El Blog de Hola Soy Ramón!

 

El amor que permanece – Ástin sem eftir er – 2025 – Hlynur Pálmason – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de El amor que permanece

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El amor que permanece: divorciarse en Islandia, con cuatro estaciones, vino de más y gemelos desatados

 

Hlynur Pálmason es uno de los nombres clave del cine islandés actual. Cineasta y artista visual, debutó en el largometraje con Winter Brothers y continuó con Un blanco, blanco día y Godland.

 

Su cine es físico, naturalista y muy atento al paisaje y al paso del tiempo.

 

Le interesan más los gestos, los silencios y las pequeñas rutinas que el drama subrayado.

 

Vamos, que no tiene prisa… y sabe perfectamente lo que hace.

 

La película se presentó en la sección Cannes Première, fue elegida por Islandia para representar al país en los Óscar —aunque no consiguió la nominación— y recibió una mención especial en el Festival de Gante.

 

Además, Panda, el perro de la familia, ganó la Palm Dog en Cannes. Al menos alguien salió del divorcio con premio.

 

La pareja no funciona. Hace tiempo que dejó de funcionar. Anna y Magnús, recién separados, intentan mantener cierta normalidad alrededor de sus tres hijos.

Ella continúa con los niños en la casa familiar mientras él pasa largas temporadas trabajando en el mar.

 

A lo largo de las cuatro estaciones asistimos al desmoronamiento tranquilo, pero imparable, de lo que queda de su relación.

 

Hlynur Pálmason construye la película mediante escenas pequeñas, cotidianas y casi domésticas, como si filmarlas pudiera salvarlas del olvido y conservarlas en un álbum familiar imaginario.

 

El amor que permanece es sencilla desde el punto de vista narrativo, muy costumbrista y muy de observar cómo respiran los personajes.

 

A veces resulta ridícula, otras simpática y en ocasiones simplemente incómoda. Como la vida misma.

 

Todos los personajes tienen una personalidad bien definida. Hay momentos abiertamente cómicos y otros en los que el drama asoma sin avisar, se sienta en la cocina y decide quedarse.

 

En algunos pasajes, esa pareja rota recuerda inevitablemente al cine de Ingmar Bergman. Sí, ese.

 

En otros, la comicidad corre por cuenta de los dos gemelos, una especie de Zipi y Zape islandeses capaces de llevar la película hacia situaciones grotescas y realmente divertidas.

 

También resulta muy interesante su retrato del mundo del arte: los marchantes, las poses, el desprecio hacia quien intenta ser original y esa escena gloriosa —y dolorosa— del galerista defendiendo su consumo de más de un litro de vino al día. Absolutamente ridículo. La incomodidad de Anna termina siendo exactamente la del espectador.

 

Y ojo con Saga Garðarsdóttir, nombre complicado donde los haya. Está estupenda: tiene presencia, verdad y una naturalidad extraordinaria. Para mí, una joya del cine islandés actual.

 

El amor que permanece es una película pequeña, irregular por momentos, pero muy honesta; a veces muy divertida y otras dolorosamente reconocible.

Como el amor cuando ya no sabe muy bien qué hacer para seguir existiendo.

 

Mi puntuación: 7,67/10.

 

Dos jóvenes en una escena de El amor que permanece

 

Dirigido por Hlynur Pálmason:

Hlynur Pálmason, director de El amor que permanece

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena familiar de El amor que permanece

 

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Julian – 2025 – Cato Kusters – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Julian

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Veintidós bodas y un melodrama

 

Cato Kusters (Bélgica, 1998) se formó en montaje y dirección en la escuela RITCS de Bruselas.

 

Comenzó trabajando como directora y montadora de videoclips.

 

Su corto de graduación, Finn’s Heel (2022), obtuvo el premio al mejor corto estudiantil belga en el Film Fest Gent.

 

Julian, coescrita con Angelo Tijssens, es su primer largometraje y la primera producción de The Reunion, compañía de Michiel Dhont y Lukas Dhont.

 

La película se presentó mundialmente en la sección Discovery del Festival de Toronto y fue la cinta inaugural del Film Fest Gent 2025.

 

En 2026 obtuvo cuatro premios Ensor: mejor película, dirección, guion y actriz protagonista para Laurence Roothooft. Kusters recibió además el Ensor a la promesa del año.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Julian podría haberse titulado perfectamente Proyecto 22.

De hecho, esa fue la denominación real de la iniciativa emprendida por Fleur Pierets y Julian P. Boom: casarse en los 22 países que reconocían el matrimonio igualitario cuando concibieron el proyecto.

 

Nina Meurisse interpreta a Fleur y Laurence Roothooft a Julian.

 

Se enamoran, deciden casarse por todo el planeta y descubren que el amor será universal, pero los billetes de avión no los paga Cupido.

Buena parte de la trama gira alrededor de la búsqueda de financiación y patrocinadores.

 

La película se detiene especialmente en la primera ceremonia en París y la celebrada en Nueva York.

Todo está contado con un tono amable, sin grandes discursos ni villanos de opereta.

La reivindicación de los derechos LGTBIQ+ nace de la propia historia y no de que alguien se suba a una caja de fruta para soltar un mitin.

 

La relación amorosa resulta creíble y está relatada con sensibilidad.

El problema es que los personajes quedan definidos con pinceladas demasiado rápidas.

Sabemos qué pretenden hacer y cómo intentarán conseguirlo, pero no terminamos de conocerlas suficientemente fuera del proyecto.

Paradójicamente, una historia tan íntima acaba resultando algo superficial en la construcción de sus protagonistas.

 

El relato sigue una estructura no lineal, mezclando distintos momentos mediante analepsis y prolepsis, lo que toda la vida hemos llamado flashbacks y flashforwards.

Esta fragmentación anuncia desde el principio que detrás de tanta felicidad nupcial se aproxima algún nubarrón.

 

La estética imita deliberadamente la textura del vídeo doméstico y de las grabaciones improvisadas.

Esa apariencia de material amateur aporta cercanía, aunque tampoco consigue suplir la limitada profundidad de los personajes.

 

En el último tercio llega el drama y la película empieza a mirar con demasiado interés hacia nuestro lagrimal.

No me molesta que la historia sea triste, sino que se subraye tanto la tristeza.

Había suficiente carga emocional sin necesidad de apretar el botón del melodrama hasta dejarlo hundido.

 

Julian es una película sincera, humana y bienintencionada sobre el amor y la igualdad.

 

Funciona mejor cuando observa a sus protagonistas con naturalidad que cuando se empeña en decirnos exactamente cuándo debemos sacar el pañuelo.

 

Mi puntuación: 6,46/10.

 

Escena de Julian en un tren

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Escena de Julian junto al río

 

 

 

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Sombra nómada – Nomad Shadow – 2025 – Eimi Imanishi – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Sombra nómada

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Regreso al futuro… pero con el futuro confiscado

 

La japonesa-estadounidense Eimi Imanishi debuta en el largometraje con Sombra nómada (Nomad Shadow), después de dirigir los cortos Battalion to My Beat (2016), One-Up (2017) y 3×13 (2021).

 

El primero, rodado en los campamentos de refugiados saharauis de Argelia, ganó en 2017 el Premio Canal+ al mejor cortometraje internacional en Clermont-Ferrand.

 

Imanishi vuelve al Sáhara para hablar de migración, desarraigo y pertenencia desde el camino de regreso, mucho menos transitado por el cine.

 

Sombra nómada se estrenó mundialmente en el Festival de Toronto de 2025, dentro de la sección Centrepiece, y participó después en la competición del Festival Black Nights de Tallin.

 

En 2026 ganó el premio al mejor largometraje de ficción en el Santiago del Estero Film Fest.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Mariam, interpretada por Nadhira Mohamed, es el centro absoluto de la película.

Prácticamente no hay un fotograma que no pase por ella.

 

Después de vivir diez años en España, es deportada por un asunto relacionado con el tráfico de drogas y regresa a El Aaiún, en el Sáhara Occidental.

 

El problema es que ya no pertenece a ningún sitio.

España la ha expulsado y su lugar de origen tampoco la reconoce como una de los suyos.

Una especie de maleta extraviada por la burocracia, pero con tatuajes, mala leche y muchas ganas de largarse otra vez.

 

Su familia no funciona precisamente como comité de bienvenida.

El hermano ejerce de patriarca y pretende decidir qué puede hacer.

La madre le reprocha su comportamiento occidentalizado.

 

Mariam choca contra unas normas familiares y sociales que reducen mucho su autonomía, pero tampoco tiene dinero para volver a España.

 

En consecuencia, acepta trabajos precarios y termina acercándose a actividades que ya cruzan alegremente la frontera de lo delictivo.

También se reencuentra con su antigua pareja, marcada por su propia y fracasada experiencia migratoria, e intenta reconstruir sus relaciones con la hermana y con otras mujeres del entorno.

 

Aquí aparece cierta sororidad, pero a ráfagas.

La película no idealiza a las mujeres ni las convierte automáticamente en hermanas solidarias por compartir opresión.

Algunas ayudan y otras juzgan.

La caballería feminista no siempre llega a tiempo.

 

Casi todos los hombres con alguna autoridad son retratados como machistas, controladores o directamente desagradables.

Es el mundo que la película muestra, aunque sería excesivo convertir ese retrato cinematográfico en un censo de todos los hombres saharauis.

 

Imanishi habla de un entorno concreto, atravesado por el patriarcado, la pobreza, la ocupación y la falta de oportunidades.

 

Resulta significativo el cambio de vestuario de Mariam.

Pasa de una indumentaria claramente europea a otra más aceptable para su entorno.

Parece adaptarse por fuera, pero por dentro sigue siendo la misma muchacha rebelde, incapaz de resignarse al papel que le han asignado.

 

Desde muy pronto se intuye que aquello no va a terminar bien. Y, efectivamente, la película concluye sin ofrecer una verdadera solución.

Es coherente con una protagonista atrapada en un conflicto que no admite finales felices, aunque también deja cierta sensación de relato interrumpido.

 

La respuesta es que Mariam seguirá viviendo en la inconformidad, sin poder marcharse y sin encontrar su sitio.

 

Nadhira Mohamed se echa la película a la espalda y consigue sostenerla.

 

Su interpretación aporta energía, rabia y verdad a una historia que, sin ella, habría corrido el riesgo de quedarse vagando por el desierto.

 

Mi puntuación: 5,46/10.

 

Barca al anochecer en Sombra nómada

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Mujer en una escena de Sombra nómada

 

 

 

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Idiotka – 2025 – Nastasya Popov – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Idiotka

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El show de Truman pasa por la máquina de coser

 

Nastasya Popov es una guionista y directora de Los Ángeles, hija de inmigrantes rusos.

 

Idiotka supone su debut en el largometraje: la escribe, dirige y produce.

 

Anteriormente había realizado cortos y documentales presentados en festivales como Palm Springs y Hamptons.

El guion pasó por el SFFILM Invest Lab y la película se estrenó mundialmente en SXSW en 2025.

 

Idiotka fue seleccionada para la competición de nuevos directores del Festival de San Francisco de 2025, optando al Golden Gate Award.

 

Idiotka se plantea como una comedia construida alrededor de Margarita Levlansky, interpretada por Anna Baryshnikov.

 

La joven vive con su familia judía de origen ruso y ucraniano en el barrio ruso de West Hollywood y pretende alcanzar el sueño americano participando en un concurso televisivo de diseño de moda.

 

El problema es que a los responsables de Slay, Serve, Survive les interesa bastante menos su talento con la aguja que comprobar cuánto puede descoserse su familia ante las cámaras.

Que su padre haya pasado por la cárcel, que su abuela sea excéntrica y esté enferma o que todos estén a punto de ser desahuciados proporciona mucho más espectáculo que cualquier vestido.

 

La película funciona como una sátira sobre los realities y la explotación televisiva de las desgracias ajenas.

La cámara se ha convertido en el confesionario del siglo XXI: ya no ofrece absolución, pero sí minutos de pantalla y, con suerte, una pausa publicitaria.

 

Las ideas no son malas. Tampoco carece de interés el retrato de la precariedad, la familia inmigrante y esa versión del sueño americano en la que hay que vender primero la intimidad para poder comprar después el éxito.

 

El problema está en la forma de contarlo.

Idiotka oscila continuamente entre la tontería y la ñoñez.

Los personajes se convierten en caricaturas, la ternura se transforma en almíbar y el supuesto caos acaba resultando tedioso.

 

La película sabe perfectamente qué quiere criticar, pero no consigue hacerlo de una manera soportable.

 

Tiene una tela prometedora, aunque el patrón narrativo esté mal cortado y las costuras tiren por todas partes.

 

A ratos resulta francamente insoportable.

 

Mi puntuación: 5,43/10.

 

Anna Baryshnikov en una escena de Idiotka

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

La familia de Margarita en una escena de Idiotka

 

 

 

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Ser o no ser – To Be or Not to Be – 1942 – Ernst Lubitsch – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Ser o no ser

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Hamlet 1, Hitler 0: el toque Lubitsch desarma a la Gestapo

 

Ernst Lubitsch (Berlín, 1892-Los Ángeles, 1947) comenzó como actor y director en el cine mudo alemán antes de instalarse en Hollywood en 1922.

 

Allí se convirtió en uno de los grandes maestros de la comedia sofisticada con títulos como Un ladrón en la alcoba (1932), Ninotchka (1939), El bazar de las sorpresas (1940) y El diablo dijo no (1943).

 

El famoso «toque Lubitsch» era como el aroma de un buen vino: todo el mundo sabía reconocerlo, pero nadie acertaba a explicar del todo su composición.

Ironía, elegancia, elipsis, erotismo sutil y el arte de sugerir mucho más de lo que se mostraba.

 

Sus películas parecían ligeras, aunque bajo esa apariencia siempre había un compromiso moral y social.

En 1947 recibió un Oscar honorífico por su contribución al arte cinematográfico.

 

Ser o no ser obtuvo una nominación al Oscar por la partitura de Werner R. Heymann.

En 1996 fue incorporada al National Film Registry de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética.

 

 

Cutrecomentario

 

Poco se puede decir de Ser o no ser que no se haya dicho ya. Es una de las mejores comedias de la historia del cine.

 

Los diálogos son ingeniosos, divertidos y pronunciados a velocidad de vértigo.

El ritmo es impresionante y la trama no decae ni durante un segundo.

Aquí no sobra una escena, una réplica ni una peluca de la Gestapo.

 

Los actores están en estado de gracia.

Jack Benny, Carole Lombard, Robert Stack, Felix Bressart y Sig Ruman componen un reparto perfecto, en el que hasta el último secundario parece haber nacido para pronunciar su frase.

 

Carole Lombard está maravillosa. Maria Tura es el eje de la acción y la única mujer con verdadero peso en la historia.

 

Miriam Hopkins había sido la primera elegida, pero no quedó satisfecha con el papel y Lombard, que deseaba trabajar con Lubitsch, terminó interpretándolo.

 

Fue su última película. Murió el 16 de enero de 1942 en un accidente aéreo cuando regresaba de una gira de venta de bonos de guerra, pocas semanas después de finalizar el rodaje y antes del estreno.

 

Ser o no ser es también un gran homenaje a los actores de teatro.

¿Quién mejor que ellos para participar en una trama de espionaje?

Los disfraces, el maquillaje, los decorados, la improvisación y la capacidad para engañar al público se convierten aquí en armas contra los nazis.

 

La interpretación salva vidas.

Por una vez, sobreactuar deja de ser un defecto y pasa a convertirse en una virtud patriótica.

 

La película está llena de frases memorables.

La más demoledora compara lo que Joseph Tura le hizo a Shakespeare con lo que los alemanes están haciendo a Polonia.

Un chiste terrible, cruel y perfecto.

 

Parte de la crítica de 1942 consideró inapropiado utilizar la comedia para hablar de la invasión de Polonia mientras la guerra seguía en marcha.

Pero Lubitsch no se ríe de las víctimas ni convierte los bombardeos en una broma.

Ridiculiza a los nazis, su ideología y la grotesca mediocridad de quienes se creen superiores.

 

Eso es lo verdaderamente subversivo de la película: despojar al totalitarismo de su pompa, quitarle el uniforme y dejarlo en calzoncillos.

 

No recuerdo cuándo vi por primera vez Ser o no ser, pero debió de ser durante mi infancia en televisión.

En casa la hemos revisado muchas veces.

Me sé las escenas y padezco risa anticipatoria: empiezo a partirme antes de que llegue el chiste porque ya sé lo que va a ocurrir.

 

Se ha acusado a Lubitsch de realizar una comedia demasiado ligera sobre la ocupación alemana de Polonia.

Confundir ligereza con frivolidad es no haber entendido nada.

 

Frente a la fuerza bruta de las armas y la sinrazón de la violencia, Ser o no ser propone la inteligencia, el teatro, el humor y la ironía.

 

Hamlet 1, Gestapo 0.

 

Mi puntuación: 10/10 ¡Inapelable!

 

Carole Lombard y Jack Benny en una escena de Ser o no ser

 

Dirigido por Ernst Lubitsch:

Retrato de Ernst Lubitsch

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Carole Lombard en una escena de Ser o no ser

 

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Ciudad de Dios – Cidade de Deus – 2002 – Fernando Meirelles, Kátia Lund – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Ciudad de Dios

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Uno de los nuestros se pierde en la favela

 

Fernando Meirelles alcanzó el reconocimiento internacional con Ciudad de Dios, codirigida por Kátia Lund.

 

Después rodaría El jardinero fiel, A ciegas, 360. Juego de destinos y Los dos papas.

 

Kátia Lund había codirigido el documental Noticias de una guerra personal y posteriormente participó en Todos los niños invisibles y en la serie Ciudad de los hombres.

 

Ciudad de Dios se presentó fuera de competición en el Festival de Cannes de 2002.

Recibió cuatro nominaciones al Óscar: dirección, guion adaptado, fotografía y montaje.

Daniel Rezende ganó además el BAFTA al mejor montaje.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

La vi en su estreno y volví a ella durante aquellos días de cuarentena. Ahora, recuperada en pantalla grande, sigue conservando toda su capacidad para sacudir al espectador.

 

Es un retrato despiadado de la delincuencia, la violencia y la marginalidad en Ciudad de Dios, barrio periférico de Río de Janeiro.

Aquí no hay postal turística, samba de bienvenida ni red de seguridad.

 

Lo que más me impresiona sigue siendo la perfección del guion de Bráulio Mantovani, basado en la novela de Paulo Lins.

La trama parece laberíntica, salta entre épocas, personajes y relatos, pero todo termina encajando con una precisión milimétrica.

No queda un solo cabo suelto.

Parece caos, pero está cronometrado.

 

También me gusta que Buscapé consiga encontrar una salida y alcanzar su sueño de convertirse en fotógrafo.

En medio de tanta fatalidad, supone una pequeña puerta abierta sin necesidad de colocar un lacito sentimental.

 

Y queda Zé Pequeño, interpretado por Leandro Firmino: uno de esos personajes que se estampan a fuego en la memoria y ya pertenecen a la historia del cine.

 

El único defecto que le encuentro es su excesiva voluntad de parecerse a Martin Scorsese.

La voz en off, el montaje frenético, los movimientos de cámara y la fascinación por el ascenso criminal remiten demasiado a Uno de los nuestros.

 

A ratos, Meirelles parece empeñado en convertirse en el Scorsese de Río de Janeiro.

Una sombra muy ilustre, desde luego, pero sombra al fin y al cabo.

 

Mi puntuación: 9,77/10.

 

Buscapé con una cámara en Ciudad de Dios

 

Dirigido por Fernando Meirelles, Kátia Lund:

Fernando Meirelles

Kátia Lund

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Buscapé fotografiando en Ciudad de Dios

 

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La historia interminable (Die unendliche Geschichte) (The Neverending Story) – 1984 – Wolfgang Petersen – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La historia interminable

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La historia interminable… y tan interminable

 

El alemán Wolfgang Petersen alcanzó prestigio internacional con El submarino (Das Boot), que le proporcionó nominaciones al Oscar como director y guionista.

 

La historia interminable fue su primer largometraje rodado en inglés y su pasaporte hacia Hollywood.

 

Allí firmó En la línea de fuego, Estallido, Air Force One (El avión del presidente), La tormenta perfecta, Troya y Poseidón.

 

Un cineasta con buena mano para el gran espectáculo, aunque aquí la solemnidad termina devorando el ritmo.

 

En 1985, La historia interminable obtuvo el Filmband in Gold del Premio del Cine Alemán por el diseño de producción de Rolf Zehetbauer y el Premio Bávaro a la mejor producción, concedido a Bernd Eichinger, Dieter Geissler y Günter Rohrbach.

 

La historia interminable es una ambiciosa coproducción de Alemania Occidental y Estados Unidos convertida en película generacional para los niños de la EGB y, posteriormente, para quienes la descubrieron en televisión o en VHS.

 

Wilder Cinema la recupera ahora para la pantalla grande, que siempre concede esplendor, aunque no necesariamente velocidad.

 

Cuando la vi en su estreno me pareció un coñazo.

 

Más de cuarenta años después me lo sigue pareciendo.

Algunas historias son verdaderamente interminables.

 

En aquellos años, a los culturetas de baratillo les fascinó la novela de Michael Ende, con sus letras de colores y su prestigio instantáneo para cualquier estantería que quisiera parecer intelectual.

 

El mensaje de la película es bonito: la lectura como refugio frente a una realidad penosa y la fantasía como motor para construir una existencia mejor.

Para ponerlo en marcha se recurre al clásico niño huérfano de madre, Bastian, acosado por sus compañeros y necesitado de una vía de escape.

 

Mi principal problema no está en lo que cuenta, sino en el tiempo que tarda en contarlo.

Los personajes hablan con una lentitud exasperante.

En el caso de la tortuga Morla resulta comprensible, pero no encuentro explicación para que el gigante que come piedras o la Emperatriz Infantil se expresen como si alguien hubiera puesto la película a velocidad 0,75.

 

Hasta Artax parece galopar con el freno de mano puesto.

 

Ya sé que hablar mal de esta película resulta casi iconoclasta.

A medio mundo le parece «bonita» y la nostalgia suele presentarse como testigo de cargo, abogado defensor y presidente del jurado.

 

La herejía, por cierto, tiene un compañero ilustre: el propio Michael Ende repudió la adaptación porque consideraba que había trivializado y traicionado el sentido de su novela. No la rechazó por los mismos motivos, pero al menos tampoco quedó hipnotizado por Fújur.

 

No me gustó en 1984, no me gusta ahora y creo que ha envejecido mal.

 

En mi caso, el título no puede ser más descriptivo.

 

Mi puntuación: 4,53/10.

 

Atreyu junto a Ártax en La historia interminable

 

Dirigido por Wolfgang Petersen:

Wolfgang Petersen en Bavaria Film

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Bastian leyendo el libro de La historia interminable

 

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Cinema Paradiso – 1988 – Giuseppe Tornatore – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Cinema Paradiso

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La rosa púrpura de Sicilia

 

Giuseppe Tornatore debutó en el largometraje con El profesor y alcanzó la gloria internacional con Cinema Paradiso, su película más celebrada.

 

Después dirigió Pura formalidad, El hombre de las estrellas, La leyenda del pianista en el océano, Malèna, La desconocida, Baarìa y La mejor oferta.

 

En 2021 rindió homenaje a su colaborador y amigo Ennio Morricone con el estupendo documental Ennio: el maestro.

 

Una filmografía irregular, pero con un paraíso que justifica toda una carrera.

 

Cinema Paradiso ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1990.

 

En el Festival de Cannes de 1989 obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado, concedido ex aequo.

 

Para mí, estamos ante la mejor película de Giuseppe Tornatore y ante la mejor banda sonora de Ennio Morricone.

Conviene recordar que el maravilloso tema de amor fue compuesto por su hijo, Andrea Morricone.

La emoción, como casi todo en esta película, también fue un trabajo familiar.

 

Paradójicamente, en sus primeras distribuciones la película pinchó en Italia.

El público italiano no parecía demasiado interesado en contemplar su propio pasado, pero el resto del mundo terminó convertido en una magdalena de Proust con butaca y proyector.

 

El galimatías de los distintos montajes merece una bobina aparte.

La primera versión presentada en el festival EuropaCinema duraba unos 173 minutos.

Para el estreno comercial italiano quedó reducida a 155 y, después del fracaso inicial, Tornatore la dejó en los 123 o 124 minutos del montaje internacional que conquistó Cannes y los Oscar.

 

Por tanto, la versión del director conocida actualmente dura alrededor de cincuenta minutos más que la internacional, no veinte.

Recupera principalmente el reencuentro de Salvatore con Elena adulta y explica algunas decisiones importantes de Alfredo.

Aporta información, sí, pero no mejora la película.

Al contrario: le quita misterio, alarga innecesariamente el desenlace y demuestra que también en el montaje hay que saber cuándo apagar el proyector.

 

Totó, interpretado por Salvatore Cascio, es uno de los niños más encantadores de la historia del cine y, posiblemente, uno de los que más bofetones recibe.

Hoy el rodaje terminaría con la intervención de los servicios sociales y una larga conversación con el coordinador de intimidad infantil.

 

El retrato de la Italia de la posguerra resulta magnífico.

El cine era entonces, allí y también en España, la gran evasión popular: el lugar donde olvidar por unas horas la pobreza, las ausencias y las estrecheces, riendo, llorando o protestando cuando el cura ordenaba cortar los besos.

 

La relación entre el pequeño Salvatore y Alfredo es una de las más enternecedoras que se hayan visto en una pantalla.

Tornatore es sentimental sin disimulo, pero aquí el sentimiento está ganado. No nace de apretar botones para hacer llorar al espectador, sino de construir dos personajes que se necesitan y que terminan marcándose para siempre.

 

Philippe Noiret interpretó sus diálogos en francés y en la versión italiana fue doblado por Vittorio Di Prima.

Una de las frases que mejor resume la sabiduría de Alfredo es: «Ahora que he perdido la visión, puedo ver más».

Pocas palabras para expresar todo lo que el personaje aprende cuando ya no puede mirar la pantalla.

 

Cinema Paradiso es un homenaje al cine, a las antiguas salas, a la infancia, a la amistad y a esa vida que solo comprendemos cuando ya ha pasado por la moviola.

 

Emotiva. Impresionante. Imprescindible para cualquier amante del Séptimo Arte.

 

Después del tráiler queda el mítico montaje de los besos censurados.

 

Conviene tener un pañuelo a mano: el cura consiguió cortar los besos, pero no sus efectos secundarios.

 

Mi puntuación: 8,66/10.

 

Escena en la cabina de proyección de Cinema Paradiso

 

Dirigido por Giuseppe Tornatore:

Retrato del director Giuseppe Tornatore

 

Ficha: En este enlace.

 

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Totò junto al proyector en Cinema Paradiso

 

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Rashomon – 1950 – Akira Kurosawa – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Rashomon para Wilder Cinema

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuatro versiones y un funeral

 

Akira Kurosawa ya había dirigido una decena de películas cuando realizó Rashomon, pero esta fue la que lo convirtió en un cineasta internacional.

 

Después llegarían obras esenciales como Vivir, Los siete samuráis, Trono de sangre, Yojimbo, El infierno del odio, Dersu Uzala, Kagemusha, la sombra del guerrero o Ran.

 

Pocos directores han retratado con tanta fuerza la lucha entre la dignidad humana y nuestra irresistible tendencia a comportarnos como auténticos miserables.

 

Rashomon obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia de 1951, galardón que abrió definitivamente las puertas occidentales al cine japonés.

 

Al año siguiente recibió también el Oscar honorífico a la película extranjera más destacada estrenada en Estados Unidos durante 1951.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Si vi Rashomon en mi juventud, no la recordaba.

Tal vez mi memoria haya decidido ofrecerme su propia versión de los hechos, muy en consonancia con la película.

 

Durante el Japón imperial, el cine estuvo sometido a una férrea censura militarista.

Después de la derrota, la ocupación estadounidense eliminó aquel corsé, aunque impuso otro sistema de control que prohibía los contenidos ultranacionalistas y favorecía los valores democráticos.

No fue una libertad absoluta, pero para Akira Kurosawa resultó un terreno creativo mucho más respirable.

Paradojas de la vida: los ocupantes terminaron facilitando una libertad que el imperio había negado.

 

Kurosawa tuvo dificultades para convencer a los estudios con un guion tan desconcertante, basado en dos relatos de Ryūnosuke Akutagawa.

Su reducido reparto y sus escasos escenarios hacían pensar en una producción económica, pero la construcción a tamaño real de la monumental puerta y la lluvia artificial elevaron considerablemente el presupuesto.

Rashomon tenía aspecto de película barata, pero no lo fue tanto. Hasta los clásicos tienen sus facturas.

 

La película nos habla de la verdad y de la mentira, aunque en realidad va un poco más lejos.

 

No afirma que la verdad no exista, sino que nuestro acceso a ella está contaminado por el ego, la vergüenza y la necesidad de quedar bien.

 

El bandido, la mujer, el samurái muerto —que declara mediante una médium— y el leñador ofrecen cuatro versiones contradictorias del mismo suceso.

 

Cada uno retuerce los hechos para preservar su dignidad, justificar sus actos o disimular su mezquindad.

 

Aquí nadie miente de manera gratuita: todos construyen la realidad que les permite seguir soportándose a sí mismos.

 

El resultado es un retrato desolador de la condición humana.

 

La película cuenta varias veces la misma historia, pero nunca parece repetirse.

Cada nueva versión desmonta la anterior, modifica a los personajes y vuelve todavía más incierto lo sucedido.

No asistimos a cuatro repeticiones, sino a cuatro demoliciones de la verdad.

 

Al final, Kurosawa introduce un pequeño elemento de esperanza. El gesto del leñador con el niño abandonado no borra todo lo anterior, pero demuestra que todavía queda alguna posibilidad de salvación.

 

Tal vez la humanidad sea egoísta, embustera y cobarde, pero un único acto de compasión puede impedir su condena absoluta.

 

El título procede de Rashōmon o Rajōmon, la gran puerta meridional de la antigua capital imperial de Kioto.

Por tanto, no significa exactamente «puerta del castillo», sino algo más próximo a la gran puerta de entrada a la ciudad amurallada.

Su estado ruinoso puede interpretarse como el símbolo perfecto de una civilización construida por los hombres y destruida por ellos mismos.

 

La historia transcurre en el Japón medieval, pero sigue siendo perfectamente actual.

Cambian las ropas, las armas y los tribunales, pero nuestra habilidad para adaptar la verdad a nuestros intereses permanece en magnífica forma.

 

Una obra maestra. Y, por desgracia, una película cada día más moderna.

 

Mi puntuación: 10/10.

 

Toshirō Mifune y Machiko Kyō en Rashomon

 

Dirigido por Akira Kurosawa:

Akira Kurosawa durante el rodaje de Los siete samuráis en 1953

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Minoru Chiaki, Kichijirō Ueda y Takashi Shimura en Rashomon

 

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Centauros de la Alcarria – 2026-07-31 – Spider-Man, Kurosawa, Wilder Cinema y un intenso análisis de La Odisea en Centauros de la Alcarria

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Centauros de la Alcarria en Nueva Alcarria

 

Podcast de Centauros de la Alcarria

 

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Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) – 2025 – Joel Alfonso Vargas – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Haz lo que debas… pero después de la playa

 

Joel Alfonso Vargas es un cineasta dominicano-estadounidense criado en el Bronx.

 

Después del corto Target Is Hiring (2020), dirigió May It Go Beautifully for You, Rico (2024), antecedente directo de esta película y ganador del premio a la mejor dirección en la sección de cortometrajes de Locarno.

 

Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) supone su debut en el largometraje.

 

Su cine combina intérpretes poco conocidos, diálogos de apariencia improvisada y una puesta en escena cercana al documental.

 

La película se estrenó en Sundance 2025, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado de la sección NEXT al reparto coral.

 

Rico, interpretado por Juan Collado, es un dominicano-estadounidense de 19 años que sobrevive vendiendo en Orchard Beach unos cócteles caseros y clandestinos llamados nutcrackers.

 

Su proyecto vital parece limitarse a sacar unos dólares, perseguir chicas y dejar que el verano vaya pasando.

Tampoco conviene exigirle un plan quinquenal: bastante tiene con llenar la nevera portátil.

 

En casa ejerce un machismo de baratillo con su madre, AndreaYohanna Florentino—, y con su hermana menor, SallyNathaly Navarro—.

 

Reclama libertad, respeto y privilegios de adulto, pero las obligaciones ya si eso las hablamos otro día.

 

Su madre intenta mantener cierto orden en un piso pequeño y en una familia donde nadie parece demasiado dispuesto a facilitarle el trabajo.

 

La vida de Rico cambia cuando Destiny, una adolescente de 16 años interpretada por Destiny Checo, se queda embarazada y se instala en la vivienda familiar.

 

Él cree que puede convertirse en padre sin modificar ninguno de sus hábitos, como si el bebé fuera un nuevo mueble que basta con encajar en algún rincón.

 

La paternidad le ha llegado antes que la madurez, que sigue dando vueltas por el Bronx buscando aparcamiento.

 

Joel Alfonso Vargas rueda buena parte de la película mediante planos fijos, colocando la cámara en las esquinas de las habitaciones, detrás de una puerta entreabierta o a cierta distancia de los personajes.

 

Esta puesta en escena transmite la sensación de estar observando una familia real sin que sus integrantes sepan que estamos allí.

 

El piso abarrotado, los diálogos atropellados y las fricciones domésticas poseen una indudable verosimilitud.

 

El problema es que el retrato cotidiano no siempre termina convirtiéndose en una historia verdaderamente interesante.

 

El conflicto está claro desde muy pronto, pero avanza con pocas sorpresas y mediante una acumulación de escenas que insisten en las mismas actitudes.

 

La cámara observa mucho, aunque no siempre encuentra algo especialmente revelador.

 

Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) no es una película torpe ni falsa.

 

Está rodada con coherencia, sus personajes resultan creíbles y representa una realidad pocas veces mostrada desde dentro.

Pero la autenticidad no garantiza automáticamente el interés cinematográfico.

 

Al terminar conocemos bastante bien la vida de Rico, aunque queda la sensación de no haber descubierto demasiado sobre él.

 

Una película correcta, respetable y realista, pero también escasamente estimulante.

 

La vida cotidiana puede ser así de rutinaria; el cine no tiene por qué copiar también sus ratos más aburridos.

 

Mi puntuación: 5,67/10.

 

Escena de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

 

 

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Egghead Republic – 2025 – Pella Kågerman, Hugo Lilja – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Egghead Republic

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Miedo y asco en Kazajistán

 

Pella Kågerman y Hugo Lilja forman un matrimonio y un tándem cinematográfico sueco especializado en futuros poco tranquilizadores.

 

Debutaron juntos en el largometraje con Aniara (2018), una notable distopía espacial basada en el poema de Harry Martinson.

 

Lilja había presentado anteriormente el cortometraje The Unliving en la Berlinale, mientras que Kågerman dirigió después Reckless, estrenado en Sundance.

 

Egghead Republic es su segundo largometraje conjunto y combina la novela satírica de Arno Schmidt con las experiencias de Kågerman trabajando para Vice.

 

La película ganó el Premio del Público del Festival de Estocolmo de 2025.

 

También obtuvo cinco nominaciones a los premios Guldbagge de 2026 —película, actriz protagonista, actor secundario, maquillaje y diseño de producción— y Petra Kågerman ganó este último galardón.

 

El punto de partida tiene mucha pólvora, aunque sea radiactiva.

En una realidad alternativa donde la Guerra Fría nunca ha terminado, una bomba atómica ha convertido parte del Kazajistán soviético en una zona militarizada, aislada y presuntamente poblada por animales mutantes.

Entre ellos, unos centauros radiactivos que ya justifican cualquier viaje, reportaje o baja laboral.

 

Hasta allí pretende llegar el equipo del sensacionalista Kalamazoo Herald, dirigido por Dino Davis, un magnate de la prensa interpretado por Tyler Labine. Histriónico, manipulador, cocainómano y encantado de explotarlo todo —incluidos sus trabajadores—, recluta a la joven Sonja Schmidt, encarnada por Ella Rae Rappaport.

 

Sonja es una aspirante a ilustradora que acepta trabajar gratis con la esperanza de publicar sus dibujos.

Su ingenuidad, que en ocasiones roza directamente la estupidez, la convierte en una presa fácil para Dino.

Junto con los operadores de cámara Turan Hiram y Gemma, emprenden una expedición gonzo a la zona prohibida, pertrechados con trajes protectores, contadores Geiger y una irresponsabilidad digna de un máster.

 

La película debe interpretarse como una sátira y eso permite aceptar sus excesos.

 

Otra cosa es que el exceso funcione siempre.

La histeria permanente de Dino, la sumisión de Sonja y la competencia enfermiza entre los integrantes del equipo van provocando una descomposición moral que termina contaminando también el relato.

 

La relación entre la joven y su jefe resulta especialmente desagradable.

Dino es, textualmente, “un asqueroso, misógino, machista y un baboso de mierda”.

El problema no está en que el personaje sea repugnante, sino en que la película insiste tanto en demostrarlo que termina resultando cargante.

Confunde reiteración con profundidad.

 

Por el camino aparecen ideas interesantes sobre la precariedad laboral, la explotación de los jóvenes, el periodismo sensacionalista y la transformación de cualquier tragedia en contenido comercial.

Las ideas están ahí, pero se desarrollan de manera torpe, irregular y bastante menos incisiva de lo que prometía el planteamiento.

 

El desenlace pretende ser sorprendente y efectista, pero se queda simplemente en estridente.

 

Egghead Republic parecía destinada a convertirse en una gamberrada distópica memorable y termina siendo una película cansina, poco entretenida y mucho menos inteligente de lo que cree.

 

Promete bastante más de lo que ofrece.

 

Ni siquiera los centauros consiguen rescatarla de la zona de exclusión.

 

Mi puntuación: 4,45/10.

 

Escena de Egghead Republic

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Egghead Republic

 

 

 

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Tell Everyone – Kerro kaikille – 2026 – Alli Haapasalo – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Alguien voló sobre el nido de Seili… y allí le cortaron las alas

 

La finlandesa Alli Haapasalo debutó en el largometraje con Love and Fury (2016) y codirigió la película episódica Force of Habit (2019).

 

Su reconocimiento internacional llegó con Girl Picture (2022), Premio del Público en Sundance y ganadora de cuatro premios Jussi, incluidos película y dirección.

 

Su cine mantiene un especial interés por las mujeres que intentan escapar de los papeles que la sociedad les ha adjudicado.

 

Aquí, escapar va a resultar bastante más complicado.

 

Antes de su estreno, Tell Everyone ganó el premio al mejor proyecto de ficción en el Finnish Film Affair de 2025.

 

Después compitió por el Dragon Award a la mejor película nórdica en Gotemburgo 2026, donde también estuvieron nominados Marketta Tikkanen por su interpretación y Jarmo Kiuru por la fotografía, aunque ninguno ganó finalmente.

 

Tell Everyone se desarrolla en 1898, en la isla finlandesa de Seili.

 

Allí funciona una especie de manicomio para mujeres que, en realidad, tiene bastante más de cárcel que de establecimiento sanitario.

 

No sabemos cuánto había en aquellas reclusas de enfermedad mental, cuánto de delito y cuánto de simple rebeldía.

 

La etiqueta de la histeria servía como condena perpetua para mujeres consideradas incómodas.

 

Nadie esperaba que se curasen porque la curación nunca fue el verdadero objetivo.

 

El tratamiento consistía básicamente en cerrar la puerta y tirar la llave.

Medicina punta de lanza, pero clavada en la paciente.

 

A este infierno llega Amanda Aaltonen, interpretada por Marketta Tikkanen.

 

Es una mujer libre, viajada y con una biografía en la que resulta difícil separar la realidad de la leyenda.

Afirma haber vivido en París y hasta haber llegado en globo.

Su baúl de vestidos elegantes y sus relatos la convierten inmediatamente en el centro de atención de las internas y de las vigilantes.

 

Amanda está convencida de que su estancia será temporal.

Ella va a marcharse, va a recuperar su vida y no piensa dejarse domesticar.

Poco a poco descubre que Seili no tiene salida y que la única forma de sobrevivir consiste en relacionarse con las demás mujeres, adaptarse a las normas y construir una pequeña existencia dentro del encierro.

 

Ahí reside lo más inquietante de la película.

El sistema no necesita partir las voluntades de un golpe; le basta con lijarlas todos los días hasta conseguir que la resignación se parezca a la tranquilidad.

 

Alli Haapasalo nos introduce en este microcosmos femenino para hablar del control social, de la misoginia institucional y de cómo una prisión puede funcionar perfectamente sin necesidad de llamarse prisión.

 

A pesar de todo, estas mujeres siguen buscando esperanza, amistad y afecto.

 

Cuando la libertad resulta imposible, pertenecer a alguien puede convertirse al mismo tiempo en el último refugio y en la celda mejor decorada.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Escena de Tell Everyone

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Tell Everyone

 

 

 

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Una segunda vida – A Second Life – 2025 – Laurent Slama – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Una segunda vida

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Persona non grata en el París olímpico

 

Laurent Slama es un cineasta francés autodidacta, nacido en 1989, que suele ejercer también como guionista, productor y director de fotografía.

 

Firmó sus dos primeros largometrajes con el seudónimo Elisabeth Vogler, tomado del personaje de Liv Ullmann en Persona, de Ingmar Bergman.

Fueron París es nuestro (2019), adquirida por Netflix, y Roaring 20’s (Années 20) (2021), rodada en un único plano secuencia por las calles de París.

 

Una segunda vida es su tercer largometraje y el primero firmado con su verdadero nombre.

 

La película compitió en la sección internacional del Festival de Tribeca 2025 y pasó por Karlovy Vary.

 

En el Love International Film Festival de Mons 2026 obtuvo el Premio de la Mirada Ciudadana, mientras que Agathe Rousselle recibió el Premio de Interpretación.

 

Elisabeth Vogler, interpretada por Agathe Rousselle, es una estadounidense que ha recorrido medio mundo sin encontrar en ninguna parte un lugar donde sentirse realmente en casa.

 

Sobrevive en París trabajando como conserje de pisos turísticos.

 

El empleo consiste básicamente en correr de apartamento en apartamento, entregar llaves y soportar a viajeros bastante menos encantadores que los de las postales.

Todo ello durante la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos, con la ciudad invadida por turistas, controles policiales, militares y obstáculos de toda clase.

París, ciudad del amor, siempre que se tenga el código correcto del Airbnb.

 

Elisabeth intenta ser cordial, pero no le sale.

Tampoco ayuda que esté deprimida, deteste su trabajo y dependa de él para conservar su residencia en Francia.

Posee grandes conocimientos de tecnología e inteligencia artificial, pero no quiere enriquecerse diseñando algoritmos: aspira a trabajar para una ONG y hacer algo útil por el mundo.

El idealismo está muy bien, aunque las autoridades de inmigración suelen preferir una nómina.

 

Entre los turistas que se cruzan en su agotadora jornada aparece Elijah, interpretado por Alex Lawther.

Es un californiano despreocupado, especialista en hipnosis y llegado a París para preparar a deportistas olímpicos.

Elijah se introduce en la vida de Elisabeth con la delicadeza de quien entra en un piso sin llamar.

Ella se resiste, pero termina dejándose arrastrar por él y por ese pequeño grupo de amigos que le ofrece algo que llevaba tiempo evitando: compañía.

 

Elisabeth es solitaria, arisca y poco dispuesta a establecer vínculos.

No busca disfrutar de París, sino sobrevivir en una ciudad que percibe como inhóspita y agresiva.

 

Su hipoacusia constituye uno de los elementos esenciales de la película.

Los audífonos la conectan con la realidad, pero también convierten el estruendo urbano en una experiencia saturada y hostil.

Cuando se los quita encuentra descanso, aunque ese silencio también la aísla de los demás.

El inteligente diseño sonoro permite compartir esa contradicción sin necesidad de convertir la película en una conferencia de audiología.

 

Una segunda vida depende casi por completo de Agathe Rousselle, que compone un personaje complejo, incómodo y difícil de querer.

Elisabeth no es simpática ni cariñosa y, en ocasiones, parece empeñada en impedir que el espectador empatice con ella.

 

Sin embargo, resulta imposible no sentir compasión ante su sufrimiento.

 

Rousselle evita convertirla en una víctima ejemplar o en una santa de calendario.

 

Debajo de su coraza hay una mujer deprimida que ha hecho del aislamiento un mecanismo de defensa.

 

Tal vez no apetezca quedar con Elisabeth para tomar unas cañas, y mucho menos llegar tarde al check-in, pero su aspereza proporciona verdad al personaje.

 

La película no necesita transformarla milagrosamente.

 

Le basta con abrir una pequeña grieta en su armadura y dejar que, durante unas horas, entre algo de luz.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Los protagonistas de Una segunda vida sentados en un puente de un jardín

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Elisabeth entre el público de un evento en Una segunda vida

 

 

 

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Wild Foxes – La Danse des Renards – 2025 – Valery Carnoy – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Wild Foxes

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Bailando con zorros, boxeando con fantasmas

 

El belga Valéry Carnoy, formado en el INSAS de Bruselas, debuta en el largometraje con Wild Foxes (La danse des renards).

 

Anteriormente dirigió los cortos Ma planète, premiado en el Festival Black Nights de Tallin, y Titan, seleccionado en casi un centenar de festivales y ganador de más de treinta premios. Un currículum breve, pero sin relleno de mercadillo.

 

Wild Foxes fue presentada en la Quincena de Cineastas de Cannes 2025, donde obtuvo el Europa Cinemas Label a la mejor película europea y el Coup de cœur de los autores de la SACD.

También recibió el Premio del Jurado Joven de Punto de Encuentro en la Seminci 2025.

 

En este internado deportivo, el boxeo no parece una simple afición.

Para muchos de estos muchachos representa una posible salida, una forma de continuar estudiando, mantener cierta disciplina y soñar con algún triunfo.

 

Camille, interpretado por Samuel Kircher, es un joven valiente, competitivo y con talento.

 

Después de sufrir un accidente que podría haberle costado la vida y del que es salvado por su amigo Matteo, su lesión física evoluciona favorablemente.

 

Sin embargo, aparece un dolor sin explicación orgánica, de evidente componente psicógeno.

 

Los médicos dicen que está recuperado, pero su cuerpo se empeña en llevarles la contraria.

 

A partir de ahí pierde la bravura que mostraba sobre el cuadrilátero.

 

El verdadero golpe no ha sido el accidente, sino el miedo que ha dejado instalado dentro de él.

 

La película retrata muy bien ese ambiente testosterónico del boxeo masculino: sudor, músculos, bromas, competitividad y una obligación permanente de demostrar que uno está a tope.

No hay espacio para la fragilidad.

Quien duda, se asusta o muestra dolor corre el peligro de perder su sitio dentro de la manada.

 

Por los alrededores del internado merodean unos zorros que los alumnos alimentan clandestinamente con carne robada de los congeladores.

 

La población de animales aumenta y termina convirtiéndose en algo más que una anécdota.

 

Los zorros y los boxeadores forman dos manadas alimentadas artificialmente, obligadas a competir y a sobrevivir.

 

Unos enseñan los dientes; los otros, los guantes.

 

También está la amistad entre Camille y Matteo, llena de lealtades, fricciones, silencios y contradicciones.

 

Porque salvarle la vida a un amigo no garantiza que después resulte sencillo convivir con sus miedos.

 

El boxeo ha dado muchísimo juego en el cine, casi siempre alrededor del luchador que alcanza la gloria gracias al sacrificio y al montaje musical de entrenamiento correspondiente.

 

Valéry Carnoy se aparta de ese camino.

 

Aquí el adversario es invisible y la victoria quizá consista en aceptar la propia debilidad.

 

Wild Foxes es una película interesante que aporta novedades al género y utiliza el boxeo para hablar de amistad, masculinidad y miedo.

 

No gana por KO, pero vence holgadamente a los puntos.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

Escena de Wild Foxes

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Wild Foxes

 

 

 

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Un secuestro familiar – Itt érzem magam otthon – 2025 – Gábor Holtai – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Un secuestro familiar

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Familia, pero con secuestro y sin anestesia

 

Gábor Holtai es un director, ingeniero de sonido y compositor húngaro.

 

Un secuestro familiar es su primer largometraje, aunque anteriormente había realizado los cortos Property (Válaszfal, 2018) y Second Round (Második kör, 2020), además de participar en la película colectiva In the Same Garden (2016).

 

No había dirigido otro largo, pero tampoco ha aparecido de repente con una cámara debajo del brazo.

 

Aquí demuestra ser un cineasta formidable.

 

La película obtuvo el Méliès de Plata al mejor largometraje fantástico en Sitges 2025 y el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Transilvania 2026.

 

Me habían hablado tan bien de ella que visioné con todas mis alarmas encendidas.

 

Mi criterio no siempre coincide con el de los críticos y, muchas veces, tampoco con el del público.

Pero, en esta ocasión, las recomendaciones traían mercancía: estamos ante una película extraordinaria.

 

Un secuestro familiar es una distopía de andar por casa, casi literalmente.

 

No necesita grandes decorados, efectos digitales ni ciudades futuristas llenas de drones.

 

Con pocos personajes, escasas localizaciones y recursos muy ajustados, construye una sociedad perfectamente reconocible en la que cada individuo debe interpretar el papel que le han asignado.

 

La película habla de supervivencia.

De aceptar normas que detestamos, cubrir funciones que no hemos elegido y convertirnos en otra persona porque la alternativa puede ser la exclusión o la desaparición. O te adaptas o pereces.

 

Una crueldad que puede parecer exagerada hasta que se mira alrededor con un poco de atención.

 

El trabajo de guion de Attila Veres es magnífico.

La película desarrolla su alegoría sin discursos explicativos ni subrayados de rotulador fluorescente.

Va cerrando las paredes alrededor del espectador hasta convertir la proyección en una experiencia asfixiante, perturbadora y difícil de sacudirse de encima.

 

Buena parte del mérito reside en Rozi Lovas, una actriz desconocida para mí que compone un personaje extraordinario.

Su interpretación transmite miedo, desconcierto, sometimiento y esa capacidad tan humana para acostumbrarse incluso a lo intolerable cuando está en juego la propia supervivencia.

 

La estética deliberadamente antigua, la fotografía oscura, gris y casi fúnebre, y la opresión de los espacios encajan perfectamente con lo que se está contando.

No hay nada ornamental: cada elemento contribuye a producir incomodidad.

 

Conviene verla sabiendo lo mínimo posible.

 

No necesita que nadie destripe su argumento ni explique previamente sus símbolos como si fueran las instrucciones de una lavadora.

 

Basta con saber que es una grandísima película, de esas que terminan en la pantalla pero continúan dando vueltas dentro de la cabeza.

 

Mi puntuación: 8,77/10.

 

Escena de Un secuestro familiar

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Un secuestro familiar

 

 

 

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Mother Mary – 2026 – David Lowery – #YoVoyAlCine

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Mother Mary

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ha nacido una estrella… y necesita un exorcista

 

Está claro que 2026 pertenece a Anne Hathaway.

 

Después de El diablo viste de Prada 2 y La Odisea, llega esta Mother Mary, mientras aún aguardan The End of Oak Street y Verity.

Lo de La princesa por sorpresa 3 tendrá que esperar: hasta una reina de Genovia necesita respirar de vez en cuando.

 

David Lowery es uno de esos directores imposibles de domesticar.

 

Puede moverse del romanticismo independiente de En un lugar sin ley a una producción de Disney como Peter y el dragón.

 

En A Ghost Story convirtió una sábana en una reflexión sobre el duelo y, con El caballero verde, se lanzó a una fantasía medieval tan hermosa como desconcertante.

 

También ha dirigido The Old Man & the Gun y Peter Pan & Wendy.

 

Con Mother Mary regresa a su territorio más libre, simbólico y extravagante.

 

Mother Mary me parece una película subyugante y absolutamente arrebatadora.

 

Mary, una estrella mundial del pop, prepara su regreso a los escenarios después del grave percance que la obligó a retirarse.

Para esa reaparición necesita un vestido y recurre a Sam Anselm, antigua amiga y diseñadora de vestuario con la que mantiene una relación emocional y creativa llena de heridas mal cerradas.

 

Lo que comienza como la confección de un traje termina convertido en una catarsis. O en un exorcismo. O en una sesión de psicoanálisis con telas, tijeras, canciones y fantasmas. Posiblemente en todo a la vez.

 

La película mezcla drama musical, melodrama, trauma psiquiátrico, amistad, deseo, terror sobrenatural y thriller psicológico.

 

También se adentra en el body horror: el cuerpo de Mary termina convertido en campo de batalla, receptáculo del trauma y materia para una inquietante transformación.

 

Sobre el papel, semejante cóctel podía haber acabado como una ensalada preparada por alguien con fiebre.

Sin embargo, Lowery consigue que todos esos ingredientes formen parte de una misma experiencia emocional.

 

Durante buena parte del metraje, la historia funciona como una obra de cámara.

Dos mujeres encerradas en un taller, enfrentándose al vestido, al pasado y a todo aquello que nunca fueron capaces de decirse.

Pero esa teatralidad resulta extraordinariamente cinematográfica.

Los cuerpos, los silencios, la iluminación y el vestuario están colocados con una precisión casi litúrgica.

 

Después, la película se desborda en imágenes oníricas, coreografías, apariciones y composiciones visuales en las que la postproducción no es un mero adorno, sino parte fundamental del relato.

 

Hay momentos verdaderamente vibrantes y otros que parecen cuadros religiosos contaminados por un videoclip de pop.

 

Todo está sostenido por una Anne Hathaway intensísima y absolutamente desbordante.

Canta, baila, llora, se analiza, se rompe y vuelve a reconstruirse delante de la cámara.

 

Michaela Coel, mucho más contenida, supone el contrapeso perfecto: impide que semejante vendaval interpretativo termine llevándose la película y tres filas de espectadores.

 

Es comprensible que algunas personas puedan encontrarla pretenciosa, excesiva o directamente irritante.

 

Mother Mary no conoce la palabra discreción y tampoco parece interesada en aprenderla. A mí, precisamente por eso, me ha fascinado.

 

Un festín visual, emocional y musical, arriesgado hasta el delirio y destinado a dividir al público.

 

Para mí, una de las mejores películas del año.

 

Lástima que probablemente no encuentre todos los espectadores que merece.

 

Mi puntuación: 9,77/10.

 

Anne Hathaway interpreta a la estrella del pop Mother Mary sobre el escenario

 

Dirigido por David Lowery:

David Lowery conversa con Anne Hathaway durante el rodaje de Mother Mary

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Una mujer ajusta el vestuario de otra en una escena de Mother Mary

 

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La última ronda en Venecia – Le città di pianura – 2025 – Francesco Sossai – #YoVoyAlCine

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La última ronda en Venecia

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Dos borrachos y un destino: el próximo bar

 

El italiano Francesco Sossai estudió Literatura inglesa y alemana antes de formarse como director en Berlín.

 

Debutó en el largometraje con Altri Cannibali (2021), premiada como mejor ópera prima en el Festival de Tallin.

 

Después dirigió el cortometraje Il compleanno di Enrico (2023), presentado en la Quincena de Cineastas de Cannes.

 

La última ronda en Venecia, su segundo largometraje, participó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes de 2025.

 

La última ronda en Venecia consiguió dieciséis nominaciones y ocho premios David di Donatello, incluidos mejor película, dirección para Francesco Sossai, actor protagonista para Sergio Romano, guion original, producción, montaje, canción y casting.

Casi tuvieron que llevar las estatuillas a casa en un remolque.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Acudo a los Multicines Guadalajara con ganas de comprobar por qué esta película ha conectado tan bien con los espectadores y la crítica italianos.

 

La propuesta mezcla comedia, costumbrismo, algún amago de misterio y, sobre todo, una road movie bañada en alcohol.

 

Carlobianchi y Doriano, dos cincuentones que han hecho de la última copa una filosofía de vida, reclutan por el camino a Giulio, un tímido estudiante de arquitectura interpretado por Filippo Scotti.

 

El muchacho comienza rechazando a estos dos tipos mugrientos, derrotados y con una sed que habría preocupado al mismísimo Baco.

Poco a poco, sin embargo, termina confraternizando con ellos y descubriendo que, debajo de tanta resaca, pueden resultar relativamente entrañables.

 

Al menos, esa es la intención de la película.

El problema es que no consigo empatizar con ninguno de los personajes, y esa conexión resulta fundamental para disfrutar del viaje.

Hay que subirse al coche con ellos, acompañarlos de bar en bar y aceptar su forma desastrosa de entender la existencia.

Yo me quedo en la cuneta.

 

La película insiste una y otra vez en la misma idea: la última copa, el último bar, la última oportunidad de seguir prolongando una noche que parece no terminar nunca.

 

La reiteración acaba resultando agotadora y la supuesta gracia se me atraganta.

 

Intento encontrarle el punto, pero cuando ellos piden otra ronda, yo ya estoy buscando la salida de emergencia.

 

Bajo el tono de comedia existe un patetismo considerable.

Esta es, al fin y al cabo, una historia de fracasados, y las historias de perdedores suelen interesarme mucho.

Pero estos personajes parecen haberse instalado voluntariamente en la derrota y haber tirado la llave.

 

El cine italiano ha encontrado dos entrañables supervivientes.

 

Yo solo he visto a dos borrachines buscando un bar que todavía estuviera abierto.

 

Mi puntuación: 4,56/10.

 

Escena de La última ronda en Venecia

 

Dirigido por Francesco Sossai:

Francesco Sossai, director de La última ronda en Venecia

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Los protagonistas de La última ronda en Venecia

 

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H de halcón – H Is for Hawk – 2025 – Philippa Lowthorpe – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

1/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de H de halcón

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Alguien voló sobre el nido del azor

 

La británica Philippa Lowthorpe comenzó su carrera en el documental y ha desarrollado buena parte de su trayectoria en televisión.

 

Fue la primera mujer en ganar el BAFTA a la mejor dirección de ficción televisiva por Call the Midwife.

 

También ha dirigido Three Girls, episodios de The Crown y El tercer día, además de las películas Golondrinas y amazonas y Rompiendo las normas.

 

En H de halcón adapta, junto a Emma Donoghue, las memorias de Helen Macdonald.

 

H de halcón fue nominada al BAFTA 2026 a la mejor película británica.

 

Su directora de fotografía, Charlotte Bruus Christensen, también recibió una nominación en los British Independent Film Awards. 

 

Aunque se presenta como una producción británica, se trata en realidad de una coproducción entre Reino Unido, Estados Unidos y Singapur.

 

Eso sí, su acabado es inconfundiblemente británico: fotografía impecable, escenarios cuidados y una dirección artística capaz de conseguir que hasta una casa hecha un estercolero resulte elegante

 

El personaje central es Helen Macdonald, interpretada estupendamente por Claire Foy.

 

Tras la muerte repentina de su padre, Alisdair, encarnado por Brendan Gleeson en un papel breve pero fundamental, Helen se queda sin brújula emocional.

 

Su tabla de salvación será Mabel, un azor al que decide cuidar y adiestrar.

El azor no es exactamente un halcón —aunque el título español vaya por libre—, sino una rapaz especialmente poderosa, nerviosa e indómita.

 

Un animal que exige tanta dedicación que permite a Helen ocuparse de cualquier cosa menos de sí misma.

 

El duelo termina transformándose en una depresión profunda.

Ahí está lo más interesante de la película: el aislamiento progresivo, el abandono del aseo, el deterioro de la casa, la incapacidad para trabajar y la desconexión de familiares y amigos.

Su entorno percibe que algo marcha mal, pero tarda demasiado en comprender que no está simplemente triste.

 

Cuando por fin interviene una profesional, un cuestionario ayuda a identificar y medir los síntomas.

Conviene puntualizar que ningún test diagnostica por sí solo una depresión: el diagnóstico es clínico.

Tampoco queda claro qué tratamiento recibe, así que atribuir su mejoría exclusivamente a los antidepresivos sería una inferencia.

Estos pueden comenzar a hacer efecto en unas semanas, pero no funcionan por decreto ministerial. 

 

Claire Foy sostiene el drama con una interpretación muy física y entregada.

Está magnífica, aunque en algún momento se aproxima peligrosamente al Campeonato Mundial de Intensidad Interpretativa.

 

Brendan Gleeson aporta calidez y Mabel demuestra que para tener personalidad no hacen falta diálogos, solo pico, garras y bastante mala leche.

 

El problema es que la película no termina de confiar en la fuerza de su propio drama.

 

Siempre que el relato amenaza con volverse incómodo introduce algún acontecimiento tranquilizador, como si temiera que el espectador saliera del salón sin su correspondiente abrazo emocional.

 

La escena final pretende convertirse en el gran momento lacrimógeno, pero está demasiado preparada y metida con calzador.

 

H de halcón retrata bien la depresión y ofrece una estupenda interpretación de Claire Foy, pero acaba domesticando el dolor para que nadie abandone la película con las plumas demasiado revueltas.

 

Mi puntuación: 6,56/10.

 

Brendan Gleeson en una escena de H de halcón

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Claire Foy con el azor en H de halcón

 

 

 

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Seis días en primavera – Six jours ce printemps-là – 2025 – Joachim Lafosse – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

1/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Seis días en primavera

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

En el chalé del exsuegro

 

Joachim Lafosse (Uccle, Bélgica, 1975) es un director y guionista especializado en meter el bisturí en las familias, las parejas y sus miserias.

 

En su filmografía destacan Propiedad privada, Perder la razón, Los caballeros blancos, Después de nosotros, Un amor intranquilo y Un silencio.

 

Su cine suele explorar los conflictos emocionales, las diferencias sociales y esos secretos familiares que siempre terminan saliendo del armario.

 

En Seis días en primavera regresa a esos temas a partir de un episodio de su propia infancia.

 

La película obtuvo en el Festival de San Sebastián 2025 la Concha de Plata a la mejor dirección para Joachim Lafosse y el Premio del Jurado al mejor guion, firmado por Lafosse, Chloé Duponchelle y Paul Ismaël.

 

Sana, una madre divorciada y con problemas económicos, decide pasar las vacaciones de Semana Santa con sus hijos gemelos y su nuevo novio en el chalé de su exsuegro, cerca de Saint-Tropez.

 

El pequeño inconveniente es que nadie les ha dado permiso.

Cosas de familia: donde antes estaba la llave de casa, ahora hay allanamiento con vistas al Mediterráneo.

 

La película se construye con elementos muy sencillos.

 

Los niños se bañan, juegan y se divierten con el novio de mamá, mientras Sana vive permanentemente inquieta, esperando que alguien descubra la ocupación clandestina.

 

Esa amenaza nunca desaparece y convierte unas vacaciones aparentemente felices en una estancia bajo vigilancia.

 

Bajo esta historia modesta también aparece el desclasamiento: Sana vuelve a un mundo acomodado al que perteneció durante un tiempo, pero del que ahora ha sido expulsada.

 

La casa sigue allí, pero ella ya es una intrusa.

 

Especialmente despreciables resultan la vecina chivata y el administrador de la finca, que aprovecha la situación para intentar sacar tajada.

Dos personajes que demuestran que, cuando alguien está en apuros, siempre aparece un voluntario dispuesto a hundirlo un poquito más.

 

Seis días en primavera es una película pequeña, nada pretenciosa y narrada sin grandes alardes.

 

Consigue interesar y entretener con unos niños jugando, una madre angustiada y el temor constante a que aparezca el exsuegro con la Guardia Civil francesa.

 

Una última colleja corresponde a la traducción.

 

Los subtítulos se permiten cambios que en ocasiones resultan poco apropiados.

 

El propio título español pierde un matiz importante: Six jours ce printemps-là sería más fielmente Seis días aquella primavera o, en una versión algo más natural, Seis días en aquella primavera.

 

No es lo mismo que Seis días en primavera: al desaparecer “aquella”, también se diluye la idea de un recuerdo concreto.

 

Traducir no es calcar, desde luego, pero tampoco podar porque sí.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

Escena de Seis días en primavera

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Seis días en primavera

 

 

 

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Si me voy, ¿me echarán de menos? – If I Go Will They Miss Me – 2026 – Walter Thompson-Hernandez – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

1/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Si me voy, ¿me echarán de menos?

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cómo sobrevivir a un mal padre

 

Walter Thompson-Hernández procede del periodismo y debutó en la ficción con el cortometraje If I Go Will They Miss Me, premiado en Sundance en 2022.

Después dirigió para Netflix el documental Secretos del deporte: Escoltas y estrenó su primer largometraje, Kites, en 2025.

 

Si me voy, ¿me echarán de menos?, ampliación de aquel corto inicial, confirma su interés por el realismo social, las comunidades marginales y una imaginación capaz de elevarse por encima del asfalto.

 

El largometraje se presentó en Sundance 2026 y ha construido un notable palmarés en certámenes estadounidenses con menor altavoz mediático: mejor largometraje narrativo en RiverRun, máximo premio del jurado a una película de ficción en el Berkshire International Film Festival, premio a la mejor fotografía para Michael Fernandez en Brooklyn y premio de la dirección del festival en Atlanta.

 

Conviene no atribuirle el premio de Sundance 2022, que correspondió al cortometraje original.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Estamos ante una película brillante, construida con inteligencia, sensibilidad y una estupenda combinación de realismo social e imaginación.

 

El guion establece muy bien su conflicto principal.

 

Big Ant, interpretado magníficamente por J. Alphonse Nicholson, regresa a casa después de uno de sus periodos en prisión.

 

Quiere evitar que su hijo siga la estela que él mismo ha dejado, sembrada de condenas, salidas en libertad y nuevas caídas.

 

El problema es que para enseñar un camino distinto hay que saber recorrerlo.

 

Durante su estancia en la cárcel, Big Ant ha escrito cartas llenas de promesas.

Una vez fuera, incumple casi todas.

En el papel parecía candidato a padre del año; en libertad no supera ni la fase de grupos.

 

Se muestra distante y áspero con su hijo, es incapaz de adaptarse a la vida familiar y termina dinamitando la convivencia con sus infidelidades y sus malas decisiones.

 

No es un buen padre, aunque probablemente quiera serlo y no tenga las herramientas emocionales necesarias.

 

Frente a él se encuentra Lil Ant, interpretado por el estupendo Bodhi Dell.

Es un niño inteligente, sensible y magnífico dibujante que utiliza la imaginación para escapar de una realidad demasiado estrecha.

Ha heredado de su padre y de su abuelo la fascinación por los aviones y el sueño familiar de convertirse algún día en piloto.

Pero la precariedad, la falta de oportunidades y el ambiente en el que vive convierten la cabina de un avión en un horizonte casi inalcanzable.

 

Y luego está el barrio.

Aunque llamar «un personaje más» al escenario es uno de los comodines más sobados de la crítica cinematográfica, aquí toca utilizarlo porque es verdad.

 

Las viviendas sociales de Watts, al sur de Los Ángeles y bajo la ruta aérea de LAX, forman una pequeña comunidad mayoritariamente afroamericana, con presencia chicana, en la que existe una auténtica solidaridad vecinal.

 

Es un lugar incluso idílico en algunos momentos, pero nunca edulcorado.

Algunos vecinos no invitan precisamente a pedirles fuego en un callejón oscuro, aunque tampoco funcionan como simples figurantes amenazadores.

Parecen personas arrancadas de la realidad y aportan al relato una enorme autenticidad.

 

En medio de esa comunidad podría crecer una familia estupenda.

Sin embargo, las ausencias, las infidelidades y la irresponsabilidad del padre van agrietando el hogar.

 

Mientras Big Ant permanece atrapado en su propio fracaso, Lil Ant mira constantemente hacia el cielo, buscando en los aviones, los dibujos y la mitología una salida que la vida cotidiana parece negarle.

 

Una película realmente valiosa, lírica sin ponerse cursi y social sin convertir a sus personajes en un folleto reivindicativo.

 

Walter Thompson-Hernández retrata con enorme sensibilidad el daño que puede provocar un mal padre y la capacidad de un hijo para sobrevivir imaginando que algún día podrá volar.

 

Mi puntuación: 7,88/10.

 

Lil Ant visto desde abajo en Si me voy, ¿me echarán de menos?

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Big Ant junto a un televisor en Si me voy, ¿me echarán de menos?

 

 

 

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Yes! – Ken – 2025 – Nadav Lapid – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

31/07/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Yes!

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El nuevo himno nacional israelí

 

Nadav Lapid es uno de los grandes agitadores del cine israelí contemporáneo.

 

Debutó con Policeman (2011), a la que siguieron La profesora de parvulario (2014), Sinónimos (2019), Oso de Oro en Berlín, y La rodilla de Ahed (2021),

 

Premio del Jurado en Cannes.

 

Su cine siempre ha mantenido una relación conflictiva, furiosa y dolorosa con Israel.

 

Yes! es su quinto largometraje y posiblemente el más desatado.

 

La película se presentó mundialmente en la Quincena de Cineastas de Cannes de 2025.

Obtuvo siete nominaciones a los Premios Ophir israelíes y ganó los correspondientes a montaje y sonido.

Nili Feller recibió además el Premio José Salcedo al mejor montaje en la Seminci de Valladolid.

 

Yes! es una película sorprendente, excesiva y agotadora.

Y., interpretado por Ariel Bronz, y Yasmin, encarnada por Efrat Dor, forman una pareja enamorada, con un bebé y una energía aparentemente inagotable.

Bailan, se besan, se retuercen y recorren las fiestas de la alta sociedad israelí como dos criaturas incapaces de permanecer quietas.

 

La cámara los acompaña en ese frenesí hasta dejar al espectador pidiendo una tila y un plano fijo.

 

La película es una sátira feroz contra la élite política, económica y militar israelí que vive instalada en una burbuja de lujo, fiestas, trajes caros y perversiones, mientras Gaza es arrasada a pocos kilómetros.

 

Para esta gente, la guerra parece otra forma de entretenimiento.

Los soldados mueren o cometen atrocidades, el pueblo palestino soporta bombardeos, hambre y destrucción, y ellos siguen bailando. L

a frivolidad no es aquí una vía de escape, sino una forma de complicidad.

 

El conflicto aparece cuando Y. acepta el encargo de poner música a un nuevo himno nacional, ultranacionalista, vengativo y partidario de exterminar todo lo que no encaje en su idea de Israel.

El trabajo abre una grieta en esa pareja aparentemente indestructible y obliga al músico a enfrentarse a su propia cobardía moral: ¿hasta dónde puede vender un artista su talento, su cuerpo y su conciencia para seguir viviendo cómodamente?

 

La estética es pop, kitsch y deliberadamente estridente.

 

Hay momentos brillantes, escenas desagradables y situaciones genuinamente hilarantes.

 

Por momentos parece Paolo Sorrentino después de tres espressos y una crisis nerviosa; en otros, se lanza de cabeza hacia el surrealismo y el cine más vanguardista.

 

El resultado es muy irregular.

 

Lapid confunde en más de una ocasión la intensidad con la eficacia, pero incluso cuando irrita resulta difícil apartar la mirada.

 

Lo más escalofriante es que el vídeo del coro infantil cantando ese himno de destrucción no fue inventado para la película.

Lapid incorpora una grabación publicada realmente después del 7 de octubre, basada en una versión pervertida de Hareut, la conocida canción surgida de un poema de Haim Gouri, convertida en una llamada al aniquilamiento de Gaza.

Cuando la realidad supera semejante sátira, al guionista solo le queda levantar las manos y decir: «Yo ya no puedo hacer más».

 

Yes! es, en definitiva, un dardo afilado y envenenado clavado en el trasero de las clases dirigentes israelíes.

 

Deslumbrante y molesta, divertida y desagradable, brillante y extenuante.

 

No siempre funciona, pero cuando acierta deja una herida difícil de disimular bailando.

 

Mi puntuación: 7,86/10.

 

Escena de una fiesta en Yes!

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Una mujer entre dos hombres en una fiesta de Yes!

 

 

 

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Kingdom – Krolestwo – 2025 – Michał Ciechomski – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

31/07/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Kingdom

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Que vienen los nuevos bárbaros

 

Michał Ciechomski nació en Varsovia en 1992 y estudió Dirección en la Escuela de Cine Krzysztof Kieślowski, además de Ingeniería Aeroespacial, combinación bastante apropiada para lanzar distopías.

 

Kingdom es su primer largometraje, después de cortos como A Short Story, Love y Submission.

Este último obtuvo el Premio Jan Machulski al mejor cortometraje de 2021.

 

Kingdom ganó el Premio Talents x ESCAC en el D’A Film Festival 2026.

El jurado destacó su mirada sobre el nacionalismo y la violencia y el diálogo que establece entre la guerra, la masculinidad y la sexualidad.

 

Con Kingdom comenzamos nuestro recorrido por la sección oficial AMFFRaw del Atlàntida Mallorca Film Fest 2026.

 

La producción polaca nos traslada a un país del Este al borde del colapso, reconociblemente cercano a Polonia aunque nunca necesite colocarle una bandera.

 

Ante la supuesta llegada de unos nuevos bárbaros, un grupo de ultras organiza la resistencia.

 

Cabezas rapadas, cazadoras bomber, pantalones oscuros, disciplina paramilitar y esa vieja costumbre de fabricar enemigos para justificar la violencia.

 

Una secta disfrazada de defensa de la patria, porque el envoltorio cambia, pero el producto sigue oliendo igual.

 

La historia se centra en dos hermanos que toman caminos diferentes.

 

Uno se entrega a la violencia; el otro pretende escapar, pero termina absorbido por el mismo grupo.

 

La presión colectiva es uno de los elementos más logrados de la película: nadie parece poder mantenerse al margen cuando pertenecer a la manada se convierte en la única forma de supervivencia.

 

En medio de este universo hipermasculino y testosterónico, instalado en una especie de abadía abandonada, surge una relación homosexual tan inesperada como reveladora.

Una grieta íntima dentro de una organización construida precisamente para aplastar cualquier diferencia.

 

La puesta en escena es lo más poderoso de la película.

La fotografía es oscura, sucia y desoladora.

Los rostros apenas se ven; más que contemplarlos, hay que adivinarlos.

El mundo de Kingdom es lóbrego, hostil y profundamente triste.

 

Ciechomski utiliza numerosos planos fijos, sostenidos durante bastante tiempo, con algunos zooms que se aproximan lentamente a los personajes.

También recurre a la pantalla partida, no como simple adorno moderno, sino para mostrar una misma situación desde perspectivas distintas o para enfrentar dos versiones alternativas de la realidad.

 

El problema es que la potencia visual no encuentra un guion igual de sólido.

La película acumula ideas, símbolos, ambientes inquietantes y recursos formales interesantes, pero carece de una estructura narrativa suficientemente compacta.

 

Funciona mejor como atmósfera y como advertencia política que como relato.

 

Interesante, incómoda y visualmente sugerente, aunque narrativamente algo deslavazada.

 

Los bárbaros pueden estar llegando.

O quizá llevaban todo el tiempo dentro.

 

Mi puntuación: 7,56/10.

 

Escena de Kingdom junto a un lago

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Kingdom

 

 

 

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Dirty Dancing – 1987 – Emile Ardolino – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

31/07/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Nadie arrincona a Baby… salvo algún diálogo cursi

 

Emile Ardolino procedía del mundo de la danza y de la televisión.

 

Su documental He Makes Me Feel Like Dancin’ ganó el Óscar al mejor largometraje documental.

 

Después de Dirty Dancing dirigió El cielo se equivocó, Tres hombres y una pequeña dama y su otro gran éxito, Sister Act: Una monja de cuidado.

 

Murió prematuramente en 1993, a los 50 años, dejando una filmografía breve, pero bastante reconocible.

 

La canción «(I’ve Had) The Time of My Life», interpretada por Bill Medley y Jennifer Warnes, ganó el Óscar y el Globo de Oro a la mejor canción original.

 

La película también fue candidata al Globo de Oro a mejor comedia o musical, y Jennifer Grey y Patrick Swayze recibieron sendas nominaciones interpretativas.

 

En 2024 fue incorporada al Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su relevancia cultural, histórica y estética.

 

 

El cutrecomentario

 

Wilder Cinema nos ofrece la oportunidad de recuperar en pantalla grande Dirty Dancing, una de esas películas que ya pueden presumir sin demasiado debate de la condición de culto.

 

Combina romance, drama adolescente y baile con alma de musical, aunque, por suerte, nadie se ponga a cantar sus sentimientos mirando directamente a cámara.

 

La historia se desarrolla durante el verano de 1963, en un complejo vacacional de los Catskills tan antiguo y clasista que parece que en cualquier momento van a prohibir también respirar sin corbata.

Allí llega con su familia Frances «Baby» Houseman, una adolescente ingenua, idealista y bastante mojigata interpretada por Jennifer Grey.

 

Todo marcha dentro de lo previsto hasta que la muchacha descubre a Johnny Castle, al que da vida un Patrick Swayze que mueve las caderas como si tuviera articulaciones de repuesto.

Baby se queda loquita perdida y comienza un proceso de aprendizaje que incluye baile, deseo, desobediencia y maduración acelerada.

Vamos, unas vacaciones bastante más productivas que hacer pulseritas junto a la piscina.

 

La película puede resultar blandita, ñoña, previsible y considerablemente cursi.

Pero dentro de ese envoltorio de romance veraniego introduce asuntos bastante más interesantes de lo que su fama almibarada podría hacer pensar.

 

Uno de ellos es la diferencia social.

Los clientes ricos disfrutan de bailes ordenados, respetables y convertidos en entretenimiento.

Los empleados, cuando desaparecen las miradas de los huéspedes, bailan de una manera mucho más física, sensual y libre.

El baile no elimina realmente las clases sociales, pero durante unos minutos consigue suspenderlas, que ya es bastante más de lo que suele lograr la política.

 

También resulta sorprendente la presencia del aborto clandestino sufrido por Penny.

No es una simple excusa argumental: muestra cómo la falta de recursos y la hipocresía moral podían convertir una decisión personal en un grave peligro para la salud.

 

Aquí adquiere importancia el doctor Jake Houseman, el padre de Baby, interpretado por Jerry Orbach.

Es un buen médico, un padre preocupado y, en general, una persona decente.

Pero también está cargado de prejuicios y juzga equivocadamente a Johnny por su clase social.

La película acierta al no convertirlo en un villano, sino en un hombre honorable capaz de equivocarse estrepitosamente.

 

El éxito comercial fue extraordinario y no necesita que le demos más brillo del que ya tiene.

 

Las fuentes sitúan su presupuesto entre 4,5 y 6 millones de dólares, mientras que su recaudación acumulada ronda los 214 millones en todo el mundo.

 

En Estados Unidos y Canadá superó los 64 millones.

Eso sí, no fue la segunda película más taquillera de 1987 en Norteamérica: según Box Office Mojo, ocupó el puesto undécimo entre los estrenos de aquel año por recaudación total en Estados Unidos y Canadá.

 

 

¿Qué fue de Baby y Johnny?

 

Después de la película, las carreras de sus protagonistas tomaron caminos muy distintos. Jennifer Grey continuó trabajando en cine y televisión, pero nunca llegó a convertirse en la gran estrella que parecía anunciar el éxito de Baby.

Las operaciones de nariz que modificaron notablemente su aspecto perjudicaron su reconocimiento público, según ha contado ella misma, aunque sería demasiado simplista atribuir únicamente a eso la evolución de su carrera.

En 2010, Jennifer Grey ganó la undécima temporada del concurso Dancing with the Stars, junto al bailarín Derek Hough.

En enero de 2026, Lionsgate confirmó que volverá a interpretar a Frances «Baby» Houseman y ejercerá como productora ejecutiva de una nueva secuela de Dirty Dancing, cuyo rodaje está previsto para 2026. Todavía no hay fecha oficial de estreno.

 

Patrick Swayze, en cambio, se convirtió en una de las grandes estrellas populares de finales de los ochenta y comienzos de los noventa gracias a De profesión: duro, Ghost: más allá del amor y Le llaman Bodhi.

Actor, bailarín y también cantante, poseía un carisma físico difícil de fabricar en un despacho.

Falleció en 2009, a los 57 años, víctima de un cáncer de páncreas.

 

Dirty Dancing lanzó a los dos por los aires. La diferencia es que Swayze permaneció arriba y Grey nunca terminó de completar la famosa elevación.

 

Mi puntuación: 6,67/10.

 

 

 

Dirigido por Emile Ardolino:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Vaiana – Moana – 2026 – Thomas Kail – #YoVoyAlCine

30/07/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Vaiana (2026)

 


Cutrecomentario de Ramón:

 

Las aventuras de una no princesa y un semidiós

 

Thomas Kail debuta en la dirección de un largometraje cinematográfico de ficción después de una carrera muy ligada al teatro musical.

 

Dirigió en Broadway In the Heights y Hamilton, por la que ganó el Tony.

 

También realizó Grease: Live, la versión filmada de Hamilton y varios episodios de Fosse/Verdon y Fuimos los afortunados.

 

En total, ha ganado tres premios Emmy.

 

Currículum musical no le falta, desde luego.

 

Hace diez años, cuando se estrenó la película de animación, escribí en mi blog que Vaiana era una película muy bonita.

Me gustaban sus personajes, aquella princesa rebelde y aventurera, el océano que cobraba vida, la perfección visual y unas canciones divertidas y emotivas.

Sobre todo, celebraba que la protagonista se moviera por el deseo de descubrir, conocer y aprender, y no por amor, como ocurría en La sirenita.

 

La nueva Vaiana, Moana en Estados Unidos, vuelve a contar aquella aventura, ahora en acción real.

Lo de «acción real» es un decir, porque hay tanto píxel suelto que algunos personajes deben de tener el grupo sanguíneo RGB.

 

Por cierto, el cambio de Moana a Vaiana en España no se debió exactamente al copyright, sino a que el nombre ya estaba registrado como marca.

 

Vaiana es la heredera de la jefatura de Motunui.

Disney insiste en que no es una princesa, pero, si eres hija del jefe y estás destinada a sucederlo, algo de princesa tienes.

Digamos que es una princesa sin corona, sin novio y sin ganas de ponerse a esperar que alguien la rescate.

 

Esta Vaiana me parece bastante más aventurera que nuestra princesa Leonor, aunque seguramente el protocolo de Zarzuela desaconseje cruzar el océano en canoa junto a un semidiós tatuado.

Le deseo, en cualquier caso, una juventud estupenda y un reinado muy acertado.

 

El gran atractivo de la película es Catherine Lagaʻaia, una muchacha vital, alegre y luminosa, que da fenomenal en cámara.

 

Transmite energía, decisión y una seguridad asombrosa.

 

A su lado está Dwayne Johnson —La Roca de toda la vida, para no liarnos—, que recupera a Maui, el semidiós grandullón, fanfarrón y, en el fondo, bastante inseguro.

 

La pareja funciona precisamente por ese contraste: el hombretón lleno de músculos y dudas frente a la muchachilla que transpira seguridad.

 

La colaboración forzada va convirtiéndose en amistad mientras recorren el océano y superan las pruebas necesarias para devolver la prosperidad a una isla que agoniza.

 

Los efectos digitales son espectaculares.

Destaca especialmente Te Kā, el monstruo de fuego y lava incandescente, magníficamente recreado y capaz de dar miedo de verdad.

 

A partir de aquí hay un spoiler importante.

 

La transformación de Te Kā en Te Fiti, esa divinidad vinculada a la vida y la naturaleza, es uno de los momentos más hermosos de la película.

La secuencia resulta embriagadora, colorista y muy emocionante.

Aquí el festival digital está plenamente justificado.

 

Las canciones siguen siendo estupendas, aunque me tocó ver la versión doblada y tuve que tragármelas también en castellano.

Me molestó, pero reconozco que son bastante más soportables que en otros musicales, donde uno termina deseando que el villano prohíba cantar por decreto.

 

También funcionan muy bien Heihei, el pollo tonto, y Pua, el cerdito, ambos digitales y encantadores.

Son secundarios concebidos para vender peluches, pero eso no impide que cumplan perfectamente su cometido.

 

Lo mejor sigue siendo Vaiana: una protagonista que no necesita enamorarse, quedarse huérfana ni esperar a ningún príncipe.

Tiene una familia, una responsabilidad y unas enormes ganas de descubrir qué hay más allá del arrecife.

 

Disney vuelve a vendernos prácticamente el mismo viaje, ahora con actores y toneladas de efectos digitales.

La maniobra comercial es evidente, pero la película resulta divertida, visualmente deslumbrante y está sostenida por la magnífica presencia de Catherine Lagaʻaia.

 

Mi puntuación: 6,67/10.

 

Catherine Lagaʻaia como Vaiana

 

 


Dirigido por Thomas Kail:

Thomas Kail, director de Vaiana

 


Ficha:
En este enlace.

 

 


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