El Blog de Hola Soy Ramón!

Cutrecomentario de Ramón:

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La huerfanita gitana

Rebeca está a punto de cumplir dieciocho años. Ha crecido en un centro de acogida y su padre lleva en la cárcel desde que ella tenía once. La aceptan en la universidad para estudiar interpretación justo cuando le toca salir del centro. Menudo momento para tener que buscarse la vida.

Me gusta cómo I Matter (Eu contez) cuenta la vergüenza que siente Rebeca por su origen gitano y las dificultades que encuentra por los prejuicios de los demás. Su amiga le habla de ser gitanas listas. Y eso, en el caso de Rebeca, pasa por aprender a defenderse, hacerse fuerte y abrirse camino sin tener que esconder de dónde viene.

Cumplir dieciocho años puede significar que de un día para otro te quedes sin el sitio donde has vivido. Y fuera te pueden esperar la precariedad más absoluta y la marginación. Alina Șerban muestra ese lado descarnado y mantiene el fondo optimista en las ganas de Rebeca de salir adelante.

Mucho mérito el de Denisa Farcaș, que sostiene la película con su interpretación. También me gusta que la directora haya contado en el reparto con dieciséis niños y jóvenes que viven en centros de acogida. Su presencia le da verdad a la vida cotidiana del centro.

Una película magnífica.

De las tablas a Venecia

Alina Șerban es actriz, dramaturga y directora rumana de origen gitano.

Como actriz protagonizó Gipsy Queen (2019), que le valió el premio a la mejor actriz de la Asociación Alemana de Actores.

Dirigió el corto Letter of Forgiveness y una primera versión de I Matter en formato corto antes de llevar la historia a su primer largometraje.

I Matter ganó el Premio del Público de Venice Spotlight en el Festival de Venecia y el Premio del Jurado Ecuménico del festival Schlingel, en Chemnitz.

Su estreno español fue en la sección Alumbramiento del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 8,66/10.

Ficha: En este enlace.

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Un cochecillo para ir a ninguna parte

En el Palermo de 2012, Giulio tiene dieciséis años, dinerito en el bolsillo y un cochecillo que le han comprado sus padres para ir a todas partes. Lo que le falta son ganas de ir a algún sitio. El instituto le da igual, el deporte tampoco le tira y sus primeros amores apenas le alteran la rutina. De proyectos de futuro, ya si eso.

Lo que más me gusta de Ketticè es la amistad que entabla con Ketty. Es una amistad sin romance ni sexo, hecha de ratos juntos y de porros. El hachís y la marihuana marcan el ritmo de una relación que, por lo menos, le alegra un poco los días. A Giulio, que ya venía de casa con la desgana puesta, fumar le acentúa la indolencia.

Con su madre, una siempre bellísima Monica Bellucci, la cosa es tormentosa. Se dicen de todo, y algunas de las cosas que se dicen me irritaban a mí más que a Giulio. A él los insultos le resbalan. Hasta cuando su padre le suelta un bofetón, el chaval ni se inmuta.

Giovanni Tortorici mantiene el tono de drama ligero incluso cuando retrata esa incomunicación en casa. Y ahí me sale el retrato de una generación. Han pasado años desde aquel Palermo de 2012 y sigo reconociendo esa manera de dejar correr los días, con poco interés por casi todo y sin ganas de preguntarse qué sentido tiene lo que uno hace.

De Venecia a Sevilla

El palermitano Giovanni Tortorici debutó con Diecinueve (Diciannove, 2024), que pasó por Orizzonti en el Festival de Venecia.

Allí seguía a un estudiante de diecinueve años que iba dando tumbos entre carreras y ciudades.

Ketticè es su segundo largo y, como el primero, cuenta con Luca Guadagnino en la producción.

Monica Bellucci ganó el Pardo a la mejor interpretación en Locarno por su papel.

La película llegó a los cines italianos el 3 de septiembre de 2026 y tuvo su estreno español en la sección Embrujo del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 7,65/10.

Ficha: En este enlace.

Tráiler de la película en YouTube

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El viaje de estudio de la tortura

Han pasado tres semanas desde que se suicidó su mejor amigo y el muchacho se va de viaje de estudios con sus compañeros. Ahí arranca 3 Weeks After (3 nedelje posle), una película que retrata hasta dónde somos capaces de llegar para divertirnos a costa de quien ya está sufriendo.

Una profesora viene a decir que a veces las cosas suceden porque sí. Qué cómodo resulta ese «porque sí». Si todo ocurre porque sí, nadie tiene que responder de nada. Podemos ahorrarnos preguntar por las causas, por los motivos y por quién hizo qué.

Ahí pensé en la banalidad del mal de Hannah Arendt. En lo fácil que resulta mirar para otro lado y seguir con lo nuestro. De tanto ahorrarnos el examen de conciencia, acabamos viviendo sin escrúpulos, sin remordimientos y sin dignidad.

Miroslav Terzić lo filma con esa frialdad formal que tanto reconozco en el cine del este de Europa. Le basta un paneo para dejar lo más brutal fuera de campo y mostrar la indolencia y la falta de empatía de los que están ahí. Hay que tener mucha mano para contar tanto con un movimiento de cámara.

Los profesores dicen que cada año los chavales son peores. Después de ver cómo se divierten estos a costa de un compañero, a mí me costó quitarme de encima la frase. Y a los adultos que la pronuncian también les toca examinarse.

Una película escalofriante.

Anoche me desperté varias veces pensando en ella. Me ha dejado traumatizado.

De la Berlinale a Sevilla

El serbio Miroslav Terzić debutó en el largometraje con Redemption Street (2012), premiada como mejor ópera prima en Cottbus.

Con Desaparecidos (Stitches, 2019), sobre una madre convencida de que le robaron a su hijo recién nacido, ganó el premio del público de Panorama y el Europa Cinemas Label en la Berlinale.

Su tercer largometraje, 3 Weeks After, se estrenó mundialmente en Karlovy Vary, donde también ganó el Europa Cinemas Label.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla acogió su estreno español en la Sección Oficial.

Mi puntuación: 8,77/10.

Ficha: En este enlace.

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Very Bad Things + Secretos de matrimonio

Marina y Gosha llevan años juntando dinero para el viaje de su vida. Quieren ver las noches blancas de San Petersburgo y seguir hasta China. Diez mil euracos, reunidos a base de trapicheos, cada uno en su trabajo.

Cuando Rusia invade Ucrania, la agencia de viajes desaparece con los ahorros. Y ahí empieza el viaje que ninguno de los dos tenía previsto.

La película arranca con la mala leche de una comedia negra. Una cosa lleva a la otra, y lo que al principio tiene gracia va dejando sitio al drama y, por momentos, a la tragedia. Lo que más me interesa es cómo esa cadena de desgracias va deteriorando la relación hasta extremos que ni ellos mismos se habrían imaginado.

Veo ahí un retrato de la Bulgaria que pasó del comunismo al capitalismo, con esa facilidad para convertir la pequeña mordida en parte de la jornada laboral. Me cuesta achacárselo todo al capitalismo. En cambio, me creo perfectamente que un matrimonio acostumbrado a vivir de ciertos apaños se venga abajo cuando uno de ellos sale mal.

Está filmada con mucha inteligencia. Kristina Grozeva y Petar Valchanov usan la elipsis justo cuando conviene. Se saltan pasos y dejan que uno entienda lo ocurrido por las consecuencias. Así, la sucesión de calamidades tiene ritmo y el deterioro de la pareja se ve sin que nadie tenga que explicárnoslo.

Ivan Savov y Tanya Shahova están estupendos. Da gusto ver a dos actores maduros, con caras corrientes, llevando todo el peso de una película. Me los creo antes incluso de que empiecen los problemas.

Luego, por muy búlgara que sea la historia, es fácil reconocer ahí a muchos matrimonios que funcionan estupendamente mientras las cosas van bien.

De La lección a las noches blancas

Los búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov escriben y dirigen juntos desde la escuela de cine.

Entre sus largometrajes están La lección, Un minuto de gloria, El padre y Triumph.

Con El padre ganaron el Globo de Cristal en Karlovy Vary en 2019.

Black Money for White Nights, su quinto largometraje, volvió a competir allí por el mismo premio y tuvo su estreno español en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 7,77/10.

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Una Nochebuena a plazos

Si quieres saber cómo era España en 1961, tienes que ver Plácido. Para mí, está entre las mejores películas de la historia del cine español.

En plena Nochebuena, Plácido tiene que pagar la primera letra del motocarro, su único medio de vida. Lo han contratado para la cabalgata de una campaña benéfica y todo el mundo tiene algo que pedirle. A ver quién tiene un minuto para escucharle a él.

Berlanga y su guionista de cabecera, Rafael Azcona, no dejan títere con cabeza. Se meten con el provincianismo, la caridad, la burguesía, el catolicismo, los médicos, los pobres, los burócratas, los bancos, los adúlteros, las damas caritativas y hasta las actrices de Madrid. Un retrato satírico y, a mi juicio, fiel.

Me quedo con ese gran plano general en el que la cabalgata navideña se cruza con un entierro. Ahí cabe un país entero, con sus calles de tierra polvorienta, sus costumbres trasnochadas y la fiesta pasando al lado del duelo.

Los actores entran y salen del encuadre a toda pastilla. Parece que cada uno va por libre. Conseguir esa sensación de alboroto exige coreografiar cada entrada, cada salida y cada voz que se cuela en el plano secuencia.

Todos hablan y hablan, pero nadie escucha. Ahí está la incomunicación tan de Berlanga. En medio de semejante gentío, la soledad de Plácido resulta desoladora. Y, aun así, me río. Es cuestión de ritmo y de tono, esas dos cosas de las que tanto hablaba el maestro Billy Wilder.

En los urinarios que atiende Emilia, una estupenda Elvira Quintillá, entra una señora y se encuentra con el marido, el cuñado, el niño y Quintanilla. Manuel Alexandre, que hace de Julián, le suelta un «somos de la casa». Tremendo.

Cassen hace el mejor papel de su vida.

José Luis López Vázquez, genial como siempre.

Me ha impresionado Julia Caba Alba.

Y monísima Amparo Soler Leal, con carné del sindicato de artistas.

Y en estas navidades, ya saben:

«Siente un pobre a su mesa».

Mi puntuación: 10/10.

Del motocarro a Hollywood

Luis García Berlanga ya se había hecho un nombre en Cannes, donde Bienvenido, Míster Marshall ganó en 1953 el Premio Internacional de la Película de Buen Humor.

Volvió a escribir con Rafael Azcona en El verdugo y llevó la sátira a las cacerías de los poderosos en La escopeta nacional.

También firmó La vaquilla y Todos a la cárcel.

Plácido obtuvo los premios a mejor película y dirección del Círculo de Escritores Cinematográficos y representó a España en los Óscar de 1962, donde fue candidata a mejor película de habla no inglesa.

Berlanga recordaba que en los cócteles de Hollywood se encontró con King Vidor, William Wyler y Billy Wilder, y que se emocionó cuando Frank Capra se acercó a saludarle.

Muchos entendían o hablaban francés.

Le preguntaban por el rodaje y comentaban escenas y finales.

A Fred Zinnemann le costaba creer que hubiera podido reunir a tanta figuración con aquel presupuesto.

En 2026, Avalon recuperó Plácido para el ciclo Universo Rafael Azcona, con proyecciones en cines y salas alternativas.

Dirigido por Luis García Berlanga:

Ficha: En este enlace.

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Los gigantes sueñan, los espectadores se duermen

En las montañas de Albania, tres amigos pasan el verano en un pueblo del que se ha ido casi toda la gente joven. Hay poco trabajo, poco futuro y mucho monte. Ellos pescan, se bañan, vaguean y dan unos paseos estupendos, hasta que en uno de esos paseos les falta el agua.

Entre caminata y caminata se cuentan leyendas. Las montañas parecen esconder una ciudad perdida y algún que otro misterio. Sobre el papel, me interesa la idea de unos jóvenes que se plantean si marcharse de un lugar del que todavía quedan historias por descubrir.

Tiene mérito rodar una película entera en exteriores. La fotografía de N’Gare Falise me parece muy aceptable y aprovecha bien el paisaje. Los actores, en cambio, me resultan mediocres. Pasamos mucho tiempo con los tres amigos y, cuanto más los veo caminar, menos me interesa lo que puedan encontrarse al otro lado de la montaña.

El verano es poco laborioso para ellos.

Para el espectador, la caminata se hace larga.

A mí me ha aburrido.

Arthur Michel y el cine albanés en cifras

Arthur Michel se formó en el INSAS de Bruselas.

Su corto Kairos se proyectó en el festival de cortometrajes de la ciudad y también ha dirigido el documental Envols, rodado en una prisión francesa.

Where Giants Sleep es su primer largo de ficción.

Sevilla la cataloga como albanesa de 2025 en la sección Rampa.

Tesalónica, donde tuvo su estreno mundial, la registra como coproducción de Bélgica y Kosovo de 2026, rodada en Albania.

El cine albanés, de Tallin a Sundance

En 2024, el Centro Nacional de Cinematografía de Albania registró cinco largometrajes de ficción terminados y estrenados.

Para hacerse una idea de lo que cuesta levantar uno de ellos, Waterdrop, de Robert Budina, tenía un presupuesto de 900.000 euros, según su dossier de producción.

Y esas películas viajan. A Cup of Coffee and New Shoes On, del albanés Gentian Koçi, compitió en Tallin. Hive (Colmena), de Blerta Basholli, una coproducción con participación albanesa, salió de Sundance con tres premios en la sección internacional de ficción, los del jurado, la dirección y el público.

Mi puntuación: 5,64/10.

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Ese verano de 1999

Eklipse me ha recordado a Verano 1993, de Carla Simón. En las dos hay un verano en el campo y unos niños que van entendiendo, a su manera, lo que los mayores apenas se atreven a contarles.

Tomy y su mejor amigo, Chris, pasan las vacaciones en la granja lechera del tío de Tomy, en los Alpes. Allí hay que limpiar el estiércol, sacar a las vacas, ordeñarlas y atenderlas cuando enferman. La película se toma su tiempo para enseñarnos en qué consiste ganarse la vida con el ganado. Y los chicos arriman el hombro tanto que a mí lo de «echar una mano» se me queda corto. Hay faenas que parecen directamente explotación infantil.

Luego se bañan en el río, hacen excursiones y vaguean por el monte y el bosque. Cosas de niños, en cuanto las vacas les dan permiso.

El padre de Tomy está ingresado. La enfermedad queda fuera de la granja, pero lo que los adultos saben y lo que callan acaba pesando en la amistad de los chicos.

Me gusta cómo la película va soltando la información poco a poco. Cuando entiendes lo que ocurre, también entiendes mejor a unos personajes bastante atormentados por las circunstancias que les han tocado.

Todo esto en 1999 antes del cambio de milenio y de la llegada de un eclipse.

El paisaje es una maravilla y la fotografía de Simone Hart me parece excepcional.

Me ha gustado que la película le dedique tanta atención a la belleza de ese verano como a lo que cuesta pasarlo.

Detrás de ese verano

Eklipse es el primer largometraje de Manuel Wetscher, que firma el guion con Bernhard Jarosch.

El director parte de recuerdos de su infancia y del silencio familiar que rodeó la enfermedad de su padre.

La película se estrenó en Orizzonti, en Venecia, donde Simone Hart recibió una mención especial de fotografía en el Premio Valentina Pedicini.

En Sevilla se proyectó en la sección Rampa.

El Instituto Austriaco de Cine anuncia su estreno comercial en Austria para el 19 de marzo de 2027.

Mi puntuación: 7,66/10.

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Surfeando con la enfermedad

In Waves es una película de animación de aspecto 2D que cuenta con mucho realismo el primer amor.

AJ y Kristen son dos adolescentes. Él dibuja y patina, ella surfea y acaba llevándoselo al agua.

Me gusta mucho cómo está contada esa relación. Se entiende que quieran estar juntos y que a él le entren ganas de compartir algo que a ella le importa tanto.

La enfermedad de Kristen trunca esa historia y se convierte en el meollo de la película. Está tratada con honestidad y llega a conmoverme un poco. Ahí es también donde empiezo a echar de menos detalles. Me gustaría saber más de cómo cambia el día a día de los dos, de qué se dicen y de qué les cuesta decirse cuando enferma una persona a la que quieres.

Hay escenas en las que la música parece llevarme de la mano hacia la conmoción y yo me quedo ligeramente frío.

La película recurre a fórmulas que he visto muchas veces en historias de gente joven que enferma.

Me preocupa lo que les pasa a AJ y Kristen, pero a ratos puedo anticipar hasta el momento en que se supone que me tengo que emocionar.

Se ve con agrado y la historia de amor me parece muy bonita.

La película me interesa más cuando se detiene en cómo se acercan los dos que cuando intenta conmoverme con la enfermedad.

Correcta, con una pareja que me importa y un drama que se queda en la superficie.

De la novela gráfica al cine

Phuong Mai Nguyen, nacida en Vietnam, se formó en Gobelins y La Poudrière.

Entre sus cortos está Chez moi, que entró en la lista de semifinalistas al Óscar de animación.

In Waves es su primer largometraje y adapta la novela gráfica autobiográfica de AJ Dungo.

La película inauguró la Semana de la Crítica de Cannes, compitió en Annecy y pasó por la sección Rampa del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Está preseleccionada en animación para los Premios del Cine Europeo 2027.

En España llega a Netflix el 11 de diciembre de 2026.

Mi puntuación: 7,75/10.

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El malentendido hasta el infinito y más allá

Con Blaise he conectado fenomenal. Su animación es de las que cuesta describir. Está hecha con fotomontajes y recortes, tiene un punto feísta y, al cabo de un rato, me parece la forma más natural de dibujar a esta familia.

Este año me está dando la impresión de que vivimos una pequeña edad de oro de la animación. Hay 3D de una perfección técnica tremenda, películas que parecen acuarelas, 2D que se mueve en el realismo mágico y maravillas hechas fotograma a fotograma en stop motion. Hace nada me deslumbró la belleza del 2D de La violinista. Con Blaise me he reído a carcajadas viendo unos recortes. Menudo año.

Blaise es un chaval apocado, con pocas relaciones y tan dispuesto a dar la razón que se entiende por qué le cuesta tenerlas.

Su padre, Jacques, anda frustrado y busca apoyo psicológico en todo el que se le pone a tiro.

Su madre, Carole, ocupa un puesto directivo y se empeña en empatizar con sus empleados. El problema es que los empleados también tienen derecho a opinar sobre el resultado.

Los tres pueden llegar a ser bastante patéticos. Quieren que los entiendan y, con las prisas por caer bien o por sentirse escuchados, apenas se enteran de lo que les están diciendo. De ahí salen unos malentendidos que la película estira hasta el disparate. Y en mitad de una situación descacharrante reconoces algo que te ha pasado. Con menos escándalo, seguramente, pero te ha pasado.

Entiendo que haya espectadores a los que el dibujo les eche para atrás y otros que se queden esperando a que llegue el chiste.

Es un humor muy suyo, que a ratos cuesta pillar y que se recrea en el ridículo hasta incomodar. Yo entré de lleno.

Me ha parecido una película excelente.

Del cómic a la pantalla grande

Dimitri Planchon creó el cómic del que sale Blaise y ya lo había adaptado con Jean-Paul Guigue en una serie de cortos para Arte.

El salto al largo es el primero para Planchon.

Guigue había codirigido Silex and the City, le film y aquí se encarga también del montaje.

Blaise se presentó en Cannes dentro de ACID, ganó el Gran Premio Contrechamp de Annecy y compite en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Su distribuidora francesa anuncia el estreno en salas para el 3 de febrero de 2027.

Mi puntuación: 7,75/10.

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Ana volvió a su pueblo y tal vez se quede

Tralovento es una película gallega hasta las tuercas.

Tras la muerte de su padre, Ana vuelve a su aldea de Ourense. En Vigo tiene un trabajo en una cadena de montaje y una pareja a la que yo le veo cierta afición a decidir por ella.

En el pueblo se reencuentra con su familia y con el taller mecánico familiar. Y se encuentra con algo nuevo. Quieren plantar aerogeneradores en tierras de su familia y en terrenos comunales. Había vuelto para un entierro y se encuentra con que el pueblo entero tiene que decidir qué hace con el monte.

Melania Cruz está magnífica. Toda la película gira alrededor de Ana, y lo que más me interesa es verla volver a hacerse un sitio en un lugar que conoce de sobra. El taller le da una forma muy concreta de tantear esa posibilidad. Allí puede imaginar qué haría cada mañana si decidiera quedarse.

La película retrata bien un mundo rural que se ha ido vaciando. Para unos, las renovables son una oportunidad a la que agarrarse. Para otros, aceptar el parque supone seguir cediendo terreno a empresas de fuera que llegan con los planes hechos. Cuando el monte es comunal, hasta el que carece de finca propia tiene algo que decir.

Por momentos, la película se pone un poco didáctica. Se agradece entender por qué discuten los vecinos, aunque a ratos se nota demasiado el empeño por explicarlo todo.

Funciona mejor cuando la discusión vuelve a Ana, que tiene que decidir qué vida quiere llevar en un pueblo que anda ocupado decidiendo la suya.

Del documental a la aldea

El cineasta gallego Eloy Domínguez Serén llega a su primer largometraje de ficción tras documentales como No Cow on the Ice, sobre su experiencia como emigrante en Suecia, y Hamada, centrado en tres jóvenes saharauis en un campo de refugiados.

En Tralovento firma el guion con Meritxell Colell.

Rodada en gallego en la provincia de Ourense, la película compite en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Su estreno en salas españolas está anunciado para el 29 de enero de 2027.

Mi puntuación: 7,67/10.

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Barbie a grito pelado

Shana (Eva Huault) es una joven que no se aclara en la vida. Con la familia se lleva regular y está metida en una relación claramente tóxica con un novio que está en la cárcel. La vida ya se le ha puesto bastante cuesta arriba y ella también se la complica.

Es una broncas. Empieza alzando la voz, sigue subiendo el volumen y, cuando te quieres dar cuenta, ya ha montado el conflicto. Escuchar y dialogar se le da fatal. Gritar, de maravilla.

Sus amigas son su único apoyo. A veces le dan unos consejos que tampoco son para enmarcar, pero son las que están ahí y las que la ayudan a sobrevivir.

Yo veo el retrato de una chica de clase baja que se cree una Barbie y es una poligonera de cuidado.

La película se deja ver y sospecho que se olvida con la misma facilidad. O eso espero. Tampoco tengo ganas de acordarme de Shana.

De Le Roi David a la Quincena

La francesa Lila Pinell estudió filosofía y se formó en cine documental.

Codirigió Kiss and Cry con Chloé Mahieu y ya había trabajado con Eva Huault en Le Roi David, corto que ganó el Gran Premio de Clermont-Ferrand y el Premio Jean Vigo.

Shana se presentó en la Quincena de Cineastas de Cannes, donde recibió el Coup de cœur des auteurs de la SACD.

Se estrenó en cines franceses el 17 de junio de 2026 y en Sevilla se programó en la sección Rampa.

Mi puntuación: 5,57/10.

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Mucho móvil y poca cobertura

A Andrej, el protagonista de Lover, Not a Fighter, no sé muy bien a qué se le puede decir que se dedica. Vaga, mira el móvil y sonríe. La sonrisa, eso sí, es encantadora.

Martina Buchelová va cambiando de formato y de vez en cuando se pasa al vídeo vertical, como si estuviéramos mirando el móvil de Andrej. A mí me molesta muchísimo ver eso en el cine. Aquí me parece que no aporta absolutamente nada.

Debajo de tanto cambio de formato está la comedia romántica de toda la vida. Chico conoce a chica, se enamoran, se separan y llega la reconciliación de rigor. Con ese esquema hay poco margen para la sorpresa.

La vida de Andrej se cuenta a saltos, con cierto desorden.

Entre el romance y la relación con su hermano, la directora tira de elipsis una y otra vez. Eso apenas me molestó.

Lo que me dejó perplejo fue que en el último tercio se sacara de la manga una trama de thriller. Todavía me pregunto a qué venía.

Se deja ver sin molestar demasiado y me emocionó lo justo.

A este paso, se me va a olvidar hasta la sonrisa.

Su primer largo de ficción

Antes de debutar en el largometraje de ficción, la eslovaca Martina Buchelová rodó cortos como Magic Moments y Who Wants to Be a Hero? y codirigió el documental Kam patrím?

Su ópera prima de ficción es una coproducción de Eslovaquia y la República Checa.

La película se estrenó mundialmente en Karlovy Vary, donde ganó el Gran Premio Proxima.

También recibió el premio FIPRESCI en Varsovia y se presentó en la sección Rampa del Festival de Sevilla.

Mi puntuación: 5,35/10.

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El lujo se acaba en la azotea

El protagonista de Safe Exit trabaja de guardia de seguridad en un edificio de El Cairo que se supone de lujo. Hay vecinos con dinero y, por lo que se cuenta, varios médicos. Él vive en una infravivienda en la azotea del mismo bloque. Un auténtico cutrerío.

El Egipto que nos muestra Mohammed Hammad da pena verlo. Paredes pringosas, suciedad y un deterioro que se nota en cada rincón. Dan ganas de lavarse las manos después de tocar el timbre.

El guardia arrastra un pasado triste y traumático. La historia de la chica que conoce se nos va revelando a cuentagotas y quedan cosas por saber. A mí me bastó lo que cuenta la película para acabar compadeciéndola también.

El thriller le da nervio a la historia.

Lo que más me interesó fue la relación que va creciendo entre dos personas a las que la vida ha dejado hechas polvo.

Él apenas mueve un músculo de la cara y, aun así, la película consigue transmitir emociones intensas.

La vi con mucha atención y con mucho agrado, por muy desagradables que sean esos ambientes.

Y el final tiene fuerza.

De Locarno a Sevilla

El egipcio Mohammed Hammad empezó con cortos como Pale Red y también rodó documentales.

Escribió, produjo y dirigió su primer largo, Withered Green, que compitió en Locarno y le valió el premio a la mejor dirección en el Festival de Dubái.

Safe Exit es una coproducción de Egipto, Alemania, Catar, Túnez y Libia.

Se estrenó mundialmente en la sección Panorama de la Berlinale de 2026, ganó la Estrella de Oro al mejor largometraje de ficción en El Gouna y se programó en Embrujo, en el Festival de Sevilla.

Mi puntuación: 7,55/10.

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Godzilla y el monstruo de la solemnidad

Me gustó mucho Godzilla Minus One. Tenía aroma de cine clásico y retrataba muy bien el desánimo del Japón derrotado tras la Segunda Guerra Mundial. Aquel Godzilla era el fantasma de un país que intentaba reconstruirse con el miedo nuclear todavía en el cuerpo.

En Godzilla Minus Zero pesa todavía más la tragedia de la guerra. Se mantiene el aire clásico, la fotografía es preciosa y todo está muy bien filmado. La historia se sigue sin problemas. A ratos da la impresión de que hasta el monstruo se ha leído el manual de procedimiento.

Tuve la suerte de verla en versión original. Oír a los personajes hablar en japonés me ayuda a entrar en ese mundo. En perfecto castellano, a mí ese Japón de posguerra me cuesta bastante más.

Aviso de spoilers a partir de aquí.

El bicho que se incorpora a la secuela, King Ghidorah, es la leche. Tiene tres cabezas, lanza fogonazos y rayos eléctricos y encima vuela. Sus ataques dan pie a unas escenas aéreas que me recordaron a las filmaciones de combates de la Segunda Guerra Mundial.

A Godzilla lo encontré acartonado y con poco protagonismo en su propia película. En cambio, la niña se pega un buen rato llorando. Es curioso lo poco que puede conmover una niña que llora tanto.

Esperaba que el enfrentamiento diera más juego y que me dejara disfrutar un rato del cine de escombros.

Al final se impone el drama familiar y la tragedia nacional.

Eché de menos ese punto juguetón que les sienta tan bien a las películas de catástrofes y monstruos gigantes.

Con tres cabezas y todo, la secuela se me quedó corta.

De las calles de Tokio a los monstruos gigantes

Takashi Yamazaki vuelve a firmar la dirección y el guion y a supervisar los efectos visuales.

Ya se sirvió de ellos para reconstruir el Tokio de finales de los cincuenta en Always: Sunset on Third Street.

También dirigió la bélica The Eternal Zero y codirigió la cinta de animación Stand by Me Doraemon.

En 2024 compartió el Óscar a los mejores efectos visuales por Godzilla Minus One.

La secuela se presentó en el Festival de Cine de Nueva York y llegó a los cines de Japón el 3 de noviembre de 2026 y a los de España el día 6.

En el catálogo del ICAA figura Versión Digital como distribuidora en España.

Mi puntuación: 4,72/10.

Dirigido por Takashi Yamazaki:

Foto de Dodoeggs, recortada por Turniner · CC BY-SA 4.0

Ficha: En este enlace.

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El don y el aperitivo

La casa de mis abuelos cuenta un drama con humor.

Joachim, muy bien interpretado por Bruno Alexander, sigue tocado por la muerte de su hermano.

Lo admiten, para su propia sorpresa, en una escuela de arte dramático de Múnich y se instala en casa de sus abuelos.

Inge y Hermann, interpretados por Senta Berger y Michael Wittenborn, forman una pareja de lo más simpática. Es maravillosa la ternura con la que se tratan. Le gustan las bebidas espirituosas a cualquier hora. En esa casa el aperitivo tiene un horario bastante flexible.

En la escuela, Joachim ha entrado un poco por suerte y otro poco por intuición. Le cuesta adaptarse y hay clases a las que no les encuentra ningún sentido. A ratos parece un gilipollicas. Otras veces te convence de que lleva dentro el gen de la actuación, ese don divino que solo tienen unos pocos.

Lo que más me gusta es cómo avanzan las dos historias.

En casa, los años hacen mella en la salud de los abuelos.

En la escuela, el nieto va encontrando su sitio en la interpretación.

Verhoeven cuenta las dos cosas con la misma ternura, incluso cuando a Joachim dan ganas de mandarlo a paseo.

De la novela a la pantalla

Simon Verhoeven es el director y guionista alemán de Bienvenidos a Alemania y Nightlife.

Aquí adapta la novela autobiográfica de Joachim Meyerhoff.

La película se estrenó en Alemania el 29 de enero de 2026 y, según el director, en septiembre ya había superado los 1,3 millones de espectadores.

En los Premios del Cine Alemán obtuvo el Lola de Bronce a la mejor película y los premios de interpretación para Senta Berger, como protagonista, y Michael Wittenborn, como secundario.

Bruno Alexander fue candidato a mejor actor protagonista.

En Sevilla se presentó en Proyecciones Especiales.

En España la distribuirá A Contracorriente Films.

Mi puntuación: 7,77/10.

Ficha: En este enlace.

Tráiler de la película en YouTube

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El amor en temporada baja

En verano, el lago Balatón es uno de los grandes destinos turísticos de Hungría. En invierno, los pueblos de la orilla se quedan casi vacíos. En uno de ellos se conocen por casualidad Boldizsár (Márton Patkós), un joven húngaro que está terminando Arquitectura, y Olena (Solomia Kushnir), una muchacha ucraniana que ha tenido que huir de la guerra.

Él está acabando la carrera. Ella vive pendiente de que su padre sobreviva un día más, porque trabaja como conductor en apoyo a las fuerzas de defensa ucranianas. Su hermana se ha ido a Polonia. Y a Olena le pesa que, en cuanto dice de dónde viene, la gente la mire con lástima y se sienta obligada a contarle lo que ha hecho por los ucranianos.

De ese encuentro sale una historia de amor sencilla, contada con cariño.

Dura 62 minutos y va a lo que va. Le sienta bien esa brevedad.

Y Solomia Kushnir enamora a la cámara. Tiene unos ojos tristes y desconfiados que hacen que a uno le importe lo que le pasa a Olena.

Del corto al lago

Balázs Szövényi-Lux es director y guionista húngaro.

Su corto Katapult fue premiado en 2020 en el Festival Internacional de Cine Infantil de Chicago.

Debutó en el largometraje con Az első kettő (The First Two, 2023).

Balaton es su segundo largo.

Se proyectó en el Festival de Split en septiembre de 2026 y compite en la sección Embrujo del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 7,56/10.

Ficha: En este enlace.

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Anna contra la banca

The Idiot(s) convierte en comedia la estancia de Fiódor Dostoievski y su esposa, Anna Dostoievskaya, en Baden-Baden.

La historia la vemos a través de ella, que es quien de verdad tira del carro.

Él, interpretado por Johnny Flynn, es un ludópata perdido que siempre anda pidiendo dinero para fundírselo en la ruleta.

Anna le quiere e intenta salvar la economía familiar, que va directa a la catástrofe.

Alrededor de la pareja pulula una aristocracia alemana que se pasa el día entero entregada al ocio.

Por allí anda también Iván Turguénev, interpretado por Christian Friedel, que reniega un poco de sus orígenes rusos y envidia el genio de su compatriota.

Y está Vicky Krieps, encantadora como siempre, con esa Natasha sonriente, alegre y a ratos ridícula que le da un contrapunto divertido a la historia.

Lo más gracioso es ver al gran escritor en zapatillas, con sus miserias y sus manías.

La comedia me divierte bastante, aunque a ratos chirría y se pasa de rosca hasta caer en el esperpento.

La ambientación está cuidada hasta el último detalle, como en esas películas británicas de época que tan bien hacen estas cosas.

Pero mi fascinación absoluta es Aimee Lou Wood.

Está encantadora y es el motor de la película.

¿De dónde conozco yo a esta chica? ¡Claro, de Sex Education! Era Aimee, una de las chicas del instituto. Ahora comprendo mi veneración. Viene de largo. Maravillosa.

De la biografía a la comedia

Małgorzata Szumowska ganó el Oso de Plata a la mejor dirección en la Berlinale por Body.

Con Michał Englert, que también firma la fotografía de esta película, ha codirigido Nunca volverá a nevar y Woman of….

The Idiot(s) parte de The Gambler Wife, la biografía de Anna escrita por Andrew D. Kaufman.

Tuvo su estreno mundial en Telluride en septiembre de 2026, pasó por la competición del Festival de Londres y se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 7,77/10.

Ficha: En este enlace.

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¿Quién ha puesto la cámara ahí?

La gran pregunta al rodar una película es dónde poner la cámara. En You Don’t Belong Here, Florin Şerban parece empeñado en encontrar el sitio más raro. Detrás de una ventana, al otro lado de una puerta, donde solo se ve a medias a los personajes. Hay encuadres francamente feos. Y, una vez puesta la cámara, allí se queda.

La película dura 154 minutos y se podía haber recortado muchísimo. Abundan los planos fijos en los que nadie se mueve, nadie habla y no pasa nada. A mí me dio la impresión de que, si juntábamos todas esas pausas, salía una hora. Al tercer rato mirando por una puerta, ya me entraban ganas de abrirla.

Y es una pena, porque la historia me interesa. Es un drama familiar con bastante de thriller policial. Su protagonista, Marius, es cirujano y director de un hospital de provincias. Se ha esforzado toda la vida por ser honrado y respetar la ley. También quiere ser alguien, dejar huella, pasar a la posteridad. Adrian Văncică interpreta a ese hombre tan seguro de sus principios.

De noche, una pandilla va en bicicleta destrozando coches. Un vecino gitano sale a defender lo suyo y muere de un golpe en la cabeza. La investigación pone en marcha un conflicto que acaba sacudiendo la vida del médico y la relación con su hijo.

Ahí está la película que me interesaba ver.

Un hombre que cree tener muy claro cómo debe vivir empieza a desmoronarse cuando la realidad pone a prueba sus principios.

Y la cámara, al otro lado de la puerta.

De Berlín a Locarno

El rumano Florin Şerban ganó el Oso de Plata, Gran Premio del Jurado, en la Berlinale de 2010 con su debut, Si quiero silbar, silbo.

Después dirigió Box y Love 1. Dog.

También cofundó una escuela de cine en Bucarest, donde da clase.

You Don’t Belong Here ganó el Leopardo de Oro en Locarno y el premio a la mejor película en Cottbus.

Adrian Văncică se llevó el premio al mejor actor en Sarajevo.

La película se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla y su estreno comercial en Rumanía está anunciado para el 27 de noviembre de 2026.

Mi puntuación: 6,35/10.

Ficha: En este enlace.

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Arranca en primera y se queda al ralentí

Taranta empieza con un montaje extraordinario de las movilizaciones por el cierre de Santana. La música le da todavía más empuje. En Linares, la segunda ciudad más poblada de Jaén, aquella fábrica de todoterrenos llegó a dar trabajo a unas 4.000 personas. Era el motor de la comarca, y pocas veces viene tan a cuento la expresión.

Luego llegan dos ingenieros chinos y vuelve a ponerse en marcha Santana, ahora con una previsión de 80 trabajadores. Los políticos acuden a la inauguración y le dan bombo. A juzgar por la ceremonia, cualquiera diría que han vuelto los cuatro mil.

Buena parte del documental se la llevan las conversaciones de dos jóvenes de Linares. Divagan sobre el empleo y el malestar de la ciudad, pero sus comentarios me parecen de una simpleza bochornosa. A ratos cuesta entender lo que dicen. Cuando se les entiende, poco se gana.

Por suerte, están las imágenes de la Semana Santa y de la plaza de toros, donde Islero corneó a Manolete en 1947. El torero murió al día siguiente en el hospital de Linares. Esas imágenes le devuelven algo de vida al documental cada vez que las conversaciones lo dejan al ralentí.

Me interesa lo que cuenta sobre el cierre y la reapertura de la fábrica.

Como experimento cinematográfico, me parece que aporta bien poco.

Dura 74 minutos y se me hizo francamente aburrido.

La cuota andaluza del festival de Sevilla.

De la fotografía a su primer largo

Samuel Nacar es fotoperiodista y ha centrado su trabajo en las migraciones y los conflictos sociales.

Codirigió el corto documental Wangala con Pau Coll y dirigió The Wall.

En 2025 ganó un World Press Photo en la categoría de reportaje gráfico.

Taranta es su primer largometraje.

Ganó el premio D’A Film Lab Barcelona cuando aún estaba en posproducción y tuvo su estreno mundial el 10 de noviembre de 2026 en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Su estreno comercial en España está anunciado para el 27 de noviembre.

Mi puntuación: 3,35/10.

Ficha: En este enlace.

Tráiler de la película en YouTube

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71.ª Semana Internacional de Cine de Valladolid

Actividad de Ramón Bernadó en la Seminci 2026

Críticas, crónicas y balance del festival · @SEMINCI · #71Seminci

 

 

 

Actividad en Holasoyramon.com

El balance del festival y 37 comentarios de películas.

Palmarés, experiencias y comentarios de holasoyramon

• Elsinore · Simon Stone
• The Weight / Oro sin ley · Padraic McKinley
• La venus electrique / El arte del engaño · Pierre Salvadori
• Sanguine / Species · Marion Le Coroller
• El confidente / The Confidant · Daniel Calparsoro
• A Bit of Light · Ali Asgari
• La libertad doble / Double Freedom · Lisandro Alonso
• Hombre al agua · Gael García Bernal
• Un hombre de nuestro tiempo / A Man of His Time · Emmanuel Marre
• Promised Spaces · Ivan Marković · Documental
• Mr. Nelson, Did You Kill People? · Shinya Tsukamoto
• Un hombre en un puente / A Man on a Bridge · David Martín de los Santos
• Un tal Karlos · Arantxa Aguirre
• Detrás de la lluvia / Behind the Rain · Valeria Sarmiento
• Un monstruo amable / Gentle Monster · Marie Kreutzer
• Prosecution · Faraz Shariat
• Los amantes de la noche / All the Lovers in the Night · Yukiko Sode
• Caro Nanni / Dear Nanni · Pablo Maqueda · Documental
• Cartas de Estado / Yellow Letters · Ilker Çatak
• Las islas afortunadas / The Fortunate Isles · Samuel Delgado y Helena Girón
• La Gradiva · Marine Atlan
• Into the Jaws of the Ogre · Mahsa Karampour · Documental
• A Good Little Soldier · Stéphane Brizé
• La violinista / The Violinist · Ervin Han y Raúl García · Animación
• Forest High · Manon Coubia
• Camionero / Truck Driver · Francisco Marise
• Rose · Markus Schleinzer
• I Rarely Wake Up Dreaming · Isabelle Stever
• Hermanas / Sisters · Ione Hernández Sáenz
• Alea Jacarandas · Hassen Ferhani · Documental
• Queen at Sea · Lance Hammer
• The Echo Chamber · Andrea Pallaoro
• Woman Unknown · May el-Toukhy
• Una familia / A Family · Ricardo Gómez
• A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra · Jacqueline Lentzou
• My Notes on Mars · Lili Horvát
• Salvación / Salvation · Emin Alper

 

 

 

 

Actividad en El Heraldo del Henares

Diez entregas de la cobertura desde Valladolid.

Comentarios finales y palmarés de la Seminci (y X)

• Crónica IX
• Crónica VIII
• Crónica VII
• Crónica VI
• Crónica V
• Crónica IV
• Crónica III
• Crónica II
• Crónica I

Ver la página de Ramón Bernadó en El Heraldo del Henares

 

 

 

 

Actividad en La Cartelera

Críticas de la Seminci publicadas en La Cartelera.

• Elsinore
• The Weight / Oro sin ley
• La venus electrique / El arte del engaño
• Sanguine
• El confidente
• La libertad doble
• Un hombre de nuestro tiempo
• Un hombre en un puente
• Detrás de la lluvia
• Un monstruo amable
• Los amantes de la noche
• Caro Nanni
• Cartas de Estado
• Las islas afortunadas
• A Good Little Soldier
• La violinista
• Forest High
• Camionero
• Hermanas
• Una familia
• Salvación

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Los consejos de la cuñada

Adela tiene once años y vive con su madre y su hermana mayor, Zara, en un barrio romaní de Skopie. Es una niña musulmana que sueña con convertirse en una gran patinadora y sacar a su familia de la miseria. Su padre se ha ido a Suiza a trabajar, se ha echado allí una novia y ha dejado a la madre al frente de todo. Y el alquiler sigue sin pagarse.

Con el desahucio encima, una cuñada le propone una solución. Ya se sabe, siempre hay una cuñada con una solución. Esta consiste en concertar el matrimonio de Zara, que todavía es menor, y conseguir así el dinero que les falta. Al final, por mucho que se hable de boda, lo que estamos viendo se parece demasiado a una compraventa.

Adela piensa que con un monopatín puede salvar a su hermana. Ahí está lo que más me gusta de la película. Con once años todavía puedes imaginar que, si patinas lo bastante bien, arreglarás la vida de toda tu familia. Luego llega la realidad, que pesa lo suyo.

Dina Duma cuenta bien ese choque entre el sueño de la niña y la precariedad de su casa. Y denuncia de frente tanto el matrimonio concertado de una menor como la exigencia de que la novia demuestre su virginidad.

La película deja sitio para entender la desesperación de la madre y para ver quién acaba pagando el precio.

Dina Duma y el cine de Macedonia del Norte

Dina Duma debutó con Sisterhood, un drama sobre dos adolescentes y el daño que puede hacer la exposición en redes.

Ganó el Premio Especial del Jurado de East of the West en Karlovy Vary.

Su segundo largo, Skateboarding Is Not for Girls, se estrenó mundialmente en Tribeca, donde obtuvo el premio Nora Ephron.

También ganó el premio Spirit of Freedom en Jerusalén y se presentó en Rampa, en Sevilla.

La Agencia de Cine de Macedonia del Norte registró 98 largometrajes terminados y estrenados entre 2013 y 2022, incluidos documentales y coproducciones.

Salen 9,8 al año.

El máximo de esa serie fue 2019, con 16.

En 2022 fueron 12, ocho de ficción y cuatro documentales.

Entre las películas que han viajado fuera se ve una veta de cine social que pasa por asuntos muy distintos.

Dios existe, su nombre es Petrunya cuestiona quién puede participar en un rito reservado a los hombres y ganó el premio del Jurado Ecuménico en Berlín.

Honeyland sigue a una apicultora rural y obtuvo dos nominaciones al Óscar, a mejor documental y a mejor película internacional.

Mi puntuación: 7,56/10.

Ficha: En este enlace.

Tráiler de la película en YouTube

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El hijo del otro

Dario cuida a su hijo Enrico, que tiene parálisis cerebral. La película se queda sobre todo con él. La madre está en segundo plano, como el resto de las mujeres. Es un drama sobre la paternidad contado desde un mundo casi exclusivamente masculino.

Poco a poco, Dario se vuelca en su sobrino Giacomo, el hijo adolescente de su hermano. Con él comparte la afición al trial y esas conversaciones sobre las chicas del instituto que no puede tener con Enrico. Y en esa complicidad encuentra al hijo que hubiera querido tener. Lo incómodo es ver cómo ese afecto crece mientras sigue cuidando del suyo.

Riccardo Scamarcio está francamente estupendo. Hace un trabajo muy contenido y sostiene la película sin levantar la voz para que entendamos lo que le pasa. Me ha fascinado su interpretación.

Es un drama, pero tiene sus momentos de humor. Salen de la propia convivencia.

Me ha parecido una película muy interesante.

En lo que llevo de Sevilla me estoy encontrando mucho drama y poca comedia.

De musical, al menos, tenía algo la película que abrió el festival con ¡Viva Carmen!

Landucci vuelve a Venecia

Tommaso Landucci presentó en las Giornate degli Autori de Venecia el documental Caveman en 2021.

Children of the Monkey, su primer largometraje de ficción, lo llevó de vuelta a Venecia, esta vez a la sección Orizzonti.

Allí Riccardo Scamarcio ganó el premio al mejor actor y Landucci y Damiano Femfert, el de mejor guion.

La película llegó a los cines italianos el 17 de septiembre y tuvo su estreno español en la Sección Oficial de Sevilla.

Mi puntuación: 7,68/10.

Ficha: En este enlace.

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¿Y si el alacrán elige?

Danny cumple dieciocho años y sale del sistema de acogida. Lleva a cuestas un pasado muy triste y quiere dos cosas bastante sencillas de decir y bastante difíciles de conseguir. Una vida normal y volver a ver a su hermano pequeño, del que lo separaron. Lo interpreta Lewis Brophy.

En esas aparece Mila, una vecina española que está de paso en Irlanda para ayudar a su madre con una mudanza. Carla Tous le pone alegría, color y sol a una película que, sin ella, sería demasiado triste. Con Mila hay sitio hasta para soñar un poco.

Me gusta que la película se fije en los educadores y los trabajadores sociales que acompañan a estos chavales, tan faltos de cariño. Yo vi aparecer a Barry Keoghan, con ese aspecto turbador que siempre le encuentro, y pensé: «Madre mía, este seguro que hace de pederasta». Pues resulta que hace de Josh, un educador que también tiene lo suyo en el pasado y que me ha conmovido.

En la película se cuenta la vieja fábula del alacrán. Le pide a una rana que lo lleve al otro lado del río. A mitad de camino le clava el aguijón. «Pero ahora nos ahogamos los dos», protesta la rana. «Ya, pero es mi naturaleza».

Ahí está lo que más me interesa de Lemonade. A estos chavales parece que les han escrito el futuro de antemano, entre la delincuencia y la marginalidad. ¿Cuánto hay de naturaleza en eso y cuánto de las pocas oportunidades que han tenido? ¿Hasta qué punto pueden elegir otro camino?

La historia tiene poca novedad y el lenguaje cinematográfico me parece anodino. Aun así, la película me ha gustado mucho.

Kim Bartley, del documental a la ficción

Lemonade es el primer largometraje de ficción de Kim Bartley, que también firma el guion.

Antes codirigió con Donnacha Ó Briain La revolución no será televisada y dirigió Pure Grit, que ganó el premio al mejor largometraje documental irlandés en Galway en 2021.

Lemonade se estrenó mundialmente en Toronto y compite en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Mi puntuación: 7,67/10.

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El cogote de la cuestión

Heike lleva una vida frenética como encargada en una empresa de limpieza. Los clientes protestan porque nada les parece lo bastante limpio, los trabajadores cobran sueldos miserables y trabajan con la desgana que cabe esperar. Entre subcontratas, contrataciones irregulares y problemas con inmigración, a Heike le toca apagar todos los fuegos.

Y en casa le espera un marido que es un vago profesional. Se gasta el dinero que no tiene y, cuando se lo recriminan, encima se da por ofendido. Menudo personaje.

Todo esto me interesa muchísimo y me habría gustado verlo contado de otra manera. Durante muchos minutos padecemos el plano cogote, esa lacra del cine actual que consiste en ir detrás de la gente, cámara en mano, filmándole la nuca. Para mí, eso es el anticine.

Cuando la cámara se pone delante, se pega al rostro de la protagonista en planos cerradísimos, con poquísima profundidad de campo. La cara enfocada y el resto, borroso. Me molesta profundamente esa manera de rodar. Y el tercio final me resulta francamente inverosímil.

En cuanto a Heike, a mí no me da ninguna pena. Es una esbirro del sistema capitalista, un perro fiel que forma parte del engranaje de explotación que la película retrata.

De las nucleares a las subcontratas

Antes de firmar su primer largo de ficción, Kilian Armando Friedrich codirigió con Tizian Stromp Zargari el documental Atomnomaden, presentado en la Berlinale de 2023.

Con I Understand Your Displeasure volvió al festival berlinés en 2026, en la sección Panorama.

La película se estrenó en los cines de Alemania el 4 de junio y tuvo su estreno español en la sección Rampa del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

La película ganó el Gran Premio en San Juan de Luz y Sabine Thalau, que interpreta a Heike, se llevó el premio a la mejor actriz de la sección Cine Joven del festival de Hong Kong.

Mi puntuación: 4,03/10.

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