Cutrecomentario de Ramón:

Las manzanas, los kiwis y el etileno.

Laura Samani es una directora italiana nacida en Trieste en 1989.

Se dio a conocer con su impactante debut Piccolo corpo (2021), una fábula rural sobre el dolor y la fe ambientada en el Friuli de principios del siglo XX.

Su cine combina realismo mágico y una fuerte carga emocional, con un estilo visual casi místico.

Es una de las voces más prometedoras del nuevo cine italiano.

En el Festival de Cine Europeo de Sevilla nos presenta esta película que nos relata las adversidades que padece Fred, una adolescente sueca que se traslada a Trieste.

En el instituto sufre el acoso, las bromas pesadas y el machismo de sus compañeros de clase.

También conoce la amistad, el amor, la traición y el abandono. 

Un film que nos de muestra como las chicas maduran más pronto que los chicos y cómo el machismo está arraigado en la sociedad italiana.

Aquí la sororidad brilla por su ausencia.

Destacar la interpretación de la joven Stella Wendick que sostiene la película y sabe dar a su personaje la suficiente profundidad como para que padezcamos con ella.

Una estupenda película para iniciar este festival, que nos promete estupendos momentos.

Mi puntuación: 7,68/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Diabetes tipo 2. Información básica a pacientes.

Una epidemia silenciosa

La diabetes mellitus tipo 2 (DM2) es una de las enfermedades crónicas más frecuentes del mundo moderno. Afecta a millones de personas, muchas sin saberlo. Se caracteriza por un aumento persistente de la glucosa en sangre debido a que el organismo no utiliza bien la insulina, la hormona encargada de meter el azúcar dentro de las células.

En la diabetes tipo 2 el páncreas sigue produciendo insulina, pero las células se vuelven “sordas” a ella: es lo que se llama resistencia a la insulina. Con el tiempo, el páncreas se agota intentando compensar, y los niveles de glucosa se disparan.

Factores que favorecen su aparición

No aparece de la nada. Detrás hay un cóctel de causas que se refuerzan entre sí:

• Obesidad y sobrepeso, especialmente cuando la grasa se acumula en el abdomen.
  
  

• Sedentarismo: pasar la mayor parte del día sentado reduce la sensibilidad a la insulina.
  
  

• Alimentación poco saludable: exceso de azúcares simples, ultraprocesados, bebidas azucaradas y harinas refinadas.
  
  

• Edad: es más frecuente a partir de los 40 años, aunque cada vez se ve antes.
  
  

• Antecedentes familiares: la genética cuenta, pero el estilo de vida manda.
  
  

• Estrés crónico y falta de sueño, que alteran el metabolismo.
  
  

La relación con la obesidad

La obesidad abdominal es el gran disparador de la DM2. La grasa visceral (la que se acumula dentro del abdomen) libera sustancias inflamatorias que interfieren con la acción de la insulina.
Por eso se dice que la diabetes tipo 2 es, en muchos casos, una consecuencia metabólica del exceso de grasa corporal.

Buena noticia: perder un 5-10% del peso corporal puede mejorar notablemente los niveles de glucosa y, en algunos casos, incluso revertir la enfermedad en fases iniciales.

Medidas generales: el poder del cambio de hábitos

El tratamiento de la diabetes tipo 2 se basa en tres pilares fundamentales: dieta, ejercicio y medicación (si hace falta). Pero los dos primeros son la base de todo.

🥦 1. Alimentación saludable

El objetivo no es “comer sin azúcar”, sino comer bien todos los días.
Las recomendaciones más importantes:

• Seguir un patrón tipo dieta mediterránea: frutas, verduras, legumbres, frutos secos, cereales integrales, pescado y aceite de oliva virgen extra.
  
  

• Reducir los azúcares simples (refrescos, bollería, dulces, zumos industriales).
  
  

• Evitar los ultraprocesados, ricos en harinas refinadas y grasas trans.
  
  

• Moderar el consumo de carne roja y embutidos.
  
  

• Apostar por proteínas magras (pollo, pescado, huevos, legumbres).
  
  

• Beber agua como bebida principal.
  
  

• Controlar el tamaño de las raciones: incluso los alimentos saludables, si se comen en exceso, suben la glucosa.
  
  

Un pequeño cambio sostenido vale más que una dieta milagrosa de dos semanas.

🏃‍♂️ 2. Actividad física

El ejercicio es una auténtica medicina para la diabetes tipo 2. Aumenta la sensibilidad a la insulina, baja la glucosa y mejora la salud cardiovascular.

Las guías recomiendan:

• 150 minutos semanales de actividad aeróbica moderada (caminar rápido, nadar, montar en bici…).
  
  

• Dos o tres sesiones semanales de ejercicios de fuerza (pesas, bandas elásticas, calistenia…).
  
  

Moverse cada día, aunque sea subir escaleras o pasear después de comer, marca la diferencia.

💊 3. Tratamiento médico

Cuando dieta y ejercicio no son suficientes, se añaden fármacos orales (como metformina) o, en fases avanzadas, insulina.

Pero el objetivo no cambia: mantener la glucosa dentro de los valores seguros y prevenir complicaciones (cardiovasculares, renales, oculares, neurológicas…).

Cuándo se considera que está bien controlada

Los médicos valoran varios parámetros. En general, se considera bien controlada cuando se cumplen:

Además, el control incluye mantener un peso saludable y un IMC inferior a 25.

Conclusión

La diabetes tipo 2 no es un castigo, sino una alerta metabólica. Con buenos hábitos se puede controlar, y en muchos casos incluso revertir en sus primeras etapas.

La clave está en moverse más, comer mejor y asumir que la salud se cocina (literalmente) todos los días.

El cuerpo, cuando lo cuidas, te devuelve el favor.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Otros posts relacionados

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

ADAPTATION

Literatura y Cine

“Es mejor el libro que la película”

¿Cuántas veces hemos oído este comentario?

Probablemente sea uno de los chascarrillos más recurrentes en el análisis de aficionados al cine y a la literatura.

La literatura y el cine son dos lenguajes diferentes: una con palabras, la otra con imágenes.

Cuando un libro se convierte en película, no solo cambia de formato, sino que renace con nuevos colores, sonidos y miradas.

Este monográfico recorre ese puente entre páginas y pantallas, explorando cómo los relatos escritos encuentran nueva vida en el lenguaje del cine, sin perder su esencia.

Un viaje entre letras y fotogramas, donde la imaginación escribe su historia dos veces.

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Vamos, que en lugar de robos y disparos, Reichardt prefiere atracarte el corazón.

A mí me ha parecido una película divertida, pero mediocre, que no aporta grandes cosas y que decepcionará a al público que espere ver una gran película.

Una película que renunciamos a ver, porque compañeros de prensa la definieron como un truñaco monumental.

La recuperaremos en Gijón.

El público pataleó en la gala. Una cosa muy de Seminci, que parecía que se había perdido.

Una película divertida, pero profundamente triste, que refleja el descalabro cultural en la Argentina de Milei.

Curioso que se premie a tres actores “naturales” que se interpretan a sí mismos. No le veo el mérito.

Incomprensible totalmente. Hay películas con mejor fotografía y con una belleza formal incuestionable.

Un premio muy loco.

Las películas del Festival de mejor a peor:

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Nadie se acuerda del segundo.

Diego San José Castellano (Irún, 1978) es guionista, creador y ocasional director, considerado uno de los grandes nombres de la comedia española contemporánea.

Comenzó su carrera en televisión con Vaya Semanita y El Intermedio, donde afinó su humor costumbrista y político.

Alcanzó el éxito masivo al coescribir Ocho apellidos vascos (2014) y su secuela, que revolucionaron la taquilla española.

También firmó los guiones de Fe de etarras (2017), Superlópez (2018) y la serie Vota Juan junto a Javier Cámara, explorando con ironía la mediocridad del poder.

En 2024 estrenó Celeste, sobre una inspectora de Hacienda con una estrella pop entre ceja y ceja.

Su comedia se caracteriza por la observación social, el humor de situación y la ternura hacia personajes torpes o desubicados.

Admite influencias de Billy Wilder, Azcona y Armando Iannucci.

Es un defensor de la comedia “del hambre”, aquella que nace de la precariedad más que del lujo.

Vemos en el teatro Zorrilla de Valladolid esta serie dentro de la Seminci.

Una oportunidad única de disfrutarla en pantalla grande.

Asisten sus participantes más destacados: Diego San José, Carla Quílez, Javier Cámara, Elena Trapé…

Presentan brevemente la serie y reciben un prolongado aplauso después de tres horas y media de proyección sin descansos.

Unos aplausos más que merecidos.

San José abandona su tono habitual de comedia, para adentrarse más en el drama, aunque con toques de humor que aligeran el peso de la trama.

Se maneja bien mostrando emociones y sus directores saben crear situaciones, que pueden hacer brotar lágrimas de espectadores sensibles, como un servidor.

Es la historia de un perdedor, que sigue luchando por sobrevivir y por triunfar.

Marcado por sucesos traumáticos en su infancia y por el abandono de amigos en la juventud, intenta desesperadamente encontrar ese mirlo blanco que le saque de la mediocridad y de la frustración.

Javier Cámara compone este personaje con una credibilidad apabullante, desde el más puro sentimiento.

Un personaje que tiene sus puntos oscuros, al que puedes despreciar y compadecer.

Le da la réplica una Carla Quílez –La maternal (2022)- en estado de gracia, que a pesar de su juventud, se enfrenta al monstruo de la interpretación que es Cámara, con energía y valentía.

Los dos nos ofrecen escenas brillantísimas.

San José nos vuelve a embriagar, con esta serie, que se puede ver de tirón sin que sintamos ganas de ir al servicio en ningún momento.

Mi puntuación: 9,79/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

En busca del padre perdido.

László Nemes (Budapest, 1977) es un director y guionista húngaro conocido por su mirada intensa y su dominio del fuera de campo.

Su debut, El hijo de Saúl (2015), ganó el Óscar a Mejor Película Extranjera por su retrato claustrofóbico del Holocausto.

Después dirigió Atardecer (2018), una inmersión visual en el caos previo a la Primera Guerra Mundial.

Su cine es exigente, sensorial y obsesivo: te arrastra dentro de la historia… aunque a veces te deje sin aire.

La Seminci nos ofrece esta película que pasó por Venecia.

László Nemes sabe componer planos sorprendentes, desde perspectivas inusuales, que crean en el espectador una desagradable sensación de incomodidad. Por ello muchos asistentes a sus películas se pueden sentir molestos y sus relatos se convierten en desasosegantes y desagradables.

Con un diseño de producción apabullante, nos relata la posguerra en la Hungría soviética, a través de la mirada de un niño, del que vamos descubriendo, al mismo tiempo que él, su complejo pasado.

Estamos acostumbrados a ver al actor normando Grégory Gadebois dar vida a personajes tiernos y bonachones –Angèle y Tony (2011), Delicioso y Maria Antonieta (2023)-. Aquí interpreta a un carnicero desagradable con bajo control de impulsos. Un personaje que no se olvida y que es carne de premios.

Bojtorján Barabas compone el personaje de Andor, a través de su mirada rebelde contemplamos el abandono, la desolación y la ausencia de referentes. Un niño que despierta ternura y repulsión al mismo tiempo.

Una película difícil de digerir, pero sensacional.

Mi puntuación: 7,87/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

El boxeador yemení.

Rowan Athale es un director y guionista británico nacido en 1981, conocido por su mezcla de drama social y cine de género.

Debutó con Wasteland (2012), un thriller criminal ambientado en el norte de Inglaterra, y después dirigió Strange But True (2019), con Margaret Qualley y Amy Ryan.

También ha trabajado en televisión en series como Gangs of London.

Su estilo combina realismo británico con giros oscuros y una elegancia visual poco habitual en el thriller indie.

Esta película enfrenta a dos personajes interpretados por Pierce Brosnan y Amir El-Masry.

A Brosnan lo conocemos todos. 

 De Amir El-Masry os puedo contar que es un actor egipcio-británico formado en la LAMDA y conocido por su papel protagonista en Limbo (2020), por el que ganó el BAFTA escocés al mejor actor.

También interpretó a Mohamed Al-Fayed joven en The Crown y apareció en Star Wars: The Rise of Skywalker.

Se ha destacado por elegir papeles que rompen estereotipos sobre personajes árabes.

El film nos relata la relación durante décadas entre el entrenador y el boxeador.

Una historia vista ya en pantalla, que refleja bien lo que ocurre en la realidad.

El entrenador que consigue construir una estrella de un diamante en bruto y que es abandonado cuando su pupilo consigue el éxito.

Ya con el primer plano secuencia de un combate de boxeo la película me cautivó. Lo mejor de todo es que el resto del metraje no me decepcionó.

Es un relato bien construido, bien contado, que emociona y engancha.

Las escenas de los combates no agotan, están bien medidas y filmadas de manera diferente.

Tenemos la reflexión de que el dinero hay que saberlo gastar. Qué tener cuatro Lamborghinis en la puerta de mansión no te hace más feliz.

Lo importante no es lo que tengas, sino con quien lo compartes.

Una buena película. No es otra más de boxeo.

Mi puntuación: 7,87/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Un calandés en Lieja. El hombre que odiaba demasiadas cosas.

David Trueba (Madrid, 1969) es uno de esos cineastas que escriben con la misma naturalidad con la que respiran.

Hermano de Fernando Trueba, ha construido una filmografía tan personal como honesta, donde el humor melancólico y la ternura cotidiana van de la mano.

Debutó con La buena vida (1996) y consolidó su voz con títulos como Soldados de Salamina (2003), Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013, seis Premios Goya) o A este lado del mundo (2020).

Sus películas hablan de gente corriente, amores torpes y pequeñas victorias emocionales, siempre con ese toque de ironía madrileña tan suya.

En resumen, Trueba es el cronista amable de la España moderna: un tipo que mira la vida con cariño, sin épica, pero con mucho corazón (y con una guitarra de fondo, si hace falta).

Trueba se basa en una novela suya para componer este film – Blitz (2015)-.

Es el relato de una ruptura y de una reconstrucción. 

David Verdaguer da vida a un arquitecto paisajista en horas bajas personal y profesionalmente.

Trueba intenta que Verdaguer abandone su eterno rol de catalán triste, para interpretar a un turolense de Calanda, de los que rompe la hora a base de golpear tambores.

Por cierto, la recreación que realiza de ese momento es bastante penosa. Se nota que no ha vivido esa experiencia. Tal vez, solo haya visto vídeos.

Estamos ante una película triste, melancólica, fría ambientalmente, pero cargada de sentimientos.

Me horroriza pensar que alguien pueda dudar de la relación del personaje de Verdaguer con el de la francesa que compone una estupenda Isabelle Renauld. Si hubiera sido chica joven con señor maduro nadie la hubiera cuestionado.

Muchas son las virtudes de este film, que puede tener carrera comercial y en los Goya, pero destaco la magnífica interpretación de Verdaguer, la buena construcción de los personajes y el optimismo de un relato, que es triste, pero esperanzador.

Siempre es agradable ver a Vito Sanz en pantalla, aunque sea unos minutos.

Reconozco a mi amiga, la productora Rosa Pérez en un pequeñísimo papel.

Un mensaje claro: no odies nada, vivirás más feliz.

Un deseo: qué nunca se te cruce en tu vida un cantautor uruguayo.

Mi puntuación: 8,77/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

La nieta, la madre y la abuela.

Lucía Aleñar Iglesias nació en Madrid en 1993.

Estudió cine en la New York University y posee un máster de guion por la Columbia University.

Su cortometraje Forastera (2020) fue seleccionado en festivales importantes como la Semana de la Crítica de Cannes.

Ahora presenta la versión en largo en la Seminci.

Una película que nos habla de cómo afrontar el duelo ante la muerte inesperada de la abuela.

Es curioso que la nieta, a la que da vida de manera formidable Zoe Stein, sabe tratar de forma más adecuada a su abuelo, que su madre que lo reprende como si fuera un niño.

Una película sencilla, con pocos personajes, en un único escenario, un chalé con unas vistas al mar impresionantes.

Mi puntuación: 6,57/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

En un pueblo chino vive nuestro amigo Chuang.

Huo Meng es un director y guionista chino nacido en 1979, conocido por su estilo sobrio y humanista.

Debutó con Crossroads (2014), pero alcanzó reconocimiento internacional con The Innocent (2018), una emotiva reflexión sobre la culpa y la redención en la China contemporánea.

Su cine se caracteriza por los silencios, los planos largos y una gran sensibilidad hacia la vida cotidiana.

Es de esos directores que hablan bajito… pero te dejan pensando mucho rato.

Seguimos a este niño Chuang, que interpreta eficazmente Wang Shang, para presentarnos las defunciones, las bodas, las cosechas, las peticiones de mano, las celebraciones de una familia china en 1991, cuando llegaba la mecanización al campo.

Estamos ante una película costumbrista, más que etnográfica.

Hay escenas muy Berlanga, donde todos los actores se mueven y hablan a la vez con una cámara que se mueve siempre de manera adecuada. Una coreografía de voces y personajes perfecta.

Con una fotografía brillante y bonita, se nos presenta esa zona rural, a veces verde, a veces terrosa, otras cenagosa.

Los niños juegan felices, se ensucian, colaboran, lloran, viven,

También en esa localidad hay tonto del pueblo, al pobre le dan por todos lados.

Una película deliciosa.

Mi puntuación: 7,76/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Terapia conductista.

Jan Komasa (Varsovia, 1981) es un director y guionista polaco conocido por su energía visual y su mirada crítica sobre la sociedad moderna.

Alcanzó fama internacional con Corpus Christi (2019), nominada al Óscar, y ya antes había destacado con Sala de suicidas (2011) y Varsovia 1944 (2014).

Su cine mezcla lo espiritual y lo violento con una puesta en escena potente y emocional.

Es un autor joven con alma vieja… y con más nervio que un confesionario lleno.

Aquí seguimos a Tommy un gamberro desbocado y pendenciero, que se mete decalitros de alcohol y gramos de droga, para desparramar sin conocimiento.

Una familia “lo acogerá” para obtener su “redención“.

Una película muy potente, que no deja de sorprendernos durante todo el metraje.

Mezcla acción, humor y drama. Podría haber estado en Sitges, pero resulta estimulante verla en la Seminci.

Se pueden sacar muchas moralejas, pero todas son spoilers. Mejor verla.

Mi puntuación: 8,76/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

El crepúsculo de… tantas cosas.

Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzini son dos directores y guionistas argentinos que suelen trabajar en tándem.

Se dieron a conocer en el circuito independiente con Los hiperbóreos (2022), una mezcla de thriller y comedia absurda con ecos kafkianos.

Su cine destaca por el humor negro, el surrealismo y un estilo visual muy artesanal.

Son de esos creadores que disfrutan retorciendo la realidad… y haciéndote reír mientras no sabes si estás soñando o viendo una película.

Aquí nos ofrecen la historia de Pelu un proyeccionista de un Cine Club en decadencia, que pierde su trabajo y se reincorpora como vigilante de seguridad nocturno. 

Poco a poco irá haciendo del viejo cine su morada, que irá abriendo a sin techos y gorrillas.

Una película rodada en un duro blanco y negro, en la que se nos habla de la precariedad, de la imposibilidad de acceder a una vivienda, del declive del cine en salas, del auge de los directos en la red, de la solidaridad entre los pobres…

Un drama salpicado de buenas notas de humor, donde su protagonista se limita a sobrevivir. No es un héroe, ni un fracasado, es un superviviente.

Durante la película nuestro personaje principal, solo o acompañado de amigos, visiona unas cuantas películas que se pueden descubrir durante el metraje. Lo que le confiere al film un doble espíritu cinéfilo.

Rebuscando en internet he encontrado que se pueden descubrir estas pelis:

• Los tallos amargos (1956) de Fernando Ayala.

• La venganza del bergantín (Wake of the Red Witch, 1948) de Edward Ludwig con John Wayne.

• Un día en el campo (Une partie de campagne, 1936) de Jean Renoir.

• Un dólar marcado (Un dollaro bucato, 1965) de Giorgio Ferroni.

• Fueros humanos (Man’s Castle, 1933) de Frank Borzage.

• Nobleza obliga (Ruggles of Red Gap, 1936) de Leo McCarey.

• El hombre equivocado (The Wrong Man, 1956) de Alfred Hitchcock.

• Buenos días (Ohayô, 1959) de Yasujiro Ozu.

Una buena selección en una excelente película cargada de mensajes y de buen humor, a pesar de la tragedia.

Un film muy argentino que nos cuenta bien la desesperanza cultural en la era Milei.

Mi puntuación: 7,77/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

El abuso.

Pere Vilà i Barceló (Girona, 1975) es un director y guionista catalán de tono íntimo y mirada humanista.

Debutó con Pas a nivell (2007) y consolidó su prestigio con La lapidation de Saint Étienne (2012) y La fossa (2018), donde aborda temas como la memoria, la vejez y la dignidad.

Su cine es pausado, sobrio y profundamente empático, más cercano a la poesía que al espectáculo.

Es de esos directores que filman el alma… sin levantar la voz.

Ahora nos relata de forma minuciosa la evolución psicológica de una chica que ha sufrido un abuso sexual.

Desde el desánimo inicial no comprendido por ella misma, pasa a la aceptación de la realidad de los hechos, seguirá por el duelo, para terminar en la superación.

Este proceso es relatado concienzudamente por Pere Vilà, insertando imágenes bucólicas, que parecen sacadas de los documentales del National Geographic.

Es preciso avisar al espectador que este film dura 180 minutazos, que su ritmo es lento, que la poesía de las imágenes intercaladas entre los diálogos obliga a un ejemplar ejercicio de paciencia. ¡Vamos que no es una película de John Wick!

Pero salvando estas dificultades, se nos ofrece un filma que analiza las relaciones tóxicas y los actos sexuales no consentidos dentro de una relación y las consecuencias que ello acarrea.

Hay diálogos potentes y necesarios.

Producida de manera muy austera con tan solo cuatro actores, abusando de primeros planos, con continuos desenfoques y usando sonido directo, sin música que realce sentimientos. Una austeridad formal, que, a veces, es efectiva y, otras veces, irritante.

Su director defiende su metraje, pero es un inmenso lastre para su comercialidad.

Propongo una versión recortada de 90 minutos. Un buen montaje puede crear un film más potente y efectista.

¿De qué sirve hacer una gran película con un formidable mensaje si sus características van a impedir que sea vista?

Mi puntuación: 6,27/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

La adolescente.

Urška Djukić (Eslovenia, 1986) es una directora y guionista que combina documental, animación y ficción con gran originalidad.

Su cortometraje Granny’s Sexual Life (2021) ganó el Premio del Cine Europeo y fue aplaudido por su mirada feminista e innovadora.

En 2025 ha debutado en el largometraje con Little Trouble Girls, presentada en el Festival de Berlín y en la Seminci.

Su cine explora la identidad femenina y la memoria colectiva con una estética delicada y provocadora a la vez.

Aquí sigue la vida de Lucija, que canta en un coro. Con una madre controladora, que intenta que su hija carezca de sexualidad.

Sus compañeras del coro le van introduciendo en un mundo que ella intenta evitar, pero surgirán las preguntas y la búsqueda de su propia identidad.

Una historia sobre el paso de la niñez a la madurez. Mil veces vista, pero contada desde el rostro de la joven actriz Jara Sofija Ostan.

La directora consigue crear una atmósfera opresiva que ayuda a hacer de esta película un film valioso.

Mi puntuación: 7,88/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

La hija resucitada.

Christian Petzold (Hilden, Alemania, 1960) es uno de los grandes nombres del cine alemán contemporáneo y figura clave de la llamada Escuela de Berlín.

Su cine, elegante y emocionalmente contenido, indaga en la identidad, la culpa y el desarraigo.

Ha firmado obras destacadas como Bárbara (2012), Phoenix (2014), En tránsito (2018) y Afire (2023).

Petzold filma el amor como si fuera un fantasma que nunca termina de irse… y que, encima, te deja las llaves de casa.

Laura, una estudiante de piano, a la que da vida la alemana Paula Beer, sufre un accidente. Es recogida y cuidada por una extraña mujer con una casa al lado de un camino rural.

Las dos mujeres están tocadas por la vida. Gran parte del interés de la película está en el misterio que esconden.

Las dos se ayudarán a sanar…

Una película compuesta desde el relato de los hechos, con el fondo de los sentimientos.

La mirada profunda y penetrante de Paula Beer y la ternura de su auxiliadora, interpretada por Barbara Auer, son el mayor atractivo de este film.

Mi puntuación: 7,68/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

El ruido del dolor.

La actriz y directora estadounidense Kristen Stewart nació el 9 de abril de 1990 en Los Ángeles, California. 

Su salto al gran público llegó con su papel de Bella Swan en la saga The Twilight Saga (2008-2012), que la convirtió en un fenómeno mundial.

Desde entonces ha buscado proyectos más personales e independientes: su trabajo en películas como Clouds of Sils Maria (2014) le valió el César a Mejor Actriz de Reparto, siendo la primera actriz estadounidense en lograrlo en décadas. 

En 2021 fue nominada al Óscar a Mejor Actriz por su interpretación de la princesa Diana en Spencer (2021).

Más recientemente ha dado el salto detrás de la cámara y debutado como directora con The Chronology of Water (2025), lo que refuerza su transición hacia un papel creativo más amplio en el cine.

En resumen: Kristen Stewart pasó de ícono juvenil de masas a actriz del “otro cine” con inquietudes autorales… y ahora también directora.

La ópera prima de Kristen Stewart, basada en las memorias de Lidia Yuknavitch, es una experiencia sensorial intensa, por momentos fascinante y, otras veces, agotadora.

The Chronology of Water sigue el descenso emocional de una nadadora marcada por el trauma, el abuso y la autodestrucción.

La protagonista —interpretada con una entrega brutal por Imogen Poots— se convierte en un cuerpo que flota entre la memoria y la culpa, y su dramatismo resulta tan poderoso que casi duele mirarla.

Stewart filma con una mirada febril y poética, sin miedo a lo incómodo.

Cada plano es una inmersión en la mente rota del personaje, y ahí la película encuentra su mayor fuerza: en esa verdad desgarrada que nunca se disfraza.

Pero, y aquí llega el pero, el film abusa de los efectos sonoros estridentes.

Los ruidos metálicos, los zumbidos, los estallidos eléctricos… acaban ahogando lo que la imagen ya transmitía con fuerza. Es como si el dolor necesitara subrayarse con megáfono.

Aun así, The Chronology of Water confirma que Kristen Stewart no ha llegado a la dirección para pasar desapercibida.

Es cine extremo, torpe a veces, pero con una autenticidad rara.

Un debut que suena demasiado alto, sí, pero que deja huella.

Mi puntuación: 6,77/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Cuando los fantasmas son más majos que aterradores.

Julian Radlmaier (nacido en Núremberg, Alemania, en 1984) es un director y guionista con un estilo tan irónico como político.

Formado en la dffb (Escuela Alemana de Cine y Televisión de Berlín), ha firmado películas como Self-Criticism of a Bourgeois Dog (2017), Blutsauger (Vampir comunista) (2021) y Aus meiner Haut (2024).

Su cine combina marxismo, humor absurdo y estética retro con una elegancia muy berlinesa.

Es como si Godard se hubiera apuntado a un curso de sarcasmo con Marx de profesor.

Esta cinta de Julian Radlmaier, Phantoms of July, se paseó por el Festival de Locarno dentro de su sección de competición, lo cual ya le da un plus de “película de autor” que luego el público quizás no sintió del todo. 

Lo que encontramos es un producto simpático: dos mujeres que se sienten atrapadas —una camarera alemana, otra youtuber iraní—, una “caza de fantasmas” en la montaña, encuentros inesperados y un toque de fantasía ligera. 

Ahora bien: lo intranscendente le queda como un guante. No porque carezca de intención —que la tiene: habla de soledad, clases sociales, migración— sino porque el tono juguetón y disperso no termina de cuajar en algo profundo o duradero.

Visualmente, Radlmaier juega con escenarios tan concretos como el Este alemán, y los personajes tienen su encanto, pero la película nunca se toma muy en serio la urgencia de sus propias preguntas: las deja flotar, como quien prefiera que el espectador las sienta en vez de resolverlas.

Lo cual no está mal: hay cine ligero que busca divertir más que agitar, y en ese sentido Phantoms of July cumple.

Pero si esperas que te remueva por dentro, que te cambie de sitio, igual sales con la sensación de haber paseado sin destino.

Resumiendo: una película simpática, agradable de ver, discreta, con momentos bonitos y buen rollo entre las imágenes, pero que al volverse a apagar la luz de la sala no deja huella profunda.

Para ver con amigos, palomitas, buen ánimo… pero no para una sesión introspectiva.

Mi puntuación: 6,55/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

El fracaso de un vaquero.

Max Walker-Silverman es un director y guionista estadounidense nacido en Colorado, conocido por su sensibilidad poética y su amor por los paisajes rurales.

Su primer largometraje, A Love Song (2022), protagonizado por Dale Dickey y Wes Studi, fue aclamado en Sundance por su sencillez y ternura.

Antes había dirigido varios cortos ambientados en el oeste estadounidense.

Su cine respira silencio, polvo y emoción contenida: como un atardecer en el desierto… con el corazón un poco roto.

Este director nos ofrece en la Seminci la historia de un granjero que lo ha perdido todo por un incendio forestal.

Habla del fracaso, de las dificultades para resurgir en el paraíso capitalista.

Habla de la solidaridad entre los pobres y de cómo la sociedad actual ha domesticado a los “miserables” que ya no piden la revolución, ni se revuelven ante la adversidad, sino que se resignan ante ella e intentan simplemente sobrevivir.

Walker-Silverman realiza un buen retrato de los personaje consiguiendo una buena interpretación de británico Josh O’Connor, a pesar de su eterna cara de tonto.

Mi puntuación: 7,75/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Ginkgo biloba.

Ildikó Enyedi (Budapest, 1955) es una directora y guionista húngara de mirada poética y profundamente humanista.

Ganó el Oso de Oro en Berlín con En cuerpo y alma (2017), una historia de amor tan delicada como extraña ambientada en un matadero.

Ya había dejado huella con Mi siglo XX (1989), que obtuvo la Cámara de Oro en Cannes.

Su cine combina realismo y fantasía con una sensibilidad única: parece rodar los sueños… pero con los pies descalzos en la tierra.

El nombre completo del árbol que protagoniza esta película es Ginkgo biloba, tal cual: “ginkgo” es el género y “biloba” la especie.

También se le conoce como árbol de los cuarenta escudos o árbol del templo, y es famoso porque es una especie muy antigua, casi un fósil viviente, originaria de China.

Vamos, que lleva en pie desde antes de que existieran los dinosaurios… y ahí sigue, tan campante.

Ildikó Enyedi convierte la ciencia en poesía, y a Tony Leung Chiu-Wai en su médium más silencioso.

La directora húngara Ildikó Enyedi vuelve con Silent Friend, una película que se atreve a fusionar la botánica, la neurociencia y la filosofía del alma vegetal.

Tres historias, tres épocas y un solo protagonista inmóvil: un majestuoso ginkgo biloba que observa cómo cambian los humanos a su alrededor, sin moverse un ápice.

Desde un punto de vista científico, la cinta plantea un interrogante fascinante: ¿pueden los árboles tener una forma de conciencia?

En la parte contemporánea, Tony Leung Chiu-Wai interpreta al doctor Tony Wong, un investigador de Hong Kong que, en plena pandemia, intenta registrar la actividad eléctrica del árbol como si buscara en él una inteligencia alternativa.

Su interpretación es impecable: contenida, elegante, llena de matices. Uno de esos papeles en los que su silencio dice más que cualquier monólogo.

El film, sin embargo, no es fácil. Su estructura tripartita, que salta entre 1908, 1972 y 2020, apuesta más por la resonancia simbólica que por la claridad narrativa.

El resultado es tan hermoso como difuso: planos sublimes, ritmo hipnótico y una narración que a veces parece perderse entre hojas y raíces.

La fotografía de Gergely Pálos es un prodigio.

Cada era se filma con una textura distinta —del blanco y negro al digital—, y el árbol se convierte en el verdadero protagonista, filmado con una reverencia casi mística.

Silent Friend exige paciencia, pero recompensa con una experiencia visual y sensorial poco común.

Es una obra que no se mira, se contempla.

Y en medio de ese silencio, Tony Leung brilla con la luz tranquila de los grandes intérpretes.

Mi puntuación: 7,88/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

La vida de Agnes.

Eva Victor (Estados Unidos, 1994) es una actriz, guionista y comediante conocida por su humor inteligente y su presencia en redes sociales.

Se hizo popular con sus vídeos satíricos para The New Yorker y por su participación en series como Billions y Super Pumped.

En cine ha aparecido en A Nice Girl Like You (2020) y en The Beanie Bubble (2023).

Su estilo combina ironía millennial y crítica social con una naturalidad que la hace parecer la amiga sarcástica que todos querríamos tener en el grupo.

Ahora nos ofrece una dramedia, que impresiona de autobiográfica.

Ha escrito el guion y ha protagonizado y dirigido esta película, que cumple todos los requisitos del llamado cine independiente americano.

Una película que te lleva por los senderos de la comprensión de la protagonista, una chica que ha triunfado por méritos propios en el mundo universitario, pero que lastra sus traumas y sus inseguridades.

Un relato de amistad y de superación personal.

Brillante, sincero, sencillo y emotivo.

Cine del bueno.

Mi puntuación: 8,67/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Niñas madres.

Jean-Pierre y Luc Dardenne: los hermanos del alma obrera.

Los belgas Jean-Pierre (1951) y Luc Dardenne (1954) son algo así como los santos patronos del realismo europeo.

Su cine no tiene fuegos artificiales, pero tiene verdad: obreros, migrantes, chavales perdidos… y mucha dignidad filmada con la cámara pegada al cuerpo.

Empezaron en el documental en los años 70, retratando el tejido industrial de Lieja, antes de dar el salto a la ficción con La promesa (1996), donde ya asomaban sus temas: la culpa, la redención y la mirada moral sin sermones.

Luego llegaron obras maestras como Rosetta (1999, Palma de Oro), El hijo (2002), El niño (2005, otra Palma de Oro), El silencio de Lorna (2008), El niño de la bicicleta (2011) o El joven Ahmed (2019).

Su estilo es reconocible al instante: cámara al hombro, luz natural, montaje austero y una empatía brutal por los marginados.

No juzgan, observan; no adornan, acompañan.

Todo parece sencillo hasta que te das cuenta de que nadie más logra contar tanto con tan poco.

Los Dardenne no hacen películas para entretener: las hacen para recordarte que la compasión todavía existe.

En su cine no hay héroes, pero sí humanidad a raudales. Y eso, en los tiempos que corren, ya es casi ciencia ficción.

Ahora nos retratan las vidas de cinco jóvenes, casi niñas, en un refugio para madres adolescentes.

Existencias complicadas, que lastran maternidades prematuras.

Distintas maneras de afrontar esas maternidades, con relatos muy sentidos y sinceros.

Porque lo que desborda los sentimientos y provoca mis emociones es la sensación de sinceridad.

Magníficos como siempre estos hermanos belgas. 

Penoso el título de la película en castellano.

Mi puntuación: 8,55/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

¿Madre qué será lo que tiene el negro?

Alexe Poukine (Bélgica, 1982) es una directora y guionista que se mueve entre la ficción y el documental con una mirada íntima y feminista.

Se dio a conocer con Petite fille (2016) y alcanzó gran reconocimiento con Sans frapper (2019), donde aborda el consentimiento sexual desde una perspectiva profundamente empática.

Su estilo combina cercanía emocional y precisión formal, sin melodrama ni artificio.

Es de esas cineastas que incomodan… pero para que abras los ojos.

Una trabajadora social con un marido guapete y un hijo muy salado se enamora de un mecánico de bicis…

Una película que sigue a Kika, a la que da vida una sobresaliente Manon Clavel. Ella es el epicentro del relato.

Lo más sorprendente del film es la cantidad de giros argumentales que nos ofrece.

Te va sorprendiendo por la cantidad de sucesos trascendentes que se acumulan, usando sabiamente la elipsis.

En su parte final se centra en el mundo de las relaciones sado maso, con una mirada asombrada, inexperta y compresiva.

Una película muy interesante y, hasta cierto punto, educativa.

Mi puntuación: 7,69/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

La Dama de la escena italiana.

Pietro Marcello (Caserta, Italia, 1976) es un director y guionista que ha sabido mezclar documental y ficción con una sensibilidad poética única.

Alcanzó fama internacional con Martin Eden (2019), adaptación del clásico de Jack London, tras obras tan admiradas como La bocca del lupo (2009) y Bella e perduta (2015).

También dirigió Scarlet (2022), confirmando su gusto por los relatos humanistas y las texturas visuales casi pictóricas.

Su cine parece rodado con nostalgia y celuloide viejo… pero con el corazón bien vivo.

Aunque el director lo niegue nos presenta un biopic de los últimos años de la legendaria diva italiana del teatro Eleonora Duse, que vivió entre 1858 y 1924.

Está interpretada por otra diva, Valeria Bruni Tedeschi, que ocupa la mayor parte de los fotogramas que componen el film.

El director se obstina en presentarnos primeros planos de la protagonista, que realiza un interpretación desmesurada, estridente y chillona.

La película no solo me aburrió, por su falta de interés y en su reiteración en los planos de detalle, sino que me llegó a irritar profundamente, por esos gritos y esa falta de comedimiento interpretativo.

Un fiasco total.

Curiosa y paradógicamente, el momento en que sale en pantalla el Duce está bien.

Ni siquiera la presencia de siempre atractiva Noémie Merlant puede salvar este bodrio.

Mi puntuación: 2,20/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Las granjeritas.

Mascha Schilinski (Alemania, 1985) es una directora y guionista alemana que destaca por su enfoque íntimo y emocional de las relaciones humanas.

Se dio a conocer con Dark Blue Girl (2018), presentada en la Berlinale, donde exploraba la fragilidad de la familia desde una mirada infantil.

En 2024 volvió a la competición con Ivo, un drama delicado sobre el duelo y la conexión entre generaciones.

Su estilo combina sensibilidad visual, silencio y una ternura áspera que deja huella.

Depende del contexto, pero literalmente “Sound of Falling” significa “sonido de la caída” o “sonido de algo que cae”.

Puede referirse a una persona, una hoja, la lluvia… o metafóricamente, al acto de venirse abajo (emocionalmente, por ejemplo).

Vamos, suena poético… pero también un poco deprimente, según cómo lo mires.

La película Sound of Falling (2025) de Mascha Schilinski tiene una ambición admirable: cruzar cuatro generaciones de mujeres en la misma granja alemana y explorar traumas que se transmiten como fantasmas.

Pero aquí va lo que no me convenció: la narración es tan fluida que a ratos resulta confusa. Todo el tiempo saltamos de época, de personaje, sin muchas señales claras para el espectador, lo que genera desconcierto más que misterio.

Y sí: siendo crítico, debo decirlo — me costó engancharme. En muchos momentos el ritmo decae, la historia parece detenerse para admirar el paisaje, los silencios y la atmósfera más que para avanzar; eso puede volverse aburrido si esperas un relato clásico con clímax, nudo y desenlace.

Ahora bien: lo que sí salva el tiro son las propuestas visuales. La granja, la luz fría del norte de Alemania, los encuadres que parecen fotos antiguas vivas… hay una puesta en escena hipnótica que me mantuvo mirando aunque a veces quisiera salir corriendo por un café. 

Y el tono poético de la película es innegable: los silencios, los sonidos de la naturaleza, los cuerpos, las miradas, todo funciona más como poema cinematográfico que como drama convencional. 

En resumen: es una película que puede gustar a los que aman el cine contemplativo y simbólico, pero para quienes preferimos claridad, movimiento narrativo y algo de chispa… digamos que se queda a medias.

Mi puntuación: 5,57/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.

Comentario de Ramón:

Murcianos por el mundo.

Carlos Saiz es un director español relativamente poco conocido aún, pero con una filmografía en crecimiento que merece atención.

Según su ficha en IMDb aparece como director del largometraje Lionel (2025) y de cortometrajes anteriores como The Bonfire (2020) y Muerte Murciélago (2021). 

Su estilo apunta hacia el cine de género independiente, con toques oscuros, humor subterráneo y una estética que parece disfrutar de lo marginal más que de lo convencional.

Aunque la información disponible es escasa, lo que destaca es su apuesta por proyectos personales y un camino creativo que empieza a despegar.

Estaré atento para ver cómo evoluciona —porque parece que va en serio—.

Los protagonistas de esta película son los componentes de la familia Corral.

Su existencia viene marcada por la personalidad arrolladora de un padre, Lionel, que no se queda callado nunca, no para de decir estupideces, va montando broncas gratuitas… Un individuo con el que no puedo empatizar y desprecio profundamente.

Sus hijos se muestran molestos por su comportamiento, pero, al mismo, tiempo sienten una atracción incontenible hacia él.

Un cine que se mueve entre el documental y la ficción, con una cámara que tambalea buscando primeros planos.

Los actores seguían unas mínimas indicaciones del director y actuaban como eran realmente. El propio director afirma que cuanto menos intervenía eran mejor el resultado.

Un cine que enlazo con ciertas producciones de Isaki Lacuesta, que no me atrae nada.

No me gusta la manera de rodar, no me gustan los personajes, la historia me parece vacía.

Lo siento, pero a pesar de mi conocida generosidad, tengo que suspender esta película.

Mi puntuación: 3,22/10.

Ficha: En este enlace.

Otros posts relacionados

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

Para poner un comentario:

Hay 3 casillas.

En la superior va tu nombre.

En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.

La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.