El Blog de Hola Soy Ramón!

Cutrecomentario de Ramón:

Qué bonito era tener trece años… y no pagar la hipoteca

Tiempos de ilusión (Juste une illusion) pertenece a esa clase de películas que mezclan humor, drama familiar y realidad social para que el público salga del cine diciendo: «Qué película tan bonita».

Y, efectivamente, funciona.

Estamos en 1985 y vemos el mundo desde los ojos de Vincent, un chaval que está a punto de cumplir trece años. Descubre la amistad, el deseo, el amor y, sobre todo, que los adultos tampoco tienen demasiada idea de cómo funciona la vida.

Sus padres, interpretados por Louis Garrel y Camille Cottin, se pasan el día discutiendo y ofrecen pocos referentes. Su hermano mayor, aficionado al heavy metal, tampoco parece el mejor guía espiritual disponible.

Entre las pequeñas historias hay momentos muy divertidos, como los sucesivos y frustrados intentos de los chavales por conseguir ver una película clasificada X.

Louis Garrel está aquí bastante mejor que en otras películas —lo cual tampoco era muy difícil después de verlo en la de Nanni Moretti—, pero quien realmente está estupenda es Camille Cottin, absolutamente encantadora.

Tiempos de ilusión funciona especialmente bien cuando retrata los primeros amores y esa edad en la que uno empieza a descubrir que su familia, sus amigos y el mundo son bastante más complicados de lo que parecían.

No hay demasiadas novedades. Éric Toledano y Olivier Nakache vuelven a combinar humor, problemas sociales y sentimientos con esa habilidad suya para fabricar películas amables y buenrolleras.

De esas que gustan mucho a determinado público.

Y esta, seguramente, también gustará.

Los especialistas en buen rollo

Éric Toledano y Olivier Nakache llevan años dirigiendo juntos y alcanzaron su mayor éxito internacional con Intocable.

Después llegaron Samba, C’est la vie!, Especiales y Un año difícil, manteniendo esa mezcla de comedia, personajes populares y trasfondo social.

Tiempos de ilusión se estrenó comercialmente en Francia el 15 de abril de 2026.

En San Sebastián clausura Perlak fuera de concurso.

La película está protagonizada por Simon Boublil, Louis Garrel y Camille Cottin, y su distribución en España corresponde a A Contracorriente Films.

Mi puntuación: 6,55/10.

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

El amor en los tiempos del sida

The Man I Love es cine independiente americano que mezcla drama, romance y elementos musicales, con la epidemia del sida como telón de fondo.

Estamos en el Nueva York de finales de los ochenta. Rami Malek interpreta a Jimmy, un artista enfermo que convive con su pareja, mientras un vecino aparece como tercero en discordia.

La película acompaña a Jimmy en el deterioro provocado por la enfermedad y en sus relaciones sentimentales, pero el desarrollo dramático me parece escaso. Hay buenas intenciones, personajes y situaciones con posibilidades, pero la historia no termina de crecer.

Además, hay algo que me chirría especialmente: la representación física de la enfermedad. Incluso cuando Jimmy parece acercarse a una situación terminal, vemos a un Rami Malek musculado y bien nutrido.

En aquellos años, antes de los tratamientos antirretrovirales eficaces, el síndrome consuntivo y la pérdida importante de peso y masa muscular eran frecuentes en fases avanzadas del sida. Por eso, visualmente, el personaje me resulta poco convincente.

Una película voluntariosa y bienintencionada, pero con poco desarrollo.

Ira Sachs vuelve al Nueva York de los ochenta

Ira Sachs es uno de los nombres destacados del cine independiente estadounidense, con una filmografía muy vinculada a las relaciones afectivas, la homosexualidad y la intimidad.

Entre sus películas figuran Keep the Lights On, El amor es extraño, Verano en Brooklyn, Passages y Un día con Peter Hujar.

Sachs vivió en Nueva York durante los años más duros de la epidemia y formó parte de ACT UP.

The Man I Love se estrenó mundialmente en la competición oficial del Festival de Cannes de 2026 y llega a San Sebastián dentro de Perlak.

En España la distribuye BTeam Pictures, que anuncia su estreno en cines para el 25 de diciembre de 2026.

Mi puntuación: 4,55/10.

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

Cuando sucede lo peor

A veces aparece una película que te llega al corazón y te parece una obra maestra.

Y otras veces sucede exactamente lo contrario.

Sucederá esta noche pertenece, con entusiasmo, a la segunda categoría.

La nueva película de Nanni Moretti me ha parecido absolutamente insoportable. No solo me aburrió. Me irritó. Me puso de mal humor. Me volvió irascible. Casi invita a la agresión física.

Situaciones inverosímiles. Personajes mal construidos. Escenas absurdas. Una lógica argumental prácticamente inexistente.

Y cuando pretende hacer humor, el resultado me parece directamente deplorable.

Lo peor es que todo está revestido de ciertas ínfulas de cine de autor, como si debajo de semejante descalabro hubiera una profundidad que yo, desde luego, fui incapaz de encontrar.

Una película nefasta, irritante y execrable.

Hay películas malas que se olvidan al salir del cine. Esta tiene el dudoso mérito de conseguir que uno salga cabreado.

Moretti, de la Palma de Oro al descalabro

Nanni Moretti es uno de los grandes nombres del cine italiano contemporáneo, autor de Caro diario, La habitación del hijo, Habemus Papam y El sol del futuro.

La habitación del hijo obtuvo la Palma de Oro en Cannes en 2001 y Caro diario le valió el premio a la mejor dirección en 1994.

Sucederá esta noche (Succederà questa notte) es una coproducción de Italia, Francia y España, con Louis Garrel y Jasmine Trinca como protagonistas.

Se presentó en competición en el Festival de Venecia de 2026 y posteriormente llegó a Perlak del Festival de San Sebastián.

En España la distribución corresponde a BTeam Pictures.

Mi puntuación: Cero patatero/10.

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Cutrecomentario de Ramón:

De after en after hasta la paternidad

Club Kid tiene todo el aroma del cine independiente norteamericano.

Una comedia dramática —eso que ahora llamamos dramedy— que mezcla con bastante habilidad humor, paternidad inesperada, homosexualidad, drogas y noches de fiesta que terminan cuando ya ha amanecido hace rato.

Jordan Firstman interpreta a Peter, un promotor de fiestas neoyorquino que también trafica con drogas y vive instalado en la juerga, el desenfreno y la resaca permanente.

Hasta que aparece Arlo, interpretado por Reggie Absolom.

Un hijo de diez años cuya existencia desconocía.

Y ahí Club Kid cambia de marcha. La paternidad obliga a Peter a enfrentarse a una responsabilidad para la que, evidentemente, no estaba preparado.

El propio personaje lo resume perfectamente: ese niño le ayuda a ser mejor.

La película funciona especialmente bien porque combina lo cómico y lo dramático sin ponerse solemne. Incluso algunos de sus momentos más divertidos parecen surgir de manera natural de las propias situaciones.

Y cuando llega el sentimiento, tampoco lo subraya con rotulador fluorescente.

Hay ternura, pero no sensiblería.

Además, la historia conserva una notable sensación de verosimilitud. Las cosas no terminan necesariamente como Peter —o el espectador— desearía, sino como resulta razonable que terminen dadas las circunstancias.

Está bien montada, es divertida, tiene corazón y sabe perfectamente cuándo ponerse seria.

Una estupenda aportación a Perlak.

De los clubes de Nueva York a Cannes

Club Kid es el debut en el largometraje de Jordan Firstman, actor, guionista, productor y humorista neoyorquino.

Antes había dirigido cortometrajes como Call Your Father y Men Don’t Whisper y trabajado como guionista en Search Party.

Como actor apareció en Rotting in the Sun y en la serie I Love LA.

Aquí escribe, dirige y protagoniza su primera película.

Club Kid tuvo su estreno mundial en Un Certain Regard del Festival de Cannes 2026 y posteriormente obtuvo el Grand Prix y el Premio del Público del Festival de Deauville.

En España participa en Perlak del Festival de San Sebastián y tiene previsto su estreno comercial en cines el 4 de diciembre de 2026, distribuida por Avalon y BTeam Pictures.

Mi puntuación: 7,68/10.

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En la piscina, quien calla se hunde

Dos íntimas amigas. Un juego en una fiesta de fin de año. Y una de ellas sale de ahí con algo que no es capaz de nombrar.

Darana Álvarez interpreta a Paula, y se cierra en banda. No verbaliza lo que le ha pasado, y ese silencio es lo que empieza a resquebrajar la amistad.

Rocío Guzmán interpreta a la otra amiga, la que carga con la culpa de haber propiciado aquella noche. Y no sabe qué hacer con esa culpa salvo empujar a Paula a hablar.

Ojo, que esto no es un drama de sobremesa sobre el trauma. Es, ante todo, una historia de amistad: de las que aprietan tanto que hasta duelen.

Fernanda Tovar —y esto es su ópera prima, aunque no lo parezca— filma todo con un ritmo pausado, casi de nadadora que toma aire antes de cada largo.

El espectador va entendiendo la magnitud de lo ocurrido al mismo tiempo que las propias chicas la digieren.

Y ahí está el acierto: no acelera nada. Deja que la comprensión llegue despacio, como tiene que llegar.

La natación no es decorado. Es el terreno donde se libra media película: la competición, el entrenamiento, el cuerpo expuesto en vestuarios y piscinas.

Alerta: spoilers

Hay una escena que lo resume todo. La amiga plantea el problema a la entrenadora del equipo. Y esta, en vez de indagar, suelta un «esto es muy complicado, ten cuidado con lo que dices».

Ahí queda retratada de un plumazo la manera en que los adultos —la sociedad entera, vaya— prefieren mirar hacia otro lado antes que abrir el melón.

Dirección notable. Fotografía cuidada de verdad, no de las que se dicen por decir. El ritmo aguanta sin desinflarse y el montaje es impecable.

Una película que se vende sola en cuanto se cuenta de qué va. Y que cumple.

Sobre esta directora

Fernanda Tovar (Ciudad de México, 1999) se formó en el Centro de Capacitación Cinematográfica y está ligada al Colectivo Colmena.

Antes de este debut en el largo firmó los cortos Mi edad, la tuya y la edad del mundo (Semana de la Crítica de Cannes, mención especial en Morelia) y Quiero estrellarme en seco contra el parabrisas del amor (Tribeca).

Chicas tristes se estrenó mundialmente en la Berlinale 76, donde ganó el Oso de Cristal a mejor película y el Gran Premio del Jurado Internacional en Generation 14plus.

También se llevó el Gran Premio del Jurado en Cartagena.

Ahora compite en Horizontes Latinos, en la 74 edición de San Sebastián.

Coproducción entre México, España y Francia.

Mi puntuación: 7,68/10.

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Ella daba clases de francés; el vecindario, cursos de conversión

A Professora de Francês es de esas películas que empiezan como retrato doméstico y terminan como una pesadilla de la que no se puede salir.

Graça (Grace Passô) da clases particulares de francés en Belo Horizonte. Vive con su novia, una francesa interpretada por Jehnny Beth.

Todo cambia cuando tiene que volver a la casa familiar por la enfermedad de su padre.

Allí la esperan unos vecinos que pertenecen a una especie de secta.

Al principio ofrecen ayuda.

La intención real es otra: reconvertirla. Para ellos la homosexualidad, el lesbianismo, es una patología grave que hay que curar.

Y luego está Tomás (Pedro Goifman), un personaje joven que es puro veneno. Sabe herir como nadie a Graça. Tortura, literalmente tortura, de forma psicológica.

La película va in crescendo en violencia hasta límites que se hacen casi insoportables.

Tiene un componente de drama, otro de thriller, y hasta algún momento de puro cine de acción y terror. Un cóctel que no siempre es fácil de sostener, pero aquí funciona.

Y que quede claro: esto es una película de sectas.

Muy, muy interesante.

Sobre este director

Ricardo Alves Jr. (Belo Horizonte, 1982) es cineasta, productor y director de teatro, formado en la Universidad del Cine de Buenos Aires.

Su obra ha pasado por Cannes, Berlinale, Rotterdam y Locarno.

Su primer largometraje, Elon não Acredita na Morte (2016), compitió en Macao, y Russa (2018, codirigida con João Salaviza) lo hizo en la sección oficial de Berlín.

Con Grace Passô ya había trabajado antes: codirigieron juntos Vaga Carne (2020).

A Professora de Francês es su cuarto largometraje y tuvo su estreno mundial en Horizontes Latinos, dentro del 74 Festival de San Sebastián, en septiembre de 2026.

Es coproducción de Brasil, Francia y Portugal, producida por EntreFilmes (Thiago Macêdo Correia); en Brasil la distribuye Embaúba Filmes.

Todavía no tiene distribuidora ni fecha de estreno comercial en España.

Mi puntuación: 7,66/10.

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Ocean’s Eleven con rotativas

La Segunda Guerra Mundial parece un tema inagotable. Se han hecho miles de películas y a nadie parece molestarle que se sigan haciendo.

En cambio, que se ruede sobre la Guerra Civil Española, posiblemente el acontecimiento histórico más importante de nuestro país en los dos últimos siglos, todavía incomoda a algunos.

Curioso.

Le Faux Soir nos lleva a la Bélgica ocupada por los nazis en 1943, donde el diario Le Soir había sido convertido en instrumento de propaganda alemana.

Un grupo de miembros de la Resistencia decide fabricar una edición falsa del periódico. Mismo aspecto, misma cabecera, mismo papel. Pero con artículos destinados a ridiculizar al ocupante.

Y aquí está la gracia de la película.

Michaël R. Roskam construye un drama histórico sobre periodismo y resistencia, pero lo hace funcionar con los mecanismos de una película de atracos.

Hay que reunir al equipo.

Preparar el golpe.

Conseguir los medios.

Ejecutar el plan.

Y solucionar los inevitables problemas que van apareciendo.

Ocean’s Eleven, pero con rotativas.

La película funciona muy bien con esta estructura. Está estupendamente ambientada en esa Bélgica ocupada y tiene un magnífico diseño de producción.

Además, es tremendamente coral. Cuesta incluso decidir quién es realmente el protagonista, aunque ese poeta estrambótico que pone en marcha la idea termina ejerciendo como motor de la operación.

Y un placer añadido: escuchar ese francés belga tan limpio y académico, que se entiende estupendamente.

Le Faux Soir mezcla periodismo, resistencia, drama histórico y cine de atracos con mucha eficacia.

Una operación clandestina en la que no se roba un banco. Se roba un periódico a los nazis.

Después de las rotativas

El belga Michaël R. Roskam dirigió Bullhead (2011), nominada al Óscar a mejor película de habla no inglesa, y La entrega (The Drop, 2014), con Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini.

También realizó El fiel (Le Fidèle, 2017) y los primeros episodios de la miniserie Encerrado con el diablo (Black Bird).

Le Faux Soir está basada en el episodio real de la edición clandestina publicada por la resistencia belga en noviembre de 1943.

La película es una coproducción de Bélgica y Francia, dura 132 minutos y está protagonizada, entre otros, por Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Bouli Lanners y François Damiens.

Tras su paso por Toronto, llegó a San Sebastián como estreno europeo y película de clausura de la Sección Oficial, fuera de concurso.

En España figura distribuida por La Aventura y LAZONA.

Mi puntuación: 7,76/10.

Ficha: En este enlace.

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Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

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Pedir perdón hasta que duela

Vicentina ha perdido a su hijo en un accidente de autobús. Él era el conductor y sobre él planea la sospecha de haber sido responsable de la tragedia.

La madre decide entonces recorrer los hogares de las víctimas para pedir perdón.

Aunque ni siquiera sabe si tiene algo por lo que pedirlo.

Rejane Faria está extraordinaria. Construye una Vicentina dolorida, renqueante, obstinada y cargada con una culpa que quizá ni siquiera le corresponda.

No me extrañaría nada verla optar seriamente a la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista.

El problema de Las disculpas de Vicentina es que estira demasiado el chicle del duelo, la culpa y el perdón.

Y son 148 minutos de chicle.

Vicentina visita una familia tras otra y la película va acumulando encuentros, dolores y reacciones diferentes ante la tragedia. El mecanismo funciona, pero termina resultando reiterativo.

Curiosamente, acaba interesándome más lo que hay alrededor de Vicentina que su propio itinerario.

Ese Brasil humilde y trabajador, el de las chabolas, las casas modestas y las familias que dependen del autobús para desplazarse, va apareciendo como un enorme paisaje humano de fondo.

Vicentina lo recorre trabajosamente, con su cojera, buscando un perdón que nadie sabe muy bien si necesita recibir ella o concedérselo a sí misma.

Tal vez ahí esté la mejor película: en el Brasil que Vicentina atraviesa mientras pide disculpas.

Después de pedir perdón

El brasileño Gabriel Martins es uno de los fundadores de la productora Filmes de Plástico.

Codirigió con Maurílio Martins No coração do mundo (2019) y posteriormente realizó en solitario Marte Um (2022), presentada en Sundance.

Las disculpas de Vicentina mantiene su interés por personajes y familias de las clases populares brasileñas.

La película, de 148 minutos, compite en la Sección Oficial del 74.º Festival de San Sebastián.

Está producida por Filmes de Plástico y cuenta con Netflix como distribuidora en España.

Mi puntuación: 5,57/10.

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Veinticinco años de rock y un agur a medias

Confieso mi desconocimiento absoluto de Gatibu, banda de rock surgida en Gernika y muy vinculada al público vasco.

Después de veinticinco años de carrera, el grupo decidió retirarse organizando una gira de despedida culminada con tres conciertos en el Bizkaia Arena del BEC, en Barakaldo.

El BEC es un lugar que conozco bien y al que tengo especial cariño por mis numerosas visitas a la Euskal Encounter. Verlo convertido en el escenario del adiós de Gatibu aporta al documental un componente emocional añadido.

Gatibu, agur esan barik reconstruye la historia del grupo mediante conciertos, imágenes de archivo, entrevistas y momentos entre bastidores.

Las razones de la separación no se explican de manera tajante. Más bien se percibe el desgaste natural que producen los años, las giras y una convivencia profesional demasiado prolongada.

Resulta especialmente revelador el encuentro con un músico estadounidense que lleva medio siglo en la misma banda. Explica que durante los primeros veinticinco años sus integrantes estaban siempre juntos; durante los veinticinco siguientes, solo se veían para grabar o actuar.

Una forma bastante elegante de explicar cómo sobrevive un grupo sin necesidad de terminar a guitarrazos.

El documental está muy bien confeccionado, conecta con sus protagonistas y retrata con cercanía las personalidades de los miembros de Gatibu.

Hay momentos bastante emotivos, pero sin convertir la despedida en un funeral con amplificadores.

También me gusta mucho el viaje a Boise, capital de Idaho, donde conocen a la importante comunidad vasca de la ciudad, visitan su ikastola y participan en Jaialdi, el gran festival internacional dedicado a la cultura vasca.

Ese viaje permite comprobar hasta dónde puede llegar una banda que canta en euskera sin renunciar a sus raíces.

Gatibu, agur esan barik se incorpora a esa saludable moda de documentar la trayectoria de grupos musicales antes de que sus recuerdos terminen desperdigados entre camerinos, discos antiguos y batallitas de barra de bar.

Un documental que se ve con agrado, emociona en varios momentos y sabe despedirse sin decir del todo adiós.

Después del último concierto

Jabi Elortegi nació en Bermeo en 1969 y ha desarrollado buena parte de su carrera en el cine y la televisión vascos.

Debutó en el largometraje con Felicidad perfecta (2009) y posteriormente dirigió El vasco (2022).

También ha trabajado en producciones televisivas como Go!azen y es uno de los fundadores de Pausoka Entertainment, productora de este documental.

Gatibu, agur esan barik ha sido seleccionada para Zinemira en la 74.ª edición del Festival de San Sebastián, donde compite por el Premio Irizar al Cine Vasco.

Su estreno mundial está previsto en el festival y posteriormente llegará a los cines distribuida por Atera Films.

Mi puntuación: 6,55/10.

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Antropología en la cocina.

Conocemos el restaurante Noor, en Córdoba, de la mano de su chef, Paco Morales.

Es un proyecto personal, con apoyo familiar, que ha ido creciendo hasta convertirse en una cocina muy particular.

Porque lo que hace Morales es una especie de arqueología culinaria: investiga platos antiguos de la cocina cordobesa, sí, pero no los interpreta de manera textual. Los reinterpreta.

Y ahí está la clave, porque la Historia siempre es una reinterpretación de los hechos. Según quién la cuente, la historia cambia. Eso es justo lo que hace Morales: convertir la historia y la cultura de Al-Ándalus en una cocina contemporánea.

De su mano vamos conociendo distintos escenarios.

Su restaurante, para empezar, en un barrio de Córdoba, ni siquiera en el centro.

También el comedor de sus padres.

Las calles de Córdoba.

Y la huerta de la Alhambra de Granada, esa huerta antropológica donde se cultivan vegetales desde hace 800 años.

De la mano de este artista de la cocina, de este antropólogo culinario, vamos pasando de un escenario a otro y de un personaje a otro.

El documental resulta interesante.

Pero tiene un tufillo de publirreportaje bastante intenso.

Sobre Velasco & Hu

Firman la película Carlos Velasco (Madrid) y Kate Hu (Taipéi), pareja creativa venida de la fotografía, la moda y la publicidad: cortometrajes suyos han sonado en festivales como el Aesthetica Short Film Festival, el Notodofilmfest o el Barcelona Fashion Film Festival.

Noor: cocinar pasados posibles es su segundo largometraje documental, tras Para qué sirven las canciones de amor.

La película se ha estrenado mundialmente en la sección Culinary Zinema del 74º Festival de San Sebastián —que este año se celebra del 18 al 26 de septiembre—, en una sesión especial con cena de Paco Morales incluida.

Producen Godello Entertainment, con el propio restaurante Noor (tres estrellas Michelin) como productor asociado. Su estreno comercial está previsto para el último trimestre de 2026.

Mi puntuación: 6,55/10.

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Ciudadano Murdoch: tinta, tetas y titulares

Ink nos lleva a 1969, cuando Rupert Murdoch compra The Sun y coloca al frente a Larry Lamb con un objetivo bastante sencillo: ser el número uno.

No necesariamente informando mejor.

Vendiendo más.

Guy Pearce interpreta a Murdoch y Jack O’Connell a Lamb, acompañados por una Claire Foy en un papel más secundario.

La estrategia consiste en darle al público lo que quiere: escándalos, sexo, chicas guapas, fútbol y entretenimiento. The Sun no pretende tanto informar como vender periódicos.

Y vende.

Ahí está una de las grandes ideas de Ink: el periodismo convertido en producto y el lector convertido en cliente al que hay que satisfacer como sea.

Las famosas chicas de la página 3 son la representación perfecta de esa filosofía. Sexo, provocación y titulares llamativos. Todo vale si aumenta la circulación.

Pero donde realmente triunfa la película es en la dirección de Danny Boyle.

Ink tiene un ritmo endiablado. Los diálogos funcionan como metralletas, el montaje es excepcional y las rotativas, las reuniones de redacción y la competencia entre periódicos transmiten estupendamente el estrés de una profesión obsesionada con llegar antes y vender más.

Es una magnífica película de periódicos.

Y además resulta inevitable contemplarla desde 2026.

De aquellos polvos, estos lodos.

El sensacionalismo, el titular escabroso y la información entendida fundamentalmente como mercancía forman parte del camino que nos ha llevado al actual ecosistema de desinformación y fake news.

Ink cuenta el nacimiento de una manera de hacer periodismo, pero también explica bastante bien de dónde venimos.

Está estupendamente producida, tiene personajes sólidos y Danny Boyle consigue que 116 minutos pasen como una rotativa a toda velocidad.

Y, además, tiene algo que seguramente habría encantado al mismísimo Rupert Murdoch:

es tremendamente comercial.

Después de cerrar la edición

Danny Boyle es uno de los cineastas británicos más reconocibles de las últimas décadas, responsable de Trainspotting, 28 días después, Slumdog Millionaire, 127 horas y Steve Jobs.

Su gusto por el ritmo, el montaje y la energía visual encuentra en una redacción periodística un terreno especialmente apropiado.

Ink está escrita por James Graham, adaptando su propia obra teatral, y tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Venecia de 2026.

El Festival de San Sebastián la ha programado como película sorpresa de su 74.ª edición.

Su estreno comercial en España está previsto para el 6 de enero de 2027, distribuida por Wanda Vision.

Mi puntuación: 7,96/10.

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Elegir un lugar para morir: la Isla de Pascua o Venecia

Dos agentes de la CIA destinados en Chile poco antes del golpe de Estado de 1973.

Chris, interpretado por un magnífico John Malkovich, está agonizando y decide viajar a la Isla de Pascua para que su compañero Lee, Sam Rockwell, lo mate antes de que la enfermedad haga el trabajo.

Su jefe, MJ, es Steve Buscemi.

Con estos elementos, Martin McDonagh construye un thriller de espionaje setentero con una comedia negrísima basada, sobre todo, en unos diálogos absolutamente delirantes.

Chris está completamente desbocado y, cuando conoce a dos jóvenes chilenas, empieza a contarles sin filtro los secretos y las miserias de la CIA y lo que está a punto de suceder en Chile.

Hay momentos descacharrantes.

Y Malkovich y Rockwell funcionan estupendamente como pareja, entre la amistad, la muerte y el disparate.

El problema es que llegaba a Wild Horse Nine después de oír maravillas tras su paso por Venecia. Esperaba muchísimo.

Y me ha decepcionado un poquito.

La película está muy bien, los diálogos son inteligentes, el paisaje de la Isla de Pascua está magníficamente aprovechado y el tono entre thriller, drama y comedia funciona.

Además, McDonagh no banaliza la tragedia chilena. Bajo las bromas permanece la gravedad del golpe de Estado y una mirada muy crítica hacia el poder y las intervenciones de la CIA durante aquellos años.

Una película muy buena.

Quizá el problema haya sido esperar una obra maestra.

McDonagh, otra vez entre amigos y asesinos

Martin McDonagh vuelve a mezclar humor negro, violencia, amistad masculina y personajes enfrentados a la muerte, elementos presentes en Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin.

Wild Horse Nine se presentó a competición en la 83.ª Mostra de Venecia y llega a San Sebastián dentro de Perlak.

La producción es de Blueprint Pictures y la distribución española corresponde a The Walt Disney Company Iberia.

Su estreno comercial en España está anunciado para el 13 de noviembre de 2026.

Mi puntuación: 7,67/10.

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Ha nacido una estrella

El debut es cine musical y es teatro dentro del cine. Dos cosas que, cuando funcionan, me ganan con bastante facilidad.

Julianne Moore está colosal. Pero colosal hasta límites insospechados.

Interpreta a Mona Friedman, una tímida ama de casa que, después de muchísimos años sin cantar, consigue un pequeño papel en una comedia musical de teatro comunitario.

Allí se encuentra con Jerry, el autoritario director interpretado estupendamente por Paul Giamatti, que la empuja a descubrir qué significa realmente interpretar.

Y ahí está lo mejor de la película.

El debut habla de cómo un actor se introduce en un personaje, hasta dónde debe llegar y dónde termina la persona y empieza la interpretación.

Mona se va transformando ante nuestros ojos mientras descubre el escenario, el método y, sobre todo, el placer de actuar.

Jesse Eisenberg construye una comedia musical deliciosa, con comedia negra, drama y bastante mala leche. El guion funciona de maravilla y la música engrandece continuamente la narración.

Además, Eisenberg se reserva un pequeño papel, pero tiene la inteligencia de dejar el escenario a Julianne Moore y Paul Giamatti.

El musical es mi género favorito y nunca he entendido esa alergia que algunos espectadores sienten cuando un personaje empieza a cantar.

Ellos se lo pierden. Cuantan con mi desprecio absoluto.

A mí El debut me ha fascinado y me ha emocionado. Y Julianne Moore está sencillamente descomunal.

Todos queremos alguna vez sentir al público aplaudiendo.

Después de bajar el telón

El debut es el tercer largometraje dirigido por Jesse Eisenberg, después de Cuando termines de salvar el mundo y A Real Pain.

También firma el guion, participa como actor y figura entre los productores junto a Emma Stone, Dave McCary y Ali Herting.

La película está producida por A24, Fruit Tree, Topic Studios y Rego Park.

En España la distribución corresponde a Wanda Visión.

Ha pasado por Toronto antes de competir en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Su estreno comercial estadounidense está anunciado para el 11 de diciembre de 2026.

A día de hoy, es mi candidata para el Premio Feroz Cinemaldia en Donosti.

Mi puntuación: 10/10.

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

El secreto que tarda demasiado en dejar de serlo

7h40 ce matin-là / Milo está construida desde el punto de vista de Alice, interpretada por una estupenda Marion Cotillard.

Llega a una tranquila ciudad de provincias de la Francia profunda y se instala allí con una intención que la película va desvelando poco a poco.

Pronto sospechamos que todo tiene que ver con Milo, un joven mecánico interpretado por Théodore Pellerin. Existe entre ambos un vínculo que él desconoce y que la narración se empeña en mantener oculto.

El principal atractivo de la película es Marion Cotillard, que realiza un trabajo magnífico y sostiene buena parte de la historia. Está bien acompañada por Laure Calamy, Artus y Théodore Pellerin, todos muy solventes.

El problema es que la película da demasiadas vueltas alrededor de la misma idea, intentando mantener un suspense sobre esa relación que el espectador ya tiene bastante encarrilada.

Curiosamente, cuando finalmente llega el momento de descubrir la verdad, Nicole Garcia evita convertirlo en la gran escena sentimental que cabría esperar.

Y hace bien.

Esa contención consigue que la resolución funcione mejor que buena parte del camino recorrido hasta llegar a ella.

Una película que está bien, sostenida sobre todo por Marion Cotillard, pero que tarda demasiado en contarnos un secreto que ya habíamos empezado a adivinar.

Detrás de Milo

Nicole Garcia es una actriz, guionista y directora francesa con una larga trayectoria detrás de la cámara.

Entre sus películas destacan Place Vendôme, El adversario (L’Adversaire), Un balcón al mar y El sueño de Gabrielle (Mal de pierres).

Precisamente en El sueño de Gabrielle ya había dirigido a Marion Cotillard.

Ahora vuelven a trabajar juntas en 7h40 ce matin-là / Milo, presentada a concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián 2026.

Mi puntuación: 6,57/10.

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón:

Cuando la infancia deja de ser un lugar seguro

Josephine es una película tremenda y cruel.

Difícil de digerir. Te pone un nudo en la garganta, te perturba y, directamente, te acojona.

La premisa ya resulta demoledora. Josephine, una niña de ocho años, presencia accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco.

A partir de ahí asistimos a las consecuencias psicológicas sobre la pequeña y al proceso judicial que se pone en marcha.

Pero la película va mucho más allá del delito y del juicio. Plantea un dilema terrible para sus padres: ¿hay que colaborar hasta el final para que el violador termine en la cárcel o conviene intentar apartarse, parar y olvidar?

¿Hay que hablar de lo sucedido o intentar silenciarlo?

La respuesta no es sencilla y el trauma termina afectando también a la relación de los padres, interpretados estupendamente por Channing Tatum y Gemma Chan.

Pero quien merece una mención especial es Mason Reeves.

Está sensacional.

Sobre ella recae buena parte del peso de una película que observa el delito, la justicia y, sobre todo, la desconcertante percepción infantil de una realidad que ningún niño debería tener que comprender.

Josephine es estupenda. Colosal.

Muy recomendable.

Aunque cuesta digerirla.

Detrás de Josephine

Beth de Araújo es una cineasta estadounidense nacida y criada en San Francisco.

Debutó en el largometraje con Soft & Quiet, presentada en el Festival SXSW de 2022.

Josephine, su segundo largometraje, tuvo su estreno mundial en Sundance 2026, donde consiguió el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público de la competición U.S. Dramatic.

La película participa en Perlak del Festival de San Sebastián 2026 y su distribución en España corresponde a A Contracorriente Films.

Mi puntuación: 9,68/10.

Ficha: En este enlace.

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Humanidad con letra pequeña

De repente tiene como centro a dos mujeres y la amistad que surge entre ellas.

Marie-Lou, interpretada magníficamente por Virginie Efira, dirige una residencia de ancianos e intenta implantar la Humanitude, una filosofía de cuidados basada en escuchar, respetar y tratar al residente como una persona con toda su dignidad.

La otra protagonista es Mari, una directora teatral japonesa interpretada por Tao Okamoto, enferma de cáncer. Su obra gira alrededor de una idea sencilla y poderosa: lo imposible es imposible hasta que deja de serlo.

Entre ambas surge una amistad inmensa y una colaboración que sirve a Ryûsuke Hamaguchi para hablar de la enfermedad, la vejez, la amistad, la humanidad y también del capitalismo y la democracia.

Y esto último no precisamente de manera sutil. Hay lecciones con pizarra incluida.

La película tiene buenas intenciones, está muy bien narrada y, pese a sus 196 minutos, se soporta estupendamente. Tres horas y cuarto que se ven con mucho agrado.

Mi problema está en que Hamaguchi ofrece una visión demasiado complaciente de la realidad de esa residencia.

Las auxiliares reclaman una subida salarial del 4% que no se les concede. Y son precisamente ellas quienes cargan con el trabajo más duro: asear a los residentes, cambiar pañales, ducharlos, vestirlos, hacer las camas y ayudarles a comer.

Ese trabajo cotidiano, físico y bastante menos fotogénico, prácticamente desaparece mientras la película presta mucha más atención a las actividades terapéuticas y sociales.

La Humanitude queda estupenda en una pizarra. Limpiar culos ya sale menos en el encuadre.

Aun con esa contradicción, De repente me parece una gran película, tanto por su formato como por su contenido.

Habla de amistad, enfermedad, dignidad, capitalismo y de cómo tratamos a los demás cuando más necesitan ser tratados como personas.

Después de los títulos de crédito

Ryûsuke Hamaguchi es uno de los cineastas japoneses contemporáneos con mayor reconocimiento internacional.

Entre sus películas destacan Happy Hour, La ruleta de la fortuna y la fantasía, Drive My Car y El mal no existe.

De repente se presentó en competición en Cannes 2026, donde Virginie Efira y Tao Okamoto compartieron el Premio a la Mejor Actriz.

La película es una coproducción de Francia, Japón, Alemania y Bélgica.

En España la distribuye Caramel Films, con estreno en cines anunciado para el 19 de febrero de 2027.

Mi puntuación: 8,68/10.

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Tres actrices buscando una película

Sants tiene tres pilares: Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramon.

Y son tres pilares estupendos.

Victoria Luengo interpreta a Lali, una delincuente de pequeños trapicheos que termina entrando en una banda dedicada al robo de arte sacro.

Luengo vuelve a demostrar que es una actriz magnífica y que la cámara la quiere. Domina especialmente el primer plano, aunque aquí me parece que está un poquito sobreactuada. Tanto cuando está triste como cuando está contenta, hay cierto exceso de dramatización.

En su camino aparece Eulàlia Ramon, vinculada a ese mundo del robo de obras religiosas, mientras Ariadna Gil interpreta a su madre, cuya enfermedad terminal condiciona buena parte de la historia.

Las tres forman un trío formidable.

Y gracias a ellas la película se sostiene.

El problema está en Mikel Gurrea, que no termina de encontrar el camino.

No sabemos muy bien si estamos ante un drama familiar, una película de atracos o un estudio sobre la personalidad de Lali.

Sants va probando caminos, pero no termina de decidir por cuál quiere avanzar.

Y en esa indecisión se desorienta.

Tampoco ayuda que resulte difícil empatizar con sus personajes. A mí lo de robar obras de arte me parece bastante detestable.

Aunque, como decía un amigo mío, se lo roban a la Iglesia.

Alerta: spoilers

El final me chirría especialmente.

Me parece tan tópico y previsible que llega a producirme cierta vergüenza ajena.

Una película que podría haber estado muy bien y que cuenta con tres interpretaciones excelentes, pero que termina hundiéndose en su falta de claridad, de coordinación y de objetivos.

Tres grandes actrices buscando una película.

Y no terminan de encontrarla.

Después de los santos

Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) debutó en el largometraje con Suro (2022), también protagonizada por Victoria Luengo.

Aquella película compitió en la Sección Oficial de San Sebastián y obtuvo el Premio Irizar al Cine Vasco y el Premio FIPRESCI.

Gurrea regresa ahora a la competición donostiarra con su segundo largometraje, Sants.

Sants es una coproducción de España e Italia, dura 103 minutos y está protagonizada por Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramon.

La producción principal corresponde a Nocturna Pictures y la distribución española a Elastica Films.

Mi puntuación: 5,47/10.

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Más allá de la sociedad: todavía queda nieve que exprimir

Soy de las pocas personas del mundo a las que La sociedad de la nieve les pareció un coñazo.

Innecesaria, aburrida y mal construida.

Tampoco soy precisamente un gran admirador de Juan Antonio Bayona, así que entré a ver Más allá de la sociedad sin saber muy bien qué me esperaba. Mi propósito en el Festival era sencillo: verlo todo de la Sección Oficial.

Y allá que fui.

La miniserie documental, dirigida por Carlos Torres, consta de tres episodios y pretende contar qué ocurrió después del rescate: con los supervivientes, con las familias de quienes murieron y con una tragedia que terminó convertida en un gigantesco fenómeno mediático.

Porque desde entonces hemos tenido libros, entrevistas, documentales, Viven, testimonios de los supervivientes, nuevos libros y, finalmente, La sociedad de la nieve.

Y ahora esto.

Tengo la sensación de que esta historia se lleva exprimiendo comercialmente más de medio siglo y todavía queda nieve que exprimir.

Uno de los elementos que siempre ha alimentado el interés morboso por el accidente es, inevitablemente, el canibalismo.

El documental recupera algunas de aquellas entrevistas televisivas en las que los supervivientes tuvieron que enfrentarse a preguntas verdaderamente incómodas sobre qué y a quién habían comido.

Ahí está, para mí, buena parte de esa pornografía de la supervivencia que rodea desde hace décadas esta historia.

El documental recupera una entrevista de José María Íñigo en Televisión Española. Cuando pregunta a uno de los supervivientes cuál había sido la pregunta más incómoda que le habían hecho, la respuesta resulta demoledora: la que planteaba si había tenido que comerse a su madre y a su hermana.

Ese momento resume perfectamente el calibre del morbo que ha acompañado esta historia durante décadas.

No hace falta explicar mucho más. Ahí está condensada buena parte de lo que me incomoda de esta explotación interminable de la tragedia y de lo que considero una auténtica pornografía de la supervivencia.

Pero lo que termina de rematarme es el tramo dedicado a La sociedad de la nieve.

El documental se convierte entonces parcialmente en un making of y termina con supervivientes y familiares emocionados y agradecidos a Juan Antonio Bayona por su película.

A mí ese final me parece directamente un publirreportaje de homenaje a Bayona.

Entré en la sala sin saber qué iba a ver. Dos chicas muy simpáticas me explicaron antes de empezar de qué trataba y ya me temí lo peor.

Mi horror fue aumentando durante la proyección.

Y culminó con ese homenaje final.

No me arrepiento de haberla visto. Al contrario. Había que verla para poder criticarla.

Pero conmigo que no cuenten para la próxima vuelta de tuerca.

La sociedad de la nieve parece inagotable. Sobre todo mientras siga quedando nieve que exprimir.

Después de la nieve

Más allá de la sociedad está creada por J. A. Bayona y Carlos Torres, escrita y dirigida por este último.

Es una producción española de Monte Seler para Netflix, dividida en tres episodios y con una duración conjunta de 153 minutos.

Se ha presentado en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de la Sección Oficial como Proyección Especial fuera de concurso.

Netflix tiene previsto estrenarla mundialmente el 18 de diciembre de 2026.

La serie reúne a supervivientes y familiares de los fallecidos y cuenta también con Piers Paul Read, autor de Viven; Pablo Vierci, autor de La sociedad de la nieve; Frank Marshall, director de Viven, y el propio J. A. Bayona.

Mi puntuación: Cero patatero/10.

Ficha: En este enlace.

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Cutrecomentario de Ramón

La casa de la pradera sin ñoñerías

Un hombre aparece en un lugar perdido de las montañas noruegas dispuesto a quedarse allí y vivir de la tierra.

Se llama Isak y conoce a Inger, una muchacha con labio leporino. Entre los dos surge el amor, forman una familia y, poco a poco, van construyendo un hogar.

Growth of the Soil es algo así como La casa de la pradera, pero sin ñoñerías.

La película plantea que la civilización, las reglas sociales y el progreso no producen necesariamente felicidad. Tener más cosas, más dinero o más tecnología no significa vivir mejor.

Para Isak, de hecho, muchas mejoras suponen un retroceso.

Pero también hay en él una masculinidad herida. Se considera el cabeza de familia y pretende seguir siéndolo cuando descubre que su mujer y sus hijos son más listos, saben más y pueden desenvolverse mejor que él.

Isak se queda atrapado entre su machismo y un progreso que termina pasándole por encima.

Hay una escena estupenda cuando visita la mina, contempla el destrozo y pregunta con absoluta ingenuidad cómo van a dejar aquello después como estaba.

No, Isak. Nunca volverá a estar como estaba.

La película tiene una fotografía excepcional, un color maravilloso y una música magnífica. Los personajes están estupendamente interpretados y construidos.

Y los diálogos están medidos al milímetro.

Se habla poco.

Lo justo.

Lo necesario.

Eso también es cine.

Para mí, Growth of the Soil es cine de calidad y, a falta todavía de unas cuantas películas por ver, una seria candidata a la Concha de Oro.

Después de trabajar la tierra

El noruego Hans Petter Moland adapta la novela Markens grøde, publicada por Knut Hamsun en 1917.

La película está protagonizada por Herbert Nordrum y Asta Kamma August y es una coproducción de Noruega, Dinamarca y Alemania.

Moland cuenta en su filmografía con títulos como Aberdeen, Uno tras otro (In Order of Disappearance), Un hombre bastante bueno y Salir a robar caballos.

La película tuvo su estreno mundial en Toronto y llega a San Sebastián en competición oficial; además, ha sido elegida por Noruega para competir por la nominación al Óscar a mejor película internacional.

En España figura como distribuidora A Contracorriente Films.

Mi puntuación: 9,77/10.

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La frontera de la paciencia

Hay dos cosas que me molestan muchísimo de Bian jing (Border).

La primera es el hieratismo de los personajes. Rostros inmóviles, inexpresivos, incapaces de transmitir prácticamente ningún sentimiento.

La segunda es la cochambre que lo invade todo.

Las casas, las calles, los coches, los lugares… Todo resulta cochambroso, sucio y desagradable. Desde luego, esta película no parece la mejor campaña de promoción turística para esa zona de China.

El argumento, sobre el papel, podría tener cierto interés: un joven minero que vive en un pueblo fronterizo conoce a una misteriosa muchacha y termina adentrándose en terrenos bastante oscuros.

Eso cuenta la sinopsis.

La película consigue algo mucho más difícil: que 78 minutos parezcan inmensos.

La sensación es que la historia no avanza, que los personajes no expresan nada y que el espectador espera pacientemente que ocurra algo que justifique semejante travesía.

Y no llega.

Los festivales internacionales buscan lógicamente cinematografías y sensibilidades muy diversas. Eso permite descubrir auténticas joyas, pero también provoca que de vez en cuando uno termine sentado delante de películas procedentes de cinematografías menos conocidas que resultan absolutamente ingobernables.

Para mí, Bian jing (Border) es una de ellas.

78 minutos en la frontera de la paciencia.

Está bien que sepamos…

Ah Biao, nacido en Shanxi (China) en 1990 y afincado en Bangkok, trabaja como director, guionista y director de fotografía.

Bian jing (Border) es su primer largometraje y compite en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.

En la película asume además el guion, la fotografía y parte del montaje.

La producción está oficialmente atribuida a Hong Kong, Estados Unidos y Corea del Sur, aunque entre las compañías coproductoras figura también la japonesa Yangtze Visual Culture.

Tiene una duración de 78 minutos y está rodada en mandarín y mongol.

Mi puntuación: Cero patatero/10.

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Amor en tiempos de guerra

Cobarde (Coward) nos lleva a las trincheras de la Primera Guerra Mundial con un grupo de jóvenes reclutas del ejército belga.

Entre ellos está Pierre, un muchacho enorme que descubre, detrás del frente, a Francis y a un grupo que organiza espectáculos teatrales para levantar la moral de las tropas. Entre ambos surge una relación amorosa que para Pierre no deja de resultar conflictiva.

Lukas Dhont retrata la guerra como una maquinaria perfectamente organizada para triturar personas.

Los soldados sirven para combatir, transportar munición, recoger heridos o cargar cadáveres. Mano de obra barata para alimentar una carnicería.

Cobarde es cruda y cruel cuando muestra los cuerpos, el dolor y la muerte.

Pero, en medio de tanta barbarie, aparece el amor. Ese pequeño refugio de romanticismo que permite a sus protagonistas escapar, aunque solo sea durante unos instantes, del horror que los rodea.

Amor en tiempos de guerra. Y poco sitio peor para enamorarse que una trinchera.

Después de las trincheras

El belga Lukas Dhont vuelve a colocar en el centro de su cine la identidad, la masculinidad y los afectos.

Tras Girl y Close, Cobarde es su tercer largometraje.

La película compitió en el Festival de Cannes de 2026, donde Emmanuel Macchia y Valentin Campagne recibieron ex aequo el premio a la mejor interpretación masculina.

En San Sebastián forma parte de Perlak y del ciclo «50 años de libertad».

Mi puntuación: 7,68/10.

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Rambo con perrico

Había visto varias veces el tráiler de En el corazón de la bestia antes de proyecciones comerciales.

Y el problema es que el tráiler te cuenta prácticamente todo, pero sin el prácticamente. Las escenas interesantes, los peligros, la aventura… Cuando empieza la película, buena parte de las sorpresas ya te las han destripado.

En el corazón de la bestia es una película tramposa, rutinaria y bastante belicista.

También se apunta al cine de perricos, tan de moda en una sociedad en la que las mascotas han adquirido un protagonismo enorme.

Ya tuvimos a Richard Gere llorando con Hachiko en Siempre a tu lado (Hachiko). El perro tiene incluso su famosa estatua en Japón, desgastada de tanto acariciarla.

A lo mejor Hachiko no, pero la estatua sí.

Aquí Brad Pitt interpreta a James Belmont, un veterano de las Fuerzas Especiales que, después de un accidente aéreo, tiene que atravesar la naturaleza salvaje de Alaska acompañado de Odín, su antiguo perro de combate.

Y el pobre Odín también tiene lo suyo: está mutilado, arrastra sus propios traumas de guerra y hasta tiene pesadillas.

La película convierte al soldado y al perro en víctimas y héroes, sin cuestionar prácticamente nada del mundo militar del que proceden. Es un homenaje al veterano y, sobre todo, al perrete.

Visualmente no hay demasiadas pegas.

Las imágenes aéreas y los grandes paisajes son espectaculares. Por momentos parece que National Geographic se ha puesto a rodar una película de supervivencia con Brad Pitt.

Pero la historia avanza por caminos demasiado conocidos.

Todo está donde esperas que esté.

Y casi todo lo has visto ya en el tráiler.

Alerta: spoilers

Y encima Brad Pitt muere.

Hombre, por favor. No hay derecho. Matar a mi Brad.

Eso sí, una recomendación importante: nunca le digas «muerde» a uno de estos perros.

Porque se puede liar la de Dios es Cristo.

El perrico no es tan buenecico.

Después de los títulos de crédito

David Ayer es un director y guionista estadounidense especialmente vinculado al cine policiaco, militar y de acción.

Escribió Training Day y ha dirigido títulos como Sin tregua (End of Watch), Corazones de acero (Fury), Escuadrón Suicida y Beekeeper: El protector.

En En el corazón de la bestia vuelve a trabajar con Brad Pitt, al que ya dirigió en Corazones de acero.

La película tiene guion de Cameron Alexander, dura 101 minutos y participa fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

En España la distribuye Paramount Pictures Spain y su estreno comercial está previsto para el 25 de septiembre de 2026.

Mi puntuación: 3,65/10.

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La elipsis de cuarenta minutos

Tengo varios amigos que se salieron de la proyección, hastiados por una narración lenta que, según ellos, no llevaba a ninguna parte.

Yo, en cambio, disfruté de What Remains (Artakalan).

También es verdad que jugué con ventaja.

Vi el principio, entré en la narración… y me dormí durante unos cuarenta minutos.

Al comienzo conocemos a una pareja que vive en Estambul. Ella es poeta y atraviesa una crisis creativa. Él es músico e investigador musical. Ninguno parece demasiado satisfecho con la vida que lleva.

Y ahí me dormí.

Cuando desperté, cada uno viajaba por su lado.

Él va a visitar a su padre y se encuentra con una vivienda infecta que tiene que arreglar.

Ella emprende su propio viaje en coche y sufre un accidente después de padecer una migraña con aura visual.

A partir de ahí, la película desarrolla dos viajes paralelos, dos pequeñas road movies, en las que marido y mujer van encontrando, cada uno por separado, su propio camino.

Lo que vi me gustó.

El comienzo me pareció un planteamiento interesante y la parte final está narrada con mucha calma, con estupendos paisajes y, sobre todo, con calidez hacia sus personajes.

Comprendo perfectamente que su ritmo pueda desesperar a algunos espectadores. A mí me funcionó.

Aunque tal vez mi versión tenga una ventaja sobre la de Yeşim Ustaoğlu: dura cuarenta minutos menos.

Mis disculpas a la directora, productores y demás intervinientes.

Pero creo que mi montaje mejora la película.

Después de mi siesta

La cineasta turca Yeşim Ustaoğlu vuelve a competir en San Sebastián con What Remains (Artakalan), coproducción de Turquía, Francia, Luxemburgo y Bulgaria protagonizada por Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul e İlyas Salman.

Ustaoğlu posee una importante trayectoria en el cine turco contemporáneo, con títulos como Viaje hacia el sol (Journey to the Sun), Waiting for the Clouds, Pandora’s Box y Clair Obscur.

Su relación con San Sebastián es especialmente destacada: Pandora’s Box obtuvo la Concha de Oro en 2008 y Tsilla Chelton recibió, ex aequo, la Concha de Plata a la mejor actriz.

What Remains tiene su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.

El Festival fija su duración en 126 minutos.

Mi puntuación: 7,68/10.

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Un torpe constitucional entre ataúdes

Azken agurra basa buena parte de su comicidad en el patetismo de su protagonista, Tomás.

Llega tarde a las citas con su hija. Está separado. Tiene una empresa de funerales laicos que descuida hasta el punto de llegar tarde a los propios actos que organiza.

Come entremeses fritos y después callos. Bebe. Fuma continuamente. No se cuida absolutamente nada.

Y, por si faltaba algo, anda metido en un lío de blanqueo de capitales.

Un desastre absoluto.

La película construye alrededor de este personaje un humor absurdo y bastante incómodo. No es mala persona, pero es incapaz de hacer las cosas a derechas y parece carecer de cualquier filtro para manejar sus sentimientos.

Un torpe constitucional.

Algo de luz entra en su vida con la llegada de una joven estudiante en prácticas a su empresa. Una «colaboradora», como prefiere llamarla él.

A mí la película no me ha desagradado. Ese patetismo del personaje me funciona y precisamente esa incomodidad que provoca su comportamiento termina teniendo su gracia.

El problema es que todo gira alrededor de Tomás. Los personajes secundarios quedan mucho menos desarrollados, incluida su joven colaboradora, que podría haber tenido bastante más peso.

No hay demasiado donde agarrarse fuera de él.

Pero él da para bastante.

Koldo Almandoz y su cine

El donostiarra Koldo Almandoz (1973) lleva décadas vinculado al cortometraje, el documental y el cine de autor. Entre sus largometrajes destacan Sîpo Phantasma (2016) y Oreina (Ciervo) (2018), además de trabajos televisivos como Hondar ahoak y Zeru ahoak.

Azken agurra es su tercer largometraje y está escrito y dirigido por él.

Rodado íntegramente en euskera, está protagonizado por Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto y producido por Txintxua Films y Garabi Films.

La película se presenta en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial, fuera de concurso, aunque participa en el Premio Irizar al Cine Vasco.

Mi puntuación: 6,44/10.

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