmitida en la televisión francesa en 1973.
La pieza, cuyo título se traduce como “La pequeña niña del mar“, destaca por su atmósfera etérea y melódica, evocando imágenes de serenidad y misterio. A lo largo de los años, ha sido utilizada en diversas producciones cinematográficas y televisivas, incluyendo la película “Stranger than Fiction” y la producción teatral “Slava’s Snowshow“.
La popularidad de “La Petite Fille de la Mer” ha trascendido décadas, manteniéndose vigente en plataformas de streaming como Spotify, donde continúa cautivando a nuevas generaciones de oyentes.
“Lila” es un cortometraje dirigido por el cineasta argentino Carlos Lascano en 2014. La historia sigue a una joven soñadora que, incapaz de aceptar la realidad tal como la percibe, utiliza su imaginación y habilidades artísticas para transformarla. A través de sus dibujos, Lila modifica su entorno, infundiendo magia y color en situaciones cotidianas.
Este cortometraje combina de manera armoniosa la acción en vivo con la animación, creando una estética única que ha sido reconocida internacionalmente. Desde su lanzamiento, “Lila” ha sido seleccionado en más de 300 festivales y ha obtenido más de 180 premios a nivel mundial. Además, ha acumulado más de 25 millones de reproducciones en línea, convirtiéndose en un fenómeno viral.
La música original de “Lila” fue compuesta por el talentoso músico francés Sandy Lavallart. Su banda sonora complementa perfectamente la narrativa visual, realzando la atmósfera mágica y emotiva del cortometraje. Lavallart es conocido por su versatilidad como compositor y productor, habiendo trabajado en diversos proyectos que van desde bandas sonoras para películas hasta música para comerciales de televisión.
Hace unos años se publicó en YouTube una visitación a este corto que combinaba las imágenes de Carlos Lascano con la música de Vangelis “La Petite Fille de la Mer” , creándose un producto espurio pero atractivo que ha tenido muchas visitas en esta red social.
Un placer visitar esta película acompañado de nueva gran amiga Gema.
El otro día en Centauros de La Alcarria le decía a su director Javi Pastrana que no solo de dramas sesudos vive el cinéfago.
He de confesar que el género cinematográfico de la comedia romántica me encanta.
Como diría El Fary, que en paz descanse, soy un hombre blandengue que saca sus pañuelitos de papel para empaparlos de lágrimas, las veces que haga falta, durante una proyección.
Hay un elemento que me gusta mucho de este film Bridget Jones: Mad About the Boy es la idea de que en la vida lo mejor es pasar página, sin olvidar el pasado. Caminar hacia delante pensando que está todo por disfrutar.
Bridget Jones después de un largo duelo decide rehacer su vida laboral y sentimental…
En la película están cuestiones que ahora más que nunca se plantean. Los ya sabidos temas de la conciliación, pero también las relaciones de mujeres maduritas con chicos más jóvenes, que sigue siendo un tema controvertido, cuando a la inversa se ve como absolutamente normal.
Ese es tal vez uno de los lastres de este film que cae en la trampa de acatar las convenciones sociales más rancias.
Pero a su favor, no puedo negar que es divertida y emociona, posiblemente con recursos muy convencionales, pero estamos en lo que estamos. Es Bridget Jones y es comedia romántica que asegura final feliz y un guion rebosante de tópicos.
Impresionante el carisma de Hugh Grant.
Renée Zellweger está perfecta, con sus andares patosos y su espontaneidad bien ensayada.
Todo en esta película suena y huele a prefabricado.
Diálogos solemnes y ampulosos; chistecillos sin gracia; alguna pelea, para animar el cotarro, más al estilo de Jackie Chan que de Marvel; un Harrison Ford en horas muy bajas; drogas de diseño y, menos mal que, al final, aparece el Hulk Rojo para elevar mi decaído ánimo.
Los carismas de Anthony Mackie, Joaquin Torres y Ruth Bat-Seraph están bajo cero.
Me da la impresión que es una película que desborda errores.
Centauros de la Alcarria: Analizamos Septiembre 5, charcos con los Goya y dudamos de Capitán América
14/02/2025
Nuevo programa de Centauros de la Alcarria con Ramón, Sara y Javier P.
En esta ocasión hacemos un poco de cine ficción a cuenta del estreno de Capitán América Brave New World, que nos genera duda.
También hablamos del estreno de Bridget Jones. Loca por él; de la película de animación Mary Superchef; del anime no recomendado para niños Attack on Titan: The las attack; y de dos estrenos europeos ciertamente interesantes, La Tutoríay Vermiglio.
Después hablamos de los Goya, de los premios a nuestras paisanas Pilar Sancho y Maria Luisa Gutiérrez, analizamos un poco los premios, la gala y nos metemos en muchos charcos, incluido en el de Emilia Pérez y Karla Sofía Gascón, y por último analizamos Septiembre 5, una interesantísima película alemana que sigue a un equipo de periodistas americanos durante el secuestros de los deportistas israelíes en los Juegos Olímpicos de Munich, en 1972.
¿Alguien da más?
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Partamos del principio que cualquier cosa que haga Pablo Larraínme tiene que gustar. Es el director de El conde y de El club, con eso está dicho todo.
Estamos ante un biopic que recoge las últimas dos semanas de la vida de la gran diva.
En esos días, ella rememora los momentos más trascendentes de su existencia personal.
Larraín salpica el relato de intervenciones de la cantante de ópera.
La película es triste, pesarosa, melancólica, mustia y afligida, como esas últimas jornadas de una persona que padeció una infancia horrible y no encontró una existencia placentera por la compañía de hombres tóxicos.
Lástima que la actuación de su protagonista me impida conectar con ella, una Angelina Jolie que no consigue trasmitir emociones por una interpretación sobreactuada y esforzadamente falsa.
Nolan debutó con este drama de suspense rodado en blanco y negro y en 16 mm, durante los fines de semana y con un presupuesto de 6.000 dólares.
Un film más que interesante el que podemos vislumbrar de manera premonitoria la carrera de Christopher Nolan, con ese logo de Batman en la puerta del joven escritor, el montaje desordenado o la creación de atmósferas personales.
Este novelista vacío de ideas, que sigue a gente de manera aleatoria, se verá atrapado por un seductor Cobb y una femme fatale en una trampa perfecta.
Embriagadora película con estilo visual propio con un aire underground.
