En los estudios de EsRadio Guadalajara, Mónica Gallo, Diego Gismero y un servidor hemos comentado algunos de las películas que se pueden ver en los Multicines Guadalajara.
Hemos vuelto a compartir micrófonos y estudio Mónica Gallo, Diego Gismero y un servidor, en los estudios de EsRadio Guadalajara, para repasar el Palmarés y la Ceremonia de Clausura del FESCIGU en su décimo sexta edición.
.
Además hemos recomendado un par de pelis de la cartelera de los Multicines Guadalajara.
Esta semana en los estudios de EsRadio Guadalajara hemos hablado de los estrenos de las semana con dos grandes de la información alcarreña, con Mónica Gallo y Diego Gismero.
Esta semana con Mónica Gallo y Diego Gismero en los estudio de EsRadio Guadalajara hemos visitado el Cine Club Alcarreño, el Taller de Cine de Azuqueca de Henares (donde hemos saludado a Godard) y hemos terminado encontrándonos con El corredor del laberinto con tirón muscular y dolor abdominal.
.
.
Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
.
Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
.
Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
.
Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
Esta semana EsRadio Guadalajara ha contado para hacer su programa de cine semanal con Mónica Gallo, Diego Gismero y desde Sevilla, un servidor, Ramón Bernadó.
.
Hemos comentado especialmente estas películas que han sido presentadas en el Festival de Cine Europeo de Sevilla:
Esta semana hemos hablado en EsRadio Guadalajara y en Alcarria TV, junto con Mónica Gallo y Diego Gismero, de diferentes aspectos de la actualidad cinematográfica:
Tengo una cualidad especial de olvidar las pelis que no me gustan.
De la que más recuerdo es de la primera (El caso Bourne de 2002).
Paul Greengrass tiene una manera de rodar que me pone muy nervioso.
No para de mover la cámara. Con planos de pocos segundos.
Además el uso de la música, estridente y machacona, colabora a alterar mi sistema nervioso central.
De hecho al principio me sentí un poco mareado.
Dirige un thriller “trepidante”, con una narración confusa.
Matt Damon representa al americano sano y bien nutrido. Ha sido el soldado Ryan, no lo olvidemos.
Es el heredero generacional de Tom Hanks.
Se le identifica como el bueno inmediatamente.
Vincent Cassel se sabe que es el malo a las primeras, además siendo francés.
La peli se desarrolla como mandan los cánones de este tipo de pelis.
Chica guapa (maravillosa Alicia Vikander), malos poderosos, persecuciones de coche que hacen las delicias de los chatarreros, tecnología avanzada, protagonista marcado por su pasado…
.
.
.
La peli se desarrolla en Islandia, Atenas, Londres y Las Vegas, por este orden.
Pero ha sido rodada en La ciudad de los Casinos y en Tenerife que ha servido de escenario para Atenas y Londres, sorprendentemente.
Jason Bourne no deja de ser la misma película que hemos visto mil veces y veremos mil veces más.
Cine de acción con todos sus ingredientes habituales y poco más que decir.
Sin alma, sin interés, sin novedad.
A pesar de su cámara mareante y de su música irritante con un envoltorio que puede llamar la atención, no deja de tener un contenido vacío de toda originalidad.
“La idea de una película sobre las herejías de la religión cristiana se remontaba a la lectura, poco después de mi llegada a México, de la enciclopédica obra de Menéndez y Pelayo “Historia de los Heterodoxos españoles”.
Esta lectura me enseñó muchas cosas que yo ignoraba, en particular sobre los martirios de los herejes, convencidos de su verdad tanto, si no más, que los cristianos.
Esta posesión de la verdad y la extravagancia de ciertas invenciones es lo que siempre me ha fascinado en el comportamiento del hereje…
Todo lo que se ve y se oye en la película descansa sobre documentos auténticos”.
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
“Me interesaron las herejías como me interesan las inconformidades del espíritu humano, sea en religión, en cultura o en política.
Un grupo crea una doctrina y a ella se adhieren miles y miles de individuos.
Luego, comienzan a surgir los disidentes que creen en todo lo que predica la religión, menos en un punto o en varios.
Son castigados, echados del grupo, se les persigue, y aparecen enfrentamientos sectarios, en los que se odia más al discrepante que al enemigo declarado…
Leí libros de teología y de historia eclesiástica.”
(Tomás Pérez Turrent y José de la Colina: Buñuel por Buñuel. Pág.:149)
“A mis ojos, La vía láctea no estaba a favor ni en contra de nada.
Aparte las situaciones y las disputas doctrinarias auténticas que la película mostraba, me parecía ser, ante todo, un paseo por el fanatismo en que cada uno se aferraba con fuerza e intransigencia a su parcela de verdad, dispuesto a matar o morir por ella.
Me parecía también que el camino recorrido por los dos peregrinos podía aplicarse a toda ideología política o, incluso, artística”
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
Después del estreno de Bella de día (Belle de jour), Buñuel le propuso a Carriére hacer una peli sobre herejías.
Se reunieron en el Parador de Cazorla y en tres semanas terminaron el primer guión.
Pensó que eso no le iba a interesar a nadie, pero a Silverman, el productor, le pareció atractivo el guión.
En México durante unas semanas más terminó el guión.
Después regresó a París y se lo presentó al productor.
El tema de las herejías dentro de la Iglesia Católica es un tema que siempre había atraído a Buñuel.
Después del estreno de la película de Godard La chinoise(1967), Buñuel le dijo que era el momento de hacer una película sobre herejías.
Esta peli hablaba sobre unos estudiantes seducidos por el maoísmo.
Buñuel se documentó profundamente y eligió herejías que van del siglo IV al siglo IX.
Todo lo que se dice o aparece en la peli es rigurosamente cierto.
Buñuel afirmaba que no le tenía ningún respeto a Cristo, en cambio tenía la máxima consideración hacia la Virgen María.
Comienza el rodaje el 26 de agosto de 1968 en los estudios Billancourt, pero se vio interrumpido por los sucesos de Mayo del 68 en París.
Se finalizó por fin en octubre.
Estreno en París el 15 de marzo de 1969.
En España se proyectó en marzo de 1977.
En la película se tratan de seis herejías.
Tres grandes: la del misterio de la eucaristía (la transubstanciación), la de la doble naturaleza de Cristo y la de la Trinidad.
Las tres menores son la de la aparición del mal (maniqueísmo), la de la libertad de la gracia y la que engloba todos los misterios de María.
Los dos mendigos son hilo conductor de las diferentes historietas.
Realizan un viaje de París a Santiago de Compostela, con fines poco definidos, raramente son catalogados de peregrinos.
Son dos pícaros, su vida prosaica, ocupada en el día a día, contrasta con las discusiones religiosas que se van insertando.
El viaje que realizan es también temporal, hay continuos cambios de época que se insertan con naturalidad absoluta.
La figura de Cristo es presentada de manera clásica con barbas y túnicas adecuadas, tal vez, el menos erudito de todos los personajes.
Todo el relato está impregnado de humor y de ironía, pero no resulta en ningún momento burlesco.
La comicidad surge del contraste de las situaciones. Diálogos profundos sobre dogmas en situaciones poco congruentes. Como los camareros hablando de la fe y la existencia de Dios, mientras preparan las mesas para la comida.
Sorprendente que con un tema tan poco comercial encontrara productor y distribuidor.
Esta peli, junto con La pasión de Cristo según San Mateo de Pier Paolo Passolini enlaza con la tradición erudita del ateísmo marxista.
“Si para el ateo Pasolini la vuelta al mensaje evangélico y al ejemplo de Cristo representa la única salvación posible para una Iglesia alejada del pueblo.
Para el ateo Buñuel nada es posible y nadie es inocente: la comunicación con el mundo católico ya ha sido dinamitada y al hombre no le queda más que anteponer, al monólogo con lo divino, el diálogo con lo humano”.
El rodaje comenzó el 4 de febrero de 1974 en los Studios Boulogne-Billancourt, y terminó a mediados de abril.
Buñuel improvisó más de lo habitual en el rodaje.
Jean-Claude Carrière colaboró, como era habitual, en el guión.
Según afirmó, durante el rodaje, el guión se llenó de tachaduras agregados y flechas que cambiaban el orden de las escenas.
El episodio inicial está inspirado en la leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, El beso.
El resto es totalmente inventado.
La película, junto con La vía láctea y El discreto encanto de la burguesía forman una especie de tríptico, como muy bien reconoció el propio realizador.
El fantasma de la libertad es una película que desde el principio despertó entre la crítica una clara distinción entre los que la veían como un divertimento del realizador, en el que se mezclaban temas ya vistos anteriormente y otros que mantenía en el cajón desde hacía tiempo y los que la consideraban un paso más de Buñuel en la liberación del relato de sus anclajes tradicionales.
El filme está formado por ocho “secuencias” o episodios, que podrían haberse mezclado de cualquier manera.
La única conexión que hay entre ellos es un personaje que pasa de uno al otro, aunque en el episodio del asesino-poeta se valió de un figurante y en el inicial de una voz en off.
Para mí es una de las mejores pelis de Buñuel.
Recuerdo perfectamente cuando la vi en su estreno.
Me impactó.
Me quedé traspuesto.
Días después acudí de nuevo a verla.
Un amigo la descalificaba despiadadamente:
– Como puedes ir otra vez a ver ese bodrio.
(¡Qué ojo para el cine!)
Aquí demuestra Buñuel que es un genio.
Hace algo que no se había hecho y que no se ha vuelto hacer.
Transgrede todas las normas narrativas y presenta el absurdo con una naturalidad pasmosa que nos hace verlo normal.
Sus historias no terminan, nos las presenta para que nosotros, si queremos, pensemos en su resolución.
Nos ofrece una cosa y su contraria aceptadas como normales.
La hermana está y no está fallecida.
La niña está desaparecida y presente al mismo tiempo.
La tía es vieja y joven a la vez.
Transgrede los convencionalismos y nos presenta personajes que ejecutan acciones no aceptadas socialmente.
Hay mucho humor en sus relatos, pero sobre todo, hay sorpresa del espectador que no puede ni imaginar porque senderos le va a llevar el director.
En 1979, además de estudiante, los veranos y fines de semana ejercía de camarero.
Dos compañeros de barra, José Antonio y Alberto, dos muchachos estupendos, me recomendaron esta peli.
Hablaban de ella con entusiasmo.
Fui a verla de inmediato.
Yo, entonces, ejercía de cultureta, y tal vez por ello, me pareció mala.
Solo fui capaz de ver un producto medianamente comercial, que entretenía y poco más.
Pero los años les han otorgado la razón a mis dos colegas y me la han quitado a mí, que me las daba de listo, y han convertido esta producción en una peli de culto.
Volverla a ver, 37 años después, ha sido un placer.
Hill no se entretiene en presentar a los personajes.
Tan apenas nos muestra su rostro.
Para que vayamos conociéndolos a través de sus peripecias durante esa noche de huida hacia el refugio del hogar.
La peli tiene un carácter realista y onírico a la vez.
Las calles de Nueva York son el peligro, donde la emboscada puede estar oculta en cualquier esquina.
Las bandas callejeras, todas bastante cutres, están retratadas con realismo y conforman como entes superiores que trascienden a los individuos.
Especialmente triste la pandilla de Los Huérfanos que van los que peor conjuntados, con una triste camiseta sucia y descolorida.
Magnífico el Metro, repleto de pintadas.
En unos años donde no había móviles, el mejor medio de comunicación era una emisora de radio. Tras el micrófono una voz aterciopelada de la que solo vemos sus labios.
Las interpretaciones son bastante penosas, muchas sobreactuaciones.
Los diálogos tampoco acompañan. Simples y ridículos. Solo alguna frase sobresale.
Como cuando Swan le dice a Mercy (más o menos), al final de la peli:
– Quiero salir de este barrio. Escapar.
Y ella le contesta:
– Siempre me gustó viajar.
.
.
.
.
Tampoco las peleas son perfectas. Pero al menos funcionan.
Reconozco que me ha gustado volverla a ver.
La recordaba bastante bien.
En general, las pelis que no me gustan las olvido con gran rapidez.
Pero sobre todo, me ha permitido rememorar a dos amigos de juventud, a los que perdí la pista hace muchos años.
Curiosidades y anécdotas:
Ejércitos de la noche:
El cartel original contó con las palabras:
“Estos son los ejércitos de la noche. Son 100.000.
Ellos superan en número a los policías cinco a uno.
Ellos podrían apoderarse de la ciudad de Nueva York”
Esto molestó e indignó a mucha gente.
Algunos intentaron prohibir la película.
Ronald Reagan:
El presidente Ronald Reagan era un fan de la película, incluso llamó actor principal de la película, Michael Beck, para decirle que se había proyectado en Camp David y la había disfrutado.
.
.
.
Los Mestizos:
Los camiones de la película fueron “protegidos” por una banda real de los llamados Mestizos por 500 dólares al día.
Amenazas:
Miembros del equipo recibieron amenazas de muerte debido a que algunas bandas se habían sentido ofendidas al no ser presentadas en la peli.
Miles de dólares se perdieron por equipos dañados por una banda en una pausa para comer.
Malas críticas:
En su estreno fue número uno en taquilla, a pesar de las críticas negativas que obtuvo.
Incluso la productora pensó en retirarla, pero el boca a boca funcionó muy bien y la convirtió en un éxito.
Su coste fue de unos 6 millones de dólares.
Obtuvo en taquilla en los USA más de 22 millones.
Con el tiempo se ha convertido en una peli de culto.
La Banda de Béisbol:
Los Furias del béisbol fueron creados debido al amor de Walter Hill a este deporte.
.
.
.
Robert de Niro:
Robert de Niro fue invitado para ser su protagonista, pero rechazó la oferta.
.
.
.
Ajax:
James Remar obtuvo su papel como Ajax después de la prueba que le hicieron.
Le explicaron la escena del parque cuando es esposado al banco.
Le dijeron que se imaginara que la mesa donde se encontraba el director y los productores y algún técnico era el banco.
Se entregó tanto en la escena que movió la gran mesa.
.
.
.
¿Los Warriors negros?:
Walter Hill originalmente quería que los Warriors fuera una banda de color negro.
Los productores no estaban de acuerdo.
Distopía futurista:
También quería una inicial del subtítulo que decía:
“En algún momento en el futuro”.
Pero Paramount pensó que sonaba demasiado parecido a La guerra de las Galaxias (1977).
Fractura de muñeca:
Mercy se rompió la muñeca en una caída en las vías del metro.
Por eso aparece con una chaqueta que dice que ha robado, para tapar la escayola.
.
.
.
La tormenta:
El director de fotografía Andrew Laszlo quería calles mojadas.
Por ello hay una tormenta al principio de la persecución.
Los efectos visuales quedan mejor con las calzadas mojadas.
.
.
.
Pandillero desaparecido:
Según el productor ejecutivo Frank Marshall, originalmente contrató a un miembro de una banda real para el papel de Cyrus, pero no lo pudieron encontrar al día siguiente y nunca se supo más de él.
Sigue sin saberse que fue de él.
.
.
.
Orson Welles:
Se planeó una narración de apertura, con la voz de Orson Welles.
Está incluido en DVD en la versión del director, junto con las transiciones de cómic.
.
.
.
Las pandillas del Bronx:
Con el fin de conseguir la película antes que su rival de película de bandas, Las pandillas del Bronx (1979), la postproducción de esta peli se hizo con tres equipos de edición, en tres habitaciones, que trabajaron día y noche para terminarla.
Los amos de la noche se estrenó en febrero de 1979.
Las pandillas del Bronx en julio de ese mismo año.
.
.
.
El polo:
La frase de Ajax:
“Te voy a meter el bate por el culo y te convertiré en un polo”
Ocupa el puesto 12 en el Top 50 de Frases de tipo duro.
Sin líder:
La película utiliza una trama común a algunas de las películas escritas y/o dirigidas por Walter Hill.
Donde el líder de un grupo es eliminado en el primer acto, por lo que el liderazgo y la seguridad del equipo quedan pendientes.
De noche:
Casi toda la peli se desarrolla de noche.
Solo al final se ve el amanecer.
Se rodó una escena inicial en Coney Island, de día, en la que los pandilleros se despedían de sus novias, pero fue suprimida para que toda la peli fuera nocturna.
Estas escenas aparecen en la Edición Ultimate en DVD.
.
.
.
West Side Story:
West Side Story (1961 – Robert Wise, Jerome Robbins) se puede considerar el antecedente musical de peli de bandas callejeras.
.
.
.
Espectadores de rodaje:
Siempre había una multitud de espectadores durante el rodaje, incluso a las tres de la madrugada con un frío intenso por debajo de cero grados.
La Anábasis:
Basado libremente en la “Anábasis” de Jenofonte.
Cuenta la historia de un ejército de mercenarios griegos que, después de alinearse con Ciro el Joven en la batalla de Cunaxa (401 aC) en su intento de apoderarse del trono persa, se encontraron aislados tras las líneas enemigas persas.
.
.
.
Sully:
Paul Greco es el actor que interpreta al líder de los Huérfanos.
En la peli no se le pone nombre.
Por ello se han referido siempre a él como El Huérfano.
Su nombre en la peli era Sully que se descubre en el videojuego.
.
.
.
Cleón:
Aunque no se aclara plenamente en la película, Cleón murió.
.
.
.
Mercy:
Debut en el cine de la actriz Deborah Van Valkenburgh.
Hill contó con ella para Calles de Fuego de 1984.
.
.
.
Rodaje nocturno:
La película se rodó en 60 días.
Siempre de noche de la medianoche a las 6 de la mañana.
Extras:
1.000 extras se utilizaron en la gran reunión, muchos procedentes de Riverside Drive Park.
.
.
.
El cartel:
Después de varios incidentes violentos que se produjeron en varias proyecciones de la película, los productores decidieron cambiar el cartel como una forma de intentar reducir la violencia.
El cartel original incluía el logotipo, así como una imagen de varios miembros de la banda.
El segundo cartel solo contó con el logo sobre un fondo blanco.
.
.
.
.
Videojuego:
Un juego de PS2 basado en la película por Rockstar Games fue lanzado en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2005.
¿Samuel L. Jackson?
Hay un rumor de que uno de los miembros de la banda es interpretado por un joven Samuel L. Jackson.
.
.
.
Cuero malo:
Los chalecos de los Warriors estaban hechos de cuero falso.
Debra Winger:
Cerca del final de la película, en el metro de vuelta a Coney Island, dos parejas suben al metro.
Uno de los pasajeros es interpretado por una joven Debra Winger en uno de sus primeros papeles.
.
.
.
Tres costillas:
Michael Beck (Swan) rompió accidentalmente tres costillas a un doble de acción durante el rodaje.
El propio Beck no tenía conocimiento de esto hasta que se encontró con el mismo especialista en un evento de ‘Warriors’ 37 años después.
.
.
.
Retraso:
Toda la película fue rodada en las calles de la ciudad de Nueva York con algunas escenas de interiores, hecho en Astoria Studios.
Se rodó siempre de noche.
La realización de la peli llevó desde el principio retraso.
Giuseppe Tornatore va haciendo, desde la década de los ochenta, una peli cada dos o tres años.
Tiene sesenta años. Aún le queda carrete.
Su anterior peli La mejor oferta fue estupenda. Además acudí a verla con mi madre. No puedo evitar emocionarme.
Pero aquí la ha cagado.
La historia de un viejales, que está profundamente colado de una jovencita a la que saca más de treinta años, a la que pretende seguir enamorando después de su muerte, es un empalago.
No puedo evitar que el personaje que interpreta Jeremy Irons me caiga fatal.
Abandona a su familia por una relación ocasional y en la lejanía con una maravillosa Olga Kurylenko.
Pretende atrapar sentimentalmente a su amante de manera póstuma a base de mensajitos y vídeos programados, en una especie de tortura/chantaje emocional.
Además sus misivas son tan empalagosas y ñoñas que resultan repelentes.
Hay un cierto tufillo a viejo verde que esconde su perversión tras la cortina del amor sentido profundamente.
El director se empeña en explicarnos, innecesariamente, como le van llegando los mensajes.
Además la peli es aburrida.
Sus 116 minutos resultan soporíferos.
Lo peor es que no puedes desear la muerte del protagonista, para que acabe esa tortura, porque ya está difunto.
Querido Giuseppe, esperemos que en tu próxima peli estés más acertado.
He visto muchas versiones del personaje de Tarzán, unas cuarenta calculo a ojo de buen cubero.
Mi infancia se rellenó con las proyecciones del Tarzán de Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan, las tardes de los sábados.
En cada peli Jane salía con más ropa, moría un porteador negro, Tarzán vencía a un cocodrilo, los blancos eran malos y se terminada con la aplastante ayuda de los elefantes.
.
.
.
Luego vino la de Disney en 1999 con canciones que Phil Collins cantaba en cada idioma. La recuerdo con agrado.
El resto de Tarzanes los he olvidado.
El británico David Yates nos introduce una trama geopolítica.
Los belgas colonizan y depredan el Congo de la mano del malvado Christoph Waltz, que interpreta un personaje copia del de Malditos bastarnos de Tarantino.
Es un malo de cómic.
Por otro lado Alexander Skarsgård es un Tarzán que aporta un físico estupendo (esto ha sonado un poco gay), pero con unas cualidades interpretativas muy escasitas.
Jane es ejecutada por la poderosa Margot Robbie, a la que le podía haber sacado más partido.
Es curioso como en los años treinta del siglo pasado esta pareja selvática iban en taparrabos y en el siglo XXI van muy tapaditos.
Comparad.
.
.
.
.
.
Hay una inclinación actual de exagerar las capacidades de los héroes con una tendencia a convertirlos en super-héroes con poderes sobrenaturales.
.
De hecho este Tarzán sueco termina salvando al Congo del opresor colonialista, transformando la cruel realidad histórica.
.
Tal vez porque esperaba nada, lo poco que me ha ofrecido me ha parecido bien.
Acudo al pase de prensa a Madrid de este documental.
No sabía que durara 188 minutos.
Tal vez por ello se hizo muy largo.
Yann Arthus-Bertrand es un renombrado y conocido fotógrafo francés.
Su especialidad era la fotografía de animales, especialmente después de haber estado en Kenia en la reserva Masai Mara, región del Serengueti.
Más tarde cambió a la fotografía aérea.
Ha publicado más de 60 libros con sus fotografías tomadas desde helicópteros y globos aerostáticos en todas partes del mundo.
La revista National Geographic ha publicado muchas veces sus obras, que han sido exhibidas en varios países.
Arthus-Bertrand es miembro de la “Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France”.
La peli se compone de primeros planos fijos de diferentes personas, todos con la misma composición.
Se intercalan tomas aéreas de paisajes rurales y (menos) urbanos, de una belleza plástica apabullante.
Los individuos comentan sobre cuestiones de la vida.
Sobre el sufrimiento, la guerra, la pobreza, la felicidad, las relaciones personales, los celos, la homosexualidad, el amor, la familia… y el sentido de la vida.
Son personas de razas, culturas y ambientes muy diferentes que componen un mosaico que tal vez consiga abarcar a la humanidad.
Estos testimonios, a veces son divertidos, a veces intrascendentes, y otras te llegan al corazón.
Yo que soy de lágrima fácil, me emocioné en más de una ocasión.
Si alguien quiere verla os pongo abajo del todo la versión libre de derechos de 83 minutos.
Birgitte Nyborg (Sidse Babett Knudsen) regresa a la política danesa después de un tiempo en la actividad privada.
Al no ser elegida presidenta de su partido, funda uno nuevo (Los nuevos demócratas) para tener el máximo protagonismo.
Se relata los avatares en la formación de una nueva estructura política.
Sigue desarrollándose en tres ámbitos: el político, el familiar y el periodístico.
Los primeros episodios son bastante malos y dan ganas de abandonar la serie, pero a mitad de temporada cobra más vigor.
Se tratan temas interesantes que ayudan a soportar la trama central.
Se habla del maltrato animal, de la prostitución, de la enfermedad y de las maneras de enfrentarse a ellas, del adultero, del acoso laboral, del amarillismo en la prensa, de las traiciones políticas, de la ambición por el poder…
Un directivo joven y tontoelculo pretende cambiar los informativos de la TV1 danesa, en una especie de circo, estilo Sálvame de Luxe, todo para ganar audiencias.
Somete a Torben Friis (interpretado por Søren Malling), director de informativos, a un despiadado acoso.
Asistimos al derrumbe personal y laboral de este personaje en una subtrama que es muy interesante.
En el último episodio me quedo perplejo al observar como funciona la política danesa.
En la misma noche de las elecciones se realizan contactos entre los partidos para formar un nuevo gobierno. Dinamarca amanece con un recién elegido primer ministro.
¡Qué diferente es este país nuestro!
Tal vez, la temporada más floja.
Estaba deseando que acabara para ver la sexta temporada de Juego de tronos.
Buñuel ya intentó rodar la adaptación de la novela de Pierre Louÿs La mujer y el pelele en Francia, en 1957.
Pero al productor no le gustó el proyecto presentado por Buñuel:
– “Yo le había pedido una adaptación de la novela de Pierre Louÿs, y él me trajo algo que era Buñuel de pies a cabeza”.
Tampoco coincidían en los protagonistas.
Buñuel había pensado en Vittorio de Sica y quizá Jeanne Moreau, pero el productor estaba empeñado en que fuesen Cary Grant y Brigitte Bardot.
.
.
.
Colaboró en guión Jean-Claude Carrière, como ya era habitual.
.
.
.
Buñuel después de El fantasma de la libertad no tenía muchas ganas de volver a rodar, pero el proyecto le resultaba atractivo y el productor Serge Silberman le ofrecía todas las facilidades.
.
.
.
Al poco de empezar el rodaje surge el gran problema:
Buñuel no está satisfecho con la actuación de la actriz elegida, la parisina María Schneider.
.
.
.
El director estaba fascinado con la actriz desde El último tango en París. Tal vez más con la idea que con la persona.
Detiene el rodaje y expone el problema al productor Serge Silberman.
Amenaza con abandonarlo todo y volver a Méjico.
El azar, algo tan querido por Buñuel, hizo que al final la película fuera interpretada por dos actrices, Ángela Molina y Carole Bouquet:
– “Fue por necesidad. Yo había pensado que María Schneider estaría bien en el papel…pero… teníamos que repetir una toma tras otra…
Finalmente tuve que decirle a Silberman: Me he equivocado con esa chica…
No encontrábamos la solución…
Entonces se me ocurrió decir:
“Podríamos emplear a dos actrices…”
A Silberman le pareció magnífico.
.
.
.
Hay que puntualizar que en la versión original francesa de la película las dos actrices fueron dobladas por la misma persona, aunque con tono diferente.
Las dos actrices fueron propuestas por los colaboradores de Buñuel.
Carole Bouquet por el productor.
.
.
.
Ángela Molina por su ayudante de dirección.
.
.
.
Las dos ensayaron su papel.
Concretamente la escena de la verja.
La interpretaron con el propio Fernando Rey, que era indiscutible para Don Luis.
Buñuel desde lejos contempló las interpretaciones y quedó satisfecho.
Al parecer ya conocía a Ángela Molina.
La visitó en maquillaje después de la prueba y le pidió que quitara la bata.
Se puso las gafas y la examinó como si fuera una estatua. Según afirmaciones de la propia actriz.
Ya había dos Conchitas.
.
.
.
.
.
Las relaciones de las dos actrices con el viejo director fueron excelentes.
La asignación de las escenas a cada una, según Buñuel, fueron aleatorias y compensadas.
Las dos participan en el mismo número de escenas.
Las dos actrices intentan ejecutar el mismo personaje.
Pero el resultado final de cada una es muy diferente.
La fracesa más fría, más casta.
La española más sensual, más racial. Es la que baila y la que aparece más insinuante.
La idea central de la peli es que la insatisfacción sostiene el deseo.
Se establece una relación entre un viejo, Mateo, y una jovencita.
Es la repetición de la idea representada en Tristana y Viridiana.
Pero en esta relación enfermiza hay un componente sado-maso no explícito, pero muy interesante.
Mateo se ve estimulado por el deseo y también por el rechazo.
Pero cuando se sale de sus casillas y abofetea a Conchita, ella ve satisfechos sus deseos masoquistas y eso hace que lo desee más aún.
Porque la mujer ejerce de manipuladora, de perversa.
Pero no hay que olvidar que es el relato subjetivo del protagonista masculino, Don Mateo, que da una versión personal de la realidad.
El asistente de Don Mateo afirma que un amigo define a las mujeres como un saco de excrementos.
¿Es ese el saco que se pasea por la película?.
Hay una visión machista del relato, el que da Don Mateo.
A diferencia de El discreto encanto de la burguesía, las escenas en esta peli tienen planteamiento, nudo y desenlace. Funcionan como pequeños cortos.
No he conseguido datos que expliquen ese cochinillo tratado como un bebé por la gitana en el Patio de los Naranjos de la Catedral de Sevilla. Pero a mí no deja de asombrarme.
Otra vez Buñuel nos presenta elementos surrealistas con toda naturalidad, sin énfasis, con una normalidad pasmosa.
Al director le preocupaba el tema del terrorismo y aparece como fondo y como parte importante de la narración, de una manera desconcertante.
Yo me quedo mil veces con la Conchita ejecutada por Ángela Molina.
He de reconocer que cuando la vi, me enamoré de ella.
Durante unos días fue mi oscuro objeto del deseo.
Esta es la última peli de Buñuel.
Su genio creativo, su originalidad no decayó con los años, sino muy al contrario.
Esta peli es la típica de manual con el que Hollywood llena nuestras carteleras y nuestras tardes de domingo en la pequeña pantalla.
El mayor atractivo es la presencia de Anthony Hopkins, pero no nos engañemos, su entusiasmo en lo que hace es cero.
Se le ve aburrido, desganado.
Tal vez cuando cobró se sintió feliz, con esa estúpida satisfacción que da tener una cifra más alta en la cuenta corriente.
Pero dentro de su interior, debe de sentir una profunda decepción consigo mismo.
Primero porque no demuestra ser un buen profesional, ejecutando un personaje en el que no cree.
Y segundo interviniendo en una peli con un guión y una dirección rutinaria.
Se supone que estamos ante un thriller paranormal trepidante, con visiones chulas, persecuciones en coches, agentes de FBI torturadas por su pasado, dramas familiares…
Todo convencional y sin convicción.
Cuando a un protagonista lo hieren, me da igual.
Cuando descubro su pasado tormentoso me da igual.
Que esté divorciado por el fallecimiento de su hijita, lo único que pienso: eso ya lo hemos visto.
Rutinario en el argumento y en la presentación.
Pretenciosa, intentando plantear cuestiones de fondo moral.
Es una peli fraude que no da nada de lo que promete.
Tal vez sea un iluso.
Por un momento pensé que Hopkins solo hacía buenas pelis y buenas actuaciones.
¿Alguna novia rubia te abandonó por otro más guapo?
¿Te hizo la cobra y rompió tu corazón?
¿Estabas enamorado como un colegial y no te hacía ni el menor caso?
Está claro que tu venganza ha sido cruel, aunque posiblemente merecida.
Te pasas más de una hora torturando a esta chiquilla.
La muerdes, la asustas, la haces pasar frío, calor, deshidratación.
Pero eres generoso (en el fondo), al final la perdonas.
Es lo que tiene ser blando de corazón.
Por cierto, hay un fallo de guión incomprensible.
Los dos amigos abandonan a la muchacha y la dejan tomando un baño.
Blake Lively está como un queso y además es muy simpática.
.
.
.
La única explicación que estén liados y sean gays.
Lo acabo de pillar. Era eso.
Ni tú, ni yo la hubiéramos dejado sola.
Con chicas tan guapas no debe de haber prisa.
Tu homenaje a la peli de Spielberg me parece estupendo.
Es una muestra de respeto y admiración desde la modestia.
Porque consigues hacer una peli muy entretenida con dos elementos básicos: una rubia y un tiburón.
Me gusta que al escualo no lo muestres entero hasta el final de la peli.
Su sombra, simplemente su sombra, da mucho más miedo.
A ti, a la protagonista y a mis lectores les quiero aclarar que los torniquetes son medidas provisionales que solo son eficaces en las hemorragias arteriales.
En estas hemorragias la sangre se pierde a pulsos, de manera intermitente. Son muy graves y peligrosas.
El torniquete se debe de aflojar cada diez minutos, sino puede producirse necrosis de los tejidos.
Insisto es una medida provisional que solo debe durar un ratillo.
Ya sé que aquí esta estudiante de medicina de ultimo año hace lo que puede.
Has elegido muy bien a la protagonista (Blake Lively) porque incluso sangrando y herida está guapa.
.
.
.
No me importa que hagas cine comercial, porque yo le encuentro, aunque sea recóndito, un sello autoral, que espero que mantengas y aumentes.
Confío que hayas superado tu problema con las rubias.
No sé si has terminado saliendo con Blake. Ojalá.
A mí no me importaría tenerla de nuera.
Si vienes por España y te acercas con ella estaría bien haceros una entrevista.
Mi hijo va de cámara y traductor, y ¿quién sabe? tal vez coordinen.
Todo ello en el supuesto que no tengas interés en ella, por supuesto.
Te doy la enhorabuena por tu peli.
Creo que es la mejor.
Espero que sigas superándote.
Un abrazo.
PD:
Me olvidaba que mi amiga Patricia la vio y le gustó (concretamente “entretenida“).
Dramedia romántica con tetrapléjico muy rico y chica pobre con indumentaria de dudoso gusto.
Hay actores y actrices que lo son de una sola peli.
Esperemos que esto no le pase a Emilia Clarke.
Como Daenerys Targaryen es maravillosa.
.
.
.
Como Lou Clark es insufrible.
.
.
.
Realiza unos movimientos de cejas asombrosos que me desconcertaron.
¿De verdad son la misma?
La chica se empeña en que el muchacho encuentre estímulos para vivir y se lo lleva a conciertos, bodas, al hipódromo y de vacaciones de lujo en Mallorca.
La que se lo pasa pipa es ella y con el dinero de la familia se da una vidorra que no se podría permitir.
Está claro que es una aprovechada, aunque la historia pretenda resaltar sus buenas intenciones.
Pero no todo es malo en esta ñoñería.
Me encantan los conjuntos de Lou Clark y esos zapatos amarvillooooooosos.
También es verdad que en aquella ocasión no había recibido ningún regalo y por eso no me corté un pelo en mi crítica.
Como soy claramente influenciable por dádivas y halagos, voy a ser generoso.
Podría copiar mi crítica de agosto del 2013. Con borrar unos párrafos acertaría, pero insisto voy a ser generoso.
La peli se basa en un principio básico: la complicidad del espectador.
Tienes que entrar en el juego que te proponen.
Creerte una historia inverosímil, sin pies ni cabeza.
Aceptar como posibles los trucos de magia que te van ofreciendo, aunque ofendan las neuronas más nobles de tu cerebro.
Además de compartir un sentido del humor que se basa en la estupidez, en la idiotez y en la imbecilidad.
Si entras en este juego con estas tres premisas y aguantas un montaje trepidante, con efectos visuales electrizantes y una música estridente podrás admitir este bodrio.
No puedo pedir a nadie que le guste, como mucho sobrellevar los 129 minutos de insufrible aridez intelectual.
Penoso, triste y defraudante ver a grandes actores como Morgan Freeman y Michael Caine participar en este engendro.
Le pido a Dios que me dé lucidez para que cuando llegue mi ocaso profesional sepa abandonar mi actividad laboral con dignidad, dejando un buen recuerdo y no me pase como a estos dos actorazos que por el vil metal se han metido en esta producción de tan escaso nivel.
Como veis por unos tristes regalos soy capaz de hacer una crítica condescendiente y generosa.
Soy un vendido. Lo sé.
Pero la baraja tiene todas las cartas y las gafas son plegables.
El rodaje comenzó el 23 de mayo de 1972, con un presupuesto de 800.000 dólares, en los Paris-Studios Cinéma, Boulogne-Billancourt y en una granja del valle de Chevreuse.
Terminó a finales de julio, tras 44 días de trabajo, 4 menos de los previstos.
Durante la filmación de esta película se valió por primera vez de un monitor de televisión que le transmitía la imagen que registraba la cámara, al mismo tiempo que por los auriculares seguía los diálogos de los protagonistas.
Todo ello le permitió seguir el rodaje sentado, lo que dados sus 72 años de edad le venía muy bien.
Este procedimiento le permitió controlar más la imagen, de modo que sus tres últimas obras son mucho más precisas desde el punto de vista del encuadre que las anteriores.
Hay pequeños movimientos de la cámara que son perfectos, debido a que los ensayos estaban hechos con el control de vídeo.
Después, para dirigir, no, se ponía cerca de la cámara y enfrente de los actores, con unos auriculares especiales para oír bien.
La precisión de Buñuel en el rodaje fue tal que solo se eliminaron 200 metros de los 17.000 rodados.
El montaje duró 3 días.
Se estrenó el 15 de septiembre de ese año.
Buñuel nos presenta a un grupo de seis burgueses que no consiguen cenar.
Su coguionista Jean-Claude Carrière tuvo la idea inicial de una ocasión en la que invitó a unos amigos a cenar y se olvidó de decírselo a su esposa y él mismo tenía un compromiso fuera de casa.
Los invitados llegaron y pillaron a la mujer para acostarse y al anfitrión fuera.
Con este inicio Buñuel nos cuenta una historia de frustración.
Son en realidad ocho historietas que no termina ninguna.
Como unos episodios inconexos, que tienen en común a estos seis personajes.
La historia no avanza, los personajes no evolucionan, pero sienten con refinamiento burgués la frustración de no haber podido comer.
.
.
.
Detrás de sus buenos modos de sus maneras correctas hay podredumbre, al fin y al cabo son narcotraficantes.
Buñuel sabe medir las situaciones, de tal manera que rozan el absurdo, pero son planteadas como naturales y espontáneas.
Utiliza también los relatos de los sueños que tienen como eje común el miedo a la muerte y la ausencia de la madre.
A veces son sueños dentro de otro sueño.
La ausencia de resolución de sus historietas dejan con hambre al espectador al igual que estos seis burgueses que peregrinan por la película sin poder cenar.
Seis personajes en busca de cena, se podía haber titulado.
Para dar equilibrio a todos los personajes rueda planos secuencias, donde al mover la cámara los personajes entran y salen de plano.
Así se evitan planos cortos y protagonismos, que el aragonés quería evitar.
“He terminado rodando como el maldito Renoir“. Comentó en tono jocoso a Carrière.
Los dos idearon esta manera de filmar antes del rodaje.
La peli está llena de cuestiones que no se explican, tal vez, sencillamente, porque no la tienen.
Como decía Carrière:
“Realmente, lo puedo jurar: Luis no quería decir nada.
No tenía un discurso secreto que trataba de comunicar por imágenes del cine.
Era realmente un cineasta de improvisación, de instinto, pero de uninstinto tan rico que decía mucho.
Surrealista, podría ser la definición de una actividad surrealista.
Por ejemplo, en El discreto encanto de la burguesía, el hecho de caminar por la carretera sin saber a dónde van, sin saber de dónde vienen, sin saber si se trata de un sueño o no.
Eso es una libertad completa para cualquier espectador, poder tener su propia colaboración en la película”.
.
.
.
No recuerdo la fecha, pero fue en mi época de estudiante que la vi en un cine de arte y ensayo.
No entendí nada.
Pero me cautivó.
Días más tarde la comenté con un amigo.
Se las daba de cultureta y mantenía que era una obra maestra.
“La crítica más feroz que se ha hecho a la burguesía“. Afirmaba.
No sé si tenía razón, pero a mí me sigue entusiasmando.
Cuando esto ocurre, me distraigo pensando calificativos para mi crítica. Algo ingenioso.
No me dan ganas de abandonar la sala, pero el ritmo cadencioso y la falta de interés me superan.
(Pensé que nunca en la vida llegaría a decir esto:)
Pero de pronto aparece la Reina de Inglaterra y la historia se hace divertida e interesante.
Me parto de risa con ese desayuno.
Al final me emociona, me contenta, me entretiene.
Es como si Steven Spielberg me hubiera preparado durante 90 minutos para disfrutar 25.
Si vas con niños mantenlos distraídos con palomitas y chuches hasta que aparezca Elizabeth Alexandra Mary II. Ya sé que es difícil, pero para ti no es imposible.
