Kolyada toma elementos del folclore rural de Guadalajara y los convierte en una historia fantástica con cierto tono costumbrista.
El gran problema es visual. Los personajes disfrazados, filmados de noche y en ambientes demasiado oscuros, casi no se ven.
Una cosa es crear misterio y otra esconder la película.
En medio queda la relación entre dos mujeres, una joven y otra que parece ser su madre. Un vínculo algo turbador que no termina de aclararse, aunque precisamente por eso resulta interesante.
Una propuesta con personalidad que, en demasiados momentos, hay que ver más con la imaginación que con los ojos.
Tras la procesión
Lolbeh Rubio dirige Kolyada, uno de los cuatro cortometrajes de la cuarta edición de Cine Alcarria.
Rodado en Arbancón, contó con la participación de los Diablos de Luzón y de estudiantes de distintos centros educativos de Guadalajara.
La banda sonora fue compuesta por Jorge Ferrero García e interpretada por el Orfeón Joaquín Turina.
El corto se estrenó el 1 de octubre de 2026 en Multicines Guadalajara.
Mi puntuación: 7,75/10.
Ficha:
Productora: Claudia Garrido Guionista: Lolbeh Rubio, Adriana Mottola y Luna Dao Directora: Lolbeh Rubio Directora de foto: Adriana Mottola
La cámara se mueve con agilidad por esos ambientes oscuros y tenebristas. A veces, demasiado oscuros.
El gran problema es que no hay guion suficiente para sostener el corto.
Apenas una premisa muy sencilla, con un malo excesivamente caricaturesco y un desarrollo tan previsible que sorprende poco o nada.
Mucho movimiento de cámara, mucha tiniebla y muy poca historia.
Después de arrancar la mala hierba
Mala hierba adopta el formato de found footage y fue rodada en Horche y Utande dentro del proyecto formativo Cine Alcarria.
En la gala de 2026 obtuvo la Mención al Montaje y Jaime Riofrío López, la Mención a la Interpretación Masculina.
Mi puntuación: 5,65/10.
Ficha:
Productor: Marcos Losa Lozano Guionistas: Ramón Polanco Leon Hector Martín Tornero Director: Ramón Polanco Leon Director de fotografía: Sara Jiménez Garcia
Santa Águeda nos acerca a esta fiesta en la que las mujeres ocupan el poder durante un día y eligen a su alcaldesa.
Elisa Aymí Frutos lo cuenta mediante una comedia costumbrista, con un tono jocoso y una realización juguetona que no se toma demasiado en serio a sí misma.
No hay solemnidad ni falta que hace.
El resultado es ligero, simpático y, la verdad, me ha resultado muy divertido.
Detrás de la fiesta
Elisa Aymí Frutos dirige este cortometraje dentro del proyecto educativo Cine Alcarria.
Santa Águeda fue rodado en Cogolludo, con la colaboración de las Águedas de Cogolludo y Espinosa de Henares y música original creada desde el Conservatorio Provincial de Música.
Se estrenó el 1 de octubre de 2026 en Multicines Guadalajara.
Obtuvo el Premio Cine Alcarria 2026, además de menciones al sonido y a la interpretación femenina de su reparto.
Mi puntuación: 8,75/10.
Ficha:
Productora: Mercedes Peco Sigüenza Guionistas: Elisa Aymí Frutos y Julia García Seguido Directora: : Elisa Aymí Frutos Director de fotografía: Julián González Naharro Directora de fotografía: Alejandra Grueso Zorrilla
Rodado en el Centro Social de Cifuentes, en Guadalajara, El baile observa en tono de comedia las relaciones que surgen durante las sesiones de baile para mayores.
Está el bailón que se atreve con todas, la recién llegada y esos dos mirones que no se levantan de la silla, pero no pierden detalle.
La construcción de los personajes funciona. Las imágenes son dinámicas, la fotografía está bien y la dirección de arte es estupenda.
El problema está en las interpretaciones. Los actores recitan un texto aprendido de memoria y se nota demasiado. Cada frase parece estar esperando su turno.
Una pena, porque podía haber sido un magnífico corto.
Detrás del baile
Lucía González Carrasco concibió la historia a partir de la experiencia de su abuelo, habitual de estas sesiones de baile.
El baile forma parte de la cuarta edición de CineAlcarria y se estrenó el 1 de octubre de 2026 en Multicines Guadalajara.
El jurado le concedió menciones a la dirección, al vestuario y a toda la figuración.
Mi puntuación: 6,72/10.
Ficha:
Productor: Gabriel Monge Esteban Guionistas: Lucía González Carrasco y Alex González Vicente Directora: Lucía González Carrasco Director de fotografía: Alex González Vicente
Disección de una incoherencia en crisis retrata a un padre y una hija atrapados en conflictos diferentes, pero unidos por una misma incapacidad para gestionar la envidia y el ego.
Dos personas destructivas y repugnantes.
Me sabe mal decirlo por la pequeña Aran.
No tanto por su nada pequeño padre, Artur, que es un gilipollas integral.
Un corto muy interesante sobre quienes viven sumergidos en la envidia.
Una lástima que, en esta familia, el trastorno parezca hereditario.
De la ESCAC a Karlovy Vary
Nausica Serra, nacida en Barcelona en 2003 y formada en dirección en la ESCAC, debuta con este cortometraje.
Disección de una incoherencia en crisis tuvo su estreno mundial en el programa Future Frames del Festival de Karlovy Vary y pasó por los festivales de Sevilla y D’A.
Serra obtuvo por este trabajo el Águila de Oro a la mejor dirección en el Aguilar Film Festival de 2025.
En una piscina de Madrid, Noelia confiesa a sus amigas que ha perdido la virginidad y relata con bastante detalle su experiencia sexual.
El problema es que su historia resulta poco verosímil. Nadie termina de creérsela y las dudas van enturbiando la amistad.
El corto es divertido, pero también deja un poso triste. Me hace pensar en la diferencia entre la sexualidad de mi generación —soy un boomer— y la de la generación Z.
Para nosotros, el sexo era un territorio desconocido. Íbamos explorando senderos sin saber dónde terminarían.
Ahora, gracias a la pornografía, parece que todo se conoce antes de empezar, aunque ese supuesto manual de instrucciones sea una ficción bastante tramposa. La realidad puede quedar muy por debajo de las expectativas.
Antes llegábamos sin mapa. Ahora llegan con un tutorial falso.
El primer verano de Sandra del Olmo
Sandra del Olmo Miranda, nacida en Madrid en 1996, es graduada en Comunicación Audiovisual y Guion Cinematográfico por la Universidad Rey Juan Carlos.
Trabajó durante seis años en la gestión de contenidos de Atresplayer y participó en la producción de los cortos Ágape y Los días libres, ambos dirigidos por Sergio de Mingo.
Fue un verano es su debut como guionista y directora.
El corto fue seleccionado en los festivales de Huesca y Madrid-PNR y recibió una mención especial del jurado en el Festival Internacional de Cine de Lanzarote.
Una artista y un informático debaten en off sobre el concepto de progreso mientras una avalancha de imágenes acompaña sus argumentos.
Tal vez el problema no esté en el progreso ni en los inventos, sino en el uso nocivo que el ser humano hace de ellos.
El recorrido va desde la mecanización del Holocausto y la industrialización nazi del asesinato hasta las máquinas que sustituyen a camareros, limpiadoras y trabajadores de las fábricas de automóviles.
Temas tremendos tratados con un tono jocoso y un montaje trepidante que convierte el corto en algo sorprendentemente divertido.
Entre las imágenes aparece varias veces Elon Musk levantando el brazo en aquel gesto de indudables resonancias fascistas.
No está mal que nos lo recuerden.
Mucho progreso, sí. El ser humano sigue necesitando una actualización urgente.
La mujer detrás de las máquinas
La valenciana Claudia García de Mateos compagina su trabajo como documentalista con la dirección de fotografía.
Entre sus anteriores cortometrajes están El pisito y Los chicos con las chicas, premiado como mejor corto documental en los Premis Lola Gaos.
Deprisa, deprisa tuvo su estreno mundial en Cinema Jove y su estreno internacional en el Palm Springs International ShortFest.
En un pueblo recóndito de la Colombia más olvidada, nuestra narradora cuenta en voz en off cómo su comunidad vivió un conflicto armado que llegó a sus tierras sin comerlo ni beberlo.
No comprenden qué enfrentamiento es ese, pero sufren todas sus consecuencias.
Las imágenes son estupendas y el relato me parece interesantísimo.
Pero esa voz en off monótona, que lo inunda todo, a mí, qué quieres que te diga, me aturde, me cansa y me aburre.
La voz que debía iluminar el relato termina apagándolo.
Sobre Aner Etxebarria
Aner Etxebarria (Barakaldo, 1988) es director y productor de documentales especializado en antropología y conservación de la naturaleza.
Ha rodado en más de veinte países y entre sus trabajos figuran Baskavigin: La matanza de los balleneros vascos, Tabira, Bayandalai, Lord of the Taiga y Joy.
También codirigió la serie documental Voces de la Tierra.
Luz, producida por Carapiru Studios y rodada en Colombia, dura 18 minutos y participa en la sección En Femenino de FESCIGU 2026.
La colisión es un corto de alta tensión que nos sitúa en la mirada de Nico, un muchacho de 17 años que trabaja junto a su padrastro en una empresa familiar de construcción.
La historia me lleva directamente al estallido de la crisis inmobiliaria de 2008. El negocio comienza a derrumbarse y amenaza con arrastrar también a toda la familia.
Jairo González transmite muy bien la angustia de aquellos días. El trabajo deja de ofrecer un futuro para convertirse en una amenaza.
El relato es adrenalínico y muy realista. Nos devuelve a una de las épocas más tristes de la economía y la sociedad españolas.
El reparto es extraordinario. Alan Luna sostiene el punto de vista de Nico, acompañado por Urko Olazabal, Tamara Casellas y Pablo Molinero, tres actores estupendos.
Siempre es una alegría encontrarme con Tamara Casellas, una actriz que admiro profundamente y a la que conozco del Festival de Málaga desde hace quince años.
Cuando el ladrillo se hunde, los primeros escombros suelen caer sobre las familias.
Sobre Jairo González
Jairo González, nacido en Benidorm en 1990, ha trabajado como primer ayudante de dirección y fundó en 2023 la productora Colera Films.
Anteriormente dirigió los cortometrajes Fortuna (2022) y A Summer with Carolina (2023).
La colisión es su tercer corto y servirá de base para su primer largometraje, Los años vacíos, actualmente en desarrollo.
El proyecto obtuvo el Premio Movistar Plus+ de la Semana de Cine de Medina del Campo.
En memoria (In memoriam) está protagonizado por Cristina Soria, que interpreta a Alicia, una actriz incapaz de abrirse camino en la profesión y obligada a trabajar como dependienta.
Como en aquel viejo chiste de Hollywood:
—¿Tú qué eres?
—Actriz.
—¿Y en qué bar trabajas?
Aquí no hay bar, pero la broma sigue funcionando.
La estupenda Toni Acosta se interpreta a sí misma en esta comedia sobre la vocación, la fama y ese empeño tan humano de dejar algún recuerdo cuando ya no estemos.
El In memoriam de los Goya está lleno de profesionales que han dedicado su vida al cine, aunque la mayoría del público no sepa quiénes son y aproveche ese momento para ir a orinar.
Yo terminé muy contento.
Gracias a mi infinita suerte, soy académico y quiero pensar que algún día, cuando fallezca, mi foto aparecerá durante dos segundos.
Debajo pondrá: «Ramón Bernadó —posiblemente con el apellido mal escrito—, periodista de cine».
Solo de pensarlo, se me saltan las lágrimas.
Dos cabezas para una comedia
Teresa Bellón y César F. Calvillo forman un tándem creativo especializado en la comedia.
Han escrito y dirigido varios cortometrajes, entre ellos Cariño, me he follado a Bunbury, Rojo amarillo rojo y Una noche con Juan Diego Botto.
En 2024 debutaron en el largometraje con Buscando a Coque, ganadora del Premio Platino a la mejor comedia iberoamericana y nominada a mejor comedia en los Premios Feroz de 2025.
In memoriam ha obtenido, entre otros reconocimientos, los premios al mejor guion, mejor actriz y del público en la Semana de Cine de Medina del Campo, además de los Fugaz al mejor guion y a la mejor actriz para Cristina Soria.
Dos hijos muy de su madre… hasta que toca cuidarla
Una madre hospitalizada en Urgencias y dos hermanos que se reencuentran ante un problema que ya no pueden seguir esquivando: posiblemente ella ya no pueda vivir sola.
La hermana vive en Barcelona. El hermano, cerca de su madre.
No hay dinero para una residencia y ninguno quiere hacerse cargo de ella.
La discusión va arrancándoles las excusas hasta revelar su verdadera naturaleza: dos jóvenes egoístas y poco empáticos, bastante más preocupados por conservar su comodidad que por cuidar a quien los cuidó.
Cucarachas, amigos… Cucarachas.
Sobre esta directora
Alma Prieto (Madrid, 1991) es directora y productora.
Ha trabajado en producción, supervisión de efectos digitales y guion desde su productora Chicken Films.
En 2020 produjo Ultrainocencia y fundó la compañía Teatro Invisible, donde ha dirigido varios montajes.
Cucarachas es su ópera prima como directora cinematográfica y ha formado parte de las selecciones oficiales de festivales como Huesca, Cerdanya y FESCIGU.
Una reunión de amigas, el cumpleaños de uno de los niños y tres planteamientos distintos ante la maternidad: la que ya tiene hijos y está satisfecha, la embarazada que está deseando ser madre y la que sencillamente ha decidido no tenerlos.
Y me parece fenomenal. Cada cual puede hacer con su vida lo que le dé la gana.
La historia se cuenta en clave de humor, pero faltaba una pieza fundamental: el cuñado.
¿Cómo no iba a aparecer un cuñado, argentino en este caso, convertido en el prototipo máximo del cuñadismo y dispuesto a sentar cátedra sobre la vida ajena?
Bendito Herodes está muy bien construido, tiene personajes estupendos y resulta muy, muy gracioso.
Porque en esta vida todo el mundo puede opinar lo que quiera.
Pero al final la razón la tiene un balonazo.
Después de apagar las velas
Carmen Águila es actriz, guionista, productora y directora malagueña.
En Plata (2022) reunió por primera vez dirección, guion, interpretación y producción.
Después adaptó y coprodujo Polednice, la bruja del mediodía (2023) y coprodujo e interpretó La elegida (2024).
En 2025 fundó con Jennifer Rubio la productora inclusiva Thisability, cuya primera obra es Bendito Herodes, coproducida por La Dalia Films.
El corto se estrenó en agosto de 2026 en el Festival de Cine de Comedia de Tarazona y el Moncayo y participó en la sección En Femenino del 24.º FESCIGU.
¡Abre las piernas! adopta el punto de vista de Paula, una aficionada a las artes marciales, durante su visita al ginecólogo.
Nos encontramos con un médico que puede resultar algo caricaturesco, pero que se parece demasiado al prototipo de muchos médicos de este país: bien encorbatado, perfectamente peinado, con los zapatos relucientes y una corrección de escaparate.
Debajo de tanta pulcritud asoma ese puntito desagradable. Ese profesional que no comprende que una exploración ginecológica puede colocar a una mujer en una situación de absoluta vulnerabilidad.
Estás abriendo en canal tu intimidad más absoluta para que un gilipollas se permita juzgarte.
El corto trata esa indefensión con humor, sin quitarle importancia. Me ha gustado mucho cómo está planteado.
Deberían verlo muchos médicos. Aunque sospecho que algunos saldrían indignados por el peor motivo posible: porque se verían retratados.
Detrás de la bata
Águeda V. Flores nació en Monterrey en 1992 y se formó en cine en su ciudad natal, la UCLA y la ESCAC.
Ha dirigido videoclips y el documental Lolyta en Monterrey post-industrial.
¡Abre las piernas! es su primer cortometraje de ficción.
En 2026 ganó el premio al mejor cortometraje mexicano en la XXV edición del Festival Internacional de Cine de Horror Macabro.
En el FESCIGU 2026 forma parte de la sección En Femenino.
Química vuelve a demostrar que para hacer un buen corto no hacen falta muchos decorados, personajes, figurantes ni un gran presupuesto.
Bastan una cocina, un salón, dos personajes y una llamada telefónica. Al otro lado, una voz capaz de derrumbar las expectativas de una pareja bien avenida que desea adoptar a un niño.
Las interpretaciones son magníficas, especialmente la de Sheyla Fariña, que sostiene con enorme verdad el cambio de temperatura emocional.
Senín Porto plantea muy bien la historia y exprime al máximo sus escasos elementos.
La buena química no depende del presupuesto.
Después de la llamada
Senín Porto dirige y produce Química, cuyo guion firma junto a Martín DeSoto y Sara Gómez Iglesias.
Su anterior corto, Betas, obtuvo el Premio del Público en el Festival de Cans de 2024. El Festival de Cans es un certamen de cine celebrado en la aldea de Cans, en O Porriño (Pontevedra). Su nombre juega con el parecido con Cannes —aunque aquí hay chimpines, gallineros y bastante menos alfombra roja—. Está especializado principalmente en cortometrajes y desde 2026 es calificativo para los Goya.
También ha codirigido con Martín DeSoto el documental Eject: el último rebobinado.
En Química apuesta por una puesta en escena mínima y concentra toda la tensión en el guion y los intérpretes.
Verity. La sombra de un engaño pretende ser un thriller erótico. Pero de intriga tiene poco, de thriller psicológico casi nada y de erótico, lo justito.
Todo gira alrededor de un guion absurdo, revestido de una atmósfera sofisticada que no consigue ocultar su fragilidad.
Un castillo de naipes con ínfulas.
Anne Hathaway interpreta un papel imposible y está muy guapa cuando la película decide que toca estar guapa.
Dakota Johnson es una chica monina y poco más. Su atractivo en pantalla me parece escaso y su capacidad actoral, nula.
Josh Hartnett hace bien en quitarse la camiseta y enseñar los pectorales, porque grandes interpretaciones, desde luego, no va a poder enseñar.
El giro final pretende pasar por intelectual, pero solo consigue rematar el sinsentido. Lo que empieza aburriendo termina irritando.
Sí, la fotografía es muy bonita. También lo son muchos catálogos de muebles.
Todo lo demás resulta postizo, falso y tonto.
Un auténtico desastre.
Después del engaño
Michael Showalter es un director, guionista y actor estadounidense procedente de la comedia.
Entre sus películas destacan Hello, My Name Is Doris, La gran enfermedad del amor, Los ojos de Tammy Faye y La idea de tenerte.
Verity. La sombra de un engaño adapta la novela de Colleen Hoover y se estrenó en España el 2 de octubre de 2026, distribuida por Sony Pictures.
Durante ese fin de semana encabezó la taquilla norteamericana con 32,6 millones de dólares y alcanzó los 62,6 millones en todo el mundo.
Cada nueva película de Alejandro G. Iñárritu es un acontecimiento.
No olvidemos que dirigió El renacido, una de las grandes películas de la historia del cine o, al menos, de lo que llevamos del siglo XXI.
En Digger propone una sátira sardónica que pretende retratar, en clave de humor, la disparatada realidad del mundo actual.
Tom Cruise interpreta a Digger Rockwell, un magnate del petróleo que se ha hecho con explotaciones en parajes de enorme valor ecológico gracias al respaldo del presidente de Estados Unidos.
El presidente es John Goodman y tiene un tumor rectal del tamaño de una naranja.
La sutileza no estaba invitada.
Hay una gran sorpresa metacinematográfica que enlaza con Birdman. No digo más porque sería destripar uno de los principales alicientes de la película.
Riz Ahmed, Sandra Hüller y Jesse Plemons acompañan a Cruise en una colección de personajes exagerados, caricaturescos y bufonescos que se aproxima a la commedia dell’arte.
El problema es que esta sátira supuestamente humorística no consigue provocar una sola carcajada y apenas alguna sonrisa ocasional.
Todo a gritos.
Los personajes están permanentemente desatados, interpretando sin medida y dentro de un tono tan estridente que, por momentos, resulta absolutamente insoportable.
La película tiene buenas hechuras. Hay una puesta en escena trabajada, movimientos de cámara interesantes y numerosos elementos simbólicos.
Pero las buenas formas no compensan tanto subrayado. Iñárritu insiste una y otra vez en ideas que pueden tener interés, pero que ya conocemos y no ganan profundidad por repetirlas a voces.
El mensaje ecológico es estupendo: si explotamos la naturaleza sin límites, esta terminará devolviéndonos el golpe mediante catástrofes que no podrán controlar ni la Fuerza Aérea ni la Armada estadounidenses.
Tom Cruise está completamente salido de madre en lo gestual y corporal, ayudado por unas prótesis que lo vuelven casi irreconocible.
Puede que haya visto en este papel la oportunidad de excavar hasta encontrar el Óscar.
No creo que lo consiga.
La pala del cartel tampoco es un capricho del publicista. Es aquella con la que su abuelo comenzó a cavar hasta encontrar petróleo y levantar el imperio familiar.
Mucho petróleo, mucha prótesis, muchas ideas subrayadas y demasiados decibelios.
La sátira tiene mala leche. El humor se ha quedado enterrado.
Después de la excavación
El mexicano Alejandro G. Iñárritu inició su carrera cinematográfica con Amores perros y continuó con títulos como 21 gramos, Babel, Biutiful, Birdman, El renacido y Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades.
Ganó consecutivamente el Óscar a la mejor dirección por Birdman y El renacido.
La primera también le proporcionó las estatuillas de mejor película y guion original.
Producida por Legendary Pictures, distribuida por Warner Bros. y rodada íntegramente en VistaVision, Digger se estrenó en España el 2 de octubre de 2026.
Su arranque comercial ha sido muy flojo: séptimo puesto en España y unos 17 millones de euros recaudados mundialmente durante su primer fin de semana, frente a un presupuesto estimado en unos 153 millones.
En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.
La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.
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Tenemos que hablar analiza el enganche emocional que algunas personas desarrollan y lo difícil que resulta romper una relación de dependencia cuando aparece la culpa.
Podría contar el final y destripar la sorpresa, que es una de mis tendencias naturales. Pero voy a contenerme.
También tengo mis días heroicos.
Me gusta mucho la fotografía de Santiago Racaj y su trabajo con la luz.
Marta Nieto está estupenda y el análisis de esa dependencia emocional resulta certero y divertido.
Un magnífico corto. Y no he contado el final. Estoy madurando.
Detrás de la conversación
Caterina Muñoz Luceño lleva más de veinte años compaginando el trabajo en dirección y producción audiovisual con las artes vivas y escénicas.
Como productora participó en los cortos Mamífera, de Valeria Alonso, y Amor de madre, dirigido por Lucía Álvarez a partir de un relato de Almudena Grandes.
En Tenemos que hablar firma también el guion.
Completan el reparto Manuela Paso e Israel Elejalde.
Un desconocido aparece en el jardín. Para unos, su mera presencia supone una amenaza. Para otros, es una persona perdida que necesita ayuda.
Regreso a casa (Homing) representa estupendamente estas dos formas de reaccionar, que en realidad son dos maneras de entender la vida: contemplar al otro con miedo o preguntarse qué podemos hacer por él.
Es una división que ya impregna nuestra sociedad.
Hay partidos empeñados en culpar a los inmigrantes de todos los males. Y estamos quienes, ante alguien que llega perdido, intentaríamos ayudar antes de condenar.
El jardín se convierte así en una frontera moral.
Lo incómodo es que la película nos obliga a elegir de qué lado estamos.
Detrás de la verja
Regreso a casa (Homing) es el primer corto de ficción de Elizabeth «Lizzie» Atherton, cineasta y escritora formada en Arquitectura que inició su trayectoria en el documental experimental.
Lo coescribe y codirige con Hansel Rodrigues, realizador de ficción y documental que forma parte del programa BFI Beyond Shorts.
El proyecto fue uno de los ganadores de The Dream Makers, iniciativa de Fundación SEAT CUPRA y ESCAC con la mentoría de J. A. Bayona.
También obtuvo el Premio Onofre al Mejor Cortometraje del Festival Ibérico de Cine y está anunciado para inaugurar la 59.ª edición del Festival de Sitges el 8 de octubre de 2026.
Mi puntuación: 7,55/10.
Dirigido por Elizabeth Atherton, Hansel Rodrigues:
Unos carteles acusan al padre de algo que podría ser una infamia o la pura verdad. No lo sabemos. El corto se sostiene en esa incertidumbre.
La hija mayor se muestra indignada e intenta proteger a su hermana pequeña, mientras el padre parece ajeno al asunto. Como si la tormenta no fuera con él.
La niña, en cambio, solo busca respuestas.
Tres actitudes ante el mismo escándalo: la indignación de la joven, la indolencia del padre y la necesidad de saber de la pequeña.
No sabemos qué hizo el padre, pero su silencio deja a sus hijas solas frente al ruido.
Sobre Aitor Abio
Aitor Abio, nacido en Durango en 2000, es graduado en Comunicación Audiovisual por Mondragon Unibertsitatea y se ha formado en dirección cinematográfica en la ECPV de Bilbao.
Debutó con Patrimonio, seleccionado para Kimuak 2024.
Dicen que tu padre, su segundo cortometraje, fue incorporado al catálogo Kimuak 2025.
El corto obtuvo el segundo premio en el XXIII Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española–Fundación SGAE.
Izaro Nieto recibió además el premio a la mejor interpretación femenina.
Cemento se mete de lleno en uno de los asuntos más candentes del momento: el imposible acceso de la generación Z a una vivienda.
Una pareja de jóvenes se cuela en un edificio en construcción para hacer grafitis.
El lugar tiene unas vistas magníficas y, entre sprays y hormigón, ambos empiezan a dibujar e imaginar la casa ideal que difícilmente podrán permitirse.
El corto convierte un juego adolescente en el retrato sencillo y certero de una generación que puede diseñar su futuro, pero no pagarlo.
Los sueños, sueños son. Y la vivienda, ciencia ficción.
Detrás del hormigón
Gustavo García Sierra (Zaragoza, 1992) es cineasta y docente, graduado en Dirección por la Escuela TAI.
Comenzó trabajando en el departamento de cámara de producciones como Todos lo saben.
Su primer cortometraje, Caníbales, fue seleccionado en la 53.ª edición del Festival de Sitges.
También ha dirigido vídeos musicales y el largometraje Mono: Live Pilgrimage in Madrid.
Cemento forma parte de la Sección Oficial de Cortometrajes del FESCIGU 2026.
Facdere coloca a Mila, la madre de Víctor, entre dos trituradoras.
Por un lado, debe alcanzar los objetivos de venta que le exige la aseguradora para la que trabaja como teleoperadora.
Por otro, un fondo de inversión extranjero ha comprado la vivienda donde viven de alquiler y amenaza con echarlos a la calle.
Precariedad laboral y precariedad habitacional. Dos caras bastante feas de la realidad española.
Nadia Alsalti realiza una interpretación excelente y sostiene con mucha verdad la angustia de una mujer obligada a vender para poder seguir viviendo.
Tras la llamada
Pablo Olivares, nacido en Caravaca de la Cruz en 2000, comenzó su trayectoria como guionista y director con el cortometraje No te putopilles, realizado en 2024.
Tras formarse en la Universidad Complutense de Madrid y en la ESCAC, aborda en su segundo corto, Facdere, la violencia inmobiliaria y sus consecuencias cotidianas.
También desarrolla su carrera como actor en cine, teatro y performance.
La cámara descansa casi por completo sobre Víctor Clavijo, con Carolina Bona como contrapunto. En realidad, es prácticamente un monólogo del actor, y eso ya supone un estupendo espectáculo.
Alerta: spoilers
Víctor Clavijo va desgranando las fechorías que puede cometer una cámara que estuvo en Auschwitz.
La premisa es disparatada, pero el corto la explica con claridad, buen ritmo y mucho humor.
Ver actuar a Víctor Clavijo siempre es un auténtico placer.
Los Clavijo detrás del objetivo
Carlos Clavijo Cobos es guionista, productor y director. Participó en el guion y la coproducción de Gernika (2016).
En La cámara dirige a su hermano Víctor Clavijo, también autor del guion, y a Carolina Bona.
El corto ha recibido el Premio Canal Sur a la Creación Audiovisual Andaluza.
Víctor Clavijo fue premiado como mejor actor en los festivales de Astorga y Luna de Cortos.
La pesadilla del funcionario: que esté todo correcto
El aspirante utiliza la animación stop motion para convertir la burocracia en una pequeña distopía poblada por seres grotescos e histriónicos.
La mayor gracia está en ese funcionario de ventanilla que cumple las normas a rajatabla y parece vivir para rechazar solicitudes.
Su mayor horror no es una inspección ni que se caiga el sistema.
Es que llegue un ciudadano con todos los papeles en regla.
Una sátira muy divertida sobre un mundo en el que hacer bien un trámite puede considerarse una provocación. Las señoras que tenía al lado no paraban de reír.
Razones no les faltaban.
Un artesano del stop motion
Sam Orti, nacido en Valencia en 1971, lleva más de veinticinco años dedicado al stop motion.
En su filmografía destacan cortometrajes como Encarna, Vicenta y The Werepig, además del largometraje Pos eso.
El aspirante, escrito por Flora Cuevas, es un corto de animación sin diálogos producido por Conflictivos Productions.
En 2026 obtuvo el premio al mejor cortometraje valenciano en Humans Fest y participó en la Sección Oficial de FESCIGU.
El gran valor de Señuelo es la presencia de Ramón Barea, que está grandísimo, como siempre.
Interpreta a un jefe racista, machito y aficionado a la caza. De esos que, cuando fallan un disparo, culpan a cualquiera menos a su dedo.
Junto a él están uno de sus empleados y Martín, el hijo de este. Tres generaciones, pero también tres peldaños de una jerarquía marcada por el dinero, el trabajo y la obediencia.
Martha G. Ayerbe desarrolla con inteligencia las tensiones, las frustraciones y las miserias de estos personajes durante la jornada de caza.
La situación remite inevitablemente a La caza, de Carlos Saura, aunque aquí las diferencias generacionales y de clase están mucho más marcadas.
El relato desemboca en un final sorprendente que se mueve entre la comedia negra y el realismo descarnado.
Una señora sentada a mi lado se rio durante casi todo el corto. Yo, la verdad, no encontraba la gracia en muchas de aquellas escenas.
Debíamos de estar viendo dos cacerías distintas.
Una directora que dispara con su primera película
Martha G. Ayerbe, nacida en Zaragoza en 2000 y formada en Comunicación Audiovisual, debuta en la dirección con Señuelo.
El proyecto nació del concurso The Dream Makers, impulsado por ESCAC y CUPRA, y contó con J. A. Bayona entre sus productores.
En 2026, Ayerbe obtuvo el Premio Fugaz a la mejor dirección novel.
El corto también ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival de Cine de Elche, donde Ramón Barea fue reconocido como mejor actor.
