Esta peli es un melodrama en el sentido más estricto de la expresión.
Un drama en el que la música es la que crea los sentimientos que el espectador sufre y disfruta.
El término melodrama suele tener un carácter peyorativo.
Aquí los diálogos son cantados, sin que haya nada sin música.
Es la historia es un dramón.
Una pareja de jóvenes enamorados que son separados por el servicio militar de Guy que se va a la Guerra de Argelia.
La casi adolescente Geneviève se ve impelida a realizar un matrimonio de conveniencia.
Sus vidas discurrirán más o menos felices, pero nunca sabremos como hubieran sido si no se hubieran separado.
Un retrato de la Francia de provincias, con los convencionalismos burgueses que tanto pesan.
Su fondo de melancolía, de tristeza, llega a su clímax con ese encuentro final que me emocionó y que ahora mismo, cuando escribo estas líneas, se llenan mis ojos de lágrimas.
Catherine Deneuve está tan bien en ese personaje frágil y delicado, preocupada por su madre más que en su felicidad.
No hay personajes malos todos son buenos. La madre egoísta, pero en absoluto malvada.
Centauros de la Alcarria: Estrenos de la semana y ¿se merece A real pain tanto halago?
24/01/2025
Esta semana, el programa cuenta con el regreso de Sara, que se une a Javier P., Jorge y Ramón para hablar de los estrenos de los Multicines y analizar en detalle A Real Pain (minuto 70) , la película de Jesse Eisenberg que explora las tensiones familiares entre dos primos con un curioso viaje turístico sobre el Holocausto como telón de fondo.
Además, Sara, en el minuto 56, comparte su ¿polémica? opinión sobre Emilia Perez, añadiendo un poco de controversia a la conversación.
En cuanto a los estrenos, hablamos de The Brutalist, de Brady Corbet, con la que nonos sumergimos en la lucha de un arquitecto inmigrante por sobrevivir y prosperar en la posguerra. Una reflexión sobre el sueño americano y su precio. Para los amantes de la animación, Flow, un mundo que salvar presenta una conmovedora historia sobre un gato que hace extraños compañeros de viaje tras una catástrofe mundial.
Por otro lado, La fiebre de los ricos es la primera película en inglés del director de El Hoyo, que plantea una sátira mordaz sobre la desigualdad social y el valor real de la riqueza.
La cartelera también incluye El profesor de esgrima, un drama histórico sobre honor y feminismo dirigido por Vincent Perez.
Y Miocardio, de José Manuel Carrasco, que ahonda en los conflictos emocionales de una pareja con diálogos intensos y momentos de comedia, mientras que Mala influencia apuesta por un drama romántico adolescente.
También comentamos nuestras películas preferidas de David Lynch en homenaje a este emblemático y recientemente fallecido director (minuto 39).
Finalmente, en nuestra Zona Spoiler Total, a partir del minuto 70, desmenuzamos A Real Pain, que está acaparando elogios por el trabajo de Jesse Eisenberg tras las cámaras, aunque también la protagoniza, y de Kieran Culkin, éste sí por su interpretación.
Un programa cargado de análisis, emociones y cine del bueno.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.
Homenajeamos al director de Blue Velvet, proyectando esta película que es elegida por votación popular.
Somos sabedores que es la película menos lynchiana de este director, aún siendo muy de Lynch.
Se podría afirmar que es la road movie definitiva, el viaje de reconciliación más largo, con el encuentro más sencillo y más esperado.
Está claro que Alvin, colosalmente interpretado por Richard Farnsworth, tiene una asignatura pendiente que tiene que saldar y decide hacer un camino de redención, de expiación de sus pecados, algunos de los cuales confiesa en la barra de un bar.
Lynch sabe retratar como ninguno a este personaje, del que nos va soltando información durante todo el metraje para componerlo definitivamente.
Por otro lado nos muestra la Norte América profunda, esa que vota, ahora, a Trump, conservadora, armada con rifles, con valores tradicionales como la familia y la religión.
Es una América idílica de gente amable, colaboradora, solidaria, empática, en la que se puede ir a 6 Km por hora sin que te pare la Guardia Civil de tráfico, en la que se puede encender fuego en cualquier parte y donde te van a acoger con las brazos abiertos en cualquier patio de una propiedad.
Paradójicamente la historia está basada en hechos reales, aunque parezca un idílico cuento.
Maravillosa la mirada de niño de este anciano que observa con asombro los grandes camiones, los puentes de hierro y a los grupos de ciclistas.
El encuentro final es tan sencillo, tan poco expresivo que resulta extraordinario y conmovedor. Nunca en el cine algo tan sobrio despertó tantos sentimientos.
Una película apasionante de las que nos e olvidan.
No quiero ni puedo dejar de mencionar a Sissy Spacek, siempre competente, siempre extraordinaria.
Imborrable la presencia de Harry Dean Stanton.
Mi puntuación: 8,99/10.
Dirigido por David Lynch:
El Arquitecto de los Sueños: David Lynch y su Legado Surrealista
David Keith Lynch (1946-2025)
David Keith Lynch, nacido el 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana, y fallecido el 16 de enero de 2025 en Los Ángeles, California, fue un director de cine, guionista, artista y productor de música electrónica estadounidense.
Reconocido por su estilo surrealista y narrativas enigmáticas, Lynch dejó una huella indeleble en el cine contemporáneo.
Biografía
Hijo de Donald Walton Lynch, un investigador del Departamento de Agricultura de los Estados Unidos, y Edwina “Sunny” Lynch, una profesora de inglés, David Lynch pasó su infancia en diversas ciudades debido al trabajo de su padre, lo que le brindó una perspectiva única del paisaje estadounidense.
Desde joven mostró interés por las artes visuales, estudiando pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts en Filadelfia.
Fue durante este periodo cuando comenzó a experimentar con el cine, creando cortometrajes que fusionaban su pasión por la pintura y el movimiento.
Su primer largometraje, Eraserhead (1977) (Cabeza borradora), se convirtió en una película de culto y estableció su reputación como un cineasta innovador.
A lo largo de su carrera, Lynch exploró temas como la dualidad de la naturaleza humana, los oscuros secretos de la vida suburbana y la intersección entre la realidad y el sueño.
Filmografía destacada
A continuación, se detallan algunas de las obras más emblemáticas de David Lynch:
_Eraserhead (1977) (Cabeza borradora)
Este debut cinematográfico es una odisea surrealista que sumerge al espectador en un mundo industrial y desolado.
La trama sigue a Henry Spencer, un hombre que debe cuidar a su hijo recién nacido, una criatura deforme y misteriosa. La película es una exploración de la ansiedad, la paternidad y la alienación, presentada a través de imágenes oníricas y una atmósfera inquietante. Aunque inicialmente recibió críticas mixtas, Eraserhead se consolidó como una obra de culto, apreciada por su audacia visual y narrativa.
_The Elephant Man (1980) (El hombre elefante)
Basada en la vida real de Joseph Merrick, un hombre británico del siglo XIX con severas deformidades físicas, esta película muestra la lucha de Merrick por ser aceptado en una sociedad que lo ve como una curiosidad. Interpretada magistralmente por John Hurt y Anthony Hopkins, la película fue aclamada por su sensibilidad y profundidad emocional. Recibió ocho nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Director para Lynch, consolidando su posición en Hollywood.
_Blue Velvet (1986) (Terciopelo azul)
Esta obra maestra del cine negro moderno comienza con el descubrimiento de una oreja humana en un tranquilo suburbio, lo que lleva al protagonista, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), a una investigación que revela el lado oscuro de su comunidad. La película explora temas de voyeurismo, sadomasoquismo y la dualidad entre la apariencia y la realidad. La actuación de Isabella Rossellini como la atormentada cantante de club nocturno Dorothy Vallens es especialmente destacada. Blue Velvet es una meditación sobre los oscuros deseos que yacen bajo la superficie de la vida cotidiana.
_Twin Peaks (1990-1991; 2017)
Aunque es una serie de televisión, Twin Peaks merece mención por su impacto cultural y artístico. Co-creada con Mark Frost, la serie comienza con la investigación del asesinato de la joven Laura Palmer en un pequeño pueblo del noroeste de Estados Unidos. Combina elementos de misterio, drama y surrealismo, presentando una amplia gama de personajes peculiares y tramas entrelazadas. La serie fue revolucionaria en su narrativa y estética, influyendo en numerosas producciones posteriores. En 2017, Lynch revivió la serie con Twin Peaks: The Return, considerada por muchos como una obra maestra.
Premios y Reconocimientos
David Lynch recibió numerosos galardones a lo largo de su carrera, entre los que destacan:
Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por Wild at Heart (1990) (Corazón salvaje).
León de Oro Honorífico en el Festival de Cine de Venecia (2006) por su trayectoria.
Premio Honorífico de la Academia (2019) por su contribución al cine.
Tres nominaciones al Premio de la Academia al Mejor Director por The Elephant Man (1980) (El hombre elefante), Blue Velvet (1986) (Terciopelo azul) y Mulholland Drive (2001) (Mulholland Drive).
Legado
La influencia de David Lynch en el cine y la televisión contemporánea es incuestionable.
Su capacidad para combinar lo mundano con lo surrealista redefinió los límites de la narrativa audiovisual.
Películas comoBlue Velvet (Terciopelo azul) y series como Twin Peaks no solo abrieron nuevos caminos para el arte cinematográfico, sino que también inspiraron a generaciones de cineastas y creadores.
Lynch también fue pionero en el uso del sonido y la música como elementos narrativos, colaborando frecuentemente con el compositor Angelo Badalamenti para crear atmósferas únicas e inolvidables.
David Lynch falleció debido a complicaciones relacionadas con un enfisema diagnosticado en 2020.
Su partida deja un vacío enorme en el mundo del arte, pero su legado perdurará a través de su obra, que continuará siendo analizada, admirada y celebrada por décadas.
La vi por primera vez en mi adolescencia en algún cine club. Hace unos años la volví a visitar en relación a un remake (Nine – 2009 – Rob Marshall).
Me lo vuelvo a pasar fenomenal esta tercera vez.
Fellini se autorretrata en su alter ego Marcello Mastroianni.
La crisis artística de un director de cine, que recibe una continua lluvia de preguntas.
Con escenas oníricas, que enlazan con el surrealismo. Se ve la huella de Buñuel.
Otras de ensoñaciones de sus deseos respecto a su relación con las mujeres.
Magnífico el retrato decadente de esa burguesía y alta sociedad que se hospeda en ese balneario deprimente e hipócrita.
Una peli en la que no dejan de pasar cosas, de manera apabullante y arrolladora.
Con esas escenas finales maravillosas de todos los personajes bajando las escaleras, componiendo un espéctaculo festivo y circense en homenaje a esa vida de la farándula que Fellini admira y en la que se siente como pez en el agua.
Una maravillosa obra maestra.
Espupendas todas las actrices, incluyendo a la joven Claudia Cardinale.
Mi puntuación: 10/10.
Dirigido por Federico Fellini:
El gran Fellini:
Federico Fellini (Rímini, 20 de enero de 1920 – Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano, considerado uno de los cineastas más influyentes del siglo XX.
Su obra se caracteriza por una mezcla única de fantasía y realismo, explorando temas como la memoria, los sueños y la condición humana.
Biografía
Nacido en una familia de clase media, Fellini mostró desde joven un talento para el dibujo y la caricatura.
Durante su adolescencia, colaboró con diversas revistas humorísticas, lo que le permitió desarrollar una aguda observación de la sociedad.
En 1939, se trasladó a Roma con la intención de estudiar Derecho, pero pronto se involucró en el mundo del cine y la radio.
Trabajó como guionista y colaboró con directores como Roberto Rossellini en películas emblemáticas del neorrealismo italiano, como Roma, ciudad abierta(1945).
En 1943, contrajo matrimonio con la actriz Giulietta Masina, quien se convertiría en su musa y protagonista de varias de sus películas más destacadas. La pareja tuvo un hijo, Pier Federico, que lamentablemente falleció poco después de nacer en 1945.
Manías y peculiaridades personales
Fellini era conocido por su carácter meticuloso y sus rituales durante el proceso creativo.
Una de sus manías más notables era la aversión a volar; prefería viajar en coche o tren, evitando en lo posible los aviones.
Además, tenía la costumbre de dibujar bocetos detallados de personajes y escenas antes de filmarlas, lo que le ayudaba a visualizar sus ideas y a comunicarlas al equipo de producción.
Su inclinación por lo onírico y lo surrealista también se reflejaba en su vida diaria, donde a menudo mezclaba realidad y fantasía en sus conversaciones y relatos.
Filmografía destacada
A lo largo de su carrera, Fellini dirigió numerosas películas que han dejado una huella indeleble en la historia del cine.
Algunas de las más emblemáticas son:
La strada (1954): Ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, narra la historia de Gelsomina, una joven ingenua vendida a un artista ambulante.
Las noches de Cabiria (1957): Protagonizada por Giulietta Masina, sigue la vida de una prostituta romana en busca del amor verdadero.
La dolce vita (1960): Una crítica a la alta sociedad romana, centrada en la figura de un periodista interpretado por Marcello Mastroianni.
Amarcord (1973): Una evocación nostálgica de su infancia en Rímini, llena de personajes pintorescos y situaciones surrealistas.
Enfoque en Ocho y medio (1963)
Una de las obras maestras de Fellini es Ocho y medio (8½), estrenada en 1963.
La película es una exploración metacinematográfica que refleja la crisis creativa de un director de cine, Guido Anselmi, interpretado por Marcello Mastroianni.
El título hace referencia a las películas que Fellini había dirigido hasta ese momento: seis largometrajes completos, dos codirigidos (contados como medio cada uno) y un episodio en una película colectiva, sumando un total de siete y medio;Ocho y medio sería su octava película y media.
La narrativa oscila entre la realidad y la fantasía, mostrando los recuerdos, sueños y alucinaciones de Guido mientras lucha por encontrar inspiración para su próxima película.
A través de una serie de viñetas y secuencias oníricas, Fellini ofrece una introspección profunda sobre el proceso creativo, la identidad y las relaciones humanas.
La película fue aclamada por su innovación narrativa y visual, y es considerada una de las mejores películas de la historia del cine.
Ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y consolidó a Fellini como un maestro del cine moderno.
Legado
Federico Fellini dejó un legado cinematográfico que continúa influyendo a cineastas y espectadores en todo el mundo.
Su capacidad para mezclar lo mundano con lo fantástico, junto con su estilo visual distintivo y su profunda comprensión de la naturaleza humana, lo han consagrado como uno de los grandes maestros del cine.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
Música de Nino Rota:
Nino Rota: El Arquitecto Musical de los Sueños Cinematográficos
Nino Rota (Milán, 3 de diciembre de 1911 – Roma, 10 de abril de 1979) fue un destacado compositor italiano, reconocido principalmente por sus contribuciones a la música cinematográfica y su colaboración con directores de renombre como Federico Fellini y Francis Ford Coppola.
Biografía
Giovanni Rota Rinaldi, conocido artísticamente como Nino Rota, nació en una familia con una sólida tradición musical.
Desde temprana edad, demostró un talento excepcional para la música, componiendo su primer oratorio, L’infanzia di San Giovanni Battista, a los 11 años.
Estudió en el Conservatorio de Milán y posteriormente en el Conservatorio de Santa Cecilia en Roma, donde fue alumno de Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti.
Completó su formación en el Instituto de Música Curtis en Filadelfia, Estados Unidos.
A lo largo de su carrera, Rota compuso más de 150 bandas sonoras para cine y televisión, además de óperas, ballets y obras sinfónicas.
Su estilo se caracteriza por melodías líricas y una habilidad única para capturar la esencia de las historias que musicalizaba.
Manías y peculiaridades personales
Aunque Nino Rota era una figura reservada y discreta, se sabe que tenía una rutina de trabajo meticulosa.
Era conocido por su dedicación y disciplina, a menudo trabajando largas horas en sus composiciones.
Mantenía una vida privada alejada de los reflectores, lo que ha dejado pocos detalles sobre sus manías o excentricidades personales.
Filmografía destacada
La colaboración de Rota con Federico Fellini es especialmente notable, resultando en algunas de las bandas sonoras más emblemáticas del cine italiano.
Entre sus trabajos más destacados se incluyen:
La strada (1954): Una de las primeras colaboraciones con Fellini, cuya música complementa la narrativa poética de la película.
Las noches de Cabiria (1957): La banda sonora realza la emotividad de la historia de una prostituta en busca de amor.
La dolce vita (1960): Rota captura la esencia de la alta sociedad romana con una música que oscila entre lo festivo y lo melancólico.
El padrino (1972): Su colaboración con Francis Ford Coppola le valió un reconocimiento internacional, creando una de las melodías más icónicas del cine.
Enfoque en Ocho y medio (1963)
En Ocho y medio (8½), Rota compuso una banda sonora que refleja la complejidad y el carácter onírico de la película.
El tema principal, “La Passerella di Otto e Mezzo“, es una melodía circense que evoca la dualidad entre la realidad y la fantasía presente en la narrativa de Fellini.
La música de Rota en esta película se caracteriza por su capacidad para alternar entre tonos festivos y reflexivos, complementando las transiciones entre las secuencias reales y las imaginarias.
La colaboración entre Rota y Fellini enOcho y medio es un ejemplo destacado de cómo la música puede enriquecer la narrativa cinematográfica, aportando profundidad emocional y cohesión a la obra.
Legado
Nino Rota dejó una huella indeleble en la música cinematográfica, siendo una referencia para compositores posteriores.
Su capacidad para crear melodías memorables y su versatilidad para adaptarse a diferentes géneros y estilos cinematográficos lo consolidan como uno de los compositores más influyentes del siglo XX.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
