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Grupo salvaje – 1969 – Sam Peckinpah

10/09/2015

 

Sigo, lentamente, con mi ciclo dedicado al Hombre que mató a John Ford.

 

Me detengo en su peli más emblemática.

 

Anécdotas y curiosidades:

 

En una entrevista, Ben Johnson, dijo que las mujeres mexicanas que “retozaban” con él y Warren Oates en enormes cubas de vino no eran actrices, sino las prostitutas de un burdel cercano.

Fueron contratadas por Sam Peckinpah para poder decirle a la gente que Warner Bros  había pagado prostitutas para su reparto.

 

Robert Ryan se quejó de no recibir sus ingresos.

Sam Peckinpah decidió “castigar” a Ryan.

En los créditos de apertura, después de congelar la pantalla en primeros planos de William Holden y Ernest Borgnine, Peckinpah presentó la imagen de unos caballos cuando aparecía el nombre de Ryan.

 

El propio robo del tren no estaba en el guión.

Todas las escenas fueron improvisadas en el lugar, el mismo día.

 

Deke Thornton describe el general Mapache como “un asesino de Huerta”.

Se refería al general Victoriano Huerta, que había derrocado y asesinado el presidente mexicano Francisco Ignacio Madero en 1913, lo que desencadenó una guerra civil.

 

La ciudad que aparece en la película se rodó en Parras, en el estado de Coahuila, lugar de nacimiento de Madero.

 

Irónicamente, Emilio Fernández, que interpreta a Mapache, luchó como oficial en el ejército de Huerta, aunque en 1923 en una rebelión iniciada por Huerta y no la revolución 1916 de película.

Huerta fue finalmente derrotado, y Fernández fue capturado, juzgado por traición y condenado a 20 años de prisión. Se escapó y huyó a Los Ángeles, donde encontró su camino en la industria del cine y comenzó una amistad de por vida con el director John Ford.

Después de su regreso a México, se convirtió en un actor y director y es conocido como uno de los más grandes cineastas de la historia del cine mexicano.

 

La imagen del escorpión enredado en el hormiguero fue sugerida por Emilio Fernández porque él y sus amigos solían hacer eso cuando eran niños. La imagen no estaba en el guión original.

 

Ernest Borgnine cuando cojeaba no estaba actuando.

Se rompió el pie durante el rodaje de El reparto (1968) de Gordon Flemyng.

Tuvo que usar un yeso durante todo el rodaje.

 

Antes de que comenzara el rodaje, William Holden y Sam Peckinpah discutieron sobre el bigote que el personaje de Holden, Pike Bishop, usaría.

Porque a Holden, al parecer, no le gustaba su imagen, pero Peckinpah ganó la discusión.

Holden llevó un bigote falso durante la filmación.

 

No había suficientes uniformes para toda los dobles y extras en el tiroteo.

Si alguien era filmado recibiendo un disparo, el personal de vestuario reparaba y lavaba su uniforme.

Después era usado por otro actor.

 

En al peli hay 2.721 tiros, es decir una media de un tiro cada tres segundos.

En el “Tiroteo en el Bloody Porche” hay 325 tiros en cinco minutos, menos de un tiro por segundo.

 

La última escena que se rodó fue la del puente durante la explosión del Río Nazas (sustituyendo Río Bravo).

Fueron necesarios cinco especialistas, cada uno recibió 2000 dólares, y seis cámaras.

La escena fue filmada en una sola toma.

Una cámara cayó al río y se perdió.

 

Después de la filmación de la película, fue montada por el productor Phil Feldman (en ausencia de Sam Peckinpah)

Cortando su metraje en unos 20 minutos.

Ninguna de las imágenes eliminadas era violenta.

 

El montaje de 145 minutos realizado por el director en un relanzamiento en 1994, ha sido el que ha perdurado.

 

El papel de William Holden fue rechazado por Lee Marvin, Burt Lancaster, James Stewart, Charlton Heston, Gregory Peck, Sterling Hayden, Richard Boone y Robert Mitchum.

Marvin en realidad aceptó el papel, pero se retiró después de que se le ofreció un acuerdo salarial mayor por La leyenda de la ciudad sin nombre (1969).

 

Esta película es una adaptación de una historia ideada por Roy N. Sickner, actor y especialista de cine.

 

La peli está montada con 3.643 escenas.

Algunas de ellas son tan pequeñas que no son perceptibles.

Hasta el momento era la peli que constaba de más cortes.

 

El hijo del director Mateo Peckinpah realiza una pequeña intervención durante el atraco inicial. Es uno de los niños que aparece junto con otro abrazados.

 

John Wayne se quejó de que la película había destruido el mito del viejo oeste.

 

En 2007, el American Film Institute la clasificó en el puesto 79 de las mejores películas de todos los tiempos.

 

Sam Peckinpah declaró que uno de sus objetivos para esta película era dar al público “una idea de lo que es ser abatido a tiros”.

 

Siete trajes idénticos fueron hechos para el actor principal.

Todos ellos se arruinaron durante la filmación.

 

El presupuesto pasó de 3,5 a 6 millones de dólares y la programación original se extendió de 70 días a 81.

 

Durante la proyección en Nueva York, Sam Peckinpah invitó Jay Cocks, de la revista Time, que trajo a su amigo Martin Scorsese.

Se sentaron en una sala de proyección de Warner Bros vacía, con sólo otros dos críticos, Judith Crist y Rex Reed.

En la escena final quedaron impresionados en sus asientos.

Recordó Scorsese:

“Nos quedamos fascinados por ella, era obviamente una obra maestra. Fue cine real, utilizando la película de tal manera que de ninguna otra forma se podría haber hecho”.

 

Durante la escena inicial del asalto a la oficina de correos, uno de los hombres de a caballo se disparó en la cara.

Se hirió gravemente.

 

“La Golondrina” es cantada por los campesinos mexicanos.

Es una canción escrita en 1862 por el médico mexicano Narciso Serradell Sevilla (1843 a 1910), quien en ese momento se exilió a Francia debido a la intervención francesa en México.

Esta canción se convirtió en la preferida de los mexicanos en el exilio.

 

Sam Peckinpah quería hacer algo diferente con el uso de las armas de fuego.

Le dijo a un amigo:

“Si disparo a una pelota de nieve, el agujero de entrada es como diez centavos, pero el de salida es del tamaño de un plato de ensalada. Es esa la violencia que quiero para mi película”.

 

El rodaje fue sorprendentemente bien.

En los 79 días sólo hubo dos pequeños accidentes.

Ben Johnson se rompió el dedo en la ametralladora y William Holden se quemó el brazo con un detonador estropeado.

Pero el polvo y el calor eran implacables.

De acuerdo con el legendario especialista Joe Canutt, quien también trabajó en Mayor Dundee (1965):

“Estábamos en una zona tan cálida que los cactus se habían secado”.

Sin embargo, Sam Peckinpah insistido en que la película debía ser rodada en México.

 

En los pases previos de la película las reacciones del público eran a menudo negativas y hostiles.

 

El ejército de Mapache eran verdaderos soldados mexicanos de un regimiento de caballería estacionado cerca de Parras en el estado de Coahuila, donde la película fue filmada.

 

Número de muertos: 145 (22 en la tanda de apertura y la friolera de 112 en la batalla culminante).

 

 

La música de la película es otra obra maestra, compuesta por Jerry Fielding, el compositor que mejor conectó con Sam Peckinpah.

Fielding empezó a trabajar como arreglista en Hollywood muy joven, con tan solo 18 años.

Era la década de los 40 pero enseguida le cerraron las puertas al ser incluido en la lista negra del senador McCarthy ya que se negó a declarar ante el Comité de Actividades Antiamericanas y no regresaría al mundo del cine hasta los años 60.

 

Jerry Fielding conoció a Sam Peckinpah en 1967 trabajando para “Noon wine” una película rodada para televisión y se hicieron buenos amigos.

Los dos tenían un carácter salvaje bastante parecido y aficiones comunes como el bourbon y las armas de fuego.

Además de “Grupo salvaje” trabajaron juntos en cuatro películas más: “Perros de paja”, “El rey del rodeo”, “Quiero la cabeza de Alfredo García” y “Los aristócratas del crimen”.

No fueron más debido a que Fielding falleció prematuramente en 1980 a los 57 años, víctima de un ataque al corazón.

 

A pesar de lo bien que se llevaban compositor y director eran famosas sus peleas.

En “Grupo salvaje” hasta en tres ocasiones Peckinpah rechazó las composiciones que el músico había escrito.

Cuentan que Fielding le estampó una silla en la cabeza y el director estuvo a punto de utilizar la pistola que casi siempre llevaba encima.

Afortunadamente lograron ponerse de acuerdo y la partitura que acompaña a la película es magnífica.

El tema principal con su tono trágico y su redoble de tambores de aire militar consigue crear desde los títulos de crédito iniciales una atmósfera tensa que nos anuncia las matanzas a las que vamos a asistir.

 

 

 

Comentarios y opinión:

 

La violencia coreografiada de esta película y las sucesivas de Sam Peckinpah tiene un tono paradójicamente poético.

 

Hay un cierto lirismo.

 

Los personajes van sucios, en la mayoría de los casos son detestables, de una bajeza moral insoportable, pero aún con todo hay un tono épico en los dos personajes principales.

 

William Holden y Robert Ryan fueron amigos. Un malentendido les hizo enfrentarse y les ha convertido en enemigos.

 

Los dos se respetan, se temen y en realidad no desean su final. Pero el destino les ha hecho enfrentarse.

 

Uno de los aspectos más inquietantes de la peli es la constante presencia de niños como testigos atónitos de los tiroteos y como verdugos crueles al principio de la peli.

 

La imagen de los infantes disfrutando al ver como un alacrán es destruido por un montón de hormigas es escalofriante y curiosamente es una de la imágenes más truculentas de la peli.

 

La sucesión de tiroteos, de escenas de acción, hacen que la peli se disfrute con atención e interés.

 

La historia avanza de manera trepidante y no da respiro.

 

Siempre se ha dicho que Peckinpah  renovó el género. Yo creo que le dio una vuelta de tuerca más.

 

Conservó elementos básicos (la épica, el lirismo), pero introdujo la violencia descarnada, la suciedad física y moral.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

Canal de YouTube: HolaSoyRamónVídeos

 


 

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El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) – 1950 – Billy Wilder

17/07/2013

 

En esta peli Billy Wilder se ensaña con el mundo del cine. En ese universo las estrellas solo lo son fugaces. Satiriza sobre la fama y la inadaptación de muchas personalidades del cine mudo que no supieron adaptarse al cine parlante.

 

A Wilder se le ha atribuido la cualidad de ser un gran contador de historias pero que su cámara no estaba a la altura de sus relatos. Aquí claramente demuestra que esto es falso.

 

El principio de El Crepúsculo de los dioses es imaginativo desde el punto de vista visual y de guión. Un cadáver flota en una piscina y lo vemos desde el fondo y este muerto es el que nos va a relatar la historia en un largo flash-back que dura casi todo el metraje. Para la filmación de esa escena el director uso un truco con espejos.

 

La peli está llena de situaciones morbosas como el chimpancé muerto. Wilder fue invitado por el matrimonio Reagan a la Casablanca y Nancy le preguntó sobre el significado del mono en la casa de Norma Desmond. A lo que Wilder le respondió: “Está claro que se acostaban”.

 

La atmósfera es claustrofóbica con el escritor en horas bajas Joe Gillis atrapado en esa casa con elementos terroríficos y por esa mujer.

 

Sunset Boulevard es un thriller con elementos de tragedia pero carece de toques cómicos que caracterizan al genio Wilder.

 

En un pase antes del estreno para profesionales de HollywoodLouis B. Mayer (jefe de la Metro y uno de los hombres más influyentes del cine de la época) se dirigió a Wilder y le espetó: “¡Es usted un cabrón! Ha desprestigiado a la industria del cine. Ha mordido la mano que le convirtió en alguien y que además le dio de comer. Deberían alquitranarle, emplumarle y arrojarle del país”. El director solo respondió: “Que te jodan”.

 

 no fue la primera elección para el papel de Joe Gillis ya que hasta entonces había participado en pelis de poco éxito. Pero su buena interpretación facilitó que volviera a repetir con Wilder, entre los que hubo una buena amistad.

 

Varias actrices rehusaron el papel de Norma Desmond pero  aceptó interpretando a una mujer más vieja que ella. Su actuación está considerada de las mejores del cine. Cuando Barbara Stanwyck vio la peli se arrodilló ante Gloria Swanson y el besó el vestido, totalmente admirada.

 

Entre Holden y Swanson se establece una relación malsana de amor-odio con un desenlace fatal.

 

 (director y actor) interpreta al exmarido y criado Max Von Mayerling con una entrega absoluta a la diva que ayuda a mantener su situación de falsa realidad, en una especie de servilismo total.  dirigió una docena de películas, sobre todo en la época muda, siendo su producción más importante la estupenda Avaricia de 1924. Como actor participó en 74 títulos.

 

La “Mansión Desmond” no se encontraba, en realidad, en Sunset BoulevardFue construida en 1924 por William Jenkins, costó 250,000 dólares. Su segundo propietario fue Jean Paul Getty , que la compró para su segunda esposa. Mrs. Getty se divorció de su marido millonario y recibió la custodia de la casa, ella se la alquiló a la  Paramount para la filmación. La mansión fue demolida en 1957, y un edificio de oficinas se ubica en el lugar. 

 

La “Mansión Desmond” es un personaje más, su aspecto decadente y majestuoso sitúa muy bien a los personajes. Todas las fotos de Norma Desmond que aparecen decorando la casa, sobre todo el salón, son de .

 

La secuencia en la que aparece el director Cecil B. DeMille corresponde realmente al rodaje de la peli Sasón y Dalila de 1949. El famoso director se prestó a colaborar de actor.

 

Una peli tan interesante por sí misma como por la gran cantidad de anécdotas y referencias que la completan. Todo ello hacen de El Crepúsculo de los dioses una de las pelis más importantes de la historia del cine.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

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Traidor en el infierno – 1953 – Billy Wilder

11/07/2013

 

Se trata de un drama carcelario. Pero conociendo a Wilder esa etiqueta es demasiado simple, porque tiene muchos elementos de comedia y de intriga.

 

La rodó después de El gran carnaval y antes de Sabrina.

 

Es la penúltima peli que realiza con la Paramount. Sabrina la rodó por un compromiso previo. La productora le exigió que eliminara la ridiculización de las tropas alemanas para que fuera mejor aceptada en ese país, a lo cual Wilder se negó.

 

El toque, excesivo para algunos, de comedia dentro de un campo de concentración para prisioneros de guerra solo se lo podía permitir Wilder que perdió a su madre y a una hermana (y a varios familiares más) en los campos de exterminio nazis.

 

Lo más sorprendente de todo es el personaje de William Holden (sin duda el protagonista). Se trata de un antihéroe, que solo mira por su interés que deja al lado el patriotismo, he incluso declara que prefiere estar preso que en el campo de batalla. Pero es un tipo inteligente y astuto que se sabe desenvolver en cualquier situación. Capaz de resolver el enigma de quien es el traidor y que al final arriesga su vida por ayudar a un individuo que desprecia.

 

Este personaje tan lleno e matices, que resulta repulsivo pero admirable al mismo tiempo y termina cayendo simpático porque es un falso culpable. Es lo mejor de esta cinta.

 

Destacar la presencia del director (aquí actor)  interpretando a Oberst von Scherbach, el director del campo.

 

Curiosa la presencia de  que más tarde protagonizaría la serie Misión Imposible, tristemente traicionada por  el inefable .

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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La Brigada del Diablo – 1968 – Andrew V. McLaglen

6/01/2013

 

Ésta es la típica peli de cine bélico que ponían en mi infancia. No recuerdo si la vi en su estreno.

 

Disfruto mucho con estas pelis de los años sesenta. Crecí con ellas y su visionado me devuelve a la niñez y a esos cines en los que se aplaudía al final de la película. Había salas en Zaragoza como el Monumental en el que solían poner pelis de romanos (ahora se llaman peplum) y de guerra (ahora cine bélico) que tenían todo el suelo alfombrado de pipas y el público jaleaba las acciones en las que ganaban los buenos. Cuando llegaba a casa cogía mis indios de plástico y hacía con ellos la peli.

 

Andrew V. McLaglen era uno de los llamados artesanos que realizaba películas en esa época por encargo pero lo hacía bien.

 

William Holden es el oficial que tiene que instruir y guiar en combate a un grupo especial formado por estadounidenses y canadienses.

 

Se respira el ambiente testosterónico de los cuarteles y de las acciones bélicas.

 

Esta película no tendría éxito en nuestro tiempo y ahora queda para la nostalgia. PlatoonApocalypse Now y después Salvar al soldado Ryan cambiaron la forma de hacer cine de guerra.

 

La peli resulta entretenida combina las acciones bélicas y el humor.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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Sabrina – 1954 – Billy Wilder

8/01/2012

 

Aunque he visto casi todas las pelis del maestro Billy Wilder creo que ésta me faltaba, en cualquier caso no recordaba nada de ella.

 

Sabrina es una comedia romántica pero con el toque Wilder: diálogos ingeniosos, mucho sentido del humor, mucha mala leche y diversión.

 

Humphrey Bogart aceptó a regañadientes interpretar esta película. Quería que la protagonista femenina fuera su esposa, Lauren Bacall pero Wilder prefería a Audrey Hepburn que daba mejor con el papel de niña transformada en princesa y se ajustaba más a la edad del personaje.

 

Humphrey no se veía en el personaje de hombre de negocios serio y formal, cuando estaba acostumbrado a interpretar personajes atormentados y más marginales. El estilo de dirección de Wilder tampoco le gustaba que guiaba siempre con mano firme a sus actores y tenía claro lo que quería. Y además le sacaba más de treinta años a Sabrina.

 

Bogart hizo todo lo posible para que el rodaje fuera un infierno. Despreciaba continuamente a Audrey. Sus relaciones con Wilder eran penosas, le insultaba y amenazaba contínuamente. Incluso llegó a llamarle “asqueroso nazi”. Billy era judío y austriaco y tuvo que abandonar su patria al ser perseguido por los nazis, su propia madre falleció en Auschwitz. Por todo ello esas palabras fueron especialmente ofensivas. Lo cierto es que Bogart desconocía estos hechos y cuando los supo se disculpó públicamente. Además este actor tenía establecido por contrato que su jornada de trabajo terminaba a las seis de la tarde, hora en la que empezaba a beber, esto sucedía pasara lo que pasara. Él interrumpía el rodaje y bebía sin conocimiento hasta embriagarse. Lo cierto es que por las mañanas acudía puntual al trabajo y no se le notaban las resacas.

 

Wilder mantuvo hasta el último momento en secreto quien de los dos hermanos se quedaba con Sabrina, lo que crispaba a Bogart y además le preocupaba ya que deseaba un final favorable para él.

 

Audrey Hepburn está maravillosa e interpreta convincentemente su papel transformándose de oruga en mariposa.

 

El tono de la película tiene un aire de cuento y de hecho comienza con un érase una vez.

 

Bogart está inconmensurable y llena la pantalla cada vez que aparece dando un toque de distinción y de calidad a la película que gana con su presencia.

 

Todos los secundarios están estupendos. Destaco al padre de los Larrabee (Walter Hampden) y por supuesto a William Holden.

 

El rodaje fue muy difícil pero el resultado es magnífico.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

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