El Blog de Hola Soy Ramón!

La doctora que tenía hemohidrosis

Sanguine empieza mostrando a unos jóvenes sometidos a una presión laboral tremenda. Primero, un chico en una hamburguesería de cadena. Después, nuestra protagonista, una médica en prácticas en urgencias a la que se exige ir rápido, rápido, rápido.

La llamada generación de cristal. Viendo cómo se les aprieta, a veces sorprende que no se rompan antes.

Para mí, esa denuncia de la exigencia que soporta la generación Z es lo más interesante de la película. El agotamiento y la presión encuentran aquí una traducción muy física: los cuerpos empiezan a expresar, de la manera más desagradable posible, lo que ya no pueden soportar.

Estamos ante un body horror extremo, con cuestiones médicas, transformaciones y unas imágenes muy truculentas. Resulta inevitable acordarse de La sustancia, que ha dado al terror corporal una visibilidad enorme entre el público del cine comercial. Me da la impresión de que ha abierto la caja de las esencias y nos esperan unas cuantas raciones más.

Pocas cosas producen tanta impresión como las alteraciones del cuerpo humano, las supuraciones y las secreciones. Menos mal que el cine todavía no transmite los olores.

Después de tantos años de ejercicio médico, el olor de algunas enfermedades sigue siendo de lo que más me afecta físicamente. Hay imágenes que uno tolera bastante mejor que lo que las acompaña cuando está delante del paciente.

Sanguine tiene momentos tremendos, pero también me resulta reiterativa. Y echo en falta algo que ayuda mucho a digerir el terror: el humor. Yo aquí no lo encuentro. Tanta truculencia sin una válvula de escape acaba pesándome.

Está fenomenal Mara Taquin, que interpreta a la joven médica. También la brillante Karin Viard, como su profesora, y Sami Outalbali, una presencia cada vez más habitual en el cine francés. Los franceses, cuando encuentran un actor, lo mantienen bien ocupado.

La película tiene interés y me parece brillante, aunque a mí me han impactado más otras cosas. Desde luego, no la recomendaría a personas sensibles a estas imágenes.

Al parecer, un espectador perdió el conocimiento durante la sesión. Al terminar la proyección había una ambulancia. No sé las circunstancias médicas de lo ocurrido, así que tampoco voy a convertirlo en un diagnóstico ni en publicidad del susto.

Apunte médico: comento una intervención de la película

Me chirría esa toracotomía. Si lo que se pretende tratar es un taponamiento cardiaco por un derrame pericárdico, en muchos casos puede drenarse mediante una punción pericárdica o pericardiocentesis, sin necesidad de abrir el tórax.

¿Qué es la hemohidrosis?

La hemohidrosis, también llamada hematohidrosis, es un fenómeno muy raro en el que aparece una secreción sanguinolenta sobre la piel intacta: lo que habitualmente describimos como «sudar sangre». El título alternativo juega con ese término, sin pretender diagnosticar las transformaciones de la película.

La hiperhidrosis es la sudoración excesiva y la hipohidrosis, la disminuida. La dishidrosis, pese a su nombre, designa un eccema con pequeñas vesículas, especialmente en manos y pies; no es el término general para cualquier alteración del sudor.

Una directora que ya venía explorando el cuerpo

Sanguine es el primer largometraje de Marion Le Corroller, que antes había dirigido cortos como Dieu n’est plus médecin y Poupée fondue.

Su trayectoria previa ya se acercaba al mundo médico y al terror corporal.

Presentada en las sesiones de medianoche de Cannes, ganó el premio a mejor película de Sitges 2026.

En Seminci se proyectó dentro de la colaboración con PUFA — Pucela Fantástica, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid.

Adso Films anuncia su estreno español para el 27 de noviembre de 2026.

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El infiltrado de los lugares comunes

María Luisa Gutiérrez es, posiblemente, la productora más influyente del cine español. Está detrás de La infiltrada, ganadora del Goya a mejor película, y de varias entregas de Torrente. Además, es una guadalajareña de pro que ejerce de ello.

En la presentación de El confidente llevó un discurso muy bien preparado. Tuvo un recuerdo para las víctimas del reciente accidente ferroviario y unas palabras de reconocimiento para quienes participaron en los rescates. Después habló de su película, que también presentó su director, Daniel Calparsoro.

La historia gira alrededor de la amistad entre un veterano policía y un joven procedente de la kale borroka, al que convierte en confidente e infiltra en ETA. Todo ello con unas imágenes muy reconocibles de San Sebastián que me ha gustado mucho volver a ver.

El eje interpretativo lo forman Javier Gutiérrez y Miguel Herrán, dos generaciones y dos maneras muy distintas de actuar.

Gutiérrez es capaz de modular los sentimientos al milímetro, secretando la cantidad exacta de lágrima para que se quede en las conjuntivas sin llegar a resbalar por la mejilla. Herrán pone más energía, intenta superarse, pero a mí me sigue pareciendo muy limitadito.

Mientras tanto, secundarios como Itsaso Arana y Víctor Clavijo están absolutamente desaprovechados.

Después del éxito de La infiltrada, me da la impresión de que María Luisa Gutiérrez ha querido repetir la jugada: una especie de segunda parte, esta vez con hombre. No es una secuela, claro, pero el parentesco invita a la comparación. Y esta sale perdiendo.

Calparsoro tiene oficio. La película está bien fotografiada y bien filmada, pero avanza a piñón fijo, entre escenas estereotipadas y clichés que aportan poco. Algunas situaciones se ven muy de palo.

Cuando llega el drama, tampoco siempre encuentra el pulso: hay escenas que chirrían y alguna que incluso resulta ridícula. El contexto de ETA y del conflicto vasco está construido con unos mimbres demasiado endebles.

Al tratarse de un estreno mundial, había especial vigilancia para que nadie grabara. A la entrada, un guardia de seguridad me advirtió, muy serio, de que no podía utilizar el móvil durante la proyección.

Le contesté que nunca lo utilizo. Vamos, que no me estaba contando ninguna novedad.

Dentro de la sala seguía el control, con personal pendiente de que nadie encendiera el teléfono ni grabara imágenes. Entiendo la precaución, pero tanta vigilancia me pareció excesiva para una película que encuentro flojita y a la que no auguro demasiada trascendencia.

A partir de aquí, comento la parte final.

Curiosamente, lo más interesante llega cuando disminuye la acción y aparece el proceso judicial. Ahí vemos cómo los intereses políticos se mezclan con la lucha contra ETA y cómo las maniobras de poder interfieren en la justicia y enrarecen el ambiente.

El problema es que ese tramo me parece un añadido. La película podría haber terminado antes, aunque se hubiera quedado muy corta. Esa prolongación da la sensación de querer estirar el relato y, al mismo tiempo, abrir un asunto que merecía una película propia.

El oficio de Calparsoro y el estreno

Daniel Calparsoro debutó con Salto al vacío (1995) y continuó con títulos como Pasajes, A ciegas y Asfalto.

Su filmografía incluye Guerreros, Cien años de perdón, El silencio de la ciudad blanca, Todos los nombres de Dios y El correo.

El confidente, con guion de Fernando Navarro, está inspirada en hechos reales.

Se presentó como estreno mundial en la Sección Oficial, fuera de concurso, de Seminci 2026.

Su llegada a los cines españoles está anunciada para el 29 de enero de 2027, distribuida por Sony Pictures.

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Un médico sin mañana

En A Bit of Light, un médico iraní es arrestado, ve cómo le cierran la consulta y pierde la posibilidad de ejercer. La represión del Estado le arrebata el trabajo y lo deja sin perspectivas de futuro.

A su alrededor se vive pendiente de los posibles bombardeos de Trump sobre Irán. Esa amenaza aparece en las conversaciones de su madre, del conserje del edificio… La incertidumbre internacional se cuela en la vida doméstica, donde ya había problemas de sobra.

Hastiado y desolado, el médico decide suicidarse. Se lo comunica a sus hermanas y a su hermano, y busca cómo decírselo también a su madre. Esa es la peripecia que sostiene la película, con una estructura muy sencilla.

Ali Asgari intenta acercarnos al abatimiento de este hombre, hacernos comprender cómo ha llegado a sentirse sin salida. Y creo que consigue transmitirlo: hay momentos en los que puedo compartir su desolación.

La puesta en escena es minimalista, rodada prácticamente en interiores, con pocos personajes y una austeridad formal notable. Da la impresión de estar hecha con medios muy limitados, pero en su modestia funciona.

La veo con cierto interés, aunque sin entusiasmo. Tampoco encuentro nada concreto que reprocharle. Me llega ese desánimo del protagonista y, en algunos momentos, incluso me veo identificado con él.

Un cineasta que ya conocía Valladolid

El iraní Ali Asgari debutó en el largometraje con Disappearance (2017) y continuó con Until Tomorrow (2022).

Codirigió Terrestrial Verses (2023) junto a Alireza Khatami y posteriormente realizó Divine Comedy (2025).

Su cortometraje El silencio (2016), codirigido con Farnoosh Samadi, ganó la Espiga de Oro en Seminci.

A Bit of Light compitió en Venecia antes de llegar a la Sección Oficial de Valladolid.

Su distribuidora en España es La Aventura.

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La matanza del tiempo

¿Qué tienen en común Milei, La matanza de Texas y el protagonista de La libertad doble?

Muy sencillo: los tres tienen motosierra.

La película de Lisandro Alonso nos cuenta la vida cotidiana de un leñador en un paraje lleno de carrascas. Allí malvive entre suciedad y andrajos, lavándose en un balde asqueroso con agua de una garrafa. Una existencia que a mí me resulta completamente degradante.

Quien quiera encontrar aquí la belleza de la vida rural tendrá que explicármela. Yo veo miseria, asquerosidad y podredumbre. Mucho campo, sí, pero de vida bella, nada.

Esa rutina se altera cuando aparece su hermana, que tiene una enfermedad mental y necesita cuidados. Hay momentos patéticos, como cuando él rebusca en una bolsa de plástico los medicamentos que debe tomar ella, intentando averiguar cuál le toca.

Esa precariedad me resulta deprimente y exasperante. Y lo peor es que la película es extraordinariamente aburrida.

¿Una fotografía excelente? Sí. Muy bonita, muy bien construida y con una calidad técnica que reconozco sin problemas. Pero unas imágenes preciosas no me compensan semejante ración de tedio.

No sé si Alonso pretende mostrar una vida tranquila o si esa lectura idílica se la ponemos los demás. Lo que yo encuentro es una existencia miserable, filmada con mucho cuidado y que se me hace interminable.

Me ha parecido un horror.

El regreso al leñador

El argentino Lisandro Alonso debutó con La libertad (2001), presentada en Cannes, y continuó con Los muertos, Fantasma y Liverpool.

Más adelante dirigió Jauja y Eureka.

En La libertad doble vuelve, veinticinco años después, al leñador Misael Saavedra, protagonista de su primera película.

Presentada en la Quincena de Cineastas de Cannes y en la Sección Oficial de Seminci, tiene previsto su estreno en cines españoles el 27 de noviembre de 2026, distribuida por Atalante.

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Un pelele con suegro

Hombre al agua mezcla comedia, drama, cine dentro del cine y asuntos sociales como el empleo y la paternidad. Un batiburrillo que podría funcionar si Gael García Bernal hubiera encontrado el tono.

El problema es que la película anda indecisa entre el drama y la comedia, con alguna salida absurda y ocurrencias que sí resultan divertidas. Los ingredientes están ahí, pero no terminan de cuajar.

Técnicamente está bien realizada. No encuentro ningún fallo importante que reprocharle en ese terreno. Tal vez su mayor lastre sea el propio Gael García Bernal, que se reserva el protagonismo y tampoco parece encontrar su sitio.

Su personaje vive en un despiste permanente, convertido en un pelele a merced de su suegro, un ricachón metido a político, y de su esposa, una niña rica caprichosa. Menuda familia para intentar hacerse un hombre independiente.

Lo que me queda es esa capacidad de los ricos para hacer lo que les da la gana: saltarse las leyes, esquivar impuestos y embarcarse en proyectos egocéntricos que a veces rozan el ridículo. Y, encima, conseguir el beneplácito popular.

A mí todo esto me hace pensar en Trump. Hay comportamientos que parecen material para una comedia absurda hasta que uno mira las noticias.

Un actor con recorrido detrás de la cámara

Gael García Bernal se dio a conocer internacionalmente con Amores perros y Y tu mamá también.

Su filmografía como actor incluye Diarios de motocicleta, La mala educación y Babel.

Como director de largometrajes debutó con Déficit (2007) y continuó con Chicuarotes (2019).

Hombre al agua (2026), coescrita con Mariano Pensotti, es su tercer largometraje de ficción y la película de clausura, fuera de concurso, de la 71.ª Seminci.

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La edad del pavo visita Pompeya

Gradiva significa «la que avanza». En la novela Gradiva, publicada por Wilhelm Jensen en 1903, un arqueólogo se obsesiona con la mujer de un relieve antiguo y cree encontrarla viva en Pompeya.

A Freud le interesó porque interpretó esa obsesión como el regreso de sentimientos y deseos que el protagonista había reprimido. Después, los surrealistas hicieron de ella un símbolo del encuentro entre deseo, sueño y realidad.

Con esa referencia de fondo, Marine Atlan nos lleva de viaje de estudios a Nápoles y Pompeya con un grupo de adolescentes que todavía están intentando averiguar quiénes son.

Quieren conocer el mundo, gustar, ser aceptados. A ratos se sienten rechazados y a ratos parece que la vida les pertenece.

Entre ellos destacan dos muchachos. Uno es inteligente, tiene éxito con las chicas y una madre periodista. El otro anda buscando cómo ser alguien, sin terminar de encontrar su sitio.

Me interesan esas relaciones, aunque no creo que la película profundice tanto en los personajes como podría. Se concentra demasiado en esos dos chicos.

Yo habría agradecido más espacio para las muchachas. Sospecho que a esa edad tienen un mundo bastante más interesante que el nuestro, que tampoco solemos ser un jeroglífico.

Antonia Buresi interpreta a una profesora maravillosa, de esas que intentan transmitir el entusiasmo que produce la cultura. Conseguir que unos adolescentes miren unas ruinas y vean algo más que piedras tiene su mérito.

Luego están los que se ríen estúpidamente y confunden hacerse los graciosos con ser inteligentes. Ahí estoy con la profesora cuando les señala su tontería.

No les tengo ninguna simpatía. Una risita no sustituye a una neurona.

Me gusta el aire casi documental de la película, pero me incomoda parte de su mirada sobre Italia.

Esos niños jugando al fútbol en la calle, esos balcones con la ropa tendida… A mí me llega por momentos como la estampa pintoresca que un francés cosmopolita y de buena familia descubre en el país vecino.

La ropa se seca al aire y parece que acabamos de descubrir el Mediterráneo.

Ese costumbrismo contemplado desde fuera me distancia un poco de la película.

También me pesa su duración: 145 minutos. No creo que esta historia necesitara tanto metraje. Hay escenas morosas que se alargan y acaban debilitando lo que cuentan.

Con sus defectos, La Gradiva me ha gustado. Reconozco en ella esa adolescencia atribulada, preocupada y, al mismo tiempo, despreocupada y feliz.

Tener toda la vida por delante debe de ser estupendo.

Hasta que te toca decidir qué hacer con ella.

La directora y su primer largo

Marine Atlan es directora, guionista y directora de fotografía francesa, formada en La Fémis.

Antes de La Gradiva dirigió Les Amours vertes y Daniel fait face, trabajos en los que ya se acercaba al mundo de los jóvenes.

En su primer largometraje también comparte la dirección de fotografía con Pierre Mazoyer.

Esta coproducción de Francia e Italia ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes 2026. En España la distribuye Elastica Films.

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Mi hermano no cabe en una jaula

Mahsa Karampour coge la cámara y sigue a su hermano Siavash, un músico de la escena underground iraní que encuentra en el punk una forma de expresión y de protesta contra el régimen.

Acaba obligado a marcharse de Irán y llega a esos Estados Unidos con los que soñaba desde pequeño. Le fascinan la cultura norteamericana y la promesa de poder decir lo que piensa sin tener que pedir permiso.

Su hermana intenta seguirle el paso. También recuperar una relación que la distancia y sus diferentes vidas han ido debilitando.

Lo acompaña por Nueva York y Los Ángeles, entre trabajos en hostelería, proyectos musicales y acontecimientos trágicos. La cámara va componiendo una biografía, pero también registra el esfuerzo por volver a encontrarse como hermanos.

Yo veo en ese recorrido un homenaje, sea esa o no la intención principal de la directora.

Porque Siavash es un personaje extraordinario. Juguetón, divertido, atractivo e insolente. Tiene esa capacidad de fascinarte y, poco después, hacerte sentir un poquito de vergüenza ajena.

No siempre querría acompañarlo en sus ocurrencias, pero sí seguir viendo qué hace.

Hay en él un aire de libertad y una ilusión persistente. La voluntad de mantenerse activo, de hacer música y de seguir buscando su sitio, pese a lo que arrastra.

Ese sueño americano pertenece a su mirada: Estados Unidos como símbolo de democracia y libertad, como el lugar donde imaginaba que podría vivir a su manera.

La película lo sigue sin que su personalidad resulte siempre cómoda de contemplar. Y eso también tiene interés. El afecto de una hermana no necesita convertir a su hermano en un señor formalito.

Menudo homenaje al punk sería ese.

Into the Jaws of the Ogre no me parece un documental fácil de digerir. Su recorrido exige entrar en el mundo de este hombre y aceptar sus cambios de humor, sus heridas y su insolencia.

Tiene mucha música, algo que a mí me gusta y que forma parte esencial de lo que cuenta.

A mí me ha gustado. Por la música, por ese personaje que no se deja domesticar y por una hermana que intenta acercarse a él con una cámara.

Una cámara para acortar distancias

Mahsa Karampour nació en Irán y vive en Francia desde 2003.

Estudió sociología y cine, y se formó en realización documental en Lussas.

Trabaja como operadora de cámara y sonido, imparte talleres y colabora en la programación de festivales.

Into the Jaws of the Ogre, de título francés Dans la gueule de l’ogre, es su primer largometraje, producido por Les Films du Bilboquet.

La película formó parte de ACID Cannes 2026 y obtuvo el premio al mejor documental de la Fiesta del Cine de Roma 2026.

Su presentación en Seminci, dentro de Tiempo de Historia, constituye su estreno español.

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Sonríe, que te despedimos

En la aseguradora de A Good Little Soldier importan mucho las personas. Sobre todo, cuánto rinden y cuánto cuesta quitárselas de encima.

Stéphane Brizé retrata magníficamente un capitalismo en el que las buenas intenciones duran lo que tardan en molestar a la cuenta de resultados.

Lo vemos a través de Carla, la directora de recursos humanos que interpreta una estupenda Alba Rohrwacher. Una mujer que intenta conciliar el bienestar de los trabajadores con las exigencias de quienes mandan.

Conforme avanza la película, ella va comprendiendo, y nosotros con ella, que la ética tiene poco recorrido en esa empresa.

Si alguien no rinde, se le despide. Si plantea un conflicto, también. Lo fundamental es mejorar los resultados, aunque haya que llevarse a unos cuantos por delante.

Vincent Lindon está, como siempre, magnífico. Esta vez encarna a un jefe despiadado que tiene muy claras las prioridades del negocio.

Pero la presión no se queda en el despacho. Carla tiene un hijo, una custodia compartida y una vida familiar que intenta sostener mientras el trabajo la va devorando.

Es una mujer cercana, humana, con buenas intenciones. También capaz de descargar su frustración sobre quien más quiere. Algo demasiado frecuente, aunque el cariño no convierta al hijo en un saco de boxeo emocional.

Sobre él deposita, además, sus propios deseos de triunfo. La exigencia que la asfixia en la empresa acaba entrando en casa.

Ahí está uno de los aspectos más dolorosos de la película: ver cómo esa maquinaria empresarial contribuye a su destrucción personal y contamina sus afectos.

Y hay humor. Un humor incómodo, nacido de situaciones tan reconocibles que producen vergüenza ajena. A veces me río porque necesito descargar la tensión de lo que estoy viendo.

Especialmente en esas jornadas de convivencia empresarial, con su buenrollismo obligatorio y su entrenador de la felicidad intentando fabricar una armonía que no hay por dónde coger.

La empresa te exprime, pero luego organiza una actividad para que aprendas a disfrutar del zumo.

Brizé construye muy bien este retrato descarnado de la gestión empresarial contemporánea. El discurso del bienestar por un lado y las decisiones reales por otro.

Los recursos son humanos.

Las prioridades, bastante menos.

Un director que conoce el terreno

Stéphane Brizé, nacido en Rennes en 1966, lleva años observando los conflictos entre el trabajo, el dinero y la dignidad.

La ley del mercado, En guerra y Un nuevo mundo forman una parte esencial de ese recorrido, con Vincent Lindon como colaborador habitual.

También dirigió Mademoiselle Chambon y Fuera de temporada, esta última protagonizada por Alba Rohrwacher y Guillaume Canet.

A Good Little Soldier, cuyo título francés es Un bon petit soldat, ganó el premio al mejor guion en Venecia 2026, para Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce.

En España la distribuye BTeam Pictures, que todavía la anuncia sin fecha de estreno comercial.

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El amor en los tiempos del violín

La violinista es una película de animación para adultos que reúne unas cuantas cosas poco habituales. Para empezar, una colaboración entre España y Singapur, con participación también de Italia. Una combinación que no vemos todos los días en la cartelera.

Cuenta la historia de Fei y Kai, dos niños de clases sociales muy distintas unidos por su pasión por el violín. Primero llega la amistad. Después, el amor. Y entre sus proyectos se mete la guerra, que tiene una capacidad extraordinaria para estropearlo todo.

Es una película río que recorre varias décadas, con Singapur, la ocupación japonesa durante la Segunda Guerra Mundial y los años posteriores como marco histórico.

Hay romance, aventuras y cine bélico. Pero, por encima de todo, hay música.

Una música maravillosa, subyugadora, que ocupa el centro de la historia. No viene a decorar las escenas: sostiene buena parte de lo que sentimos al verlas.

La película busca emocionarnos y en algunos momentos se le ve venir con el violín preparado. A mí me funciona. Entro en su juego y me dejo llevar con mucho agrado.

También me gusta mucho su animación. Tiene el sabor del dibujo clásico en dos dimensiones, rasgos del anime y una sensibilidad muy europea. Un «euroanime», podríamos decir, que combina estupendamente esas influencias.

Creo que podría gustar a un público amplísimo. Aunque algunos verán que es de dibujos y decidirán que no es para ellos.

Como si las emociones necesitaran actores de carne y hueso para ser mayores de edad.

Yo salí del cine pensando algo bastante sencillo:

Qué bonita.

Dos directores y una misma partitura

Ervin Han, cofundador de Robot Playground Media, desarrolló esta historia a partir del cortometraje The Violin.

Raúl García trabajó como animador en Disney, en películas como La bella y la bestia y El rey león.

Codirigió El lince perdido, ganadora del Goya a mejor película de animación.

La violinista obtuvo el Cristal al mejor largometraje y el Premio SACEM a la mejor música original en Annecy 2026.

Su banda sonora está firmada por Ricky Ho e Isabel Latorre.

Tras competir en la Sección Oficial de la Seminci, tiene previsto su estreno comercial en España el 13 de noviembre de 2026, distribuida por Wanda Visión.

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Un refugio para terminar el día

Llego a Forest High a las nueve y media de la noche, con dolor de espalda y bastante cansancio acumulado.

Aunque me da cierto reparo decir que ver películas cansa. Cansa trabajar en un andamio, repartir pizzas en Telepizza o estar en la caja de un supermercado.

Yo me lo paso fenomenal en el cine. También con esta película.

Pero sueño tengo. Con el cambio de hora me había levantado a las cuatro y media en lugar de a las cinco y media. Podía haber dormido una hora más y la desperdicié.

Un prodigio de organización personal.

Esta coproducción belga y francesa nos lleva a un refugio de los Alpes franceses. Ese albergue de alta montaña es el hilo conductor: llegan senderistas y alpinistas que necesitan pasar una noche o quedarse unos días.

A lo largo de las estaciones, tres mujeres de distintas edades se suceden al cuidado del lugar.

Las interpretan Salomé Richard, Aurélia Petit y Anne Coesens. Tres actrices estupendas.

La cámara observa su vida cotidiana, sus expectativas y la relación que establecen con quienes van llegando.

Una película sencilla, contada con delicadeza y cariño.

No hay grandes acontecimientos. Su interés está en esas vidas, en los encuentros y en el transcurrir de los días.

La veo plácidamente. Una historia tranquila que me viene de maravilla para terminar la jornada.

Y, pese al cansancio y al sueño que traía, no cierro los ojos ni un solo momento.

Mis ojos estuvieron abiertos y enternecidos durante toda la proyección.

Qué maravilloso salir del cine contento, feliz, sin que la película te haya dejado el ánimo patas arriba.

Al llegar al hotel me encuentro con mi amigo Guillermo, con quien comparto hotel. Dedicamos unos minutos a comentarla.

Después, cada uno a su habitación. Los dos contentos.

Y ahora sí, a dormir.

Las montañas de Manon Coubia

Manon Coubia es una cineasta francesa afincada en Bruselas.

Su trayectoria incluye los cortos L’immense retour (2016), Les enfants partent à l’aube (2017) y Pleine nuit (2023).

Con L’immense retour ganó el Leopardo de Oro de Pardi di Domani en Locarno; Les enfants partent à l’aube fue seleccionado en la Semana de la Crítica de Cannes.

Forest High, cuyo título original es Forêt ivre, supone su debut en el largometraje y recibió una mención especial en Perspectivas de la Berlinale de 2026.

Su estreno español tuvo lugar en Punto de Encuentro de la Seminci de 2026.

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La vida, cuando se apaga el motor

Francisco Marise, cineasta argentino afincado en Euskadi, nos contó en el coloquio que de niño viajaba con su abuelo camionero. De aquel recuerdo que quería conservar nace Camionero.

Pero esta película se fija en las paradas, en lo que ocurre cuando termina por un rato el viaje.

Los camioneros charlan, descansan, pescan, llaman a su familia. Algunos hacen el amor.

El motor se apaga. La vida sigue.

Entre esos momentos se cuelan conversaciones, noticias y anuncios que nos acercan a la actualidad argentina.

Dos elementos van componiendo el documental: sus personajes y esos pedazos de realidad que los rodean.

Me viene a la cabeza aquel título, Reality Bites (Bocados de realidad). Aquí también hay bocados de vida, de esa verdad cotidiana que rara vez merece un titular.

No son acontecimientos que cambien el rumbo de la humanidad. Son las cosas pequeñas que componen la existencia de la gente.

Y la película tiene una sensibilidad especial para mirar ese devenir de las personas sencillas.

También hay sitio para lo delirante. Ahí queda el anuncio del «Maradona de la goma», una de esas piezas publicitarias que parecen escritas durante una sobremesa especialmente creativa.

Camionero no me ha emocionado hasta la lágrima, pero sí me ha hecho sentir. Y eso en el cine importa.

A la salida me encontré con mi amiga Eva Calleja, que trabaja en la promoción de la película.

«¿Escribirás, eh? ¿Escribirás?».

Escribiré, Eva, escribiré.

Y escribiré con cariño sobre una película que, sin hacerme llorar, ha conseguido enternecerme.

La mirada de Francisco Marise

Francisco Marise estudió cine documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba y también trabaja como montador y director de fotografía.

Su primer largometraje, Para la guerra (2018), se presentó en Nuevos Directores del Festival de San Sebastián.

Camionero es su segundo largo, con guion de Marise y Javier Rebollo.

Tuvo su estreno mundial en la competición Proxima de Karlovy Vary y su presentación española en Tiempo de Historia de la Seminci de 2026.

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Una imagen vale más que una voz en off

Rose empieza con unos rótulos que ya adelantan bastante de la trama. Después llega mi gran problema con esta película: la voz en off.

Tengo una posición bastante radical con este recurso: o resulta innecesario o intenta corregir algo que las imágenes no han sabido contar.

Si ya lo estoy viendo, no necesito que me lo expliquen. Y si la imagen no lo expresa suficientemente, habrá que trabajar esa imagen.

Para mí, esa voz explicativa es un cáncer cinematográfico. Como estar leyendo un libro y tener al lado a alguien que te explica cada párrafo.

Déjame leer, hombre.

Virtudes: todo lo demás. Porque estamos ante una película extraordinaria.

Sandra Hüller, capaz de sacar oro de cualquier cosa, compone junto a Caro Braun un dúo magnífico.

En un blanco y negro misterioso, seguimos a un soldado que aparece en una aldea protestante de la Alemania del siglo XVII. Reclama unas tierras como herencia y empieza a prosperar.

El trabajo, el esfuerzo y la propiedad van abriendo el camino de su ascenso social. Leo ahí una lógica muy calvinista: trabajar, acumular y progresar. La propiedad como fuente de poder y de posibilidades.

Sus habilidades militares también le permiten prestar servicios a la comunidad y consolidar su posición.

El desarrollo está medido al milímetro. La película nos envuelve en una atmósfera inquietante, con una amenaza que nunca termina de desaparecer.

Algo puede torcerse en cualquier momento.

Aviso de spoilers: a partir de aquí comento la identidad del personaje y el tramo final.

Esa sociedad que tanto parece premiar el esfuerzo y la superación no soporta que el éxito venga de la mano de una mujer.

Las virtudes que favorecían su ascenso dejan de servirle cuando se descubre su secreto. El desastre alcanza también a su esposa.

Ahí está ese machismo marcado a fuego: se admira la capacidad de prosperar hasta que quien prospera ocupa un lugar que le estaba prohibido.

Me gusta mucho la elegancia con la que se resuelve el final. Evita recrearse en escenas truculentas y confía en la insinuación, que puede resultar igual de amenazante.

Precisamente ahí demuestra cuánto puede contar sin necesidad de enseñarlo todo.

Una película estupenda a la que tengo que restar puntos por esa lastimosa voz en off.

Las imágenes saben hablar. No hace falta ponerles un comentarista.

De la dirección de casting a Rose

Markus Schleinzer trabajó como director de casting con Michael Haneke, Jessica Hausner y Ulrich Seidl, entre otros.

Debutó como realizador con Michael (2011), presentada en la competición de Cannes, y después dirigió Angelo (2018).

Rose es su tercer largometraje. Sandra Hüller ganó por él el Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista en la Berlinale de 2026.

Su estreno comercial en España está previsto para el 20 de noviembre de 2026, distribuida por Avalon.

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I Rarely Wake Up Dreaming sigue a Olya y Oleh, una joven pareja queer ucraniana cuya relación se ve alterada por la invasión rusa, coincidiendo con un proceso de transición de género.

Si me enredo al buscar cómo nombrar a sus protagonistas, no es por hacer una broma. Simplemente intento encontrar el vocabulario adecuado.

Esta coproducción de Alemania y Ucrania observa cómo se deteriora la relación y cómo los personajes de su entorno afrontan la guerra de maneras diferentes.

El problema es que sus cien minutos podrían haberse contado en un cuarto de hora.

La película reincide constantemente en las mismas ideas, vuelve sobre el mismo conflicto y me cuesta percibir que la narración avance.

Pasan los minutos. Seguimos en lo mismo.

Lo que acaba imponiéndose es el tedio. Una película aburrida, de esas que parecen confundir insistir con profundizar.

Mi amigo Ricardito y yo tenemos una broma cuyo autor intelectual es él: cuando aparece el leopardo de Locarno, malo, malo, malo.

Nos espera un truñaco.

Esta vez, el pronóstico ha vuelto a cumplirse.

Sobre Isabelle Stever

Isabelle Stever es una directora alemana formada en la Academia Alemana de Cine y Televisión de Berlín.

Entre sus largometrajes figuran Gisela (2005), Glückliche Fügung (2010) y Grand Jeté (2022), presentada en Panorama de la Berlinale.

I Rarely Wake Up Dreaming, escrita por Anna Melikova, tuvo su estreno mundial en Locarno, donde recibió el premio del Jurado Joven «L’ambiente è qualità di vita».

Su estreno español tuvo lugar en la Sección Oficial de la Seminci de 2026.

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