Vamos Diego Gismero y yo a ver esta comedia francesa con nuestro maestro Ricardo Arrakis.
Ya la había visto en San Sebastián, pero no le importa repetir. Le gustó, se lo pasó bien.
Este engendro es el típico producto de comedieta francesa que insulta al intelecto del espectador.
Solo es una sucesión de chistes sin gracia, que sobrepasan con creces lo ridículo.
No solo te aburre sino que te ofende.
Una colección de personajes irritantes, que no tienen cabida más que en la mente de personas con alguna alteración psíquica.
El producto resulta terriblemente irritante.
Inaguantable de principio a fin.
Pero, claro ésta, es solo mi opinión porque a mi ídolo Ricardo le gustó.
Es obvio, que no comparto su opinión.
Me quedo estupefacto que esto esté en la terna de mejores películas europeas a los Goya. Algo está fallando en esta sociedad. Algo estamos haciendo mal.
Iniciamos la cuarta etapa de esta serie con este primer episodio.
Su comienzo resulta defraudante, ya que ni Elena ni yo somos seguidores de Star Trek.
Pero la trama cobra fuerza mientras avanza.
Plantea una cuestión muy interesante, como es habitual en esta serie, en relación con opciones de la tecnología del futuro.
Habla sobre la existencia de una personalidad digital, va más más allá al plantear la existencia de una persona digital, con sentimientos, con conciencia del yo, con alma…
Esto combinado con una trama que al final se vuelve muy energética termina redondeando un episodio que hace que esta cuarta temporada sea prometedora.
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Mi puntuación: 7,04/10.
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Todos los episodios de Black Mirror ordenados alfabéticamente:
Esta semana con Mónica Gallo y Diego Gismero en los estudio de EsRadio Guadalajara hemos visitado el Cine Club Alcarreño, el Taller de Cine de Azuqueca de Henares (donde hemos saludado a Godard) y hemos terminado encontrándonos con El corredor del laberinto con tirón muscular y dolor abdominal.
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Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
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Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
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Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
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Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
Esta semana hemos recibido y entrevistado en los Multicines Guadalajara a la talentosa y joven actriz y enfermera Iris Heredia que nos ha contado sus filias y sus fobias cinéfilas.
Gran fan de la Saga Harry Potter con la que ha crecido.
Suelo olvidar las películas malas, pero esta recuerdo que la vi a los 17 ó 18 años en un Cine Club de un colegio mayor, cuando empezaba medicina.
Desde entonces no había tenido interés en volverla a visitar.
Pero recordaba muchas cosas.
Como es lógico he oído hablar mucho de ella, porque es una película emblemática de la Nouvelle Vague y porque supuso un cambio en el uso del lenguaje cinematográfico.
Todo lo que conozco influye en mi valoración.
Verla en pantalla grande y en versión original ha sido un placer.
La peli incluye elementos muy diferentes que están combinados de manera curiosamente armónica.
Es la historia de un gánster de tercera Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo), un psicópata de medio pelo que fuma como un carretero. Aburrido de la vida, con un fondo existencialista. Asediado por la policía con una continua huida.
También es un documental de un verano de 1959 en París, con visita de Eisenhower incluida. Un retrato de los Campos Elíseos. Rodado al natural, con los viandantes mirando la grabación.
Es el retrato de los bajos fondos franceses, de delincuentes de baja estopa que malviven de pequeños delitos o estafas.
Pero también es la historia de un amor apasionado e inseguro en el que Patricia Franchini (Jean Seberg) se siente atraída por un chulillo, pero no termina de estar segura de sus propios sentimientos.
La entrevista a Jean-Pierre Melville como una crítica al creador cultureta que responde estupidamente a preguntas estúpidas, escena metida con calzador dentro de una trama que no va por ese camino.
Me impresionan elementos narrativos que siguen siendo muy modernos como:
La rotura de la cuarta pared de los dos protagonistas.
El plano cogote que ahora vuelve a estar de moda que nace de la necesidad de hacer producciones de bajo presupuesto como fue esta peli.
Los cortes en el mismo plano que resultan atrevidos, pero a mí personalmente me gustan.
Los fuera de campo eficaces, pero que hacen que la producción se abarate.
El rodaje casi en tiempo real de la escena en el piso de los dos enamorados con diálogos incoherentes que no siguen un racord convencional.
Ha habido muchos eruditos que han encontrado muchos más elementos de interés en esta peli casi experimental.
A mí me interesa esta manera de hacer cine. A pesar o gracias a sus “originalidades estilísticas” consigue contar una historia y retratar muy bien los personajes, creando una peli más que interesante.
Me gustó en 1976 y me ha vuelto a gustar en 2018.
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Mi puntuación: 7,53/10.
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Curiosidades:
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Según Jean-Pierre Melville, Godard le hizo una consulta durante la etapa de postproducción porque la primera edición era demasiado larga para la distribución.
Melville sugirió a Godard que eliminara todas las escenas que frenaran la acción (su propia intervención como novelista incluida).
Pero en lugar de excluir escenas enteras, Godard cortó pequeños fragmentos de aquí y allá.
Esto llevó a la técnica de “corte de salto” que introdujo esta película.
Melville declaró que el resultado fue excelente.
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El director Jean-Luc Godard empujó al director de fotografía en una silla de ruedas a través de muchas escenas de la película.
Copió la idea de Jean-Pierre Melville , que había utilizado la misma técnica de bajo presupuesto en Bob el jugador (1956) y Le silence de la mer (1949).
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Jean-Paul Belmondo quedó muy sorprendido por la cálida recepción que recibió la película.
Inmediatamente después de la producción, estaba convencido de que era tan mala que pensó que la película nunca sería proyectada en cines.
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Jean-Luc Godard no filmó la película sin un guión, a pesar de lo dicho.
Cada mañana escribía un guión de lo que se iba a filmar, que luego cambiaba sobre la marcha.
La idea general es de François Truffaut.
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Según Raoul Coutard, hubo muchas dificultades para obtener un permiso para rodar en las calles de París.
Se necesitaba un guión completo para obtener el permiso, por lo que Jean-Luc Godard hizo que un asistente escribiera un guión falso para una película que nunca se filmaría.
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Aparte del título de la película, el número de visa de distribución y la dedicatoria a Monogram Pictures, no hay otros créditos o títulos en esta película.
Todo el elenco y el equipo no están acreditados.
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Jean-Luc Godard y Raoul Coutard encontraron una forma de grabar por la noche sin iluminación adicional mediante el uso de películas de alta velocidad (400 ASA) destinadas a la fotografía fija.
Desarrollarlo en un baño químico especial duplicó la sensibilidad sin volverse demasiado granulado.
El uso de esa película, sin embargo, no hubiera sido posible con la mayoría de las cámaras de película porque los orificios de la película fotográfica son diferentes a los de la película.
Pero funcionó con las cámaras Cameflex que usaban en esta producción porque las garras de esas cámaras, que atraviesan la película, solo tocan el borde de la perforación en lugar de atravesarla, eliminando la necesidad de una coincidencia precisa.
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Un día, Jean-Luc Godard llamó a las 8 de la mañana para decir que estaba enfermo por comer algo en mal estado y que no podía trabajar.
Georges de Beauregard que hacía de productor se puso furioso.
El trastorno ocasionado era pequeño, porque solo intervenían unas seis o siete personas en la realización contando actores y equipo técnico.
Poco tiempo después, fue a tomar una copa y vio a Godard sentado en el mismo café desayunando.
Coutard cuenta que se metieron en una pelea a puñetazos y los periodistas de Paris Match tuvieron que separarlos.
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Después de haber hecho sus primeras películas en el sistema clásico de Hollywood, Jean Seberg se estremeció con los métodos de filmación de Jean-Luc Godard , y había mucha tensión entre ellos.
También se enfrentaron por su personaje y actuación, especialmente en la escena cerca del final cuando Patricia regresa al apartamento para decirle a Michel que le delatól a la policía.
De acuerdo con Raoul Coutard, ella y Godard estaban incontenible de furia en este punto.
Ella quería hacer la escena en un frenesí emocional, mientras que él la quería totalmente calmada y fresca.
Finalmente se rindió y filmó la escena a su manera, pero cuando llegó el momento de doblarla, se dio cuenta de que tenía razón, por lo que habló sus líneas con muy poca frecuencia, lo que no siempre coincide con sus expresiones en la pantalla.
Pierre Rissient dijo más tarde que no creía que Seberg supiera lo que estaba sucediendo durante toda la producción y no tenía idea de qué tipo de película sería, así que probablemente se sorprendió gratamente del producto final y del éxito que logró.
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El personaje de Michel Poiccard usa el nombre Laszlo Kovacs como un alias.
A menudo se supone erróneamente que fue un homenaje al director de fotografía del mismo nombre: la película se hizo mucho antes de que Kovacs se estableciera en la industria del cine.
En realidad, fue una referencia al personaje interpretado por Jean-Paul Belmondo en la peli de Claude ChabrolUna doble vida (1959), a principios de ese mismo año.
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Raoul Coutard, director de fotografía, dijo que debido a que tenía experiencia en fotoperiodismo, ya sabía cómo disparar de forma rápida y eficiente.
“No tenía reputación ni nada que perder. Quería ver qué pasaría”.
Aunque el método habitual era filmar el metraje con sonido sincronizado, Jean-Luc Godard llamaba a los actores por las líneas que quería que dijesen (por lo general, solo las escribía, por lo que nunca habían visto el diálogo antes del rodaje) y los repetiría.
Además, la cámara de mano que usaban era tan ruidosa que no había forma de grabar sonido en el acto.
Las líneas de diálogo fueron dobladas más tarde en post-producción.
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Jean-Luc Godard quería que Patricia revisara los bolsillos de Belmondo, pero Jean Seberg se negó a hacer la escena de esa manera.
En cambio, termina con un poco de diálogo cuya traducción todavía se discute a veces (con Patricia preguntando qué significa “desagradable” y que el detective le dice una versión diferente de lo que Michel probablemente pretendía) seguido de un primer plano icónico de ella hace el gesto de frotar los labios que Belmondo usa a lo largo de la película y luego se aleja de la cámara.
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En un momento dado, Patricia menciona que tiene miedo de envejecer.
En retrospectiva, este comentario es profundamente irónico ya que Jean Seberg se suicidó a la edad de 40 años.
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Aunque aparece como asesor técnico, Claude Chabrol dice que nunca estuvo en el set por un minuto.
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Al final de de la escapada (1960) fue proyectada alrededor del mismo tiempo que la peli de François TruffautLos 400 golpes (1959) y Alain Resnais Mon amour Hiroshima (1959), estableciendo así lo que llegó a ser conocido como el inicio de la nouvelle vague.
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La inspiración para la historia fue un artículo de periódico que leyó François Truffaut.
Se trataba de un delincuente de poca monta llamado Michel Portail y su novia estadounidense.
En 1952, Portail robó un automóvil para visitar a su madre enferma en Le Havre, en el norte de Francia, pero terminó matando a un policía de motocicletas.
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Jean-Luc Godard conoció a Jean Seberg a través de su entonces marido, el director François Moreuil, y pensó que sería alguien que podría darle un atractivo más comercial a la película, habiendo hecho apariciones de alto perfil en algunas producciones de Hollywood, pero que aún estaría dispuesta a trabajar en una función de bajo presupuesto ya que su carrera en Estados Unidos no estuvo a la altura de las expectativas iniciales.
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Según Pierre Rissient, todos los lugares y las horas de rodaje se decidieron por adelantado, a pesar de la falta de un guión.
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El cameo de Jean-Pierre Melville fue escrito originalmente para Roberto Rossellini.
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Para mantener la producción ligera y ágil, Jean-Luc Godard insistió en la iluminación natural y en que los actores no usaran maquillaje.
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Jean Seberg sentía en gran medida de la misma manera que Jean-Paul Belmondo que la película estaba increíblemente desorganizada y dudaba mucho sobre la viabilidad comercial de la película.
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El salario de Jean Seberg ocupaba la sexta parte del presupuesto de producción.
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El tratamiento del guión original provino de François Truffaut y Claude Chabrol, pero al final ninguno de los dos pudieron ponerse de acuerdo sobre la estructura correcta de la historia.
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Jean-Luc Godard estaba trabajando como agente de prensa en 20th Century Fox cuando conoció al productor Georges de Beauregard y le dijo que su última película era una mierda.
De Beauregard quedó impresionado con su franqueza al contratar a Godard para trabajar en el guión de su próxima película “Pecheur d’Islande“.
Después de seis semanas, Godard ya tenía suficiente guión y le sugirió a De Beauregard que debía hacer el Al final de la escapada.
Chabrol y Truffaut acordaron darle a Godard su tratamiento cinematográfico que fue debidamente transmitido a Beauregard bajo la condición de que se le permitiera a Godard dirigirlo (Truffaut y Chabrol se habían convertido en nombres consagrados en esta etapa).
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Mucho se habló en el momento del lanzamiento del uso innovador de los saltos de Jean-Luc Godard.
En realidad, esta fue una idea de último momento.
La película terminada duraba 30 minutos de más y en vez de cortar escenas específicas, Godard decidió cortar desde dentro de cada escena, creando así el estilo irregular de la película.
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Además del Michel Portail de la vida real, Jean-Luc Godard también basó el personaje principal en el guionista Paul Gégauff, quien era conocido como un seductor fanfarrón de mujeres.
Godard también recuerda varios personajes que había conocido anteriormente en su vida cuando vivía en Ginebra.
La película incluye un par de bromas: la joven vendiendo Cahiers du Cinéma en la calle (Godard había escrito para la revista).
Después de ver Stranger Things 2 decidimos dar un cambio radical y ver esta serie británica.
Unos días antes había visto un cartel inmenso cubriendo la fachada del edificio Torre España al final de la Gran Vía madrileña. Era publicidad de Netflix promocionando esta serie. Su tamaño me impresionó.
Se trata de un producto muy british. Correctísima ambientación, decorados al detalle, fotografía excelente, actores impecables… todo muy perfecto.
Cuenta los prolegómenos y el reinado de Queen Elizabeth II hasta 1962. Dos temporadas con 20 capítulos en total de casi una hora. Habrá tercera temporada.
Voy a dar dos visiones diferentes . La de un monárquico de toda la vida y la de un republicano de nacimiento. Son contradictorias y complementarias.
El monárquico:
Hay aspectos muy interesantes en esta serie inglesa.
La monarquía británica, como las del resto del mundo, se han visto turbadas por inmensas dificultades y por el cuestionamiento general supuestamente democrático.
Además la Reina Isabel Segunda tuvo que demostrar que podía ejercer de jefa del estado, “a pesar” de su juventud y de ser mujer.
La serie nos cuenta las dificultades que le van atacando durante su reinado. Por un lado los problemas familiares, que son muchos y diversos.
Por otro los políticos. Con dignatarios torpes, ancianos y enfermos.
La soledad del poder queda de manifiesto porque los apoyos que encuentra en su esposo y en sus colaboradores son ocasionales.
Su hermana, su madre y su tío en el exilio no le dejan de producir cefaleas tensionales.
Pero hay un aspecto básico que se plantea en la peli es el de la designación divina de la corona.
No es el pueblo ignorante e influenciable el que decide a su capricho al Jefe del estado, sino Dios que determina a través de la genética quien ocupara un cargo que no debe estar sujeto a los vaivenes de la política.
La Reina Isabel lo sabe y ocupa su puesti con esa dignidad que solo puede venir si detrás está la mano divina.
La presión del republicanismo obliga a esta monarquía a “adaptarse a los nuevos tiempos” consintiendo matrimonios morganáticos que ensucian la pureza de una sangre real y cesiones hacia el populacho que componen una “monarquía más moderna“.
La Reina tiene que lidiar con la falta de responsabilidad de su tío y de su hermana Margarita que no sabe el lugar que le corresponde ni la trascendencia histórica de sus acciones.
Tampoco ayuda Prince Philip, Duke of Edinburgh, un personaje trascendental en la serie que, a veces, supone una carga y no un apoyo para la reina.
Hay hechos que se exponen en la serie que deberían haber sido ocultados, porque en nada benefician a la Corona, como el pasado nazi de David, Duke of Windsor y su disipada vida al lado de una divorciada.
La serie me ha gustado, pero no es bueno que el pueblo reciba tanta información, la Monarquía ha de mantener su halo de misterio, para que sea venerada y respetada.
El republicano:
La serie retrata una monarquía que había salido victoriosa de la Segunda Guerra Mundial, por el apoyo norteamericano y por el frente ruso que supuso la derrota alemana.
La Reina Isabel tiene que ocupar más tiempo en solucionar los problemas familiares que los de estado.
Su figura es casi siempre decorativa e inútil en la política británica.
Hay algo de repugnante intelectualmente en esta institución.
Su principio es que el poder, la jefatura del estado de un país, son hereditarios. Hay una familia tocada por la mano divina que va a ser para siempre la que ostentará el poder, sin contar con la voluntad popular.
Eso se muestra bien en la serie que además nos explica como una educación apartada de la realidad, con tutores, consigue que una analfabeta funcional ostente la corona.
Difícil situación la de la Monarquía que se tiene que mantener en la defensa de las más tristes tradiciones y, al mismo tiempo, conseguir la necesaria actualización. Lo primero resulta imposible y lo segundo rompe la propia estructura de la monarquía.
Una institución así tiene sus códigos, estúpidos, pero imprescindibles, si los rompe fractura su propia esencia.
Pongo un ejemplo. Podemos decir que un rey se puede casar con quien quiera, que da igual que sea divorciada, pero si la monarquía incumple sus tradiciones, sus principios de evitar los matrimonios morganáticos, ¿qué le queda?. Se convierten en personas normales y eso aniquila la esencia de la propia monarquía. Si son simples mortales, deberán estar sujetos a la voluntad popular.
Muchas de estas cuestiones son planteadas, con acierto, en esta producción.
Un aspecto muy interesante de la serie es el pasado nazi del depuesto Rey Eduardo VIII del Reino Unido. No está mal dejar claras las cosas.
Una serie interesante en su complejidad que nos desvela secretos de la historia británica y cotilleos de la familia real.
Bellísima Vanessa Kirby interpretando a la Princesa Margarita.
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Cruel la infancia que padeció el Principe Carlos.
Estupendas las juergas del Duque de Edimburgo, menudos viajes de placer que se daba.
Increíble las imágenes de la reina madre viendo telebasura.
Impresionante la interpretación de John Lithgow haciendo de Winston Churchill.
Soberbia Claire Foy actuando de manera perfecta como Queen Elizabeth II.
Spielberg está empeñado en retratar la historia de Estados Unidos.
Por cierto, piensa hacer Indiana Jones 5y después un remake de West Side Story. ¡Qué Dios nos proteja!
La peli comienza con poco interés, un poco cansina, pero el maestro de Cincinnati consigue darle un ritmo progresivo, convirtiéndola en una película muy interesante.
Se trata de una precuela de la añorada Todos los hombres del presidente de 1976 dirigida por Alan J. Pakula.
Plantea cuestiones de plena actualidad, como el papel de la prensa en una democracia, la influencia de los poderes fácticos en la información, las obligaciones de los periodistas a informar.
Katherine Graham (Meryl Streep) es la dueña de The Washington Post, se enfrenta a una difícil decisión. Una mujer que hasta ese momento no había cogido las riendas de su vida, ni de su periódico decide hacer “lo correcto”.
Hanks solvente y la Streep impresionante.
Una estupenda peli, con ese tono didáctico que suele dar a sus obras históricas el mago de Hollywood.
La escena de las rotativas en marcha al final de la película me emocionaron.
Participar en las llamadas misiones internacionales de paz ha hecho que países como España y Dinamarca se hayan adentrado en el cine bélico.
Tobias Lindholm explora con una cierta frialdad en su mirada la tragedia de la guerra.
Resulta paradógico ver a los fortachones daneses, acostumbrados a la nieve, patrullar por el árido desierto afgano.
Da la impresión que sus actividades son claramente estériles. Su intención benéfica, de ayudar a un pueblo que vive en guerra desde hace décadas, resulta inútil, o incluso perjudicial.
Con ese panorama lo más importante resulta salir vivo del desaguisado.
El comandante Pedersen se esfuerza en que sus soldados vuelvan sanos y salvos a su casa.
Comprendo que en el fragor de la batalla se pueden tomar decisiones equivocadas. En un instante se juega uno su futuro y el de su familia.
Tenemos por un lado el retrato de la guerra, por otro el de la difícil vida familiar de los que se quedan en casa, el conflicto judicial y el personal.
A veces es difícil decidir entre lo justo y lo mejor. Entre la honestidad personal y el bien de tu familia.
La peli resulta interesante de principio a fin, con todas sus facetas, sin que haya un claro posicionamiento del director, cuya mirada es distante, incluso equidistante.
Un gran acierto del Cine Club Alcarreño al elegir esta película.
En Filmaffinity, como puedes poner nota a las pelis, te encuentra lo que llaman “almas gemelas“, personas que coinciden mucho con tus calificaciones.
Yo tengo dos, H1314 y eltaquillazo. La primera con un 80.4% de coincidencias. La segunda con 62.3%.
Curioseando las notas de H1314 encuentro que le pone un diez a esta peli de 2007. Por ello la veo.
Esta peli fue lanzada directamente al mercado del vídeo.
Realizada con una animación básica, sin afanes perfeccionistas.
Cuenta cómo Superman es (supuestamente) asesinado por una especie de soldado invencible (Doomsday) y Lex Luthor crea un clon del kryptoniano al que controla.
Dicho esto la trama se desarrolla como era de esperar, con mucho escombro por las peleas entre los personajes, que se van cargando edificio tras edificio sin consideración alguna.
El mejor personaje es Lois Lane, una mujer decidida y con personalidad.
La peli resulta bastante pueril y sin demasiado interés.
Se deja ver porque solo dura 75 minutos.
No comprendo como H1314 le pone la máxima nota. Yo no soy tan generoso.
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Mi puntuación: 5,09/10.
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Los directores Bruce W. Timm, Lauren Montgomery y Brandon Vietti:
El maps del móvil me lleva fenomenal, sin atascos, en solo 35 minutos a casa de Ricardo Arrakis.
Con él y Pepe Málaga llegamos hasta la puerta del Polideportivo Magariños. Aparcamos justo enfrente. Me cuesta 5,80 euros dos horas en zona verde.
Antes de entrar saludo a Alfonso (redactor de El Palomitrón), habitual de estos eventos y festivales, que me presenta a un periodista de Zaragoza, Carlos.
Cada año los Premios Feroz han ido cambiando de ubicación. Buscando un lugar más grande.
La primera gala fue hace cinco años en los Cines Callao. Éramos pocos los socios de la AICE (Asociación de Informadores Cinematográficos) y pocos los galardonados. Por aquel entonces no había premios a las series.
Se pide etiqueta y me pongo el traje de las bodas. El de la mía me quedó pequeño hace muchos años. Es curioso como las prendas por el simple hecho de permanecer colgadas en el armario van encogiendo y terminan quedando pequeñas.
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Vamos saludando a conocidos. Pepe se encuentra con dos directores malagueños, Alfonso Sánchez y Alberto López, de los que hablamos de su próxima película (El mundo es suyo).
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Vamos recorriendo la sala y me hago fotos con actrices de La llamada, que luego resultaría premiada.
Con Anna Castillo y Macarena García. A Macarena le quiero contar lo fan que es mi amiga Beatriz y no me presta ninguna atención.
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Foto con Jaime Ordóñez nominado por El bar como mejor actor de reparto, que no se lo llevó. Luego lo vi muy acaramelado con una moza de buen ver en la discoteca.
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En esta edición los camareros pasan incesantemente con bandejas con comida y vamos disfrutando de quesos curados, torta del casar, minibocadillos de cangrejo, nachos con guacamole, gambas con gabardina, rollitos vietnamitas, crema de verduras…
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A diferencia de otros años no pasamos necesidad.
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Hablo un ratillo con Brays Efe, que se ha dejado una estupenda barba. Comentamos lo auténtico que es el personaje de Paquita Salas. Este año rodarán una segunda temporada financiada por Netflix.
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Lleva una americana pintada con un estilo muy parecido al de Alba Flores. pero no es la única con este diseño.
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Abordamos a Javier Cámara con el que nos hacemos una foto Ricardo Arrakis y Eduardo Casanova de Cope Valencia.
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No podía faltar una foto con Javier Gutiérrez, uno de los grandes triunfadores de la noche, con dos feroces, como actor de película y de serie. Pequeño de estatura, pero uno de los más grandes en interpretación.
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A Adelfa Calvo la estuvimos buscando y por fin conseguimos hacernos una foto. Era mi preferida a mejor actriz de reparto que se llevó merecidamente por su papel en El autor. Le predije que el galardón era suyo, porque sencillamente era la mejor.
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Emma Suárez, que resultó premiada como mejor actriz de reparto por La zona, accedió a hacerse una foto, pero no estuvo muy simpática, a diferencia del resto de actores.
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A las nueve nos indican que nos vayamos sentando en nuestras mesas. Nos traen bebida en abundancia.
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Se dice que los Feroz son como los Goya, pero con vino.
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La ceremonia se retransmite por Movistar #0 en directo.
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Julián López es el presentador con unos monólogos incisivos y bastante divertidos.
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Este año todos los premios los entregan mujeres. En su discurso Pedro Vallín, presidente de la AICE desea que el próximo año su sustituto sea una mujer. Yo propongo a Pepa Blanes, una chica joven y buena profesional.
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Leticia Dolera critica que las mujeres sean las tradicionalmente entregadoras de premios (en el ciclismo, en el automovilismo…) y se defiende de las posibles acusaciones de “feminazi“. Su discurso es valiente, pero a mí me resulta un poco confuso.
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Los Premios Feroz se repartieron así:
CINE
MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
– Verano 1993 (Estiu 1993), de Carla Simón
– El autor, de Manuel Martín Cuenca
– Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño
– No sé decir adiós, de Lino Escalera
– Verónica, de Paco Plaza
MEJOR COMEDIA
– La llamada, de Javier Ambrossi y Javier Calvo
– Abracadabra, de Pablo Berger
– Fe de etarras, de Borja Cobeaga
– Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón
– Selfie, de Víctor García León
– Tierra firme, de Carlos Marqués- Marcet
MEJOR DIRECCIÓN
– Carla Simón por Verano 1993 (Estiu 1993)
– Aitor Arregi y Jon Garaño por Handia
– Isabel Coixet por La librería
– Manuel Martín Cuenca por El autor
– Paco Plaza por Verónica
MEJOR GUIÓN
– Carla Simón por Verano 1993 (Estiu 1993)
– Alejandro Hernández y Manuel Martín Cuenca por El autor
– Diego San José por Fe de etarras
– Pablo Remón y Lino Escalera por No sé decir adiós
– Fernando Navarro y Paco Plaza por Verónica
L’OREAL PROFESSIONEL A LA MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
– Natalie Poza por No sé decir adiós
– Marian Álvarez por ‘Morir’
– Laia Artigas por Verano 1993 (Estiu 1993)
– Sandra Escacena por Verónica
– Núria Prims por Incierta gloria– Maribel Verdú por Abracadabra
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
– Javier Gutiérrez por El autor
– Santiago Alverú por Selfie
– Javier Cámara por Fe de etarras
– Andés Gertrúdix por Morir
– Antonio de la Torre por Abracadabra
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
– Adelfa Calvo por El autor
– Anna Castillo por La llamada
– Belén Cuesta por La llamada
– Lola Dueñas por No sé decir adiós
– Gracia Olayo por La llamada
MEJOR ACTOR DE REPARTO
– David Verdaguer por Verano 1993 (Estiu 1993)
– Juan Diego por No sé decir adiós
– Jaime Ordóñez por El bar
– Oriol Pla por Incierta gloria
– Antonio de la Torre por El autor
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
– Pascal Gaigne por Handia
– José Luis Perales y Pablo Perales por El autor
– Carlos Riera y Joan Valent por El bar
– Alfonso de Vilallonga por La librería
– Eugenio Mira por Verónica
PREMIO ESPECIAL
La vida y nada más
Júlia ist
La mano invisible
Los del túnel
Mimosas
MEJOR TRÁILER
– Alberto Gutiérrez por La llamada
– Fernando Vallarino por El autor
– Rafa Martínez por El bar
– Rafa Martínez por Pieles
– Miguel A. Trudu por Verano 1993 (Estiu 1993)
– Rafa Martínez por Verónica
MEJOR CARTEL
– Iñaki Villuendas por el cartel de Handia
– Sergio González Kuhn por el cartel final de Pieles
– Sergio González Kuhn por el cartel final de El bar
– Cartel teaser de La llamada
– Olga Ortiz por el cartel de Verano 1993 (Estiu 1993)
MEJOR DOCUMENTAL
– La Chana
– Converso
– Esquece Monelos
– Muchos hijos, un mono y un castillo
– Niñato
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TELEVISIÓN
MEJOR SERIE DRAMÁTICA
– La zona. Temporada 1
– La casa de papel. Temporada 1
– Estoy vivo. Temporada 1
– El Ministerio del Tiempo. Temporada 3
–Sé quién eres. Temporada 1
MEJOR SERIE DE COMEDIA
– Vergüenza. Temporada 1
– Allí abajo. Temporada 3
– El fin de la comedia. Temporada 2
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA DE TV
– Javier Gutiérrez por Vergüenza
– Eduard Fernández por La zona
– Francesc Garrido por Sé quien eres
– Hugo Silva por El Ministerio del Tiempo
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA DE TV
– Malena Alterio por Vergüenza
– Úrsula Corberó por La casa de papel
– Aura Garrido por El Ministerio del Tiempo
– Alexandra Jiménez por La zona
– Blanca Portillo por Sé quién eres
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE TV
– Emma Suárez por La zona
– Susana Abaitua por Sé quién eres
– Alba Flores por La casa de papel
– Cayetana Guillén Cuervo por El Ministerio del Tiempo
– Ana Polvorosa por Las chicas del cable
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE TV
– Miguel Rellán por Vergüenza
– Jaime Blanch por El Ministerio del Tiempo
– Álex Monner por Sé quién eres
– Alejo Sauras por Estoy vivo
– Paco Tous por La casa de papel
FEROZ DE HONOR
– Verónica Forqué
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La Gala discurrió bastante amena y los agradecimientos no se hicieron eternos.
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La llamada ganó en mejor peli de comedia y todo el equipo subió a recoger el premio.
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Javier Calvo, uno de los directores, realizó una emocionada defensa de ser uno mismo y contó con lágrimas en los ojos todos los apoyos que había recibido de su familia y amigos.
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Sin discusión los premios a mejor actriz para Natalie Poza por No sé decir adiós.
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Javier Gutiérrez hizo doblete por su papeles en la serie Vergüenza y en la película El autor. Malena Alterio fue premiada también por esta incómoda serie. Mis preferidos.
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El Feroz de Honor fue para la gran Verónica Forqué que en su discurso de agradecimiento mencionó a todos los directores con los que había trabajado.
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Muy contentos con el premio a Adelfa Calvo como mejor actriz de reparto en la gran El autorde Manolo Martín Cuenca.
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La gran triunfadora de la noche fue Carla Simón que se llevó dirección, guión y película por Verano 1993, que tuve la oportunidad de ver en el Festival de Málaga. No era mi primera elección. Yo prefería a El autor.
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Carla Simón es una joven muy simpática. Un rato que conversé con ella me dijo que no se cansaba de obtener premios. Me hice una foto con ella.
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Cuando terminó la ceremonia nos encontramos con Ignatius Farray, nominado y no premiado por la serie El fin de la comedia.
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No puedo evitar retratarme con Úrsula Corberó que no obtuvo premio por La casa de papel, aún así la vi muy contenta.
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Después nos dirigimos a la discoteca Duk (no estoy muy seguro de su nombre). Aparcamos lejos y dimos una caminata, pero no hacía frío. Un travestí muy simpático nos indica el camino.
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En la fiesta de la AICE nos colocan otra nueva pulsera y nos enteramos que las consumiciones cuestan 15 euracos. Desistimos de beber, pero me encuentro con David Martos de Canal Plus y miembro de la directiva de la asociación que ya había saludado al entrar a la Gala.
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Nos obsequia con unos vales para el bar.
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Cuando salimos nos encontramos con Rodrigo Sorogoyen que nos cuenta que estrena peli en Septiembre. Su corto Madre puede ser premiado en los Goya. Nos dice que nos vamos cuando él llega.
Otra de peli de diseño para entretener a un público que no quiere ver obras sesudas, que se conforma con pasar un rato en el cine con alguna risotada ocasional.
La peli da lo que promete.
Se nota que en la sala hay espectadores poco habituales. Uno responde a una llamada de teléfono como si estuviera en el salón de su casa. Otro sentado delante de mí mira el whatsapp con un tamaño de letra de cartel de carretera. Otros llegan tarde y se gritan entre ellos mientras se quitan la boina…
He mirado en internet y no me ha quedado claro si hay Champions Clerum, pero si de verdad existe tendría su gracia.
En esta peli el guión es de risa. Los personajes son de risa. El desarrollo es de risa. Todo es la traca.
Si dejas a un lado tu parte intelectual, si abandonas un cincuenta por ciento de tu masa encefálica puedes llegar a soportarla.
Los momentos absurdos y ridículos se suceden. Cumpliendo los requisitos anteriores puedes disfrutarla.
Yo me reí frecuentemente, a veces, por las situaciones cómicas que se nos ofrecen y otras por lo absurdo de la trama, con sensaciones descontroladas de vergüenza ajena.
En algún momento parece hacer una crítica a la Iglesia, pero el tono general es tan de comedia blanca que cualquier atisbo de maliciosidad queda diluido entre el buenismo reinante.
Karra Elejalde y El Langui están estupendos.
Macarena García está brillante, todo lo que hace lo convierte en oro. Capaz de dar credibilidad a lo imposible.
En España, y en casi todos los países, hay producciones cinematográficas destinadas al consumo de un público poco exigente que quiere llorar y reírse.
Dramedias prediseñadas con expectativas muy pequeñas. Con presupuestos reducidos, sin intenciones autorales.
Tal vez sus directores anhelen dar un pelotazo como 8 apellidos vascos, pero eso ocurre una vez cada 10 años.
Esta Thi Mai…oscila como un péndulo entre comedia y drama. Usando todos los recursos clásicos para conseguir sus modestos objetivos.
No voy a analizar el guión, ni las situaciones que se van presentando porque sería demoledor.
Solo doy mi opinión desde la impresión.
Me he divertido viendo este desaguisado.
Carmen Machi, Adriana Ozores y Aitana Sánchez-Gijón son actrices estupendas, capaces de hacer bueno cualquier papel por imposible que sea. Aquí están extraordinarias como siempre.
En cierta manera salvan la película.
Dani Rovira es actor de un solo personaje. Contrasta su actuación con las chicas. Está sencillamente penoso. Hace el ridículo y poco más.
Hay una vieja frase que han empleado los críticos de cine culturetas durante años: “no mata“.
Refiriéndose a una peli que no es buena (según su criterio), pero que se deja ver. Esto lo leí en su momento de El Padrino (¡qué imbécil de crítico!)
En el decálogo del crítico sincero hay un postulado que dice: “si te has reído, no digas que es mala“.
Esta peli búlgara nos muestra el contraste tremendo entre dos tipos de persona.
Por un lado un pobre trabajador, con un defecto físico, honrado y solitario.
Por otro una joven guapa, dinámica, manipuladora y triunfadora.
El primero es objeto de mofa por su tartamudez y tratado como un deshecho humano. Utilizado por políticos y periodistas. Lo que más le importa son sus conejos.
Ella es una tramposa, mala gente. (Podría hacer un chiste de mal gusto y fácil, diciendo que lo que más le importa es su conejo, pero no lo voy a hacer).
Los directores nos guían en una trama sencilla, presentando a los dos personajes.
Consiguen que el feo nos caiga bien y a la guapa la veamos como una harpía.
Se abusa de planos cortos y del uso del deleznable plano cogote, pero aún así la peli funciona.
Pocas veces en el cine y ninguna en televisión habíamos visto un retrato tan realista y veraz de un tipo de personas que podemos encontrarnos en la vida que llamaríamos (generosamente) metepatas.
Efectivamente se siente vergüenza ajena.
La serie se podría haber titulado “Patéticos“.
Durante los primeros episodios, son 10 de 25 minutos, lo pasaba mal viendo las meteduras de pata de este impresentable. Le decía a Elena que no lo podía soportar y casi abandono.
Luego adquirí un cierto distanciamiento que me permitió aguantarla.
Jesús, magníficamente interpretado por Javier Gutiérrez, reúne todos los requisitos para ser un gilipollas integral. Tiene el difícil sentido de la inoportunidad, pero además es mala persona. Lleno de prejuicios. Un tonto que se cree listo.
Nuria, a la que da vida Malena Alterio, se va contagiando de la estupidez de su pareja, pero ella tiene buen fondo, no como Jesús.
El último episodio parece que va haber una cierta redención, pero solo es un espejismo, una ilusión.
Javier y Malena demuestran, una vez más, lo buenos actores que son.
Una serie que me ha impactado, de la que me va costar recuperarme.
Mi puntuación: 7,15/10.
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Los directores Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero:
Se trata de una apuesta muy teatral, pero que muy.
Cinco actores encerrados en un loft de nivel.
El planteamiento es interesante.
Cuatro socios han defraudado a Hacienda y les van a caer 7 años de cárcel. Pero si uno se inculpa, los otros tres se librarán de ir a la trena.
Llaman a un negociador para que les ayude.
El desarrollo es brillante con diálogos sinceros y cercanos, desatándose las pasiones y los peores rencores y envidias entre los supuestos cuatro amigos.
Alex Brendemühl, Juana Acosta, Paco León, Juan Pablo Raba y Manuel Morón en estado de gracia.
Mientras una se dedica a ver como fue la crisis en las playas francesas, la otra nos la muestra desde los centros de poder inglés.
Todas las producciones británicas gozan de ese marchamo de calidad indiscutible.
La peli nos ensalza la labor que realizó Winston Churchill al principio de la Segunda Guerra Mundial con el fundado temor de una invasión alemana.
Sabe llegar a tocar la fibra patriótica del espectador, al menos en mi caso.
Durante los vibrantes discursos de Sir Winston me he sentido emocionadamente británico.
Llegando a verter un río de lágrimas durante las escenas en el metro londinense.
Todo el mundo habla de la interpretación de Gary Oldman. Me parece que efectivamente se trasmuta en el dignatario, pero de Gary solo encuentro los ojos, lo demás me impresiona que es maquillaje, muy perfecto, pero maquillaje.
Estamos viendo la serie de Netflix The Crown. De momento estamos en los primeros años de reinado de Isabel y aparece el personaje de Churchill interpretado por John Lithgow, que me parece que lo hace incluso mejor.
Si tuviera que elegir entre los dos me quedaría con el de la serie. Comparen.
Terrence Malick no es santo de mi devoción. Días del cielo es, tal vez, es su mejor peli, según mi opinión.
Ya sé que Malas Tierras es casi un clásico, una peli de culto, pero no me ha gustado.
Había cosas que me parecían familiares, pero no termino de aclararme si la había visto antes, es posible que no.
El retrato de la América profunda siempre me atrae, pero los dos personajes protagonistas me parecen unos tontacos.
Ni Kit, ni Holly me caen bien. Son dos ignorantes.
Kit es además un psicótapa imbécil que reúne todos los requisitos para el diagnóstico de su trastorno de la personalidad. Su narcisismo me saca de quicio.
Holly es una pusilánime que nos narra de manera machacona la versión propia de sus peripecias asesinas.
No puedo empatizar con ninguno de los dos.
Sirven como retrato de ellos mismos, pero no de una juventud o de una sociedad, como he leído por ahí.
A pesar de todo he soportado la película y me ha parecido interesante verla.
Sería mejor sin voz en off. Como ocurre siempre.
Es curioso como se ha glorificado a Malick, con una filmografía tan escasa y tan poco atractiva.
Mi puntuación: 4,13/10.
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Curiosidades:
Actor improvisado:
El actor originalmente elegido como el arquitecto que toca la puerta del hombre rico no se presentó, por lo que Terrence Malick interpretó el papel él mismo.
Malick más tarde quería volver a filmar la escena con otro actor, pero Martin Sheen se negó a volver a hacer la secuencia con otra persona.
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Los hijitos:
Charlie Sheen y Emilio Estevez (hijos de Martin Sheen) debutaron en el cine con esta peli.
Ambos juegan niños bajo una farola.
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Emparejamientos:
Sissy Spacek conoció a su futuro esposo, el director de arte Jack Fisk, en el set de esta película.
Han colaborado en ocho largometrajes.
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Charles Starkweather y Caril Fugate:
La trama y los personajes principales de la película se basan en Charles Starkweather y Caril Fugate.
En 1958, se embarcaron en una matanza de homicidios que horrorizó al país.
Charles Starkweather había sido ejecutado cuando la película comenzó a producirse, pero Caril Fugate todavía estaba viva y se enfrentaba a la libertad condicional.
Los cineastas cambiaron los nombres de los personajes principales para evitar una demanda.
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Un todo terreno: Terrence Malick fue director de la película, productor en jefe, guionista y editor no acreditado.
Él también tenía un cameo sin acreditar.
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Largo preámbulo:
Algunos carteles de películas para la película presentaban un largo preámbulo de texto que decía:
“Tenía 25 años. Se peinaba como James Dean. Era muy quisquilloso.
Las personas que lo ensuciaban lo molestaban.
Tenía 15 años. Tomaba lecciones de música y podía girar una batuta.
Ella no era muy popular en la escuela.
Por un tiempo vivieron juntos en una casa en el árbol.
En 1959, ella observó mientras él mataba a mucha gente “.
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Financiación:
El escritor-productor-director Terrence Malick ha dicho sobre recaudar fondos para esta película:
“Desarrollé una especie de kit de ventas con diapositivas y cintas de video de actores, todo con el objetivo de presentar a los inversores algo que pareciera estar listo para filmar. No le prestaron demasiada atención. Invirtieron en la fe”.
Con su hermano, Chris, Malick logró recaudar $ 300,000 para Malas tierras (1973).
El dinero adicional fue recaudado por el productor independiente Edward R. Pressman de amigos personales como el ex jefe de Xerox Max Palevsky”.
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La canción:
La canción compuesta por Carl Orff (“Gassenhauer”, a veces llamada “Street Song”, de Orff’s Musica Poetica) fue posteriormente adaptada por el compositor Hans Zimmer para la película de 1995 de Tony Scott “Amor a quemarropa” (escrita por Quentin Tarantino).
La película posterior tiene muchas otras similitudes y alusiones a “Badlands”.
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Edades:
Martin Sheen tenía 32 años cuando interpretó a Kit, de 25 años.
Sissy Spacek, que interpretó a Holly, de 15 años, tenía 22 años.
Originalmente se suponía que Kit tenía 19 años, pero su edad se cambió a 25 ya que Martin Sheen tenía 32.
Martin Sheen todavía cree que esta es su mejor película.
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Jeff Stafford:
Terrence Malick comenzó a escribir el guión cuando tenía 27 años, mientras viajaba en un viaje por carretera.
El artículo de Turner Classics Movies sobre esta película escrito por Jeff Stafford afirma:
“Malas tierras (1973) fue el debut en el largometraje de Malick.
Aunque anteriormente había trabajado como guionista (Los indeseables de 1972), decidió dirigir su propios guiones después de que Paramount hiciera un lío completo de su guión Deadhead Miles (1973), transformándolo en una película tan mala que ni siquiera podía ser exhibida.
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Sissy Spacek dijo más tarde que trabajar con Terrence Malick cambió completamente su actitud hacia la realización de películas.
Ella piensa que habría tenido una carrera muy diferente si ella y Malick no se hubieran cruzado.
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Largo rodaje:
Rodado durante un período de 16 semanas.
Sin embargo, esto significaba que había un cambio notable en las estaciones, por lo que el director de arte Jack Fisk se encontró pegando hojas a los árboles y pintándolas de verde.
Jack Fisk, el director de arte de la película, dijo de esta película en 1982:
“Lo que sea que veas en Malas tierras (1973) es el estilo de Terry Malick, no el mío.
Es muy fuerte visualmente.
Siempre estuvo dispuesto, ansioso por cambiar las cosas.
Vería algo en el patio y diría: “Vamos a poner eso en el dormitorio”.
Eso es algo que aprendí de él: espontaneidad”.
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La película fue un éxito crítico, pero un fracaso comercial en la taquilla en su estreno cinematográfico.
La película fue la Película de clausura del 11° Festival de cine de Nueva York en 1973.
El presupuesto original de la película era de $ 300,000.
Créditos de cierre: “esta película es ficticia y no pretende representar eventos reales o personas, vivas o muertas”.
Una interesante mezcla de géneros: drama rural, western, thriller, comedia negra (negrísima) y América Profunda.
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Una madre desesperada que va a ser capaz de todo por dar algún sentido a su vida.
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Un sheriff buena persona, en sus últimos días. Descomunal Woody Harrelson.
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Un poli con cierto retraso, pero que termina convirtiéndose (o intentándolo al menos) en un un ángel vengador. De óscar Sam Rockwell.
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Una galería de personajes arrebatadores.
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Con el decorado de fondo de esa América profunda de puebluchos con gente miserable económica y moralmente (white trash), eso que ahora está de moda llamar la USA de Trump.
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¡Cómo me gustan estos paisajes y paisanajes!
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La peli te va llevando por senderos insospechados, no hay nada previsible. El guión no deja de sorprenderte.
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Un film fascinante con el que te sientes herido, derrotado como su protagonista una Frances McDormand colosal.
El experto en series exitosas Aaron Sorkin se atreve, en su debut, con una peli biográfica.
Molly Bloom es una chica que ha recibido una estricta educación por parte de su padre. Le han enseñado que está destinada para triunfar.
Tiene que competir con sus hermanos medallistas olímpicos.
Decide meterse en un ambiente donde va a poder ganar mucho dinero, pero es un mundo hostil.
Tal vez, cualquier sector es hostil para una mujer triunfadora, pero el de las timbas de póquer más.
Encuentra machismo y violencia.
Termina encausada por el F.B.I.
Pero Molly es una buena chica, con dignidad, con ética y nunca consentirá que sufran otras personas por sus declaraciones aunque aquello sea su perdición.
La Bloom lo tiene todo: inteligencia, belleza, astucia y… dignidad.
Como veis el personaje es un bombón y además interpretado por una diosa de la escena como Jessica Chastain poco más hay que agregar.
Solo por contemplarla merece verse esta película.
La presencia que me ha resultado penosa es la del veterano (fracasado?) Kevin Costner por el personaje que interpreta y por su actuación, terriblemente mala.
Sorkin emplea un estilo narrativo vigoroso, electrizante, con constantes flash-backs, pero peca de reiterativo al emplear una voz en off innecesaria.
A la peli no la pongo por las nubes pero a Jessica la coloco en el cielo.
