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Al Médico con Ramón – Síndrome de Down: un cromosoma de más y bastantes tópicos de sobra

30/08/2026

 

 

 

 

 

 

Síndrome de Down: un cromosoma de más y bastantes tópicos de sobra

 

 

Qué es, cómo se diagnostica y por qué nacen menos niños con trisomía 21 en España

 

Síndrome de Down: un cromosoma de más y bastantes tópicos de sobra

 

El síndrome de Down no es una enfermedad que se “coja”, ni una dolencia que tenga cura, ni el resultado de algo que la madre haya comido, bebido, pensado o hecho durante el embarazo.

 

Es una condición genética causada por la presencia de material adicional del cromosoma 21.[1-4]

 

Ese pequeño exceso de equipaje genético modifica el desarrollo del organismo y, especialmente, del cerebro, pero no escribe por adelantado toda la biografía de la persona.

 

Tampoco existe “el niño Down” como personaje único, siempre cariñoso, siempre feliz y con idénticas capacidades.

 

Hay personas con síndrome de Down, cada una con su carácter, su salud, sus fortalezas, sus dificultades y su manera de estar en el mundo.

 

El cromosoma extra comparte protagonismo con miles de genes, la atención sanitaria, la estimulación, la educación, el entorno familiar y las oportunidades sociales.[10-13]

 

La genética reparte cartas; no juega por nosotros toda la partida.

 

 

Cinco ideas que conviene tener claras desde el principio

  1. Es una alteración cromosómica, no una infección ni una culpa materna.

  2. Un cribado prenatal calcula una probabilidad; no confirma el diagnóstico.

  3. La edad materna aumenta el riesgo por embarazo, pero no permite predecir qué mujer tendrá una gestación afectada.

  4. En España han disminuido sobre todo los nacimientos con trisomía 21, no necesariamente las concepciones.

  5. No hay datos nacionales suficientes para sostener que las mujeres inmigrantes tengan una predisposición biológica mayor.

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¿Qué ocurre exactamente en los cromosomas?

 

La mayoría de nuestras células contienen 46 cromosomas, organizados en 23 pares.

 

En el síndrome de Down existe una copia adicional completa o parcial del cromosoma 21. Por eso también se denomina trisomía 21: en vez de dos copias, hay tres.[1,3,4]

 

El problema no consiste simplemente en “tener un cromosoma de más”, como quien guarda un calcetín sobrante.

 

Esa tercera copia aumenta la dosis génica: numerosos genes del cromosoma 21 se expresan más de lo habitual, aunque el organismo compensa parcialmente algunos.

 

El resultado es una compleja red de cambios en el desarrollo cerebral, el corazón, el sistema inmunitario, el metabolismo y otros órganos.

 

No existe un único “gen del síndrome de Down” ni una relación sencilla de un gen con cada característica.[1]

 

Comparación entre 46 cromosomas y 47 cromosomas por la tercera copia del cromosoma 21

 

 

Trisomía 21 libre

 

Representa aproximadamente el 95% de los casos. Todas o casi todas las células contienen tres cromosomas 21 completos.

 

Lo habitual es que se origine por una no disyunción, es decir, un fallo fortuito en la separación de los cromosomas durante la formación del óvulo —con mucha mayor frecuencia— o del espermatozoide.

 

El resultado es un gameto con dos cromosomas 21 que, al unirse al otro gameto, forma un embrión con tres.[1,5]

 

En la inmensa mayoría de estos casos, los padres tienen un cariotipo normal y no han “transmitido” una enfermedad hereditaria. El error suele ser esporádico.

 

 

Síndrome de Down por translocación

 

Supone alrededor del 3-4% de los casos.

 

Existe material adicional del cromosoma 21 unido a otro cromosoma, con frecuencia el 14 o el propio 21.

 

A veces aparece por primera vez en el embrión. En otras ocasiones procede de un progenitor sano portador de una translocación equilibrada.

 

Ese progenitor no tiene material genético de más ni de menos y, por tanto, no presenta síndrome de Down, pero sí puede tener un riesgo reproductivo aumentado.[1,8]

 

Cuando el cariotipo del hijo muestra una translocación, está indicado estudiar a los padres y ofrecer asesoramiento genético.

 

El riesgo de repetición depende de los cromosomas implicados y de cuál de los progenitores sea portador. No debe despacharse con un porcentaje genérico sacado del cajón.

 

 

Mosaicismo

 

Representa aproximadamente el 1-2% de los casos.

 

Algunas células tienen trisomía 21 y otras conservan los 46 cromosomas habituales. Se produce por un error mitótico después de la fecundación.

 

En promedio puede asociarse a manifestaciones menos intensas, pero el porcentaje de células trisómicas medido en sangre no permite adivinar con precisión el desarrollo de una persona.

 

Otros tejidos pueden tener proporciones diferentes y la variabilidad individual sigue siendo enorme.[1,4,8]

 

Tres formas cromosómicas del síndrome de Down: trisomía libre, translocación y mosaicismo

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¿Por qué aumenta el riesgo con la edad materna?

 

La edad materna avanzada es el principal factor de riesgo conocido para la trisomía 21 libre.

 

Los ovocitos comienzan su formación antes del nacimiento de la mujer y permanecen detenidos durante años en una fase de la meiosis.

 

Con el paso del tiempo se deterioran algunos mecanismos que mantienen y separan correctamente los cromosomas —entre ellos, las cohesinas y el huso meiótico—, lo que incrementa la probabilidad de no disyunción.[5-7]

 

El riesgo crece progresivamente. No sucede que al cumplir 35 años se encienda de pronto una alarma cromosómica.

 

Esa edad se utilizó históricamente como umbral práctico, pero biológicamente no existe un precipicio entre los 34 años y 364 días y el cumpleaños siguiente.

 

La edad paterna se ha estudiado mucho menos y su posible contribución parece pequeña frente a la edad materna.

 

No se ha demostrado que la trisomía 21 libre sea causada por:

• La dieta.

• El estrés cotidiano.

• Los anticonceptivos utilizados previamente.

• Los golpes.

• El ejercicio.

• Las relaciones sexuales.

• Una supuesta falta de vitaminas.

 

Conviene añadir una paradoja aparente: el riesgo individual es mayor en las mujeres de más edad, pero una parte importante de los niños con síndrome de Down nace de mujeres más jóvenes, simplemente porque en esos grupos se producen muchos más embarazos.

 

Riesgo individual y número total de casos no son la misma cosa.

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Cómo se manifiesta

 

El síndrome de Down presenta un fenotipo reconocible, pero no todas las características aparecen en todas las personas ni con la misma intensidad.

 

En el recién nacido pueden observarse:

• Hipotonía o menor tono muscular.

• Perfil facial y puente nasal aplanados.

• Fisuras palpebrales inclinadas hacia arriba.

• Orejas pequeñas.

• Cuello corto.

• Manos y pies pequeños.

• Pliegue palmar único.

• Mayor separación entre el primer y el segundo dedo del pie.

 

Ninguno de estos rasgos aislados confirma el diagnóstico. La confirmación se realiza mediante un estudio cromosómico.

 

El desarrollo motor y del lenguaje suele ser más lento. Son frecuentes la discapacidad intelectual de intensidad variable y un perfil cognitivo desigual.

 

El lenguaje expresivo, la memoria verbal de trabajo y algunas funciones ejecutivas suelen resultar más vulnerables.

 

En cambio, el procesamiento visual, la imitación y ciertos aspectos de la sociabilidad pueden constituir fortalezas relativas.

 

Hablar de tendencias de grupo no permite predecir las capacidades de un niño concreto.

 

 

Problemas médicos asociados

 

Las personas con síndrome de Down presentan un riesgo mayor de determinadas alteraciones:

 

Cardiopatías congénitas, presentes aproximadamente en el 40-50%, especialmente defectos de los cojinetes endocárdicos y comunicaciones interventriculares o interauriculares.

 

Hipoacusia, problemas visuales y otitis recurrentes.

 

Hipotiroidismo y, con menor frecuencia, otras enfermedades autoinmunes.

 

Apnea obstructiva del sueño.

 

Enfermedad celíaca.

 

• Alteraciones digestivas congénitas, como la atresia duodenal o la enfermedad de Hirschsprung (*)

(*) La enfermedad de Hirschsprung es una malformación congénita en la que faltan células nerviosas en un tramo del intestino grueso, impidiendo su movimiento normal.
Provoca obstrucción intestinal, estreñimiento intenso, distensión abdominal y retraso en la expulsión del meconio; se trata quirúrgicamente.

 

• Mayor riesgo de leucemia durante la infancia, aunque sigue siendo infrecuente en términos absolutos.

 

• Menor incidencia de muchos tumores sólidos.

 

• Envejecimiento cerebral precoz y riesgo muy elevado de enfermedad de Alzheimer durante la edad adulta.

 

Este último riesgo está relacionado, en parte, con la tercera copia del gen APP, situado en el cromosoma 21.

 

Sin embargo, presentar cambios neuropatológicos no significa que todas las personas desarrollen demencia clínica ni que lo hagan a la misma edad.

 

Estas asociaciones justifican un programa específico de seguimiento sanitario, no una peregrinación indiscriminada por todas las consultas.

 

La atención temprana, la fisioterapia cuando está indicada, el apoyo al lenguaje, la educación inclusiva bien dotada y el tratamiento de los problemas médicos mejoran el funcionamiento y la calidad de vida.[2,42,45]

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De una supervivencia muy corta a una vida adulta prolongada

 

La historia natural del síndrome de Down ha cambiado radicalmente.

 

Durante buena parte del siglo XX, muchos niños fallecían muy pronto por cardiopatías, infecciones y problemas digestivos que actualmente pueden diagnosticarse y tratarse.

 

Un modelo demográfico europeo estimó una mediana de vida cercana a los 58 años en los países de Europa occidental durante los años más recientes analizados, aunque existe una variación considerable entre personas y países.[24]

 

Este avance ha creado un logro y, a la vez, una obligación: ya no basta con una buena atención pediátrica.

 

Una vida, muchas etapas: infancia, educación, trabajo y envejecimiento

 

Se necesitan:

• Atención sanitaria durante la edad adulta.

• Prevención cardiovascular.

• Vigilancia de la salud mental.

• Apoyo a la autonomía.

• Planificación del envejecimiento.

• Detección cuidadosa de la enfermedad de Alzheimer.[44,45]

 

Atribuir automáticamente cualquier cambio de conducta a “su discapacidad” puede retrasar el diagnóstico de dolor, depresión, hipotiroidismo, apnea del sueño, pérdida sensorial o demencia.

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Discapacidad intelectual: no hay “grados de síndrome de Down”

 

Es frecuente oír que alguien tiene “un Down leve” o “mucho Down”. Es una forma imprecisa de hablar.

 

La alteración cromosómica no se gradúa como el picante de una salsa.

 

Lo que puede clasificarse es la discapacidad intelectual y, aun así, debe hacerse con cuidado.

 

La mayoría de las personas con síndrome de Down presenta discapacidad intelectual leve o moderada. Una minoría tiene una afectación grave.

 

Sin embargo, desde el DSM-5, la gravedad no debe asignarse únicamente mediante el cociente intelectual.

 

Se valora principalmente el funcionamiento adaptativo en tres dominios:[9-12]

 

Dominio conceptual

Incluye el lenguaje, la lectura, la escritura, el cálculo, la memoria, el razonamiento y la comprensión del tiempo o del dinero.

 

Dominio social

Comprende la comunicación interpersonal, el juicio social, la capacidad para reconocer riesgos y el establecimiento de relaciones.

 

Dominio práctico

Abarca el autocuidado, los desplazamientos, la organización de tareas, el manejo doméstico, el trabajo y la participación comunitaria.

 

Dos personas con un cociente intelectual parecido pueden necesitar apoyos muy diferentes.

 

Los resultados también dependen de la edad, la audición, la visión, el lenguaje, la escolarización, la salud, el entorno y la calidad de la evaluación.

 

Un número obtenido en una mañana no es una profecía tallada en mármol.

 

La clasificación en discapacidad leve, moderada, grave o profunda describe las necesidades de apoyo. No determina el valor, la personalidad ni el potencial de una persona.

 

Tampoco debe suponerse que el mosaicismo garantiza una discapacidad leve o que la trisomía completa impide alcanzar autonomía.

 

Hay correlaciones de grupo, pero ninguna bola de cristal individual.

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Detección durante el embarazo: cribar no es diagnosticar

 

Esta distinción es fundamental:

• Las pruebas de cribado calculan una probabilidad.

• Las pruebas diagnósticas estudian células fetales o placentarias y pueden confirmar o descartar la trisomía.

 

El cribado prenatal estima el riesgo y las pruebas diagnósticas confirman o descartan la trisomía 21

 

Cribado combinado del primer trimestre

 

Suele realizarse entre las semanas 11 y 13+6. Integra:

• Edad materna.

• Marcadores bioquímicos en sangre, principalmente PAPP-A y fracción libre de beta-hCG.

• Ecografía, especialmente la translucencia nucal y otros marcadores según el protocolo.

 

El resultado no dice “sí” o “no”, sino algo como 1 entre 100 o 1 entre 5.000.

 

Los puntos de corte y el circuito posterior varían entre comunidades autónomas.[15,21,22]

 

 

ADN libre circulante o test prenatal no invasivo

 

Desde aproximadamente la semana 10 puede analizarse ADN libre en sangre materna.

 

Aunque se llama con frecuencia “ADN fetal”, la mayor parte del componente relacionado con el embarazo procede de la placenta.

 

Es el cribado más sensible y específico disponible para la trisomía 21 y reduce considerablemente los falsos positivos y las pruebas invasivas innecesarias.[17-19,21]

 

Pero sigue siendo un cribado, no un diagnóstico.

 

Puede haber falsos positivos o negativos por:

• Mosaicismo placentario.

• Fracción fetal baja.

• Gemelo evanescente.

• Alteraciones cromosómicas maternas.

• Otras circunstancias biológicas o técnicas.

 

Su valor predictivo positivo no es fijo: depende del riesgo previo y de la prevalencia.

 

Un “99% de sensibilidad” no significa que cualquier resultado positivo tenga un 99% de probabilidades de ser verdadero.

 

En España, la cartera común del Sistema Nacional de Salud incluye desde 2024 el ADN fetal libre como prueba contingente o de segunda línea cuando el cribado previo muestra un riesgo aumentado de trisomías 21, 18 o 13.

 

La aplicación concreta continúa dependiendo de los programas autonómicos.[15,16]

 

 

Ecografía

 

La ecografía puede detectar marcadores o malformaciones asociados, especialmente cardiopatías, pero una ecografía normal no excluye el síndrome de Down.

 

Tampoco un marcador aislado equivale a un diagnóstico.

 

 

Biopsia corial y amniocentesis

 

La biopsia de vellosidades coriales suele realizarse durante el primer trimestre.

 

La amniocentesis se practica habitualmente a partir de la semana 15.

 

Ambas permiten realizar el cariotipo y técnicas rápidas como QF-PCR o FISH. Según la indicación, también pueden emplearse microarrays.

 

Son pruebas diagnósticas, aunque la biopsia corial puede necesitar estudios adicionales cuando existe un mosaicismo confinado a la placenta.

 

Las dos técnicas son invasivas y conllevan un pequeño riesgo de pérdida gestacional.

 

Las estimaciones modernas sitúan el riesgo adicional relacionado con el procedimiento bastante por debajo del 1% en centros experimentados.

 

La cifra exacta depende de la técnica, del centro y de cómo se compare con el riesgo basal.[20]

 

Un resultado positivo de ADN libre no debería conducir por sí solo a una decisión irreversible.

 

Debe confirmarse mediante una prueba diagnóstica y acompañarse de:

• Asesoramiento genético y obstétrico no directivo.

• Información actualizada sobre la vida con síndrome de Down.

• Explicación comprensible de las alternativas.

• Respeto a las decisiones de la mujer.[17-21,46]

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Después del nacimiento

 

Si los rasgos clínicos hacen sospechar el síndrome, se solicita un cariotipo en sangre periférica. No basta con afirmar que “se le nota”.

 

El cariotipo confirma la presencia de material adicional del cromosoma 21 y permite distinguir entre trisomía libre, translocación y mosaicismo.

 

Esta información es esencial para calcular el riesgo de repetición en futuros embarazos.

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¿Está disminuyendo el síndrome de Down en España?

 

Hay que precisar el verbo.

 

No disponemos de pruebas de que esté disminuyendo la aparición de trisomía 21 en las concepciones.

 

Lo que ha descendido claramente es su prevalencia entre los recién nacidos.

 

Los datos del Estudio Colaborativo Español de Malformaciones Congénitas (ECEMC) muestran una tendencia descendente muy significativa de los nacimientos registrados con síndrome de Down entre 1980 y 2023, tanto en madres menores de 35 años como en las de mayor edad.[25]

 

En las series divulgadas a partir de este registro, la tasa pasó aproximadamente de 14,8 casos por cada 10.000 nacimientos durante los primeros años de la década de 1980 a alrededor de 6 casos por cada 10.000 nacimientos en 2021.

 

El dato anual puede oscilar porque el número de casos es pequeño y la cobertura del ECEMC no equivale a la totalidad de los nacimientos españoles.

 

Un modelo epidemiológico europeo estimó que, durante el periodo 2011-2015, España presentaba una reducción del 83% en los nacimientos vivos con síndrome de Down respecto a los que se esperarían en ausencia de interrupciones selectivas del embarazo.[24]

 

Fue la reducción más elevada de los países estudiados.

 

Pero se trata de una estimación modelizada, no de un recuento directo de todos los embarazos españoles.

 

Por eso no debe traducirse alegremente como “se aborta el 83% de los fetos diagnosticados”. El denominador y el método no son exactamente esos.

 

En Europa ocurre algo aparentemente contradictorio: la edad materna ha aumentado y con ella la prevalencia total esperada de gestaciones con trisomía 21, pero la prevalencia al nacimiento se mantiene estable o desciende en muchos países.[23,24,27]

 

El puente entre ambas cifras es el diagnóstico prenatal y, en una proporción elevada de los diagnósticos, la interrupción voluntaria del embarazo.

 

 

Tres cifras que no deben mezclarse

 

Prevalencia total: incluye nacidos vivos, muertes fetales y embarazos interrumpidos después del diagnóstico.

 

Prevalencia al nacimiento: recoge los casos entre los recién nacidos vivos —o entre vivos y muertos, dependiendo del registro—.

 

Número absoluto: indica cuántos niños nacen y también está condicionado por la caída general de la natalidad.

 

Una tecnología de cribado puede reducir la prevalencia al nacimiento sin cambiar la probabilidad biológica inicial.

 

Y un país con menos nacimientos puede tener menos casos absolutos, aunque la tasa permanezca igual.

 

Sin especificar numerador, denominador y periodo, una cifra epidemiológica es solo un número bien vestido.

 

 

¿Por qué nacen menos niños con síndrome de Down en España?

 

Han contribuido varios factores:

  1. La extensión del cribado combinado del primer trimestre.

  2. El acceso progresivo al ADN libre circulante.

  3. La mejora de la calidad ecográfica.

  4. La confirmación más temprana mediante pruebas invasivas.

  5. La posibilidad legal de interrumpir el embarazo tras el diagnóstico, dentro de los supuestos y plazos establecidos.

  6. Las decisiones individuales de las gestantes y de sus familias.

 

La fecundidad total española también ha caído considerablemente.

 

Por tanto, aunque la tasa por cada 10.000 nacimientos permaneciera igual, habría menos casos absolutos porque nacen menos niños en general.

 

No deben confundirse el número absoluto, la prevalencia al nacimiento y la prevalencia total de embarazos afectados.

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¿Ha aumentado entre las mujeres inmigrantes?

 

Aquí conviene frenar antes de que la estadística se nos vaya cuesta abajo sin casco.

 

Los datos públicos nacionales disponibles no permiten afirmar con suficiente solidez que la trisomía 21 sea biológicamente más frecuente entre las mujeres inmigrantes que entre las españolas.

 

Tampoco permiten asegurar que su incidencia esté aumentando de manera general en ese grupo.

 

El ECEMC (*) informa de la procedencia o grupo étnico de los recién nacidos con defectos congénitos y muestra que la proporción de familias extranjeras dentro de su población de referencia ha aumentado con la inmigración.[25]

 

Pero eso describe la composición de la población y no demuestra por sí solo una tasa mayor de síndrome de Down.

 

(*) ECEMC significa Estudio Colaborativo Español de Malformaciones Congénitas.

Es una red española de médicos e investigadores, coordinada desde el Instituto de Salud Carlos III, que funciona desde 1976. Sus principales tareas son:

    • Registrar y vigilar la frecuencia de anomalías congénitas.
    • Investigar sus posibles causas genéticas y ambientales.
    • Estudiar medicamentos y otras exposiciones durante el embarazo.
    • Asesorar a profesionales sanitarios y familias sobre riesgos teratogénicos.
    • Promover medidas preventivas.

No es una enfermedad ni una prueba diagnóstica, sino un programa de investigación y vigilancia epidemiológica.

 

 

¿Qué datos necesitaríamos para demostrarlo?

 

Como mínimo, harían falta:

• Un registro completo de las gestaciones o nacimientos con trisomía 21.

• El número total de nacimientos de cada grupo.

• Ajustar los resultados por edad materna.

• Información sobre el diagnóstico prenatal y las interrupciones del embarazo.

• Una cobertura comparable de los registros.

• Una definición homogénea de “inmigrante”.

 

 

Esta última palabra puede referirse a la nacionalidad, el país de nacimiento, el tiempo de residencia o la situación administrativa. No es una categoría científica tan sencilla como a veces parece.

 

Contar cuántos niños atendidos por una asociación tienen madres extranjeras no sirve para calcular riesgos. Falta el denominador.

 

Y comparar únicamente nacidos vivos introduce un sesgo importante: el resultado depende tanto de cuántas trisomías se producen como de cuántas se detectan y de las decisiones tomadas después del diagnóstico.

 

 

¿Por qué pueden observarse proporcionalmente más nacimientos en algunos colectivos?

 

Hay varias explicaciones plausibles. Pueden coexistir y no deben convertirse en estereotipos.

 

 

1. Acceso más tardío o incompleto al control prenatal

 

Algunos estudios españoles e internacionales encuentran un inicio más tardío, menor utilización o mayores barreras para acceder al seguimiento del embarazo en determinados grupos migrantes.[28-35,47,48]

 

Llegar después de la ventana del cribado combinado reduce las posibilidades de diagnóstico temprano.

 

 

2. Barreras lingüísticas y de alfabetización sanitaria

 

Explicar probabilidades, falsos positivos, pruebas invasivas y decisiones reproductivas ya es complicado hablando el mismo idioma.

 

Sin un intérprete profesional, el consentimiento corre el riesgo de convertirse en una firma con niebla.

 

 

3. Obstáculos laborales, económicos y administrativos

 

Los horarios precarios, los desplazamientos, la falta de una red familiar, el desconocimiento del sistema sanitario, el empadronamiento reciente o el miedo relacionado con la situación documental pueden dificultar la asistencia a las citas.

 

España reconoce la cobertura sanitaria del embarazo, pero reconocer un derecho y poder ejercerlo sin fricciones no siempre son la misma cosa.

 

 

4. Diferencias culturales, religiosas y personales

 

La aceptación del cribado, de una prueba invasiva o de la interrupción del embarazo puede variar.

 

Pero no existe una única “cultura inmigrante”.

 

Una mujer rumana, marroquí, china, senegalesa o argentina no forma parte de un bloque mental uniforme.

 

Tampoco todas las mujeres españolas toman la misma decisión.

 

 

5. Diferente estructura de edad y fecundidad

 

Algunos grupos migrantes son más jóvenes, lo que debería reducir el riesgo por embarazo, pero pueden tener más embarazos y aportar más casos absolutos.

 

Otros colectivos pueden presentar maternidad a edades más avanzadas o embarazos después de procesos de reagrupación familiar.

 

Sin estratificar por edad, cualquier comparación puede engañar.

 

 

6. Selección posterior al diagnóstico

 

Si dos grupos tienen la misma tasa de concepciones con trisomía 21, pero uno accede más al diagnóstico prenatal o interrumpe con mayor frecuencia los embarazos diagnosticados, tendrá menos nacimientos vivos con síndrome de Down.

 

Eso no significa que sus cromosomas se separen mejor.

 

 

7. Efecto del tiempo de residencia

 

El conocimiento del sistema, la lengua, la estabilidad laboral y el acceso sanitario cambian con los años vividos en España.

 

Meter en la misma categoría a una mujer recién llegada y a otra nacida fuera de España, pero que lleva veinte años viviendo aquí, borra información decisiva.

 

 

La conclusión científicamente defendible

 

En algunos servicios puede observarse una mayor proporción de nacimientos con síndrome de Down entre familias de origen inmigrante.

 

Probablemente esté relacionada con diferencias en el acceso y utilización del diagnóstico prenatal y con las decisiones reproductivas.

 

Sin embargo, faltan datos nacionales ajustados que demuestren una mayor incidencia biológica o permitan cuantificar una tendencia general.

 

La solución no consiste en presionar a nadie para que se someta a pruebas o interrumpa un embarazo.

 

Consiste en garantizar acceso temprano, intérpretes, información comprensible y equilibrada, asesoramiento no directivo y libertad real para aceptar o rechazar cada opción.

 

Igualdad no es que todo el mundo firme el mismo papel. Es que todo el mundo pueda entenderlo y decidir.

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Fertilidad y reproducción en las personas con síndrome de Down

 

Las personas con síndrome de Down tienen sexualidad, afectos y derecho a recibir educación sexual adaptada.

 

Infantilizarlas no evita las relaciones ni los abusos. Solo las deja peor preparadas para reconocerlos, consentir y pedir ayuda.

 

La fertilidad está reducida en ambos sexos, pero no anulada.

 

 

Fertilidad femenina

 

Muchas mujeres con síndrome de Down ovulan y pueden quedarse embarazadas.

 

Sin embargo, son frecuentes la disminución de la reserva ovárica y la menopausia precoz.

 

 

Fertilidad masculina

 

La mayoría de los varones presenta alteraciones graves de la espermatogénesis y es infértil.

 

No obstante, existen casos bien documentados de paternidad.

 

“Generalmente infértil” no significa “esterilidad universal”, detalle importante antes de mandar los anticonceptivos de vacaciones.

 

Los datos disponibles son escasos y proceden, en buena parte, de series pequeñas o casos clínicos.

 

Por eso no es prudente ofrecer porcentajes tajantes sobre cuántas mujeres son fértiles o sobre el riesgo exacto de transmitir la trisomía.[36-39]

 

En una mujer con trisomía 21 existe un riesgo aumentado de tener una gestación con trisomía 21.

 

Pero también se producen gestaciones cromosómicamente normales y pérdidas espontáneas. El asesoramiento debe ser individual.

 

La anticoncepción debe plantearse con los mismos principios que en cualquier otra persona:

• Información accesible.

• Valoración médica.

• Consentimiento.

• Prevención de infecciones de transmisión sexual.

• Respeto a la autonomía.

 

La esterilización realizada por conveniencia de terceros plantea graves problemas éticos y legales.

 

 

Reproducción asistida y diagnóstico genético preimplantacional

 

Cuando uno de los progenitores es portador de una translocación equilibrada, puede considerarse la fecundación in vitro con una prueba genética preimplantacional para alteraciones cromosómicas estructurales.

 

También pueden plantearse el diagnóstico prenatal convencional o la utilización de gametos donados.

 

Ninguna de estas opciones garantiza el embarazo ni el nacimiento de un hijo sano. Todas requieren un estudio genético especializado.

 

Cuando una persona con síndrome de Down solicita reproducción asistida deben valorarse:

• La capacidad para otorgar consentimiento.

• Su estado de salud.

• Los riesgos obstétricos.

• Los apoyos familiares y sociales disponibles.

• El bienestar futuro.

 

No deberían aplicarse exclusiones automáticas basadas exclusivamente en la discapacidad.

 

La evidencia científica es limitada y el debate ético resulta complejo.

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¿Puede prevenirse?

 

La mayoría de los casos de trisomía 21 libre no puede prevenirse mediante hábitos saludables.

 

El ácido fólico previene una proporción importante de defectos del tubo neural, pero no ha demostrado prevenir el síndrome de Down.

 

Cuidar la salud antes del embarazo sigue siendo recomendable, solo que no convierte a los cromosomas en soldados obedientes.

 

La reproducción a edades más jóvenes reduce el riesgo estadístico de aneuploidías.

 

Pero convertir ese dato en un consejo simplista ignora la infertilidad, las circunstancias vitales y la libertad reproductiva.

 

En reproducción asistida puede estudiarse la dotación cromosómica de los embriones en indicaciones seleccionadas.

 

Sin embargo, ninguna técnica elimina todos los riesgos genéticos ni garantiza un recién nacido.

 

 

Fecundación, fertilidad y fecundidad no son lo mismo

 

Conviene distinguir tres palabras que suelen acabar en el mismo cajón:

Fecundación: unión del óvulo y el espermatozoide.

Fertilidad: capacidad biológica para conseguir una gestación.

Fecundidad: número de hijos o nacimientos observado en una persona o población.

 

No son sinónimos.

 

El síndrome surge habitualmente por un error cromosómico relacionado con la formación de los gametos o con las primeras divisiones embrionarias.

 

La fecundidad de un país, en cambio, depende principalmente de factores sociales y demográficos.

 

El cribado prenatal tampoco “previene” la trisomía. La detecta o estima su probabilidad.

 

La reducción de nacimientos se produce cuando, después del diagnóstico, se decide interrumpir el embarazo.

 

Llamar prevención al cribado borra una decisión ética y personal que merece ser nombrada con claridad.

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El reto no es solo diagnosticar mejor

 

La medicina ha avanzado muchísimo en la detección de la trisomía 21 y ha conseguido hacerlo más temprano y con menos pruebas invasivas.

 

Sin embargo, una sociedad no puede medir su progreso únicamente por la precisión de sus análisis.

También importan:

• La calidad de la información proporcionada después del diagnóstico.

• Los apoyos para quien decide continuar el embarazo.

• La atención temprana.

• La educación inclusiva real —no la que queda preciosa en el folleto—.

• El empleo.

• La vivienda.

• La atención sanitaria durante la edad adulta.

• El apoyo a las familias.

• El respeto a la autonomía.

 

Diagnosticar no equivale a conocer cómo será una vida.

 

El cariotipo identifica un cromosoma adicional. No mide el sentido del humor, la capacidad de querer, el aprendizaje futuro, el entorno familiar ni las oportunidades que la sociedad estará dispuesta a ofrecer.

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En resumen

 

El síndrome de Down es una condición genética causada por la presencia de material adicional del cromosoma 21.

 

Su forma más frecuente es la trisomía libre, habitualmente esporádica y relacionada con la edad materna.

 

El diagnóstico prenatal puede sospecharse mediante el cribado combinado, la ecografía y el análisis del ADN libre circulante.

 

Sin embargo, solo las pruebas invasivas permiten confirmar el resultado antes del nacimiento.

 

En España han disminuido de manera marcada los nacimientos de niños con síndrome de Down.

 

Esta disminución se debe principalmente a la extensión del diagnóstico prenatal y a las interrupciones posteriores, a pesar de que el retraso de la maternidad aumenta el número esperado de gestaciones afectadas.

 

La caída de la natalidad también reduce el número absoluto de casos.

 

No existe evidencia nacional suficiente para afirmar que las mujeres inmigrantes tengan una mayor predisposición biológica.

 

Si en algunos lugares nacen proporcionalmente más niños con trisomía 21 en familias inmigrantes, las explicaciones más probables están relacionadas con el acceso al cribado, el momento de llegada al sistema sanitario, las barreras lingüísticas y sociales y las decisiones reproductivas.

 

Afirmar más sería convertir una hipótesis razonable en un dato inventado, y para eso ya están las tertulias.

 

La discapacidad intelectual suele ser leve o moderada, pero presenta una enorme variabilidad y debe valorarse por el funcionamiento adaptativo, no solo mediante un cociente intelectual.

 

Las personas con síndrome de Down pueden aprender durante toda la vida, establecer relaciones y, en algunos casos, tener descendencia.

 

Necesitan controles sanitarios específicos y apoyos proporcionados; no que un cromosoma sustituya a su nombre.

 

Un cromosoma no resume una vida

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Bibliografía

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Nota metodológica

 

Este texto distingue entre la incidencia o prevalencia total de gestaciones con trisomía 21, la prevalencia entre nacidos vivos y el número absoluto de nacimientos.

 

Para estudiar la evolución española se han priorizado los datos del ECEMC (*) y estudios europeos revisados por pares.

 

(*) ECEMC significa Estudio Colaborativo Español de Malformaciones Congénitas.

Es una red española de médicos e investigadores, coordinada desde el Instituto de Salud Carlos III, que funciona desde 1976. Sus principales tareas son:

    • Registrar y vigilar la frecuencia de anomalías congénitas.
    • Investigar sus posibles causas genéticas y ambientales.
    • Estudiar medicamentos y otras exposiciones durante el embarazo.
    • Asesorar a profesionales sanitarios y familias sobre riesgos teratogénicos.
    • Promover medidas preventivas.

No es una enfermedad ni una prueba diagnóstica, sino un programa de investigación y vigilancia epidemiológica.

 

La comparación por origen migratorio se ha limitado deliberadamente porque no se ha localizado un registro estatal reciente, completo y ajustado por edad materna, acceso al diagnóstico prenatal e interrupción del embarazo que permita cuantificar una diferencia nacional fiable.

 

 

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

 

 

 

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Harry Potter y la piedra filosofal – Harry Potter and the Sorcerer’s Stone – 2001 – Chris Columbus – #YoVoyAlCine

30/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Harry Potter y la piedra filosofal

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Harry Potter y la piedra de la nostalgia

 

Parece mentira que en 2026 se cumplan ya veinticinco años del estreno de Harry Potter y la piedra filosofal.

 

La película conserva un aire entrañable. Buena parte de los millennials eran entonces niños o adolescentes, habían leído la novela de J. K. Rowling y esperaban comprobar si aquel universo que habían imaginado podía trasladarse a una pantalla.

 

Y vaya si se trasladó.

 

En el mundo de los muggles, Harry Potter es un auténtico desgraciado. Vive encerrado en un cuartucho bajo la escalera, maltratado por sus tíos y soportando a un primo absolutamente deleznable. Su existencia es triste, gris y miserable.

 

En el mundo mágico, en cambio, es un héroe. Un elegido. Un niño célebre por un pasado que apenas recuerda y por unos poderes que todavía desconoce.

 

Ahí está una de las ideas más bonitas de la película: la realidad puede ser terrible, pero la imaginación puede convertirse en refugio y salvación. Tal vez no arregle el mundo, pero sí puede rescatar a quien está atrapado en él.

 

La llegada a Hogwarts cambia por completo la vida de Harry. Allí descubre la amistad, la lealtad y el sentimiento de pertenecer por fin a algún sitio.

 

También descubre que los colegios mágicos se parecen bastante a los normales: hay profesores maravillosos, otros sospechosos, alumnos insoportables y algún troll suelto por los lavabos.

 

El reparto adulto es impresionante.

 

Richard Harris interpreta a Albus Dumbledore con una serenidad y una calidez maravillosas. Maggie Smith es la profesora Minerva McGonagall; Alan Rickman, el inquietante Severus Snape; John Hurt, el señor Ollivander; y John Cleese, Nick Casi Decapitado.

 

Y todavía quedan Robbie Coltrane, Julie Walters, Richard Griffiths o Fiona Shaw.

 

Ojo, ojo, ojo con este reparto.

 

Todos ellos acompañan a tres niños pequeñísimos y entrañables: Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson, convertidos en Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger.

 

Los vimos crecer durante ocho películas.

Después también hemos seguido sus vidas y sus carreras, y a unos el paso del tiempo les ha sentado mejor que a otros.

Como nos ocurre a todos, salvo a Dumbledore, que ya venía de fábrica con la barba puesta.

 

La amistad entre Harry, Ron y Hermione es el verdadero motor de la historia.

 

Harry es el elegido, el iluminado y el personaje destinado a ocupar el centro de la aventura. Pero Ron y Hermione son también dos grandes héroes. Sin ellos, el elegido habría durado en Hogwarts aproximadamente dos recreos.

 

Me sigue divirtiendo especialmente la pelea contra el troll. Una criatura bastante tonta, violentísima y con un aspecto que permite percibir su olor incluso desde la butaca.

 

Y el héroe de esa secuencia es Ron.

 

La película está impregnada de un tono benévolo, cálido y nostálgico. Apela a quienes descubrieron aquel universo siendo niños, pero también a sus padres, que entonces los acompañábamos al cine y ahora, como yo, ya somos abuelos.

 

Hace veinticinco años entrábamos en Hogwarts con más ilusión que nostalgia.

 

Ahora regresamos con la nostalgia a tope, nuestros nietos al lado y las rodillas bastante peor.

 

La magia tiene esas cosas.

 

 

Del cuarto bajo la escalera a un imperio mágico

 

El estadounidense Chris Columbus comenzó como guionista de Gremlins y Los Goonies antes de dirigir éxitos familiares como Solo en casa y Señora Doubtfire, papá de por vida.

 

Dirigió las dos primeras entregas de Harry Potter y produjo Harry Potter y el prisionero de Azkaban.

 

Su principal aportación fue establecer el aspecto visual, el tono infantil y la calidez sobre los que los siguientes directores fueron oscureciendo la saga.

 

Harry Potter y la piedra filosofal recibió tres nominaciones al Óscar: dirección artística, vestuario y música original para John Williams.

 

También obtuvo siete candidaturas a los BAFTA.

 

En 2011, la Academia Británica concedió al conjunto de las películas de Harry Potter el premio a la contribución británica sobresaliente al cine.

 

La película se estrenó comercialmente en Reino Unido y Estados Unidos el 16 de noviembre de 2001 y llegó a España el 30 de noviembre.

En su lanzamiento original recaudó unos 974,8 millones de dólares en todo el mundo, incluidos 317,6 millones en Estados Unidos y Canadá y 24,4 millones en España.

Los sucesivos reestrenos elevaron su acumulado mundial por encima de los 1.029 millones de dólares.

 

En España, el ICAA contabilizaba hasta 2022 más de 6,47 millones de espectadores. Warner Bros. volvió a estrenarla el 28 de agosto de 2026 para celebrar su vigesimoquinto aniversario, dentro de una campaña mundial acompañada por material inédito entre bastidores.

 

Las siete novelas dieron lugar a ocho películas estrenadas entre 2001 y 2011, con una recaudación conjunta superior a 7.700 millones de dólares.

 

Los libros han vendido más de 600 millones de ejemplares y se han publicado en 85 idiomas.

 

Pero el fenómeno fan va mucho más allá de las cifras.

Las casas de Hogwarts se convirtieron casi en identidades personales, el 1 de septiembre pasó a celebrarse como el regreso anual al colegio y aparecieron parques temáticos, exposiciones, conciertos, reuniones y peregrinaciones a los escenarios del rodaje.

 

Veinticinco años después, la carta de Hogwarts sigue llegando.

Lo único imperdonable es que todavía no hayan encontrado nuestra dirección.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

El señor Ollivander en Harry Potter y la piedra filosofal

 

Dirigido por Chris Columbus:

El director Chris Columbus

Fotografía: Luigi Novi / Wikimedia Commons (CC BY 3.0).

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Una noche al año – One Night Only – 2026 – Will Gluck – #YoVoyAlCine

30/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Una noche al año

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La purga romántica: verde que te quiero verde

 

Una noche al año parte de una premisa estupenda.

 

En esta Nueva York ligeramente distópica, el sexo entre solteros está prohibido durante 364 días. Solo se permite una noche al año, durante doce horas.

 

Es una especie de La purga al revés: en lugar de salir a matar al prójimo, se sale a hacer el amor con él.

 

El Estado controla las posibles infracciones mediante biosensores implantados y unas marcas en la muñeca que cambian de color. Porque no hay distopía completa sin un Gobierno metiendo las narices —y algún cacharrito tecnológico— en la vida íntima de la gente.

 

Con semejante punto de partida, podíamos haber tenido una sátira bastante jugosa sobre el control del Estado, la represión sexual y la facilidad con la que aceptamos que nos vigilen.

 

Pero no.

 

Will Gluck utiliza la distopía como envoltorio y enseguida conduce la película por la autopista más segura y transitada de la comedia romántica convencional.

 

Los protagonistas son Allie, interpretada por Monica Barbaro, y Owen, al que da vida Callum Turner. Dos jóvenes guapos y románticos empedernidos que, mientras los demás intentan aprovechar la noche acumulando relaciones efímeras, buscan algo bastante más difícil: encontrar el amor.

 

Se conocen, se separan, se reencuentran, se enfrentan y vuelven a coincidir.

 

El desenlace se ve venir desde que cruzan la primera mirada, con la sutileza de un luminoso de Times Square.

 

La película resulta amable y llevadera, pero no conserva nada de la mala leche que prometía su planteamiento.

La distopía termina convertida en simple decorado para una comedia romántica de las de toda la vida.

 

Los numerosos secundarios y cameos funcionan como comparsas.

Entran, hacen su numerito y desaparecen sin aportar demasiado a la historia.

 

El principal —casi único— atractivo es Monica Barbaro, que está estupenda, posee una presencia magnífica y llena la pantalla.

 

También ayuda bastante ese minivestido verde que le sienta fenomenal y con el que luce palmito durante buena parte de la película. La cámara lo sabe. Will Gluck lo sabe. Y los espectadores también lo sabemos.

 

No resulta una película especialmente desagradable, pero tampoco ofrece gran cosa más allá de su atractiva protagonista y una premisa desaprovechada.

 

Verde que te quiero verde.

 

 

 

Después de la noche de autos

 

Will Gluck es un director, guionista y productor estadounidense especializado en comedias comerciales.

Se dio a conocer con Rumores y mentiras (2010), protagonizada por Emma Stone, y continuó explorando el género con Con derecho a roce (2011).

 

También ha dirigido Annie (2014), las dos entregas de Peter Rabbit y Cualquiera menos tú (2023).

 

Una noche al año prolonga su empeño por mantener viva la comedia romántica, aunque aquí una convencional historia de amor termine devorando su prometedora distopía.

 

La película se estrenó comercialmente en Estados Unidos el 7 de agosto de 2026 y llegó a los cines españoles, distribuida por Universal Pictures, el 26 de agosto.

 

Su recepción crítica ha sido más bien fría: a 30 de agosto, Rotten Tomatoes reunía un 44 % de críticas favorables, frente al 75 % de valoraciones positivas del público verificado.

 

Mi puntuación: 5,68/10.

 

Callum Turner y Monica Barbaro en una escena nocturna de Una noche al año

 

Dirigido por Will Gluck:

Retrato del director Will Gluck

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Callum Turner y Monica Barbaro en otra escena de Una noche al año

 

Muchos besos y muchas gracias.

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La constelación del perro – The Dog Stars – 2026 – Ridley Scott – #YoVoyAlCine

30/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La constelación del perro

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El hombre es un lobo para el hombre; el perro es bastante mejor persona

 

El personaje central de La constelación del perro es Hig, interpretado por Jacob Elordi, el actor de moda al que conocimos en Euphoria.

 

Lo acompañan dos veteranos como Josh Brolin y Guy Pearce, además de Margaret Qualley, a quien vimos destacar en la miniserie La asistenta y posteriormente junto a Demi Moore en La sustancia.

 

Lo de actriz emergente empieza a quedarse corto. Margaret Qualley ya es una realidad, y aquí vuelve a estar estupenda.

 

En realidad, los cuatro actores están magníficos.

 

La historia nos sitúa en un futuro postapocalíptico en el que una epidemia de gripe ha acabado con casi toda la humanidad.

Los escasos supervivientes permanecen dispersos por el mundo, las normas sociales han desaparecido y las bandas violentas campan a sus anchas.

 

La premisa no es precisamente nueva. Hemos visto más fines del mundo que finales de la Champions.

 

Pero Ridley Scott no necesita inventar el apocalipsis. Le basta con contarlo bien.

 

La película construye con mucho cuidado a sus cuatro personajes. No son simples muñecos colocados en el paisaje para disparar, huir y proporcionar cadáveres al departamento de efectos especiales.

 

Hig y Cima, el personaje interpretado por Margaret Qualley, viven anclados en el duelo.

 

El perro de Hig es el vínculo que lo mantiene unido al pasado. A una vida sencilla formada por su mujer, su trabajo, las facturas y esas rutinas que solo valoramos cuando desaparecen. Hasta echa de menos ir al supermercado.

 

No era una existencia extraordinaria, pero era la suya. Y era feliz.

 

El perro no funciona únicamente como compañía ni como recurso sentimental para que el espectador diga «ay, qué bonito». Representa todo aquello que Hig ha perdido y todavía se resiste a abandonar.

 

Cada personaje se mueve por razones diferentes.

Bangley, interpretado por Josh Brolin, ha convertido la supervivencia en una disciplina militar.

Pops, al que da vida Guy Pearce, protege el pequeño mundo que ha conseguido conservar.

Cima arrastra su propio dolor.

Hig, en cambio, todavía quiere creer que en algún lugar queda algo parecido a la humanidad.

Aunque sea escondida detrás de una escopeta.

 

Ridley Scott contrapone dos mundos.

Por un lado, la belleza deslumbrante de la naturaleza, contemplada muchas veces desde la avioneta que pilota Hig. Montañas, bosques y grandes espacios que han seguido adelante sin nosotros y que parecen demostrar que el ser humano nunca fue demasiado imprescindible.

Por otro, está el mundo que hemos construido los hombres.

Y ahí el paisaje ya no resulta tan bonito.

 

La constelación del perro reproduce una forma muy estadounidense de imaginar el fin de la civilización: propiedad cercada, rifle con mira telescópica y cualquier desconocido considerado enemigo antes de que pueda decir buenos días.

 

En la versión española del apocalipsis probablemente se le invitaría primero a merendar. Después ya se decidiría si había que dispararle.

 

Es una diferencia cultural importante. El cine norteamericano ha repetido durante décadas que el otro es una amenaza y que la seguridad depende de poseer un arma más grande que la del vecino.

Aquí también estamos importando esa desconfianza, porque las malas costumbres viajan sin necesidad de pasaporte.

 

La película avanza con reposo y sosiego.

Se detiene en la convivencia, el duelo, los silencios y esos pequeños rituales que permiten seguir viviendo cuando ya no queda ninguna razón demasiado evidente para hacerlo.

 

Pero cuando llega la acción, Scott demuestra que todavía sabe organizar una secuencia con tensión, claridad y contundencia.

Hay momentos auténticamente inquietantes y un tramo final en el que la distopía alcanza toda su brutalidad.

 

La película sabe cuándo contemplar el paisaje y cuándo sacar la artillería.

 

No estamos ante una de las cumbres de Ridley Scott.

No es Blade Runner, ni Alien, el octavo pasajero, ni Los duelistas.

 

Pero tampoco todas las películas tienen la obligación de cambiar la historia del cine.

 

La constelación del perro es una película magnífica, con personajes sólidos, estupendas interpretaciones, imágenes poderosas y una mirada melancólica sobre aquello que perdemos cuando desaparece la vida cotidiana.

 

Mi puntuación es un 8/10.

 

Se lo merece.

 

 

Ridley Scott: 88 años y todavía pilotando la nave

 

Nacido en South Shields en 1937, Ridley Scott estudió diseño en el Royal College of Art, trabajó como escenógrafo en la BBC y se curtió durante años en la publicidad. Esa formación explica en parte su extraordinario dominio de la imagen, la iluminación, los decorados y la creación de mundos completos dentro de un plano.

 

Debutó en el largometraje con Los duelistas en 1977, una prodigiosa película ambientada en las guerras napoleónicas que obtuvo el premio a la mejor ópera prima en el Festival de Cannes. Solo dos años después dirigió Alien, el octavo pasajero y, en 1982, Blade Runner.

 

Con esas tres películas ya habría pasado a la historia del cine.

 

En Alien convirtió una nave espacial en una fábrica oscura, húmeda y claustrofóbica.

 

En Blade Runner imaginó un futuro abarrotado, lluvioso, decadente y reconociblemente humano. Sus escenarios no parecen decorados recién estrenados: están usados, manchados y habitados. En ellos siempre ha ocurrido algo antes de que empiece la película.

 

Su carrera, inevitablemente irregular, ha recorrido casi todos los géneros: el drama de carretera con Thelma & Louise, el péplum con Gladiator, el cine bélico con Black Hawk derribado, la aventura histórica con El reino de los cielos, el thriller criminal con American Gangster y la ciencia ficción de supervivencia con Marte (The Martian).

 

En los últimos años ha mantenido un ritmo de trabajo que agotaría a directores con la mitad de su edad: El último duelo, La casa Gucci, Napoleón, Gladiator II y ahora La constelación del perro.

 

A sus 88 años sigue rodando producciones enormes y manejando estrellas, ejércitos, localizaciones, efectos visuales y presupuestos descomunales con una energía que empieza a resultar médicamente sospechosa.

 

La constelación del perro supone su regreso a la ciencia ficción, aunque aquí no hay naves interestelares ni replicantes.

Es una distopía más íntima, construida alrededor del duelo, la soledad, el paisaje y la necesidad de confiar nuevamente en alguien.

 

Scott ha recibido cuatro nominaciones a los Óscar: tres como director por Thelma & Louise, Gladiator y Black Hawk derribado, y otra como productor de Marte.

Nunca ganó el premio competitivo, pero la Academia de Hollywood ha anunciado que le entregará un Óscar honorífico el 15 de noviembre de 2026.

También recibió el BAFTA Fellowship en 2018, la máxima distinción de la academia británica.

 

La película, basada en la novela de Peter Heller y escrita por Mark L. Smith, se estrenó en España el 26 de agosto de 2026 y en Estados Unidos dos días después, distribuida por 20th Century Studios.

 

La recepción inicial ha sido bastante más fría entre los críticos que entre los espectadores.

 

El 30 de agosto registraba un 41 % de críticas positivas en Rotten Tomatoes, frente al 72 % del público verificado.

 

En su primer día en Estados Unidos recaudó tres millones de dólares en 3.330 cines, una cifra todavía insuficiente para juzgar su recorrido comercial.

 

Mi puntuación: 8,77/10.

 

Jacob Elordi y Josh Brolin en La constelación del perro

 

Dirigido por Ridley Scott:

Ridley Scott

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Jacob Elordi con el perro Jasper en La constelación del perro

 

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Insidious: Fuera del más allá – Insidious: Out of the Further – 2026 – Jacob Chase – #YoVoyAlCine

24/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Insidious: Fuera del más allá

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Mi exorcista se llama Javi Pastrana

 

Tuve la suerte de ver Insidious: Fuera del más allá en Multicines Guadalajara con mi amigo Javi Pastrana, director de Centauros de la Alcarria.

 

Centauros de la Alcarria es un proyecto que no se queda en un único formato: programa de televisión, podcast, canal de YouTube, Instagram y presencia en otras redes sociales. Participo ocasionalmente y, siempre que estoy por Guadalajara, intento no faltar a la cita.

 

Aunque mi presencia sea intermitente, mi vínculo no lo es. Me considero, junto a Javi, uno de los padres de la criatura. No es solamente un programa en el que colaboro de vez en cuando, sino un espacio que siento también un poco mío.

 

En esta ocasión, la paternidad tuvo premio: gracias a Javi Pastrana, la película fue mucho más divertida. Por la película, desde luego, no. Sus comentarios incesantes consiguieron lo que no logra el guion: mantenerme despierto y entretenido.

 

Si la hubiera visto solo, seguro que me habría dormido un buen rato. Y, aun descontando la cabezada, esos 106 minutos se me habrían hecho eternos.

 

Insidious: Fuera del más allá no aporta absolutamente nada nuevo al cine de terror sobrenatural. Los sustos están gastados, vistos y requetevistos. La película intenta intimidarnos con mucha seriedad, pero termina dando más sueño que miedo.

 

Uno de los momentos más desagradables aprovecha la profesión de la protagonista. Gemma, interpretada por Amelia Eve, es higienista dental y realiza una exploración a un anciano del que no sabemos muy bien si está vivo, muerto o esperando cita desde la pasada entrega de Insidious.

 

De su boca saca cosas realmente horrorosas. Ese hombre no necesita una limpieza dental: necesita una excavación arqueológica y probablemente la intervención de la Guardia Civil.

 

La película ni siquiera es juguetona.

Se empeña en asustar, en mostrarse tétrica y en tomarse muy en serio a sí misma.

Este tipo de cine necesita cierta complicidad con el público y el humor puede proporcionarla sin convertirlo necesariamente en una comedia.

 

Aquí no hay válvula de escape. Todo es oscuro, solemne y trascendental. Y cuanto más se empeña la película en parecer aterradora, menos interesa.

 

Del reparto salvaría a Maisie Richardson-Sellers, que interpreta a una tatuadora que practica sobre pomelos.

Nunca había visto semejante sistema de entrenamiento y, en una película tan poco imaginativa, el pomelo termina pareciendo una idea revolucionaria.

 

También está bastante bien la niña Island Austin, pobrecilla.

Siempre pienso que participar a esa edad en una película como esta debe de proporcionarte una popularidad efímera y un bono de terapia para el resto de tu existencia.

Espero que la productora se lo pague.

 

A pesar de la compañía de Javi Pastrana y de lo divertidos que resultaron sus comentarios incesantes, Insidious: Fuera del más allá me ha parecido un auténtico coñazo.

 

El verdadero exorcismo lo practicó Javi: consiguió expulsar al demonio de la siesta.

 

Mi puntuación: 3,56/10.

 

 

Detrás de la puerta

 

Insidious: Fuera del más allá es el segundo largometraje de Jacob Chase, que debutó con Ven a jugar (Come Play, 2020), adaptación de su cortometraje Larry (2017).

 

También dirigió y produjo la serie The Girl in the Woods (2021).

 

Su filmografía muestra una clara preferencia por unir el terror sobrenatural con conflictos familiares y emocionales.

 

En esta sexta entrega de la saga firma también el guion, a partir de una historia escrita junto con David Leslie Johnson-McGoldrick.

 

Sony Pictures estrenó la película en los cines españoles el 21 de agosto de 2026.

 

Su recepción crítica inicial ha sido dividida: a 24 de agosto mantenía un 58 % de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes.

 

Comercialmente comenzó con fuerza, con 25,3 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y 60,3 millones en todo el mundo durante su primer fin de semana.

 

 

 

Amelia Eve en una escena de Insidious: Fuera del más allá

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena sobrenatural de Insidious: Fuera del más allá

 

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A fuego – 2026 – Estel Díaz – #YoVoyAlCine

24/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de A fuego

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Fama sin pies… ni cabeza

 

Alerta: spoilers

 

A fuego tiene buenas intenciones.

 

Habla del duelo, del suicidio y de una cuestión especialmente compleja: qué podemos hacer cuando alguien necesita ayuda, pero rechaza explícitamente todas las manos que se le tienden.

 

El problema es que, en cuanto salimos de esos asuntos de fondo, interesantes y delicados, la película empieza a hacer aguas.

 

La acción se desarrolla principalmente en El Búnker, una antigua fábrica abandonada donde unos jóvenes de la generación Z se reúnen para bailar, organizar fiestas clandestinas y sentirse libres.

 

La protagonista es Zoe Bonafonte, a quien conocimos en El 47, donde aparecía mucho más aniñada y hasta cantaba. Aquí baila junto a Ruslana, salida de Operación Triunfo 2023 y debutante como actriz.

 

A mí me encantan el baile y la música en el cine. Pero A fuego no es exactamente un musical, sino una película con escenas de baile.

 

Y ahí aparece uno de sus grandes problemas.

 

Estel Díaz filma las coreografías recurriendo continuamente a primeros planos y planos medios. Vemos rostros, torsos y brazos, pero pocas veces contemplamos el cuerpo entero y el movimiento completo de los bailarines.

 

El musical clásico entendió hace mucho tiempo que el baile necesita planos generales, cuerpos enteros y tomas con suficiente duración. No conviene trocear a los bailarines como si fueran pollos de supermercado.

 

Aquí, unas coreografías que podían haber sido estupendas quedan convertidas en fragmentos.

La cámara y el montaje pretenden aportar modernidad, pero terminan impidiendo que veamos y disfrutemos realmente del baile.

 

Incluso dejan la duda de cuánto están bailando los propios intérpretes y cuánto puede esconderse mediante el montaje. No digo que exista trucaje, sino que la puesta en escena permite sospecharlo.

 

Las interpretaciones del reparto joven me parecen bastante deficientes y poco creíbles. Las situaciones están cogidas con pinzas y el intento de provocar emoción termina cayendo en un sentimentalismo que ni siquiera consigue emocionar.

 

Zoe Bonafonte, núcleo de la película, es una chica monina, con una sonrisa estupenda, pero aquí llega a poco más.

 

También se introduce una reivindicación de los espacios autogestionados para uso juvenil. Sin embargo, queda relegada a un segundo plano y acaba desembocando en un mensaje que me parece sorprendentemente conformista, incluso reaccionario: no merece la pena resistir, el local no importa, lo importante somos nosotros.

 

Pues vaya resistencia.

 

Las escenas de la intervención policial, con los jóvenes corriendo de un lado para otro, son especialmente penosas. Les falta fuerza, tensión, ritmo y cualquier sensación de peligro. Parecen más bien un desalojo ensayado durante la hora del recreo.

 

La película tenía asuntos interesantes, un escenario potente y la posibilidad de utilizar el baile como forma de expresar el duelo, la rabia y la culpa.

 

Pero todo está contado con desgana, poca convicción y escasísimo brío.

 

Una película desvalida, desganada y muy decepcionante.

 

A fuego, sí, pero con el gas cortado.

 

Mi puntuación: 3,22/10.

 

 

Después de apagar las luces del Búnker

 

A fuego es el debut en el largometraje de Estel Díaz, guionista y directora que había trabajado en series como Red Flags y Desaparecido, además de dirigir la segunda unidad de la segunda temporada de Bienvenidos a Edén. Díaz firma el guion junto a Núria Dunjó.

 

La película se presentó el 1 de agosto de 2026 en el Atlàntida Mallorca Film Fest y llegó a los cines españoles el 21 de agosto, distribuida por A Contracorriente Films.

 

Zoe Bonafonte fue nominada al Goya a mejor actriz revelación por El 47.

Aquella película obtuvo cinco premios Goya, incluido el de mejor película, compartido ex aequo con La infiltrada.

 

 

Zoe Bonafonte bailando en una escena de A fuego

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Omar Banana en una batalla de baile de A fuego

 

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El motín – Mutiny – 2026 – Jean-François Richet – #YoVoyAlCine

24/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de El motín

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Jungla de cristal en un barco de cartón

 

El motín tiene un argumento francamente absurdo. En realidad, es un pretexto mal construido para que Jason Statham mate a una cantidad industrial de personas. Perdí la cuenta mucho antes del final.

 

Las despacha con metralleta, pistola, cuchillo, un hacha enorme, un gancho o directamente desnucándolas. El arsenal cambia; Statham no.

 

El actor mantiene su habitual cara de palo, incapaz de expresar el más mínimo sentimiento. Le sirve igual para disparar, degollar o contemplar el mar.

 

Una cara, muchos cadáveres.

 

El guion pretende justificar que acabe metido en un carguero, pero lo hace con tan poca convicción que parece que Statham se haya subido porque el barco ya estaba pagado.

 

El título tampoco ayuda. Hay barco, sí, pero ningún motín propiamente dicho que justifique llamar así a la película. Ya puestos, podrían haberla titulado Jason mata a todo el mundo y al menos no engañaría a nadie.

 

Junto a él aparece Annabelle Wallis, una actriz guapísima, pero aquí luce un rostro tan rígido y acartonado que me saca de la película. No sé si hay retoques de por medio y no voy a afirmarlo; lo cierto es que esa apariencia tan artificial me produce una grima tremenda.

 

El interés de El motín se agota en comprobar cuál será el siguiente utensilio elegido para la carnicería.

 

Matar, matar y volver a matar.

 

Nada más que contar. Ni motín ni película: una lista de bajas con un carguero de fondo.

 

Mi puntuación: 3,51/10.

 

 

Richet, del César al carguero

 

Jean-François Richet es un director francés cuya carrera ha alternado el cine social con el thriller de acción.

 

Después de État des lieux y Ma 6-T va crack-er, dio el salto a Hollywood con Asalto al distrito 13.

 

El díptico formado por Mesrine: Parte 1. Instinto de muerte y Mesrine: Parte 2. Enemigo público nº 1 le valió el César a la mejor dirección en 2009.

 

También ha dirigido Blood Father, El emperador de París y El piloto.

 

El motín se estrenó en los cines españoles el 21 de agosto de 2026, distribuida por DeAPlaneta.

 

 

Escena de El motín con Adrian Lester

 

Dirigido por Jean-François Richet:

Jean-François Richet, director de El motín

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena de El motín junto al buque de carga

 

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Palestina 36 – Palestine ’36 – 2025 – Annemarie Jacir – #YoVoyAlCine

24/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Palestina 36

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El imperio británico contraataca… y el panfleto también

 

Antes de entrar en la película, quiero dejar clara mi posición.

 

Doy todo mi apoyo al pueblo palestino y condeno la actuación del Estado de Israel contra Gaza y el conjunto de la población palestina, que considero genocida.

 

Lo digo porque, después de leer esta crítica, algún iluminado podría confundirme con un sionista. Nada más lejos de la realidad.

 

Palestina 36 se sitúa durante la revuelta árabe de 1936-1939 contra el Mandato británico de Palestina.

 

En aquel momento, los judíos alemanes sufrían ya la persecución nazi y muchos intentaban huir. Paralelamente, aumentaba la inmigración judía a Palestina, aunque no se trataba de una operación británica improvisada en 1936.

 

El proceso venía de mucho antes, vinculado al movimiento sionista, la Declaración Balfour de 1917 y el mandato establecido en 1922. La responsabilidad británica fue decisiva para crear el marco del futuro Estado de Israel, aunque atribuirles en exclusiva toda la operación sería simplificar una historia bastante más larga y enrevesada.

 

La película intenta explicar el origen del conflicto desde la mirada de la población palestina, sometida entonces al poder colonial y convertida, para mí, en la principal víctima de todo aquel proceso.

 

El problema no está en que tome partido. Todas las películas adoptan un punto de vista, por mucho que algunas pretendan ir de notarios imparciales.

 

El problema es que Palestina 36 convierte prácticamente cualquier forma de resistencia, incluidos los atentados, en un acto de heroísmo.

 

Lo que podría haber sido un relato histórico comprometido y legítimamente parcial termina transformándose en un panfleto. Una especie de folleto publicitario de la causa palestina, pero con Jeremy Irons en el reparto.

 

La propaganda es tan burda que acaba perjudicando al propio mensaje. Cuando los personajes se dividen entre héroes impecables y villanos de opereta, desaparecen los matices, la profundidad y cualquier posibilidad de reflexión.

 

El relato, además, es excesivamente episódico y bastante deslavazado. Se suceden escenas que no siempre mantienen una continuidad argumental suficiente, como si estuviéramos viendo varios fragmentos pegados con cola escolar.

 

Las interpretaciones tampoco ayudan.

 

El capitán Orde Wingate, encarnado por Robert Aramayo, no llega a convertirse en un personaje. Es poco más que una caricatura.

 

La presencia de Liam Cunningham resulta casi testimonial.

 

Al final, una película que podía haber explicado un momento histórico apasionante termina convertida en un subproducto difícilmente digerible.

 

Para mí, Palestina 36 es un fracaso.

 

Aun así, le voy a poner un 4 porque creo que las intenciones eran buenas.

 

Lástima que las buenas intenciones no hagan buenas películas.

 

Mi puntuación: 4,33/10.

 

 

Detrás de la revuelta: Annemarie Jacir

 

Annemarie Jacir es una de las cineastas más reconocidas del cine palestino contemporáneo.

 

Palestina 36 es su cuarto largometraje, después de La sal de este mar, When I Saw You e Invitación de boda (Wajib).

 

Su filmografía ha girado alrededor del exilio, la identidad, la memoria y la vida cotidiana del pueblo palestino. En esta ocasión amplía considerablemente la escala para intentar construir una epopeya histórica.

 

La película obtuvo el Gran Premio de Tokio en 2025. También fue elegida para representar a Palestina en los 98.º Premios Óscar y alcanzó la preselección de quince películas internacionales, aunque finalmente no consiguió la nominación.

 

La recepción crítica ha sido muy favorable: a 24 de agosto de 2026 mantiene un 98 % de críticas positivas, sobre 60 reseñas recogidas por Rotten Tomatoes.

 

Se estrenó comercialmente en España el 14 de agosto de 2026, distribuida por La Aventura.

 

 

 

Escena de Palestina 36 con un joven palestino rodeado por soldados británicos

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena de Palestina 36 con combatientes palestinos a caballo

 

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La bola negra – 2026 – Javier Calvo, Javier Ambrossi – Pase especial para académicos

19/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La bola negra

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Todo sobre mi Lorca: bola negra al fascismo

 

Javier Calvo y Javier Ambrossi comenzaron su colaboración con la obra teatral La llamada, que llevaron al cine en 2017.

 

Después llegaron las series Paquita Salas, Veneno y La Mesías.

 

La bola negra es su segundo largometraje y su primera película en la competición oficial de Cannes.

 

El guion, escrito junto a Alberto Conejero, se inspira en la obra inacabada de Federico García Lorca y en La piedra oscura.

 

La bola negra obtuvo el Premio a la Mejor Dirección, ex aequo, en la 79.ª edición del Festival de Cannes.

Los Javis compartieron el galardón con Paweł Pawlikowski, premiado por Fatherland.

 

 

El cutrecomentario

 

Asisto a este pase especial para académicos en los Cinesa Proyecciones, en la madrileña calle de Fuencarral, justo cuando se cumplen noventa años del asesinato de Federico García Lorca. A veces los aniversarios se programan solos y con bastante mala leche.

 

En la sala coincido con una buena representación del cine español: el productor Enrique López Lavigne, las actrices Marta Nieto, Carolina Yuste y Cayetana Guillén Cuervo, y el director Alejandro Amenábar.

 

También están Javier Calvo y Javier Ambrossi, que presentan la película muy brevemente. Casi un cameo con micrófono.

 

Lo primero que impresiona de La bola negra es su gigantesca producción.

Hay decenas de localizaciones, cientos de figurantes y un extraordinario trabajo de ambientación, vestuario, maquillaje y decorados.

 

El diseño de producción de Roger Bellés, la fotografía de Gris Jordana y el vestuario de Ana López Cobos construyen un universo cuidado hasta el último botón.

 

Pero la película no se queda en el escaparate.

Está realizada con las vísceras y con el corazón, y ahí reside su mayor mérito.

 

Los Javis consiguen combinar una puesta en escena técnicamente milimétrica con una energía emocional desbordante.

 

Hay picados, contrapicados, planos secuencia y movimientos de cámara que recorren grandes espacios siguiendo a los personajes.

Todo está pensado, pero nada parece muerto o embalsamado.

La perfección formal no ahoga el alma de la película. Más bien le proporciona un cuerpo enorme para que pueda gritar.

 

La historia se reparte entre tres tiempos.

En 2017, Alberto, interpretado por Carlos González, recibe la herencia de un abuelo al que apenas conoció.

 

En 1932, Carlos, encarnado por Milo Quifes, intenta entrar en un círculo social, pero las bolas negras depositadas durante la votación impiden su admisión.

Ese rechazo resume una sociedad en la que la homosexualidad debía ocultarse y podía ser castigada, perseguida e incluso asesinada.

 

Durante la Guerra Civil aparecen Sebastián, interpretado por Guitarricadelafuente, y Rafael Rodríguez Rapún, personaje histórico al que da vida Miguel Bernardeau.

 

Tres épocas y cuatro figuras masculinas unidas por el deseo, el silencio, la violencia y una herencia emocional que va pasando de generación en generación como una maldición familiar.

 

La bola negra es un homenaje a la resistencia de los homosexuales en épocas terriblemente hostiles, pero también una denuncia de la absoluta sinrazón de la guerra.

Una guerra no solo mata cuerpos: también intenta asesinar libros, poemas, deseos y recuerdos.

 

El crimen de Federico García Lorca concentra buena parte de esa barbarie.

Como ha estudiado Ian Gibson, en su asesinato confluyeron la persecución política, la homofobia y los odios y rencores locales alrededor de una familia acomodada y liberal.

Su padre, Federico García Rodríguez, fue un próspero terrateniente, pero no alcalde, como a veces se afirma. 

 

Aunque el relato gira alrededor de personajes masculinos, las mujeres tienen menos minutos, pero un peso fundamental.

 

Lola Dueñas compone a Teresa, la madre de Alberto, y ofrece una interpretación portentosa.

Es uno de esos personajes capaces de marcar incluso una carrera tan formidable como la suya.

Está tremenda, dolorosa y feroz.

 

Penélope Cruz interpreta a Nené, una cupletista de alma republicana que entretiene a las tropas nacionales.

Su intervención tiene fuerza, humor, sensualidad y tragedia.

 

También Glenn Close, como Isabelle, demuestra que un papel pequeño no tiene por qué ser decorativo.

 

Entre los secundarios destacan Mona Martínez, como esa madre destrozada que tardó cuarenta días en recuperar el cuerpo de su hijo; Nuria Mencía, con su enfermera fumadora, seca  y competente, pero preocupada por sus pacientes; y Antonio de la Torre, magnífico como siempre en muy poco tiempo.

 

Las breves apariciones de Natalia de Molina, María Morales y Antonio Dechent completan un reparto en el que hasta los personajes laterales parecen tener una biografía anterior y otra posterior.

 

Los Javis saben crear personajes con fondo y contar una vida con cuatro frases y una mirada.

 

La bola negra es una película extraordinaria. Ambiciosa, dolorosa, bellísima y profundamente humana.

 

Mi apuesta —y esto es una opinión, no un telegrama llegado del futuro— es que tendrá una carrera formidable en los Goya y que será una candidata muy seria para representar a España en los Óscar.

Incluso podría aspirar a nominaciones fuera de la categoría de película internacional.

Pero primero habrá que votar: el entusiasmo no debe disfrazarse de acta notarial.

 

Enhorabuena a Javier Calvo, Javier Ambrossi y a todo un reparto absolutamente entregado.

 

Yo he quedado especialmente prendado de Lola Dueñas y Penélope Cruz.

 

Una película que lanza una bola negra contra el fascismo, la homofobia y el olvido. Mi voto, esta vez, es blanco.

 

Mi puntuación: 10/10.

 

Escena de La bola negra durante la Guerra Civil

 

Dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi:

Javier Calvo y Javier Ambrossi en el Festival de Cannes

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena de La bola negra con Lola Dueñas

 

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El final de Oak Street – The End of Oak Street – 2026 – David Robert Mitchell – #YoVoyAlCine

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de El final de Oak Street

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Parque Jurásico llama dos veces al repartidor de pizzas

 

David Robert Mitchell debutó con El mito de la adolescencia, un retrato juvenil de tono melancólico.

 

Después alcanzó el reconocimiento internacional con el excelente terror sobrenatural de It Follows.

 

En Lo que esconde Silver Lake se metió en un laberinto de conspiraciones, obsesiones y cine negro.

 

Ocho años después regresa con su cuarto largometraje, una superproducción bastante más accesible, pero sin renunciar del todo a su gusto por lo inquietante.

 

Desde luego, Anne Hathaway está viviendo un año dorado, y con todo merecimiento.

Es una gran actriz y aquí está estupenda como Denise, una auténtica madre coraje enfrentada a una familia en crisis y, de paso, a unos cuantos dinosaurios con bastante hambre.

 

El final de Oak Street mezcla ciencia ficción, aventuras, acción, drama familiar y survival.

Se desarrolla en 1982, pero su ADN salta de la aventura ochentera al blockbuster noventero.

Está a medio camino entre E.T., el extraterrestre y Parque Jurásico, como si Steven Spielberg hubiera decidido soltar un tiranosaurio en una urbanización de clase media.

 

Pero Mitchell no se limita a fabricar una aventura familiar amable.

Introduce momentos bastante gruesos, peligro real y ese puntito de terror que impide que el conjunto se convierta en una merienda con dinosaurios de peluche.

 

Las mujeres de la familia sostienen mucho mejor el tipo.

Denise y Audrey, interpretada por Maisy Stella, son más serenas, resolutivas y valientes.

En cambio, el pobre Christian Convery carga con Brian, un personaje programado para gritar, asustarse y comportarse como una auténtica gallina.

A mí termina sacándome de quicio.

 

Anne Hathaway no solo funciona como madre luchadora.

Al final termina convertida en el gran elemento protector de toda la comunidad, mientras Ewan McGregor, como Greg, aporta humanidad a ese marido golpeado por el fracaso laboral.

El guion aclara que ha perdido su empleo y que repartir pizzas es un apaño temporal; aun así, viendo semejante casa con jardín, cuesta no ponerse a echar cuentas.

 

El barrio de Oak Street es un paraíso suburbano de casas estupendas, jardincillos y calles ligeramente curvas.

Uno de esos lugares idílicos que el cine estadounidense ha retratado hasta convertirlos en un género propio.

Naturalmente, debajo de tanta perfección había que esconder una crisis matrimonial, un fenómeno cósmico y varios reptiles gigantes.

 

Una película estupenda para pasárselo bien, disfrutar de la aventura y llevarse algún susto.

 

El toque de terror es el picante que evita que este plato familiar resulte demasiado blandito.

 

Mi puntuación: 8,88/10.

 

Ewan McGregor y Anne Hathaway en una escena de El final de Oak Street

 

Dirigido por David Robert Mitchell:

David Robert Mitchell, director de El final de Oak Street

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Ewan McGregor en una escena de El final de Oak Street

 

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Kangaroo: Una aventura en Australia – Kangaroo – 2025 – Kate Woods – #YoVoyAlCine

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Kangaroo: Una aventura en Australia

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cangurassic Park: salto mortal hacia la vergüenza ajena

 

La australiana Kate Woods regresó al largometraje con Kangaroo: Una aventura en Australia, veinticinco años después de debutar en el cine con Buscando a Alibrandi (2000).

 

Entre medias se convirtió en una curtida directora de televisión, con episodios de House, Suits, The Umbrella Academy y El abogado del Lincoln.

 

También dirigió El pájaro carpintero. Currículum tiene. El problema aquí es el resultado.

 

La película obtuvo ocho nominaciones en los AACTA Awards 2026.

 

Deborah Mailman ganó el premio a la mejor actriz de reparto.

Además, recibió el galardón a la producción de largometraje del año en los SPA Awards 2026.

 

Conviene no confundir dos conceptos que se parecen, pero no son lo mismo: infantil e infantiloide.

 

Una película infantil se dirige a los niños; una infantiloide les habla como si fueran idiotas.

 

Kangaroo: Una aventura en Australia pretende ser lo primero y termina siendo, de manera clamorosa, lo segundo.

 

Está repleta de situaciones ridículas, absurdas y sin la menor coherencia argumental.

El guion va dando saltos, sí, pero no precisamente con la elegancia de un canguro.

 

Los personajes tampoco ayudan: están llevados hasta una caricatura tan extrema que cualquier atisbo de emoción acaba atropellado por el disparate.

 

Su único atractivo son las bonitas imágenes de la fauna australiana y, sobre todo, esas pequeñas crías de canguro, entrañables con sus largas patitas.

Ellas no tienen culpa de la película en la que las han metido.

 

¿Puede divertir a los niños? No lo creo.

 

El cine familiar no necesita ser simplón, incoherente ni tratar a su público como si acabara de caerse de la bolsa marsupial.

 

Un producto penosísimo y absolutamente insoportable.

 

Mi puntuación: 3,22/10.

 

Lily Whiteley con una cría de canguro en Kangaroo: Una aventura en Australia

 

Dirigido por Kate Woods:

La directora Kate Woods

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Días de agosto – 2026 – Chema de la Peña – #YoVoyAlCine

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Días de agosto

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El graduado se fue a Mogán y el guion acabó insolado

 

Chema de la Peña alterna la ficción y el documental.

 

En su filmografía figuran De Salamanca a ninguna parte, Isi/Disi: Amor a lo bestia, 23-F: la película, Amarás sobre todas las cosas y Un cine como tú en un país como este. De Salamanca a ninguna parte fue nominada al Goya a mejor película documental.

 

Aunque Días de agosto no procede de una obra teatral, respira teatro por todos sus poros.

 

Se sostiene casi por completo sobre cinco personajes, cuatro de ellos encerrados en un chalé donde el calor, los resentimientos y las hormonas terminan haciendo horas extraordinarias.

 

Juan tiene una relación bastante tormentosa con sus padres y llega a la casa familiar acompañado de Gabriela, su novia, profesora de Infantil y escritora de cuentos.

El veraneo se complica cuando aparece Fernando, su padre, acompañado de Mónica, su nueva y joven pareja.

Ahí comienza a establecerse una relación turbia y sexualizada entre Mónica y Juan, un muchacho que, dicho con toda delicadeza, me parece un poquito gilipollas.

 

El paisaje de Gran Canaria resulta maravilloso.

La luz, la costa y el chalé componen un escenario magnífico para esta olla a presión familiar.

 

Maggie Civantos está estupenda y domina cada escena en la que aparece.

 

Roberto Álamo aporta presencia y oficio, mientras Pilar Castro cumple, como siempre.

 

La gran sorpresa es Berta Galo, muy eficaz en un personaje que podía haberse quedado reducido al de novia desplazada.

Es una actriz joven con capacidad para hacerse notar incluso rodeada de intérpretes experimentados.

 

En el extremo contrario está Pau Simon, protagonista nominal y eslabón más flojo del reparto.

Su interpretación me parece muy deficiente.

No consigue dar al personaje la intensidad necesaria y cualquiera de sus compañeros le roba la pantalla sin demasiado esfuerzo.

Tampoco es que tengan que atracarle: se la deja encima de la mesa.

 

La película avanza con cierta soltura mientras combina romance, erotismo, drama familiar y algunos amagos de thriller.

El problema llega cuando abandona esas sugerencias y se entrega por completo al melodrama.

 

Para rematar, introduce un giro de guion innecesario que parece colocado porque alguien pensó que la película necesitaba una última sacudida.

No la necesitaba.

Chema de la Peña se equivoca en ese desenlace, que rebaja bastante lo construido hasta entonces.

 

Con todo, me alegro de haberla visto.

 

Por el paisaje, por Maggie Civantos y, especialmente, por haber descubierto a Berta Galo, otra prometedora incorporación a ese cine español que continúa regalándonos estupendas actrices generación tras generación.

 

Mi puntuación: 5,54/10.

 

Pau Simón y Berta Galo en una escena de Días de agosto

 

Dirigido por Chema de la Peña:

El director Chema de la Peña durante un rodaje

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Maggie Civantos en una escena de Días de agosto

 

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

 

 

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Cuenta atrás – Fuze – 2025 – David Mackenzie – #YoVoyAlCine

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Cuenta atrás

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Conexión Afganistán: Atraco a las tres con una bomba bajo Londres

 

El escocés David Mackenzie se mueve con soltura entre géneros y presupuestos muy distintos.

 

En su filmografía destacan Young Adam, Convicto (Starred Up), Comanchería (Hell or High Water), El rey proscrito (Outlaw King) y Relay (El intermediario).

 

Ha pasado del drama carcelario al wéstern contemporáneo, el cine histórico y el thriller conspirativo.

 

En Cuenta atrás vuelve a demostrar que sabe manejar la tensión sin convertir el montaje en una batidora.

 

 

El cutrecomentario

 

Empecemos por el título español: Cuenta atrás es malo de solemnidad.

Genérico, intercambiable y tan fácil de olvidar que podría servir para cuatrocientos thrillers y diecisiete concursos de televisión.

No hace justicia a una película que me ha encantado.

 

La narración avanza por tres frentes diferentes.

Por un lado está el mayor Will Tranter, interpretado por Aaron Taylor-Johnson, al mando del equipo militar encargado de desactivar una bomba de la Segunda Guerra Mundial aparecida en pleno Londres.

Pronto descubriremos que su importancia en el atraco va bastante más allá de cortar el cable correcto.

 

El segundo eje lo forman los atracadores, liderados por Karalis, al que da vida Theo James.

Dentro del golpe hay planes, intereses ocultos, desconfianzas y unas cuantas traiciones.

 

El tercer frente es el dispositivo policial dirigido por Zuzana Greenfield, interpretada por Gugu Mbatha-Raw, que primero debe controlar la evacuación y después intentar desenredar un atraco cada vez más turbio.

 

La gran virtud de la película está en cómo administra la información.

Vamos conociendo la realidad por fragmentos, casi al mismo ritmo que la policía.

Sabemos más que Zuzana, pero nunca lo suficiente como para sentirnos demasiado listos.

El argumento va encajando sus piezas hasta funcionar como un mecanismo de relojería.

Sí, el tópico resulta inevitable en una película con bomba y cronómetro, pero esta vez viene a cuento.

 

Hay tensión, intriga, engaños, giros y una conexión final que permite comprender muchas cosas: Afganistán.

De hecho, Conexión Afganistán habría sido un título infinitamente mejor.

 

Cuenta atrás me parece una película excelente, tremendamente entretenida y construida con precisión.

 

Una de las mejores apuestas de la cartelera actual.

 

La recomiendo sin reservas.

 

Mi puntuación: 8,76/10.

 

Sam Worthington en una escena de Cuenta atrás

 

Dirigido por David Mackenzie:

El director David Mackenzie

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Theo James en una escena de Cuenta atrás

 

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Te van a matar – They Will Kill You – 2026 – Kirill Sokolov – HBO Max

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Te van a matar

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Te van a matar: La comunidad del anillo satánico

 

El cineasta ruso Kirill Sokolov debutó con ¿Por qué no te mueres? (2018), una comedia negra tan violenta como gamberra.

 

Después dirigió Sin mirar atrás (2021), insistiendo en las familias disfuncionales, la violencia desatada y el humor negrísimo.

 

Te van a matar supone su desembarco en Hollywood, pero sin perder su gusto por el exceso.

Ahora dispone de un rascacielos entero para montar la carnicería. 

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Estamos ante una coproducción de Sudáfrica, Estados Unidos y Canadá que entra por los ojos gracias a su escenario: el inquietante edificio Virgil.

 

Sus pasillos, salones y rincones infernales evocan claramente el Bramford de La semilla del diablo (Rosemary’s Baby).

El propio Sokolov ha reconocido esa inspiración, aunque aquí la elegancia satánica termina rápidamente cubierta de sangre, vísceras y mobiliario destrozado.

 

El segundo gran atractivo es Zazie Beetz, potentísima como Asia Reaves.

Tiene presencia, agilidad y la suficiente mala leche para enfrentarse a una comunidad de vecinos que no celebra juntas, sino sacrificios humanos.

 

Sus adversarios pueden parecer vampiros por esa desagradable costumbre de volver a levantarse, pero son sectarios satánicos inmortales.

Y así resulta bastante complicado acabar con ellos: no basta con llamar al administrador de fincas.

 

La película mezcla terror, acción, gore y muchísimo humor.

No pretende ser sutil ni falta que le hace.

Cada pelea busca superar la anterior en salvajismo, imaginación y cachondeo.

 

También da gusto reencontrarse con Heather Graham, interpretando a Sharon, y con Patricia Arquette como Lily Woodhouse.

No aparecen como simples adornos nostálgicos: ambas se entregan encantadas a la fiesta sangrienta.

 

Te van a matar es la típica película que en el Auditori de Sitges habría provocado gritos, aplausos, pataleos y carcajadas.

Una gamberrada desatada, sangrienta y tremendamente disfrutona.

 

Da gloria ver a Asia Reaves repartiendo estopa entre inmortales.

 

Un festival para los sentidos… especialmente para los que disfrutan viendo cómo algún sentido acaba arrancado de cuajo.

 

Mi puntuación: 8,77/10.

 

Zazie Beetz como Asia Reaves en Te van a matar

 

Dirigido por Kirill Sokolov:

Kirill Sokolov junto a Zazie Beetz durante el rodaje de Te van a matar

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Patricia Arquette y otros integrantes del reparto de Te van a matar

 

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La invitación. – The Invite. – 2026 – Olivia Wilde

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La invitación

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

¿Quién teme a Cesc Gay? La misma cena, pero con menos chispa

 

Olivia Wilde firma su tercer largometraje como directora.

 

Debutó con Súper empollonas en 2019 y después se metió en el avispero de No te preocupes querida.

 

Con La invitación regresa a una historia más contenida: pocos personajes, mucho diálogo y una cena con peligro de indigestión matrimonial.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

He releído la crítica que escribí en 2020 sobre Sentimental, de Cesc Gay, y la conclusión resulta inevitable: aquella película me entusiasmó bastante más que esta nueva versión estadounidense.

 

La invitación no está mal.

Es una película muy teatral, construida principalmente con cuatro actores, un salón y una conversación que comienza con educación y termina levantando las alfombras del matrimonio.

 

Seth Rogen y Olivia Wilde forman una pareja sumida en la rutina, el silencio y una crisis que llevan tiempo disimulando.

La llegada de sus vecinos, interpretados por Penélope Cruz y Edward Norton, introduce una relación aparentemente más feliz, sexualmente más libre y bastante menos preocupada por los convencionalismos sociales.

 

Esa pareja funciona como un espejo.

Su complicidad deja al descubierto las frustraciones, los reproches y la falta de comunicación de los protagonistas.

Los diálogos son divertidos, los actores están estupendos y la película mantiene un buen ritmo.

 

Todo funciona. Pero no termina de entusiasmar.

 

Tal vez sea porque Alberto San Juan y Javier Cámara estaban extraordinarios en Sentimental.

Incluso mejores que Edward Norton y Seth Rogen.

Sí, lo he dicho. Ya pueden ir retirándome el pasaporte hollywoodiense que nunca tuve.

 

El problema no es que una obra teatral llegue al cine.

Hay películas magníficas nacidas sobre un escenario.

El problema aparece cuando la adaptación no consigue desprenderse del todo de su naturaleza teatral.

Aquí Olivia Wilde mueve la cámara, sostiene el ritmo y dirige bien a sus intérpretes, pero la película nunca termina de levantar el vuelo.

 

Y es inevitable compararla con Sentimental, adaptación de la obra Los vecinos de arriba.

La película de Cesc Gay tenía una acidez, una naturalidad y una capacidad para incomodar que esta versión más pulida no alcanza.

 

Por cierto, Penélope Cruz, aunque le saque casi diez años a Olivia Wilde, está muchísimo mejor en pantalla.

La cámara no pide el DNI: se limita a reconocer la presencia.

 

Una película entretenida, bien interpretada y con buenos diálogos, pero que llega después de que ya nos hubieran servido esta misma cena con bastante más sabor.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

Seth Rogen en una escena de La invitación

 

Dirigido por Olivia Wilde:

Olivia Wilde durante el rodaje de La invitación

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Penélope Cruz en una escena de La invitación

 

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Night Nurse – 2026 – Georgia Bernstein

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel oficial de Night Nurse

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Alguien voló sobre el nido del geriátrico

 

Georgia Bernstein es una directora, guionista y productora estadounidense. Creó junto a Cemre Paksoy la comedia Snugglr, estrenada en Tribeca en 2018.

 

Después produjo las inclasificables All Jacked Up and Full of Worms (2022) y Anything That Moves (2025), ambas dirigidas por Alex Phillips.

 

Con Night Nurse debuta en la dirección de largometrajes y participa en la sección NEXT del Festival de Sundance de 2026.

 

Hay películas que te llevan de la mano.

Night Nurse prefiere agarrarte por la muñeca, meterte en un geriátrico y dejarte allí preguntándote qué demonios estás viendo.

 

Cemre Paksoy interpreta a Eleni, una joven enfermera que comienza a cuidar de Douglas, encarnado por Bruce McKenzie, un anciano que supuestamente atraviesa las primeras fases de una demencia.

 

Entre ambos, y también alrededor del resto de las enfermeras, se establece una red de relaciones viciosas, depravadas y muy turbadoras.

Nunca queda del todo claro quién manipula a quién, cuánto hay de enfermedad y cuánto de deseo o perversión compartida.

 

Ese desconcierto resulta atractivo, aunque también juega en contra de la película.

Algunos tramos son lentos, otros reiterativos y hay momentos en los que parece recrearse demasiado en la misma incomodidad.

 

La turbiedad también puede cansar si se remueve durante demasiado tiempo.

 

En el reparto aparece Mimi Rogers, actriz de fuerte presencia sensual durante sus años de mayor popularidad.

Aquí resulta curioso encontrarla décadas después, dentro de una película precisamente obsesionada con el deseo y el envejecimiento.

El calendario ha hecho su trabajo: es un funcionario implacable.

 

Night Nurse es una propuesta irregular, desconcertante y bastante difícil de digerir.

 

Pero también tiene personalidad, provoca incomodidad y deja suficientes preguntas rondando por la cabeza.

 

No siempre se disfruta, pero sí consigue interesar.

 

Mi puntuación: 6,76/10.

 

Escena de Night Nurse en la residencia de mayores

 

Dirigido por Georgia Bernstein:

Georgia Bernstein, directora de Night Nurse

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena de Night Nurse con Eleni y Douglas

 

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Colony – Gangchae – 2026 – Yeon Sang-ho

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel internacional de Colony

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La colmena de los muertos vivientes… con wifi cerebral

 

El surcoreano Yeon Sang-ho no necesita que le expliquen cómo se mueve un zombi.

 

Alcanzó fama internacional con Train to Busan y también cultivó el género en la cinta de animación Seoul Station y en Península.

 

Su filmografía incluye además Psychokinesis, JUNG_E, Revelación y la serie Rumbo al infierno.

 

Colony se presentó fuera de competición en las Sesiones de Medianoche del Festival de Cannes de 2026.

 

 

Cutrecomentario

 

Colony (Gangchae) es una película de zombis en modalidad infectados.

Aquí los bichos no solo corren, muerden y se retuercen malamente: se comunican como una mente colmena y van aprendiendo poco a poco.

 

Y, por si faltaba algo de glamour, tenemos esa especie de moco repugnante que van soltando por todas partes.

Una sustancia viscosa que no sabemos muy bien para qué sirve, pero que consigue que la película resulte todavía más asquerosa. Todo un detalle.

 

Cada película de zombis establece sus propias reglas.

Esta respeta bastantes convenciones del género, pero introduce la divertida idea de unos infectados capaces de intercambiar información, evolucionar y aprender de los errores.

Cuantos más son, menos tontos parecen.

Justo al contrario que en algunas reuniones de vecinos.

 

La gran protagonista es Se-jeong, la profesora de biotecnología interpretada por Jun Ji-hyun.

Me encanta.

Es una heroína inteligente, decidida y con el carisma suficiente para sostener todo este apocalipsis pringoso sin quedarse convertida en una simple superviviente decorativa.

 

Los infectados son sangrientos, desagradables y físicamente retorcidos.

 

Yeon Sang-ho maneja muy bien la acción y consigue que la película sea tremendamente divertida.

 

No revoluciona por completo el género, pero le añade una mente colectiva, unas cuantas novedades y litros de mucosidad.

 

Para pasar un rato estupendo.

 

Una película de zombis como Dios manda. Sí, señor.

 

Mi puntuación: 7,85/10.

 

Escena de Colony con una superviviente en el interior del edificio

 

Dirigido por Yeon Sang-ho:

Retrato del director Yeon Sang-ho

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena de Colony con varios infectados

 

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Lucky Strike – 2026 – Rod Lurie

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel oficial de Lucky Strike

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Salvar al capitán Eastwood, pero el guion llegó tarde al frente

 

Rod Lurie, cineasta israelí-estadounidense, se graduó en West Point y sirvió cuatro años como oficial del ejército.

 

Antes de ponerse detrás de una cámara fue periodista y crítico cinematográfico.

 

Ha dirigido Candidata al poder (2000), La última fortaleza (2001), El último asalto (2007), Nada más que la verdad (2008) y Perros de paja (2011).

 

Tras The Outpost (2020), vuelve al cine bélico y a trabajar con Scott Eastwood, coescribiendo además el guion con Marc Frydman.

 

 

El cutrecomentario

 

Scott Eastwood interpreta al capitán John Castle, un oficial estadounidense cuya unidad es aniquilada durante la ofensiva alemana que desembocó en la Batalla de las Ardenas.

 

Herido y atrapado tras las líneas enemigas, debe sobrevivir, advertir al ejército estadounidense del avance alemán y encontrar la manera de regresar con los suyos. Una radio averiada será prácticamente su único aliado.

 

Lucky Strike es cine bélico de manual, con todas las casillas marcadas y cada explosión colocada donde corresponde.

 

Tiene alguna secuencia eficaz, mantiene cierto interés y puede entretener especialmente a los aficionados al género.

 

El problema es que avanza por trincheras excavadas muchas veces por películas bastante mejores.

 

No hay grandes sorpresas ni demasiadas aportaciones, más allá de algún momento aislado.

No es un desastre militar, pero tampoco una victoria para escribir a casa.

 

Una de sus curiosidades más interesantes explica el título.

Durante la Segunda Guerra Mundial, pequeños paquetes de cigarrillos Lucky Strike, entre otras marcas, formaban parte de las raciones estadounidenses, mientras que Zippo dedicó su producción a abastecer al ejército.

 

La película muestra a soldados alemanes registrando los cuerpos de los estadounidenses caídos para quedarse con sus cigarrillos y mecheros.

De esa codiciada marca de tabaco procede el título.

Una anécdota histórica bastante más memorable que la propia película.

 

Cumple, entretiene a ratos y después se desvanece como el humo de un cigarrillo.

Sin filtro, pero también sin demasiada sustancia.

 

Mi puntuación: 5,65/10.

 

Scott Eastwood en una escena de Lucky Strike

 

Dirigido por Rod Lurie:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Scott Eastwood caracterizado como soldado en Lucky Strike

 

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Su propio infierno – Her Private Hell – 2026 – Nicolas Winding Refn

17/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel oficial de Su propio infierno (Her Private Hell)

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

David Lynch entra en la niebla y Refn enciende los neones

 

El danés Nicolas Winding Refn debutó con Pusher y consolidó su estilo con Bronson y Valhalla Rising.


Ganó el premio a mejor director en Cannes por Drive.


Después llegaron Solo Dios perdona, The Neon Demon y las series Too Old to Die Young y Copenhagen Cowboy.


Su propio infierno supone su regreso al largometraje diez años después de The Neon Demon y fue presentada fuera de concurso en Cannes 2026.

 

 

El cutrecomentario

 

Su propio infierno se desarrolla envuelta en una niebla onírica que tiene mucho del universo de David Lynch.

 

Aquí la lógica convencional ha cogido la puerta, pero antes ha dejado encendidos todos los neones.

 

Nicolas Winding Refn reúne a personajes extravagantes que hablan y se comportan con una solemnidad tan excesiva que, en ocasiones, roza deliberadamente el ridículo.

 

Elle, el soldado K, Dominique, Hunter, Johnny Thunders y el Hombre de Cuero van cruzando sus historias sin demasiado respeto por la coherencia ni por el espectador que pretenda reconstruir el argumento con escuadra y cartabón.

 

Todo está cargado de sensualidad, violencia y una belleza artificial fascinante.

 

La narración parece menos interesada en contar una historia que en construir una pesadilla elegante, turbadora y pegajosa.

 

Refn no pretende explicar: quiere hipnotizar. Y lo consigue, aunque a veces esa oscuridad parezca también una cómoda coartada para no aclarar absolutamente nada.

 

Es una película que me aturde, me arrolla y no deja de sorprenderme.

 

No estoy seguro de haberla entendido, pero sí de haberla disfrutado.

 

Hay películas que se comprenden y otras que se padecen, se contemplan o se sueñan.

Esta pertenece a las cuatro categorías.

 

Mi puntuación: 6,86/10.

 

Sophie Thatcher en una escena de Su propio infierno

 

Dirigido por Nicolas Winding Refn:

Nicolas Winding Refn

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Charles Melton en una escena de Su propio infierno

 

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Terror en la embajada (Miniserie Documental) – Terror på ambassaden – 2025 – Johanna Becker, Johannes Preuss – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

11/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Terror en la embajada

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La embajada de cristal: sin John McClane y con el GEO por estrenar

 

Johanna Becker firma la dirección principal de Terror en la embajada, con Johannes Preuss como codirector.

 

La filmografía pública de Becker como realizadora es todavía breve.

 

Preuss cuenta con mayor recorrido: Galamsey – For a Fistful of Gold, Nollywood – Filmbusiness African Style, Mein fremdes Land y la serie 22. Juli – Die Schüsse von München.

 

Galamsey obtuvo en 2017 el Student Academy Award al mejor documental internacional.

 

Terror en la embajada reconstruye en dos episodios el asalto a la embajada de la República Federal de Alemania en Estocolmo, ocurrido el 24 de abril de 1975.

 

La miniserie comienza situándonos en el clima de violencia política que vivía la Alemania occidental.

La Fracción del Ejército Rojo (RAF) cometía atentados y pretendía doblegar al Estado mediante el secuestro y el asesinato.

 

El precedente inmediato había sido el secuestro del político democristiano Peter Lorenz.

No lo realizó la RAF, sino el Movimiento 2 de Junio, otra organización terrorista de extrema izquierda.

La liberación de Lorenz, después de que cinco presos fueran excarcelados, convenció a otros terroristas de que el chantaje podía funcionar.

 

Seis integrantes del llamado Comando Holger Meins entraron armados en la embajada y exigieron la liberación de 26 presos.

El Gobierno de Helmut Schmidt se negó y dejó al Ejecutivo sueco de Olof Palme ante una situación para la que nadie parecía tener un manual de instrucciones.

 

Uno de los aspectos más reveladores es comprobar la absoluta desorientación de la policía sueca.

Los agentes destinados a tareas corrientes acabaron improvisando una especie de embrión de unidad antiterrorista.

Un GEO montado sobre la marcha, con buena voluntad, mucha confusión y ninguna experiencia previa.

 

El desenlace tampoco llegó gracias a una operación policial brillante.

La torpeza de los secuestradores provocó la explosión accidental de los explosivos colocados en el edificio.

Aquello evitó probablemente una matanza aún mayor, aunque el balance fue terrible: murieron dos diplomáticos y dos terroristas.

 

La narración combina material de archivo, grabaciones originales, voz en off y declaraciones de supervivientes, policías y familiares.

 

Estos descendientes también terminan ocupando un lugar protagonista porque las consecuencias de aquella jornada no concluyeron cuando se apagó el incendio.

 

El punto más débil son las recreaciones interpretadas por actores.

Resultan planas, poco trabajadas y escasamente dramáticas.

Parecen por momentos un vídeo de prevención de riesgos laborales, solo que aquí el riesgo son varios kilos de dinamita y unos terroristas armados hasta los dientes.

 

Afortunadamente, los testimonios y las imágenes reales tienen suficiente fuerza para sostener el conjunto.

 

Terror en la embajada no es una gran obra desde el punto de vista formal, pero sí una miniserie documental interesante, bien ordenada y bastante reveladora.

 

Dos episodios que se ven con facilidad y demuestran que, en ocasiones, la historia se resuelve mediante una mezcla poco edificante de azar, improvisación e incompetencia.

 

Mi puntuación: 6,51/10.

 

Rehenes tendidos en el suelo de la embajada en Terror en la embajada

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Policías armados durante el asalto de Terror en la embajada

 

 

 

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Los juicios de Yugoslavia (Miniserie Documental) – Krieg vor Gericht. Die Jugoslawien-Prozesse – 2021 – Lucio Mollica – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

11/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Los juicios de Yugoslavia

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

¿Vencedores o vencidos? La Haya llegó tarde a los Balcanes

 

El italiano Lucio Mollica es director, guionista y productor especializado en documentales históricos.

 

En Los juicios de Yugoslavia firma el guion y la dirección.

 

También fue coguionista y productor de Afganistán, la tierra herida, codirigió Tod und Spiele – München ’72 y participó en la dirección de Vietnam: The Birth of a Nation.

 

Su interés por Bosnia comenzó cuando viajó allí para rodar un documental diez años después de terminar la guerra.

 

La miniserie fue nominada al Premio Grimme 2022, en la categoría de Información y Cultura.

 

Los juicios de Yugoslavia es una miniserie documental de apenas dos capítulos, de unos cincuenta minutos cada uno, que reconstruye la desintegración de Yugoslavia, la guerra de Bosnia-Herzegovina y el posterior intento de llevar a sus responsables ante la justicia.

 

El episodio más estremecedor es, inevitablemente, el genocidio de Srebrenica.

Una ciudad declarada zona segura por la ONU terminó ocupada por las fuerzas serbobosnias.

Más de 8.000 hombres y muchachos bosníacos fueron asesinados.

Muchos intentaron escapar por los bosques, pero fueron capturados y ejecutados mientras la protección internacional se desmoronaba como un decorado de cartón piedra.

 

Conviene aclarar que el Tribunal Penal Internacional para la ex-Yugoslavia no se creó después de aquella matanza.

Había sido constituido por la ONU en 1993, dos años antes de Srebrenica, aunque después sería fundamental para investigar el genocidio y llevar hasta La Haya a varios de sus principales responsables.

 

El documental combina imágenes de archivo, testimonios de víctimas, acusados, fiscales y jueces, además de una voz en off que organiza el relato.

Está bien construido, resulta claro y mantiene la sobriedad necesaria.

Tampoco necesita demasiados fuegos artificiales: los hechos ya contienen suficientes explosivos.

 

Su principal problema es que dos capítulos saben a poco.

Orígenes del conflicto, guerra, genocidio, investigaciones, detenciones, juicios y legado del tribunal entran aquí como los Balcanes en una maleta de cabina.

Como introducción funciona muy bien; como análisis profundo, se queda corta.

 

En cualquier caso, siempre resulta necesario volver sobre nuestra historia reciente.

 

Sobre todo cuando demuestra que Europa dijo «nunca más» y, llegado el momento, añadió: «Bueno, ya si eso mañana».

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

Archivo del Tribunal Penal Internacional para la ex-Yugoslavia en Los juicios de Yugoslavia

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Acusado ante el tribunal en Los juicios de Yugoslavia

 

 

 

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El secuestro de un presidente – Kyyditys – 2026 – Samuli Valkama – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

11/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de El secuestro de un presidente

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La muerte de Stalin a la finlandesa: golpe de Estado con resaca

 

El finlandés Samuli Valkama estudió animación y comenzó dirigiendo cortometrajes antes de pasarse al cine y la televisión.

 

Debutó en el largometraje con Hulluna Saraan (2012), a la que siguieron Ei kiitos (2014) y Saattokeikka (2017).

 

También ha dirigido series como The Man Who Died.

 

Especializado en comedia, El secuestro de un presidente es su cuarto largometraje.

 

Lo primero que me vino a la cabeza viendo El secuestro de un presidente (Presidentin kyyditys) fue la estupenda La muerte de Stalin.

Ambas convierten unos hechos políticos terribles en una comedia muy divertida.

A veces basta con contemplar la realidad sin pestañear para descubrir que el poder puede ser más ridículo que cualquier chiste.

 

La película parte de un hecho real: el secuestro, el 14 de octubre de 1930, de Kaarlo Juho Ståhlberg, primer presidente de Finlandia, ya retirado, y de su esposa Ester, por miembros del ultraderechista Movimiento de Lapua.

La historia real ya parecía escrita por un guionista con bastante mala leche.

 

La narración avanza por dos frentes.

Por un lado, unos jóvenes ultranacionalistas reciben el encargo de secuestrar al expresidente, defensor de la democracia y contrario a sus ideas fascistas.

Son chapuceros, torpes y, en algunos momentos, directamente imbéciles.

 

Por otro lado, tenemos al teniente coronel Eero Kuussaari, ansioso por ascender, reunido con otros altos mandos militares.

Entre copa y copa deciden promover una revolución, derribar la democracia e instaurar un régimen totalitario.

Los secuestradores son inútiles, pero sus superiores consiguen superarlos.

La jerarquía militar no elimina la estupidez: simplemente le pone medallas.

 

Alcoholizados y henchidos de patriotismo barato, repiten las habituales proclamas xenófobas: vienen los rusos, violarán a nuestras mujeres, quemarán nuestras casas y acabarán con nuestra forma de vida.

El viejo manual del miedo: inventar un enemigo, alimentar el odio y presentarse después como salvador de la patria.

 

La película ridiculiza ese discurso sin necesidad de grandes sermones.

Basta con mostrar a quienes lo pronuncian.

Debajo de los uniformes, las proclamas y las poses marciales solo hay ambición, resentimiento y una preocupante escasez de neuronas.

 

El secuestro de un presidente me ha divertido.

Sus 87 minutos pasan con mucha facilidad y la comedia funciona porque no necesita exagerar demasiado unos acontecimientos que ya fueron bastante absurdos.

 

Además, deja claro que estos discursos no aportan absolutamente nada a nadie, salvo satisfacción a los tontos que desean escucharlos.

Y, por desgracia, de esos nunca andamos escasos.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

Oficiales finlandeses en El secuestro de un presidente

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

El matrimonio Ståhlberg en El secuestro de un presidente

 

 

 

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Los Cangrejos (Documental) – 2025 – Rubén Seca – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

11/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Los Cangrejos

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La España vaciada está llena de fantasmas

 

Rubén Seca estudió Dirección en la Escuela de Cine de Barcelona y ha realizado más de una decena de cortometrajes. Entre ellos destacan Esculpiendo en la memoria, ganador del Notodofilmfest de 2018; Reminiscencia, Premio RTVE Cámara abierta; y Mortis causa, candidato a los Premios Goya 2024.

 

En 2021 fundó la productora Shoji Films. Los Cangrejos es su primer largometraje documental.

 

Los Cangrejos obtuvo la Mención Especial DOC. España en la Seminci 2025, donde celebró su estreno mundial. E

l jurado destacó su manera de registrar una herida todavía abierta en la sociedad española. 

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Tras la muerte de su abuelo, Rubén Seca encuentra un cuaderno con las memorias de su bisabuelo Eloy, albañil y militante de la CNT.

Ese descubrimiento familiar sirve para reconstruir la represión franquista en Soria durante la Guerra Civil y la posguerra.

 

En la provincia no existió un frente de batalla. Desde el comienzo quedó bajo el control de los sublevados y la guerra se manifestó fundamentalmente mediante la persecución de republicanos, sindicalistas y cualquier persona considerada desafecta.

Eloy fue encarcelado y sometido a trabajos forzados, aunque consiguió salvar la vida.

Otros no tuvieron esa suerte.

 

El propio Rubén Seca narra y monta el documental.

Su voz lee aquellas memorias con un tono apagado, casi desangelado.

Puede entenderse como una decisión coherente con el relato, pero también contribuye a que el conjunto resulte aún más pesado y abatido.

Aquí la alegría no llega ni en visita de médico.

 

Lo mejor está en las imágenes de Soria.

Paisajes hermosos, campos silenciosos, pueblos medio vacíos y vecinos ya ancianos.

La España vaciada aparece retratada sin postal turística ni filtros embellecedores: como un territorio desamparado que todavía guarda demasiados recuerdos bajo la tierra.

 

Ese contraste entre la belleza del paisaje y la violencia que allí ocurrió transmite una melancolía profunda.

No hacen falta trincheras ni batallas.

Basta con recorrer carreteras, cementerios, casas abandonadas y rostros envejecidos para comprender el peso del silencio.

 

Los Cangrejos es un documental triste, quizá demasiado empeñado en recordarnos su tristeza, pero honesto y necesario.

 

Una película sobre la memoria familiar que termina hablando de todo un país empeñado durante décadas en caminar hacia atrás sin mirar lo que dejaba enterrado.

 

Mi puntuación: 6,53/10.

 

Cruz y cigüeña en una escena de Los Cangrejos

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Dos personas caminando por un bosque en Los Cangrejos

 

 

 

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La desaparición de Josef Mengele – Das Verschwinden des Josef Mengele – 2025 – Kirill Serebrennikov – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de La desaparición de Josef Mengele

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La larga agonía de un verdugo que nunca pidió perdón

 

Josef Mengele consiguió escapar de la justicia. Lo que no consiguió fue escapar de sí mismo.

 

La desaparición de Josef Mengele (Das Verschwinden des Josef Mengele, 2025) está dirigida por Kirill Serebrennikov, cineasta ruso de trayectoria especialmente incómoda y personal.

 

Entre sus trabajos más destacados figuran Leto (2018), La fiebre de Petrov (2021), La mujer de Chaikovski (2022) y Limonov: The Ballad (2024).

 

Con esta película adapta la novela La desaparición de Josef Mengele, de Olivier Guez, y vuelve a trabajar con el director de fotografía Vladislav Opelyants.

 

La película, producción germano-francesa protagonizada por August Diehl, fue presentada en el Festival de Cannes de 2025 dentro de la sección Cannes Première.

 

No compitió por la Palma de Oro, por lo que conviene no confundir selección oficial con competición.

 

 

La larga agonía de un verdugo

 

La desaparición de Josef Mengele no se ocupa tanto del monstruo de Auschwitz como del hombre que consiguió sobrevivir al monstruo que había sido. O, mejor dicho, que seguía siendo.

 

Serebrennikov relata los años de huida de Josef Mengele por Sudamérica, saltando entre distintas épocas y lugares.

 

Argentina, Paraguay y Brasil conforman el mapa de un fugitivo que va cambiando de residencia, aspecto y nombre mientras intenta evitar que la justicia llegue hasta él.

 

La estructura fragmentada encaja perfectamente con esa existencia clandestina.

La película avanza por capítulos, identidades y momentos diferentes hasta llegar al Mengele anciano, visitado por su hijo Rolf.

No estamos ante una biografía convencional, sino ante la progresiva degradación física de un hombre cuya ideología permanece sorprendentemente intacta.

 

Rodada fundamentalmente en un áspero blanco y negro, con algunas irrupciones del color, la película evita cualquier tentación de embellecer a su protagonista.

August Diehl realiza una interpretación extraordinariamente desagradable, y eso es precisamente un elogio.

 

Porque lo verdaderamente aterrador no es descubrir que Mengele fue nazi.

Eso ya lo sabemos.

Lo espantoso es comprobar que nunca dejó de serlo.

 

No hay arrepentimiento.

No hay sentimiento de culpa.

Ni siquiera aparece la miserable excusa del «cumplía órdenes».

Mengele continúa creyendo en aquello que hizo.

Sigue considerando inferiores a los judíos, mantiene intacto su racismo y continúa defendiendo las delirantes fantasías de pureza racial y expansión del pueblo alemán.

 

La guerra terminó, el Tercer Reich desapareció y sus crímenes fueron expuestos ante el mundo.

Él, sin embargo, no aprendió absolutamente nada.

 

Eso convierte al personaje en alguien todavía más despreciable.

 

Su paranoia permanente ante una posible captura por Israel o el Mossad tampoco genera compasión.

Al contrario. Hay algo casi satisfactorio en contemplar cómo vive pendiente de cualquier coche, cualquier desconocido o cualquier movimiento sospechoso.

El verdugo convertido en fugitivo perpetuo.

 

Pero sería consolador pensar que Mengele era simplemente un monstruo aislado.

La película tampoco concede ese alivio.

A su alrededor encuentra personas que lo protegen, lo comprenden o comparten buena parte de su pensamiento.

El nazismo no desapareció mágicamente en mayo de 1945.

Muchos nazis simplemente se quitaron el uniforme.

 

La desaparición de Josef Mengele termina siendo así la larga agonía de un verdugo sin arrepentimiento, un fanático incapaz de reconocer el horror que provocó y convencido hasta el final de que el equivocado era el mundo.

 

Mengele consiguió algo que demasiados criminales nazis consiguieron: morir sin ser juzgado.

 

No consiguió, al menos aquí, que lo recordemos con otra cosa que no sea desprecio.

 

Y después de dos horas contemplando su racismo, su fanatismo y su absoluta ausencia de remordimientos, cuesta encontrar una despedida elegante.

 

Así que tampoco voy a intentarlo.

 

Menudo hijo de puta. Muérete. Púdrete, cabrón.

 

Mi puntuación: 7,87/10.

 

August Diehl como Josef Mengele en La desaparición de Josef Mengele

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Escena de La desaparición de Josef Mengele

 

 

 

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Memory of Princess Mumbi – 2025 – Damien Hauser – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Memory of Princess Mumbi

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La princesa, la IA y el narrador que no se callaba ni debajo del agua

 

Memory of Princess Mumbi es una de esas películas que parecen empeñadas en demostrar que con imaginación, pocos medios y bastante desparpajo se puede montar todo un universo cinematográfico.

 

Ciencia ficción africana, romance, princesas, fronteras imaginarias, inteligencia artificial y una voz en off capaz de sobrevivir a un apagón nuclear.

 

Damien Hauser, cineasta keniano-suizo nacido en Zúrich en 2001, comenzó a realizar cortometrajes siendo prácticamente un niño y estudió cine en el SAE Institute.

 

Antes de Memory of Princess Mumbi había dirigido los largometrajes Blind Love (2021), Theo: A Conversation with Honesty (2022) y After the Long Rains (2023).

 

Con esta última película y con la que nos ocupa ha ido entrando en el circuito internacional de festivales. Memory of Princess Mumbi tuvo su estreno mundial en las Giornate degli Autori del Festival de Venecia de 2025.

 

Y premios, haberlos, haylos.

La película ganó el Golden Tulip a la mejor película en el Festival Internacional de Estambul de 2026, el Premio de la Crítica del Festival de Zúrich de 2025 y recibió una mención especial del Gran Premio Alquimias en la Seminci de Valladolid de 2025.

 

La acción nos lleva hasta 2093.

Kuve, un cineasta, viaja hasta el imaginario país africano de Umata para documentar las consecuencias de una guerra que ha terminado resucitando antiguos reinos.

Allí entra en escena Mumbi y, a partir de ahí, la película empieza a mezclar ciencia ficción, romance, falso documental y reflexión sobre la propia creación cinematográfica.

 

Sobre el papel parece que estamos ante una densísima reflexión geopolítica acerca del colonialismo, las fronteras artificiales, la tecnología y el futuro de África.

 

Pero luego la película decide que tampoco hace falta ponerse estupendos.

 

Porque en el fondo hay una historia de amor bastante sencilla y un triángulo romántico de los de toda la vida.

Puedes situarlo en 2093, meter inteligencia artificial y construir un reino africano retrofuturista, pero al final aparece un tercero y se monta el lío.

Shakespeare mirando desde el más allá pensando: «Tanta tecnología para terminar haciendo lo mismo».

 

Uno de los elementos más llamativos es precisamente la utilización de inteligencia artificial para construir buena parte de ese mundo futurista, una herramienta que permite a una producción pequeña plantear escenarios que mediante procedimientos tradicionales hubieran resultado mucho más costosos.

 

A veces canta bastante, claro.

 

Hay momentos en los que parece que la película estuviese sucediendo dentro de una ilustración animada creada a las cuatro de la mañana por alguien con insomnio, mucha cafeína y una cuenta prémium de generación de imágenes.

 

Pero, extrañamente, esa estética artificial termina otorgándole personalidad.

 

La película aparenta además ser enormemente compleja porque lanza ideas constantemente.

Hay una sensación permanente de torrente narrativo, de hiperactividad visual y verbal.

Todo sucede deprisa.

El montaje es frenético y continuamente están ocurriendo cosas o, peor todavía, explicándonos las cosas que están ocurriendo.

 

Y ahí llegamos a mi principal problema con Memory of Princess Mumbi.

 

La voz en off.

 

Esa voz en off interminable, persistente e invasiva que parece tener prohibido permanecer callada más de quince segundos.

 

Yo es que no puedo con la voz en off utilizada de esta manera (y posiblemente de ninguna posible).

 

Me parece casi siempre un recurso que evidencia cierta desconfianza hacia las imágenes.

Si todo lo que vemos necesita ser explicado continuamente, el cine empieza a parecerse peligrosamente a un audiolibro ilustrado.

 

Y aquí no hay tregua.

 

Cuando no habla el narrador, hablan los personajes.

Cuando dejan de hablar los personajes, vuelve el narrador.

Apenas existen momentos de silencio, contemplación o simple respiración cinematográfica.

 

Todo está verbalizado. Todo explicado. Todo subrayado.

 

Y termina agotando.

 

Es como estar encerrado durante 79 minutos con un amigo hiperactivo que te cuenta una historia mientras simultáneamente te explica por qué te la está contando y, de paso, mueve los brazos como un molino industrial.

 

Una pena, porque la película tiene imaginación, humor, ritmo y una evidente personalidad.

Funciona razonablemente bien como comedia romántica disparatada, algo así como meter ciencia ficción africana, anime romántico y telenovela futurista en una batidora industrial y pulsar el botón de máxima potencia.

 

No siempre funciona.

 

Pero cuando funciona resulta simpática y bastante divertida.

 

Así que aprobado raspadillo.

 

Como esos alumnos caóticos que entregan el examen lleno de flechas, tachones y dibujos absurdos y uno piensa que aquello va directo al suspenso.

 

Pero lo lees entero y terminas reconociendo que, en medio de semejante follón, hay talento e imaginación.

 

Mi puntuación: 5,55/10.

 

Kuve y Mumbi entre las ruinas de Umata en Memory of Princess Mumbi

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Músico con trompeta rodeado de mariposas en Memory of Princess Mumbi

 

 

 

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