Influyencers dispara contra la obsesión de muchos jóvenes por hacerse famosos en las redes sociales. Da igual el talento, el contenido o la dignidad: lo importante es sumar seguidores y parecer alguien.
También se burla de las marcas falsas y de esa necesidad de presumir de una etiqueta que no deja de ser un fraude. No solo venden humo: hasta el logotipo es de imitación.
La presencia de una actriz tan reconocida y con tanto oficio como Macarena Gómez da cierto empaque al cortometraje.
El resultado es simpático y se ve con agrado, pero la sátira apenas araña la superficie. Señala blancos muy fáciles sin llegar a hincarles el diente.
Divertido, sí. Mucho más que eso, no.
Detrás del filtro
Thomas Barrera Howarth, nacido en Sevilla en 1987, comenzó como fotógrafo antes de trasladarse a Londres para trabajar en cine.
Participó en producciones como Guardianes de la galaxia y The Imitation Game (Descifrando Enigma).
Actualmente combina la realización de documentales y televisión con la dirección de cortometrajes.
Entre sus trabajos destacan Packet Planet, ganador del primer premio en Notodofilmfest, y Pentágono.
Influyencers dura 13 minutos, fue rodado en Barcelona y participa en la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Un padre y sus cuatro hijos se refugian en la casa familiar tras la muerte de la esposa y madre.
Pero aquello no es un retiro para afrontar el duelo. Se dedican a malvivir en un estado de depresión absoluta que van retroalimentando entre todos.
El alcohol forma parte de su vida cotidiana. Posiblemente, lo impregna todo.
Están hundidos en un pozo terrible del que ni siquiera parecen desear salir. Se acompañan no para rescatarse, sino para hundirse juntos.
Familia es un cortometraje desolador, pero magníficamente construido.
Las interpretaciones del padre y de los hijos son sensacionales.
Merece la pena citar a todo el reparto: Isak Férriz, Claudia Malagelada, Bernat Roqué, Carlota Keiko Vila, Valeria Fernández Carranza, Maria Pau Pigem, Ruth Díaz, Blanca Valletbó, Sara Diego y Aleix Melé.
Un duelo compartido puede aliviar el dolor. Aquí solo sirve para emborracharlo.
Sobre Frank Lucas Sánchez
Frank Lucas Sánchez, nacido en Barcelona en 1988, es director y guionista.
Dirigió el cortometraje Ruina, estrenado en 2022 en los festivales de Málaga y BIFAN.
También creó la serie WASP, desarrollada por Netflix, y participó en el guion de La mala familia.
Actualmente prepara su primer largometraje, La madriguera, con Japonica Films, productora de la que es cofundador.
María Rita es un corto terrible. No por malo, sino por la realidad que retrata.
Raúl y Aida son toxicómanos, mantienen una relación tan tóxica como las sustancias que consumen y viven atrapados en la marginalidad.
En medio de ese desastre está María Rita, su bebé de cuatro meses, a la que intentan «proteger» de los servicios sociales.
Las comillas son importantes.
El amor y el instinto maternal existen, pero no bastan cuando la adicción se ha comido la capacidad de cuidar. Ellos solo quieren continuar drogándose, mientras la niña paga las consecuencias de una vida que no ha elegido.
La productora confirma que el corto fue rodado con víctimas reales del narcotráfico y la drogadicción. Eso explica la brutal sensación de autenticidad que desprenden sus personajes.
La ambientación es sensacional y la dirección artística de Marina Varela, extraordinaria. Esos espacios degradados no parecen decorados, sino lugares donde la vida se ha ido pudriendo poco a poco.
María Rita es áspera, dolorosa y difícil de digerir.
También es magnífica.
Enhorabuena, Juan Barbazán.
Del videoclip a la marginalidad gallega
Juan Barbazán, nacido en Santiago de Compostela en 1990, ha desarrollado buena parte de su trayectoria dirigiendo videoclips de rap y música urbana.
Ha trabajado con artistas como Foyone, Don Patricio, Natos y Waor, Fernando Costa, Santa Salut y Dollar Selmouni.
En María Rita también participa en el guion, junto con Nacho Ozores, y se encarga del montaje.
El cortometraje obtuvo en 2026 tres galardones en el Festival de Cans: mejor cortometraje de ficción, premio del jurado de los vecinos y mejor dirección de fotografía para Sules García.
También ganó el premio al mejor cortometraje nacional en el Festival Internacional de Cine de Lanzarote.
El mejor amigo de la mujer también puede ser un hijo de perra
Perros muerden convierte una relación tóxica en el vínculo entre una mujer y un perro. Aunque podría ser un marido, un novio, un amigo o cualquier otro animal. La especie es lo de menos.
Todo comienza de manera amorosa. El perro parece el compañero ideal, pero pronto se transforma en un auténtico lastre del que resulta muy difícil desengancharse.
Una dependencia emocional con correa.
Marina Salas, siempre estupenda, sostiene el juego con una interpretación muy física.
Eva Vázquez de Reoyo lo cuenta con mucho humor, de manera visual y orgánica, sin ponerse a impartir un cursillo sobre relaciones tóxicas.
Un corto que funciona como un rayo.
Lo extraordinario de lo cotidiano
Eva Vázquez de Reoyo es una directora y guionista española que combina lo cotidiano con el humor absurdo y el surrealismo.
Entre sus cortometrajes figuran Fuego en el sótano, Love Monster y Mañana sí que sí.
Perros muerden está protagonizado por Marina Salas, cuenta con música de Alberto Iglesias, fue seleccionado para el catálogo Madrid en Corto 2025 y participa en la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Solo ratas (Only Rats) es un cortometraje de animación stop motion realizado con figuritas de peluche.
Paz del Carre cuenta cómo una ardilla cargada de prejuicios se ve obligada a convivir con unas ratas de alcantarilla. Al conocerlas, sus recelos empiezan a derrumbarse.
Esas ratas representan la marginalidad, las vidas quebradas y los proyectos que la sociedad reduce a una sola etiqueta: personas sin hogar.
La ardilla escucha sus historias y termina comprendiendo que su vida no está tan lejos de la de esos roedores a los que primero miraba por encima del hombro.
Un corto muy ilustrativo y de marcado carácter social.
Al final, entre una ardilla y una rata puede que solo haya unos cuantos pelos en la cola.
Detrás de los peluches
Paz del Carre se formó en Diseño y Tecnologías Creativas y desarrolla su carrera como directora y animadora de stop motion.
Su primer cortometraje fue Shame y ha trabajado en Pietra, Carmela y Olivia y el terremoto invisible.
Solo ratas utiliza grabaciones reales de personas sin hogar.
En Animayo 2026 obtuvo los premios al mejor cortometraje independiente y del jurado de Animación con Ñ a la concienciación social.
Un corto profundamente gallego que retrata a esas mujeres que se ocupan del pulpo de principio a fin: lo limpian, lo preparan, lo cuecen, lo trocean y lo venden.
Las pulpeiras lo hacen todo.
Y, además, deben sobrevivir en una Galicia rural dominada por los hombres y por el cacique de turno, capaz de destrozar la vida de una mujer que se está jugando el pan de sus hijos.
Un abuso de poder tan miserable como cotidiano.
Silvia Cachafeiro envuelve la denuncia en un costumbrismo maravilloso.
La romería, el trabajo agotador y las manos de estas mujeres no son una postal bonita, sino el escenario de la dependencia, la injusticia y la lucha por sobrevivir.
Un cortometraje potentísimo y magníficamente ambientado.
El pulpo se corta con tijeras. El caciquismo, por desgracia, cuesta bastante más.
Detrás de las tijeras
Silvia Cachafeiro, nacida en Pontevedra en 1983, se formó en Dirección de Cine en Bande à Part, en Barcelona.
Su anterior cortometraje, Dans le noir, obtuvo el Premio del Público en MECAL y pasó por el Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant.
As maos da pulpeira, producida por Matriuska Producciones, tuvo su estreno mundial en Xociviga en noviembre de 2025.
En 2026 recibió el premio al mejor corto de temática rural en la Mostra de Cinema do Rosal y el premio a la mejor actriz protagonista en Cinemafost.
El planteamiento de Una vocal es muy sencillo. Ana y Amparo, madre e hija, esperan para identificar el cadáver del exmarido de una y padre de la otra.
Dos mujeres de generaciones distintas ante el mismo suceso luctuoso. Y dos maneras completamente diferentes de afrontarlo.
La hija repite varias veces a su madre: «Qué de pueblo eres». «Eso es muy de pueblo».
Y es verdad que hay costumbres, gestos y maneras de enfrentarse a la muerte que cambian de una generación a otra.
Polo Menárguez aprovecha ese choque para construir una comedia negra con un estupendo tono de sátira social y familiar.
Todo se sostiene en esa espera, en la relación entre las dos mujeres y en un humor que no necesita convertir el duelo en una tragedia solemne.
El corto termina con una sorpresa final que remata estupendamente lo que había ido preparando.
Una pequeña historia, dos generaciones y cinco vocales. Pero la buena es solo una.
Entre el drama y la comedia negra
Polo Menárguez, nacido en Madrid en 1988, es director y guionista de ficción y documental.
Tras Dos amigos, dirigió el documental Invierno en Europa, distinguido con una mención especial en la Seminci, y el largometraje El plan, que compitió en la Sección Oficial del festival vallisoletano.
En 2025 estrenó El talento.
Una vocal está producida por Malvalanda y protagonizada por Sonia Almarcha y Mirela Balic, que compartieron la Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina en el Festival de Málaga.
El corto también obtuvo los premios a mejor cortometraje y dirección en el Ibiza Film Festival, además del premio a la mejor dirección en la Semana de Cine de Medina del Campo.
Misión imposible: separar el uniforme de la familia
Joel Cánovas utiliza con mucha inteligencia el fuera de campo y los primeros planos para construir una historia de acción trepidante.
Los protagonistas son los miembros del GEI, el Grupo Especial de Intervención de los Mossos d’Esquadra, el equivalente dentro del cuerpo catalán a los GEO de la Policía Nacional.
Un tiroteo en un cine pone en marcha el operativo.
Pero el conflicto no es solo policial: Pedro, jefe del equipo, sospecha que su hijo Mateo puede estar dentro.
El deber profesional y el miedo de un padre chocan en el peor momento posible.
Con medios relativamente modestos para una historia de estas dimensiones, Cánovas consigue que la producción parezca mucho más grande, tensa y ambiciosa.
No enseña por enseñar. El fuera de campo trabaja, los primeros planos aprietan y la tensión crece sin necesidad de fuegos artificiales.
El resultado es un corto magnífico.
Detrás del operativo
Joel Cánovas nació en Barcelona en 2000 y se graduó en la ESCAC, donde también cursó el Máster de Dirección Cinematográfica.
Durante su formación escribió y dirigió El cazador y 21 de octubre.
Actualmente desarrolla su primer largometraje dentro del laboratorio Ópera Prima de la ESCAC.
21 de octubre dura 20 minutos, está producido por ESCAC Films y distribuido por Films on the Road. H
a sido seleccionado para la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Asombroso el trabajo de Aitor de Kintana e Iñaki Rikarte.
Con dos personajes y una escalera como único escenario, construyen un corto divertido, ágil y con bastante mala leche.
La comedia no se queda en el gag. Desagradecido habla de esas pequeñas miserias que todos llevamos dentro y que terminan enturbiando nuestras relaciones de la manera más desagradable y decepcionante.
Un favor aparentemente sencillo basta para que afloren el orgullo, el egoísmo y esa mezquindad cotidiana que procuramos esconder con tan poco éxito.
Este corto demuestra que para hacer algo interesante no se necesitan presupuestos millonarios. Basta con una buena idea, dos intérpretes y saber utilizar una escalera.
Con muy poco, consiguen mucho.
Dos directores y una pizza
Aitor de Kintana e Iñaki Rikarte ya habían colaborado en el cortometraje Pizza, estrenado en 2019.
De Kintana ha trabajado como guionista, actor, realizador y director teatral.
Rikarte, formado en la RESAD, ha desarrollado una amplia trayectoria como actor, dramaturgo y director de escena, reconocida con dos Premios Max y un Premio Talía.
En Desagradecido, Rikarte firma el guion y ambos comparten la dirección.
Producido por Kennebeck Filmak, el corto se rodó en Vitoria, dura diez minutos y participa en la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Capinurí relata el infierno judicial de Gerardo, un hombre de 72 años que vive en la Amazonía peruana.
El documental cuenta cómo una compañía maderera lo engaña y cómo termina enfrentándose a la justicia peruana, investigado por un delito medioambiental.
La víctima convertida en sospechosa. Todo muy civilizado.
El planteamiento me gusta mucho. Hay una historia poderosa sobre abandono institucional, indefensión y una justicia empeñada en mirar hacia el lado equivocado.
El problema es la voz en off. Se dedica a explicar lo que las imágenes deberían ser capaces de contar y acaba restando fuerza al relato.
A veces hay que confiar en el espectador, en las elipsis y en los silencios. Un corto más callado habría sido más expresivo y bastante menos sobreexplicado.
Si no puedes contarlo con imágenes, cállate.
Tras la voz y las imágenes
Fátima Donado, nacida en Monforte de Lemos en 1991, es periodista y cineasta documental.
Ha trabajado en Cadena SER, elDiario.es y laSexta.
Fue guionista y subdirectora de Origen, presentada en el Atlàntida Mallorca Film Fest de 2020.
En 2019 fundó Amazondas, un proyecto de radio comunitaria en la selva peruana.
El podcast de Amazondas obtuvo en 2024 el Premio Ondas Global del Podcast al mejor podcast experimental.
Capinurí es su primer cortometraje documental como directora.
Lluvia de verano (Pluja d’estiu) nos relata una pequeña escapada de un grupo de adolescentes.
En el centro está Oriol, Uri para sus amigos, que atraviesa un momento vital difícil y complicado, pero encuentra el apoyo de quienes le rodean.
Es una apuesta cinematográfica valiente y sincera. Emotiva y, hasta cierto punto, optimista.
Sobre todo, el corto ensalza el maravilloso poder de la amistad. Ese que no elimina las heridas, pero ayuda a sobrellevarlas.
Un director que empieza a rodar
Teo Nicolau Martín, nacido en Barcelona en 2003 y graduado en la ESCAC, ha dirigido anteriormente los cortometrajes La frontera (2024), ganador de un Premio Inexperto y presentado en el D’A Film Festival, y Nit de Reis (2025), estrenado en el Tabaca Film Fest.
También ha trabajado en publicidad y videoclips.
Con Lluvia de verano continúa explorando la ficción breve desde una mirada cercana y generacional.
¡Hasta enterrarlos! utiliza la comedia para denunciar el gravísimo problema de los desahucios, un asunto que ha terminado ocupando la actualidad a empujones.
Lo llamativo es que estos jovencísimos cineastas de la ECAM olieron el tema con un año de antelación. La crisis de la vivienda ya existía; ahora se ha sentado en primera fila y no hay quien la eche.
El grupo de vecinos recuerda inevitablemente a la cuadrilla de Atraco a las tres. Gente humilde, unida por la necesidad y dispuesta a ajustar cuentas con más ingenio que medios.
En medio de todos ellos, Miguel Rellán está estupendo.
El tono bebe de la comedia española tradicional, pero bajo las risas queda un poso amargo. El corto no olvida que detrás del disparate hay personas expulsadas de la casa en la que han vivido toda su vida.
El especulador aparece convertido en caricatura: obeso, puro en mano y sin un gramo de piedad. El retrato no busca matices. Busca que sepamos quién es el malo aunque entremos tarde a la proyección.
Y luego está María Galiana, que siempre es un valor seguro. Da gusto comprobar que sigue en activo y prestando verdad a cualquier historia en la que aparece.
Una muy buena obra de denuncia que utiliza la comedia sin desactivar la gravedad de lo que cuenta.
Te ríes, sí. Pero la risa viene con orden de desahucio.
Una cantera con mala leche
Marco Araujo Dolado es un joven director madrileño que comenzó a rodar cortometrajes durante la adolescencia.
Entre sus primeros trabajos figuran Cooking, The Piano Room, No abras esa naranja y En el segundo izquierda, este último también protagonizado por María Galiana.
¡Hasta enterrarlos! es una producción de la ECAM de 15 minutos.
El corto obtuvo en el Festival de Cine de Comedia de Tarazona el premio a la mejor dirección de fotografía para Enrico Bárbaro Jr. y compite en la Sección Oficial de Cortometrajes del FESCIGU 2026.
De todos es conocida —al menos entre quienes me leen— mi absoluta aversión al plano cogote, esa manera de rodar que me parece detestable.
Pues en A la carrera, Kevin Macdonald se inventa otra atrocidad visual: el plano culote.
Durante toda la película, la cámara se empeña en perseguir el trasero de Gal Gadot.
Efectivamente, el trasero de Gal Gadot debería ser declarado patrimonio de la humanidad. No lo dudo.
Pero el abuso convierte ese encuadre casi en el centro de la película. Y el resultado me parece absolutamente bochornoso.
La historia tiene una estructura muy sencilla y parte de un planteamiento que ya hemos visto muchas veces.
Macdonald lo lleva al extremo haciendo que la pobre Gal Gadot se pase prácticamente toda la película corriendo. Además, da la impresión de que la acción se desarrolla casi en tiempo real.
No es un plano secuencia, ni mucho menos. Todo está construido mediante un montaje frenético, muy efectista y empeñado en que no tengamos tiempo para pensar demasiado.
Porque, si pensamos, empiezan los problemas.
Los giros de guion son absurdos y, en algunos casos, directamente inverosímiles.
Gal Gadot se esfuerza por ofrecer una buena interpretación y luce palmito en todo momento. Da igual que corra, sude o aparezca herida: la cámara siempre encuentra la manera de exhibirla.
Al final, A la carrera no deja de ser un telefilme con zapatillas deportivas, montaje de anuncio y varios giros que no se creen ni ellos.
No llega a la hora y media.
El plano culote, en cambio, se hace eterno.
Detrás de la carrera
Kevin Macdonald ha alternado documental y ficción en una trayectoria que incluye Tocando el vacío, El último rey de Escocia, La sombra del poder y The Mauritanian.
Su documental Un día en septiembre ganó el Óscar al mejor largometraje documental en 2000.
A la carrera, título español de The Runner, llegó a Prime Video el 2 de septiembre de 2026.
La plataforma acredita a Amazon MGM Studios como estudio y a David Kosse como productor.
Estamos ante una película de terror muy especial, de esas que comienzan pareciendo una cosa y terminan arrancándose la piel para enseñar las vísceras.
En principio adopta la estructura del slasher y se presenta como la nueva entrega de una saga ficticia de serie Z, Campamento Miasma, tan cutre como exprimida.
Hollywood pretende resucitar la franquicia contratando a una joven directora con cierto prestigio. El plan industrial parece de manual: coger una marca agotada, envolverla en modernidad, colocarle una etiqueta indie y venderla como algo novedoso.
Todo muy guay.
Pero Jane Schoenbrun da la vuelta a la película. Y no solo a la historia, sino también a su propia naturaleza.
Lo que parecía un simple ejercicio de cine dentro del cine termina planteando una cuestión fascinante: hasta qué punto la ficción forma parte de nuestra realidad y hasta qué punto eso que llamamos realidad no es otra ficción que vamos construyendo.
Ya sé que parece un galimatías.
También lo es la película, pero un galimatías inteligente, juguetón y hasta cierto punto filosófico.
Lo mejor es que este planteamiento no convierte la función en una tesis universitaria. La película juega con el gore, la sangre y las convenciones del slasher. Se ríe del género, lo critica, lo despedaza y después recompone sus restos de una forma nueva.
Los aficionados al slasher tradicional quizá la encuentren demasiado sofisticada. Quien espere cuchilladas rutinarias, adolescentes despistados y un asesino cumpliendo su jornada laboral puede salir algo desconcertado.
Aquí hay terror elevado, misticismo, reflexión y cierta tendencia a ponerse intelectualoide. Pero también existe una mirada diferente y una apuesta realmente asombrosa.
No es un slasher clásico con ínfulas de autor.
Es un slasher que se abre en canal para descubrir de qué está hecho. Y dentro, además de sangre, encuentra ideas.
Después de abrir la pantalla en canal
Jane Schoenbrun es cineasta y guionista estadounidense.
En Todos vamos a la feria del mundo (We’re All Going to the World’s Fair, 2021) y El brillo de la televisión (I Saw the TV Glow, 2024) ya exploraba la identidad, la cultura popular y la forma en que las pantallas terminan contaminando la vida.
Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma cierra su denominada «trilogía de la pantalla».
La película inauguró la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2026, obtuvo la Queer Palm y posteriormente ganó el Premio Zabaltegi-Tabakalera del Festival de San Sebastián.
MUBI tiene previsto estrenarla en los cines españoles el 20 de noviembre de 2026.
Una nueva película de la factoría DreamWorks protagonizada por dos muchachas muy diferentes en su manera de ser y también en su fenotipo.
La isla olvidada nos habla de su amistad, del folclore y las leyendas filipinas y de un mundo de fantasía que termina poniendo a prueba su relación.
También reflexiona sobre la memoria y su importancia para ser uno mismo, construir la personalidad y formar el carácter. Cuando desaparecen nuestros recuerdos, nosotros también empezamos a desaparecer.
El problema es que visualmente la película resulta muy atropellada. Las imágenes, los planos y los distintos enfoques se suceden sin apenas descanso.
Tiene mucha ambición cinematográfica, pero esa ambición termina aplastando un poco el relato y, al menos a mí, me aturde en algunos momentos.
Su estilo visual, en ocasiones muy cercano al anime, puede resultar deslumbrante. Yo habría preferido una película algo más reposada.
La mala, eso sí, está muy bien representada y da miedo de verdad. Parece una mezcla entre Cruella de Vil y Úrsula, la villana de La sirenita.
Una película que se ve con agrado y tiene ideas interesantes sobre la amistad, la identidad y la memoria, pero que visualmente resulta demasiado atropellada.
Los responsables de esta isla
Joel Crawford debutó como director de largometrajes con Los Croods: Una nueva era y posteriormente dirigió El gato con botas: El último deseo.
Januel Mercado fue codirector de esta última.
En La isla olvidada ambos comparten la escritura y la dirección, nuevamente acompañados por el productor Mark Swift.
La película es una producción de DreamWorks Animation, distribuida en España por Universal Pictures. Su estreno comercial español fue anunciado para el 25 de septiembre de 2026.
Estamos ante una nueva vuelta de tuerca a la saga cinematográfica basada en los videojuegos de Capcom.
Posiblemente sea la visita más gamberra y divertida a Resident Evil.
El protagonista es Bryan, un mensajero sanitario interpretado por Austin Abrams que termina realizando la peor ruta de reparto de su vida.
Avanza de monstruo en monstruo, como si participara en una gincana que va de casa del terror en casa del terror.
La película revisita los tópicos de la saga: infectados, malformaciones, criaturas repugnantes y mutaciones que no invitan precisamente a darles un abrazo.
Todo ello con un ritmo frenético y un montaje estupendo.
Zach Cregger sabe cuándo esconder la amenaza mediante el fuera de campo y cuándo restregarnos el monstruo por las narices.
Aquí hay tensión, casquería y mucho humor negro.
La película no se toma demasiado en serio, pero tampoco convierte la saga en una parodia.
Ese equilibrio permite que el desfile de horrores resulte divertido y no termine pareciendo un catálogo de vísceras.
Otra ventaja fundamental es su duración.
En poco más de hora y media entretiene, divierte y se marcha antes de que la gincana empiece a cansar.
Aquí el terror se refugia en el humor y le sienta de maravilla.
Ojalá hubiera más películas del género con este ritmo, esta mala leche y, sobre todo, la decencia de largarse a tiempo.
Después de matar al último monstruo
El estadounidense Zach Cregger, actor, cómico, guionista y director, dio su gran salto al terror como realizador en solitario con Barbarian y se consolidó con Weapons.
Su cine combina lo grotesco, la sorpresa y el humor negro, ingredientes que encajan perfectamente en esta nueva versión de Resident Evil.
Coguioniza la película junto a Shay Hatten.
Sony Pictures la estrenó en los cines españoles el 18 de septiembre de 2026.
En Estados Unidos debutó con 60 millones de dólares, el mejor estreno de la historia cinematográfica de la saga.
En la zona gris es un thriller de acción con estructura de película de atracos. Primero se diseña la operación; después se ejecuta.
Hasta aquí, nada que objetar.
El problema es que Guy Ritchie dedica buena parte del metraje a explicarnos, mediante una tediosa voz en off, cómo funcionará el golpe financiero y cómo se coordinará su vertiente bélica.
La parte económica resulta tan enrevesada que uno deja de intentar entenderla y empieza a suplicar que alguien saque una ametralladora.
Cuando por fin llega la acción, la película funciona. El tramo final tiene ritmo, está bien rodado y ofrece el espectáculo prometido.
Lo malo es el peaje que hay que pagar para llegar hasta allí.
Ritchie intenta impregnarlo todo de humor, pero los chistes son ridículos, patéticos y, pecado mortal, no hacen gracia.
No hay peor cosa que una película convencida de que es ingeniosa.
La presencia de Eiza González alegra considerablemente el cotarro. Está absolutamente maravillosa.
También lo anima Carlos Bardem, magnífico como gran villano. Es un gran actor, aunque el cine internacional parece empeñado en encasillarlo como capo latinoamericano.
En la zona gris pasa sin pena ni gloria y se olvida con rapidez. Debería dejar el recuerdo de un atraco millonario, pero lo único que permanecerá en mi memoria es Eiza González.
Maravillosa.
Guy Ritchie, una vida entre atracos
El cineasta británico Guy Ritchie debutó en el largometraje con Lock & Stock y consolidó su estilo con Snatch. Cerdos y diamantes: montajes frenéticos, delincuentes parlanchines y humor socarrón.
Después amplió su registro con Sherlock Holmes, Aladdin y The Gentlemen: Los señores de la mafia.
n la zona gris recupera su territorio predilecto, aunque esta vez la fórmula funciona bastante mejor cuando dispara que cuando intenta explicar.
La película se estrenó en Estados Unidos el 15 de mayo de 2026 y llegó a los cines españoles el 18 de septiembre, distribuida por Diamond Films España.
La película que me curó la acrofobia a fuerza de aburrimiento
Yo, que soy acrofóbico, lo pasé realmente mal con Fall. Me causó tanta impresión que he decidido repetir la experiencia con su secuela.
Una especie de acto masoquista por mi parte.
Pero resulta que Fall 2: Deadpoint es tan mediocre y está tan mal construida que ni siquiera consigue dar vértigo a un acrofóbico.
Solo provoca aburrimiento.
Para que nos importe si unos personajes sobreviven o se despeñan, antes tenemos que cogerles algo de cariño. A las dos protagonistas y a su guía no les cogemos el más mínimo afecto.
Que caigan o no caigan termina dando exactamente igual.
Los giros de guion son tan absurdos, ridículos y mal encajados que parecen ocurrencias improvisadas sobre la marcha. A alguien se le ocurre una barbaridad, la apunta y la película continúa escalando.
Técnicamente está bien rodada y las alturas están bien representadas.
Pero ni produce vértigo ni provoca emociones.
Únicamente tedio y aburrimiento.
Lo peor es que ya hay una tercera entrega anunciada.
Amenazan con volver a subir. Yo ya me he caído de la saga.
Los hermanos del abismo
Michael Spierig y Peter Spierig son dos gemelos germano-australianos que suelen trabajar juntos como directores, guionistas y productores.
Su filmografía está ligada al fantástico, el terror y la ciencia ficción, con títulos como Los no muertos (Undead), Daybreakers, Predestination, Saw VIII y Winchester.
En Fall 2: Deadpoint dirigen un guion de Jonathan Frank y Scott Mann.
La película se estrenó en los cines españoles el 25 de septiembre de 2026, distribuida por YouPlanet Pictures.
La tercera entrega anunciada volverá a estar dirigida por Scott Mann.
Yo me hice persona viendo al Coyote perseguir infatigablemente al Correcaminos.
El pájaro me caía mal. Era chulesco, engreído y aquel bip-bip terminaba sacándome de quicio.
En cambio, el Coyote resultaba entrañable. Un personaje condenado al fracaso que seguía intentándolo incluso después de haber sido aplastado, dinamitado o despeñado.
Muchas de sus desgracias procedían de los desastrosos productos de ACME. Cada vez que abría uno de sus paquetes, sabíamos que la catástrofe estaba en camino.
Coyote vs. Acme parte de una idea magnífica: el Coyote decide demandar a la empresa por venderle semejante colección de inutilidades explosivas.
La película se convierte así en una comedia judicial que mezcla animación y acción real.
No inventa nada nuevo: ¿Quién engañó a Roger Rabbit? llevó esta combinación a cotas extraordinarias y, mucho antes, Gene Kelly ya había bailado con el ratón Jerry en Levando anclas.
Pero aquí la mezcla funciona.
El juicio enfrenta dos maneras de entender la vida. John Cena interpreta a Buddy Crane, el engreído abogado de ACME, convencido de que el éxito y el dinero siempre tienen razón.
Frente a él está el Coyote: perseverante, luchador y permanentemente instalado en el fracaso.
Y ahí aparece la reflexión más interesante de la película: ¿dónde está el verdadero mérito, en alcanzar la victoria o en levantarse una y otra vez después de cada derrota?
Alerta: spoilers
El plan secreto de ACME, que utiliza a los dibujos animados como cobayas para sus experimentos, añade otra cuestión: hasta dónde puede llegar una empresa cuando convierte a los seres vivos en simple material de laboratorio.
La película es divertida, aunque posiblemente no sea la aventura disparatada que muchos podrían esperar.
Lo importante es que consigue reconciliarnos con el Coyote.
Y, milagro de los milagros, también un poco con el Correcaminos.
No se puede pedir más.
El coyote que salió del cajón
El estadounidense Dave Green había dirigido anteriormente Tierra a Eco y Ninja Turtles: Fuera de las sombras.
En Coyote vs. Acme mezcla acción real y animación para adaptar el artículo satírico publicado por Ian Frazier en The New Yorker en 1990.
La historia de la propia película parece una aventura del Coyote: Warner Bros. la guardó en un cajón en 2023, pero Ketchup Entertainment terminó recuperándola y la estrenó en Estados Unidos el 28 de agosto de 2026.
Beta Fiction Spain la llevó a los cines españoles el 18 de septiembre.
Antes de hablar de películas, premios, estrellas y bocadillos, quiero agradecer a El Heraldo del Henares que siga siendo el medio con el que me acredito en el Festival de San Sebastián. Sin ese respaldo, estas nueve jornadas de cine, carreras entre salas y madrugones para escribir no serían posibles.
La 74.ª edición se celebró del 18 al 26 de septiembre y volvió a confirmar algo que a veces olvidamos: este es el gran festival de cine de España. He visto 44 películas, toda la Sección Oficial y una buena parte de Perlak. He dormido poco, he comido bastante bocadillo y he salido muy contento.
La media ha sido excelente. También ha habido algún engendro de los que invitan a revisar las condiciones de la acreditación, pero el nivel general, el público, las salas llenas y el ambiente entre críticos han sido magníficos.
Mucho cine, algún crimen y un debut sobresaliente
Mi gran película del festival ha sido El debut, de Jesse Eisenberg. Una película musical sobre la transformación personal y sobre el trabajo del actor, con una Julianne Moore desatada y un Paul Giamatti estupendo como director teatral. A mí los musicales me entusiasman. Cuando además hablan de la interpretación sin ponerse estupendos, ya me tienen ganado.
Fotograma de El debut. Imagen facilitada por el Festival de San Sebastián.
La película recibió el sábado por la mañana el Premio Feroz Zinemaldia 2026, concedido por los críticos de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España acreditados en el certamen. Paz Vega entregó la medalla a Miguel Morales, director de Wanda Vision y distribuidor español del filme.
Yo voté por El debut. Pensaba que la favorita entre mis compañeros sería Markens grøde / Growth of the Soil, así que el resultado me produjo una alegría considerable. Uno no suele acertar ni la quiniela del bar y, de pronto, acierta un Feroz.
También me entusiasmó Mis muertos tristes, de Pablo Larraín. Yo la vi como una película de 187 minutos y luego me explicaron que era una miniserie. Lo importante es que funciona: mezcla fantasmas, drama familiar y cine social con el estilo reconocible de Larraín. Mercedes Morán y Dolores Fonzi están magníficas. Lamentablemente, se fue de vacío.
Otra sorpresa estupenda fue Bajañí, de Fernando Trueba. El eje es Niño Josele y su guitarra, que dialoga con Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron y Marisa Monte. Flamenco, jazz y música brasileña unidos con una naturalidad emocionante. Una película musical extraordinaria, emotiva y llena de vida.
Me gustó muchísimo Muyou no hito / In My Father’s Room, de Maha Harada. Una joven que trabaja en un museo de arte contemporáneo descubre, después de su muerte, quién fue realmente su padre: un hombre sutil, enamorado de la belleza y de las palabras. La película avanza despacio, con una serenidad casi religiosa. No pide paciencia; la recompensa.
En El mal padre, de Roberto Bueso, hay una interpretación soberbia de Eduard Fernández. Yo le habría dado el premio. La película es demasiado teatral, pero su retrato de ese escritor enfermo que reúne a sus hijos por Navidad está sostenido por un actor colosal.
Y después está Markens grøde / Growth of the Soil, de Hans Petter Moland: 155 minutos de tierra, nieve, montañas y seres humanos puestos a prueba. Una especie de La casa de la pradera, pero sin ñoñerías. Muy de festival, muy larga y muy buena. El premio a la fotografía de Oskar Dahlsbakken era indiscutible.
Fotograma de Markens grøde / Growth of the Soil. Imagen facilitada por el Festival de San Sebastián.
Por supuesto, no todo ha sido felicidad. Succederà questa notte / Sucederá esta noche, de Nanni Moretti, me pareció insoportable.
Bian jing / Border, de Ah Biao, obtuvo después el Premio Especial del Jurado, pero a mí me produjo la emoción de una piedra mojada. Le puse un cero patatero.
Y la miniserie documental Más allá de la sociedad, producida por J. A. Bayona, me pareció un auténtico horror.
Aun así, el saldo es muy positivo. Hemos visto mucho cine bueno. Que luego el jurado y yo no veamos la misma película forma parte del espectáculo.
Una gala sin lentejuelas y Mike Leigh llevándose la vajilla
Las galas del Festival de San Sebastián son austeras. Loreto Mauleón y Fernando Guallar presentaron una clausura sin números musicales ni fuegos artificiales: se leen los premios, se recogen, se pronuncian los discursos y a otra cosa.
Hubo un buen vídeo resumen de la edición y un pequeño homenaje final a José Luis Rebordinos que, a mí, me supo a poco.
Rebordinos dirige el Festival desde 2011 y dejará el cargo a finales de 2026. Su sucesora será Maialen Beloki. Es el único director que yo he conocido aquí: cercano, amable, siempre en la puerta de las proyecciones y dispuesto a hablar con el público y la prensa. Mi amigo Ricardo y yo pudimos charlar unos minutos con él antes de Les Misérables / Los miserables. Un hombre entrañable que merecía una despedida más generosa.
La Concha de Oro fue para Tender Loving Care, de Mike Leigh. Además, Leigh recibió el premio al mejor guion y Kate O’Flynn compartió la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista con Asta Kamma August por Markens grøde / Growth of the Soil. Tres premios para la misma película. Soy poco partidario de que los jurados concentren la vajilla: repartir permite iluminar más obras.
Tender Loving Care es una buena película, emotiva y muy teatral, sobre la amistad femenina, la decadencia, la familia y los cuidados. No necesita convertir la amistad en romance para darle valor. También tiene algo de homenaje de despedida: Leigh, afectado por una enfermedad que limita su movilidad, ha explicado que es muy probable que sea su última película.
Mike Leigh lleva más de medio siglo observando a la sociedad británica sin anestesia y con una enorme confianza en sus actores. Entre sus títulos imprescindibles están Naked, Secretos y mentiras, El secreto de Vera Drake y Mr. Turner. Si esta es de verdad su despedida, se marcha con una Concha bajo el brazo y media vajilla en la maleta.
El jurado oficial estuvo presidido por Ira Sachs y lo completaron Genki Kawamura, Catherine Paillé, Alice Braga, Patricia López Arnaiz, Bill Skarsgård y Mike Goodridge.
Precisamente López Arnaiz presentó fuera de concurso Sacamantecas, donde se transforma en una mujer de armas tomar dentro de un thriller ambientado en la Tercera Guerra Carlista. De tía beata en Los domingos, ganadora hace un año, a tía arisca en esta película sobre el primer asesino y violador en serie español.
El Premio Especial del Jurado para Bian jing / Border nos dejó a muchos boquiabiertos. El jurado habló de audacia formal y de un nuevo talento. Yo vi personajes hieráticos, casi ningún diálogo y una película horrorosa. El pluralismo es esto: unos entregan un premio y otros buscamos la salida de emergencia.
Amanda Kernell obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección por Garrat du váimmu / Brace Your Heart. Una excelente película sobre una ganadera de alces.
Javier Cámara recibió la de mejor interpretación de reparto por 5 minutos más, una apuesta poco habitual en la Sección Oficial: fantasía, humor, terror y algún momento gore. Cámara estuvo agradecido y simpatiquísimo; además acababa de ser nominado al Emmy Internacional por Yakarta, serie que vi completa el año pasado en Valladolid.
La fotografía de Markens grøde / Growth of the Soil recibió el premio que merecía.
Y la gran alegría popular fue La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián con una puntuación de 9,40.
Fotograma de La bola negra. Imagen facilitada por el Festival de San Sebastián.
El público se entregó a la película. Las salas estaban llenas y conseguir entrada fue casi otra competición oficial.
En la rueda de prensa alguien les pidió: «Traednos el Óscar». Yo mejoré la petición: «Traednos muchos Óscar». Me miraron sonriendo y prometieron hacer lo posible. La película emociona, está magníficamente contada y merece una larga vida.
Estrellas en la Concha
La cantidad de cineastas e intérpretes que pasó este año por Donostia fue inmensa.
Ricardo Darín protagonizó el cartel oficial de la edición. No recibió el Premio Donostia de 2026 —lo había recibido ya en 2017—, pero volvió a demostrar que es uno de los rostros más queridos del Festival.
Los Premios Donostia fueron para Naomi Watts y Werner Herzog.
Watts presentó The Housewife / La esposa perfecta, donde interpreta a una antigua nazi escondida en Estados Unidos bajo la identidad de un ama de casa perfecta. La película tiene aire de telefilme y me pareció bastante regulera, pero ella está estupenda. En su discurso recordó a David Lynch y la oportunidad que le dio en Mulholland Drive.
Werner Herzog ha construido durante seis décadas una filmografía obsesionada con los soñadores, la naturaleza extrema y los seres humanos empeñados en hacer lo imposible.
Ahí están Aguirre, la cólera de Dios, El enigma de Kaspar Hauser, Fitzcarraldo, Grizzly Man y La cueva de los sueños olvidados.
Un cineasta al que una montaña nunca le pareció un argumento suficiente para no pasar un barco por encima.
Pero la gran estrella fue Brad Pitt, que presentó Heart of the Beast / En el corazón de la bestia.
Una especie de Rambo en Alaska con perrete. La película es bastante regulera; Pitt, en cambio, estuvo magnífico como estrella: cercano, sonriente y con un aspecto insultantemente joven.
La rueda de prensa exigió reserva previa, algo excepcional, y después pasó cerca de una hora firmando autógrafos y haciéndose fotos.
También estuvieron Marion Cotillard con 7h40 ce matin-là / Milo; Orlando Bloom; Penélope Cruz por partida doble; Dolores Fonzi y Mercedes Morán con Mis muertos tristes; Noémie Merlant; Rami Malek; Lena Olin; Nahuel Pérez Biscayart; Marcelo Subiotto; Pawel Pawlikowski; y Martin McDonagh, cuya Wild Horse Nine resultó muy divertida.
Un festival de clase A necesita buen cine, pero tampoco le vienen mal unos cuantos rostros capaces de detener el tráfico. Este año hubo para montar tres alfombras rojas y aún sobraba reparto.
Cuarenta y cuatro películas, bocadillos y cinco horas de sueño
En lo personal, ha sido uno de mis mejores festivales.
La primera razón fue la programación: vi las 44 películas previstas y toda la Sección Oficial.
Otros años siempre se queda alguna fuera. Verlas todas permite comprender mejor el panorama y, de paso, discutir el palmarés con conocimiento de causa.
Esa decisión me llevó a dos películas de animación que quizá habría dejado escapar: Le corset / Iron Boy, de Louis Clichy, sobre un niño de granja obligado a llevar un corsé metálico y a descubrir otra vida; y Tangles, de Leah Nelson, donde una hija aparca su carrera para cuidar a su madre con alzhéimer. Dos películas magníficas que justifican por sí solas salirse del camino más obvio.
Fotograma de Tangles. Imagen facilitada por el Festival de San Sebastián.
También fue un acierto dedicar buena parte del tiempo a Perlak, la sección que recoge películas ya presentadas en Cannes, Venecia, Berlín o Sundance.
Es una manera estupenda de completar el mapa del año sin necesitar bilocación, una capacidad que todavía no concede la acreditación.
La otra gran decisión fue que ninguna película terminara después de las once de la noche.
Me levanto a las cinco y media para escribir las críticas del día anterior.
Si salgo del cine a la una, al amanecer ya no soy crítico: soy un extra de La noche de los muertos vivientes. Acostarme pronto ha sido un auténtico acierto.
Donostia es también el festival del reencuentro. Periodistas y críticos de todo el país coincidimos en pasillos, colas, ruedas de prensa y bares. A veces te cruzas con alguien el último día y descubres que llevaba allí desde el primero. La programación tiene esas cosas: une mucho, pero distribuye a cada uno por una sala distinta.
He disfrutado de la compañía de amigos muy especiales. No citaré nombres para no cometer la imprudencia de olvidar a nadie.
Sí quiero mencionar a mi amiga Miriam, compañera de universidad desde 1975. Más de cincuenta años de amistad y todavía acepta comer conmigo entre dos proyecciones, que ya es una prueba de cariño bastante concluyente.
Y he confirmado algo importante: comer barato en Donostia es posible. Hay que abrazar el bocadillo como género cinematográfico. Juantxo, Danena y El Quinto Pino ofrecen bocadillos excelentes y están muy cerca unos de otros.
También comí un par de días en un hogar del jubilado, con un menú de supervivencia por unos catorce euros. No era alta cocina vasca, pero cumplía su misión sin exigir una hipoteca.
Han quedado también los zuritos, las cañas, los paseos y una ciudad maravillosa.
Donostia permite ir de una sala a otra caminando junto al mar. Si uno se descuida, una ola puede añadir un efecto especial gratuito. Salvo la lluvia del primer día, el tiempo fue magnífico, incluso caluroso a mediodía.
He sobrevivido bien, he sido responsable y he publicado cada mañana los comentarios de lo visto el día anterior. Me lo he pasado estupendamente. Eso, después de 44 películas, no es una conclusión menor.
Gracias a esRadio Guadalajara, Alcarria Televisión, Nueva Alcarria, GuadaTV Media, El Heraldo del Henares, LaCartelera.com y, por supuesto, a HolaSoyRamon.com por apoyar mi trabajo.
Y gracias al Festival de San Sebastián por seguir siendo una cita magnífica con el cine.
Que dure muchos años. Y que los bocadillos aguanten el ritmo.
Las imágenes proceden de la web y la fototeca del Festival de San Sebastián. Las fotografías acreditadas del archivo oficial están publicadas bajo licencia CC BY-NC 4.0, salvo indicación expresa distinta en la propia ficha.
Qué bonito era tener trece años… y no pagar la hipoteca
Tiempos de ilusión (Juste une illusion) pertenece a esa clase de películas que mezclan humor, drama familiar y realidad social para que el público salga del cine diciendo: «Qué película tan bonita».
Y, efectivamente, funciona.
Estamos en 1985 y vemos el mundo desde los ojos de Vincent, un chaval que está a punto de cumplir trece años. Descubre la amistad, el deseo, el amor y, sobre todo, que los adultos tampoco tienen demasiada idea de cómo funciona la vida.
Sus padres, interpretados por Louis Garrel y Camille Cottin, se pasan el día discutiendo y ofrecen pocos referentes. Su hermano mayor, aficionado al heavy metal, tampoco parece el mejor guía espiritual disponible.
Entre las pequeñas historias hay momentos muy divertidos, como los sucesivos y frustrados intentos de los chavales por conseguir ver una película clasificada X.
Louis Garrel está aquí bastante mejor que en otras películas —lo cual tampoco era muy difícil después de verlo en la de Nanni Moretti—, pero quien realmente está estupenda es Camille Cottin, absolutamente encantadora.
Tiempos de ilusión funciona especialmente bien cuando retrata los primeros amores y esa edad en la que uno empieza a descubrir que su familia, sus amigos y el mundo son bastante más complicados de lo que parecían.
No hay demasiadas novedades. Éric Toledano y Olivier Nakache vuelven a combinar humor, problemas sociales y sentimientos con esa habilidad suya para fabricar películas amables y buenrolleras.
De esas que gustan mucho a determinado público.
Y esta, seguramente, también gustará.
Los especialistas en buen rollo
Éric Toledano y Olivier Nakache llevan años dirigiendo juntos y alcanzaron su mayor éxito internacional con Intocable.
Después llegaron Samba, C’est la vie!, Especiales y Un año difícil, manteniendo esa mezcla de comedia, personajes populares y trasfondo social.
Tiempos de ilusión se estrenó comercialmente en Francia el 15 de abril de 2026.
En San Sebastián clausura Perlak fuera de concurso.
La película está protagonizada por Simon Boublil, Louis Garrel y Camille Cottin, y su distribución en España corresponde a A Contracorriente Films.
The Man I Love es cine independiente americano que mezcla drama, romance y elementos musicales, con la epidemia del sida como telón de fondo.
Estamos en el Nueva York de finales de los ochenta. Rami Malek interpreta a Jimmy, un artista enfermo que convive con su pareja, mientras un vecino aparece como tercero en discordia.
La película acompaña a Jimmy en el deterioro provocado por la enfermedad y en sus relaciones sentimentales, pero el desarrollo dramático me parece escaso. Hay buenas intenciones, personajes y situaciones con posibilidades, pero la historia no termina de crecer.
Además, hay algo que me chirría especialmente: la representación física de la enfermedad. Incluso cuando Jimmy parece acercarse a una situación terminal, vemos a un Rami Malek musculado y bien nutrido.
En aquellos años, antes de los tratamientos antirretrovirales eficaces, el síndrome consuntivo y la pérdida importante de peso y masa muscular eran frecuentes en fases avanzadas del sida. Por eso, visualmente, el personaje me resulta poco convincente.
Una película voluntariosa y bienintencionada, pero con poco desarrollo.
Ira Sachs vuelve al Nueva York de los ochenta
Ira Sachs es uno de los nombres destacados del cine independiente estadounidense, con una filmografía muy vinculada a las relaciones afectivas, la homosexualidad y la intimidad.
Entre sus películas figuran Keep the Lights On, El amor es extraño, Verano en Brooklyn, Passages y Un día con Peter Hujar.
Sachs vivió en Nueva York durante los años más duros de la epidemia y formó parte de ACT UP.
The Man I Love se estrenó mundialmente en la competición oficial del Festival de Cannes de 2026 y llega a San Sebastián dentro de Perlak.
En España la distribuye BTeam Pictures, que anuncia su estreno en cines para el 25 de diciembre de 2026.
A veces aparece una película que te llega al corazón y te parece una obra maestra.
Y otras veces sucede exactamente lo contrario.
Sucederá esta noche pertenece, con entusiasmo, a la segunda categoría.
La nueva película de Nanni Moretti me ha parecido absolutamente insoportable. No solo me aburrió. Me irritó. Me puso de mal humor. Me volvió irascible. Casi invita a la agresión física.
Situaciones inverosímiles. Personajes mal construidos. Escenas absurdas. Una lógica argumental prácticamente inexistente.
Y cuando pretende hacer humor, el resultado me parece directamente deplorable.
Lo peor es que todo está revestido de ciertas ínfulas de cine de autor, como si debajo de semejante descalabro hubiera una profundidad que yo, desde luego, fui incapaz de encontrar.
Una película nefasta, irritante y execrable.
Hay películas malas que se olvidan al salir del cine. Esta tiene el dudoso mérito de conseguir que uno salga cabreado.
Moretti, de la Palma de Oro al descalabro
Nanni Moretti es uno de los grandes nombres del cine italiano contemporáneo, autor de Caro diario, La habitación del hijo, Habemus Papam y El sol del futuro.
La habitación del hijo obtuvo la Palma de Oro en Cannes en 2001 y Caro diario le valió el premio a la mejor dirección en 1994.
Sucederá esta noche (Succederà questa notte) es una coproducción de Italia, Francia y España, con Louis Garrel y Jasmine Trinca como protagonistas.
Se presentó en competición en el Festival de Venecia de 2026 y posteriormente llegó a Perlak del Festival de San Sebastián.
En España la distribución corresponde a BTeam Pictures.
Club Kid tiene todo el aroma del cine independiente norteamericano.
Una comedia dramática —eso que ahora llamamos dramedy— que mezcla con bastante habilidad humor, paternidad inesperada, homosexualidad, drogas y noches de fiesta que terminan cuando ya ha amanecido hace rato.
Jordan Firstman interpreta a Peter, un promotor de fiestas neoyorquino que también trafica con drogas y vive instalado en la juerga, el desenfreno y la resaca permanente.
Hasta que aparece Arlo, interpretado por Reggie Absolom.
Un hijo de diez años cuya existencia desconocía.
Y ahí Club Kid cambia de marcha. La paternidad obliga a Peter a enfrentarse a una responsabilidad para la que, evidentemente, no estaba preparado.
El propio personaje lo resume perfectamente: ese niño le ayuda a ser mejor.
La película funciona especialmente bien porque combina lo cómico y lo dramático sin ponerse solemne. Incluso algunos de sus momentos más divertidos parecen surgir de manera natural de las propias situaciones.
Y cuando llega el sentimiento, tampoco lo subraya con rotulador fluorescente.
Hay ternura, pero no sensiblería.
Además, la historia conserva una notable sensación de verosimilitud. Las cosas no terminan necesariamente como Peter —o el espectador— desearía, sino como resulta razonable que terminen dadas las circunstancias.
Está bien montada, es divertida, tiene corazón y sabe perfectamente cuándo ponerse seria.
Una estupenda aportación a Perlak.
De los clubes de Nueva York a Cannes
Club Kid es el debut en el largometraje de Jordan Firstman, actor, guionista, productor y humorista neoyorquino.
Antes había dirigido cortometrajes como Call Your Father y Men Don’t Whisper y trabajado como guionista en Search Party.
Como actor apareció en Rotting in the Sun y en la serie I Love LA.
Aquí escribe, dirige y protagoniza su primera película.
Club Kid tuvo su estreno mundial en Un Certain Regard del Festival de Cannes 2026 y posteriormente obtuvo el Grand Prix y el Premio del Público del Festival de Deauville.
En España participa en Perlak del Festival de San Sebastián y tiene previsto su estreno comercial en cines el 4 de diciembre de 2026, distribuida por Avalon y BTeam Pictures.
