Cutrecomentario de Ramón:

Tu ex llama a la puerta.

El director en 4 líneas

José Manuel Carrasco escribe y dirige esta peli (y se nota: todo está milimetrado al dedito).

Antes había hecho el largo El diario de Carlota (2010) y venía curtidísimo en cortos; uno de ellos, Padam…, llegó a estar nominado al Goya (como corto).

Su rollo suele ir por personajes muy hablados y situaciones emocionales con bisturí (sin necesidad de fuegos artificiales).

Si buscas “acción y helicópteros”, aquí no; si buscas “sentimientos en un piso”, aquí sí.

Cutrecomentario

Miocardio es una peli “rara” en el buen sentido, con un punto teatral muy claro porque vive casi encerrada en un apartamento. Y eso no es pobreza: es elección. Minimalismo del que aprieta.

El eje es el reencuentro: Vito Sanz y Marina Salas como dos ex que se ven 15 años después.

Arranca como si fuese a ser una comedia romántica de “ay, mira quién aparece”… y poco a poco se va poniendo seria, luego dramática y por momentos hasta trágica.

Te empieza guiñando un ojo y te acaba tocando el miocardio con la uña.

Lo de Vito Sanz es un hallazgo. Tiene esa vibra suya de “parece que está haciendo de sí mismo” (y cae bien, el condenado), pero aquí se mete en un registro dramático que funciona.

O sea: el mismo Vito, pero con la persiana bajada.

Y eso demuestra que, incluso interpretándose “a lo Vito”, puede ser comedia y puede ser drama.

Narrativamente, Carrasco juega a abrir posibilidades, como si el encuentro fuera probándose en distintas versiones.

Y cuando aparece el Vito más maduro encarnado por Luis Callejo, la peli termina de redondear ese espejo temporal que te deja pensando en lo que fue, lo que pudo ser y lo que ya no será (gracias, cine: hoy dormimos regular).

Mi puntuación: 6,66/10.

Dirigido por José Manuel Carrasco:

Ficha: En este enlace.

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Una tarde en la Academia: actores, gatos y el noble arte de sufrir con el sonido

Hay tardes en Madrid que te salen más baratas que un menú del día y te alimentan mucho más.

Una de ellas fue esta: una sesión triple en la Academia de Cine, de esas que los académicos podemos disfrutar como quien entra a una pastelería sin gluten… pero con barra libre de talento.

El ambiente, además, tenía un detalle precioso: había un número importante de estudiantes de cine.

Se notaba en la energía, en las miradas de “esto es como estar en la Champions”, y en esa mezcla de admiración y nervios que solo se ve cuando alguien está a punto de preguntarle a un actor: “¿Qué consejo me das para triunfar?”.

Y claro: la tarde venía cargada.

Tres encuentros, tres mundos, tres formas distintas de comprobar que el cine es maravilloso… y también un poco masoquista.

1) Encuentro de nominaciones: Actor y actriz de reparto

Este primer coloquio fue de los buenos: ameno, simpático, y con gente que se abrió con naturalidad, sin postureo y sin frases de manual.

Los nominados presentes fueron:

• Álvaro Cervantes por Sorda

• Juan Menújín por Los domingos

• Tamar Novas por Rondallas

• Nagore Aranburu por Los domingos

• Miryam Gallego por Romería

Y Cándido Uranga, nominado por Más palomas, participó desde casa por Zoom.

En el cine de la Academia estaban todos menos él. Lo cual está muy bien, porque así se cumple la tradición contemporánea: si no hay alguien por Zoom, parece que el evento no existe.

El coloquio tocó temas interesantes, y sobre todo dejó clara una cosa: la preparación de los actores es brutal.

A veces desde fuera uno piensa “bueno, este se pone delante de la cámara y ya”. Y no. Aquí se vio claramente que detrás hay trabajo, método, dudas, inseguridad… y mucha disciplina.

Hubo preguntas de estudiantes, y el consejo general fue bastante sensato: prepararse, trabajar, y dejar fluir (que es como decir “hazlo todo perfecto pero sin parecer que lo intentas”, o sea, el gran truco del cine).

Pero el consejo más redondo, el que se te queda grabado, lo dio Miriam Gallego:

“Si te pilla un casting, que te pille trabajando”.

Es una frase preciosa porque sirve para actuar… y para casi todo en la vida. Porque lo que no puedes hacer es venirte abajo por un casting, dejarlo, frustrarte, y quedarte parado. No. Hay que seguir, seguir, seguir. Y si no es ese, será el siguiente. Y si no, el siguiente del siguiente.

Vamos: que la inspiración te encuentre currando, no llorando.

2) Encuentro de nominaciones: Actor y actriz protagonista

Hora y media después, tocaba el segundo bloque.

Aquí había menos participantes, pero también hubo cosas muy interesantes… y algún momento de comedia involuntaria.

Intervinieron:

• Miguel Garcés por Los domingos

• Nora Navas por Mi amiga Eva

• Manolo Solo por Una quinta portuguesa

• Susana Abaitúa (por Zoom) por Un fantasma en la batalla

• Mario Casas (por Zoom) por Muy lejos

Todos se mostraron sorprendidos por sus nominaciones, agradecidos a los académicos y bastante generosos contando cómo prepararon sus papeles.

El caso de Nora Navas: la comedia como deporte de riesgo

Nora Navas, nominada por Mi amiga Eva (de Cesc Gay), explicó algo que fue muy interesante: ella se considera una actriz dramática, intensa, de esas que si te miran fijo te replanteas la infancia.

Y sin embargo aquí le tocaba comedia.

Y lo más curioso es que dijo que no se veía capaz, que incluso pensó en abandonar, porque Cesc Gay le pedía ligereza. Y ella no sabía hacerlo.

Pero se dejó llevar, confió en el director… y le salió un papel estupendo. Tanto, que ahí estaba: nominada.

Manolo Solo y el personaje que huye

Manolo Solo contó que le costó mucho entrar en su personaje.

Y es comprensible: es un tipo que lo deja todo, se va a Portugal, cambia de identidad… y él no encontraba la razón íntima para hacerlo.

Lo dijo muy bien: el personaje era difícil porque no era fácil agarrarse a su lógica interna.

El coordinador del coloquio apuntó algo que me pareció brillante: todos los personajes nominados estaban huyendo, de sí mismos o de su vida.

Y es verdad. Qué curioso: el cine español este año parece un congreso de gente escapando de su propia biografía.

Susana Abaitúa: el Zoom con gato, padre y zumo

Y luego estuvo lo de Susana Abaitúa, que fue fantástico: en mitad del Zoom apareció el gato, luego el padre ofreciéndole un zumo…

Una escena costumbrista tan española que solo faltó que alguien dijera: “¿Quién ha tocado el router?”.

Mario Casas: el agujero negro del discurso

Y ahora viene el elefante en la sala. O mejor dicho: el elefante en el Zoom.

Mario Casas… estuvo fatal.

Sus intervenciones fueron, sinceramente, lamentables.

Un nivel intelectual muy bajo.

Sin discurso, sin gracia, sin sustancia, sin nada.

Una presencia catastrófica.

Y aquí lo digo claro: yo no comprendo cómo ha llegado a donde ha llegado.

No discuto que actúe bien (que a veces sí).

Pero su intervención fue penosa.

Y el contraste con el resto, que estaban todos finos, reflexivos y articulados, fue brutal.

Lo peor es que no era un problema de nervios.

Era un problema de… bueno, de no tener nada que decir.

Y claro: en un encuentro donde se habla de oficio, de preparación y de mirada, eso canta más que una alarma de coche.

3) Encuentro de nominaciones: Mejor sonido

Y llegamos al plato fuerte. El coloquio más técnico, más ilustrativo… y el que más me hizo aprender.

Aquí estaban representantes del sonido de:

• El cautivo

•  

• Los tigres

•  

• Los domingos

•  

• Sorda

•  

• Sirat

•  

Algunos por Zoom, otros en persona.

Y si los coloquios de actores fueron interesantes, este fue directamente una masterclass.

Porque aquí se entiende una cosa fundamental: el sonido en cine no es “poner micro”. Es una guerra.

El cautivo: rodar en exteriores es un deporte extremo

Los responsables de El cautivo hablaron de la dificultad del rodaje en escenarios naturales, como el castillo de Palamós.

Y claro: exteriores significa viento, tráfico, colegios cerca, ruidos absurdos, interferencias… Todo lo que el cine odia, pero la realidad adora.

Los tigres: el infierno bajo el agua

En Los tigres se habló de sonorizar escenas bajo el agua.

Esto ya es directamente cine de terror técnico: cámaras especiales, sonido que se deforma, ruido que no se parece a nada… y luego intentar que todo eso se convierta en algo audible y narrativo.

Los domingos: el coro, las monjas y la acústica del convento

En Los domingos hubo una anécdota preciosa: el coro fue microfonado en gran parte, incluyendo a las monjitas.

Pero algunas se negaron. Porque eran monjas de clausura reales.

Y aquí el cine se topa con la realidad en su forma más pura:
“Perdón, hermana, ¿le ponemos micro?”
“No.”

Además, los muros del convento daban una sonoridad especial, muy agradable, que hizo que el sonido final fuera estupendo.

Sorda: representar lo que oye quien no oye

Los responsables de Sorda hablaron del reto más delicado: cómo representar lo que escucha una persona sorda.

Y aquí hay que decirlo: lo consiguieron. Y con éxito.

No es fácil narrar desde esa percepción sin caer en lo obvio ni en el truco barato.

Sirat: el sonido que ya huele a Oscar

Y el bloque de Sirat fue impresionante.

Se habló de la dificultad de grabar la rave inicial, con motores, camiones, estruendo… y al mismo tiempo mantener diálogos audibles.

Querían que todo sonara orgánico, real, envolvente. Y lo han logrado.

Además, el dato es tremendo: las tres responsables del sonido son mujeres, tres mujeres españolas, y eso es un éxito enorme para el cine español y para los equipos técnicos.

Este encuentro fue, sin duda, el más formativo: aprendí a diferenciar claramente entre sonido directo, montaje de sonido, mezclas, diseño… cosas que parecen abstractas hasta que alguien te lo explica con ejemplos reales.

Cierre: una tarde redonda (y con amistades)

En definitiva, una tarde estupenda en la Academia: cine por dentro, oficio, aprendizaje y ese ambiente que te reconcilia con la idea de que esto sigue siendo una profesión seria… aunque a veces algunos se empeñen en lo contrario.

Además, pude hablar por teléfono con mi amigo y padrino Carlos Taillefer, que lo siguió desde casa por YouTube, y tuve la suerte de compartir la tarde con José Ángel Lorente, músico y miembro de la Academia, con el que coincidí allí y del que ya puedo presumir: somos amigos.

Y eso, en Madrid, vale casi tanto como una nominación.

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Cutrecomentario de Ramón:

Visita Nueva York por Navidad.

El director (4 líneas):

Allen Baron fue uno de esos francotiradores del cine americano que, con muy poco dinero y mucha mala leche, firmó una joya de cine negro independiente.

En El negro silencio del dolor no solo dirige: también escribe, produce y protagoniza, como si no se fiara de nadie (y viendo la película, igual hacía bien).

Su filmografía como director es corta y dispersa, pero esta obra le ha dado un lugar de culto.

Y sí: es de esas películas que te hacen pensar “¿cómo demonios no conocía yo a este hombre?”.

Cutrecomentario (y con datos de producción):

Lo primero: El negro silencio del dolor (título español de Blast of Silence) es un milagro del cine independiente de 1961.

Rodada en blanco y negro, en localizaciones reales de Nueva York y con un presupuesto mínimo, es de esas películas que huelen a calle, a frío y a derrota.

Y además tiene un detalle precioso: transcurre en Navidad, pero en la Navidad más triste y más fea que se ha filmado nunca. Nada de luces bonitas: aquí las guirnaldas son como sogas.

Esto es un ejercicio de estilo asombroso.

Una película que, con cuatro duros, te monta una atmósfera que ya la quisieran muchos thrillers modernos con drones, Dolby Atmos y tráileres de 2 minutos y medio.

La voz en off (y mi odio justificado)

Odio la voz en off (muchas veces es el “te explico lo que ya estás viendo” del cine).

Pero aquí tiene truco: no es el típico narrador en primera persona de detective con resaca.

Es una voz en tercera persona, como si la película fuera una novela negra que te lee un narrador implacable, metiéndose dentro del protagonista para contarte lo que él nunca diría en voz alta.

Es un recurso raro… y funciona.

Porque lo convierte todo en un cuento moral, pero sin moralina.

El protagonista: un asesino al que no quieres abrazar… pero casi

El personaje central (el propio Allen Baron) es un sicario despiadado, frío, desagradable, un tipo que vive en un sótano emocional.

Y sin embargo —y esto es lo que hace grande la peli— la película consigue que sientas compasión por él. No simpatía. Compasión. Porque lo ves tan roto, tan solo, tan fuera del mundo, que da miedo.

Y aparece la posibilidad de redención: una chica, Lori (interpretada por Molly McCarthy), la hermana de un viejo amigo.

Ella es, literalmente, el único personaje limpio en un universo lleno de basura humana.

Y lo peor es que ella es cariñosa con él, complaciente, le da una oportunidad… cuando él no se la merece.

Y ahí es donde la película te clava el cuchillo: no te está contando un romance; te está contando una tragedia.

Nueva York: no es la ciudad de postal, es la ciudad de “huye”

La Nueva York de El negro silencio del dolor es una ciudad sombría, desoladora, gris, con calles desiertas que invitan a largarte a una granja en Wisconsin aunque odies las vacas.

Es una ciudad hostil, sin glamour, sin promesa.

Y esto en 1961 es oro puro: es casi documental, casi neorrealismo negro.

Los secundarios: una galería de seres humanos para no invitar a cenar

• El amigo del bar: un plomazo, un pesado, un tipo que te hace desear que el sicario le dispare solo para que se calle.

• El proveedor de armas gordo: asqueroso, bruto, repulsivo.

• El del barco: otro individuo desagradable, como si en esta película no existiera la higiene moral.

Es como si la peli dijera: “mira, el mundo está lleno de gente que da grima, y tú eres uno más”.

¿Qué te deja al final?

Te deja una sensación rara: tristeza, vacío, frío.

Y una admiración enorme por lo bien que está contado todo sin necesidad de adornos.

Es cine negro puro, pero con una mirada casi existencial: no va solo de matar, va de no tener a nadie, de ser un monstruo y al mismo tiempo ser un hombre.

Una película extraña, desoladora, tristísima y gris.

Como su propio título español: El negro silencio del dolor.

Mi puntuación: 8,87/10.

Dirigido por Allen Baron:

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

La peli que se perdió 56 años… y cuando apareció, venía con leones y cero complejos.

El director (4 líneas):

Armand Guerra (cineasta ligado al anarquismo) dirigió y escribió Carne de fieras en 1936, en pleno borde del abismo español.

El rodaje arrancó el 16 de julio de 1936 y la sublevación militar lo dejó temblando.

Aun así, se terminó ese mismo año en condiciones muy adversas, y la película quedó “desaparecida” hasta su reconstrucción.

Sus memorias de ese periodo aparecen citadas en torno a A través de la metralla y el contexto del rodaje.

Cutrecomentario

Carne de fieras es de esas películas que, si fueran persona, llevarían gabardina, humo y un expediente policial.

Se la llama “film maldito” porque su making of es casi más jugoso que el propio argumento: empezó a rodarse en Madrid justo antes de que estallara la Guerra Civil (literalmente dos días antes), se interrumpió por el levantamiento y, aun así, el rodaje se completó en 1936 por una mezcla de cabezonería, precariedad y ese punto de “ya que estamos, acabamos”. 

El verdadero protagonista: la historia de cómo sobrevivió

La película fue producida por Arturo Carballo y terminó siendo recuperada y reconstruida décadas después: se “reencontró” en el verano de 1991 y la versión que hoy existe se debe a la reconstrucción dirigida por Ferrán Alberich, con apoyo de la Filmoteca de Zaragoza (Patronato Municipal). La exhibición/restauración se sitúa en 1992.

Dicho de otro modo: no es solo que la película sea vieja; es que estuvo en paradero desconocido media vida, como un tío tuyo que “se fue a por tabaco” pero en versión celuloide.

La “rareza” famosa: desnudo y leones (y no de pasada)

Hay escenas de desnudo con Marlène Grey bailando en una jaula de leones, y no como plano furtivo, sino con secuencias completas, con intención comercial clara (más allá del circuito clandestino).

Y lo interesante, más allá del morbo fácil, es la idea que te remarca esa restauradora: esa libertad con el desnudo sería reflejo de una libertad más amplia en cómo se muestran relaciones y deseos, algo que el cine español tardaría años en volver a rozar.

Carne de fieras es una peli en la que a veces apetece decir: “vale, sí, la historia está bien… pero esta película se estudia más por lo que significa que por lo que cuenta”.

Lo que cuenta (que también tiene lo suyo)

Argumentalmente es un melodrama popular con boxeo, cuernos y calle: un boxeador (interpretado por Pablo Álvarez Rubio) con una esposa infiel, un tono de sainete por el lado del personaje cómico, y la aparición de esa mujer-espectáculo que rompe el tablero (“bellezón”, Marlène Grey).

En medio, el crío Perragorda como “sabio de la calle”, especie de conciencia y radar social.

Lo mejor “documental” sin serlo: Madrid real en 1936

A mí me parece clave: el valor de lo que se ve.

Esas imágenes rodadas en la calle tienen un punch histórico brutal.

Y lo del Parque del Retiro no es postureo: ver Madrid en esa época, con esa textura y esa naturalidad, es casi una cápsula del tiempo.

Esa parte “retrata país” sin ponerse intensa, y por eso hoy la peli se mira con ojos dobles: por el relato… y por el documento. 

Entonces… ¿merece la pena?

Sí, pero con la expectativa correcta: no vas a encontrar la obra maestra narrativa que te deje con la boca abierta por guion y puesta en escena moderna.

Vas a encontrar un artefacto raro, con un punto exploit (desnudo + circo/leones) y, a la vez, con una carga histórica y cultural enorme: una España en vilo, un rodaje atravesado por el estallido político y una película que resucita en los 90 como si fuese un mensaje en una botella.

Mi puntuación: 7,55/10.

Dirigido por Armand Guerra:

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

Cuando el GPS dice ‘gire a la derecha’… y a la derecha hay un infierno.

El director (4 líneas):

Paul Greengrass es un especialista en convertir el caos en cine: cámara nerviosa, tensión constante y sensación de que todo está a punto de salirse de madre.

Lo demostró en United 93, en Capitán Phillips y, claro, en la saga Bourne (donde la estabilidad emocional dura menos que una batería de móvil).

Aquí se mete en el terreno del desastre natural con una historia basada en hechos reales, y se nota que sabe abrir fuerte y apretar el nudo.

Cutrecomentario:

El arranque de Laberinto en llamas es, sin exagerar, lo mejor del telefilme: el incendio nace, crece y se convierte en monstruo con una claridad acojonante.

Las llamas avanzan por el bosque como si tuvieran agenda propia, y la peli clava esa sensación de “esto ya no hay quien lo pare”.

Muchísimos incendios se apagan más por un cambio meteorológico —bajada de viento, subida de humedad, lluvia— que por la épica humana.

Los medios ayudan, sí, pero cuando el fuego se pone chulo, manda él.

El problema es que la película empieza siendo una especie de crónica coral del desastre… y termina convirtiéndose en “la aventura del autobús”. E

n el segundo y tercer acto, el foco se estrecha hasta quedarse en Matthew McConaughey (conductor) y America Ferrera (profesora) intentando rescatar a unos niños en mitad del caos.

Y ojo: eso, sobre el papel, debería ser oro. Pero en la práctica, cuando parece que va a aflorar el heroísmo grande, el relato se vuelve un poco chirriante. Como si la peli hubiera empezado queriendo ser cine-catástrofe serio y acabara recordando que está en Apple TV+ y necesita su ración de “personajes inspiradores”.

¿Funciona como entretenimiento? Sí.

¿Tiene efectos especiales potentes? También.

¿Se nota que es telefilm, aunque lo firme Greengrass? Pues un poquito, la verdad. Eso sí: el inicio es tan impactante que casi compensa el tramo final más convencional.

Mi puntuación: 6,64/10.

Dirigido por Paul Greengrass:

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

La personalidad y la droga.

El director:

Harris Dickinson es más conocido como actor que como director —en plan “tengo cara de esto y voz de aquello”, lo habrás visto en El triángulo de la tristeza (donde sujeta un arma con más actitud que la mayoría de villanos) y en El clan de hierro.

Esta es su primera película como director y guionista, lo que convierte a Urchin en un debut curioso, audaz y arriesgado.

No hay una filmografía previa como realizador que reseñar, así que aquí empieza su cuaderno de viaje detrás de la cámara.

Cutrecomentario:

Urchin te presenta a Mike (interpretado por Frankie Dillane), un chaval que parece haber leído el manual de “cómo desaprovechar la vida en tiempo récord”, con una mezcla de pereza, autodestrucción y mala baba digna de alguien que no se lleva ni con su propia sombra.

Lo ves mendigando, robando, metido en mil fregados, y al mismo tiempo no puedes evitar pensar ¿pero cómo se las arregla este para seguir vivo? —y no es simpatía elegante, es más bien una mezcla rara de pena y de “por favor, levántate ya”.

Lo curioso es que la peli no te vende a Mike como héroe, ni como víctima edulcorada de la sociedad cruel; es más bien un tipo que se odia a sí mismo, que boicotea cada intento de ayuda que recibe y que sería incapaz de mantener un currículum sin tachones a las tres líneas.

Esa contradicción entre el desprecio y la compasión es lo que hace que la peli te remueva sin darte palmaditas en la espalda como si fuera una lectura amable de domingo.

Y ojo, esto no es cine amable de sofá: Urchin estuvo en la Sección Una cierta mirada de Cannes y se llevó el premio al Mejor Actor para Frankie Dillane y el FIPRESCI de esa sección, lo cual viene a decirnos que por ahí fuera hay mucha gente que ha dicho “sí, esto es cine de calité”. Eso no es poca cosa. 

Si te gusta el cine que no te cuenta qué pensar, sino que te deja con el estómago dando vueltas, esta peli es un tiro certero en la línea de flotación.

Y gracias al Cine Club Alcarreño por proyectarla, que si no, igual nos quedábamos sin ver cómo alguien puede autoboicotearse con tanto estilo.

Urchin no es cómoda, ni simpática, ni bonita… pero es honesta como una hostia bien dada.

Si vas esperando un cuento de redención clásico, mejor llévate palomitas y paciencia.

Si vas con ganas de realidad cruda, te puede sorprender de verdad.

Mi puntuación: 6,57/10.

Dirigido por Harris Dickinson:

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Amor otoñal y mala suerte.

El director:

Craig Brewer es de esos tipos que te pueden colar un drama musical después de haberte hecho sudar en Hustle & Flow y carcajearte en Coming 2 America (sí, esa secuela que nadie pidió pero ahí está).

Aquí vuelve al ruedo con un biopic musical que adapta un documental de 2008 sobre una auténtica banda tributo.

No inventa la rueda, pero sabe tocar la canción que tú ni sabías que querías oír. 

Cutrecomentario:

Song Sung Blue es ese tipo de peli que te hace pensar que amar lo que haces y cantar temas ochenteros puede ser casi una terapia barata (o cara, dependiendo de si pagas palomitas).

Protagonizada por Hugh Jackman y Kate Hudson, que ya no son bisoños pero sí unos tipos encantadores con micro, esta pareja interpreta a Mike y Claire Sardina, dos músicos que se conocen, se enamoran, montan una banda tributo a Neil Diamond y al final la vida les da de hostias tanto como los aplausos. 

Jackman, sí, canta de verdad (como en Les Misérables, pero menos dramático) y Hudson sorprende con una voz que te hará repensar si no tiene una carrera musical oculta que nos ha estado engañando a todos.

La peli no busca ser revolución cinematográfica, sino confesión de bar: a veces la vida apesta, y a veces te tira un solo de guitarra que te sana el alma. 

La historia tiene ese rollo muy norteamericano de “sí, la mala suerte ronda, pero el amor y la música lo curan todo, ¿no?” —y no te miento, a ratos funciona—.

La hija adolescente (interpretada por Ella Anderson) hace un papelito bastante sólido, lo cual es curioso porque en realidad tiene 26 tacos y te lo vende como si tuviese 16. 

¿Es muy convencional? Pues sí, como un tema de Diamond que ya te sabes de memoria.

¿Tiene momentos emotivos? Más de los que esperas cuando empiezas con la duda de “otra biopic musical más”.

¿Logra que se te pegue Sweet Caroline en la cabeza toda la semana? Absolutamente. 

Una peli que no cambia el mundo, pero sí te puede cambiar el humor después de verla con palomitas.

Si no te gusta, siempre puedes echarle la culpa a Sweet Caroline cuando la guitarra empieza a sonar en tu cerebro.

Mi puntuación: 6,68/10.

Dirigido por Craig Brewer:

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

Mi puntuación: 6,57/10.

Dirigido por Paco León:

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Cutrecomentario de Ramón:

Mi puntuación: 5,55/10.

Dirigido por Sam Raimi:

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Cutrecomentario de Ramón:

El sueño americano a gritos (y sin botón de volumen)

Marty Supreme: triunfar cueste lo que cueste… incluso caerte mal.

Ping-pong en los años 50, drama moral y ganas de Oscar.

El director

Joshua Safdie lleva años haciendo ruido con su cine acelerado y de intensidad máxima.

Antes de Marty Supreme ya dejó huella con Good Time y Uncut Gems (ambas con su hermano Benny Safdie), dos pelis que te dejan el corazón en la garganta y sin respiro.

Aquí, en su primer proyecto “grande” sin Benny, mantiene esa cámara casi al límite, ritmo endiablado y personajes extremos, pero con un presupuesto y reparto de estrellas que hacen que lo indie choque con lo mainstream de frente. 

Cutrecomentario 

Voy el día del estreno con el runrún de premios en la cabeza…

Está nominada a nueve Oscars (incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección para Joshua Safdie y Mejor Actor para Timothée Chalamet) y arrasa en nominaciones por todas partes.

Además ya ha ganado el Globo de Oro al Mejor Actor en comedia o musical para Chalamet y ha tenido presencia fuerte en los BAFTA y sindicatos de guionistas, aunque en algunos casos se quedó en nominación. 

La peli está ambientada en los años 50, cuando Estados Unidos aún vivía la euforia de la posguerra y los japoneses estaban marginados de las competiciones internacionales tras la Segunda Guerra Mundial, y por primera vez se celebra un torneo internacional de tenis de mesa (ping-pong) que pone frente a frente a rivales de ambos países (algo que en la peli se explora como rivalidad cultural y deportiva). 

El protagonista, Marty Mauser (inspirado libremente en la leyenda del ping-pong Marty Reisman), es un buscavidas del hambre y la ambición: miente, engaña, se mete en líos, traiciona… y aún así te obliga a mirarlo.

Un tipo que, si existiera en persona, te haría desear que hubiera un torneo de ping-pong solo para no cruzártelo nunca. 

El tono general es frenético y ruidoso: gritos, montajes rápidos, estrés, carreras y decisiones morales cuestionables que hacen que el espectador se pregunte si está viendo un drama, una comedia negra, o la biografía de un ego con paleta.

Odessa A’zion, por su parte, da vida a otra luchadora imparable; su química con Marty es combustible para el fuego dramático.

En los secundarios, Abel Ferrara se marca un papel tremendo, y cuando aparece en pantalla se come el plano sin pedir permiso.

Y ojo también a Gwyneth Paltrow, que regresa con una presencia elegante y metálica, añadiendo un punto de glamour inesperado a esta montaña rusa de ping-pong y ambición, con presencia física y dramática que sostiene momentos potentes de la historia, algo que realmente levanta el film cuando la energía masculina tóxica amenaza con devorarla.

La historia de fondo —la rivalidad japonesa-americana en el deporte en ese momento histórico— aporta un contexto curioso, aunque no siempre del todo explorado.

Se siente más como una excusa para el duelo de egos que como una reflexión profunda sobre culturas enfrentadas, pero ahí está.

La peli ha recibido comentarios muy contradictorios: algunos medios la alaban por su energía y la actuación de Chalamet, calificándola como una experiencia cinematográfica intensa y memorable; otros critican lo caótico del relato y la forma en que presenta al protagonista como alguien antipático sin redención clara. 

¿Me ha gustado? A medias.

Es potente, técnicamente bien hecha y con actuaciones que valen la pena… pero su protagonista da ganas de abrazar una paleta y golpearla contra la pantalla de lo insufrible que puede resultar.

Aun así, entiendo por qué está donde está: ambición, riesgos, historia y premios. Eso vende. Y si lo juntas todo, te queda un cocktail con hielo… y una pelota de ping-pong dentro.

Mi puntuación: 6,55/10.

Dirigido por Joshua Safdie:

Ficha: En este enlace.

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Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

Premios Feroz 2026 – Pontevedra, la gala, los premios y el famoseo

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Cuando los claveles hicieron “clic” y se cayó una dictadura.

La directora

María de Medeiros debuta aquí en el largo como directora.

Venía (y viene) sobre todo del mundo de la interpretación, con una carrera internacional potente.

Como realizadora no tiene una filmografía extensa: este es su título más conocido detrás de la cámara y, básicamente, el que la coloca en el mapa como directora.

Poco más, pero no poco mérito.

Cutrecomentario holasoyramon

Esto es una lección de Historia con corazón, claveles y soldados que no parecen extras de Call of Duty.

La peli cuenta la Revolución de los Claveles sin solemnidad plomiza: hay emoción, idealismo y un punto naíf que hoy suena casi a ciencia ficción política.

A ratos parece una postal bonita… pero es que la revolución fue así: casi sin sangre y con flores en los fusiles.

Funciona mejor como relato humano que como cine épico, y eso juega a su favor.

No es una obra maestra, pero sí una película honesta, necesaria y bastante más entretenida de lo que uno espera cuando oye “golpe militar”.

Mi puntuación: 7,55/10.

Dirigido por María de Medeiros:

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Cutrecomentario de Ramón:

Manual práctico del argentino… con cariño y mala leche.

Mariano Cohn y Gastón Duprat forman uno de los dúos más afilados del cine argentino reciente.

Les debemos joyas como El ciudadano ilustre, Mi obra maestra y la serie Nada.

Su especialidad: la sátira incómoda, el retrato cruel y el humor que primero te hace reír y luego te deja pensando “uy”.

Vamos con el cutrecomentario.

Yo a estos dos los adoro, qué quieres que te diga.

Me han hecho reír mucho y aquí vuelven a hacerlo apoyándose en Guillermo Francella, que es uno de los grandes actores vivos, aunque su carrera se haya desarrollado sobre todo en Argentina.

Aquí se multiplica: 16 cortos, 16 personajes, 16 maneras de quedar regular como ser humano.

Como toda película episódica, es irregular.

Hay piezas que funcionan de maravilla y otras que pasan sin pena ni gloria, incluso alguna que no hace ni cosquilla.

Pero el conjunto tiene mala idea y eso siempre suma.

El primer episodio es demoledor: ese tipo que sale de una fiesta a fumar, provoca sin querer un desastre en la calle por la caída de una botella… y tarda tres minutos en olvidarlo.

Esa idea me parece brillante. Muy latina. Muy de vivir el presente.

Un danés o un sueco se traumaría de por vida; un argentino, un español o un italiano vuelve a la fiesta y a otra cosa. Y santas pascuas.

El retrato que hacen Cohn y Duprat del argentino medio es bastante cruel: individuos egoístas, muy pegados al dinero, a lo material, fácilmente seducibles por mujeres guapas y con una ética más bien flexible.

No hay piedad, pero tampoco odio: hay ironía y bastante lucidez.

Yo me he divertido.

No es una gran película, ni seguramente la mejor de sus directores, pero entretiene mucho.

Y ayuda, y mucho, su duración ajustada: 98 minutos. Bendita concisión cuando uno va al cine.

Homo Argentum no es redonda, pero es ingeniosa, maliciosa y agradecida.

Risas, espejo incómodo y salida temprana del cine.

Yo firmo.

#YoVoyAlCine ✔️

Mi puntuación: 6,68/10.

Dirigido por Mariano Cohn, Gastón Duprat:

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

Escapar de la familia.

Maurice Pialat fue uno de los grandes francotiradores del cine francés.

Un tipo incómodo, bronco y poco dado a la complacencia.

En su filmografía destacan Loulou, Police, Bajo el sol de Satán (Palma de Oro en Cannes) y Van Gogh.

Cine seco, áspero, muy pegado a las emociones y nada sentimental. Aquí juega en casa.

Vamos al cutrecomentario, que hay tela.

43 años después vuelvo a ver A nuestros amores y me doy cuenta de una cosa muy humana: la recordaba mejor.

O quizá yo era más joven, o más ingenuo, o ambas cosas.

Apenas conservaba recuerdos concretos, solo una buena sensación general.

Y claro, revisitar a veces es peligroso.

Lo primero que impacta es Sandrine Bonnaire, con 16 años, haciendo una interpretación colosal.

Ella es el centro absoluto de la película.

Todo pasa por su cuerpo, su mirada y su desconcierto vital.

La historia nos habla de su vida amorosa —o más bien sexual—, porque hay mucho sexo y poco amor.

Relaciones constantes, fugaces, casi mecánicas, como vía de escape.

Y es que la huida está más que justificada.

El retrato familiar es demoledor: un padre dominante y violento, una madre neurótica que estalla sin control y un hermano que, ante la ausencia del patriarca, asume sin pudor el papel de pegador suplente.

Con ese panorama, es lógico que la protagonista quiera salir corriendo de casa… aunque sea hacia sitios igual de confusos.

El sexo aparece aquí como refugio: placer, compañía, calor humano, aunque sea efímero.

No hay romanticismo ni idealización, solo supervivencia emocional.

En eso la película es honesta, incluso incómoda.

También está ese toque muy francés, con diálogos algo pedantes, intelectualoides, donde Pialat aprovecha para colar reflexiones sobre el arte, Picasso, la cultura… momentos que hoy chirrían un poco y que parecen más el director hablando consigo mismo que los personajes hablando entre ellos.

La película no ha envejecido mal, eso es cierto, pero tampoco ha ganado con el paso del tiempo en mi recuerdo personal.

Quizá esperaba algo más, quizá la memoria la había embellecido.

No es una mala película, ni mucho menos, pero ya no me ha causado el impacto que recordaba.

A nuestros amores sigue siendo una película potente, incómoda y valiente, con una Sandrine Bonnaire extraordinaria, pero esta revisión me ha dejado un poso ligeramente decepcionante.

A veces volver al pasado confirma que uno también ha cambiado.

Cine Club Alcarreño mediante, la experiencia sigue mereciendo la pena.

Mi puntuación: 6,58/10.

Dirigido por Maurice Pialat:

Ficha: En este enlace.

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Mucho motor, poco cine y cero emoción.

Joseph Kosinski es un artesano del espectáculo bien engrasado.

Ahí están Tron: Legacy, Oblivion y, sobre todo, Top Gun: Maverick, donde demostró que sabe mover máquinas, cámaras y testosterona como nadie.

El problema es que aquí vuelve a moverlo todo… menos las emociones.

Vamos con el cutrecomentario, que el semáforo ya está en verde.

Estamos ante una película que se ha paseado por la temporada de premios con una alegría difícil de entender, un drama deportivo centrado en la Fórmula 1, un universo que a mí me interesa cero patatero.

La mayor parte del metraje son carreras y más carreras: coches que aceleran, rugen, se adelantan, se chocan y vuelven a acelerar.

Con cascos, monos y bólidos prácticamente idénticos, yo no me aclaro quién es quién… y confieso que tampoco me importa.

Eso sí, hay que reconocerlo: el montaje es sensacional y el diseño sonoro es espectacular.

El rugido de los motores está tan bien trabajado que casi te vibra el asiento.

El problema es que todo ese despliegue técnico sostiene un guion simplón, visto mil veces, con la épica del fracaso, la superación personal y el triunfo final servidos con cucharón industrial.

Brad Pitt, con 62 años, está sorprendentemente en forma —parece que tenga diez menos— y cumple como estrella carismática.

Pero ni su presencia logra que la historia deje de ser de cartón piedra premium.

Quien de verdad anima el cotarro es Kerry Condon, magnífica como siempre y a la que venimos de disfrutar también en Sueños de trenes. Ella sí aporta verdad y humanidad.

Por ahí anda también Javier Bardem, profesional como la copa de un pino, cumpliendo con su papel sin estridencias ni especial brillo. Hace lo que puede con lo que le dan.

El conjunto es una película de diseño, pensada para gustar al gran público, para emocionar de forma automática y para funcionar como producto global.

Pero no aporta absolutamente nada nuevo al panorama cinematográfico y, al menos en mi caso, no despierta ni el más mínimo sentimiento.

Todo muy correcto, muy ruidoso y muy vacío.

F1: La película es cine de alta cilindrada y bajo voltaje emocional.

Mucho motor, mucha épica prefabricada y cero alma.

Yo, desde luego, me bajo del coche en la primera curva.

#YoVoyAlCine ✔️

Mi puntuación: 4,55/10.

Dirigido por Joseph Kosinski:

Ficha: En este enlace.

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Cuando el terror quiere ser profundo… y se le va la mano.

Christophe Gans es un viejo conocido del fantástico.

Su nombre quedó ligado a Silent Hill (2006), probablemente una de las adaptaciones de videojuego más dignas de su época, y también a El pacto de los lobos, título de culto con colmillos, katanas y exceso francés del bueno.

Menos suerte tuvo con La bella y la bestia, pero aquí vuelve a su terreno natural: la niebla, el trauma y el horror estilizado.

Vamos ya con el cutrecomentario, que hay materia.

Estamos ante un thriller psicológico con ramalazos de romance y bastante carga psiquiátrica.

De hecho, vista con cierta benevolencia, la película parece hablarnos —de forma muy torpe y metafórica— de la esquizofrenia y de la mente fracturada.

Desde ese ángulo, uno puede encontrarle algo de interés… si afina mucho el ojo y no se distrae con los monstruos.

La película está basada en un videojuego que confieso desconocer, lo cual no ayuda, pero tampoco debería ser excusa.

El problema principal es su protagonista, Jeremy Irvine, que resulta sorprendentemente mal actor para el peso que se le da.

Tiene presencia, sí, pero interpreta como si estuviera leyendo el manual de instrucciones del miedo.

Frente a él brilla con fuerza Hannah Emily Anderson, francamente formidable y muy por encima del material que maneja.

El contraste entre ambos es tan evidente que casi parece deliberado.

También funciona bastante bien la inquietante niña interpretada por Evie Templeton, que cumple con creces su cuota de mal rollo.

El gran problema de Return to Silent Hill es que lo quiere todo: símbolos, criaturas, traumas, horror corporal, jump scares y atmósferas opresivas… y lo mete todo con calzador.

Los clichés del cine de terror se amontonan hasta agotar un poco al espectador. Menos es más, amigos.

Curiosamente, cuando en el tramo final la película intenta explicar la historia desde la psicosis, es cuando parece adquirir cierta forma, cierta coherencia interna.

Llega tarde, pero llega. No salva la película, pero al menos la ordena.

No va a pasar a la historia del cine de terror, pero tampoco es un desastre absoluto.

Se deja ver, puede entretener a público adolescente y, sobre todo, a los fans del género y del videojuego original, que aquí encontrarán ecos y referencias suficientes para justificar la entrada.

Llama la atención, eso sí, que sea una producción francesa, en un género tradicionalmente dominado por Hollywood.

Los franceses no suelen prodigarse en el terror comercial, y cuando lo hacen, se nota… para bien y para mal.

Return to Silent Hill es irregular, excesiva y algo absurda, pero no completamente detestable.

Un viaje confuso entre la niebla, los traumas y el susto prefabricado.

Para fans.

#YoVoyAlCine ✔️

Mi puntuación: 4,52/10.

Dirigido por Christophe Gans:

Ficha: En este enlace.

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Cuando te juzga un algoritmo… Bendita seas Rebecca Ferguson.

Timur Bekmambetov es un director al que le encanta el exceso visual y los conceptos juguetones.

En su filmografía hay títulos tan reconocibles como Wanted (Se busca), Guardianes de la noche, Guardianes del día o Abraham Lincoln: Cazador de vampiros.

No es precisamente un fino estilista del guion, pero sí alguien con pulso para el espectáculo y las ideas high concept.

Y vamos ya con el cutrecomentario, sin analgesia.

Sin piedad es un thriller de acción que mezcla ciencia ficción, distopía e inteligencia artificial, ese tema que ahora vale para un roto y para un descosido.

Aquí la IA adopta forma humana —y qué forma— gracias a Rebecca Ferguson.

Y qué quieres que te diga: cualquier cosa que haga Rebecca Ferguson me parece bien, incluso cuando interpreta a una jueza algorítmica diseñada para ser fría, metódica y sin emociones… y acaba siendo sorprendentemente expresiva. Cosas del carisma.

En el otro lado del tablero está Chris Pratt, al que seguimos asociando a la comedia y a los dinosaurios de Jurassic World, pero que aquí encarna a un hombre acorralado por un sistema judicial que parece decidido a señalarle como culpable.

No está mal Pratt en registro serio, aunque tampoco descubre América.

La trama se va complicando con giros de guion constantes, algunos efectivos y otros bastante cogidos con alfileres.

Muchas vueltas de tuerca no son especialmente creíbles, pero si aceptas las reglas del juego y no te pones estupendo, la película se deja ver y entretiene.

Funciona a medio gas, pero funciona.

El planteamiento de fondo está bien tirado y abre un debate interesante —aunque poco profundizado— sobre justicia, tecnología y responsabilidad humana.

Pone el valor esa cosa tan humana y tan poco definible como el instinto.

Y dicho sea de paso: entre que me juzgue un juez tradicional o una inteligencia artificial, lo siento mucho por la judicatura, pero prefiero con ventaja a la IA. Al menos sabes que no ha desayunado torcido.

Sin piedad no es una obra maestra ni pretende serlo.

Es un thriller resultón, algo tramposo, con buenas ideas, peor desarrollo y una Rebecca Ferguson que siempre suma.

Ideal para verla sin darle demasiadas vueltas… que ya bastante vueltas da ella sola.

#YoVoyAlCine ✔️

Mi puntuación: 5,65/10.

Dirigido por Timur Bekmambetov:

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Motores rugiendo, cerebros en punto muerto

Mat Whitecross es un director británico con amplia experiencia en documentales musicales y cine muy pegado al ritmo y al montaje.

En su filmografía destacan trabajos como The Road to Guantánamo (codirigida con Michael Winterbottom), Kingsman: El círculo de oro (segunda unidad y material adicional) y varios documentales sobre Oasis.

Por si tuviéramos poco con soportar al pésimo actor Mario Casas, nos llega Óscar Casas, su hermano pequeño, otro guapera musculado destinado a la carpeta adolescente.

Óscar actúa más o menos igual de regular que Mario, aunque con una ventaja objetiva: se le entiende lo que dice, que ya es un plus competitivo en esta familia.

Le acompaña Ana Mena, guapísima, sí, pero absolutamente desaprovechada: florero premium dentro de una historia que no sabe muy bien qué hacer con ella.

Una pena, porque había margen para algo más que mirar intensa al horizonte.

La película se ambienta en el mundo del motociclismo, un entorno que, siendo honestos, a mí me interesa una mierda.

Deporte caro, elitista y con olor a patrocinio desde el plano uno.

Aquí se mezcla drama deportivo, melodrama familiar, romance de saldo y culebrón de sobremesa: relación padre-hijo traumática, madre fallecida, silencios incómodos y frases que suenan a anuncio de colonia.

Eso sí, hay que reconocerlo: el montaje es excelente, las imágenes son potentes y el diseño sonoro está muy trabajado.

El problema es que todo eso recuerda sospechosamente a F1: La película, ese artefacto hipermusculado protagonizado por Brad Pitt que, incomprensiblemente, ha tenido recorrido en la temporada de premios.

Ídolos parece su clon de marca blanca, versión motociclismo, de esas que compras en el súper porque está de oferta y luego te arrepientes en casa.

No sabemos si se ha rodado directamente a rebufo de su “hermana mayor” norteamericana o si es una casualidad cósmica, pero el parentesco estético y narrativo es evidente. Mucho ruido, mucha épica de catálogo… y muy poca alma.

Ídolos es una película infame, hueca, diseñada para fans acríticos y que me provoca un rechazo bastante profundo.

Motores a tope, cine en punto muerto.

#YoVoyAlCine… pero a veces dan ganas de bajarse en la primera curva.

Mi puntuación: 2,62/10.

Dirigido por Mat Whitecross:

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Shakespeare llora, el cine consuela.

Chloé Zhao sigue a lo suyo: cine contemplativo, naturaleza que respira y emociones a fuego lento.

Tras Nomadland, The Rider y el experimento fallido de Eternals, aquí vuelve al terreno donde mejor se mueve: el drama íntimo, la pérdida y el duelo mirados sin aspavientos.

No inventa el cine, pero sabe mirar.

Y ahora vamos al cutrecomentario, que es donde está la salsa.

Hamnet ha obtenido ocho nominaciones a los Óscar. Mejor película, dirección, actriz… 

Hamnet es un drama biográfico muy poco biopic.

El hecho central es la muerte del hijo de William Shakespeare, pero la película no mira al genio, mira a Agnes, la madre. Y ahí está la gran decisión narrativa y emocional del film.

Agnes es una mujer unida a la naturaleza, conocedora de las plantas medicinales, intuitiva, libre y profundamente conectada con la vida… y con la muerte cuando ésta llega sin avisar.

La película habla del duelo imposible, del vacío que deja un hijo y de la distancia emocional entre los padres cuando el dolor no se procesa igual.

Ella no soporta la pérdida ni la ausencia de su marido, refugiado en su trabajo y en Londres.

Entonces llega ese tramo final, cuando Agnes viaja y presencia la representación de Hamlet, la obra que su esposo ha escrito en memoria de su hijo.

Ahí comprende algo esencial: que el arte no borra el dolor, pero lo transforma.

Que no solo el tiempo cura, también la creación. Y eso es, sencillamente, precioso.

En el reparto destaca Jessie Buckley, absolutamente descomunal. Una actriz que nunca falla y que aquí está en estado de gracia.

La hemos visto brillar en La hija oscura, Men, Esto no va a doler (en televisión) y Estoy pensando en dejarlo, confirmando que es una de las intérpretes más interesantes del cine actual.

Aquí carga la película entera sobre sus hombros… y no se le cae.

La película es triste, intensa y profundamente conmovedora, pero nunca manipuladora.

Habla del arte como redención, como forma de supervivencia emocional, como legado frente a la muerte.

Y lo hace con una puesta en escena sobria, bella y coherente con el universo de su directora.

Hamnet es una estupenda película, delicada y dolorosa, que entiende el duelo desde la humanidad y no desde el melodrama.

Cine sensible, inteligente y necesario.

De los que no se olvidan fácil. 

Mi puntuación: 8,69/10.

Dirigido por Chloé Zhao:

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Cómo levantar un país sin pegar un solo tiro.

Clint Bentley es un director al que conviene ir siguiendo la pista.

Aquí confirma que le interesa el cine de personajes, el tiempo que pasa y las vidas que no salen en los libros de Historia.

Antes ya había codirigido Jockey y se nota su querencia por el drama íntimo, seco, sin subrayados ni violines histéricos.

No es un director prolífico, pero sí bastante coherente.

Y vamos al lío, al cutrecomentario como Dios manda.

Estamos ante una película extraordinaria, pero no porque quiera epatar, sino porque va justo en la dirección contraria.

Esto no es un western clásico: es un neowestern, un romance contenido, un drama de los que te van calando poco a poco, ambientado a principios del siglo XX y con la construcción de los Estados Unidos como telón de fondo.

Pero ojo, no desde los pistoleros ni los grandes magnates, sino desde el americano bueno, el que trabaja, el que se esfuerza, el que no sale casi nunca en el cine… y que fue el que de verdad levantó el país.

El protagonista, al que da vida Joel Edgerton, es un hombre honrado, trabajador, paciente y bondadoso.

Un tipo que no empuña un arma en toda la película.

Y eso, en un western, ya es casi revolucionario.

La desgracia le acompaña, ve injusticias, desastres y lo peor que le puede pasar a un ser humano, pero aun así sigue adelante. Sin épica, sin discursos, sin venganza. Solo dignidad.

La película es sensible, delicada y profundamente humana.

Su nominación al Oscar a mejor película la ha catapultado y ha sido la causa de su visionado. En cualquier caso, es uno de esos títulos que pasan algo desapercibidos y que agradeces que Netflix rescate del ruido para que encuentre a su público.

En el reparto, mención especial para William H. Macy, que vuelve a demostrar que sabe estar brillante sin levantar la voz.

Felicity Jones y Kerry Condon funcionan como secundarias de auténtico lujo, aportando calidez, belleza y verdad a una historia ya de por sí muy bien armada.

Y como buen western —aunque sea atípico—, los paisajes y la naturaleza salvaje son descomunales: trenes, bosques, montañas y silencios que dicen más que muchos diálogos.

Sueños de trenes es una película hermosa, serena y profundamente recomendable.

Cine de verdad, sin pistolas, sin ruido y con alma. De las que se quedan contigo.

Mi puntuación: 8,89/10.

Dirigido por Clint Bentley:

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Los domingos arrasan y la Gala no aprueba

En Pontevedra llovía en horizontal, se cenaba en redondo y el palmarés fue una apisonadora: Los domingos se llevó media vitrina. La otra media, el vino.

El pasado sábado, en el Pazo da Cultura de Pontevedra, se celebró la XIII edición de los Premios Feroz, los que entrega la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE). O sea: críticos, periodistas y gente que discute con pasión si una peli es “una obra maestra” o “un tupper recalentado”.

Y ahí estuve yo, vuestro humilde servidor, Ramón Bernadó, intentando hacer periodismo y no convertirnos en anfibios. Porque lo de Pontevedra fue precioso, sí… pero pasado por agua.

La AICE: los que reparten estatuillas… y también recortes

La AICE es un grupo plural de alrededor de doscientos periodistas y críticos de cine y series de toda España.

Desde 2014 entregan los Premios Feroz y, además, reparten otros galardones en festivales: el Feroz Zinemaldia en San Sebastián, el Feroz Puerta Oscura en Málaga y el Feroz Cinema Jove al mejor corto, entre otros proyectos y saraos cinéfilos.

Y ojo, que este año la AICE también ha sido noticia por “la poda”.

Se habló de unos 200 miembros y de que se “eliminó” a una cuarentena porque la Junta consideró que su actividad ya no era suficiente.

Vamos, que aquí no solo hay nominaciones: también hay expulsiones.

Yo, como fundador desde 2013 (sí, del pleistoceno Feroz, cuando aquello era pequeño y se hacía en Madrid con cara de experimento), sigo dentro.

Estoy contento.

Y un poco tenso, como cuando te llama el banco y no sabes si es para darte un premio o una comisión.

Pontevedra y el tiempo: turismo peatonal, lluvia a presión

Pontevedra es una ciudad amabilísima: casco histórico peatonal, iglesias estupendas, mucha historia y un centro para pasearlo con calma.

Y se come muy bien y muy barato, que esto en una crónica cultural debería ser Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

El problema fue el temporal: aquí llovía con dos modos posibles.

Modo A: “chispea”.

Modo B: “diluvio universal”.

Cuando llovía suave intentábamos hacer vida; cuando llovía fuerte, directamente te planteabas pedir una canoa por Glovo.

La organización, eso sí, se ha volcado: Pontevedra cerraba un ciclo bianual como sede y, en los meses previos, la Boa Vila ha tenido proyecciones, coloquios y encuentros con gente de la industria, con una respuesta del público estupenda.

Aquí se han tomado en serio lo de ser ciudad de cine.

Con paraguas, pero de cine.

La gala: cena redonda, vino lineal y un guion con curva peligrosa

Los Feroz mantienen su sello: formato cena, mesas redondas, se come antes y durante (sí, durante), y el vino suele estar más presente que algunos nominados. Por algo se dice lo de “los Goya, pero con vino”.

La retransmisión fue por La 2 y RTVE Play, con Aitor Albizua poniendo comentarios en directo.

Y sobre el papel, el guion era “ocurrente y descarado”, firmado por Diego Soto y Javier Durán.

Sobre el papel. Porque luego… luego pasan cosas.

Los presentadores: cuatro perfiles, una misma cara de “¿esto era así?”

Presentaban Petra Martínez, Samantha Hudson, Elisabet Casanovas y Antonio Durán ‘Morris’.

Un cuarteto heterogéneo y con talento, sí.

Pero mi sensación desde la sala fue clara: demasiado encorsetados, poca espontaneidad y un guion que les ponía piedras en el camino.

Y es una pena, porque con esa mezcla podía haber salido una fiesta elegante o una gamberrada brillante.

Pero se quedó en una cosa rara: ensayada hasta el tuétano, larga (más de dos horas) y con momentos donde se notaba la incomodidad.

En cristiano: la gala, este año, no aprueba.

Y no por falta de ganas, sino por exceso de corsé.

Los mejores momentos: cuando la vida se coló por las rendijas

— El recuerdo a Adamuz.

La presidenta María Guerra abrió con el corazón encogido por el trágico accidente ferroviario de Adamuz, y el teatro se puso serio de golpe.

— El Feroz de Honor.

Marta Fernández-Muro subió a recoger “un premio que me encanta”.

Veterana, simpática, con ese humor de quien ha sobrevivido a décadas de industria sin perder el colmillo.

— La reivindicación de la bondad.

Julia de Castro, premiada por Poquita fe, defendió la bondad y pidió bajar la intensidad de la violencia verbal.

Una intervención con fondo (y falta nos hace).

— Las series diarias alzando la voz.

María Castro y Marta Costa (sí, las de La Promesa) recordaron, con retranca, que hay series que levantan audiencias como catedrales y luego en premios van “de visita”.

— El momentazo espontáneo.

Ana Marchesi (actriz con parálisis cerebral) se marcó una intervención divertidísima y sin filtros. De lo mejor de la noche precisamente por lo que faltó en otras partes: naturalidad.

— Y sí, Albert Serra en modo Albert Serra.

Se llevó el Arrebato de no ficción por Tardes de soledad y dejó claro que, cuando sale a hablar, no pide permiso: ocupa el plano.

Los premios: Los domingos arrasa y el resto intenta sobrevivir

Vamos al turrón: el palmarés tuvo una reina clarísima. Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, lideró el palmarés con cinco estatuillas. Una manita. Como quien no quiere la cosa.

Mejor película dramática.

Premio Feroz SGAE a la mejor dirección para Alauda Ruiz de Azúa.

Mejor actriz protagonista para Patricia López Arnaiz (su cuarto Feroz).

Mejor actriz de reparto para Nagore Aranburu.

Premio Feroz DAMA al mejor guion (también para Alauda Ruiz de Azúa).

Y ojo al dato: Los domingos ya venía “calentando” desde el Festival de San Sebastián, donde la AICE la distinguió con el Feroz Zinemaldia y se fue también con la Concha de Oro. Esto no fue sorpresa: fue confirmación.

En comedia, la ganadora fue La cena.

Y en Maspalomas cayeron dos premios muy celebrados: mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz y mejor actor de reparto para Kandido Uranga.

Otra gran conversación de la noche fue Sirât, de Oliver Laxe, que se llevó mejor música original (para Kangding Ray) y mejor tráiler (para Aitor Tapia).

También se mencionó su doble nominación al Oscar (película internacional y sonido), con presencia de Laia Casanovas, integrante del equipo de sonido íntegramente femenino. Titular de los bonitos, sin confeti.

Series: empate técnico entre Yakarta y Poquita fe

En series, reparto salomónico: de los siete premios posibles, tres para Yakarta y tres para Poquita fe.

Resultado: drama y comedia felices y todos contentos.

Javier Cámara suma ya tres Feroz en su carrera, de nuevo con una serie creada por Diego San José, que además recogió el premio al mejor guion junto a Daniel Castro y Fernando Delgado-Hierro.

En Poquita fe, doble alegría: mejor actriz protagonista para Esperanza Pedreño y mejor actriz de reparto para Julia de Castro. Ambos, primer Feroz.

Y otro debut feliz: Secun de la Rosa ganó como actor de reparto por Superestar y dejó la frase de la noche: que era curioso ganar el primer premio llamándose “Secun”. El universo, cuando quiere, tiene guionistas.

El famoseo: lo que no sale en el palmarés

Lo mejor del famoseo no es la foto, es la conversación.

Después de la gala, con música y fiesta, se mezclan premios, nominados y saludos eternos.

Charlé un buen rato con Oliver Laxe, tipo sereno y amable, sobre los Oscar y lo que significa estar ahí. Ya estar es un éxito enorme, y él lo vive con calma.

Vi a Nacho Vigalondo, mosqueado por un chiste poco afortunado. Le dije que tenía que presentar él la gala y me respondió: “a ver si me llamáis”. Pues eso.

Encontré a Leticia Dolera, la felicité por Pubertad y cayó foto. Porque uno será crítico, pero también humano.

Y Patricia López Arnaiz, feliz y agradecida, ya es institución feroz. Cuarto premio. Marca registrada.

Mencionar la presencia de la actriz internacional María de Medeiros, de la película Una quinta portuguesa. Amable y simpática. Le brindé una sentida reverencia.

Cierre: Pontevedra se despide, los Feroz siguen… y la gala tiene deberes

Pontevedra cierra su etapa como sede con implicación total y números de primera división.

El palmarés ha sido coherente y los Feroz siguen siendo el termómetro más afinado del cine y las series españolas.

¿La gala? Con menos corsé y más ritmo habría volado. Así, se dejó ver… pero no enamoró. Y en una fiesta con vino, lluvia y cine, no enamorar tiene mérito.

Nos leemos en la próxima.

Y por favor: el año que viene, un Feroz con calefacción. Aunque sea en un Ikea.

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

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FANTASÍAS ANIMADAS DE AYER Y HOY

Cine de Animación

Primero fueron los llamados Juguetes Ópticos: Linterna Mágica, Zootropo, Praxinoscopio, Teatro Óptico, …, antes de que el Cinematógrafo naciera.
Dar vida a objetos inanimados es en esencia lo que conocemos como Cine de Animación.

En este monográfico recorremos su historia, desde la animación primitiva a la era digital; las diferentes técnicas de animación: Película de Siluetas, Pixelización, Dibujos Animados, Stop-Motion, …; los principales estudios: Disney, Pixar, Ghibli, Dreamworks, …; y algunos nombres propios.

¡Te esperamos…anímate!

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