El Blog de Hola Soy Ramón!

 

Amanece, que no es poco – 1989 – José Luis Cuerda – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

8/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

ACAZ · 1989

Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Surrurralismo en Molinicos

Pocas comedias españolas han generado tanta afición como Amanece, que no es poco. Una película de culto que, desde su estreno en 1989, sigue pareciéndome igual de fresca.

Javier Ocaña la calificó de «desternillante» en Cinemanía. Ángel Fernández-Santos, en El País, tituló su crítica «Ideas sin imágenes» y escribió que «la película pierde vértebras y rumbo en sus tramos finales».

El tiempo ha puesto unas cuantas cosas en su sitio.

La película funciona como una sucesión de sketches unidos por un pueblo imaginario que José Luis Cuerda armó con tres de verdad, Ayna, Liétor y Molinicos, en la Sierra del Segura albaceteña. Es una comedia coral, sin un relato lineal y sin que los personajes se atropellen ni se pisen las frases como en las películas de Berlanga.

Hay chistes que me hacen soltar una carcajada y otros que me dejan más frío. El tono aguanta y cada escena me deja con ganas de ver la siguiente. Cuanto más delirante se vuelve ese pueblo, más reconocible me resulta la España rural que hay debajo.

Hay frases que ya van por libre. Lo del sindiós, lo de que todos somos contingentes pero el alcalde es necesario y aquello de que «un hombre en la cama es un hombre en la cama». Hay quien las suelta sin haber visto la película.

Cuerda está en estado de gracia. Junta costumbrismo, humor absurdo, pasodoble y ópera, y consigue que todo encaje. Algunos chistes hoy pueden sonar políticamente incorrectos. Si me quedo solo con eso, me pierdo la crítica social que llevan dentro, unas veces disimulada y otras a la vista de todo el pueblo.

Una película soberbia, irrepetible. Una de las joyas del cine español.

Hay muchas pelis contingentes, pero esta es necesaria.

Mi puntuación: 8,62/10.

Cómo se hizo de culto

La presentación de gala fue el 13 de enero de 1989 en el Cine Gran Hotel de Albacete. Cuerda faltó por enfermedad.

El ICAA fecha el estreno comercial el 17 de enero.

La crítica estuvo dividida, pero los datos matizan la fama de fracaso.

Fue la sexta película española más vista de 1989, con 244.629 espectadores y 94,7 millones de pesetas de recaudación ese año.

El catálogo del ICAA registra 309.319 espectadores acumulados en España.

Tuvo tres candidaturas a los Goya, por guion original, sonido y efectos especiales.

El culto llegó con los años.

Las reposiciones televisivas le dieron nuevos espectadores y las frases se convirtieron en una contraseña entre quienes la habían visto.

Una película hecha de escenas que casi se pueden contar por separado tenía mucho recorrido cuando llegaron las redes.

Los Amanecistas se encontraron en Facebook, empezaron a organizar quedadas en 2011 y se constituyeron como asociación en 2013.

En 2019, por el treinta aniversario, el Festival de Málaga la distinguió como Película de Oro.

En febrero de 2020, tras la muerte de Cuerda, FlixOlé anunció que se había convertido en la película más vista de la plataforma desde su lanzamiento.

La Junta de Castilla-La Mancha inauguró en 2010 la ruta de Amanece, que no es poco por Ayna, Liétor y Molinicos.

Hay paneles en los lugares de rodaje, una réplica de la moto con sidecar y hasta un semillero de hombres.

Ayna tiene además un centro de interpretación.

La XIV Quedada Amanecista, en junio de 2026, incluyó recreaciones de escenas y una proyección en la que se animaba al público a cantar.

Visto así, el paso de la sala de cine a la plaza del pueblo era casi cuestión de tiempo.

José Luis Cuerda, del bosque al fin del mundo

El albaceteño José Luis Cuerda venía de trabajar en TVE.

Del disparate rural de Total y Así en el cielo como en la tierra a La lengua de las mariposas o Los girasoles ciegos, manejó registros muy distintos.

También dirigió El bosque animado y produjo Tesis y Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Volvió al absurdo en su última película, Tiempo después.

 

 

 

 

 

Dirigido por José Luis Cuerda:

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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The Spiral – L’estranea – 2026 – Paolo Strippoli – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

8/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de The Spiral

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

El precio de un favor

The Spiral es un drama familiar con algo de thriller y, sobre todo, una película de terror. Apenas hay sangre, no hay sustos y, aun así, me tuvo pendiente de qué desgracia iba a caerle a la familia a continuación.

Aviso de spoilers sobre los pactos.

El demonio en esta película tiene la cara de Valeria Bruni Tedeschi. No lleva la pinta de un monstruo de El laberinto del fauno ni de El día de la bestia. Se presenta como una mujer con la que Anna, el personaje de Jasmine Trinca, pacta una y otra vez. La desconocida le va tendiendo trampas y las consecuencias, aunque sea de rebote, las acaba pagando toda la familia.

Ahí está lo que más me ha interesado. La historia va de desgracia en desgracia y tenía todos los números para acabar en folletín. Paolo Strippoli aprovecha precisamente esa sucesión de calamidades para hacer una película de terror.

Es, sobre todo, una película de actrices. Jasmine Trinca está estupenda como Anna y Romana Maggiora Vergano también como su hija Alice. Y me encanta Adriano Giannini como Walter, el padre de familia y típico machito italiano. Parece que acaba de empaparse de Varón Dandy.

Una película muy valiosa.

Paolo Strippoli y el terror

Paolo Strippoli codirigió La clásica historia de terror con Roberto De Feo y después rodó Piove y La sonrisa del mal.

The Spiral (L’estranea) compitió en Venecia y llegó a los cines italianos el 8 de octubre de 2026.

En Sitges, The Spiral ganó el Méliès de Plata a la mejor película de género fantástico y Jasmine Trinca recibió el premio a la mejor interpretación femenina.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Otro fotograma de The Spiral

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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Petty Thieves – Sitni lopovi – 2026 – Mate Ugrin – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

8/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de Petty Thieves

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Dos ladrones y un poco de cariño

Petty Thieves tiene una trama sencilla. Es un drama personal con algún toque de thriller que se mete en la vida poco gratificante de Rio, un muchacho reservado, callado y poco comunicativo.

Trabaja de pinche de cocina de la costa de Istria y vive solo. El abuelo tiene demencia y la abuela, desbordada por los cuidados, se ha echado un novio italiano.

Rio se busca sus propias escapatorias. Hay encuentros en el bosque que dejan entrever que quizá mantenga relaciones sexuales ocasionales con otros hombres. Y de vez en cuando roba alguna cosa. A mí me da la impresión de que lo hace más por la emoción que por lo que pueda sacar.

Y va Andrea y se fija en él. Andrea es despampanante, luminosa, y también se las apaña como puede. Comparte piso con una amiga y trabaja en un hotel de lujo que difícilmente podría permitirse como clienta. Cuando lo pilla robando, le propone actuar en colaboración.

Lo que más me ha gustado es la relación que se forma entre los dos. Hay amistad, hay cariño y no hay sexo. Quizá a Rio le atraigan los hombres. La película lo sugiere y lo deja ahí. A mí esa relación me parece estupenda, muy bonita.

Tea Ljubešić me parece una actriz estupenda. Tiene un físico impresionante y es de esas actrices que dejan huella en la pantalla.

Me ha gustado la película por cómo retrata a estos jóvenes un poco desvalidos, con pocas expectativas y una vida bastante triste. Se hacen compañía y se cogen cariño. A los dos les hacía falta.

El primer largo de Mate Ugrin

El director y guionista croata Mate Ugrin rodó los cortos Meanwhile, Prazni sati y Everything Ahead.

Este último ganó el Corazón de Sarajevo al mejor cortometraje en 2021.

Petty Thieves (Sitni lopovi), su primer largo, se estrenó en Karlovy Vary, donde ganó el Premio FIPRESCI de la sección Proxima.

Olivier Voisin obtuvo la Arena de Oro al mejor diseño de sonido en Pula.

En Sevilla se proyectó en la sección Rampa.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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La desconocida – L’inconnue – 2026 – Arthur Harari – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

8/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Léa Seydoux entre la gente en una fiesta en La desconocida

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Tanto cambio de cuerpo y tan poco ritmo

La desconocida había despertado bastante expectación en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Sobre el papel, la mezcla de intriga, drama y fantasía tenía su aquel. A mí me ha parecido un fiasco tremendo.

Lo de cambiar de cuerpo ya lo hemos visto unas cuantas veces, casi siempre en clave de comedia. Arthur Harari se lo lleva al drama, casi a la tragedia.

David se despierta en el cuerpo de una mujer a la que acaba de conocer, después de una inexplicable relación sexual. La idea tiene posibilidades. ¿Estamos ante una nueva ETS?

Aviso de spoilers a partir de aquí.

Hay varios cambios de cuerpo y suceden sin que la película aclare por qué. A mí me obligó a estar todo el rato separando la cara que veía de la persona que llevaba dentro. Me costó un esfuerzo considerable. Y ahí había una buena tragedia. Imagínate tener a tu familia delante y que, con ese cuerpo, ya no puedas acercarte a los tuyos y abrazarlos como antes. Esa idea sí me interesa. Su desarrollo se me hizo tedioso.

La fotografía me parece fea. La ambientación, también. Los personajes me resultaron desagradables y los sentí lejos durante toda la película. Y, mientras yo trataba de aclararme con quién era quién, la trama seguía metiendo cosas con calzador. Hay pasajes enteros que me parecieron gratuitos.

Dura 139 minutos. A mí me pareció más larga que Doctor Zhivago. Me abrumó, me agotó y, con ese ritmo, me cuesta imaginar a quién le puede apetecer tanta tristeza y tanta fealdad juntas.

Hay películas tristes y feas que me gustan. Esta es triste, fea y, además, mala.

De Onoda a La desconocida

Arthur Harari dirigió Onoda, 10.000 noches en la jungla y ganó con Justine Triet el Óscar al mejor guion original por Anatomía de una caída.

Para La desconocida llevó al cine El caso David Zimmerman, la novela gráfica que firmó con su hermano Lucas Harari.

La película compitió en Cannes y en la Sección Oficial de Sevilla, y ganó ex aequo el Premio Jean Vigo de largometraje.

Llegó a los cines franceses el 26 de agosto de 2026.

Unifrance sitúa el estreno español en abril de 2027.

 

Mi puntuación: 3,53/10.

 

 

Léa Seydoux se mira en un espejo de mano en La desconocida

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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Elephants in the Fog – 2026 – Abinash Bikram Shah – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

8/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de Elephants in the Fog

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Una familia hecha a pulso

¿Qué pinta una película de Nepal en el Festival de Cine Europeo de Sevilla? Pues que Elephants in the Fog es una coproducción de Nepal, Francia, Alemania, Brasil y Noruega. Para muchas películas como esta, encontrar socios fuera de casa es una manera de poder rodar en casa.

En Elephants in the Fog hay elementos de drama social, thriller y fantástico que encajan de manera muy orgánica.

 

Pirati es la madre de una familia de mujeres kinnar, una comunidad tradicional de tercer género. Aquí las familias se construyen. Hay una madre, unas hijas y unas reglas que pesan lo suyo, entre ellas el voto de celibato. Y resulta que Pirati está enamorada del maestro del tambor. Me ha gustado mucho cómo se cuenta ese amor. Hay una ternura entre los dos que hace fácil entender las ganas que tiene ella de marcharse con él.

Luego desaparece Apsara, una de sus hijas, una chavala de su tiempo que tiene ganas de divertirse. La policía se encoge de hombros y a Pirati y las suyas les toca buscarla. En cuanto empiezan a hacer preguntas incómodas, queda bastante claro a quién se le permite pedir explicaciones en el pueblo.

Me interesó mucho la posición de Pirati. Hay vecinos que recurren a ella para librarse de los malos espíritus, y eso le granjea algún apoyo. Pero basta con que su familia ponga en cuestión a gente del pueblo para que esa deferencia se esfume.

La película retrata bien esa forma de tolerancia que dura justo lo que le conviene al que la concede.

Ahí es donde más me interesa la película.

La transfobia y el difícil encaje de estas mujeres se entienden viendo para qué les sirve esa familia y cuánto les exige.

Pirati quiere vivir su propia vida.

En cuanto falta una hija, se ve cuánto dependen unas de otras para salir adelante.

De un corto premiado a su primer largo

El director y guionista nepalí Abinash Bikram Shah recibió una mención especial en Cannes por su corto Lori en 2022.

También coescribió Shambhala, que compitió en la Berlinale en 2024.

Elephants in the Fog, su primer largometraje, se estrenó en Un Certain Regard de Cannes, donde ganó el Premio del Jurado.

Nepal la seleccionó para representarlo en los Óscar y Sevilla la programó en su Sección Oficial.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

 

Otro fotograma de Elephants in the Fog

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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Sin expectativas – Low Expectations – 2026 – Eivind Landsvik – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

8/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de Sin expectativas

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Volver a clase cuando se apagan los focos

Maja ha triunfado como cantante y el éxito le ha venido grande. Ahora está deprimida, se le han secado las ideas y vuelve a la casa donde creció con la madre que la crio sola. Su nuevo trabajo consiste en vigilar exámenes en un instituto. Menudo cambio de público.

Me gusta cómo Sin expectativas retrata la tristeza de Maja y, sobre todo, cómo cuenta su recuperación. Hay días en los que un encuentro o un pequeño gesto bastan para que avance un poco. Y también hay decisiones de las que uno se arrepiente al minuto siguiente. Viendo algunas de las que toma Maja, me pregunto cuántas de ese mismo estilo la llevaron al desastre.

El instituto le sienta bien a la película. Aida, una de las alumnas, me hizo pensar en cómo habría sido Maja a su edad. La chica también tiene sus problemas y va encontrando su manera de salir adelante. Eivind Landsvik mira con el mismo cariño a la cantante que vuelve a casa y a la adolescente que todavía está descubriendo qué hacer con su vida.

Está excelente Marie Ulven, cantante noruega conocida como girl in red, en su primer papel como actriz. Se le nota el cansancio hasta cuando tiene que hacer algo tan sencillo como pasar el rato en un aula.

Es una película sencilla y bien contada. Me gusta que se pueda permitir el optimismo sin quitarle peso a la tristeza.

De los videoclips a Cannes

El noruego Eivind Landsvik empezó dirigiendo videoclips.

Su corto Sofia, Last Summer ganó el premio de la crítica en el Festival Noruego de Cortometrajes y Tits compitió en Cannes en 2023.

Sin expectativas (Lave forventninger), su primer largometraje, se estrenó en la Quincena de Cineastas de Cannes en 2026.

Llegó a los cines noruegos el 11 de septiembre y pasó por la Sección Oficial del Festival de Sevilla.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

 

Otro fotograma de Sin expectativas

 

 

Ficha: En este enlace.

 

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All About Corinne – Ni vue ni connue – 2026 – Marc Fitoussi – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

7/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de All About Corinne

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Figurante con derecho a réplica

Corinne Maclou lleva media vida de figurante y está convencida de que se merece un papel protagonista. Deja el currículum por donde pasa, protesta cuando algo le parece mal y tiene el don de complicar un rodaje en el que se suponía que solo tenía que pasar por detrás.

Cuando conoce a Sandrine Kiberlain y encuentra en ella cierta simpatía, cree que por fin le ha llegado la oportunidad.

Hay dos cosas que me chirrían. La primera es la edad. Isabelle Huppert está muy bien, pero para este personaje me habría cuadrado más una actriz de unos cincuenta años. Con los setenta y tantos de Huppert, esa convicción de que su gran oportunidad está a la vuelta de la esquina me cuesta más de creer.

La segunda es que Corinne me resulta irritante. Entiendo que se rebele contra el sitio que le han asignado, pero es de esas personas que, cuando por fin encuentran a alguien dispuesto a escucharlas, estiran tanto el chicle que terminan por reventarlo todo. Hasta yo, que quiero que le den una oportunidad, acabo entendiendo que alguno se esconda al verla venir con el currículum.

Lo más interesante es cómo se ven las clases sociales dentro de un rodaje. Aquí hablamos de actrices porque ellas llevan la película. Hay quien tiene nombre, quien tiene un papel y quien está para pasar al fondo. Subir un peldaño cuesta una barbaridad, y si encima eres rebelde en el escalón que te ha tocado, vas a pasarlo mal. Eso vale para un rodaje y para casi cualquier sitio.

Diane Kruger, Ana Girardot y Anne Marivin aparecen como ellas mismas.

Sandrine Kiberlain también interpreta una versión de sí misma, con más espacio para mostrar cómo se le va agotando la paciencia con Corinne.

Están todas estupendas.

Elogiar a Isabelle Huppert es lo más fácil del mundo.

En esta película, que me ha parecido muy interesante, yo me quedo con Kiberlain.

Marc Fitoussi, otra vez entre actrices

Marc Fitoussi ya había dirigido a Isabelle Huppert en Copacabana y Luces de París.

También ha rodado episodios de Call My Agent!, la serie francesa sobre una agencia de representación artística.

En All About Corinne vuelve a las tripas del oficio desde el punto de vista de quien apenas sale en el plano.

La película clausuró el Festival de Locarno, se estrenó en cines franceses el 7 de octubre de 2026 y se presentó en la Sección Oficial Fuera de Competición del Festival de Sevilla.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Otro fotograma de All About Corinne

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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¡Viva Carmen! (Animación) – Carmen, l’oiseau rebelle – 2026 – Sébastien Laudenbach – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

7/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de ¡Viva Carmen!

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

La fatalidad no va en gris

En ¡Viva Carmen!, Sébastien Laudenbach lleva a la animación la historia de Prosper Mérimée y la ópera de Georges Bizet con un trazo grueso, a brochazos. Las manchas de color me recuerdan a Paul Gauguin, y esa paleta tan deliberadamente artificiosa tiene algo del Matisse fauvista. A ratos los colores chillan. Y les sienta estupendamente.

Lo que más me interesa es la pandilla. Son chavales a los que sus padres y la sociedad han dejado tirados. Se buscan la vida como pueden y, entre tanto desamparo, se tienen los unos a los otros. Hay una historia de amistad ahí que funciona muy bien.

Y luego está Carmen, gitana, bellísima y dueña de sus ganas. A su alrededor hay hombres que confunden enamorarse con adquirir derechos. De ahí salen unos amores de lo más tóxicos.

Hay ratos alegres y golpes de comedia, pero la fatalidad se cuela hasta en los colores más chillones.

La película me interesa, me divierte a ratos y me llega lo justo.

Todo encaja muy bien, aunque la emoción se me queda un poco por debajo de lo que promete semejante tragedia.

De un cuento de los Grimm a la ópera de Bizet

Sébastien Laudenbach debutó en el largometraje con La joven sin manos, a partir de un cuento de los hermanos Grimm.

Después codirigió con Chiara Malta ¡Linda quiere pollo!, que ganó el Cristal al mejor largometraje en Annecy en 2023.

En ¡Viva Carmen! firma el guion con Santiago Otheguy y pone a los chavales de la calle en el centro de una historia que suele contarse desde los adultos.

La película pasó por la Quincena de Cineastas de Cannes y la competición de Annecy, y fue la elegida para abrir el Festival de Sevilla.

Su estreno comercial en Francia está anunciado para el 16 de diciembre de 2026.

En España, el lanzamiento corre a cargo de Elástica Films y Filmin.

 

Mi puntuación: 7,75/10.

 

 

Otro fotograma de ¡Viva Carmen!

 

 

Ficha: En este enlace.

 

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Un largo invierno – A Long Winter – 2026 – Andrew Haigh – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

7/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de A Long Winter

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Demasiado guapa para esas montañas heladas

He empezado el Festival de Sevilla con Un largo invierno.

Colorado, 1951. Las montañas son preciosas, la nieve queda de maravilla y, si uno se limita a mirar, aquello parece un sitio estupendo para vivir. Otra cosa es tener que ganarse allí la vida. O sobrevivir, que ya tiene su mérito.

En una localidad de la que la gente se va, dos hermanos sueñan con cosas distintas. Tommy (Kit Connor) se alista y se marcha a la guerra de Corea. Mike (Fred Hechinger) quiere quedarse. El padre (Ebon Moss-Bachrach) es un tipo austero que trabaja duro. La madre, Louise (Caitríona Balfe), parece demasiado sofisticada para aquella vida y tiene problemas con la bebida.

Y entonces Louise desaparece. Desde el principio uno sospecha por dónde van los tiros, pero Andrew Haigh mantiene la tensión hasta el final. Se toma su tiempo para mirar ese paisaje y a esa familia. Casi todo se sugiere, poco se dice en voz alta y, debajo de tanta contención, hay pasiones de sobra. A ratos roza el folletín. Está tan bien narrada que se lo perdono encantado.

La fotografía de André Turpin me parece excepcional.

Hay momentos de pura poesía en esas montañas, que dan ganas de contemplar y, al mismo tiempo, de salir de allí pitando.

El reparto está estupendo, pero yo me quedo con Caitríona Balfe. Incluso cuando desaparece, su personaje sigue pesando en cada conversación de esa casa.

Y sí, demasiado guapa para esas montañas heladas.

De quién viene este frío

Andrew Haigh firma la dirección y el guion, a partir de un relato de Colm Tóibín.

Ya había contado un encuentro de apenas dos días en Weekend y una crisis matrimonial en 45 años.

Entre sus otros trabajos están Lean on Pete y Desconocidos, con Andrew Scott y Paul Mescal.

La película es una coproducción del Reino Unido y Canadá que compite en la Sección Oficial del Festival de Sevilla.

Su estreno en cines españoles está previsto para el 19 de febrero de 2027, de la mano de MUBI.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Ficha: En este enlace.

 

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Las ciegas hormigas – Inurri itsuak – 2026 – Igor Legarreta – #YoVoyAlCine

6/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Las ciegas hormigas

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Carbón para el invierno

Pocas películas tan vascas como Las ciegas hormigas.

Estamos en la Algorta de los años treinta, muy lejos de la prosperidad de la Algorta de hoy.

El carbón alimentaba los altos hornos y daba trabajo a mucha gente que vivía en precario.

Cuando un barco inglés cargado de carbón encalla en plena tormenta, para una familia ese cargamento puede significar algo tan sencillo como pasar el invierno sin helarse.

Urko Olazabal interpreta a Sabas, un padre de familia que ve ahí su oportunidad y arrastra a sus hijos al empeño.

Su mujer, Josefa, interpretada por Itziar Ituño, ve en el naufragio y en ese temporal un mal presagio.

La película está magníficamente rodada.

Tiene la aspereza de esa vida y la de ese carbón empapado de agua de mar que Sabas se empeña en salvar.

Es triste, descarnada, sin melancolía.

Josean Bengoetxea está estupendo y Carlos Santos también, como el teniente García, un guardia civil que sabe muy bien a quién sirve.

Hay un detalle que me gusta mucho. El hijo pequeño mira a ese padre tan duro con odio y con admiración al mismo tiempo. Y algo de esa admiración se me acaba pegando. Entiendo que el chaval lo odie por meterlos en semejante empeño y, aun así, admiro que el hombre siga intentándolo.

Aviso de spoilers.

La conclusión es amarga.

Sabas puede dejarse la piel y hasta hacer trampas.

El rico seguirá siendo rico y sus esbirros, con el teniente García a la cabeza, seguirán sirviéndole.

La ocasión de calentar la casa dura lo que dura la pelea por el carbón.

El sitio que les toca a los pobres en ese mundo sigue siendo el mismo.

Muy triste.

Pero es la vida.

Igor Legarreta, de Todas las lunas a Algorta

Igor Legarreta debutó en el largometraje con Cuando dejes de quererme y después rodó Todas las lunas.

También ha dirigido episodios de Operación Marea Negra.

Para su tercer largo adapta, junto a Andoni de Carlos, la novela homónima de Ramiro Pinilla, ganadora del Premio Nadal.

Las ciegas hormigas tuvo su estreno mundial en Zinemira, la sección de cine vasco del Festival de San Sebastián.

Llegó a los cines españoles el 9 de octubre de 2026, distribuida por Buena Vista International.

 

Mi puntuación: 7,77/10.

 

 

Primer fotograma de Las ciegas hormigas

 

 

Dirigido por Igor Legarreta:

Igor Legarreta, retrato de Matteo Rovella

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Segundo fotograma de Las ciegas hormigas

 

 

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Ceniza en la boca – 2026 – Diego Luna – #YoVoyAlCine

6/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Ceniza en la boca, con Lucila y Diego

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

A Lucila le toca todo

Ceniza en la boca gira alrededor de Lucila. Diego Luna nos cuenta la historia con sencillez y nos pone de su lado al hacernos ver lo que pasa a través de sus ojos. Para eso tiene a Anna Díaz, que sostiene la película entera.

A Lucila le toca bregar con un trabajo precario en España y con un hermano menor que va al instituto y se mete en líos. También le toca volver a vivir con la madre que se marchó cuando ella era pequeña. Bastante tiene la chiquilla con sacar adelante el día.

Irene Escolar está estupenda, como siempre, en un papel secundario. Ya le ha llegado esa edad que tiene el cine para las actrices, cuando de pronto te ponen de madre y de jefa que aprieta. Y qué gusto ver también a Adriana Paz, una de las grandes del cine mexicano, y a Laura Gómez. Estupendas todas.

Hay misoginia, racismo y presión familiar. Todo eso se le va acumulando a una muchacha que hace lo que puede.

Me gusta que la película cuente esa carga desde el día a día de Lucila, entre lo que le exigen en el trabajo y lo que esperan de ella en casa.

Aviso de spoilers.

Cuando Lucila vuelve a México, quizá espera encontrar el país que se había imaginado desde lejos.

Lo que encuentra puede ser aún más peligroso que lo que dejó en España. El tramo con su tío, el capitán, tiene mucha tensión.

Al final, Lucila repite la huida que emprendió su madre años antes.

Me gusta mucho cómo lo cuenta Luna.

Vuelve al mismo encuadre de la ventana con el que abrió la película.

La imagen es la misma.

Lo que sabemos de aquella huida ha cambiado.

Diego Luna detrás de la cámara

Diego Luna debutó en la dirección con el documental J. C. Chávez.

Después rodó Abel, que ganó el Premio Horizontes y el Premio de la Juventud en San Sebastián, y dirigió César Chávez y Sr. Pig.

Ceniza en la boca es una coproducción de México y España que adapta la novela homónima de Brenda Navarro.

Pasó por las sesiones especiales de Cannes, ganó el Premio Agenda 2030 Euskadi Basque Country en San Sebastián y el de mejor guion en el Festival de Roma, donde se reconoció el trabajo de Abia Castillo, Diego Rabasa y Diego Luna.

Avalon la estrenó en los cines españoles el 9 de octubre de 2026.

 

Mi puntuación: 7,67/10.

 

 

Lucila en una calle de Madrid en Ceniza en la boca

 

 

Dirigido por Diego Luna:

Diego Luna en el Festival de Toronto
Foto de Marlene Landu · CC BY-SA 4.0

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Lucila y Diego en bicicleta en Ceniza en la boca

 

 

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Esta soledad – 2026 – Javier Giner – #YoVoyAlCine

6/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Esta soledad

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Dos vidas en números rojos

Leo y Lorea han roto. Seguimos sus vidas en paralelo y, en las dos, el marcador se parece bastante.

Él es actor y trabaja de cajero en un supermercado.

Ella es escritora y trabaja de camarera.

Las vocaciones son distintas. La precariedad les ha dado el mismo papel.

Oriol Pla y Marina Salas están soberbios. Los dos nos meten de lleno en esas vidas que cabalgan en el fracaso, la derrota y la tristeza.

Intentan rehacerse en un mundo que les resulta hostil. Y cuando buscan un poco de compañía, ahí es donde más se nota el desamparo.

Aviso de spoilers.

Magnífica también Gemma Martínez como Irati. Es un personaje complejo, lleno de matices. Su papel en la vida de Lorea me parece un eco de otra de las traiciones que sufre.

En una película donde hace tanta falta alguien en quien apoyarse, esa traición pesa lo suyo.

Javier Giner vuelve a sorprenderme. Ha hecho una película desoladora. Y estupenda.

De Yo, adicto a su primer largo

Javier Giner cocreó con Aitor Gabilondo la serie Yo, adicto, basada en su propia experiencia y también protagonizada por Oriol Pla.

La serie ganó los premios a mejor serie nacional y del público en Serielizados 2024.

Esta soledad es su primer largometraje y lo firma como guionista junto a Luisa Matienzo.

Se presentó en New Directors, en el Festival de San Sebastián, y llegó a los cines españoles el 30 de octubre de 2026 de la mano de Filmax.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

 

 

 

 

Dirigido por Javier Giner:

 

Retrato de Javier Giner, fotografía de Nacho López

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Arriba Tutto – 2026 – José Mota – #YoVoyAlCine

6/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Arriba Tutto

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

La vida es bella, aunque la música se empeñe

El debut de José Mota como director, Arriba Tutto, viene hasta arriba de efectos. El arranque me parece ridículo y esa sensación me acompaña durante toda la película. Es sensiblera, ñoña y, por momentos, muy tonta. La música se empeña tanto en decirme cuándo me tengo que emocionar que casi dan ganas de llevarle la contraria. Y hay chistes tan simples que acaban molestando.

Y, con todo, me ha enternecido. Me ha emocionado.

Me gusta esa idea de que la risa puede plantarle cara a la dictadura, a la censura, a la opresión y hasta al crimen. José Mota cree que la comedia lo puede todo. Yo le compro esa idea y, con todos los defectos de la película, también la alegría con la que la defiende.

Lo de La vida es bella salta a la vista. ¿Homenaje o préstamo con demasiada confianza? Ahí tengo mis dudas. Lo que sí me gusta de las dos películas es esa manera de defender la vida con humor y alegría cuando todo alrededor se va al carajo.

Funciona muy bien el dúo entre José Mota y Pablo Cabello, que interpreta estupendamente al mismo personaje de niño.

Karra Elejalde, que siempre está bien, también lo está aquí, aunque me parece que Mota lo dirige mal y le deja sobreactuar.

Y Olivia Molina, con esos ojos y esa presencia, resplandece.

Me hace gracia lo de Diego Anido. Lo mismo te hace de etarra en La infiltrada que de capitán franquista aquí, y los dos le salen bien. A este paso se nos queda de malo oficial del cine español.

De actor a director

Arriba Tutto es el primer largometraje que dirige José Mota, que también lo protagoniza y firma el guion con otros cinco autores.

Como actor, fue candidato al Goya a mejor actor revelación por La chispa de la vida, de Álex de la Iglesia.

La película se preestrenó en una gala de RTVE en el Festival de San Sebastián y llegó a las salas españolas el 22 de octubre de 2026 de la mano de A Contracorriente Films.

 

Mi puntuación: 6,75/10.

 

 

Escena de Arriba Tutto dentro de la caravana

 

 

Dirigido por José Mota:

 

José Mota

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Escena de Arriba Tutto con un militar y el niño

 

 

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The Green Eyes – Les yeux verts – 2026 – Fanny Liatard, Jérémy Trouilh – Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026 – @festivalsevilla – #23FestivalSevilla #SEFF2026

5/11/2026

 

 

 

 

Cabecera del Festival de Sevilla 2026

 

 

Cartel 1 del Festival de Sevilla 2026: Antonio Banderas

 

 

Fotograma de The Green Eyes

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Cuando la vigilia da más miedo

En The Green Eyes, una familia que ha huido de Irak intenta rehacer su vida en las Landas francesas. Quedan el padre y sus dos hijos, Nour, que es adolescente, y Chaya, de once años. Los tres cargan con la pérdida de la madre.

Les deniegan el asilo, les dan un mes para abandonar Francia y Nour cae en un sueño profundo del que nadie consigue despertarlo.

Me acordé de Vida en pausa, de Alexandros Avranas, que vimos en el Festival de Sevilla en 2024. Aquella película también se ocupaba del síndrome de resignación, en una familia que pedía asilo en Suecia.

El bloqueo de Nour me hace pensar en los trastornos conversivos, que la antigua psiquiatría englobaba entre las llamadas neurosis histéricas.

Hoy se habla de trastorno neurológico funcional cuando corresponde ese diagnóstico. Sus síntomas son reales y pueden parecerse a los de otras afecciones neurológicas.

La película, por su parte, presenta el caso de Nour como síndrome de resignación.

A Chaya le toca intentar despertar a su hermano cuando apenas hay un adulto que pueda ocuparse de ella.

La ayudan su profesora, interpretada por una extraordinaria Anamaria Vartolomei, eficaz como siempre, y un amigo de Nour. Cada uno entiende de una manera distinta lo que significa ayudar, y eso hace más interesante la situación de la niña.

La película funciona especialmente bien cuando entra en los sueños.

Hay momentos muy poéticos en ese mundo que los chavales se construyen para protegerse de una sociedad que les da la espalda y de un futuro que se les abre como un abismo.

Ahí se entiende por qué el sueño puede resultar más habitable que la vigilia.

Me ha gustado cómo está concebida.

De un barrio que sueña con el espacio a un sueño del que cuesta salir

Fanny Liatard y Jérémy Trouilh empezaron a trabajar juntos en cortos como Gagarine y Chien bleu.

Volvieron al primero para convertirlo en su debut en el largometraje, seleccionado por Cannes en 2020.

Allí, un adolescente que soñaba con ser cosmonauta se resistía a que demolieran su barrio.

En su segundo largo vuelven a mirar una amenaza muy concreta a través de la imaginación de quienes la sufren.

The Green Eyes inauguró el Festival de Locarno y se presentó en Alumbramiento, en el Festival de Sevilla.

Haut et Court anuncia su estreno en cines franceses para el 11 de noviembre de 2026.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Otro fotograma de The Green Eyes

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Tráiler de la película en YouTube

 

 

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Azcona y Cía. – Bichobola – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

3/11/2026

 

 

 

 

 

 

Conferencia audiovisual

Azcona y Cía.

Un recorrido por el cine de Rafael Azcona

 

Cartel de la conferencia audiovisual Azcona y Cía.

Sobre la conferencia

Una conferencia audiovisual dedicada a Rafael Azcona, uno de los grandes guionistas de la historia del cine español y figura fundamental de nuestra cultura.

A través de algunas de sus películas más emblemáticas, recorreremos la trayectoria de un creador que supo retratar, con humor, ironía y mirada crítica, las contradicciones de la sociedad española.

Pero Azcona fue mucho más que un guionista. Novelista y escritor de gran talento, desarrolló un universo propio en el que el humor y la sátira se convierten en herramientas para observar y comprender al ser humano.

Cinco décadas dedicadas al arte cinematográfico. Un viaje acompañado por algunos de los nombres más ilustres de la historia del cine español.

 

Jueves, 29 de octubre · 18:30

En el EJE · Conferencia impartida por Bichobola

 

 

 

 

 

 

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Ciudad de las Estrellas (Serie TV) – Star City – 2026 – Ben Nedivi (Creador), Matt Wolpert (Creador), Ronald D. Moore (Creador) – Apple TV

3/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Ciudad de las Estrellas

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Cosmonautas, espías y un techo que oye

Ciudad de las Estrellas —Star City en el original— nos lleva al otro lado del Telón de Acero en la realidad alternativa de Para toda la humanidad.

En esta línea temporal, la Unión Soviética se convierte en la primera nación en llevar a un hombre a la Luna.

La serie se mete en el mundo de los cosmonautas, los ingenieros y los agentes de inteligencia infiltrados en el programa espacial soviético.

La ciudad de Star City funciona como un pequeño universo cerrado: allí se mezclan las intrigas políticas, el espionaje y los líos sentimentales.

La NASA y Cabo Cañaveral quedan al otro lado de la Guerra Fría.

La fotografía gris, oscura y llena de niebla retrata una Unión Soviética con poco sol y mucha vigilancia.

Es la época de Brézhnev, con un Estado que lo controla casi todo y ve peligros para el régimen hasta debajo de la cama. Y, por si fuera poco, también convierte a sus cosmonautas en atracciones itinerantes para pregonar las grandezas soviéticas. La propaganda espacial tenía público a ambos lados del océano.

La serie se mueve entre el thriller, la ciencia ficción y la Guerra Fría.

Tiene una trama muy densa, a veces demasiado enrevesada, y me da la impresión de que en los últimos capítulos pierde algo de fuelle. Aun así, me ha resultado muy interesante.

Sobre la serie y sus creadores

Ciudad de las Estrellas es un spin-off de Para toda la humanidad, creado por Ben Nedivi, Matt Wolpert y Ronald D. Moore.

La primera temporada tiene ocho episodios y se estrenó en Apple TV el 29 de mayo de 2026.

El final de temporada se publicó el 10 de julio.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

Rhys Ifans y Anna Maxwell Martin en Ciudad de las Estrellas

 

 

Creada por Ben Nedivi, Matt Wolpert y Ronald D. Moore:

 

Ben Nedivi

Ben Nedivi

 

Matt Wolpert

Matt Wolpert

 

Ronald D. Moore

Ronald D. Moore

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Escena invernal de Ciudad de las Estrellas

 

 

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Wicker – 2026 – Alex Huston Fischer, Eleanor Wilson – #YoVoyAlCine

2/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel de Wicker en inglés

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Un hombre de mimbre contra las buenas costumbres

Wicker parece un cuento medieval. Sus personajes reciben el nombre del oficio o del lugar que ocupan en la sociedad: el tabernero, la pescadora, el sastre… Y las mujeres son «la mujer del tabernero», «la mujer del sastre». No hace falta subrayarlo mucho: el patriarcado ya viene con cartel.

En las bodas, la novia jura obediencia al marido y recibe un collar que parece más propio de un perro que de una persona.

En esa comunidad irrumpe un hombre de mimbre que no sigue las reglas: es delicado, trabajador, responsable y le dice cosas bonitas a su mujer. Una combinación tan sencilla resulta suficiente para que lo envidien y lo odien.

Yo salí de la película hablando con una persona de Multicines Guadalajara. Le dije que no tenía claro cuál era su mensaje. Me hizo falta dormir una noche y darle vueltas para verlo; quizá era obvio, pero precisamente esa obviedad me lo había tapado.

La moraleja, al menos como yo la entiendo, es que cuando alguien se sale de unas normas establecidas —aunque sean nefastas— la sociedad lo mira mal, lo persigue y lo castiga. La envidia mueve ese pueblo y también pone en marcha el desastre.

Aviso de spoilers: a continuación comento algunos detalles de los personajes.

Olivia Colman está desmesuradamente bien como una mujer fea, sucia y maloliente que, pese a todo, resulta atractiva. Es maravilloso cómo hace funcionar esa contradicción.

Elizabeth Debicki, su oponente, es todo lo contrario: limpia, aseada, delgada, alta y bella. Intenta invertir las normas de la comunidad, pero no lo consigue.

Y Peter Dinklage es una especie de Pepito Grillo moralizante del pueblo.

La película tampoco esquiva el lenguaje sexual ni las palabrotas de la vida cotidiana que el cine y el teatro suelen disimular.

A mí me ha parecido exquisita: la he disfrutado, me ha divertido y también me ha emocionado.

Sobre sus directores y el relato original

Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson ya habían dirigido juntos Save Yourselves! (2020).

Wicker adapta el relato corto The Wicker Husband, publicado en 2008 por Ursula Wills.

La película dura 105 minutos y en España está clasificada como no recomendada para menores de 16 años; Vértice Cine la estrenó el 30 de octubre de 2026.

 

Mi puntuación: 8,68/10.

 

 

Un artesano trabajando con mimbre en Wicker

 

 

Dirigido por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson:

 

Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer

 

 

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La pareja protagonista de Wicker bailando

 

 

La protagonista de Wicker con sombrero

 

 

Ilustración promocional de Wicker en una cubierta de libro

 

 

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Leones en invierno – 2026 – Albert Pintó – #YoVoyAlCine

2/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Leones en invierno

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Un thriller de lujo, pasado de cocción

Leones en invierno arranca como un thriller trepidante, con un comienzo brillante. Pero, según avanza el metraje, se va desplomando. Las escenas que deberían subir la adrenalina y la tensión dramática pierden credibilidad una tras otra: algunas chirrían y otras llegan a parecer ridículas.

La fotografía es buena y el montaje, efectista. Pero la película quiere construir una tensión argumental y narrativa que no consigue. Lo que prometía ser un terremoto de acción acaba resultando tedioso y poco creíble.

Lo que más me desconcierta es lo mal dirigidos que están algunos intérpretes extraordinarios, como Luis Zahera, Roberto Álamo, Inma Cuesta y Luis Callejo. Algunos diálogos y planteamientos son absolutamente ridículos. Cuesta entender que con semejante reparto la película consiga que todo suene tan falso.

Es como preparar una receta con ingredientes magníficos y combinarlos mal, pasarse con la cocción o quedarse corto. Aquí la receta no ha salido. Lo siento, pero no me creo nada.

Sencillamente, un fracaso.

Sobre Albert Pintó

Albert Pintó ha dirigido películas como Malasaña 32, Nowhere y Tierra de nadie.

También ha trabajado en series como La casa de papel y Sky Rojo.

Leones en invierno adapta la novela homónima de Carlos Augusto Casas.

El ICAA la clasifica como no recomendada para menores de 16 años.

 

Mi puntuación: 3,22/10.

 

 

Escena de Leones en invierno

 

 

Dirigido por Albert Pintó:

 

Retrato del director Albert Pintó

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Escena de Leones en invierno

 

 

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Wildwood: El bosque salvaje (Animación) – 2026 – Travis Knight – #YoVoyAlCine

2/11/2026

 

 

 

 

Ramón junto a Marlon Brando, Monica Bellucci, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Gal Gadot y Cary Grant

 

 

Cartel español de Wildwood: el bosque salvaje

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

La Capilla Sixtina del stop motion

 

Pocas veces he visto una película de animación en stop motion tan ambiciosa como Wildwood: El bosque salvaje.

Hay momentos en los que se amontonan cientos de personajes en pantalla y cada detalle parece trabajado con una paciencia sobrehumana.

La técnica es apabullante; casi puede hacer que el fondo quede sepultado bajo tanta maravilla.

Su mayor problema es que no termina de encontrar a quién dirigirse. No es una película infantil: en España está clasificada como no recomendada para menores de doce años. Y a los adultos que no entren en su fantasía de aventuras, animalitos parlantes y guerras en el bosque algunas cosas les pueden chirriar. Para cierto público adolescente, incluso puede resultar demasiado fantástica y parecer ridícula.

Aviso de spoilers: a partir de aquí se comentan detalles importantes de la trama.

La película arranca con el suicidio de un niño.

La gobernadora viuda que representa el mal carga con un duelo terrible: ha perdido a su hijo y busca recuperar algo que ya no puede volver.

La película no la absuelve, pero sí permite entender de dónde nace su desesperación.

También habla de los afanes que perseguimos en la vida: a veces se consiguen y otras no. Hay vidas que parecen una sucesión de fracasos, y toca aceptarlo; tampoco pasa nada, la vida va de eso muchas veces. En este bosque, además, la guerra llega a parecer la única salida.

El mundo que construye es de lo más variopinto: coyotes, pájaros y una banda de bandidos que parece no haber pasado por ningún proceso de selección.

Todo lo guía una niña incrédula, nada fantasiosa, que casi desprecia a sus padres cuando intentan sumergirla en un mundo de maravillas.

Es una película compleja, de las que quizá necesitan más de un visionado para terminar de encajar.

A mí me ha parecido una obra maestra: un espectáculo técnico que impresiona y que, por momentos, amenaza con ocupar todo el espacio de la historia.

Sobre Travis Knight y Laika

Travis Knight ya dirigió Kubo y las dos cuerdas mágicas y Bumblebee.

Wildwood es la nueva producción de Laika, el estudio de animación fundado en 2005 cerca de Portland.

Antes de esta película, Laika había estrenado cinco largometrajes animados: Los mundos de Coraline, El alucinante mundo de Norman, Los Boxtrolls, Kubo y las dos cuerdas mágicas y Mr. Link. El origen perdido.

Los cinco fueron nominados al Óscar a mejor película de animación; Kubo ganó el BAFTA de animación y Mr. Link, el Globo de Oro en esa categoría.

Wildwood llegó a los cines españoles el 23 de octubre de 2026.

 

Mi puntuación: 8,95/10.

 

 

Prue se adentra en el bosque de Wildwood

 

 

Dirigido por Travis Knight:

Retrato del director Travis Knight

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

 

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Una escena de Wildwood

 

 

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Palmarés, experiencias y comentarios de holasoyramon – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

1/11/2026

 

 

 

 

 

Una Seminci muy viva y un palmarés para discutir

 

Palmarés, experiencias y comentarios de holasoyramon · 71.ª SEMINCI · Valladolid 2026

 

La 71.ª Semana Internacional de Cine de Valladolid se despide con salas llenas, una cosecha irregular y un palmarés que invita —como mandan las buenas costumbres festivaleras— a discutirlo durante el viaje de vuelta.

He pasado unos días de películas, amigos y paseos; salgo con varias obras excelentes en la memoria y con la sensación de que el jurado y yo hemos frecuentado salas distintas.

Mi acreditación de prensa: prueba documental de que no me colé en todas esas películas.

Mi acreditación de prensa: prueba documental de que no me colé en todas esas películas.

 

La Espiga y las espinas del palmarés

La Espiga de Oro ha sido para Dao, de Alain Gomis, una coproducción de Francia, Senegal y Guinea-Bisáu.

No la he visto: sus 185 minutos nos hicieron renunciar a más de uno, que en un festival también hay que dejar tiempo para comer y para llegar a la siguiente sesión sin practicar atletismo urbano.

Algún amigo que sí entró tampoco salió proclamando que acabara de descubrir el cine definitivo.

El jurado —Francesca Andreoli, Grégoire Hetzel, Dennis Lim, Elena Manrique y Federico Veiroj— ha destacado su forma singular y ese espacio poroso entre ficción y documental.

Puede que ahí esté la clave; a mí me toca reconocer que este año me he quedado fuera.

 

Dao, de Alain Gomis, Espiga de Oro.

Dao, de Alain Gomis, Espiga de Oro.

 

La Espiga de Plata recayó en La Gradiva, de Marine Atlan.

La película me pareció interesante, pero no una gran obra; conozco espectadores que abandonaron la sala, vencidos por el sopor.

Su premio al montaje también me sorprende: había películas con un trabajo de edición que, a mi juicio, respiraba con más brío.

La mención especial para Aquí, de Tiago Guedes, no puedo discutirla: tampoco la vi.

El palmarés tiene ese don de premiar, a veces, películas que uno no ha conseguido ver.

El cine, además de arte, es una agenda endiablada.

 

La Gradiva, de Marine Atlan, Espiga de Plata y premio al montaje.

La Gradiva, de Marine Atlan, Espiga de Plata y premio al montaje.

 

Aquí, de Tiago Guedes, mención especial.

Aquí, de Tiago Guedes, mención especial.

 

El premio a la mejor dirección para La libertad doble, de Lisandro Alonso, sí me ha dejado patidifuso.

Seguimos a un leñador en la pampa, en una vida remota, pobre y áspera.

Entiendo que su propuesta contemplativa pueda seducir; a mí, sin embargo, me resultó muy aburrida.

Muchos planos fijos, la cámara delante del hombre y la espera: una espera que, en mi caso, no llegó a convertirse en revelación cinematográfica.

Que el jurado la haya distinguido por la dirección me parece uno de esos misterios que sostienen las tertulias cinéfilas y alargan las sobremesas.

 

La libertad doble, de Lisandro Alonso.

La libertad doble, de Lisandro Alonso.

 

En cambio, coincido plenamente con el premio a mejor actriz para Alba Rohrwacher por A Good Little Soldier, de Stéphane Brizé.

Su trabajo es sensacional y la película, una mirada incisiva al capitalismo empresarial y a sus mecanismos de dominación, combina reflexión y humor con una soltura estupenda.

El premio al mejor actor para Swann Arlaud, por Un hombre de nuestro tiempo, me parece menos convincente: su personaje, un funcionario indolente y de gesto contenido, me dejó frío.

Tampoco me llamó la atención la fotografía sepia de la película, premiada en esta edición.

Y el premio de guion para Everytime, de Sandra Wollner, no lo puedo valorar: no la vi.

 

A Good Little Soldier, de Stéphane Brizé, con Alba Rohrwacher.

A Good Little Soldier, de Stéphane Brizé, con Alba Rohrwacher.

 

Un hombre de nuestro tiempo, de Emmanuel Marre.

Un hombre de nuestro tiempo, de Emmanuel Marre.

 

Everytime, de Sandra Wollner, premio Miguel Delibes al mejor guion.

Everytime, de Sandra Wollner, premio Miguel Delibes al mejor guion.

 

Las películas que me llevo

 

Mi favorita —o una de las grandes— es Una mujer desconocida (Woman Unknown), de May el-Toukhy, con Mathilde Arcel en una interpretación magnífica.

La película mira la liberación de Dinamarca tras la Segunda Guerra Mundial desde la experiencia de una mujer y recuerda que, en las venganzas colectivas, ellas suelen quedar más expuestas.

Es una reflexión poderosa y una película que merecía salir del festival con más reconocimiento.

 

También me ha entusiasmado Rose, de Markus Schleinzer: blanco y negro de gran belleza, una historia ambientada en la Alemania del siglo XVII y una Sandra Hüller extraordinaria.

Me sobra la voz en off, pero es una objeción pequeña frente a una película enorme.

Por suerte, el público de la Sección Oficial la reconoció con su premio.

 

Rose, de Markus Schleinzer, Premio del Público de la Sección Oficial.

Rose, de Markus Schleinzer, Premio del Público de la Sección Oficial.

 

La violinista, película de animación coproducida por España y Singapur, nos lleva a la Segunda Guerra Mundial en el sudeste asiático y me pareció maravillosa.

 

Cartas de Estado (Yellow Letters), de İlker Çatak, el director de Sala de profesores, mantiene la tensión y deja mucho que pensar.

 

Y Prosecution, de Faraz Shariat, es un auténtico bombazo: una fiscal de origen coreano se enfrenta a la violencia de la ultraderecha y a la infiltración de esa ideología en las instituciones alemanas.

Una película urgente, enérgica y con una protagonista que decide no resignarse.

 

La cosecha, en conjunto, ha sido irregular.

Hubo películas excelentes y otras más flojas; el cine español, a mi modo de ver, no alcanzó un gran nivel, aunque sí dejó propuestas curiosas.

En una programación tan amplia se sale con entusiasmo, alguna decepción y, de vez en cuando, la certeza de que el asiento de la sala empieza a conocerle a uno demasiado bien.

 

 

Una ciudad que facilita el festival

 

Un festival se sostiene también con público y organización.

La Seminci ha comunicado un primer balance provisional de más de 100.000 espectadores en las salas de Valladolid.

Las sesiones llenas no son una anécdota: el público acompaña y convierte la ciudad en parte de la experiencia.

Esa respuesta popular es uno de los grandes éxitos de esta edición.

 

Para la prensa, Valladolid es muy amable: las salas están cerca y moverse entre ellas no exige una expedición con provisiones.

Este año cambió el sistema de entradas y al principio fue un pequeño laberinto; sin la ayuda de un compañero, quizá habría acabado viendo la pantalla de la web en vez de la pantalla grande.

Superado ese trámite, todo resulta fácil.

La ciudad es acogedora, se come bien por precios razonables y pasear por el casco antiguo es una delicia.

Tuvimos mañanas frías y tardes estupendas, sin lluvia: el tiempo también parecía haber solicitado acreditación.

 

Un paseo por la memoria gráfica de la Seminci.

Un paseo por la memoria gráfica de la Seminci.

 

La calle Santiago, la Plaza Mayor y sus terrazas estaban llenas de vallisoletanos disfrutando del centro.

Me he sentido muy cómodo.

No voy a hacer el censo de amistades, pero nos juntamos un buen grupo y las fotos lo certifican.

Este año he estado poco en el llamado famoseo: saludos discretos, cero persecuciones fotográficas y bastante respeto por quienes venían a trabajar.

A cambio, asistí a muchas ruedas de prensa; algunas me hicieron mirar de otra manera películas que ya había visto.

 

La Plaza Mayor, con ese cielo que hizo fácil salir a pasear entre sesiones.

La Plaza Mayor, con ese cielo que hizo fácil salir a pasear entre sesiones.

 

Valladolid también tuvo tiempo para una pausa junto a las fuentes.

Valladolid también tuvo tiempo para una pausa junto a las fuentes.

 

Amigos y compañeros de festival: la mejor compañía entre una película y la siguiente.

Amigos y compañeros de festival: la mejor compañía entre una película y la siguiente.

 

Otra reunión de cinéfilos, con la acreditación bien visible y la conversación seguramente en marcha.

Otra reunión de cinéfilos, con la acreditación bien visible y la conversación seguramente en marcha.

 

Este año la Seminci ha estado inevitablemente atravesada por el recuerdo de José Luis Cienfuegos, director carismático, cercano y accesible.

Hubo quien le reprochó que programara a golpe de contraprogramación; nadie puede negar que ayudó a elevar el Festival de Gijón, el de Sevilla y después la Seminci.

Sus codirectores de esta edición, Mariona Viader y Javier H. Estrada, han asumido el reto de continuar ese legado y su presencia se ha notado en el ambiente.

 

Así que me despido con un festival bien organizado, salas llenas, películas excelentes y amigos con quienes comentar hasta los planos fijos más largos.

¿Qué más se puede pedir?

Que el festival siga creciendo y que nos veamos el año que viene.

La Seminci es más veterana que yo; por una vez, que siga siendo ella quien me dé ejemplo.

 

Una tristeza que acompañó al festival

 

La edición quedó marcada por el accidente ferroviario ocurrido en la provincia de Toledo.

Durante esos días hubo continuas muestras de recuerdo y solidaridad con las víctimas, sus familias y las personas que participaron en las tareas de rescate.

La gala de clausura se suspendió, mientras las proyecciones continuaron.

El festival siguió adelante, pero bajo una tristeza compartida que se sintió en Valladolid y en todo el país.

 

 

 

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Elsinore – Elsinore – 2026 – Simon Stone – Sección Oficial – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

1/11/2026

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Del fuego olímpico al último acto de Hamlet

Elsinore es cine dentro del cine o, mejor dicho, teatro dentro del cine. Simon Stone nos acerca a los últimos meses del actor escocés Ian Charleson, conocido por Carros de fuego, que terminó convertido en una etiqueta difícil de quitarse de encima.

A mí, Carros de fuego siempre me ha parecido una película algo mediocre, aunque su factura británica sea estupenda. La música de Vangelis, eso sí, puede con todo: basta escuchar unas notas para que medio planeta se ponga a correr a cámara lenta.

La película de Stone tiene una factura impecable, una música extraordinaria y envolvente, un montaje muy bien medido y una dirección soberbia. El maquillaje de Andrew Scott, que interpreta a Charleson, es también sobresaliente.

A finales de los años ochenta, mientras muchos hombres gais veían cómo el sida se llevaba por delante a amigos y conocidos, Charleson se preparaba para interpretar a Hamlet. La infección por VIH podía tardar años en evolucionar a sida. Cuando aparecían las complicaciones, podían ser devastadoras: sarcoma de Kaposi, neumonías por Pneumocystis —entonces llamada P. carinii—, tuberculosis, retinitis o leucoencefalopatía multifocal progresiva.

Yo viví aquella época muy intensamente y traté a muchísimos enfermos de sida durante los años noventa. Guardo un recuerdo muy amargo: muchas veces nos limitábamos a consolar y acompañar, porque los tratamientos disponibles eran aún muy limitados. La zidovudina, o AZT —comercializada como Retrovir—, fue el primer antirretroviral aprobado, en 1987. La monoterapia podía ofrecer un beneficio temporal, pero no duradero; poco a poco se fueron ensayando combinaciones de fármacos.

En ese contexto, la película encuentra una idea preciosa: el arte puede sostener a alguien cuando la enfermedad amenaza con arrebatárselo todo. La ilusión por interpretar Hamlet le da a Charleson un impulso, esas ganas extra de vivir que a veces hacen falta.

Y qué emoción ver a Olivia Colman interpretando a una médica. Margaret Johnson, la doctora del actor, intenta protegerlo mientras él se empeña en subir al escenario.

Aviso de spoilers: comento elementos del tramo final.

Las escenas finales mezclan el teatro de Shakespeare con la vida real de Charleson y me parecen maravillosas. También hay un baile en el hospital, en la sección de enfermedades infecciosas, que es absolutamente arrollador. Hamlet sigue siendo una obra tan potente e inspiradora que Stone la convierte en el corazón de un final redondo.

Se le pueden reprochar algunos clichés del drama emotivo. Pero la película los maneja con tanta maestría y tanto corazón que hasta a mí, que suelo mirar con prevención los títulos empeñados en emocionarme, me ha llegado.

Una película excepcional. De diez.

Sobre Simon Stone y la película

Simon Stone, nacido en Basilea y criado entre Cambridge y Melbourne, trabaja en cine y teatro.

En su filmografía figuran The Daughter, La excavación y La mujer del camarote 10.

Elsinore ganó el Premio Internacional del Público en Toronto.

En España se presentó por primera vez en la SEMINCI, fuera de concurso, y llegará a los cines el 22 de enero de 2027, distribuida por Elastica Films.

 

Mi puntuación: 10/10.

Fotograma de Elsinore

Ficha: En este enlace.

 

 

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The Weight – Oro sin ley – 2026 – Padraic McKinley – Sección Oficial – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

31/10/2026

 

 

 

 

 

Cartel de Oro sin ley (The Weight)

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Un viaje de oro, barro y balazos

Oro sin ley —The Weight en el original— mezcla western, aventura, drama y road movie en el Oregón de 1933, durante la Gran Depresión.

Samuel Murphy, un veterano de la Primera Guerra Mundial, se queda sin casa, acaba en un campo de trabajo y es separado de su hija. El alcaide Clancy le ofrece una salida: participar en un arriesgado transporte de oro.

Al viaje se suma un grupo de convictos y sus vigilantes. Por el camino se les une Anna, una joven indígena interpretada por Julia Jones.

Las relaciones entre los personajes fluyen bien y la película encuentra tensión y dramatismo en su travesía por unos bosques que, según la historia, son de Oregón.

Todo se resuelve a base de cuchilladas y balazos.

El Oeste quizá ya no sea tan salvaje en los años treinta, pero tampoco parece que hayan inventado todavía el diálogo.

Russell Crowe encarna al alcaide con su eficacia habitual como tipo amenazante. Y Ethan Hawke sostiene bien el papel protagonista.

La película no tiene hechuras de gran producción, pero resulta bastante convincente.

Aviso de spoilers: comento el desenlace.

El final feliz me resulta previsible y no ayuda a que la historia me convenza más.

Aun así, reconozco el trabajo de Hawke, la buena dirección de Padraic McKinley y que esta aventura de oro, barro y gente armada funciona razonablemente bien.

Sobre Padraic McKinley

Padraic McKinley debuta en el largometraje como director con Oro sin ley.

Antes trabajó más de veinte años como montador: ha editado más de quince películas y más de doscientos episodios de televisión.

También dirigió cuatro episodios de la serie Kingdom y fue productor ejecutivo en American Gods y Hunters.

DeAPlaneta anuncia su estreno comercial en España para el 27 de noviembre de 2026.

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

Fotograma de Oro sin ley, con Ethan Hawke en una expedición por el bosque

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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La venus electrique – El arte del engaño – 2026 – Pierre Salvadori – Sección Oficial – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

31/10/2026

 

 

 

 

 

Cartel de La Vénus électrique

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

 

Una médium de feria y un pintor sin inspiración

El arte del engaño —La Vénus électrique, en el original— es una comedia romántica ambientada en el París de 1928. También habla de pintura y creación artística, pero su mundo es el de las ferias, los engaños y las sesiones de espiritismo de pega.

La trama arranca con una premisa disparatada: Antoine Balestro, un pintor bloqueado desde la muerte de su esposa, cree que puede contactar con ella a través de una médium. En realidad habla con Suzanne, una feriante que se ha colado en la caravana para robar comida. El engaño consigue que Antoine recupere la inspiración, pero a mí el truco no me funciona. Me resulta bastante detestable.

Anaïs Demoustier está sensacional como Suzanne: encantadora, muy natural.

Pio Marmaï interpreta al pintor crédulo y Gilles Lellouche, a su galerista.

La película entrelaza el enamoramiento de Antoine y Suzanne con la historia de amor anterior del pintor, que vamos descubriendo a través del diario de su mujer, Irène, interpretada por Vimala Pons. Esa segunda historia me parece la más interesante.

La comedia emplea ese humor ridículo tan habitual en algunas películas francesas, que a mí me chirría muchísimo. Entiendo que haya espectadores que conecten y se lo pasen bien; yo, en cambio, lo encuentro bastante insoportable.

Pepa Blanes, en la Cadena SER, la describió como una comedia romántica elegante y optimista, y destacó el reparto y el cuidado diseño de producción, el vestuario y la ambientación. En eso último estoy de acuerdo: está muy bien cuidada. Pero de elegante no le veo nada; a mí me parece bastante casposilla.

Fue la película inaugural de Cannes y se proyectó fuera de concurso. No me parece que tenga nivel para un festival como ese. A mí, desde luego, no me ha gustado.

Sobre Pierre Salvadori

Pierre Salvadori, director y guionista francés nacido en Túnez, lleva décadas moviéndose entre la comedia y el drama.

Entre sus películas están Un engaño de lujo y En libertad!.

En 2018, En libertad! fue premiada en la Quincena de Cineastas de Cannes.

El arte del engaño inauguró Cannes 2026 y se proyectó fuera de concurso.

 

Mi puntuación: 4,67/10.

 

Fotograma de La Vénus électrique

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Sanguine – Species – 2026 – Marion Le Coroller – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

31/10/2026

 

 

 

 

Cartel de Sanguine

Cutrecomentario de Ramón:

 

La doctora que tenía hemohidrosis

Sanguine empieza mostrando a unos jóvenes sometidos a una presión laboral tremenda. Primero, un chico en una hamburguesería de cadena. Después, nuestra protagonista, una médica en prácticas en urgencias a la que se exige ir rápido, rápido, rápido.

La llamada generación de cristal. Viendo cómo se les aprieta, a veces sorprende que no se rompan antes.

Para mí, esa denuncia de la exigencia que soporta la generación Z es lo más interesante de la película. El agotamiento y la presión encuentran aquí una traducción muy física: los cuerpos empiezan a expresar, de la manera más desagradable posible, lo que ya no pueden soportar.

Estamos ante un body horror extremo, con cuestiones médicas, transformaciones y unas imágenes muy truculentas. Resulta inevitable acordarse de La sustancia, que ha dado al terror corporal una visibilidad enorme entre el público del cine comercial. Me da la impresión de que ha abierto la caja de las esencias y nos esperan unas cuantas raciones más.

Pocas cosas producen tanta impresión como las alteraciones del cuerpo humano, las supuraciones y las secreciones. Menos mal que el cine todavía no transmite los olores.

Después de tantos años de ejercicio médico, el olor de algunas enfermedades sigue siendo de lo que más me afecta físicamente. Hay imágenes que uno tolera bastante mejor que lo que las acompaña cuando está delante del paciente.

Sanguine tiene momentos tremendos, pero también me resulta reiterativa. Y echo en falta algo que ayuda mucho a digerir el terror: el humor. Yo aquí no lo encuentro. Tanta truculencia sin una válvula de escape acaba pesándome.

Está fenomenal Mara Taquin, que interpreta a la joven médica. También la brillante Karin Viard, como su profesora, y Sami Outalbali, una presencia cada vez más habitual en el cine francés. Los franceses, cuando encuentran un actor, lo mantienen bien ocupado.

La película tiene interés y me parece brillante, aunque a mí me han impactado más otras cosas. Desde luego, no la recomendaría a personas sensibles a estas imágenes.

Al parecer, un espectador perdió el conocimiento durante la sesión. Al terminar la proyección había una ambulancia. No sé las circunstancias médicas de lo ocurrido, así que tampoco voy a convertirlo en un diagnóstico ni en publicidad del susto.

Apunte médico: comento una intervención de la película

Me chirría esa toracotomía. Si lo que se pretende tratar es un taponamiento cardiaco por un derrame pericárdico, en muchos casos puede drenarse mediante una punción pericárdica o pericardiocentesis, sin necesidad de abrir el tórax.

¿Qué es la hemohidrosis?

La hemohidrosis, también llamada hematohidrosis, es un fenómeno muy raro en el que aparece una secreción sanguinolenta sobre la piel intacta: lo que habitualmente describimos como «sudar sangre». El título alternativo juega con ese término, sin pretender diagnosticar las transformaciones de la película.

La hiperhidrosis es la sudoración excesiva y la hipohidrosis, la disminuida. La dishidrosis, pese a su nombre, designa un eccema con pequeñas vesículas, especialmente en manos y pies; no es el término general para cualquier alteración del sudor.

Una directora que ya venía explorando el cuerpo

Sanguine es el primer largometraje de Marion Le Corroller, que antes había dirigido cortos como Dieu n’est plus médecin y Poupée fondue.

Su trayectoria previa ya se acercaba al mundo médico y al terror corporal.

Presentada en las sesiones de medianoche de Cannes, ganó el premio a mejor película de Sitges 2026.

En Seminci se proyectó dentro de la colaboración con PUFA — Pucela Fantástica, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid.

Adso Films anuncia su estreno español para el 27 de noviembre de 2026.

Mi puntuación: 6,77/10.

Fotograma de Sanguine: tres sanitarios en una azotea

Fotograma de Sanguine: médica en el hospital

Ficha: En este enlace.

 

 

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El confidente – The Confidant – 2026 – Daniel Calparsoro – Sección Oficial – SEMINCI. Semana Internacional de Cine de Valladolid 2026 – @SEMINCI – #71Seminci

31/10/2026

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El infiltrado de los lugares comunes

María Luisa Gutiérrez es, posiblemente, la productora más influyente del cine español. Está detrás de La infiltrada, ganadora del Goya a mejor película, y de varias entregas de Torrente. Además, es una guadalajareña de pro que ejerce de ello.

En la presentación de El confidente llevó un discurso muy bien preparado. Tuvo un recuerdo para las víctimas del reciente accidente ferroviario y unas palabras de reconocimiento para quienes participaron en los rescates. Después habló de su película, que también presentó su director, Daniel Calparsoro.

La historia gira alrededor de la amistad entre un veterano policía y un joven procedente de la kale borroka, al que convierte en confidente e infiltra en ETA. Todo ello con unas imágenes muy reconocibles de San Sebastián que me ha gustado mucho volver a ver.

El eje interpretativo lo forman Javier Gutiérrez y Miguel Herrán, dos generaciones y dos maneras muy distintas de actuar.

Gutiérrez es capaz de modular los sentimientos al milímetro, secretando la cantidad exacta de lágrima para que se quede en las conjuntivas sin llegar a resbalar por la mejilla. Herrán pone más energía, intenta superarse, pero a mí me sigue pareciendo muy limitadito.

Mientras tanto, secundarios como Itsaso Arana y Víctor Clavijo están absolutamente desaprovechados.

Después del éxito de La infiltrada, me da la impresión de que María Luisa Gutiérrez ha querido repetir la jugada: una especie de segunda parte, esta vez con hombre. No es una secuela, claro, pero el parentesco invita a la comparación. Y esta sale perdiendo.

Calparsoro tiene oficio. La película está bien fotografiada y bien filmada, pero avanza a piñón fijo, entre escenas estereotipadas y clichés que aportan poco. Algunas situaciones se ven muy de palo.

Cuando llega el drama, tampoco siempre encuentra el pulso: hay escenas que chirrían y alguna que incluso resulta ridícula. El contexto de ETA y del conflicto vasco está construido con unos mimbres demasiado endebles.

Al tratarse de un estreno mundial, había especial vigilancia para que nadie grabara. A la entrada, un guardia de seguridad me advirtió, muy serio, de que no podía utilizar el móvil durante la proyección.

Le contesté que nunca lo utilizo. Vamos, que no me estaba contando ninguna novedad.

Dentro de la sala seguía el control, con personal pendiente de que nadie encendiera el teléfono ni grabara imágenes. Entiendo la precaución, pero tanta vigilancia me pareció excesiva para una película que encuentro flojita y a la que no auguro demasiada trascendencia.

A partir de aquí, comento la parte final.

Curiosamente, lo más interesante llega cuando disminuye la acción y aparece el proceso judicial. Ahí vemos cómo los intereses políticos se mezclan con la lucha contra ETA y cómo las maniobras de poder interfieren en la justicia y enrarecen el ambiente.

El problema es que ese tramo me parece un añadido. La película podría haber terminado antes, aunque se hubiera quedado muy corta. Esa prolongación da la sensación de querer estirar el relato y, al mismo tiempo, abrir un asunto que merecía una película propia.

El oficio de Calparsoro y el estreno

Daniel Calparsoro debutó con Salto al vacío (1995) y continuó con títulos como Pasajes, A ciegas y Asfalto.

Su filmografía incluye Guerreros, Cien años de perdón, El silencio de la ciudad blanca, Todos los nombres de Dios y El correo.

El confidente, con guion de Fernando Navarro, está inspirada en hechos reales.

Se presentó como estreno mundial en la Sección Oficial, fuera de concurso, de Seminci 2026.

Su llegada a los cines españoles está anunciada para el 29 de enero de 2027, distribuida por Sony Pictures.

Mi puntuación: 5,77/10.

Fotograma de El confidente

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