El Blog de Hola Soy Ramón!

 

Laberinto en llamas – The Lost Bus – 2025 – Paul Greengrass – Apple TV

5/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando el GPS dice ‘gire a la derecha’… y a la derecha hay un infierno.

 

El director (4 líneas):


Paul Greengrass es un especialista en convertir el caos en cine: cámara nerviosa, tensión constante y sensación de que todo está a punto de salirse de madre.

 

Lo demostró en United 93, en Capitán Phillips y, claro, en la saga Bourne (donde la estabilidad emocional dura menos que una batería de móvil).

Aquí se mete en el terreno del desastre natural con una historia basada en hechos reales, y se nota que sabe abrir fuerte y apretar el nudo.

 

 

Cutrecomentario:


El arranque de Laberinto en llamas es, sin exagerar, lo mejor del telefilme: el incendio nace, crece y se convierte en monstruo con una claridad acojonante.

 

Las llamas avanzan por el bosque como si tuvieran agenda propia, y la peli clava esa sensación de “esto ya no hay quien lo pare”.

 

Muchísimos incendios se apagan más por un cambio meteorológico —bajada de viento, subida de humedad, lluvia— que por la épica humana.

 

Los medios ayudan, sí, pero cuando el fuego se pone chulo, manda él.

 

El problema es que la película empieza siendo una especie de crónica coral del desastre… y termina convirtiéndose en “la aventura del autobús”. E

 

n el segundo y tercer acto, el foco se estrecha hasta quedarse en Matthew McConaughey (conductor) y America Ferrera (profesora) intentando rescatar a unos niños en mitad del caos.

 

Y ojo: eso, sobre el papel, debería ser oro. Pero en la práctica, cuando parece que va a aflorar el heroísmo grande, el relato se vuelve un poco chirriante. Como si la peli hubiera empezado queriendo ser cine-catástrofe serio y acabara recordando que está en Apple TV+ y necesita su ración de “personajes inspiradores”.

 

¿Funciona como entretenimiento? Sí.

 

¿Tiene efectos especiales potentes? También.

 

¿Se nota que es telefilm, aunque lo firme Greengrass? Pues un poquito, la verdad. Eso sí: el inicio es tan impactante que casi compensa el tramo final más convencional.

 

Mi puntuación: 6,64/10.

 

 

 

Dirigido por Paul Greengrass:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Urchin – 2025 – Harris Dickinson – Cine Club Alcarreño

5/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La personalidad y la droga.

 

El director:


Harris Dickinson es más conocido como actor que como director —en plan “tengo cara de esto y voz de aquello”, lo habrás visto en El triángulo de la tristeza (donde sujeta un arma con más actitud que la mayoría de villanos) y en El clan de hierro.

 

Esta es su primera película como director y guionista, lo que convierte a Urchin en un debut curioso, audaz y arriesgado.

 

No hay una filmografía previa como realizador que reseñar, así que aquí empieza su cuaderno de viaje detrás de la cámara.

 

Cutrecomentario:


Urchin te presenta a Mike (interpretado por Frankie Dillane), un chaval que parece haber leído el manual de “cómo desaprovechar la vida en tiempo récord”, con una mezcla de pereza, autodestrucción y mala baba digna de alguien que no se lleva ni con su propia sombra.

 

Lo ves mendigando, robando, metido en mil fregados, y al mismo tiempo no puedes evitar pensar ¿pero cómo se las arregla este para seguir vivo? —y no es simpatía elegante, es más bien una mezcla rara de pena y de “por favor, levántate ya”.

 

Lo curioso es que la peli no te vende a Mike como héroe, ni como víctima edulcorada de la sociedad cruel; es más bien un tipo que se odia a sí mismo, que boicotea cada intento de ayuda que recibe y que sería incapaz de mantener un currículum sin tachones a las tres líneas.

 

Esa contradicción entre el desprecio y la compasión es lo que hace que la peli te remueva sin darte palmaditas en la espalda como si fuera una lectura amable de domingo.

 

Y ojo, esto no es cine amable de sofá: Urchin estuvo en la Sección Una cierta mirada de Cannes y se llevó el premio al Mejor Actor para Frankie Dillane y el FIPRESCI de esa sección, lo cual viene a decirnos que por ahí fuera hay mucha gente que ha dicho “sí, esto es cine de calité”. Eso no es poca cosa. 

 

Si te gusta el cine que no te cuenta qué pensar, sino que te deja con el estómago dando vueltas, esta peli es un tiro certero en la línea de flotación.

 

Y gracias al Cine Club Alcarreño por proyectarla, que si no, igual nos quedábamos sin ver cómo alguien puede autoboicotearse con tanto estilo.

 

Urchin no es cómoda, ni simpática, ni bonita… pero es honesta como una hostia bien dada.

 

Si vas esperando un cuento de redención clásico, mejor llévate palomitas y paciencia.

 

Si vas con ganas de realidad cruda, te puede sorprender de verdad.

 

Mi puntuación: 6,57/10.

 

 

 

Dirigido por Harris Dickinson:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Song Sung Blue (Canción para dos) (Musical) – 2025 – Craig Brewer – #YoVoyAlCine

5/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Amor otoñal y mala suerte.

 

El director:


Craig Brewer es de esos tipos que te pueden colar un drama musical después de haberte hecho sudar en Hustle & Flow y carcajearte en Coming 2 America (sí, esa secuela que nadie pidió pero ahí está).

 

Aquí vuelve al ruedo con un biopic musical que adapta un documental de 2008 sobre una auténtica banda tributo.

 

No inventa la rueda, pero sabe tocar la canción que tú ni sabías que querías oír. 

Cutrecomentario:


Song Sung Blue es ese tipo de peli que te hace pensar que amar lo que haces y cantar temas ochenteros puede ser casi una terapia barata (o cara, dependiendo de si pagas palomitas).

 

Protagonizada por Hugh Jackman y Kate Hudson, que ya no son bisoños pero sí unos tipos encantadores con micro, esta pareja interpreta a Mike y Claire Sardina, dos músicos que se conocen, se enamoran, montan una banda tributo a Neil Diamond y al final la vida les da de hostias tanto como los aplausos. 

 

Jackman, sí, canta de verdad (como en Les Misérables, pero menos dramático) y Hudson sorprende con una voz que te hará repensar si no tiene una carrera musical oculta que nos ha estado engañando a todos.

 

La peli no busca ser revolución cinematográfica, sino confesión de bar: a veces la vida apesta, y a veces te tira un solo de guitarra que te sana el alma. 

 

La historia tiene ese rollo muy norteamericano de “sí, la mala suerte ronda, pero el amor y la música lo curan todo, ¿no?” —y no te miento, a ratos funciona—.

 

La hija adolescente (interpretada por Ella Anderson) hace un papelito bastante sólido, lo cual es curioso porque en realidad tiene 26 tacos y te lo vende como si tuviese 16. 

 

¿Es muy convencional? Pues sí, como un tema de Diamond que ya te sabes de memoria.

 

¿Tiene momentos emotivos? Más de los que esperas cuando empiezas con la duda de “otra biopic musical más”.

 

¿Logra que se te pegue Sweet Caroline en la cabeza toda la semana? Absolutamente. 

 

Una peli que no cambia el mundo, pero sí te puede cambiar el humor después de verla con palomitas.

 

Si no te gusta, siempre puedes echarle la culpa a Sweet Caroline cuando la guitarra empieza a sonar en tu cerebro.

 

Mi puntuación: 6,68/10.

 

 

 

Dirigido por Craig Brewer:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al médico con Ramón – Vacunación en personas mayores: por qué es de las mejores “inversiones” en salud

5/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

Al médico con Ramón – Vacunación en personas mayores: por qué es de las mejores “inversiones” en salud

 

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Aída y vuelta – 2026 – Paco León – #YoVoyAlCine

1/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Volver al barrio… sabiendo que el barrio ya no es el mismo.


Aída y vuelta: reírse del pasado sin que el presente te denuncie.

 

El director


Paco León ya no es “el de la tele”.

 

Como director ha demostrado curiosidad, riesgo y ganas de incomodar con Carmina o revienta, Carmina y amén, Kiki, el amor se hace y Rainbow.

 

Le interesa el metacine, el humor incómodo y mirar a los personajes con cariño pero sin pasarles todas.

 

Aquí juega en casa… y aun así se permite mirarla con lupa.

 

Cutrecomentario


Esta película va a encantar a los fans de Siete vidas y, sobre todo, de Aída.

 

Es un homenaje directo a la serie, a sus personajes y a sus actores.

 

En la sesión del sábado, con la sala casi llena, hubo aplausos espontáneos en varios momentos. Eso dice mucho.

 

Yo confieso: no vi ni un capítulo entero de Siete vidas ni de Aída. Algún zapping, sí.

 

Conocía su impacto social, ese comentario semanal que estaba en todas partes.

 

Y lo poco que vi en su día no me molestaba: comedia popular, interpretaciones sólidas, humor directo… lo que la propia película define como humor popular, algo chabacano, muy de su tiempo. Y justo de eso va la peli.

 

Aída y vuelta es metacine puro: una semana durante el rodaje del último episodio de una ficticia decimocuarta temporada (sí, 14).

 

Carmen Machi, Paco León, Mariano Peña, Miren Ibarguren, Marisol Ayuso, Pepe Viyuela… todos interpretándose a sí mismos, interpretando a sus personajes, interpretando un guion escrito por Paco León y Fer Pérez. Capas y más capas. La historia de fondo es de Henar Álvarez, y se nota.

 

La película reflexiona —y bastante bien— sobre cómo ha cambiado el humor.

 

Ya no valen chistes homófobos, xenófobos ni burlas fáciles.

 

Hemos ganado en respeto (a minorías, a los márgenes), pero quizá hemos perdido cierta inocencia gamberra que no siempre pretendía hacer daño.

 

La peli no da lecciones, plantea el debate.

 

Muy interesante lo que ocurre con Miren Ibarguren: su trama toca esa frontera resbaladiza entre acoso, abuso y el uso del insulto físico como arma en situaciones de tensión. Es compleja, incómoda y está muy bien defendida. Para mí, una de las interpretaciones más logradas.

 

También hay drama, y del bueno.

 

El de Carmen Machi, marcada por un personaje del que quiere escapar, y el de la popularidad convertida en acoso: no poder ir a un bar sin selfies, sin exigencias, sin la obligación permanente de ser simpático.

 

La película recuerda algo básico: los personajes son públicos, las personas no.

 

Es divertida, entretenida, con capas, con momentos dramáticos y reflexión.

 

No es una gran película, no es redonda, pero funciona muy bien.

 

Una pena que no haya pasado por el Festival de Málaga: habría encajado como un guante.

 

Va a tener éxito comercial.

 

Los fans saldrán felices.

 

Y gente como yo, que partía con interés mínimo, también la disfruta.

 

Eso no es poco.

 

Mi puntuación: 6,57/10.

 

 

 

Dirigido por Paco León:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Send Help (Enviad ayuda) – 2026 – Sam Raimi – #YoVoyAlCine

1/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Náufragos, traumas laborales y gore con mala leche.

 

El director


Hablar de Sam Raimi es hablar de un director con personalidad desbordada.

 

Viene del terror más gamberro y creativo con Posesión infernal, Terroríficamente muertos y El ejército de las tinieblas, supo colarse en el gran Hollywood con la trilogía de Spider-Man, y ha seguido alternando encargos de estudio con su vena más juguetona en Arrástrame al infierno o Doctor Strange en el multiverso de la locura.

 

Raimi rueda con ritmo, mala leche, humor negro y gusto por el exceso.

 

Nunca ha sido fino, pero sí muy reconocible.

 

Y aquí vuelve a mezclar géneros como quien hace un cóctel peligroso.

 

Cutrecomentario


Mi principal interés por Send Help era ver a Rachel McAdams, que me parece una actriz sensacional y con una filmografía mucho más rica de lo que a veces se recuerda.

 

Su gran popularidad le llega con El diario de Noah, pero antes ya había despuntado en De boda en boda y luego ha demostrado que sabe moverse entre el drama romántico (Una cuestión de tiempo), el cine comercial (Sherlock Holmes), el superhéroe y la televisión, donde estuvo estupenda en la segunda temporada de True Detective.

 

Aquí vuelve a sostener la película con oficio y presencia.

 

La peli arranca como cine de acoso laboral bastante incómodo: una mujer ninguneada y humillada por una panda de machitos con poder, cretinos sin matices.

 

Raimi aprieta ahí bien el dedo.

 

Después la historia vira al cine de catástrofes y acaba desembocando en supervivencia pura en una isla desierta: buscar agua, comida y mantener la cabeza fría.

 

Y ahí se produce el giro interesante: ella demuestra ser mucho más competente para la vida real, mientras su jefe, interpretado por Dylan O’Brien, es poco menos que un lastre con piernas.

 

Entre ambos se establece una relación rara, incómoda, de amor-odio constante: se necesitan, se detestan, se miden.

 

Funciona… hasta que no.

 

Porque lo que a mí me chirría es el tramo final, cuando el personaje de McAdams deriva hacia un comportamiento casi psicótico y se insinúa una relación de sumisión emocional con quien antes la había humillado.

 

Esa decisión narrativa me resulta bastante molesta.

 

En ese último tercio la película se decanta por una comedia negra algo torcida, con momentos de terror y gore muy marca Raimi, algunos bastante ingeniosos, otros más gratuitos.

 

Se deja ver, entretiene, tiene ideas y energía, pero no termina de rematar lo que plantea.


Una película irregular, con una Rachel McAdams estupenda, un Sam Raimi reconocible y juguetón, y una mezcla de géneros que a ratos funciona y a ratos se le va de las manos.

 

Interesante, sí. Redonda, no.

 

Pero tampoco es un naufragio total.

 
 

Mi puntuación: 5,55/10.

 

 

 

 

Dirigido por Sam Raimi:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Marty Supreme – 2025 – Joshua Safdie – #YoVoyAlCine

1/02/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El sueño americano a gritos (y sin botón de volumen)


Marty Supreme: triunfar cueste lo que cueste… incluso caerte mal.

 

Ping-pong en los años 50, drama moral y ganas de Oscar.

 

 

El director


Joshua Safdie lleva años haciendo ruido con su cine acelerado y de intensidad máxima.

 

Antes de Marty Supreme ya dejó huella con Good Time y Uncut Gems (ambas con su hermano Benny Safdie), dos pelis que te dejan el corazón en la garganta y sin respiro.

 

Aquí, en su primer proyecto “grande” sin Benny, mantiene esa cámara casi al límite, ritmo endiablado y personajes extremos, pero con un presupuesto y reparto de estrellas que hacen que lo indie choque con lo mainstream de frente. 

 

Cutrecomentario 


Voy el día del estreno con el runrún de premios en la cabeza…

 

Está nominada a nueve Oscars (incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección para Joshua Safdie y Mejor Actor para Timothée Chalamet) y arrasa en nominaciones por todas partes.

 

Además ya ha ganado el Globo de Oro al Mejor Actor en comedia o musical para Chalamet y ha tenido presencia fuerte en los BAFTA y sindicatos de guionistas, aunque en algunos casos se quedó en nominación. 

 

La peli está ambientada en los años 50, cuando Estados Unidos aún vivía la euforia de la posguerra y los japoneses estaban marginados de las competiciones internacionales tras la Segunda Guerra Mundial, y por primera vez se celebra un torneo internacional de tenis de mesa (ping-pong) que pone frente a frente a rivales de ambos países (algo que en la peli se explora como rivalidad cultural y deportiva). 

 

El protagonista, Marty Mauser (inspirado libremente en la leyenda del ping-pong Marty Reisman), es un buscavidas del hambre y la ambición: miente, engaña, se mete en líos, traiciona… y aún así te obliga a mirarlo.

 

Un tipo que, si existiera en persona, te haría desear que hubiera un torneo de ping-pong solo para no cruzártelo nunca. 

 

El tono general es frenético y ruidoso: gritos, montajes rápidos, estrés, carreras y decisiones morales cuestionables que hacen que el espectador se pregunte si está viendo un drama, una comedia negra, o la biografía de un ego con paleta.

 

Odessa A’zion, por su parte, da vida a otra luchadora imparable; su química con Marty es combustible para el fuego dramático.

 

En los secundarios, Abel Ferrara se marca un papel tremendo, y cuando aparece en pantalla se come el plano sin pedir permiso.

 

Y ojo también a Gwyneth Paltrow, que regresa con una presencia elegante y metálica, añadiendo un punto de glamour inesperado a esta montaña rusa de ping-pong y ambición, con presencia física y dramática que sostiene momentos potentes de la historia, algo que realmente levanta el film cuando la energía masculina tóxica amenaza con devorarla.

 

La historia de fondo —la rivalidad japonesa-americana en el deporte en ese momento histórico— aporta un contexto curioso, aunque no siempre del todo explorado.

 

Se siente más como una excusa para el duelo de egos que como una reflexión profunda sobre culturas enfrentadas, pero ahí está.

 

La peli ha recibido comentarios muy contradictorios: algunos medios la alaban por su energía y la actuación de Chalamet, calificándola como una experiencia cinematográfica intensa y memorable; otros critican lo caótico del relato y la forma en que presenta al protagonista como alguien antipático sin redención clara. 

 

¿Me ha gustado? A medias.

 

Es potente, técnicamente bien hecha y con actuaciones que valen la pena… pero su protagonista da ganas de abrazar una paleta y golpearla contra la pantalla de lo insufrible que puede resultar.

 

Aun así, entiendo por qué está donde está: ambición, riesgos, historia y premios. Eso vende. Y si lo juntas todo, te queda un cocktail con hielo… y una pelota de ping-pong dentro.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

 

 

Dirigido por Joshua Safdie:

 

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Alcarria TV – Al cine con Ramón – 2026-01-28 – Premios Feroz 2026: Pontevedra, la gala, los premios y el famoseo

1/02/2026

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

Premios Feroz 2026 – Pontevedra, la gala, los premios y el famoseo

 

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Al médico con Ramón – Vacunación en personas mayores: por qué es de las mejores “inversiones” en salud

31/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Vacunas en personas mayores

 

Preguntas claras sobre una de las mejores decisiones de salud

 

Las vacunas no son solo cosa de niños. De hecho, cuanto más mayor es una persona, más importantes se vuelven.

 

A partir de cierta edad, las infecciones dejan de ser un simple mal rato y pueden convertirse en un problema serio, con ingresos hospitalarios, pérdida de autonomía y, en algunos casos, consecuencias irreversibles.

 

Este artículo responde de forma sencilla y directa a las preguntas más habituales que surgen en la consulta cuando se habla de vacunación en personas mayores, con un objetivo claro: explicar por qué vacunarse sigue siendo una de las decisiones más eficaces para proteger la salud en esta etapa de la vida.


 

 

 

¿Por qué se insiste tanto en vacunar a las personas mayores?

 

Porque el sistema inmunitario también envejece.

 

Con los años, las defensas reaccionan más despacio, recuerdan peor a los microbios y la respuesta frente a las infecciones es menos eficaz.

 

Esto hace que enfermedades comunes, como la gripe, una neumonía o el COVID, no tengan el mismo impacto en una persona mayor que en alguien joven.

 

En edades avanzadas aumenta el riesgo de hospitalización, de complicaciones respiratorias, de empeoramiento de enfermedades crónicas y de pérdida de fuerza y autonomía.

 

Las vacunas reducen de forma muy significativa todos esos riesgos y, por tanto, no solo previenen infecciones, sino también consecuencias que pueden cambiar la vida diaria de una persona.


 

 

 

 

¿Qué significa que “las defensas ya no funcionan igual”?

 

El sistema inmunitario puede entenderse como un ejército.

 

En la juventud hay muchos “soldados”, están bien entrenados y recuerdan al enemigo durante años.

 

Con el paso del tiempo, ese ejército se reduce, responde peor y pierde memoria.

 

A este proceso natural se le llama inmunosenescencia.

 

No es una enfermedad, es parte del envejecimiento.

 

Precisamente por eso, prevenir infecciones se vuelve mucho más importante en personas mayores que en edades jóvenes.


 

 

 

 

 

 

¿Cómo funcionan las vacunas? 

 

Una vacuna es, básicamente, un entrenamiento para las defensas.

 

Enseña al cuerpo cómo es un microbio, cómo reconocerlo y cómo defenderse de él antes de que llegue el de verdad.

 

Es comparable a un simulacro de incendio: es mejor aprender dónde está la salida cuando no hay fuego que improvisar en medio del humo.

 

Gracias a ese entrenamiento previo, cuando el organismo entra en contacto con el microbio real, reacciona más rápido y evita que la infección se vuelva grave.


 

 

 

 

¿Las vacunas llevan el virus vivo?

 

En la mayoría de los casos, no.

 

Las vacunas suelen contener solo una parte del microbio, una especie de “foto” del virus o la bacteria, o una instrucción para que el propio cuerpo fabrique esa parte durante un tiempo muy corto.

Por eso, las vacunas no producen la enfermedad que previenen.


 

 

 

 

¿Qué ocurre en el cuerpo cuando una persona se vacuna?

 

Tras la vacunación, el sistema inmunitario detecta algo extraño y se activa.

 

Fabrica anticuerpos, que son defensas específicas frente a ese microbio, y guarda la información en la llamada memoria inmunológica.

 

De este modo, si más adelante aparece el microbio real, el organismo lo reconoce rápidamente, responde antes y evita que la enfermedad se complique.

 

En personas mayores la respuesta puede ser algo menor que en jóvenes, pero sigue siendo suficiente para evitar lo más peligroso, que es la enfermedad grave y sus consecuencias.


 

 

 

 

¿Por qué existen vacunas “especiales” para personas mayores?

 

Porque las defensas necesitan un pequeño empujón extra. 

 

En este grupo de edad se utilizan vacunas con mayor cantidad de antígeno, con sustancias que estimulan mejor la respuesta inmunitaria o diseñadas para generar una memoria más eficaz.

 

No se trata de un exceso, sino de adaptar la vacuna a la edad, del mismo modo que se ajustan los tratamientos o las dosis de muchos medicamentos.


 

 

 

 

¿Qué vacunas son especialmente importantes a partir de los 60–65 años?

 

La vacunación frente a la gripe es fundamental.

 

En España se recomienda a partir de los 60 años y debe administrarse cada año.

 

En personas mayores se utilizan vacunas más eficaces, capaces de reducir ingresos hospitalarios, neumonías y mortalidad.

 

La vacunación frente al neumococo está recomendada a partir de los 65 años y previene neumonías y otras infecciones graves que, en este grupo de edad, tienen un mayor riesgo de complicaciones y hospitalización.

 

Otra vacuna clave es la del herpes zóster, conocida como culebrilla.

 

En España se recomienda a los 65 años en dos dosis.

 

Su principal beneficio no es solo evitar la erupción, sino reducir el riesgo de dolor crónico intenso y duradero, que puede afectar seriamente a la calidad de vida.

 

En cuanto al COVID-19, los refuerzos estacionales siguen siendo importantes en personas mayores.

 

La vacunación reduce de forma clara la enfermedad grave, los ingresos en UCI y la mortalidad.


 

 

 

 

¿Y qué ocurre con el virus respiratorio sincitial (VRS)?

 

El VRS no es solo un problema infantil.

 

En personas mayores puede causar bronquitis, neumonía y descompensaciones de enfermedades respiratorias o cardíacas.

 

En varios países ya se está vacunando a mayores y a personas de riesgo, y es una estrategia preventiva en clara expansión.


 

 

 

¿Son seguras las vacunas en personas mayores?

 

Sí. Los efectos secundarios más habituales son leves y transitorios, como dolor en el brazo, cansancio, algo de fiebre o malestar general durante uno o dos días.

 

Los efectos graves son muy raros.

 

La comparación realista es clara: pequeñas molestias pasajeras frente a infecciones que pueden llevar a ingresos hospitalarios y pérdida de autonomía.


 

 

 

“La última vez me sentó mal”

 

Es frecuente notar cansancio, dolor muscular o sensación de estar destemplado tras una vacuna.

 

Eso no es la enfermedad, sino el sistema inmunitario trabajando.

 

Estos síntomas suelen durar 24 o 48 horas, mientras que una infección real puede durar semanas o dejar secuelas.


 

 

“A mi edad, ¿para qué?”

 

Precisamente por la edad.

 

Cuanto mayor es una persona, más grave puede ser la infección y mayor el impacto de un ingreso hospitalario.

 

Vacunarse no es para vivir más años, sino para vivir mejor los que ya se tienen.


 

 

 

¿Sirve vacunarse si se tienen enfermedades crónicas?

 

Especialmente en ese caso.

 

Las personas con enfermedades respiratorias, cardiopatía, diabetes, insuficiencia renal, obesidad o fragilidad son las que más se benefician de la vacunación, porque tienen mayor riesgo de complicaciones si contraen una infección.


 

 

 

¿Vacunarse protege también a los demás?

 

Sí.

 

Menos contagios significan menos brotes en residencias, menos ingresos hospitalarios y menos muertes evitables.

 

Vacunarse es también una forma de cuidar a quienes nos rodean.


 

 

 

Entonces… ¿merece la pena?

 

Rotundamente, sí.

 

La vacunación en personas mayores salva vidas, evita ingresos, protege la independencia, mejora la calidad de vida y reduce sufrimiento evitable.

 

Pocas intervenciones médicas ofrecen tanto beneficio con tan poco riesgo.


 

 

 

Repasemos las vacunas top en personas mayores:

 

Gripe estacional

 

En España, el calendario común recomienda vacunación estacional en personas mayores a partir de 60 años.


En mayores, suelen preferirse formulaciones con mejor respuesta:

 

  • alta dosis

  • adyuvadas

  • recombinantes

 

En EE. UU., el calendario adulto recomienda preferencia por alta dosis, recombinante o adyuvada en ≥65.

 

Ventaja clave: reduce enfermedad grave y hospitalización, y baja complicaciones en crónicos respiratorios/cardiovasculares.

 

 

 

 

4.2 Neumococo (enfermedad neumocócica)

 

En España, se recomienda vacunación frente a neumococo a partir de los 65 años.


Aquí el concepto importante (más allá de marcas): las vacunas conjugadas generan mejor memoria inmunológica que las polisacáridas clásicas.

 

Ventaja clave: reducir neumonía neumocócica e infecciones invasivas (bacteriemia/meningitis), que en mayores tienen peor pronóstico.

 

 

 

 

4.3 Herpes zóster (culebrilla)

 

En España, el calendario recomienda vacunación a los 65 años, con 2 dosis separadas por un intervalo mínimo de 8 semanas, y posibilidad de captación progresiva de cohortes hasta 80 según implementación.


La vacuna recombinante (la más usada en programas actuales) es especialmente relevante en mayores porque:

 

  • no es viva,

  • induce respuesta potente (incluida celular, crucial para zóster),

  • reduce neuralgia postherpética (la parte “maldita” del zóster).

Ventaja clave: menos zóster y menos dolor crónico neuropático.

 

 

 

 

 

4.4 COVID-19 (refuerzos estacionales)

 

En España, el calendario 2026 recoge que en la temporada 2025–2026 se recomienda vacunación con 1 dosis en mayores a partir de 70 años, según situación epidemiológica, y a determinar en 2026–2027.


La idea práctica: el SARS-CoV-2 sigue circulando; la inmunidad cae con el tiempo; y los refuerzos buscan sostener protección frente a enfermedad grave.

 

Ventaja clave: menos neumonía grave y menos mortalidad en mayores y frágiles, especialmente en temporadas de alta circulación.

 

 

 

4.5 VRS (virus respiratorio sincitial) en adultos mayores

 

En varios países se ha incorporado vacunación frente a VRS en mayores.

 

Por ejemplo, CDC recomienda una dosis única en ≥75 y en 50–74 con mayor riesgo (y recalca que no es anual por ahora).

 


En Europa, ECDC destaca el papel de la inmunización para prevenir causas de enfermedad respiratoria grave, incluyendo VRS, gripe, COVID-19 y neumococo.

 

En el calendario común español 2026, el VRS aparece sobre todo en contexto de inmunización infantil (anticuerpo monoclonal), y la estrategia en mayores puede depender de actualizaciones y programas específicos.

 

Ventaja clave: en mayores, el VRS no es “un catarro mono”; puede causar bronquitis/neumonía y descompensaciones, con hospitalización.

 

Resumen:

 

Vacunas básicas recomendadas en personas mayores

 

  • Gripe
    Todos los años. A partir de los 60 años. Fundamental para evitar complicaciones y hospitalizaciones.

  • Neumococo
    Desde los 65 años. Previene neumonía y otras infecciones graves.

  • Herpes zóster (culebrilla)
    A los 65 años, en dos dosis. Evita el zóster y, sobre todo, el dolor crónico posterior.

  • COVID-19
    Refuerzos estacionales según edad y riesgo. Muy importante para prevenir enfermedad grave.

  • Virus respiratorio sincitial (VRS)
    En mayores y personas de riesgo (según indicaciones actuales). Previene bronquitis y neumonía.

👉 Resumen rápido:


vacunarse en la edad adulta reduce ingresos, evita complicaciones y ayuda a mantener la autonomía.


Poca molestia, mucho beneficio.

 

 

Bibliografía básica

 

Ministerio de Sanidad. Calendario común de vacunación a lo largo de toda la vida. 2026.

ECDC. Respiratory virus season and immunisation in older adults.

CDC. Adult Immunization Schedule.

CDC. RSV vaccination in older adults.

Sociedad Española de Geriatría y Gerontología. Recomendaciones de vacunación 2025–2026.

Weinberger B. Vaccination of older adults. PMC, 2021.


 

 

 

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

 

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Capitanes de abril – Capitães de abril – 2000 – María de Medeiros

31/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando los claveles hicieron “clic” y se cayó una dictadura.

 

La directora


María de Medeiros debuta aquí en el largo como directora.

 

Venía (y viene) sobre todo del mundo de la interpretación, con una carrera internacional potente.

 

Como realizadora no tiene una filmografía extensa: este es su título más conocido detrás de la cámara y, básicamente, el que la coloca en el mapa como directora.

 

Poco más, pero no poco mérito.

 

Cutrecomentario holasoyramon


Esto es una lección de Historia con corazón, claveles y soldados que no parecen extras de Call of Duty.

 

La peli cuenta la Revolución de los Claveles sin solemnidad plomiza: hay emoción, idealismo y un punto naíf que hoy suena casi a ciencia ficción política.

 

A ratos parece una postal bonita… pero es que la revolución fue así: casi sin sangre y con flores en los fusiles.

 

Funciona mejor como relato humano que como cine épico, y eso juega a su favor.

 

No es una obra maestra, pero sí una película honesta, necesaria y bastante más entretenida de lo que uno espera cuando oye “golpe militar”.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

 

 

Dirigido por María de Medeiros:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Homo Argentum – 2025 – Mariano Cohn, Gastón Duprat – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Manual práctico del argentino… con cariño y mala leche.

 

Mariano Cohn y Gastón Duprat forman uno de los dúos más afilados del cine argentino reciente.

 

Les debemos joyas como El ciudadano ilustre, Mi obra maestra y la serie Nada.

 

Su especialidad: la sátira incómoda, el retrato cruel y el humor que primero te hace reír y luego te deja pensando “uy”.

 

Vamos con el cutrecomentario.

 

Yo a estos dos los adoro, qué quieres que te diga.

 

Me han hecho reír mucho y aquí vuelven a hacerlo apoyándose en Guillermo Francella, que es uno de los grandes actores vivos, aunque su carrera se haya desarrollado sobre todo en Argentina.

 

Aquí se multiplica: 16 cortos, 16 personajes, 16 maneras de quedar regular como ser humano.

 

Como toda película episódica, es irregular.

 

Hay piezas que funcionan de maravilla y otras que pasan sin pena ni gloria, incluso alguna que no hace ni cosquilla.

 

Pero el conjunto tiene mala idea y eso siempre suma.

 

El primer episodio es demoledor: ese tipo que sale de una fiesta a fumar, provoca sin querer un desastre en la calle por la caída de una botella… y tarda tres minutos en olvidarlo.

 

Esa idea me parece brillante. Muy latina. Muy de vivir el presente.

 

Un danés o un sueco se traumaría de por vida; un argentino, un español o un italiano vuelve a la fiesta y a otra cosa. Y santas pascuas.

 

El retrato que hacen Cohn y Duprat del argentino medio es bastante cruel: individuos egoístas, muy pegados al dinero, a lo material, fácilmente seducibles por mujeres guapas y con una ética más bien flexible.

 

No hay piedad, pero tampoco odio: hay ironía y bastante lucidez.

 

Yo me he divertido.

 

No es una gran película, ni seguramente la mejor de sus directores, pero entretiene mucho.

 

Y ayuda, y mucho, su duración ajustada: 98 minutos. Bendita concisión cuando uno va al cine.

 

Homo Argentum no es redonda, pero es ingeniosa, maliciosa y agradecida.

 

Risas, espejo incómodo y salida temprana del cine.

 

Yo firmo.

 

#YoVoyAlCine ✔️

 

Mi puntuación: 6,68/10.

 

 

 

Dirigido por Mariano Cohn, Gastón Duprat:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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A nuestros amores – À Nos Amours – 1983 – Maurice Pialat – Cine Club Alcarreño

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Escapar de la familia.

 

Maurice Pialat fue uno de los grandes francotiradores del cine francés.

 

Un tipo incómodo, bronco y poco dado a la complacencia.

 

En su filmografía destacan Loulou, Police, Bajo el sol de Satán (Palma de Oro en Cannes) y Van Gogh.

 

Cine seco, áspero, muy pegado a las emociones y nada sentimental. Aquí juega en casa.

 

Vamos al cutrecomentario, que hay tela.

 

43 años después vuelvo a ver A nuestros amores y me doy cuenta de una cosa muy humana: la recordaba mejor.

 

O quizá yo era más joven, o más ingenuo, o ambas cosas.

 

Apenas conservaba recuerdos concretos, solo una buena sensación general.

 

Y claro, revisitar a veces es peligroso.

 

Lo primero que impacta es Sandrine Bonnaire, con 16 años, haciendo una interpretación colosal.

 

Ella es el centro absoluto de la película.

 

Todo pasa por su cuerpo, su mirada y su desconcierto vital.

 

La historia nos habla de su vida amorosa —o más bien sexual—, porque hay mucho sexo y poco amor.

 

Relaciones constantes, fugaces, casi mecánicas, como vía de escape.

 

Y es que la huida está más que justificada.

 

El retrato familiar es demoledor: un padre dominante y violento, una madre neurótica que estalla sin control y un hermano que, ante la ausencia del patriarca, asume sin pudor el papel de pegador suplente.

 

Con ese panorama, es lógico que la protagonista quiera salir corriendo de casa… aunque sea hacia sitios igual de confusos.

 

El sexo aparece aquí como refugio: placer, compañía, calor humano, aunque sea efímero.

 

No hay romanticismo ni idealización, solo supervivencia emocional.

 

En eso la película es honesta, incluso incómoda.

 

También está ese toque muy francés, con diálogos algo pedantes, intelectualoides, donde Pialat aprovecha para colar reflexiones sobre el arte, Picasso, la cultura… momentos que hoy chirrían un poco y que parecen más el director hablando consigo mismo que los personajes hablando entre ellos.

 

La película no ha envejecido mal, eso es cierto, pero tampoco ha ganado con el paso del tiempo en mi recuerdo personal.

 

Quizá esperaba algo más, quizá la memoria la había embellecido.

 

No es una mala película, ni mucho menos, pero ya no me ha causado el impacto que recordaba.

 

A nuestros amores sigue siendo una película potente, incómoda y valiente, con una Sandrine Bonnaire extraordinaria, pero esta revisión me ha dejado un poso ligeramente decepcionante.

 

A veces volver al pasado confirma que uno también ha cambiado.

 

Cine Club Alcarreño mediante, la experiencia sigue mereciendo la pena.

 

Mi puntuación: 6,58/10.

 

 

 

Dirigido por Maurice Pialat:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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F1: La película – F1: The Movie – 2025 – Joseph Kosinski – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Mucho motor, poco cine y cero emoción.

 

Joseph Kosinski es un artesano del espectáculo bien engrasado.

 

Ahí están Tron: Legacy, Oblivion y, sobre todo, Top Gun: Maverick, donde demostró que sabe mover máquinas, cámaras y testosterona como nadie.

 

El problema es que aquí vuelve a moverlo todo… menos las emociones.

 

Vamos con el cutrecomentario, que el semáforo ya está en verde.

 

Estamos ante una película que se ha paseado por la temporada de premios con una alegría difícil de entender, un drama deportivo centrado en la Fórmula 1, un universo que a mí me interesa cero patatero.

 

La mayor parte del metraje son carreras y más carreras: coches que aceleran, rugen, se adelantan, se chocan y vuelven a acelerar.

 

Con cascos, monos y bólidos prácticamente idénticos, yo no me aclaro quién es quién… y confieso que tampoco me importa.

 

Eso sí, hay que reconocerlo: el montaje es sensacional y el diseño sonoro es espectacular.

 

El rugido de los motores está tan bien trabajado que casi te vibra el asiento.

 

El problema es que todo ese despliegue técnico sostiene un guion simplón, visto mil veces, con la épica del fracaso, la superación personal y el triunfo final servidos con cucharón industrial.

 

Brad Pitt, con 62 años, está sorprendentemente en forma —parece que tenga diez menos— y cumple como estrella carismática.

 

Pero ni su presencia logra que la historia deje de ser de cartón piedra premium.

 

Quien de verdad anima el cotarro es Kerry Condon, magnífica como siempre y a la que venimos de disfrutar también en Sueños de trenes. Ella sí aporta verdad y humanidad.

 

Por ahí anda también Javier Bardem, profesional como la copa de un pino, cumpliendo con su papel sin estridencias ni especial brillo. Hace lo que puede con lo que le dan.

 

El conjunto es una película de diseño, pensada para gustar al gran público, para emocionar de forma automática y para funcionar como producto global.

 

Pero no aporta absolutamente nada nuevo al panorama cinematográfico y, al menos en mi caso, no despierta ni el más mínimo sentimiento.

 

Todo muy correcto, muy ruidoso y muy vacío.

 

F1: La película es cine de alta cilindrada y bajo voltaje emocional.

 

Mucho motor, mucha épica prefabricada y cero alma.

 

Yo, desde luego, me bajo del coche en la primera curva.

 

#YoVoyAlCine ✔️

 

Mi puntuación: 4,55/10.

 

 

 

Dirigido por Joseph Kosinski:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Return to Silent Hill – 2026 – Christophe Gans – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando el terror quiere ser profundo… y se le va la mano.

 

Christophe Gans es un viejo conocido del fantástico.

 

Su nombre quedó ligado a Silent Hill (2006), probablemente una de las adaptaciones de videojuego más dignas de su época, y también a El pacto de los lobos, título de culto con colmillos, katanas y exceso francés del bueno.

 

Menos suerte tuvo con La bella y la bestia, pero aquí vuelve a su terreno natural: la niebla, el trauma y el horror estilizado.

 

Vamos ya con el cutrecomentario, que hay materia.

 

Estamos ante un thriller psicológico con ramalazos de romance y bastante carga psiquiátrica.

 

De hecho, vista con cierta benevolencia, la película parece hablarnos —de forma muy torpe y metafórica— de la esquizofrenia y de la mente fracturada.

 

Desde ese ángulo, uno puede encontrarle algo de interés… si afina mucho el ojo y no se distrae con los monstruos.

 

La película está basada en un videojuego que confieso desconocer, lo cual no ayuda, pero tampoco debería ser excusa.

 

El problema principal es su protagonista, Jeremy Irvine, que resulta sorprendentemente mal actor para el peso que se le da.

 

Tiene presencia, sí, pero interpreta como si estuviera leyendo el manual de instrucciones del miedo.

 

Frente a él brilla con fuerza Hannah Emily Anderson, francamente formidable y muy por encima del material que maneja.

 

El contraste entre ambos es tan evidente que casi parece deliberado.

 

También funciona bastante bien la inquietante niña interpretada por Evie Templeton, que cumple con creces su cuota de mal rollo.

 

El gran problema de Return to Silent Hill es que lo quiere todo: símbolos, criaturas, traumas, horror corporal, jump scares y atmósferas opresivas… y lo mete todo con calzador.

 

Los clichés del cine de terror se amontonan hasta agotar un poco al espectador. Menos es más, amigos.

 

Curiosamente, cuando en el tramo final la película intenta explicar la historia desde la psicosis, es cuando parece adquirir cierta forma, cierta coherencia interna.

 

Llega tarde, pero llega. No salva la película, pero al menos la ordena.

 

No va a pasar a la historia del cine de terror, pero tampoco es un desastre absoluto.

 

Se deja ver, puede entretener a público adolescente y, sobre todo, a los fans del género y del videojuego original, que aquí encontrarán ecos y referencias suficientes para justificar la entrada.

 

Llama la atención, eso sí, que sea una producción francesa, en un género tradicionalmente dominado por Hollywood.

 

Los franceses no suelen prodigarse en el terror comercial, y cuando lo hacen, se nota… para bien y para mal.

 

Return to Silent Hill es irregular, excesiva y algo absurda, pero no completamente detestable.

 

Un viaje confuso entre la niebla, los traumas y el susto prefabricado.

 

Para fans.

 

#YoVoyAlCine ✔️

 

Mi puntuación: 4,52/10.

 

 

 

Dirigido por Christophe Gans:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Sin piedad – Mercy – 2026 – Timur Bekmambetov – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando te juzga un algoritmo… Bendita seas Rebecca Ferguson.

 

Timur Bekmambetov es un director al que le encanta el exceso visual y los conceptos juguetones.

 

En su filmografía hay títulos tan reconocibles como Wanted (Se busca), Guardianes de la noche, Guardianes del día o Abraham Lincoln: Cazador de vampiros.

 

No es precisamente un fino estilista del guion, pero sí alguien con pulso para el espectáculo y las ideas high concept.

 

Y vamos ya con el cutrecomentario, sin analgesia.

 

Sin piedad es un thriller de acción que mezcla ciencia ficción, distopía e inteligencia artificial, ese tema que ahora vale para un roto y para un descosido.

 

Aquí la IA adopta forma humana —y qué forma— gracias a Rebecca Ferguson.

 

Y qué quieres que te diga: cualquier cosa que haga Rebecca Ferguson me parece bien, incluso cuando interpreta a una jueza algorítmica diseñada para ser fría, metódica y sin emociones… y acaba siendo sorprendentemente expresiva. Cosas del carisma.

 

En el otro lado del tablero está Chris Pratt, al que seguimos asociando a la comedia y a los dinosaurios de Jurassic World, pero que aquí encarna a un hombre acorralado por un sistema judicial que parece decidido a señalarle como culpable.

 

No está mal Pratt en registro serio, aunque tampoco descubre América.

 

La trama se va complicando con giros de guion constantes, algunos efectivos y otros bastante cogidos con alfileres.

 

Muchas vueltas de tuerca no son especialmente creíbles, pero si aceptas las reglas del juego y no te pones estupendo, la película se deja ver y entretiene.

 

Funciona a medio gas, pero funciona.

 

El planteamiento de fondo está bien tirado y abre un debate interesante —aunque poco profundizado— sobre justicia, tecnología y responsabilidad humana.

 

Pone el valor esa cosa tan humana y tan poco definible como el instinto.

 

Y dicho sea de paso: entre que me juzgue un juez tradicional o una inteligencia artificial, lo siento mucho por la judicatura, pero prefiero con ventaja a la IA. Al menos sabes que no ha desayunado torcido.

 

Sin piedad no es una obra maestra ni pretende serlo.

 

Es un thriller resultón, algo tramposo, con buenas ideas, peor desarrollo y una Rebecca Ferguson que siempre suma.

 

Ideal para verla sin darle demasiadas vueltas… que ya bastante vueltas da ella sola.

 

#YoVoyAlCine ✔️

 

Mi puntuación: 5,65/10.

 

 

 

Dirigido por Timur Bekmambetov:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Ídolos – 2026 – Mat Whitecross – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Motores rugiendo, cerebros en punto muerto

 

Mat Whitecross es un director británico con amplia experiencia en documentales musicales y cine muy pegado al ritmo y al montaje.

 

En su filmografía destacan trabajos como The Road to Guantánamo (codirigida con Michael Winterbottom), Kingsman: El círculo de oro (segunda unidad y material adicional) y varios documentales sobre Oasis.

 

Por si tuviéramos poco con soportar al pésimo actor Mario Casas, nos llega Óscar Casas, su hermano pequeño, otro guapera musculado destinado a la carpeta adolescente.

 

Óscar actúa más o menos igual de regular que Mario, aunque con una ventaja objetiva: se le entiende lo que dice, que ya es un plus competitivo en esta familia.

 

Le acompaña Ana Mena, guapísima, sí, pero absolutamente desaprovechada: florero premium dentro de una historia que no sabe muy bien qué hacer con ella.

 

Una pena, porque había margen para algo más que mirar intensa al horizonte.

 

La película se ambienta en el mundo del motociclismo, un entorno que, siendo honestos, a mí me interesa una mierda.

 

Deporte caro, elitista y con olor a patrocinio desde el plano uno.

 

Aquí se mezcla drama deportivo, melodrama familiar, romance de saldo y culebrón de sobremesa: relación padre-hijo traumática, madre fallecida, silencios incómodos y frases que suenan a anuncio de colonia.

 

Eso sí, hay que reconocerlo: el montaje es excelente, las imágenes son potentes y el diseño sonoro está muy trabajado.

 

El problema es que todo eso recuerda sospechosamente a F1: La película, ese artefacto hipermusculado protagonizado por Brad Pitt que, incomprensiblemente, ha tenido recorrido en la temporada de premios.

 

Ídolos parece su clon de marca blanca, versión motociclismo, de esas que compras en el súper porque está de oferta y luego te arrepientes en casa.

 

No sabemos si se ha rodado directamente a rebufo de su “hermana mayor” norteamericana o si es una casualidad cósmica, pero el parentesco estético y narrativo es evidente. Mucho ruido, mucha épica de catálogo… y muy poca alma.

 

Ídolos es una película infame, hueca, diseñada para fans acríticos y que me provoca un rechazo bastante profundo.

 

Motores a tope, cine en punto muerto.

 

#YoVoyAlCine… pero a veces dan ganas de bajarse en la primera curva.

 

Mi puntuación: 2,62/10.

 

 

 

Dirigido por Mat Whitecross:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Hamnet – 2025 – Chloé Zhao – #YoVoyAlCine

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Shakespeare llora, el cine consuela.

 

Chloé Zhao sigue a lo suyo: cine contemplativo, naturaleza que respira y emociones a fuego lento.

 

Tras Nomadland, The Rider y el experimento fallido de Eternals, aquí vuelve al terreno donde mejor se mueve: el drama íntimo, la pérdida y el duelo mirados sin aspavientos.

 

No inventa el cine, pero sabe mirar.

 

Y ahora vamos al cutrecomentario, que es donde está la salsa.

 

Hamnet ha obtenido ocho nominaciones a los Óscar. Mejor película, dirección, actriz… 

 

Hamnet es un drama biográfico muy poco biopic.

 

El hecho central es la muerte del hijo de William Shakespeare, pero la película no mira al genio, mira a Agnes, la madre. Y ahí está la gran decisión narrativa y emocional del film.

 

Agnes es una mujer unida a la naturaleza, conocedora de las plantas medicinales, intuitiva, libre y profundamente conectada con la vida… y con la muerte cuando ésta llega sin avisar.

 

La película habla del duelo imposible, del vacío que deja un hijo y de la distancia emocional entre los padres cuando el dolor no se procesa igual.

 

Ella no soporta la pérdida ni la ausencia de su marido, refugiado en su trabajo y en Londres.

 

Entonces llega ese tramo final, cuando Agnes viaja y presencia la representación de Hamlet, la obra que su esposo ha escrito en memoria de su hijo.

 

Ahí comprende algo esencial: que el arte no borra el dolor, pero lo transforma.

 

Que no solo el tiempo cura, también la creación. Y eso es, sencillamente, precioso.

 

En el reparto destaca Jessie Buckley, absolutamente descomunal. Una actriz que nunca falla y que aquí está en estado de gracia.

 

La hemos visto brillar en La hija oscura, Men, Esto no va a doler (en televisión) y Estoy pensando en dejarlo, confirmando que es una de las intérpretes más interesantes del cine actual.

 

Aquí carga la película entera sobre sus hombros… y no se le cae.

 

La película es triste, intensa y profundamente conmovedora, pero nunca manipuladora.

 

Habla del arte como redención, como forma de supervivencia emocional, como legado frente a la muerte.

 

Y lo hace con una puesta en escena sobria, bella y coherente con el universo de su directora.

 

Hamnet es una estupenda película, delicada y dolorosa, que entiende el duelo desde la humanidad y no desde el melodrama.

 

Cine sensible, inteligente y necesario.

 

De los que no se olvidan fácil. 

 

Mi puntuación: 8,69/10.

 

 

 

Dirigido por Chloé Zhao:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Sueños de trenes – Train Dreams – 2025 – Clint Bentley – Netflix

30/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cómo levantar un país sin pegar un solo tiro.

 

Clint Bentley es un director al que conviene ir siguiendo la pista.

 

Aquí confirma que le interesa el cine de personajes, el tiempo que pasa y las vidas que no salen en los libros de Historia.

 

Antes ya había codirigido Jockey y se nota su querencia por el drama íntimo, seco, sin subrayados ni violines histéricos.

 

No es un director prolífico, pero sí bastante coherente.

 

Y vamos al lío, al cutrecomentario como Dios manda.

 

Estamos ante una película extraordinaria, pero no porque quiera epatar, sino porque va justo en la dirección contraria.

 

Esto no es un western clásico: es un neowestern, un romance contenido, un drama de los que te van calando poco a poco, ambientado a principios del siglo XX y con la construcción de los Estados Unidos como telón de fondo.

 

Pero ojo, no desde los pistoleros ni los grandes magnates, sino desde el americano bueno, el que trabaja, el que se esfuerza, el que no sale casi nunca en el cine… y que fue el que de verdad levantó el país.

 

El protagonista, al que da vida Joel Edgerton, es un hombre honrado, trabajador, paciente y bondadoso.

 

Un tipo que no empuña un arma en toda la película.

 

Y eso, en un western, ya es casi revolucionario.

 

La desgracia le acompaña, ve injusticias, desastres y lo peor que le puede pasar a un ser humano, pero aun así sigue adelante. Sin épica, sin discursos, sin venganza. Solo dignidad.

 

La película es sensible, delicada y profundamente humana.

 

Su nominación al Oscar a mejor película la ha catapultado y ha sido la causa de su visionado. En cualquier caso, es uno de esos títulos que pasan algo desapercibidos y que agradeces que Netflix rescate del ruido para que encuentre a su público.

 

En el reparto, mención especial para William H. Macy, que vuelve a demostrar que sabe estar brillante sin levantar la voz.

 

Felicity Jones y Kerry Condon funcionan como secundarias de auténtico lujo, aportando calidez, belleza y verdad a una historia ya de por sí muy bien armada.

 

Y como buen western —aunque sea atípico—, los paisajes y la naturaleza salvaje son descomunales: trenes, bosques, montañas y silencios que dicen más que muchos diálogos.

 

Sueños de trenes es una película hermosa, serena y profundamente recomendable.

 

Cine de verdad, sin pistolas, sin ruido y con alma. De las que se quedan contigo.

 

Mi puntuación: 8,89/10.

 

 

 

Dirigido por Clint Bentley:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al médico con Ramón – Dieta mediterránea tradicional: comer como los de antes… ¡y vivir mejor!

29/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

Al médico con Ramón – Dieta mediterránea tradicional: comer como los de antes… ¡y vivir mejor!

 

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Premios Feroz 2026 – Pontevedra, la gala, los premios y el famoseo

29/01/2026

 

 

 

 

 

 

Los domingos arrasan y la Gala no aprueba

 

En Pontevedra llovía en horizontal, se cenaba en redondo y el palmarés fue una apisonadora: Los domingos se llevó media vitrina. La otra media, el vino.

 

El pasado sábado, en el Pazo da Cultura de Pontevedra, se celebró la XIII edición de los Premios Feroz, los que entrega la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE). O sea: críticos, periodistas y gente que discute con pasión si una peli es “una obra maestra” o “un tupper recalentado”.

 

Y ahí estuve yo, vuestro humilde servidor, Ramón Bernadó, intentando hacer periodismo y no convertirnos en anfibios. Porque lo de Pontevedra fue precioso, sí… pero pasado por agua.

 

 

 

La AICE: los que reparten estatuillas… y también recortes

 

La AICE es un grupo plural de alrededor de doscientos periodistas y críticos de cine y series de toda España.

 

Desde 2014 entregan los Premios Feroz y, además, reparten otros galardones en festivales: el Feroz Zinemaldia en San Sebastián, el Feroz Puerta Oscura en Málaga y el Feroz Cinema Jove al mejor corto, entre otros proyectos y saraos cinéfilos.

 

Y ojo, que este año la AICE también ha sido noticia por “la poda”.

 

Se habló de unos 200 miembros y de que se “eliminó” a una cuarentena porque la Junta consideró que su actividad ya no era suficiente.

 

Vamos, que aquí no solo hay nominaciones: también hay expulsiones.

 

Yo, como fundador desde 2013 (sí, del pleistoceno Feroz, cuando aquello era pequeño y se hacía en Madrid con cara de experimento), sigo dentro.

 

Estoy contento.

 

Y un poco tenso, como cuando te llama el banco y no sabes si es para darte un premio o una comisión.

 

 

 

 

Pontevedra y el tiempo: turismo peatonal, lluvia a presión

 

Pontevedra es una ciudad amabilísima: casco histórico peatonal, iglesias estupendas, mucha historia y un centro para pasearlo con calma.

 

Y se come muy bien y muy barato, que esto en una crónica cultural debería ser Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

 

El problema fue el temporal: aquí llovía con dos modos posibles.


Modo A: “chispea”.


Modo B: “diluvio universal”.


Cuando llovía suave intentábamos hacer vida; cuando llovía fuerte, directamente te planteabas pedir una canoa por Glovo.

 

La organización, eso sí, se ha volcado: Pontevedra cerraba un ciclo bianual como sede y, en los meses previos, la Boa Vila ha tenido proyecciones, coloquios y encuentros con gente de la industria, con una respuesta del público estupenda.

 

Aquí se han tomado en serio lo de ser ciudad de cine.

 

Con paraguas, pero de cine.

 

 

 

 

 

 

La gala: cena redonda, vino lineal y un guion con curva peligrosa

 

Los Feroz mantienen su sello: formato cena, mesas redondas, se come antes y durante (sí, durante), y el vino suele estar más presente que algunos nominados. Por algo se dice lo de “los Goya, pero con vino”.

 

La retransmisión fue por La 2 y RTVE Play, con Aitor Albizua poniendo comentarios en directo.

 

Y sobre el papel, el guion era “ocurrente y descarado”, firmado por Diego Soto y Javier Durán.

 

Sobre el papel. Porque luego… luego pasan cosas.

 

 

 

 

 

Los presentadores: cuatro perfiles, una misma cara de “¿esto era así?”

 

Presentaban Petra Martínez, Samantha Hudson, Elisabet Casanovas y Antonio Durán ‘Morris’.

 

Un cuarteto heterogéneo y con talento, sí.

 

Pero mi sensación desde la sala fue clara: demasiado encorsetados, poca espontaneidad y un guion que les ponía piedras en el camino.

 

Y es una pena, porque con esa mezcla podía haber salido una fiesta elegante o una gamberrada brillante.

 

Pero se quedó en una cosa rara: ensayada hasta el tuétano, larga (más de dos horas) y con momentos donde se notaba la incomodidad.

 

En cristiano: la gala, este año, no aprueba.

 

Y no por falta de ganas, sino por exceso de corsé.

 

 

 

 

 

Los mejores momentos: cuando la vida se coló por las rendijas

 

El recuerdo a Adamuz.


La presidenta María Guerra abrió con el corazón encogido por el trágico accidente ferroviario de Adamuz, y el teatro se puso serio de golpe.

 

 

El Feroz de Honor.


Marta Fernández-Muro subió a recoger “un premio que me encanta”.

Veterana, simpática, con ese humor de quien ha sobrevivido a décadas de industria sin perder el colmillo.

 

 

La reivindicación de la bondad.


Julia de Castro, premiada por Poquita fe, defendió la bondad y pidió bajar la intensidad de la violencia verbal.

Una intervención con fondo (y falta nos hace).

 

 

Las series diarias alzando la voz.


María Castro y Marta Costa (sí, las de La Promesa) recordaron, con retranca, que hay series que levantan audiencias como catedrales y luego en premios van “de visita”.

 

 

El momentazo espontáneo.


Ana Marchesi (actriz con parálisis cerebral) se marcó una intervención divertidísima y sin filtros. De lo mejor de la noche precisamente por lo que faltó en otras partes: naturalidad.

 

 

 

Y sí, Albert Serra en modo Albert Serra.


Se llevó el Arrebato de no ficción por Tardes de soledad y dejó claro que, cuando sale a hablar, no pide permiso: ocupa el plano.

 

 

 

Los premios: Los domingos arrasa y el resto intenta sobrevivir

 

Vamos al turrón: el palmarés tuvo una reina clarísima. Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, lideró el palmarés con cinco estatuillas. Una manita. Como quien no quiere la cosa.

 

Mejor película dramática.


Premio Feroz SGAE a la mejor dirección para Alauda Ruiz de Azúa.


Mejor actriz protagonista para Patricia López Arnaiz (su cuarto Feroz).


Mejor actriz de reparto para Nagore Aranburu.


Premio Feroz DAMA al mejor guion (también para Alauda Ruiz de Azúa).

 

Y ojo al dato: Los domingos ya venía “calentando” desde el Festival de San Sebastián, donde la AICE la distinguió con el Feroz Zinemaldia y se fue también con la Concha de Oro. Esto no fue sorpresa: fue confirmación.

 

 

 

 

En comedia, la ganadora fue La cena.

 

Y en Maspalomas cayeron dos premios muy celebrados: mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz y mejor actor de reparto para Kandido Uranga.

 

 

 

Otra gran conversación de la noche fue Sirât, de Oliver Laxe, que se llevó mejor música original (para Kangding Ray) y mejor tráiler (para Aitor Tapia).

 

 

 

También se mencionó su doble nominación al Oscar (película internacional y sonido), con presencia de Laia Casanovas, integrante del equipo de sonido íntegramente femenino. Titular de los bonitos, sin confeti.

 

 

 

Series: empate técnico entre Yakarta y Poquita fe

 

En series, reparto salomónico: de los siete premios posibles, tres para Yakarta y tres para Poquita fe.

 

Resultado: drama y comedia felices y todos contentos.

 

Javier Cámara suma ya tres Feroz en su carrera, de nuevo con una serie creada por Diego San José, que además recogió el premio al mejor guion junto a Daniel Castro y Fernando Delgado-Hierro.

 

En Poquita fe, doble alegría: mejor actriz protagonista para Esperanza Pedreño y mejor actriz de reparto para Julia de Castro. Ambos, primer Feroz.

 

Y otro debut feliz: Secun de la Rosa ganó como actor de reparto por Superestar y dejó la frase de la noche: que era curioso ganar el primer premio llamándose “Secun”. El universo, cuando quiere, tiene guionistas.

 

 

 

 

El famoseo: lo que no sale en el palmarés

 

Lo mejor del famoseo no es la foto, es la conversación.

 

Después de la gala, con música y fiesta, se mezclan premios, nominados y saludos eternos.

 

Charlé un buen rato con Oliver Laxe, tipo sereno y amable, sobre los Oscar y lo que significa estar ahí. Ya estar es un éxito enorme, y él lo vive con calma.

 

Vi a Nacho Vigalondo, mosqueado por un chiste poco afortunado. Le dije que tenía que presentar él la gala y me respondió: “a ver si me llamáis”. Pues eso.

 

Encontré a Leticia Dolera, la felicité por Pubertad y cayó foto. Porque uno será crítico, pero también humano.

 

 

 

Y Patricia López Arnaiz, feliz y agradecida, ya es institución feroz. Cuarto premio. Marca registrada.

 

 

Mencionar la presencia de la actriz internacional María de Medeiros, de la película Una quinta portuguesa. Amable y simpática. Le brindé una sentida reverencia.

 

 

 

 

 

Cierre: Pontevedra se despide, los Feroz siguen… y la gala tiene deberes

 

Pontevedra cierra su etapa como sede con implicación total y números de primera división.

 

El palmarés ha sido coherente y los Feroz siguen siendo el termómetro más afinado del cine y las series españolas.

 

¿La gala? Con menos corsé y más ritmo habría volado. Así, se dejó ver… pero no enamoró. Y en una fiesta con vino, lluvia y cine, no enamorar tiene mérito.

 

Nos leemos en la próxima.

 


Y por favor: el año que viene, un Feroz con calefacción. Aunque sea en un Ikea.

 

 

 

 

 

 

 

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FANTASÍAS ANIMADAS DE AYER Y HOY – Cine de Animación – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

23/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

FANTASÍAS ANIMADAS DE AYER Y HOY


Cine de Animación


Primero fueron los llamados Juguetes Ópticos: Linterna Mágica, Zootropo, Praxinoscopio, Teatro Óptico, …, antes de que el Cinematógrafo naciera.
Dar vida a objetos inanimados es en esencia lo que conocemos como Cine de Animación.


En este monográfico recorremos su historia, desde la animación primitiva a la era digital; las diferentes técnicas de animación: Película de Siluetas, Pixelización, Dibujos Animados, Stop-Motion, …; los principales estudios: Disney, Pixar, Ghibli, Dreamworks, …; y algunos nombres propios.


¡Te esperamos…anímate!

 

 

 

 

 

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Bombshell: La historia de Hedy Lamarr (Documental) – Bombshell: The Hedy Lamarr Story – 2017 – Alexandra Dean

23/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Hedy Lamarr fue estrella, inventora y “nadie me hizo caso”, todo a la vez.

 

Alexandra Dean viene del periodismo y el documental, y ha contado esta historia con enfoque de investigación: el gancho clave del filme es darle voz a Hedy Lamarr usando unas cintas de casete con una entrevista telefónica grabada en 1990 que aparecieron décadas después (las encontró el periodista Fleming Meeks).


Aquí su gran mérito es el montaje: no “hablan sobre ella”, sino que ella también responde desde el pasado.

 

Bombshell: La historia de Hedy Lamarr es el típico documental que empieza con el cliché (“la mujer más guapa del cine”) y te lo desmonta con una sonrisa amarga: sí, Hedy Lamarr fue mito de belleza y estrella de Hollywood, pero debajo del glamour había una cabeza privilegiada y una biografía con más curvas que un peinado de los 40.

 

Lo que lo hace adictivo es la mezcla de testimonios y voces conocidas (aparecen Mel Brooks, Diane Kruger, Peter Bogdanovich, además de familiares y gente de su entorno) con el ingrediente estrella: la propia voz de Lamarr en esas cintas, ya mayor, soltando recuerdos con ironía y cansancio de haber sido reducida a “cara bonita”.

 

Y luego está la parte que te deja con cara de “¿perdona?”: su faceta de inventora.

 

El documental explica cómo su trabajo en comunicaciones (el famoso frequency hopping, desarrollado con George Antheil) acabó siendo precursor de tecnologías modernas de comunicaciones inalámbricas.

 

Y ahí entra el drama fino: en plena II Guerra Mundial, la idea estaba, pero el reconocimiento y el caso práctico llegaron tarde, mal y con el entusiasmo de un funcionario un lunes.

 

Lo más bestia es el contraste: del “esplendor” (Hollywood, matrimonios fallidos, mito) a la incomprensión y al “oye, que además de guapa soy útil”.

 

Y lo cuenta sin santificarla: fascinante, sí; cómoda, no siempre.

 

Por eso funciona: porque te enseña un personaje de cine… y también de ciencia.

 

Documental muy interesante y muy bien armado, que rescata a Hedy Lamarr del museo de “la más guapa” y la devuelve donde toca: a la historia del cine… y a la de las ideas que cambiaron el mundo.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

 

 

Dirigido por Alexandra Dean:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

Hedy Lamarr: actriz, refugiada, inventora… y gran borrada de la historia

 

 

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La ley de Herodes – 1999 – Luis Estrada – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

23/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El paisano incorruptible.

 

Luis Estrada es uno de los grandes satíricos políticos del cine mexicano.

 

Su filmografía va directa al cuello del poder: La ley de Herodes (1999), Un mundo maravilloso, El infierno y La dictadura perfecta.

 

Vamos, que lleva décadas demostrando que la realidad política mejora mucho cuando se rueda en clave de comedia salvaje.

 

Descubrimiento en pantalla grande de una película poco vista por aquí, porque muchas joyas del cine mexicano se quedan al otro lado del charco.

 

Y esta no es una cualquiera: La ley de Herodes está considerada una de las mejores películas mexicanas de todos los tiempos. En 1999 arrasó con 10 premios Ariel (incluidos mejor película y director) y 14 nominaciones, y en el año 2000 pasó por la Seminci de Valladolid, donde Damián Alcázar se llevó el premio a mejor actor y Norman Christianson el de mejor fotografía. Avalada va, desde luego.

 

La historia es tan simple como demoledora: un alcalde nombrado a dedo, interpretado por Damián Alcázar, llega al cargo siendo un hombre honesto… y tarda lo justo en corromperse hasta niveles industriales.

 

Todo a pequeña escala, sí, pero con ambiciones muy grandes y beneficio exclusivamente personal.

 

Alcázar está monumental, y no es casualidad: después vendrían papeles clave como en El infierno o Narcos: México.

 

El tono es comedia sarcástica sin anestesia.

 

A veces se pasa de frenada, otras roza lo grotesco y lo exagerado, pero funciona, porque el retrato, aunque caricaturesco, es dolorosamente certero.

 

La corrupción aquí no es una desviación del sistema: es el sistema.

 

Y todo ello bajo el paraguas del Partido Revolucionario Institucional, ese oxímoron maravilloso que gobernó México durante más de 70 años.

 

Revolucionario e institucional, casi nada.

 

Palabrería sobre justicia social y progreso que sirve para maquillar, envolver y camuflar una corrupción estructural que la película retrata con mala leche… y demasiada verdad.

 

Comedia política feroz, exagerada y brillante, que duele porque hace reír de cosas que no deberían tener ni puta gracia. Y ahí está su grandeza.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

 

 

Dirigido por Luis Estrada:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Todos somos Gaza (Documental) – 2025 – Hernán Zin

23/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Genocidio y demolición.

 

Hernán Zin es un veterano del documental de conflicto y denuncia social.

 

En su filmografía destacan títulos como La guerra contra las mujeres, Nacido en Gaza o Quiero ser Messi.

 

Vamos, que no es un recién llegado ni alguien que dispare la cámara desde el sofá: lleva años metido hasta el cuello en realidades incómodas.

 

Las imágenes que abren Todos somos Gaza son directamente aterradoras.

 

Explosiones a pocos cientos de metros de la cámara, sacudidas que ponen los pelos de punta y una sensación constante de que aquello puede saltar por los aires en cualquier segundo.

 

No es cine de catástrofes: es la vida real.

 

El documental arranca mostrando cómo era Gaza capital antes de esta operación de demolición llevada a cabo por el ejército de Israel, y el contraste es brutal.

 

Donde había edificios, calles y vida, ahora no queda piedra sobre piedra.

 

Miles de muertos —niños, civiles, inocentes— y una destrucción total de la infraestructura.

 

La imagen es, sencillamente, desoladora.

 

Pero Zin no se queda solo en el plano general del horror.

 

Baja al barro y nos enseña la vida cotidiana dentro del terror: familias que intentan sobrevivir, avanzar, resistir en medio de una locura sin salida.

 

Impacta especialmente la cantidad de gente joven que aparece constantemente ayudando: transportando heridos, moviendo escombros, colaborando como pueden.

 

Siempre hay alguien empujando, levantando, corriendo.

 

Humanidad a contrarreloj.

 

El resultado es un documental desgarrador, con una calidad de imagen excepcional que multiplica el verismo de lo que vemos.

 

Aquí no hay distancia emocional posible: lo que se muestra entra directo y duele más cuanto mejor se ve.

 

Cine necesario, incómodo y brutalmente honesto.

 

No es agradable, no pretende serlo y no deberíamos pedirle que lo sea.

 

Sales tocado.

 

Y eso, aquí, es exactamente el punto.

 

Mi puntuación: 7,75/10.

 

 

 

Dirigido por Hernán Zin:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Una cabeza en la pared (Cortometraje) – 2024 – Manuel Manrique

23/01/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El matador ya no tiene qué matar.

 

El planteamiento es tan curioso como provocador: los toros han sido abolidos y un antiguo diestro famoso, interpretado por Nacho Sánchez, vaga por Madrid más triste que un torero al otro lado del Telón de Acero, como cantaba Sabina.

 

De pronto, Las Ventas es una discoteca-centro comercial, y entramos en una distopía que hoy por hoy resulta casi ciencia ficción, cuando parte de la sociedad española parece ir justo en la dirección contraria.

 

El corto acompaña a este torero fuera de sitio en su periplo de soledad, encontrándose con algún admirador suelto y, sobre todo, con Ángela Cervantes, completamente ajena al mundo del toreo.

 

Ella ve al personaje de Nacho Sánchez como algo exótico, casi una reliquia viva, y Ángela Cervantes está maravillosa, natural, despistada, luminosa, aportando ligereza y un punto de humor muy agradecido.

 

La película se mueve con habilidad entre el drama y la ironía, entre la melancolía del mundo perdido y la extrañeza del presente, para acabar retratando una realidad menos amable y más certera de lo que parecía prometer al inicio.

 

No busca el panfleto fácil, pero tampoco esquiva el conflicto. Y eso se agradece.

 

Una distopía cañí bien interpretada, con una idea potente, un gran trabajo de actores y un poso final más amargo de lo esperado.

 

No sales silbando, pero sales pensando. Y eso, en un corto, ya es bastante.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

 

Dirigido por Manuel Manrique:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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