.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
.
Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.
Este profesional con más de cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.
Se comenzó a emitir desde Abril de 2020 en plena pandemia.
Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Cuando se prohíbe la música en Afganistán, Nazar (Babak Karimi), director de orquesta, y su hijo Jalil (Ivar Wafaei), que toca la tuba, se quedan sin oficio y sin perspectivas. Salen del país cargados con sus instrumentos. Quieren llegar a Italia y encontrar un sitio donde volver a tocar. Viéndolos avanzar por la ruta de los Balcanes, a ratos parece que van a ninguna parte.
En la frontera serbia, la película muestra el maltrato que sufren quienes intentan cruzar.
Nicola Sorcinelli lo rueda con una austeridad que se nota sobre todo en la fotografía de Damjan Radovanović.
Hay momentos en que apenas vemos a los personajes. Los presentimos.
En esa oscuridad están la tristeza del padre y el hijo y el horror que arrastran.
La luz, para mí, es Greta (Matilda De Angelis), la médica italiana que intenta ayudar a quienes pasan por allí. En un sitio donde todo son obstáculos, que alguien se pare a atenderte ya es una forma de esperanza.
La película está bien.
El tema me resulta conocido, pero me interesa esa manera tan seca de contarlo.
Lo más singular que le encuentro es cómo hace sentir el peso de ese viaje dejando tantas cosas en la penumbra.
Balcanica es el primer largometraje de Nicola Sorcinelli, que antes dirigió cortos como Moby Dick, ganador del Nastro d’Argento al mejor corto de ficción en 2017, y La confessione.
En Venecia, la película ganó el Premio del Público de las Giornate degli Autori y el Premio Carlo Lizzani.
Se estrenó en los cines italianos el 8 de octubre de 2026 y se presentó en Sevilla dentro de Rampa.
Mi puntuación: 6,66/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
David Jiménez lleva media vida cubriendo guerras y, casi de rebote, acaba al frente de uno de los grandes periódicos del país.
En la película el diario queda sin nombrar, pero el libro del que parte el guion de Michel Gaztambide y Alejandro Hernández cuenta su año al frente de El Mundo.
El corresponsal cambia de despacho y descubre que la gente que quiere decidir qué se publica tiene su teléfono.
Dani de la Orden cuenta la historia desde el punto de vista de Jiménez, interpretado por David Verdaguer.
Lo mejor es cómo muestra los tentáculos del poder político y económico sobre la prensa.
Se entiende muy bien qué intereses se cruzan cada vez que hay que decidir qué va en portada. Y ahí está la gracia del thriller.
Pocas cosas parecen menos trepidantes que una reunión de trabajo. Esta película consigue que quieras saber cómo termina.
El montaje es extraordinario y sostiene el pulso durante todo el metraje.
La fotografía de Maria Codina es muy buena y De la Orden dirige estupendamente a sus actores.
Alberto San Juan y Fernando Colomo están magníficos, y Carmen Machi aprovecha muy bien el poco tiempo que tiene. En ese desfile de personajes se reconoce la España de hace dos telediarios.
De la Orden es un buen artesano. Lleva años haciendo cine comercial y aquí construye un thriller que puede funcionar muy bien con el público. El sello de autor, en cambio, yo no se lo veo por ningún lado.
Me quedé pensando qué habría hecho Rodrigo Sorogoyen con ese guion. Me imagino una película más oscura.
En manos de Daniel Calparsoro, quizá habría sido más violenta.
Aquí la tensión sale de ver cuánto margen le queda a un director para hacer su trabajo cuando todos quieren hacérselo.
Dani de la Orden pasó de Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno a comedias como El pregón y El mejor verano de mi vida.
Su Casa en llamas ganó el Goya al mejor guion original para Eduard Sola.
El director se presentó en la Sección Oficial del Festival de Sevilla, que anuncia su llegada a los cines españoles el 20 de noviembre de 2026.
Contexto real, con posible spoiler.
David Jiménez dirigió El Mundo desde mayo de 2015 hasta que Unidad Editorial lo destituyó un año después.
Las grandes exclusivas del diario sobre Gürtel venían de antes, de la etapa de Pedro J. Ramírez.
Mi puntuación: 7,66/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Erika (Hafsia Herzi) cría sola a dos hijos de padres distintos. La mayor, Abigaëlle, está convencida de que el suyo, al que nunca ha conocido, la quiere en algún sitio. Lo que empieza como una ilusión acaba convirtiéndose en una obsesión. Y a Erika le toca ayudarla a buscarlo mientras intenta protegerla del golpe que pueda llevarse.
Entre los problemas que le traen sus hijos y los que se encuentran por el camino, Erika va tirando como puede.
Me habría gustado saber algo más de su vida laboral, porque la vemos resolver media docena de asuntos familiares y apenas sabemos en qué trabaja.
La película tiene su buena ración de sentimentalismo, pero funciona porque las relaciones familiares están muy bien construidas.
Nour Salam clava esa adolescencia en la que una idea se te mete en la cabeza y acaba ocupándolo todo.
Hafsia Herzi está desbordante.
Ese tono casi documental da la impresión de que estamos mirando por una ventana a una familia de verdad.
Aviso de spoiler sobre el final. El momento del perrete me produjo una erupción lacrimógena de consideración. Ahí me pudo la película.
De lo mejor que llevo visto en el Festival de Sevilla. Y hemos visto mucho bueno.
Rudi Rosenberg debutó en el largometraje con El novato (Le Nouveau, 2015), sobre un chaval de catorce años al que le cuesta encajar en su nuevo colegio.
Ganó el premio Nuevos Directores en San Sebastián.
Más de una década después vuelve a la adolescencia con Palabras de amor, que pasó por Un Certain Regard en Cannes y se estrenó en los cines franceses el 28 de octubre de 2026.
Mi puntuación: 8,77/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
ACAZ · 1989
Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares
Pocas comedias españolas han generado tanta afición como Amanece, que no es poco. Una película de culto que, desde su estreno en 1989, sigue pareciéndome igual de fresca.
Javier Ocaña la calificó de «desternillante» en Cinemanía. Ángel Fernández-Santos, en El País, tituló su crítica «Ideas sin imágenes» y escribió que «la película pierde vértebras y rumbo en sus tramos finales».
El tiempo ha puesto unas cuantas cosas en su sitio.
La película funciona como una sucesión de sketches unidos por un pueblo imaginario que José Luis Cuerda armó con tres de verdad, Ayna, Liétor y Molinicos, en la Sierra del Segura albaceteña. Es una comedia coral, sin un relato lineal y sin que los personajes se atropellen ni se pisen las frases como en las películas de Berlanga.
Hay chistes que me hacen soltar una carcajada y otros que me dejan más frío. El tono aguanta y cada escena me deja con ganas de ver la siguiente. Cuanto más delirante se vuelve ese pueblo, más reconocible me resulta la España rural que hay debajo.
Hay frases que ya van por libre. Lo del sindiós, lo de que todos somos contingentes pero el alcalde es necesario y aquello de que «un hombre en la cama es un hombre en la cama». Hay quien las suelta sin haber visto la película.
Cuerda está en estado de gracia. Junta costumbrismo, humor absurdo, pasodoble y ópera, y consigue que todo encaje. Algunos chistes hoy pueden sonar políticamente incorrectos. Si me quedo solo con eso, me pierdo la crítica social que llevan dentro, unas veces disimulada y otras a la vista de todo el pueblo.
Una película soberbia, irrepetible. Una de las joyas del cine español.
Hay muchas pelis contingentes, pero esta es necesaria.
Mi puntuación: 8,62/10.
La presentación de gala fue el 13 de enero de 1989 en el Cine Gran Hotel de Albacete. Cuerda faltó por enfermedad.
El ICAA fecha el estreno comercial el 17 de enero.
La crítica estuvo dividida, pero los datos matizan la fama de fracaso.
Fue la sexta película española más vista de 1989, con 244.629 espectadores y 94,7 millones de pesetas de recaudación ese año.
El catálogo del ICAA registra 309.319 espectadores acumulados en España.
Tuvo tres candidaturas a los Goya, por guion original, sonido y efectos especiales.
El culto llegó con los años.
Las reposiciones televisivas le dieron nuevos espectadores y las frases se convirtieron en una contraseña entre quienes la habían visto.
Una película hecha de escenas que casi se pueden contar por separado tenía mucho recorrido cuando llegaron las redes.
Los Amanecistas se encontraron en Facebook, empezaron a organizar quedadas en 2011 y se constituyeron como asociación en 2013.
En 2019, por el treinta aniversario, el Festival de Málaga la distinguió como Película de Oro.
En febrero de 2020, tras la muerte de Cuerda, FlixOlé anunció que se había convertido en la película más vista de la plataforma desde su lanzamiento.
La Junta de Castilla-La Mancha inauguró en 2010 la ruta de Amanece, que no es poco por Ayna, Liétor y Molinicos.
Hay paneles en los lugares de rodaje, una réplica de la moto con sidecar y hasta un semillero de hombres.
Ayna tiene además un centro de interpretación.
La XIV Quedada Amanecista, en junio de 2026, incluyó recreaciones de escenas y una proyección en la que se animaba al público a cantar.
Visto así, el paso de la sala de cine a la plaza del pueblo era casi cuestión de tiempo.
El albaceteño José Luis Cuerda venía de trabajar en TVE.
Del disparate rural de Total y Así en el cielo como en la tierra a La lengua de las mariposas o Los girasoles ciegos, manejó registros muy distintos.
También dirigió El bosque animado y produjo Tesis y Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.
Volvió al absurdo en su última película, Tiempo después.
Dirigido por José Luis Cuerda:
La escuela
La Guardia Civil
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
The Spiral es un drama familiar con algo de thriller y, sobre todo, una película de terror. Apenas hay sangre, no hay sustos y, aun así, me tuvo pendiente de qué desgracia iba a caerle a la familia a continuación.
Aviso de spoilers sobre los pactos.
El demonio en esta película tiene la cara de Valeria Bruni Tedeschi. No lleva la pinta de un monstruo de El laberinto del fauno ni de El día de la bestia. Se presenta como una mujer con la que Anna, el personaje de Jasmine Trinca, pacta una y otra vez. La desconocida le va tendiendo trampas y las consecuencias, aunque sea de rebote, las acaba pagando toda la familia.
Ahí está lo que más me ha interesado. La historia va de desgracia en desgracia y tenía todos los números para acabar en folletín. Paolo Strippoli aprovecha precisamente esa sucesión de calamidades para hacer una película de terror.
Es, sobre todo, una película de actrices. Jasmine Trinca está estupenda como Anna y Romana Maggiora Vergano también como su hija Alice. Y me encanta Adriano Giannini como Walter, el padre de familia y típico machito italiano. Parece que acaba de empaparse de Varón Dandy.
Una película muy valiosa.
Paolo Strippoli codirigió La clásica historia de terror con Roberto De Feo y después rodó Piove y La sonrisa del mal.
The Spiral (L’estranea) compitió en Venecia y llegó a los cines italianos el 8 de octubre de 2026.
En Sitges, The Spiral ganó el Méliès de Plata a la mejor película de género fantástico y Jasmine Trinca recibió el premio a la mejor interpretación femenina.
Mi puntuación: 7,66/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Petty Thieves tiene una trama sencilla. Es un drama personal con algún toque de thriller que se mete en la vida poco gratificante de Rio, un muchacho reservado, callado y poco comunicativo.
Trabaja de pinche de cocina de la costa de Istria y vive solo. El abuelo tiene demencia y la abuela, desbordada por los cuidados, se ha echado un novio italiano.
Rio se busca sus propias escapatorias. Hay encuentros en el bosque que dejan entrever que quizá mantenga relaciones sexuales ocasionales con otros hombres. Y de vez en cuando roba alguna cosa. A mí me da la impresión de que lo hace más por la emoción que por lo que pueda sacar.
Y va Andrea y se fija en él. Andrea es despampanante, luminosa, y también se las apaña como puede. Comparte piso con una amiga y trabaja en un hotel de lujo que difícilmente podría permitirse como clienta. Cuando lo pilla robando, le propone actuar en colaboración.
Lo que más me ha gustado es la relación que se forma entre los dos. Hay amistad, hay cariño y no hay sexo. Quizá a Rio le atraigan los hombres. La película lo sugiere y lo deja ahí. A mí esa relación me parece estupenda, muy bonita.
Tea Ljubešić me parece una actriz estupenda. Tiene un físico impresionante y es de esas actrices que dejan huella en la pantalla.
Me ha gustado la película por cómo retrata a estos jóvenes un poco desvalidos, con pocas expectativas y una vida bastante triste. Se hacen compañía y se cogen cariño. A los dos les hacía falta.
El director y guionista croata Mate Ugrin rodó los cortos Meanwhile, Prazni sati y Everything Ahead.
Este último ganó el Corazón de Sarajevo al mejor cortometraje en 2021.
Petty Thieves (Sitni lopovi), su primer largo, se estrenó en Karlovy Vary, donde ganó el Premio FIPRESCI de la sección Proxima.
Olivier Voisin obtuvo la Arena de Oro al mejor diseño de sonido en Pula.
En Sevilla se proyectó en la sección Rampa.
Mi puntuación: 7,66/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
La desconocida había despertado bastante expectación en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.
Sobre el papel, la mezcla de intriga, drama y fantasía tenía su aquel. A mí me ha parecido un fiasco tremendo.
Lo de cambiar de cuerpo ya lo hemos visto unas cuantas veces, casi siempre en clave de comedia. Arthur Harari se lo lleva al drama, casi a la tragedia.
David se despierta en el cuerpo de una mujer a la que acaba de conocer, después de una inexplicable relación sexual. La idea tiene posibilidades. ¿Estamos ante una nueva ETS?
Aviso de spoilers a partir de aquí.
Hay varios cambios de cuerpo y suceden sin que la película aclare por qué. A mí me obligó a estar todo el rato separando la cara que veía de la persona que llevaba dentro. Me costó un esfuerzo considerable. Y ahí había una buena tragedia. Imagínate tener a tu familia delante y que, con ese cuerpo, ya no puedas acercarte a los tuyos y abrazarlos como antes. Esa idea sí me interesa. Su desarrollo se me hizo tedioso.
La fotografía me parece fea. La ambientación, también. Los personajes me resultaron desagradables y los sentí lejos durante toda la película. Y, mientras yo trataba de aclararme con quién era quién, la trama seguía metiendo cosas con calzador. Hay pasajes enteros que me parecieron gratuitos.
Dura 139 minutos. A mí me pareció más larga que Doctor Zhivago. Me abrumó, me agotó y, con ese ritmo, me cuesta imaginar a quién le puede apetecer tanta tristeza y tanta fealdad juntas.
Hay películas tristes y feas que me gustan. Esta es triste, fea y, además, mala.
Arthur Harari dirigió Onoda, 10.000 noches en la jungla y ganó con Justine Triet el Óscar al mejor guion original por Anatomía de una caída.
Para La desconocida llevó al cine El caso David Zimmerman, la novela gráfica que firmó con su hermano Lucas Harari.
La película compitió en Cannes y en la Sección Oficial de Sevilla, y ganó ex aequo el Premio Jean Vigo de largometraje.
Llegó a los cines franceses el 26 de agosto de 2026.
Unifrance sitúa el estreno español en abril de 2027.
Mi puntuación: 3,53/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
¿Qué pinta una película de Nepal en el Festival de Cine Europeo de Sevilla? Pues que Elephants in the Fog es una coproducción de Nepal, Francia, Alemania, Brasil y Noruega. Para muchas películas como esta, encontrar socios fuera de casa es una manera de poder rodar en casa.
En Elephants in the Fog hay elementos de drama social, thriller y fantástico que encajan de manera muy orgánica.
Pirati es la madre de una familia de mujeres kinnar, una comunidad tradicional de tercer género. Aquí las familias se construyen. Hay una madre, unas hijas y unas reglas que pesan lo suyo, entre ellas el voto de celibato. Y resulta que Pirati está enamorada del maestro del tambor. Me ha gustado mucho cómo se cuenta ese amor. Hay una ternura entre los dos que hace fácil entender las ganas que tiene ella de marcharse con él.
Luego desaparece Apsara, una de sus hijas, una chavala de su tiempo que tiene ganas de divertirse. La policía se encoge de hombros y a Pirati y las suyas les toca buscarla. En cuanto empiezan a hacer preguntas incómodas, queda bastante claro a quién se le permite pedir explicaciones en el pueblo.
Me interesó mucho la posición de Pirati. Hay vecinos que recurren a ella para librarse de los malos espíritus, y eso le granjea algún apoyo. Pero basta con que su familia ponga en cuestión a gente del pueblo para que esa deferencia se esfume.
La película retrata bien esa forma de tolerancia que dura justo lo que le conviene al que la concede.
Ahí es donde más me interesa la película.
La transfobia y el difícil encaje de estas mujeres se entienden viendo para qué les sirve esa familia y cuánto les exige.
Pirati quiere vivir su propia vida.
En cuanto falta una hija, se ve cuánto dependen unas de otras para salir adelante.
El director y guionista nepalí Abinash Bikram Shah recibió una mención especial en Cannes por su corto Lori en 2022.
También coescribió Shambhala, que compitió en la Berlinale en 2024.
Elephants in the Fog, su primer largometraje, se estrenó en Un Certain Regard de Cannes, donde ganó el Premio del Jurado.
Nepal la seleccionó para representarlo en los Óscar y Sevilla la programó en su Sección Oficial.
Mi puntuación: 7,55/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Maja ha triunfado como cantante y el éxito le ha venido grande. Ahora está deprimida, se le han secado las ideas y vuelve a la casa donde creció con la madre que la crio sola. Su nuevo trabajo consiste en vigilar exámenes en un instituto. Menudo cambio de público.
Me gusta cómo Sin expectativas retrata la tristeza de Maja y, sobre todo, cómo cuenta su recuperación. Hay días en los que un encuentro o un pequeño gesto bastan para que avance un poco. Y también hay decisiones de las que uno se arrepiente al minuto siguiente. Viendo algunas de las que toma Maja, me pregunto cuántas de ese mismo estilo la llevaron al desastre.
El instituto le sienta bien a la película. Aida, una de las alumnas, me hizo pensar en cómo habría sido Maja a su edad. La chica también tiene sus problemas y va encontrando su manera de salir adelante. Eivind Landsvik mira con el mismo cariño a la cantante que vuelve a casa y a la adolescente que todavía está descubriendo qué hacer con su vida.
Está excelente Marie Ulven, cantante noruega conocida como girl in red, en su primer papel como actriz. Se le nota el cansancio hasta cuando tiene que hacer algo tan sencillo como pasar el rato en un aula.
Es una película sencilla y bien contada. Me gusta que se pueda permitir el optimismo sin quitarle peso a la tristeza.
El noruego Eivind Landsvik empezó dirigiendo videoclips.
Su corto Sofia, Last Summer ganó el premio de la crítica en el Festival Noruego de Cortometrajes y Tits compitió en Cannes en 2023.
Sin expectativas (Lave forventninger), su primer largometraje, se estrenó en la Quincena de Cineastas de Cannes en 2026.
Llegó a los cines noruegos el 11 de septiembre y pasó por la Sección Oficial del Festival de Sevilla.
Mi puntuación: 7,68/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Corinne Maclou lleva media vida de figurante y está convencida de que se merece un papel protagonista. Deja el currículum por donde pasa, protesta cuando algo le parece mal y tiene el don de complicar un rodaje en el que se suponía que solo tenía que pasar por detrás.
Cuando conoce a Sandrine Kiberlain y encuentra en ella cierta simpatía, cree que por fin le ha llegado la oportunidad.
Hay dos cosas que me chirrían. La primera es la edad. Isabelle Huppert está muy bien, pero para este personaje me habría cuadrado más una actriz de unos cincuenta años. Con los setenta y tantos de Huppert, esa convicción de que su gran oportunidad está a la vuelta de la esquina me cuesta más de creer.
La segunda es que Corinne me resulta irritante. Entiendo que se rebele contra el sitio que le han asignado, pero es de esas personas que, cuando por fin encuentran a alguien dispuesto a escucharlas, estiran tanto el chicle que terminan por reventarlo todo. Hasta yo, que quiero que le den una oportunidad, acabo entendiendo que alguno se esconda al verla venir con el currículum.
Lo más interesante es cómo se ven las clases sociales dentro de un rodaje. Aquí hablamos de actrices porque ellas llevan la película. Hay quien tiene nombre, quien tiene un papel y quien está para pasar al fondo. Subir un peldaño cuesta una barbaridad, y si encima eres rebelde en el escalón que te ha tocado, vas a pasarlo mal. Eso vale para un rodaje y para casi cualquier sitio.
Diane Kruger, Ana Girardot y Anne Marivin aparecen como ellas mismas.
Sandrine Kiberlain también interpreta una versión de sí misma, con más espacio para mostrar cómo se le va agotando la paciencia con Corinne.
Están todas estupendas.
Elogiar a Isabelle Huppert es lo más fácil del mundo.
En esta película, que me ha parecido muy interesante, yo me quedo con Kiberlain.
Marc Fitoussi ya había dirigido a Isabelle Huppert en Copacabana y Luces de París.
También ha rodado episodios de Call My Agent!, la serie francesa sobre una agencia de representación artística.
En All About Corinne vuelve a las tripas del oficio desde el punto de vista de quien apenas sale en el plano.
La película clausuró el Festival de Locarno, se estrenó en cines franceses el 7 de octubre de 2026 y se presentó en la Sección Oficial Fuera de Competición del Festival de Sevilla.
Mi puntuación: 7,66/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
En ¡Viva Carmen!, Sébastien Laudenbach lleva a la animación la historia de Prosper Mérimée y la ópera de Georges Bizet con un trazo grueso, a brochazos. Las manchas de color me recuerdan a Paul Gauguin, y esa paleta tan deliberadamente artificiosa tiene algo del Matisse fauvista. A ratos los colores chillan. Y les sienta estupendamente.
Lo que más me interesa es la pandilla. Son chavales a los que sus padres y la sociedad han dejado tirados. Se buscan la vida como pueden y, entre tanto desamparo, se tienen los unos a los otros. Hay una historia de amistad ahí que funciona muy bien.
Y luego está Carmen, gitana, bellísima y dueña de sus ganas. A su alrededor hay hombres que confunden enamorarse con adquirir derechos. De ahí salen unos amores de lo más tóxicos.
Hay ratos alegres y golpes de comedia, pero la fatalidad se cuela hasta en los colores más chillones.
La película me interesa, me divierte a ratos y me llega lo justo.
Todo encaja muy bien, aunque la emoción se me queda un poco por debajo de lo que promete semejante tragedia.
Sébastien Laudenbach debutó en el largometraje con La joven sin manos, a partir de un cuento de los hermanos Grimm.
Después codirigió con Chiara Malta ¡Linda quiere pollo!, que ganó el Cristal al mejor largometraje en Annecy en 2023.
En ¡Viva Carmen! firma el guion con Santiago Otheguy y pone a los chavales de la calle en el centro de una historia que suele contarse desde los adultos.
La película pasó por la Quincena de Cineastas de Cannes y la competición de Annecy, y fue la elegida para abrir el Festival de Sevilla.
Su estreno comercial en Francia está anunciado para el 16 de diciembre de 2026.
En España, el lanzamiento corre a cargo de Elástica Films y Filmin.
Mi puntuación: 7,75/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
He empezado el Festival de Sevilla con Un largo invierno.
Colorado, 1951. Las montañas son preciosas, la nieve queda de maravilla y, si uno se limita a mirar, aquello parece un sitio estupendo para vivir. Otra cosa es tener que ganarse allí la vida. O sobrevivir, que ya tiene su mérito.
En una localidad de la que la gente se va, dos hermanos sueñan con cosas distintas. Tommy (Kit Connor) se alista y se marcha a la guerra de Corea. Mike (Fred Hechinger) quiere quedarse. El padre (Ebon Moss-Bachrach) es un tipo austero que trabaja duro. La madre, Louise (Caitríona Balfe), parece demasiado sofisticada para aquella vida y tiene problemas con la bebida.
Y entonces Louise desaparece. Desde el principio uno sospecha por dónde van los tiros, pero Andrew Haigh mantiene la tensión hasta el final. Se toma su tiempo para mirar ese paisaje y a esa familia. Casi todo se sugiere, poco se dice en voz alta y, debajo de tanta contención, hay pasiones de sobra. A ratos roza el folletín. Está tan bien narrada que se lo perdono encantado.
La fotografía de André Turpin me parece excepcional.
Hay momentos de pura poesía en esas montañas, que dan ganas de contemplar y, al mismo tiempo, de salir de allí pitando.
El reparto está estupendo, pero yo me quedo con Caitríona Balfe. Incluso cuando desaparece, su personaje sigue pesando en cada conversación de esa casa.
Y sí, demasiado guapa para esas montañas heladas.
Andrew Haigh firma la dirección y el guion, a partir de un relato de Colm Tóibín.
Ya había contado un encuentro de apenas dos días en Weekend y una crisis matrimonial en 45 años.
Entre sus otros trabajos están Lean on Pete y Desconocidos, con Andrew Scott y Paul Mescal.
La película es una coproducción del Reino Unido y Canadá que compite en la Sección Oficial del Festival de Sevilla.
Su estreno en cines españoles está previsto para el 19 de febrero de 2027, de la mano de MUBI.
Mi puntuación: 7,66/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Pocas películas tan vascas como Las ciegas hormigas.
Estamos en la Algorta de los años treinta, muy lejos de la prosperidad de la Algorta de hoy.
El carbón alimentaba los altos hornos y daba trabajo a mucha gente que vivía en precario.
Cuando un barco inglés cargado de carbón encalla en plena tormenta, para una familia ese cargamento puede significar algo tan sencillo como pasar el invierno sin helarse.
Urko Olazabal interpreta a Sabas, un padre de familia que ve ahí su oportunidad y arrastra a sus hijos al empeño.
Su mujer, Josefa, interpretada por Itziar Ituño, ve en el naufragio y en ese temporal un mal presagio.
La película está magníficamente rodada.
Tiene la aspereza de esa vida y la de ese carbón empapado de agua de mar que Sabas se empeña en salvar.
Es triste, descarnada, sin melancolía.
Josean Bengoetxea está estupendo y Carlos Santos también, como el teniente García, un guardia civil que sabe muy bien a quién sirve.
Hay un detalle que me gusta mucho. El hijo pequeño mira a ese padre tan duro con odio y con admiración al mismo tiempo. Y algo de esa admiración se me acaba pegando. Entiendo que el chaval lo odie por meterlos en semejante empeño y, aun así, admiro que el hombre siga intentándolo.
Aviso de spoilers.
La conclusión es amarga.
Sabas puede dejarse la piel y hasta hacer trampas.
El rico seguirá siendo rico y sus esbirros, con el teniente García a la cabeza, seguirán sirviéndole.
La ocasión de calentar la casa dura lo que dura la pelea por el carbón.
El sitio que les toca a los pobres en ese mundo sigue siendo el mismo.
Muy triste.
Pero es la vida.
Igor Legarreta debutó en el largometraje con Cuando dejes de quererme y después rodó Todas las lunas.
También ha dirigido episodios de Operación Marea Negra.
Para su tercer largo adapta, junto a Andoni de Carlos, la novela homónima de Ramiro Pinilla, ganadora del Premio Nadal.
Las ciegas hormigas tuvo su estreno mundial en Zinemira, la sección de cine vasco del Festival de San Sebastián.
Llegó a los cines españoles el 9 de octubre de 2026, distribuida por Buena Vista International.
Mi puntuación: 7,77/10.
Dirigido por Igor Legarreta:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Ceniza en la boca gira alrededor de Lucila. Diego Luna nos cuenta la historia con sencillez y nos pone de su lado al hacernos ver lo que pasa a través de sus ojos. Para eso tiene a Anna Díaz, que sostiene la película entera.
A Lucila le toca bregar con un trabajo precario en España y con un hermano menor que va al instituto y se mete en líos. También le toca volver a vivir con la madre que se marchó cuando ella era pequeña. Bastante tiene la chiquilla con sacar adelante el día.
Irene Escolar está estupenda, como siempre, en un papel secundario. Ya le ha llegado esa edad que tiene el cine para las actrices, cuando de pronto te ponen de madre y de jefa que aprieta. Y qué gusto ver también a Adriana Paz, una de las grandes del cine mexicano, y a Laura Gómez. Estupendas todas.
Hay misoginia, racismo y presión familiar. Todo eso se le va acumulando a una muchacha que hace lo que puede.
Me gusta que la película cuente esa carga desde el día a día de Lucila, entre lo que le exigen en el trabajo y lo que esperan de ella en casa.
Aviso de spoilers.
Cuando Lucila vuelve a México, quizá espera encontrar el país que se había imaginado desde lejos.
Lo que encuentra puede ser aún más peligroso que lo que dejó en España. El tramo con su tío, el capitán, tiene mucha tensión.
Al final, Lucila repite la huida que emprendió su madre años antes.
Me gusta mucho cómo lo cuenta Luna.
Vuelve al mismo encuadre de la ventana con el que abrió la película.
La imagen es la misma.
Lo que sabemos de aquella huida ha cambiado.
Diego Luna debutó en la dirección con el documental J. C. Chávez.
Después rodó Abel, que ganó el Premio Horizontes y el Premio de la Juventud en San Sebastián, y dirigió César Chávez y Sr. Pig.
Ceniza en la boca es una coproducción de México y España que adapta la novela homónima de Brenda Navarro.
Pasó por las sesiones especiales de Cannes, ganó el Premio Agenda 2030 Euskadi Basque Country en San Sebastián y el de mejor guion en el Festival de Roma, donde se reconoció el trabajo de Abia Castillo, Diego Rabasa y Diego Luna.
Avalon la estrenó en los cines españoles el 9 de octubre de 2026.
Mi puntuación: 7,67/10.
Dirigido por Diego Luna:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Leo y Lorea han roto. Seguimos sus vidas en paralelo y, en las dos, el marcador se parece bastante.
Él es actor y trabaja de cajero en un supermercado.
Ella es escritora y trabaja de camarera.
Las vocaciones son distintas. La precariedad les ha dado el mismo papel.
Oriol Pla y Marina Salas están soberbios. Los dos nos meten de lleno en esas vidas que cabalgan en el fracaso, la derrota y la tristeza.
Intentan rehacerse en un mundo que les resulta hostil. Y cuando buscan un poco de compañía, ahí es donde más se nota el desamparo.
Aviso de spoilers.
Magnífica también Gemma Martínez como Irati. Es un personaje complejo, lleno de matices. Su papel en la vida de Lorea me parece un eco de otra de las traiciones que sufre.
En una película donde hace tanta falta alguien en quien apoyarse, esa traición pesa lo suyo.
Javier Giner vuelve a sorprenderme. Ha hecho una película desoladora. Y estupenda.
Javier Giner cocreó con Aitor Gabilondo la serie Yo, adicto, basada en su propia experiencia y también protagonizada por Oriol Pla.
La serie ganó los premios a mejor serie nacional y del público en Serielizados 2024.
Esta soledad es su primer largometraje y lo firma como guionista junto a Luisa Matienzo.
Se presentó en New Directors, en el Festival de San Sebastián, y llegó a los cines españoles el 30 de octubre de 2026 de la mano de Filmax.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Javier Giner:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
El debut de José Mota como director, Arriba Tutto, viene hasta arriba de efectos. El arranque me parece ridículo y esa sensación me acompaña durante toda la película. Es sensiblera, ñoña y, por momentos, muy tonta. La música se empeña tanto en decirme cuándo me tengo que emocionar que casi dan ganas de llevarle la contraria. Y hay chistes tan simples que acaban molestando.
Y, con todo, me ha enternecido. Me ha emocionado.
Me gusta esa idea de que la risa puede plantarle cara a la dictadura, a la censura, a la opresión y hasta al crimen. José Mota cree que la comedia lo puede todo. Yo le compro esa idea y, con todos los defectos de la película, también la alegría con la que la defiende.
Lo de La vida es bella salta a la vista. ¿Homenaje o préstamo con demasiada confianza? Ahí tengo mis dudas. Lo que sí me gusta de las dos películas es esa manera de defender la vida con humor y alegría cuando todo alrededor se va al carajo.
Funciona muy bien el dúo entre José Mota y Pablo Cabello, que interpreta estupendamente al mismo personaje de niño.
Karra Elejalde, que siempre está bien, también lo está aquí, aunque me parece que Mota lo dirige mal y le deja sobreactuar.
Y Olivia Molina, con esos ojos y esa presencia, resplandece.
Me hace gracia lo de Diego Anido. Lo mismo te hace de etarra en La infiltrada que de capitán franquista aquí, y los dos le salen bien. A este paso se nos queda de malo oficial del cine español.
Arriba Tutto es el primer largometraje que dirige José Mota, que también lo protagoniza y firma el guion con otros cinco autores.
Como actor, fue candidato al Goya a mejor actor revelación por La chispa de la vida, de Álex de la Iglesia.
La película se preestrenó en una gala de RTVE en el Festival de San Sebastián y llegó a las salas españolas el 22 de octubre de 2026 de la mano de A Contracorriente Films.
Mi puntuación: 6,75/10.
Dirigido por José Mota:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Josette tiene ochenta años, vive sola en Yaundé y anda haciendo cuentas. Sus hijos se han marchado al extranjero y ella quiere convencerlos de que construyan allí, para que tengan dónde quedarse cuando vuelvan. Lo de la casa parece un asunto de dinero y ladrillos, pero lo que quiere Josette es volver a tenerlos cerca.
En esas aparece Sarah, una joven del barrio que anda ilusionada con casarse con su novio francés.
Entre las dos nace una amistad casi de abuela y nieta. Es lo más bonito de la película. Una intenta que los suyos vuelvan y la otra está haciendo sus propios planes de futuro.
Me gusta que Josette, una mujer de ochenta años a la que pocas películas pondrían en el centro, maneje el móvil y el portátil con toda naturalidad.
Hace videollamadas con sus hijos mientras, en las calles, vemos mototaxis con tres personas encima, carricoches que hacen de taxi y tramos de barro sin asfaltar.
También hay apagones y préstamos solidarios entre vecinos.
Son detalles que me interesan tanto como la historia.
Me enseñan algo de un país que apenas conozco.
A ratos se me hizo lenta, incluso tediosa.
Josette Kwanya, madre del director, interpreta a una mujer inspirada en ella misma.
Su manera de estar en pantalla me resulta poco expresiva y me cuesta engancharme al personaje.
Con todo, me parece una película interesante por el punto de vista que elige.
Aquí seguimos a la madre que se queda, la que tiene que hacer su vida entre videollamada y videollamada.
El camerunés Auguste Bernard Kouemo Yanghu dirigió cortos como Waramutsého! y My Friend Fukushima antes de debutar en el largometraje con House of the Wind (La maison du vent).
La película reúne producción de Camerún, Francia, Bélgica y Benín, con participación de Arabia Saudí y Catar.
En Venecia ganó el Premio Especial del Jurado de Orizzonti y el León del Futuro a la mejor ópera prima.
En Sevilla se presentó en Rampa.
Mi puntuación: 6,76/10.
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
En The Green Eyes, una familia que ha huido de Irak intenta rehacer su vida en las Landas francesas. Quedan el padre y sus dos hijos, Nour, que es adolescente, y Chaya, de once años. Los tres cargan con la pérdida de la madre.
Les deniegan el asilo, les dan un mes para abandonar Francia y Nour cae en un sueño profundo del que nadie consigue despertarlo.
Me acordé de Vida en pausa, de Alexandros Avranas, que vimos en el Festival de Sevilla en 2024. Aquella película también se ocupaba del síndrome de resignación, en una familia que pedía asilo en Suecia.
El bloqueo de Nour me hace pensar en los trastornos conversivos, que la antigua psiquiatría englobaba entre las llamadas neurosis histéricas.
Hoy se habla de trastorno neurológico funcional cuando corresponde ese diagnóstico. Sus síntomas son reales y pueden parecerse a los de otras afecciones neurológicas.
La película, por su parte, presenta el caso de Nour como síndrome de resignación.
A Chaya le toca intentar despertar a su hermano cuando apenas hay un adulto que pueda ocuparse de ella.
La ayudan su profesora, interpretada por una extraordinaria Anamaria Vartolomei, eficaz como siempre, y un amigo de Nour. Cada uno entiende de una manera distinta lo que significa ayudar, y eso hace más interesante la situación de la niña.
La película funciona especialmente bien cuando entra en los sueños.
Hay momentos muy poéticos en ese mundo que los chavales se construyen para protegerse de una sociedad que les da la espalda y de un futuro que se les abre como un abismo.
Ahí se entiende por qué el sueño puede resultar más habitable que la vigilia.
Me ha gustado cómo está concebida.
Fanny Liatard y Jérémy Trouilh empezaron a trabajar juntos en cortos como Gagarine y Chien bleu.
Volvieron al primero para convertirlo en su debut en el largometraje, seleccionado por Cannes en 2020.
Allí, un adolescente que soñaba con ser cosmonauta se resistía a que demolieran su barrio.
En su segundo largo vuelven a mirar una amenaza muy concreta a través de la imaginación de quienes la sufren.
The Green Eyes inauguró el Festival de Locarno y se presentó en Alumbramiento, en el Festival de Sevilla.
Haut et Court anuncia su estreno en cines franceses para el 11 de noviembre de 2026.
Mi puntuación: 7,66/10.
Tráiler de la película en YouTube
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Ciudad de las Estrellas —Star City en el original— nos lleva al otro lado del Telón de Acero en la realidad alternativa de Para toda la humanidad.
En esta línea temporal, la Unión Soviética se convierte en la primera nación en llevar a un hombre a la Luna.
La serie se mete en el mundo de los cosmonautas, los ingenieros y los agentes de inteligencia infiltrados en el programa espacial soviético.
La ciudad de Star City funciona como un pequeño universo cerrado: allí se mezclan las intrigas políticas, el espionaje y los líos sentimentales.
La NASA y Cabo Cañaveral quedan al otro lado de la Guerra Fría.
La fotografía gris, oscura y llena de niebla retrata una Unión Soviética con poco sol y mucha vigilancia.
Es la época de Brézhnev, con un Estado que lo controla casi todo y ve peligros para el régimen hasta debajo de la cama. Y, por si fuera poco, también convierte a sus cosmonautas en atracciones itinerantes para pregonar las grandezas soviéticas. La propaganda espacial tenía público a ambos lados del océano.
La serie se mueve entre el thriller, la ciencia ficción y la Guerra Fría.
Tiene una trama muy densa, a veces demasiado enrevesada, y me da la impresión de que en los últimos capítulos pierde algo de fuelle. Aun así, me ha resultado muy interesante.
Ciudad de las Estrellas es un spin-off de Para toda la humanidad, creado por Ben Nedivi, Matt Wolpert y Ronald D. Moore.
La primera temporada tiene ocho episodios y se estrenó en Apple TV el 29 de mayo de 2026.
El final de temporada se publicó el 10 de julio.
Mi puntuación: 7,66/10.
Creada por Ben Nedivi, Matt Wolpert y Ronald D. Moore:
Ben Nedivi
Matt Wolpert
Ronald D. Moore
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Wicker parece un cuento medieval. Sus personajes reciben el nombre del oficio o del lugar que ocupan en la sociedad: el tabernero, la pescadora, el sastre… Y las mujeres son «la mujer del tabernero», «la mujer del sastre». No hace falta subrayarlo mucho: el patriarcado ya viene con cartel.
En las bodas, la novia jura obediencia al marido y recibe un collar que parece más propio de un perro que de una persona.
En esa comunidad irrumpe un hombre de mimbre que no sigue las reglas: es delicado, trabajador, responsable y le dice cosas bonitas a su mujer. Una combinación tan sencilla resulta suficiente para que lo envidien y lo odien.
Yo salí de la película hablando con una persona de Multicines Guadalajara. Le dije que no tenía claro cuál era su mensaje. Me hizo falta dormir una noche y darle vueltas para verlo; quizá era obvio, pero precisamente esa obviedad me lo había tapado.
La moraleja, al menos como yo la entiendo, es que cuando alguien se sale de unas normas establecidas —aunque sean nefastas— la sociedad lo mira mal, lo persigue y lo castiga. La envidia mueve ese pueblo y también pone en marcha el desastre.
Aviso de spoilers: a continuación comento algunos detalles de los personajes.
Olivia Colman está desmesuradamente bien como una mujer fea, sucia y maloliente que, pese a todo, resulta atractiva. Es maravilloso cómo hace funcionar esa contradicción.
Elizabeth Debicki, su oponente, es todo lo contrario: limpia, aseada, delgada, alta y bella. Intenta invertir las normas de la comunidad, pero no lo consigue.
Y Peter Dinklage es una especie de Pepito Grillo moralizante del pueblo.
La película tampoco esquiva el lenguaje sexual ni las palabrotas de la vida cotidiana que el cine y el teatro suelen disimular.
A mí me ha parecido exquisita: la he disfrutado, me ha divertido y también me ha emocionado.
Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson ya habían dirigido juntos Save Yourselves! (2020).
Wicker adapta el relato corto The Wicker Husband, publicado en 2008 por Ursula Wills.
La película dura 105 minutos y en España está clasificada como no recomendada para menores de 16 años; Vértice Cine la estrenó el 30 de octubre de 2026.
Mi puntuación: 8,68/10.
Dirigido por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Leones en invierno arranca como un thriller trepidante, con un comienzo brillante. Pero, según avanza el metraje, se va desplomando. Las escenas que deberían subir la adrenalina y la tensión dramática pierden credibilidad una tras otra: algunas chirrían y otras llegan a parecer ridículas.
La fotografía es buena y el montaje, efectista. Pero la película quiere construir una tensión argumental y narrativa que no consigue. Lo que prometía ser un terremoto de acción acaba resultando tedioso y poco creíble.
Lo que más me desconcierta es lo mal dirigidos que están algunos intérpretes extraordinarios, como Luis Zahera, Roberto Álamo, Inma Cuesta y Luis Callejo. Algunos diálogos y planteamientos son absolutamente ridículos. Cuesta entender que con semejante reparto la película consiga que todo suene tan falso.
Es como preparar una receta con ingredientes magníficos y combinarlos mal, pasarse con la cocción o quedarse corto. Aquí la receta no ha salido. Lo siento, pero no me creo nada.
Sencillamente, un fracaso.
Albert Pintó ha dirigido películas como Malasaña 32, Nowhere y Tierra de nadie.
También ha trabajado en series como La casa de papel y Sky Rojo.
Leones en invierno adapta la novela homónima de Carlos Augusto Casas.
El ICAA la clasifica como no recomendada para menores de 16 años.
Mi puntuación: 3,22/10.
Dirigido por Albert Pintó:
Chistes y críticas en holasoyramon.com
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
