El Blog de Hola Soy Ramón!

 

Águilas de El Cairo – Eagles of the Republic – 2025 – Tarik Saleh – #YoVoyAlCine

29/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Propaganda, focos y faraones: cuando el régimen te encarga el biopic y tú solo querías cobrar el caché”

 

Tarik Saleh es un cineasta sueco de origen egipcio que lleva años metiendo el bisturí en las tripas del poder en Egipto.

 

Antes de esta película ya había firmado El Cairo confidencial (2017) y  Conspiración en El Cairo (2022), formando con esta nueva obra el cierre de su llamada trilogía cairota.

 

Además de dirigir, escribe sus películas, y aquí vuelve a su terreno favorito: corrupción, paranoia política y personajes atrapados en una maquinaria que los mastica sin pestañear.

 

 

Cutrecomentario

 

Águilas de El Cairo —título español de Eagles of the Republic— es una de esas películas que entran como thriller, siguen como sátira política y acaban siendo una disección bastante afilada de cómo funciona el poder cuando no necesita disimular demasiado.

 

La película, una coproducción europea encabezada por Suecia y rodada en árabe egipcio, sigue a George Fahmy, una superestrella del cine egipcio interpretada por Fares Fares, al que el régimen empuja a protagonizar una superproducción destinada a glorificar al presidente.

Vamos, propaganda con presupuesto y maquillaje.

 

La gracia de la película está en que no habla solo de cine dentro del cine, sino de algo bastante más turbio: de cómo la imagen pública se fabrica, se pule y se vende como si fuera verdad revelada.

 

Si el presidente real no resulta precisamente fotogénico, no pasa nada: se coloca delante a un actor famoso, alto, guapo y venerado por el público, y ya tienes el mito servido en bandeja.

 

El truco es viejo, pero funciona.

 

Y Saleh lo cuenta con bastante mala leche.

 

Varias críticas han destacado precisamente ese tono de sátira mordaz sobre la manipulación del poder y la construcción del relato oficial. 

 

Lo mejor de la película es esa sensación de mecanismo cerrado, de país gobernado por resortes invisibles donde todo está pensado para controlar no solo lo que pasa, sino también lo que se cuenta sobre lo que pasa.

Ahí Tarik Saleh se mueve como pez en el Nilo.

 

La película entretiene, sí, pero sobre todo deja una idea bastante incómoda: en los regímenes duros, la propaganda no es un adorno, es parte del motor. 

 

Y luego está el reparto.

Fares Fares sostiene el invento con mucha presencia, porque el personaje necesita carisma y miedo al mismo tiempo.

En cuanto a Lyna Khoudri, actriz con una carrera ya muy seria a sus espaldas, aquí da un poco la impresión de estar infrautilizada: está, luce y aporta presencia, pero el guion no le da todo el juego que podría haberle dado. Y da un poco de rabia, la verdad, porque material había. 

 

Una película política, elegante y venenosa, muy entretenida, que usa el cine para hablar de algo bastante más grande que el cine.

O dicho de otro modo: aquí no se rueda una película, aquí se fabrica un país de cartón piedra.

Y eso da bastante más miedo que un monstruo de Hollywood.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

 

 

Dirigido por Tarik Saleh:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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El último vikingo – Den Sidste Viking – 2025 – Anders Thomas Jensen – #YoVoyAlCine

29/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Vikingos, Beatles y un botín perdido: IKEA no te prepara para esto”

 

Anders Thomas Jensen es uno de esos directores daneses que parecen escribir comedias con una copa de vino en una mano y un trauma existencial en la otra.

 

Guionista habitual de Susanne Bier (En un mundo mejor ), lleva años construyendo una filmografía muy personal como director con títulos como  Adam’s Apples (2005)Men & Chicken (2015) o  Riders of Justice (2020).

 

Su sello es claro: humor negrísimo, personajes rotos y situaciones que van de lo absurdo a lo incómodamente humano sin pedir permiso.

 

Y sí, aquí vuelve a hacer exactamente eso… pero subiendo la apuesta.

 

 

Cutrecomentario

 

  • El último vikingo es, básicamente, lo que pasa cuando metes en una coctelera un atraco, un trastorno de personalidad múltiple, los Beatles y una casa familiar con más fantasmas que Ikea un domingo por la tarde.

 

La premisa ya te avisa: un atracador sale de prisión y va a buscar el dinero que escondió… pero cometió el pequeño error de confiarlo a su hermano, interpretado por Mads Mikkelsen, que tiene un trastorno de identidad disociativo.

 

¿El problema? Que una de sus personalidades no está por la labor de colaborar.

Y claro, ponte tú a negociar con varias versiones del mismo tío.

 

A partir de ahí, todo se desmadra deliciosamente.

 

Aparece un supuesto psiquiatra con métodos bastante cuestionables (por decirlo fino), que decide que la solución pasa por reunir a más personas con el mismo trastorno… y convertirlos en los Beatles. Sí, tal cual. Y lo mejor es que funciona dentro del universo de la película.

 

Mientras tanto, tenemos al típico socio cabreado que quiere su parte del botín (aunque no le toque), unos nuevos dueños de la casa que no saben dónde se han metido y un desfile de personajes que están todos regular… pero muy bien escritos.

 

Lo brillante aquí es lo de siempre en Jensen: debajo del cachondeo hay un drama bastante serio.

 

Todos los personajes están rotos, todos arrastran algo, y la comedia no tapa eso, lo subraya.

 

Como decía Billy Wilder, la comedia es tragedia más tiempo… y aquí el tiempo está perfectamente medido.

 

Una película divertidísima, salvaje por momentos y sorprendentemente emotiva cuando baja el ritmo.

 

Y sí, bastante más disfrutable que muchas “comedias respetables” con ínfulas de premio.

 

Vamos, que el cine nórdico te puede dejar llorando… o riéndote de lo mal que está todo.

Y esta vez toca reír mucho.

Pero con mala leche.

 

Mi puntuación: 8,67/10.

 

 

 

Dirigido por Anders Thomas Jensen:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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El arquitecto – L’inconnu de la Grande Arche – 2025 – Stéphane Demoustier – #YoVoyAlCine

29/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

“Arquitectos del ego: cuando el hormigón también se sube a la cabeza”

 

Stéphane Demoustier no es precisamente un recién llegado, pero tampoco un director de los que llenan titulares cada semana.

 

Se dio a conocer con Terre battue (2014) y consolidó su estilo con La fille au bracelet (2019), una película seca, sobria y muy pegada a los personajes.

 

Su cine suele moverse en ese terreno incómodo donde la moral se pone a prueba sin necesidad de grandes aspavientos.

 

Aquí vuelve a lo suyo… pero con presupuesto, egos y mármol de por medio.

 

Y claro, cuando juntas política francesa, arquitectura monumental y un señor obsesivo, pasan cosas.

 

 

Cutrecomentario

 

El arquitecto (o * L’inconnu de la Grande Arche, que suena más fino y más francés, todo hay que decirlo) es básicamente una película sobre señores importantes compitiendo por ver quién la tiene más grande… la obra arquitectónica, se entiende.

 

Nos mete de lleno en el proyecto de la Grande Arche de La Défense, ese monumento que François Mitterrand decidió levantar para dejar claro que Francia seguía siendo Francia (por si alguien tenía dudas).

 

Y para ello ficha a un arquitecto danés prácticamente desconocido, Johan Otto von Spreckelsen, interpretado por un Claes Bang que clava ese perfil de genio obsesivo, perfeccionista hasta el delirio y encantado de bailar al ritmo de la “grandeur” mitterrandiana.

 

El problema, claro, es que cuando juntas a dos tipos convencidos de que están haciendo historia, lo que suele acabar pasando es que alguien paga la fiesta. Y ese alguien, sorpresa, es el contribuyente.

 

Frente a este dúo de iluminados aparece el arquitecto francés Pablo Andreu, al que da vida Swann Arlau, que intenta introducir algo tan poco glamuroso como el sentido común (error estratégico, por otro lado), y el burócrata interpretado por Xavier Dolan, que básicamente hace de ese señor que intenta que todo no explote… mientras explota igual.

 

No quiero olvidarme de la actriz Sidse Babett Knudsen, que interpreta a la esposa del engreído arquitecto de Copenhague, muy conocida por la serie Borgen.

 

Por si faltaba salsa, llega la famosa “cohabitación” francesa: cambia el gobierno, cambia el viento político y lo que antes era una obra de Estado empieza a parecer un capricho carísimo.

Y ahí la película gana enteros, porque deja de ser solo un drama arquitectónico para convertirse en un retrato bastante fino de cómo el poder, el ego y el dinero público se dan la mano sin pedir permiso.

 

Lo mejor: esa sensación constante de que todo es un disparate elegante.

Todo está medido, calculado, perfeccionado… para construir algo que roza lo inútil. Y ahí está la gracia.

 

Y luego está la reflexión que te deja con mal cuerpo (y que no tiene nada de ficción): ¿en qué gastamos el dinero público?

¿En dejar monumentos para la posteridad o en resolver problemas reales? Que esto lo plantee una historia sobre Mitterrand, un presidente socialista, tiene su puntito irónico, por no decir directamente incómodo.

 

Una película sobria, bien interpretada y con más veneno del que parece.

 

No es un espectáculo, pero te deja pensando… y mirando los edificios grandes con cierta desconfianza. Porque igual no son tan inocentes como parecen.

 

Mi puntuación: 7,75/10.

 

 

 

Dirigido por Stéphane Demoustier:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Amarga Navidad – 2026 – Pedro Almodóvar – #YoVoyAlCine

29/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Amarga Navidad o “Almodóvar en bucle… pero qué bucle”

 

Hablar de Pedro Almodóvar a estas alturas es como discutir si el gazpacho lleva pepino: no hay consenso, pero hay tradición.

 

El manchego lleva cuatro décadas haciendo cine con firma propia, desde ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! hasta Dolor y gloria, pasando por Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre o Hable con ella.

 

Dos Óscar en la vitrina y un estilo tan reconocible que podría dirigir un anuncio de yogures y sabrías que es suyo.


 

 

Cutrecomentario

 

Amarga Navidad llega precedida de lo de siempre: expectación alta, promoción cuidada y ese aura de “evento cultural” que acompaña cada estreno de Almodóvar.

 

No es solo una película, es casi una cita obligada.

 

Warner la ha lanzado con músculo, distribución amplia (más de 300 salas) y con el respaldo de El Deseo y Movistar+ en la recámara para su vida posterior.

 

¿El resultado? Un arranque bastante digno: alrededor de 700.000 euros en su primer fin de semana, superando incluso a algunos títulos recientes del director como Madres paralelas.


Eso sí, tampoco nos volvamos locos: mientras tanto, Santiago Segura iba arrasando con Torrente como si esto fuera un combate desigual entre cine de autor y bocadillo de calamares. 

 

La peli, por cierto, no es menor en ambición. Tiene presupuesto de unos 11,6 millones, reparto potente (Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Carmen Machi…) y una historia que mezcla duelo, ansiedad y creación artística con ese rollo de “película dentro de la película” que ya huele a testamento creativo.

 

Y aquí viene lo importante.

 

Si alguien esperaba una revolución… que siga esperando.

 

Amarga Navidad es, otra vez, puro Almodóvar.

 

Melodrama de alta gama, mujeres emocionalmente al borde del colapso (pero con vestuario impecable), traumas, memoria, identidad… y ese puntito de autoficción que ya no es un recurso: es una religión.

 

La estructura, además, se complica un poco más de lo habitual: cine dentro del cine, personajes que parecen reflejos de otros personajes, y la sensación constante de que el director está hablando de sí mismo… pero con filtros.

 

Vamos, que si te despistas cinco minutos, igual no sabes si estás viendo la peli o el making of emocional del propio Almodóvar.

 

Visualmente, ni una queja: colores saturados, encuadres de exposición y una puesta en escena que sigue siendo marca de la casa.

 

El problema (para algunos) es que la emoción no siempre acompaña al envoltorio.

 

De hecho, la crítica ha estado bastante dividida: desde quien la ve como una obra madura y reflexiva… hasta quien, como Carlos Boyero, directamente dice que “ver llover es más entretenido”. 

 

Y claro, ahí está el dilema eterno con Almodóvar:
¿está repitiéndose… o está perfeccionando su fórmula?

 

Porque sí, puede que ya hayas visto esta película varias veces. Pero también es verdad que pocos directores consiguen que sigamos yendo a ver la misma historia con distinto vestido durante décadas.

 

En resumen:

no hay sorpresa, pero hay oficio.
no hay reinvención, pero hay identidad.

 

Y a estas alturas, igual eso vale más que cualquier giro de guion.

 

Pero ojo, porque aquí viene el matiz importante. Amarga Navidad es una película técnicamente impecable.

 

Pedro Almodóvar dirige con precisión quirúrgica: cada segundo, cada gesto, cada mirada está medida como si alguien hubiera pasado un calibrador emocional por el metraje. Y eso se nota. Vaya si se nota.

 

Puede parecer impostada, sí. Artificial incluso. Pero precisamente ahí está parte de su encanto: ese gusto por lo artificioso que Almodóvar lleva reivindicando toda la vida. Aquí no se busca la naturalidad, se busca la construcción, el artificio como forma de verdad. Y funciona.

 

Además, la película esconde una reflexión bastante potente sobre la creación artística. Sobre ese momento casi mágico —y bastante cabrón cuando no llega— en el que aparece la inspiración. Porque puedes tirarte meses trabajando en un guion, sudando tinta, creyendo que estás haciendo algo grande… y de repente darte cuenta de que no hay alma. Y luego, un día cualquiera, llega la chispa y todo cobra sentido. De eso va también esta película.

 

Y no se queda ahí. Almodóvar se mete en un terreno delicado: ¿hasta qué punto un autor puede apropiarse de la realidad?

Y más aún, cuando esa realidad es íntima, confidencial, casi sagrada.

¿Dónde está el límite entre inspirarse y traicionar?

La película no da respuestas cerradas, pero deja la pregunta flotando… que ya es bastante.

 

A todo esto se suma ese juego de capas: la ficción que vemos y la ficción que se está creando dentro de la propia película.

Ese director al que da vida Leonardo Sbaraglia, que huele claramente a alter ego del propio Almodóvar, y que funciona como espejo y confesión a la vez.

 

En cuanto a interpretaciones, nivel alto: Aitana Sánchez-Gijón está estupenda, Bárbara Lennie muy sólida y Milena Smit, que no siempre convence, aquí está francamente bien. Se nota la mano del director en cada uno de ellos, en cómo respiran los personajes.

 

Eso sí, que nadie espere cierre fácil.

Almodóvar deja la historia abierta, como queriendo enseñar las costuras del propio guion, como diciendo: “esto no va de cerrar, va de mostrar cómo se construye”. Y esa decisión puede desesperar a algunos… o fascinar a otros.

 

Una película formalmente impecable, emocionalmente medida y con más capas de las que parece a simple vista.

 

Una película, en el fondo, muy Almodóvar. Para bien… y para lo otro también.

 

Mi puntuación: 8,87/10.

 

 

 

Dirigido por Pedro Almodóvar:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al Cine con Ramón – Amarga Navidad, El último vikingo, Águilas de El Cairo, El arquitecto

28/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

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Alcarria TV – Al Médico con Ramón – Menopausia: el gran cambio hormonal que nadie te explicó bien (y que afecta a todo)

28/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

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La huella – Sleuth – 1972 – Joseph L. Mankiewicz – Asociación Amigos del Cine de Azuqueca de Henares (ACAZ)

22/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

🔪 “Dos tíos, una mansión… y el ego más peligroso que un cuchillo jamonero”

 

Si alguien pensaba que el thriller necesitaba persecuciones, tiros y explosiones… es que no ha visto La huella.


 

 

Sobre Joseph L. Mankiewicz

 

Joseph L. Mankiewicz no era precisamente un cualquiera: era de esos tipos que escribían diálogos como quien juega al ajedrez con ventaja.

 

Director, guionista y cerebro privilegiado, firmó joyas como Eva al desnudo (1950), Carta a tres esposas (1949) o Julio César (1953).

 

Dos Oscar como guionista y dos como director, ahí es nada.

 

Aquí, en La huella, se despide del cine.

 

Y lo hace sin hacer ruido… pero dejando una bomba de relojería perfectamente montada.


 

 

 

Cutrecomentario (pero con cariño)

 

Vemos La huella en el Club Amigos del Cine de Azuqueca.

 

No recuerdo cuándo la vi por primera vez, pero apostaría dinero (y perdería poco) a que fue en un cine de Zaragoza en su estreno.

Desde entonces, me tiene atrapado.

Es de esas películas que no envejecen: se ponen más chulas con los años, como el buen vino… o como Michael Caine.

 

La obra original de Anthony Shaffer fue un exitazo en Broadway (más de 1.200 funciones y un Tony en 1971), y eso ya suele dar miedo a los cinéfilos: teatro adaptado al cine… peligro.

Pero aquí no. Aquí funciona como un reloj suizo.

 

¿La clave? Un duelo interpretativo de dos titanes: Laurence Olivier y Michael Caine.

Dos egos, dos estilos, dos formas de entender el mundo… encerrados en una casa que parece un parque temático del narcisismo.

 

Porque ojo a la casa.

Aquello no es una vivienda, es un museo del ego de Andrew Wyke.

Autómatas inquietantes, juegos, trampas… todo diseñado para demostrar que él es más listo que nadie.

Spoiler emocional: no lo es tanto.

 

El detonante: cuernos.

Porque al final, por muy sofisticado que seas, el ego herido sigue siendo el motor más cutre de la historia de la humanidad.

Wyke monta un plan para humillar a Milo Tindle, amante de su mujer… pero claro, cuando el otro le vacila, la cosa se le va de las manos.

Y ahí es donde el supuesto genio demuestra que, en realidad, también puede ser bastante torpe.

 

La peli es puro mecanismo de precisión.

Todo encaja, todo fluye, los diálogos son una delicia venenosa y la tensión no decae ni un segundo.

Eso sí, explicar la trama sin hacer spoiler es más difícil que montar un mueble de IKEA sin jurar.

 

Detalles jugosos:

 

  • Michael Caine fue tercera opción (sí, tercera… y luego se come la pantalla).

 

  • Laurence Olivier le soltó aquello de “solo somos Larry y Mike”, bajando el mito a la barra del bar.

 

  • El premio Edgar Allan Poe que aparece… es el real de Anthony Shaffer.

 

  • La foto que tapa el disparo es de Agatha Christie, casi nada.

 

  • Y la música de John Addison acabó nominada al Oscar tras el lío con El padrino.

 

Y ojo al detalle cinéfilo: el nombre de la esposa mezcla referencias directas a Eva al desnudo.

Mankiewicz haciendo guiños hasta en el carnet de identidad.

 

Además, la película se promocionó como si hubiera más actores… para que el público no pensara que vería a dos señores hablando dos horas.

Error: son dos señores hablando dos horas… y es glorioso.


 

 

Conclusión

 

La huella es una de esas películas que te recuerdan que el cine, cuando está bien escrito e interpretado, no necesita nada más.

Ni tiros, ni efectos, ni persecuciones.

 

Solo dos tipos… y una guerra de cerebros.

 

Y claro, luego uno ve según qué cosas actuales y piensa: “igual hemos evolucionado… pero no necesariamente a mejor”. 😏

 

Mi puntuación: 8,79/10.

 

 

 

Dirigido por Joseph L. Mankiewicz:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Al Médico con Ramón – Menopausia: el gran cambio hormonal que nadie te explicó bien (y que afecta a todo)

22/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Menopausia: el gran cambio hormonal que nadie te explicó bien (y que afecta a todo)

 

De la pubertad al declive ovárico: un viaje biológico, psicológico y social que va mucho más allá de los sofocos.


 

 

Si la vida hormonal de la mujer fuera una película, la menopausia no sería el final, sino un cambio de género.

 

Pasamos de una comedia romántica con altibajos a un drama existencial con momentos de thriller… pero también con bastante aprendizaje.

 

Y lo curioso es que, siendo un proceso universal, sigue siendo uno de los grandes desconocidos.


 

 

1. La vida hormonal de la mujer: una historia larga (y muy bien orquestada)

 

Para entender la menopausia hay que dejar de verla como un evento aislado.

 

Es la consecuencia de un proceso biológico que empieza décadas antes, prácticamente desde que el organismo decide poner en marcha el sistema reproductor.

 

Durante la infancia, el eje hipotálamo-hipófisis-ovario está en reposo relativo.

 

No es que no funcione, es que está como en “modo avión”.

 

Los niveles de estrógenos y progesterona son bajos, y el cuerpo crece sin las interferencias de la función reproductiva. Es una etapa de estabilidad endocrina bastante envidiable.

 

Todo cambia con la pubertad.

El hipotálamo empieza a liberar GnRH de forma pulsátil, lo que estimula a la hipófisis para producir FSH y LH.

Estas hormonas activan los ovarios, que comienzan a producir estrógenos.

A partir de aquí, el cuerpo femenino entra en una dinámica cíclica que puede durar tres o cuatro décadas.

Aparece la menarquia, se desarrollan los caracteres sexuales secundarios y, sobre todo, se establece el ciclo menstrual.

 

Durante la edad fértil, el sistema funciona con una precisión sorprendente.

 

Los estrógenos dominan la primera mitad del ciclo, favoreciendo el crecimiento del endometrio, mientras que la progesterona toma el relevo tras la ovulación, estabilizando ese tejido y preparándolo para una posible implantación.

 

Este equilibrio, aunque parece sólido, es en realidad bastante delicado y puede alterarse con relativa facilidad.

 

Con el paso de los años, los ovarios van perdiendo folículos.

No es un proceso brusco, sino progresivo y silencioso.

De hecho, cuando una mujer nace ya tiene el número máximo de ovocitos que tendrá en su vida.

A partir de ahí, todo es pérdida.

Cuando esa reserva ovárica disminuye de forma significativa, el sistema empieza a fallar.

Y ahí es donde aparece la perimenopausia.

 

En esta fase, los ciclos se vuelven irregulares, la ovulación no siempre ocurre y la producción hormonal se vuelve errática.

No es tanto una falta de hormonas como un caos en su regulación.

Los estrógenos pueden subir y bajar de forma impredecible, mientras que la progesterona suele disminuir antes, generando un desequilibrio.

 

Finalmente, cuando los ovarios dejan prácticamente de funcionar, se alcanza la menopausia.

El organismo entra entonces en una nueva fase, la postmenopausia, en la que los niveles hormonales son bajos pero estables.

El problema es que el cuerpo ha estado décadas funcionando con otro “software”.


 

 

2. ¿Qué es la menopausia y por qué ocurre?

 

La menopausia se define como el cese definitivo de la menstruación tras 12 meses consecutivos sin regla.

No es un día concreto, sino un punto de referencia que se establece a posteriori.

 

Su causa fundamental es el agotamiento de la reserva folicular ovárica.

Cuando ya no hay folículos suficientes, el ovario deja de responder a la estimulación hormonal.

Como consecuencia, disminuye la producción de estrógenos y progesterona.

 

El organismo intenta compensarlo.

La hipófisis aumenta la secreción de FSH y LH, pero ya no hay respuesta ovárica.

Es como subir el volumen de la radio cuando no hay señal: más ruido, pero misma falta de contenido.


 

 

3. Tipos de menopausia: no todas siguen el mismo guion

 

Aunque el patrón general es común, hay variaciones importantes.

La menopausia natural es la más frecuente y ocurre alrededor de los 50 años.

Sin embargo, algunas mujeres experimentan una menopausia precoz antes de los 40, lo que puede tener implicaciones importantes tanto a nivel físico como psicológico.

 

También existe la menopausia inducida, que aparece tras la extirpación de los ovarios o como consecuencia de tratamientos como la quimioterapia o la radioterapia.

En estos casos, el cambio es brusco, sin fase de adaptación, y los síntomas suelen ser más intensos.


 

 

4. Los síntomas: mucho más que sofocos

 

Aquí es donde la teoría se vuelve experiencia real.

La caída de estrógenos tiene efectos en prácticamente todos los sistemas del organismo.

 

Los sofocos son el síntoma más conocido.

Se producen por una alteración del centro termorregulador del hipotálamo.

Al disminuir los estrógenos, este sistema se vuelve más sensible a pequeños cambios de temperatura, desencadenando respuestas exageradas de calor y sudoración.

No es simplemente “tener calor”, es un fallo en el sistema de control térmico.

 

El sueño también se ve afectado.

No solo por los sofocos nocturnos, sino por cambios en la regulación de neurotransmisores y hormonas como la melatonina.

Muchas mujeres describen despertares frecuentes o dificultad para mantener el sueño, lo que a su vez empeora otros síntomas.

 

La sequedad vaginal es otro problema frecuente y directamente relacionado con la falta de estrógenos.

La mucosa vaginal pierde elasticidad, grosor y lubricación.

Esto no solo afecta a la vida sexual, sino también al confort diario.

 

A nivel cutáneo, la piel pierde colágeno, se vuelve más fina y menos elástica.

El cabello puede debilitarse y cambiar su patrón de crecimiento.

Son cambios lentos, pero acumulativos.

 

El metabolismo también se modifica.

Hay una tendencia al aumento de grasa abdominal y a la resistencia a la insulina.

No es solo cuestión de dieta; hay un cambio hormonal de base que favorece esta redistribución.

 

En el plano cardiovascular, la pérdida del efecto protector de los estrógenos se traduce en un aumento del riesgo de enfermedad coronaria.

Y en el hueso, la disminución de estrógenos acelera la resorción ósea, favoreciendo la osteoporosis.


 

 

5. La mente también cambia (y no es sugestión)

 

Uno de los aspectos más infravalorados de la menopausia es su impacto psicológico.

Y aquí conviene ser claro: no es un problema de actitud, es biología.

 

Los estrógenos influyen en neurotransmisores como la serotonina y la dopamina.

Cuando disminuyen, se produce una mayor vulnerabilidad a cambios de ánimo, ansiedad e incluso depresión.

A esto se suma el impacto del insomnio, que por sí solo ya altera el equilibrio emocional.

 

Muchas mujeres refieren dificultad para concentrarse, olvidos o sensación de “niebla mental”.

No es un deterioro cognitivo como tal, sino una combinación de factores hormonales, sueño alterado y estrés.

 

En el ámbito sexual, los cambios son complejos.

Puede haber disminución del deseo, pero también influyen factores emocionales, de pareja y de percepción corporal.

Curiosamente, algunas mujeres experimentan una mejora en esta etapa, al desaparecer el miedo al embarazo y redefinir su sexualidad.


 

 

6. No hay dos menopausias iguales

 

La experiencia de la menopausia varía enormemente.

Algunas mujeres apenas tienen síntomas, mientras que otras los viven de forma intensa.

La genética influye, pero también el estilo de vida, la salud previa, el contexto social y la actitud hacia el envejecimiento.

 

No es lo mismo vivir este proceso en una cultura que lo ve como una transición natural que en otra que lo asocia a pérdida o decadencia.

El componente cultural es más importante de lo que parece.


 

 

7. Tratamiento y abordaje: más allá de la pastilla milagro

 

La terapia hormonal sustitutiva es el tratamiento más eficaz para los síntomas vasomotores y la prevención de la pérdida ósea.

Sin embargo, no es una solución universal y debe individualizarse en función de riesgos y beneficios.

 

Existen también opciones no hormonales que pueden ayudar, especialmente en mujeres que no pueden o no desean utilizar hormonas.

 

Y, por supuesto, el estilo de vida sigue siendo un pilar fundamental.

Ejercicio, alimentación equilibrada, buen descanso y evitar tóxicos son medidas que, aunque suenen básicas, tienen un impacto real.


 

 

8. Conclusión: entender para no sufrir de más

 

La menopausia no es una enfermedad, pero tampoco es un simple trámite.

Es un proceso biológico complejo, con implicaciones físicas y psicológicas reales.

El problema no es la menopausia en sí.

El problema es la desinformación.

 

Cuando se entiende lo que está pasando, muchos síntomas dejan de ser inexplicables y pasan a ser manejables.

Y eso, en medicina, ya es media batalla ganada.


 

 

 

9. Manual de supervivencia para los que rodean a una mujer en menopausia (sí, esto va también por ti)

 

La menopausia no la vive solo la mujer.

La vive su entorno, aunque algunos aún no se hayan enterado.

Y aquí hay una verdad incómoda: muchas veces el problema no es el síntoma, sino cómo reaccionan los demás ante él.

 

No se trata de “aguantar” ni de ir con pies de plomo como si hubiera una bomba en el salón.

Se trata de entender qué está pasando y actuar con un mínimo de inteligencia emocional.

Que tampoco es una ciencia oculta.


 

 

9.1 Lo primero: entender que no es teatro

 

Los cambios hormonales no son una excusa.

Son un hecho biológico con impacto real en el cerebro, el sueño, el estado de ánimo y el cuerpo.

 

Cuando una mujer dice que está cansada, irritable o que no ha dormido bien, lo más probable es que no esté exagerando.

Está describiendo su realidad fisiológica.

 

La peor respuesta posible:

👉 “Estás así porque quieres”

👉 “Relájate un poco”

 

Eso no ayuda. Eso incendia.


 

 

9.2 Escuchar (pero de verdad, no en modo automático)

 

Parece una tontería, pero no lo es.

Muchas veces lo que más ayuda no es dar soluciones, sino escuchar sin interrumpir, sin minimizar y sin convertir la conversación en un debate.

 

No hace falta tener una respuesta para todo.

A veces basta con un “te entiendo” o un “menudo día estás teniendo”.

 

Y ojo: escuchar no es esperar tu turno para hablar.


 

 

9.3 Adaptarse a los cambios (porque los hay, y son reales)

 

Habrá días mejores y días peores.

Cambios de humor, cansancio, necesidad de estar sola o de hablar más de la cuenta.

 

Pretender que todo siga igual es como pedirle al invierno que haga calor porque en agosto lo hacía.

 

Aquí la clave es la flexibilidad.

No dramatizar cada cambio ni tomárselo como algo personal.


 

 

9.4 No personalizarlo todo (esto es clave)

 

Uno de los errores más frecuentes: interpretar cualquier irritabilidad como algo contra uno mismo.

 

No todo va de ti.
Repito: no todo va de ti.

 

Muchas reacciones tienen más que ver con el estado interno que con lo que ocurre fuera.

Entender esto evita discusiones absurdas y desgastantes.


 

 

 

9.5 Ayudar en lo práctico (sin esperar medalla)

 

El cansancio y el insomnio pasan factura. Y bastante.

 

Echar una mano en tareas cotidianas, asumir más carga en momentos puntuales o simplemente facilitar el día a día puede marcar la diferencia.

 

No hace falta hacer un discurso. Basta con hacerlo.


 

 

9.6 Informarse (sí, también toca estudiar un poco)

 

Sorprende lo poco que sabe el entorno sobre la menopausia.

Y luego vienen los malentendidos.

 

Entender qué son los sofocos, por qué hay insomnio o de dónde salen los cambios de humor ayuda a relativizar y a reaccionar mejor.

 

No hace falta hacerse experto.

Pero un mínimo sí.


 

 

9.7 Cuidar la comunicación de pareja

 

En el caso de parejas, esta etapa puede ser un punto de fricción… o una oportunidad de ajuste.

 

La sexualidad puede cambiar, el deseo puede fluctuar y la comunicación se vuelve más importante que nunca.

 

Aquí hay dos opciones:

 

  • Callarse y acumular tensión

  • Hablar con honestidad

 

La segunda suele dar mejores resultados, aunque cueste más al principio.


 

 

9.8 Evitar bromitas de cuñado (por favor)

 

El humor está bien.

El sarcasmo barato no.

 

Frases tipo:

👉 “Ya estás menopáusica”

👉 “Eso son las hormonas”

 

No ayudan.

No hacen gracia.

Y suelen tener consecuencias.


 

 

9.9 Fomentar el autocuidado (sin imponer)

 

Animar a hacer ejercicio, a descansar o a consultar con profesionales puede ser útil, pero sin tono paternalista.

 

No se trata de dirigir, sino de acompañar.


 

 

9.10 Tener paciencia (sí, toca)

 

Esto no dura dos semanas.

Es un proceso que puede alargarse años.

 

Habrá momentos de estabilidad y otros más complicados.

La clave está en no reaccionar a corto plazo como si todo fuera definitivo.


 

 

10. Conclusión final: esto va de equipo

 

La menopausia es un proceso individual, pero su impacto es colectivo.

La manera en que el entorno responde puede hacer que esta etapa sea más llevadera… o bastante más difícil.

 

No se trata de convertir a la mujer en el centro del universo, sino de entender que está atravesando un cambio biológico real y adaptarse con sentido común.

 

Porque al final, más allá de hormonas, sofocos y neurotransmisores, esto va de algo bastante básico:

 

👉 comprensión

👉 respeto

👉 y un poco de mano izquierda

 

Que, visto lo visto, a veces es lo más complicado de todo.


 

 

 

Perfecto, vamos a cerrar el artículo con una bibliografía más sólida y completa, incluyendo también referencias útiles para esa parte del entorno y apoyo social (que sí, hay ciencia detrás, no es solo “sentido común ilustrado”).


 

 

Bibliografía

 

La información recogida en este artículo se basa en guías clínicas internacionales, revisiones sistemáticas y estudios relevantes sobre endocrinología, salud mental y menopausia:

 

  • North American Menopause Society (NAMS). The 2022 Hormone Therapy Position Statement of The North American Menopause Society. Menopause.

  • Sociedad Española de Ginecología y Obstetricia (SEGO). Guía de práctica clínica sobre menopausia y postmenopausia.

  • Organización Mundial de la Salud (OMS). Women, Ageing and Health: A Framework for Action.

  • National Institutes of Health (NIH). Menopause and Hormone Therapy.

  • Burger HG, Dudley EC, Robertson DM, Dennerstein L. The endocrinology of the menopause transition. Maturitas.

  • Santoro N, Epperson CN, Mathews SB. Menopausal symptoms and their management. Endocrinology and Metabolism Clinics of North America.

  • Freeman EW. Associations of hormones and menopausal status with depressed mood in women with no history of depression. Archives of General Psychiatry.

  • Soares CN. Mood disorders in midlife women: understanding the critical window and its clinical implications. Menopause.

  • Avis NE et al. Duration of menopausal vasomotor symptoms over the menopause transition. JAMA Internal Medicine.

  • Greendale GA et al. Bone loss in the menopausal transition. Annals of Internal Medicine.

  • Nelson HD. Menopause. The Lancet.

  • Pinkerton JV, Stovall DW, Kightlinger RS. Advances in the treatment of menopausal symptoms. Obstetrics and Gynecology Clinics of North America.

  • Utian WH. Psychosocial and socioeconomic burden of vasomotor symptoms in menopause. Climacteric.

  • Hunter MS, Rendall M. Bio-psycho-socio-cultural perspectives on menopause. Best Practice & Research Clinical Obstetrics & Gynaecology.

  • Dennerstein L, Lehert P, Guthrie JR. The effects of the menopausal transition and biopsychosocial factors on well-being. Archives of Women’s Mental Health.

  • Avis NE, Crawford SL, Green R. Vasomotor symptoms across the menopause transition: differences among women. Obstetrics & Gynecology Clinics.

 

Sobre apoyo social y entorno

 

  • Thoits PA. Mechanisms linking social ties and support to physical and mental health. Journal of Health and Social Behavior.

  • Cohen S, Wills TA. Stress, social support, and the buffering hypothesis. Psychological Bulletin.

  • Taylor SE. Social support: a review. Handbook of Health Psychology.

  • Reblin M, Uchino BN. Social and emotional support and its implication for health. Current Opinion in Psychiatry.

  • Hunter MS, Gupta P, Papitsch-Clark A, Sturdee DW. Mid-aged women’s experiences of menopausal symptoms and their impact on relationships. Climacteric.


 

 

Nota final (casi de andar por casa)

 

La menopausia está muy estudiada.

 

Lo que está menos trabajado es cómo convivimos con ella en el día a día.

 

Y ahí, curiosamente, la evidencia científica y el sentido común coinciden bastante:

cuando hay apoyo, comprensión y buena comunicación… todo va mejor.

 

No es magia.

Es biología… bien acompañada.


 

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

 

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El mago del Kremlin – Le Mage du Kremlin – 2025 – Olivier Assayas – #YoVoyAlCine

22/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El Kremlin te la cuela… y encima te hace pensar

 

Un thriller político elegante y venenoso sobre cómo se fabrica un zar… y cómo nos lo tragamos todos

 

Hay películas que entretienen, otras que aburren y luego están esas que te dejan dándole vueltas al coco durante días.

 

El mago del Kremlin es de las terceras: cine con bisturí, con veneno fino y con un retrato del poder que da más miedo que cualquier película de terror con payasos.


 

 

El director: Olivier Assayas, el cirujano de lo político

 

Olivier Assayas lleva años moviéndose como pez en el agua entre el cine de autor y el análisis político con mala leche.

 

En su filmografía destacan títulos como Carlos (2010), su monumental retrato del terrorista internacional, Viaje a Sils Maria (2014), más introspectiva, o Personal Shopper (2016), donde mezclaba lo íntimo con lo fantasmagórico.

 

Aquí vuelve a lo suyo: diseccionar el poder, las élites y sus mecanismos… pero sin ponerse pesado. Bueno, o casi.


 

 

Cutrecomentario (¿pero con cerebro?)

 

Estamos ante una película magníficamente rodada, de esas que entran por los ojos pero se quedan sobre todo en la cabeza.

 

Tiene mucha chicha, y no precisamente de la que se mastica rápido.

 

La historia recorre la ascensión de Vladimir Putin, desde su pasado en la KGB hasta su consolidación como ese “zar” moderno que ya no necesita corona porque le basta con el control absoluto.

 

Pero ojo, aquí el verdadero protagonista en la sombra es Vadim Baranov, ese Rasputín del siglo XXI, un tipo que parece haber leído a Maquiavelo en versión director’s cut y sin censura.

 

La película está cargada de reflexiones que van más allá de Rusia.

 

Porque sí, habla del pueblo ruso, de esa nostalgia por un “padre” como Stalin, aunque eso implicara hambre, purgas y colas interminables.

 

Pero en el fondo lo que sugiere es bastante más incómodo: que esa necesidad de que alguien mande fuerte no es patrimonio exclusivo de Rusia. Vamos, que igual nos vemos todos un poco reflejados… y eso ya escuece.

 

Aquí no hay acción a lo loco ni giros de guion para TikTok. Esto es un “film para listos”, con frases que deberían enmarcarse y colgarse en ministerios (o en bares, que igual hacen más efecto).

 

De esas películas que te obligan a prestar atención… y luego a discutirlas.

 

Mención aparte para el reparto.

 

Cuesta reconocer a Jude Law como Putin: la caracterización es tan buena que da hasta mal rollo.

 

Y Paul Dano está tremendo: empieza como un joven casi ingenuo y termina convertido en un auténtico demonio con traje. Una evolución que da gusto… o más bien miedo.


 

 

Citas destacadas

 

“El poder no se conquista, se fabrica.”

 

“Un pueblo puede soportarlo todo… si cree que alguien lo protege.”

 

 

Frases que no sabes si son guion o advertencia.


 

 

 

Cierre y conclusión

 

El mago del Kremlin no es una película para todos los públicos. No porque sea difícil de entender, sino porque exige algo que hoy escasea: atención y ganas de pensar.

 

Es cine político del bueno, del que incomoda, del que deja poso y del que probablemente mejora en un segundo visionado. O en un tercero, si te atreves.

 

Vamos, que no sales del cine diciendo “qué bien he pasado el rato”, sino algo más peligroso: “igual no estamos tan lejos de esto”. Y ahí es donde la película gana por goleada.

 

 

Mi puntuación: 9,88/10.

 

 

 

Dirigido por Olivier Assayas:

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Alcarria TV – Al Médico con Ramón – El sarampión vuelve (de nuevo): por qué España y Europa están viendo un repunte preocupante

21/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.

 

Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.

 

Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.

 

Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.

 

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Alcarria TV – Al Cine con Ramón y Diego – Festival de Málaga 29 (2026) – Oscar 2026

21/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

 

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

 

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

 

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

 

Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

 

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Crónica final del 29 Festival de Málaga (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga – Gema Santamaría

21/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Crónica final del 29 Festival de Málaga (2026) –  #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

 

Gema Santamaría (crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria).

 

El Festival de Málaga nació en 1998 con el objetivo de impulsar y dar visibilidad al cine español. Su primera edición estuvo dirigida por Fernando Méndez-Leite, y desde el principio el certamen se celebró en marzo en distintos espacios de la ciudad, con el Teatro Cervantes como sede emblemática. Durante sus primeros años el festival se centró exclusivamente en el cine español, convirtiéndose rápidamente en un escaparate fundamental para la industria nacional y consolidando la Biznaga de Oro como su principal galardón.

 

A lo largo de su historia el festival ha tenido muy pocos directores, algo que refleja una notable estabilidad en su gestión. Fernando Méndez-Leite estuvo al frente entre 1998 y 2004, sentando las bases del certamen. En 2004 tomó el relevo Salomón Castiel, que dirigió el festival hasta 2011 y contribuyó a ampliar su proyección mediática y su peso dentro de la industria cinematográfica. Tras su salida, la dirección pasó brevemente a Carmelo Romero, que ocupó el cargo entre 2011 y 2012 en una etapa de transición.

 

Desde 2012 el director del festival es Juan Antonio Vigar, responsable de la etapa más larga y de una importante expansión del certamen. Bajo su mandato el Festival de Málaga ha ampliado su programación y, en 2017, dio un paso decisivo al abrir oficialmente su sección oficial al cine iberoamericano, reforzando así su dimensión internacional.

 

Hoy el Festival de Málaga es uno de los encuentros cinematográficos más importantes de España, un punto de reunión para cineastas, críticos y profesionales del sector, y también un excelente termómetro para medir el estado del cine español… todo ello con el Mediterráneo de fondo, alfombra roja y muchas conversaciones cinéfilas que se alargan más de lo previsto. 

 

 

Cuando Málaga descubrió que el cine español también podía cantar y arrasar en taquilla

 

La presentación de El otro lado de la cama en el Festival de Málaga de 2002 supuso uno de los momentos más recordados de la historia del certamen. La película, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, participó en la sección oficial y se llevó un buen botín: la Biznaga de Oro a la mejor película, el premio a la mejor dirección y también el premio del público.

 

El impacto fue considerable porque el festival todavía era joven —apenas celebraba su quinta edición— y el triunfo de esta comedia musical ayudó a consolidar su prestigio dentro del panorama del cine español. La película conectó de manera inmediata con el público gracias a su mezcla de comedia romántica, enredos sentimentales y versiones de canciones míticas del pop español.

 

Además, el éxito en Málaga fue el preludio de un fenómeno comercial: tras su paso por el festival, El otro lado de la cama se convirtió en una de las películas españolas más taquilleras de 2002. Aquella noche quedó claro que el Festival de Málaga podía ser mucho más que un escaparate para el cine español: también podía ser el trampolín de auténticos éxitos populares. 

 

 

Málaga 2026

 

El Festival de Málaga tiene algo especial que no se percibe del todo hasta que se vive desde dentro. Después de haber pasado el año anterior por dos gigantes del circuito europeo como San Sebastián y Sevilla, el aterrizaje en Málaga supuso descubrir un certamen con personalidad propia, con códigos muy particulares y con una cercanía difícil de encontrar en otros festivales.

 

Aquí el cine se vive casi a ras de suelo. Directores, actores, técnicos y periodistas comparten espacios, cafés y conversaciones con una naturalidad que convierte al festival en una experiencia muy humana. Esa cercanía también se percibe en la organización. Cada mañana, tras el pase de prensa de las ocho y media, se celebra una rueda de prensa en la que participa gran parte del equipo de la película proyectada.

 

Estas ruedas de prensa tienen además un moderador muy particular: Fernando Méndez-Leite, actual presidente de la Academia de Cine y figura histórica vinculada al festival desde sus inicios. Su presencia aporta siempre un tono cordial y casi familiar. Con su humor tranquilo y sus pequeños chascarrillos, convierte estos encuentros en conversaciones relajadas más que en comparecencias solemnes.

 

El ritmo del festival está muy bien medido. Tras la rueda de prensa matinal llega el pase de las 14:30, también acompañado de su correspondiente encuentro con el equipo artístico. Y por la tarde el festival se despliega con dos o tres proyecciones más, muchas de ellas de cine latinoamericano.

 

No es casualidad. El Festival de Málaga siempre ha reivindicado su identidad como escaparate del cine en español —denominación que incluso formó parte de su nombre durante algunos años—. Hoy esa idea se ha matizado un poco, pero el espíritu sigue siendo el mismo: reunir cinematografías que comparten lengua, historia o sensibilidad cultural.

 

La Biznaga de Oro continúa siendo el gran símbolo del certamen, que distingue tanto a la mejor película española como a la mejor producción latinoamericana. Un reconocimiento que sitúa a Málaga como uno de los puntos clave del calendario cinematográfico en lengua española.

 

 

Málaga, una ciudad hecha para pasear el cine

 

También la ciudad juega su papel. Málaga es luminosa, amable y muy fácil de recorrer. El centro histórico está lleno de calles peatonales siempre animadas, con turistas, estudiantes de cine, periodistas y equipos de rodaje mezclándose sin demasiadas barreras.

 

Los Cines Albéniz, epicentro de los pases de prensa, están situados en un lugar privilegiado: junto al Teatro Romano, a los pies de la Alcazaba y a apenas unos pasos del puerto y del Muelle 1. A pocos minutos también aparece la playa de La Malagueta, recordando que aquí el cine convive con el mar.

 

Todo queda cerca: las salas, los hoteles, los restaurantes donde comer entre película y película. Esa escala humana contribuye a crear una atmósfera de festival muy agradable, donde es fácil encontrarse con conocidos o iniciar nuevas conversaciones cinéfilas.

 

 

El inevitable equilibrio entre industria y cine de autor

 

El festival cuenta con el patrocinio de grandes grupos audiovisuales como Antena 3 y Televisión Española, algo que inevitablemente condiciona parte de su programación. Ese apoyo garantiza músculo económico, pero también introduce algunas producciones claramente orientadas al gran público.

 

Es el pequeño peaje que paga el festival para sostener su estructura. En la clausura, por ejemplo, se proyectó La familia Benetón +2, dirigida por Joaquín Mazón, una comedia claramente diseñada para el gran público. Probablemente tendrá buen recorrido comercial, aunque su presencia en un festival siempre genera cierto debate entre los espectadores más exigentes.

 

Aun así, la edición ha sido muy variada, con títulos de enorme interés. Como suele ocurrir, el palmarés no siempre refleja la diversidad real del festival. Este año, además, muchos premios se concentraron en pocas películas, algo que dejó fuera a trabajos muy estimables.

 

 

Un recorrido por las películas del festival

 

La inauguración llegó con Calle Málaga, de Maryam Touzani, protagonizada por Carmen Maura. Ambientada en Tánger, la película ofrecía una comedia elegante y muy entretenida que llegaba además con el respaldo de haber triunfado en el circuito internacional.

 

Entre los títulos españoles destacó Altas capacidades, dirigida por Víctor García León, con Marian Álvarez e Israel Elejalde, una sátira social sobre las aspiraciones de ascenso social de una familia que intenta abrirse paso a través de su hijo.

 

Muy celebrada fue Corredora, de Laura García Alonso, un retrato intenso sobre la enfermedad mental y los traumas infantiles que empujan a su protagonista a buscar refugio en la competición deportiva.

 

Desde Chile llegó Hangar Rojo, de Juan Pablo Sallato, un relato ambientado en las horas previas al golpe de Estado de Augusto Pinochet, con una interpretación muy sólida de Nicolás Zárate, premiado como mejor actor.

 

Otra propuesta interesante fue Día de caza, de Pedro Aguilera, protagonizada por Carmen MachiRossy de PalmaBlanca Portillo y Zoe Arnao, que mezclaba ecos de La escopeta nacional y La caza en un relato sobre una reunión entre amigas que termina revelando tensiones ocultas.

 

Solos, dirigida por Guillermo Ríos Bordón, reunió a Kira MiróCarlos Santos, Salva Reina y Elia Galera en un drama de cámara muy teatral sobre un encuentro entre amigos que acaba derivando en un conflicto emocional.

 

En Nueve lunas, de Patricia Ortega, el festival abordó el embarazo de un hombre trans. La presencia de Jorge SanzMaría León y Kití Mamber aportaba solidez a una propuesta irregular pero interesante.

 

Desde Cuba llegó Neurótica anónima, dirigida por Jorge Perugorría, una comedia muy cinéfila y llena de imaginación que retrata con ironía la vida cultural cubana.

 

Una de las propuestas más comentadas fue Mi querida señorita, de Fernando González Molina, producida por Los Javis, reinterpretación contemporánea del clásico Mi querida señorita (1972) de Jaime de Armiñán, protagonizado por José Luis López Vázquez y Julieta Serrano. Ésta producción habla, básicamente, de identidad. De buscar quién eres cuando todo el mundo parece tener una opinión sobre lo que deberías ser. Y también de algo más simple: de intentar ser feliz aunque no tengas ni idea de cómo hacerlo.

 

En televisión destacó la miniserie Por cien millones, dirigida por Oriol Capel, que recrea el famoso secuestro del futbolista Quini en 1981. Muy divertida.

 

La programación también incluyó títulos como Viaje al país de los blancos, de Dani Sancho, inspirada en la historia real del activista Ousman Umar, o Laponia, de David Serrano, una comedia de cámara con Natalia VerbekeJulián López y Ángela Cervantes sobre el choque cultural entre españoles y nórdicos.

 

Entre los dramas más duros destacó Mil pedazos, de Sergio Castro San Martín, una historia familiar devastadora que deja al espectador emocionalmente exhausto.

 

Mala Bestia, de Bárbara Farré, sorprendió por su atmósfera inquietante en torno a una adolescente criada en un internado, mientras Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa, exploró la relación entre un joven trans y una chica marroquí en el entorno agrícola de Almería.

 

Más ligera fue A una isla de ti, de Alexis Morante, ambientada en Gran Canaria, mientras que Yo no moriré de amor, de Marta Matute, terminó siendo una de las grandes triunfadoras del festival con su historia sobre la demencia y el impacto que tiene en toda la familia.

 

En clave cinéfila brilló Pizza Movies, de Carlo Padial, con Berto Romero y Judith Martín, una divertida reflexión sobre la crisis del periodismo cultural y el amor por el cine.

 

Entre los documentales destacó el mediometraje El inventor del cine invisible, de Manuel Jiménez Núñez, dedicado al periodista malagueño Guillermo Jiménez Esmerdou.

 

También recibieron una gran acogida La buena hija, de Julia de Paz, con Julián VillagránJanet Novás y Petra Martínez, o la producción peruana El corazón del lobo, del veterano Francisco J. Lombardi.

 

En la sección latinoamericana sobresalieron Ángeles, de Paula Markovitch, y El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso, que terminó llevándose la Biznaga de Oro.

 

Entre las comedias destacó Cada día nace un listo, de Arantxa Echevarría, con Hugo SilvaSusi Sánchez y Diego Anido, mientras que el drama carcelario La mujer de la fila, de Benjamín Ávila, ofreció una mirada conmovedora a las madres que esperan frente a las cárceles.

 

La televisión también tuvo su espacio con la serie Cochinas, creada por Carlos del Hoyo, protagonizada por Malena Alterio, una comedia delirante sobre un videoclub que intenta sobrevivir ampliando su catálogo de cine para adultos.

 

 

Un festival que deja huella

 

Cuando se hace balance de todos estos días aparece una sensación curiosa: durante el festival uno apenas es consciente de la cantidad de cine que está viendo. Solo al mirar atrás se percibe la dimensión real del recorrido.

 

El Festival de Málaga vuelve a demostrar que es un lugar de encuentro privilegiado para el cine en español. Un festival cercano, vital y profundamente humano, donde el cine se vive no solo en la pantalla, sino también en las conversaciones, en las ruedas de prensa, en los cafés compartidos y en las caminatas entre sala y sala.

 

Al final, más allá de premios o palmarés, eso es lo que permanece. Y eso es, probablemente, lo que hace que muchos quieran volver cada año.

 

 

Gema Santamaría (crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria).

 

 

 

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Crónica del día de clausura del 29º Festival de Málaga – Gema Santamaría – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

21/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Crónica del día de clausura del 29º Festival de Málaga

 

Por Gema Santamaría, crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria

 

La mañana del 1de marzo de 2026 amanece en Málaga con un viento fresco y algunas nubes que parecen borrar el anticipo de primavera de días anteriores. Antes de dirigirme a la sede del festival, los Cines Albéniz, hago una breve parada para desayunar en una pequeña cafetería de la calle Victoria. El local tiene un aire decididamente cinéfilo: carteles de El bueno, el feo y el maloCiudadano Kane y varias figuras del Joker acompañan a los clientes madrugadores. No es mal lugar para empezar el último día de festival.

 

Una comedia para despedir el certamen

 

La primera película del día es La familia Benetón: +2, dirigida por Joaquín Mazón, un cineasta que se ha especializado en la comedia comercial española. En su filmografía destacan títulos como El casoplónLa Navidad en sus manos o la anterior La familia Benetón, estrenada en 2024.

 

Esta nueva entrega continúa la historia de esa peculiar familia formada por niños adoptados de distintos orígenes que conviven bajo el cuidado del personaje interpretado por Leo Harlem, con la colaboración del tío encarnado por José Manuel Montilla “El Langui”. Se trata de una comedia familiar que busca la risa fácil y que, en algunos momentos, la consigue, apostando por el tono amable y el entretenimiento para todos los públicos.

 

Conversación con Fernando Méndez-Leite

 

Antes de la rueda de prensa tuvimos la oportunidad de conversar brevemente con Fernando Méndez-Leite, presidente de la Academia de Cine y moderador habitual de los coloquios de la sección oficial del festival. Además, es una figura histórica vinculada a Málaga desde los inicios del certamen.

 

La charla derivó hacia la última gala de los Premios Goya, comentando algunos aspectos mejorables de la ceremonia, y también hacia la presencia de películas familiares y comerciales dentro del festival. Un tipo de cine que, como él mismo reconoce, no siempre encaja del todo con el perfil autoral del certamen, pero cuya presencia responde en parte al impulso de grandes grupos audiovisuales implicados en la producción.

 

 

Lo que se dijo en la rueda de prensa

 

Durante la rueda de prensa, Joaquín Mazón reconoció con humor que para su equipo se está convirtiendo casi en una tradición clausurar el festival, algo que le produce una gran satisfacción. El director también explicó que trabajar con un reparto infantil exige mucha preparación y que por ello se optó por un método de rodaje “a la antigua”, ensayando mucho y rodando poco para lograr naturalidad en las escenas.

 

Leo Harlem destacó que esta segunda entrega no es simplemente una continuación, sino una película con un enfoque distinto respecto a la primera. Según el actor, todo el equipo se ha implicado intensamente en el proyecto y defendió además la importancia del cine familiar, porque permite que muchos niños entren por primera vez en una sala y comiencen así su relación con el cine.

 

La productora María Luisa Gutiérrez subrayó que el objetivo del proyecto ha sido reflejar situaciones cercanas al público, historias sencillas donde la gente pueda reírse y reconocerse. También recordó las dificultades logísticas del rodaje, especialmente las relacionadas con viajes, visados y la grabación de algunas escenas en África.

 

En la misma línea, el productor Jaime Ortiz de Artiñano explicó que este tipo de cine familiar es uno de los que mejor ha conectado con el público tras la pandemia, porque ayuda a atraer a nuevos espectadores jóvenes a las salas. Por su parte, el guionista Curro Velázquez dejó caer que ya contempla la posibilidad de una tercera entrega y destacó el Festival de Málaga como un espacio abierto al entretenimiento cinematográfico.

 

 

Una pausa inesperada

 

Antes de volver a los Cines Albéniz para la lectura del palmarés, hay tiempo para un pequeño paseo por el centro histórico. A escasos metros de los cines se encuentra la Abadía de Santa Ana, perteneciente a la orden del Císter, una pequeña iglesia que ya empieza a prepararse para la Semana Santa.

 

En su interior descansa el escultor barroco Pedro de Mena (1628-1688), uno de los grandes nombres de la imaginería española. Llama la atención un cuadro de la Santísima Trinidad y también un detalle muy contemporáneo: la posibilidad de realizar donaciones de 2, 5 u 8 euros mediante tarjeta de crédito, con un pequeño lector electrónico colocado discretamente junto a las velas.

 

 

El palmarés del festival

 

De regreso a los Cines Albéniz, el director del festival, Juan Antonio Vigar, realiza un breve balance de esta 29ª edición antes de iniciar la lectura del palmarés.

 

La Biznaga de Oro a la mejor película española fue para Yo no moriré de amor, de Marta Matute, un drama sobre la demencia de una madre visto a través de los ojos de su hija adolescente, obligada a compaginar su vida con los cuidados familiares. La película ya había recibido el día anterior el Premio Feroz Puerta Oscura, otorgado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España.

 

La Biznaga de Oro a la mejor película iberoamericana recayó en El jardín que soñamos, del director Joaquín del Paso, una obra que aborda el fenómeno migratorio contraponiendo la belleza de la naturaleza con la dureza de la condición humana.

 

La Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado fue para Iván & Hadoum, dirigida por Ian de la Rosa, una película que ya venía respaldada por su paso por el Festival de Berlín.

 

El propio Joaquín del Paso obtuvo además la Biznaga de Plata a la mejor dirección por El jardín que soñamos.

 

En interpretación femenina, la Biznaga de Plata fue para Julia Mascort  por Yo no moriré de amor, mientras que la mención especial recayó en Ángeles Prada por Ángeles.

 

En interpretación masculina, el premio fue para Nicolás Zárate por El hangar rojo, un intenso retrato ambientado en el golpe de Estado de Chile de 1973. 

 

La mención especial fue para Silver Chicón por Iván & Hadoum.

 

En los premios de reparto, la Biznaga de Plata a la mejor actriz de reparto fue para María Magdalena Sanizo por La hija del cóndor, mientras que el mejor actor de reparto fue Tomás del Estal por Yo no moriré de amor, una interpretación austera y muy contenida que fue ampliamente celebrada.

 

El mejor guion fue para Ian de la Rosa por Iván & Hadoum, confirmando que tres títulos dominaron claramente el palmarés: Yo no moriré de amorEl jardín que soñamos e Iván & Hadoum.

 

Entre otros galardones, la Biznaga de Plata al mejor montaje fue para El hangar rojo.

 

El Premio de la Crítica, otorgado por el jurado formado por periodistas especializados —entre ellos Pepe Díaz— fue para El hangar rojo, de Juan Pablo Sallato, una de las películas más comentadas del certamen.

 

 

Despedida de Málaga

 

Tras la lectura del palmarés se celebró la tradicional entrega de premios de las demás secciones del festival —ZonaZine, cortometrajes, documentales y otras categorías— en una gala sencilla y cercana, donde muchos de los premiados agradecieron sus galardones desde el escenario y otros lo hicieron a través de videoconferencia.

 

Después llegaron las despedidas. Abrazos, promesas de volver a encontrarse y la sensación de haber vivido nueve días muy intensos.

 

El Festival de Málaga tiene algo especial: es cercano, hospitalario, casi familiar. Este año el clima ha sido más frío de lo habitual, menos luminoso que en otras ediciones, pero la ciudad —como siempre— ha sabido recibir a todos con los brazos abiertos. Y cuando uno se marcha, tiene la impresión de que el cine, durante unos días, ha sido el verdadero corazón de la ciudad.

 

 

Por Gema Santamaría, crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria

 


 

 

 

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Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

 

 

 

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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

 

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Al Médico con Ramón – El sarampión vuelve (de nuevo): por qué España y Europa están viendo un repunte preocupante

17/03/2026

El sarampión vuelve a llamar a la puerta: el repunte en España y Europa y por qué no es una simple enfermedad infantil

El repunte de casos, la pérdida del estatus de país libre de sarampión y el papel de la desinformación reabren un debate que muchos creían cerrado.

El virus no ha cambiado. La ciencia tampoco. Lo que ha cambiado es nuestra percepción del riesgo.

Durante años el sarampión fue, para buena parte de la población europea, un recuerdo lejano. Una enfermedad de los relatos de los abuelos, de los libros de medicina histórica, de fotografías antiguas en blanco y negro.

Pero entre 2024 y 2025 Europa volvió a registrar cifras que no se veían desde hacía más de dos décadas. Y España perdió oficialmente su estatus de país libre de sarampión tras reanudarse la transmisión sostenida del virus.

No es un detalle administrativo. Es un síntoma epidemiológico.

El sarampión no había desaparecido. Estaba contenido.

El dato incómodo: cifras que obligan a mirar de frente

En la Región Europea de la OMS (que incluye Europa y Asia Central) se notificaron más de 127.000 casos en 2024, la cifra más alta en más de 25 años.

En el ámbito de la Unión Europea y el Espacio Económico Europeo, el ECDC registró 35.212 casos y 23 muertes en 2024.

En 2025 los casos descendieron respecto al pico de 2024 (en torno a 34.000 notificados en la Región Europea), pero siguieron muy por encima de los niveles previos a la pandemia. Y siguieron registrándose fallecimientos.

En el análisis del ECDC sobre la ola 2024–principios de 2025, Rumanía fue el país más golpeado, con un número muy elevado de casos y 18 muertes, además de al menos un fallecimiento adicional notificado en Irlanda.

En España, tras años con cifras prácticamente testimoniales, los casos crecieron hasta situarse en torno a varios centenares en 2025 (en torno a 400–418 según distintas fuentes periodísticas y sanitarias). Ese aumento sostenido llevó a la retirada del estatus de eliminación del sarampión.

No es solo un aumento de notificaciones. Es la constatación de que el virus ha vuelto a encontrar cadenas de transmisión continuada.

Un virus extremadamente contagioso

El sarampión está causado por un virus respiratorio de la familia de los paramixovirus.

Es uno de los patógenos humanos más contagiosos conocidos.

Si una persona infectada entra en contacto con individuos no vacunados, la probabilidad de transmisión puede superar el 90 %.

Se transmite por gotículas respiratorias y aerosoles.

Puede permanecer en el aire en espacios cerrados durante un tiempo suficiente como para infectar a personas que ni siquiera han tenido contacto directo con el enfermo.

Clínicamente comienza con fiebre alta, tos, rinitis, conjuntivitis y malestar intenso.

Posteriormente aparece la erupción característica que progresa desde la cara al tronco y las extremidades.

Pero reducir el sarampión a “un sarpullido” es una simplificación peligrosa.

Las complicaciones que la memoria colectiva ha olvidado

El sarampión puede causar neumonía, que es la principal causa de muerte asociada a la enfermedad.

Puede provocar encefalitis, con riesgo de secuelas neurológicas permanentes.

Puede causar otitis graves, pérdida auditiva, ceguera.

Y existe un fenómeno especialmente relevante desde el punto de vista inmunológico: la llamada amnesia inmunológica.

Tras la infección, el sistema inmunitario puede perder parte de la memoria frente a otros patógenos, dejando al paciente más vulnerable durante meses a nuevas infecciones.

En menores de cinco años, en personas desnutridas o inmunodeprimidas, el riesgo de complicaciones graves y muerte es considerable.

Cuando la incidencia baja durante años, estas complicaciones dejan de verse en la práctica diaria. Y cuando dejan de verse, se banaliza la enfermedad. Pero el virus no ha cambiado.

Antes de la vacuna: un auténtico depredador infantil

Antes de la introducción de la vacuna en los años sesenta, el sarampión era prácticamente universal en la infancia.

A escala global, sin vacunación, se estima que podía causar del orden de 2 a 3 millones de muertes anuales.

Era una de las principales causas de mortalidad infantil en el mundo.

Con la expansión de la vacunación a partir de los años sesenta y especialmente con los programas masivos desde los setenta, el panorama cambió radicalmente.

Las estimaciones divulgativas basadas en datos de carga global describen una caída desde cifras históricas del orden de 2,6 millones de muertes anuales a cifras recientes en torno a decenas de miles (por ejemplo, alrededor de 83.000 en algunos análisis globales recientes).

Se calcula que la vacunación contra el sarampión ha evitado más de 90 millones de muertes en el mundo en las últimas décadas, con estimaciones que sitúan la cifra en torno a 94 millones desde 1974.

Es uno de los mayores logros de la salud pública moderna.

Europa antes y después de la vacuna

Europa no fue una excepción histórica. Antes de la vacuna, el sarampión era prácticamente universal, con olas epidémicas periódicas, alta transmisión y una mortalidad concentrada en la infancia.

La vacunación cambió el combustible epidemiológico. No solo redujo los casos: redujo la circulación viral hasta el punto de que muchos países europeos alcanzaron la eliminación de la transmisión endémica.

España fue declarada libre de sarampión desde 2017 hasta la reciente retirada de ese estatus.

La vacuna no hizo desaparecer el virus del planeta. Hizo que dejara de circular de forma sostenida allí donde la cobertura era alta.

La paradoja del éxito

El sarampión requiere coberturas cercanas al 95 % con dos dosis para impedir su circulación sostenida.

Cuando se crean bolsas de población susceptible —por rechazo vacunal, dudas, retrasos en la segunda dosis, desinformación o interrupciones sanitarias como las vividas durante la pandemia de COVID-19— el virus encuentra el combustible que necesita.

No se trata solo de antivacunas radicales. También influyen la hesitación vacunal, la falsa sensación de seguridad y los calendarios incompletos.

En un virus tan contagioso, pequeñas grietas generan grandes brotes.

El repunte europeo de 2024–2025 se interpreta en gran parte como resultado de brechas de cobertura y de una recuperación incompleta de los programas de inmunización tras la pandemia, sumado a la amplificación de mensajes antivacunas.

El sarampión no “renace”. Aprovecha.

Mortalidad reciente: menos que antes, pero no cero

Gracias a la vacunación, la mortalidad en Europa es muchísimo menor que en la era pre-vacunal.

Pero el repunte reciente ha demostrado que no es una cifra simbólica.

En la Región Europea de la OMS, el pico de 2024 se asoció a al menos 38 muertes según datos preliminares reportados por OMS y UNICEF.

En la UE/EEE, el ECDC notificó 23 muertes en 2024.

Muchas de esas muertes ocurrieron en niños pequeños.

Este dato desmonta una idea peligrosa: “el sarampión ya no mata”.

Sí mata. Mucho menos que antes gracias a la vacuna y a la medicina moderna. Pero cuando circula intensamente, reaparecen hospitalizaciones, complicaciones graves y fallecimientos. Y muchas veces afectan a quienes menos responsabilidad tienen: lactantes demasiado pequeños para estar completamente protegidos o personas inmunodeprimidas que dependen de la inmunidad colectiva.

Vacuna frente a enfermedad: comparar riesgos con honestidad

La vacuna triple vírica (MMR) tiene décadas de uso y un perfil de seguridad bien documentado. Dos dosis proporcionan inmunidad en más del 95 % de quienes la reciben.

Puede producir fiebre transitoria o molestias leves. Los efectos adversos graves son raros.

La enfermedad natural, en cambio, puede causar neumonía, encefalitis, inmunosupresión prolongada, secuelas permanentes y muerte.

Comparar una reacción vacunal leve con un exantema banal es ignorar el verdadero riesgo del sarampión.

La vacunación no es solo protección individual. Es protección comunitaria.

Lo que está en juego

El sarampión no es una enfermedad del pasado. Es una enfermedad prevenible que reaparece cuando se relaja la prevención.

La historia reciente en España y Europa es un recordatorio contundente: las vacunas funcionan. Pero solo funcionan si se mantienen coberturas altas y sostenidas.

El virus no ha cambiado.
La ciencia tampoco.
Lo que cambia es nuestra memoria del riesgo.

Y cuando la memoria colectiva se debilita, el sarampión encuentra el camino de vuelta.


El movimiento antivacunas

El movimiento antivacunas ha sido, sin exagerar, el mejor “departamento de marketing” que ha tenido el sarampión en Europa en los últimos años.

No es el único factor del repunte (también hay desigualdad, fallos de acceso, retrasos post-COVID, movilidad internacional…), pero sí es el factor más evitable y el que más erosiona lo que mantenía al virus a raya: coberturas altas y sostenidas.

Y con el sarampión esto es crucial, porque no es una infección “normalita”: para frenar su circulación hace falta rondar el 95% con dos dosis en cada comunidad, no de media nacional. Si hay barrios, grupos o municipios por debajo, el virus encuentra autopistas. (Organización Mundial de la Salud)

1) El sarampión no “vuelve”: lo dejamos volver

En Europa y Asia Central (Región Europea de la OMS) se notificaron 127.412 casos en 2024 y 33.998 en 2025 (una bajada grande, sí, pero con “riesgo de brotes” aún alto, porque quedan muchas personas susceptibles). (Organización Mundial de la Salud)

UNICEF y OMS han sido bastante directos: muchas infecciones se podrían haber evitado con mejor vacunación rutinaria y abordando la hesitación alimentada por desinformación. (UNICEF)

Ese es el punto: el sarampión es tan contagioso que “bajar un poquito” la cobertura no es un detalle, es abrir la puerta del portal.

2) Qué ha aportado el antivacunismo al repunte (en términos reales)

A) Bolsas de no vacunados: el combustible

El antivacunismo no necesita convencer a la mayoría. Le basta con crear minorías concentradas de no vacunados o pautas incompletas. Ahí el sarampión entra, se amplifica y luego salta a vulnerables (lactantes, inmunodeprimidos). Ese patrón aparece una y otra vez en brotes europeos recientes.

Los ejemplos periodísticos del Reino Unido lo ilustran con crudeza: brotes en zonas con coberturas muy por debajo del 95%, campañas de “vacunación de emergencia” en colegios y hospitales con niños ingresados. (The Guardian)

B) Normalización de la duda: “yo no soy antivacunas, pero…”

Hoy la influencia antivacunas no siempre va con pancarta. Va en formato “preguntitas” en grupos de WhatsApp, vídeos de TikTok con tono de “solo quiero informarme”, o la típica frase: “no estoy en contra, pero prefiero esperar”.

Ese “pero” es oro para el sarampión, porque esperar la segunda dosis o retrasar la primera en comunidades ya frágiles equivale a aumentar susceptibles.

C) Cambio del marco mental: de “protección colectiva” a “elección privada”

Una de las victorias culturales del antivacunismo es haber desplazado el debate desde salud pública (riesgo comunitario) a consumo individual (mis preferencias).

Y el sarampión, precisamente, castiga esa visión: no es solo tu riesgo; es el de la sala de espera, el aula y el autobús.

D) Desinformación reciclada: el zombie que nunca muere

Buena parte del antivacunismo actual se alimenta de mitos ya desmontados, especialmente el del autismo, que sigue reapareciendo como si fuera una saga que se niega a tener última entrega. 

En brotes recientes, incluso autoridades y profesionales vuelven a señalarlo como uno de los miedos persistentes en familias. (The Guardian)

3) Por qué está ganando “crédito” en ciertas capas sociales

Aquí hay que ser finos: no es solo “ignorancia”.

De hecho, una parte del nuevo antivacunismo se cuece en ambientes con cierto capital cultural, pero con crisis de confianza.

A) La paradoja del éxito: cuando la vacuna funciona, el miedo se olvida

Si no ves sarampión, te parece “histórico”. Y si te parece “histórico”, la vacuna empieza a parecerte “prescindible”. La vacuna es víctima de su propio triunfo.

UNICEF remarca algo que suele pasarse por alto: en 2024, más de la mitad de los casos en la Región Europea requirieron hospitalización, y muchos eran niños pequeños. O sea: no es una enfermedad “leve” cuando circula de verdad. (UNICEF)

B) Desconfianza institucional post-COVID

La pandemia dejó un poso de polarización y fatiga social. En varios análisis académicos se trata la hesitación como fenómeno complejo, relacionado con confianza, contexto político y experiencias con el sistema sanitario. (PMC)

En la vida real: si alguien percibe que “las instituciones me fallaron”, es más permeable a relatos alternativos, aunque sean flojos.

C) Algoritmos: el bulo tiene mejor SEO emocional que la evidencia

La evidencia suele ser aburrida (“riesgo bajo”, “beneficio alto”, “probabilidad”).

El bulo es narrativo, intenso y personal (“me lo ocultaron”, “a mi prima le pasó”). Ese formato engancha y se comparte mejor.

El ECDC lleva años trabajando precisamente en comunicación y en cómo contrarrestar desinformación online porque es un problema estructural, no anecdótico. (ECDC)

D) Identidad y tribu: pertenecer por encima de acertar

En ciertos grupos, dudar de las vacunas funciona como señal de identidad: “yo no me trago lo oficial”.

Eso da pertenencia, y la pertenencia a veces pesa más que la evidencia.

E) Brechas sociales reales: cuando el problema no es ideología sino acceso

Importante: hay que separar rechazo ideológico de baja cobertura por pobreza, horarios imposibles, barreras lingüísticas, recortes o caos administrativo.

En algunos brotes del Reino Unido se señala también el papel de la desigualdad y la accesibilidad, además de la hesitación. (The Guardian)

Si no distingues esto, acabas culpando a quien simplemente no llega.

4) Influencia actual: cómo se traduce en el mundo real

  • Bajan coberturas locales (aunque la media nacional sea buena).

  • Se acumulan susceptibles (niños sin primera dosis, adolescentes sin segunda, adultos que creen estar vacunados).

  • Entra un caso importado o aparece un brote y la transmisión despega.

  • Se activan campañas “a contrarreloj”: vacunación en anillo, captación escolar, clínicas temporales.

  • Aparecen ingresos y, a veces, muertes evitables.

Eso no es teoría: es exactamente lo que describen OMS/UNICEF al hablar de brotes que atraviesan comunidades infravacunadas, y lo que reflejan crónicas de brotes recientes. (Organización Mundial de la Salud)

5) El punto clave: el antivacunismo no crea el virus, crea susceptibles

El sarampión no necesita “renacer”. Necesita puertas abiertas. Y esas puertas se llaman:

  • primera dosis no puesta

  • segunda dosis no completada

  • bolsas de baja cobertura

  • desinformación + desconfianza + accesibilidad

Cuando eso coincide, el sarampión hace lo suyo: transmitir como un campeón.

Y la conclusión, aunque suene a frase de servicio público, es bastante periodística: el antivacunismo no es una opinión inocua; es un factor de riesgo colectivo. Porque sus efectos no se quedan en quien duda: se extienden a quien no puede protegerse.

Bibliografía y fuentes consultadas

Organismos internacionales y vigilancia epidemiológica

Organización Mundial de la Salud (OMS/WHO).
European Region reports highest number of measles cases in more than 25 years (2025).

Organización Mundial de la Salud (OMS/WHO Europa).
Actualizaciones epidemiológicas sobre sarampión 2024–2026.

UNICEF & WHO Europa.
Informes conjuntos sobre el repunte de sarampión en la Región Europea (2024–2025).

European Centre for Disease Prevention and Control (ECDC).
Measles – Annual Epidemiological Report 2024.

European Centre for Disease Prevention and Control (ECDC).
Measles on the rise again in Europe (actualizaciones 2025–2026).

Ministerio de Sanidad (España).
Informes de vigilancia epidemiológica de sarampión y rubéola.

Consejerías de Salud autonómicas (Cataluña, Andalucía y otras).
Comunicados oficiales sobre brotes y recomendaciones de vacunación.

 

 

Datos históricos y carga global de enfermedad

World Health Organization (WHO).
Measles Fact Sheets and Global Data.

Our World in Data.
Measles vaccination and mortality reduction datasets.

UNICEF.
Measles cases spiking globally (informes divulgativos basados en datos OMS).

Centers for Disease Control and Prevention (CDC).
Measles (Rubeola) – Epidemiology and Prevention of Vaccine-Preventable Diseases.

Plotkin S., Orenstein W., Offit P.
Vaccines. Elsevier.

Riedel S.
“The history of measles and vaccination.” Baylor University Medical Center Proceedings.

McNeill W.
Plagues and Peoples.

Cobertura periodística reciente sobre el repunte en España y Europa

El País.
“La OMS retira a España el estatus de país libre de sarampión” (2026).

El Confidencial.
“España registró 418 casos de sarampión en 2025” (2026).

La Razón.
“El sarampión es uno de los virus más contagiosos que existen” (2026).

Euronews.
“Expertos alertan de que las dudas vacunales avivan la expansión del sarampión en Europa” (2026).

Infobae España.
“Cataluña llama a vacunarse ante el repunte de casos” (2026).

Europa Press.
Comunicados sobre refuerzo vacunal y adelanto de segunda dosis (2026).

Associated Press.
Cobertura sobre cifras europeas de sarampión (2024–2025).

Literatura científica y clínica complementaria

Bester J.C.
“Measles and Measles Vaccination: A Review.”

Moss W.J.
“Measles.” The Lancet.

NEJM (New England Journal of Medicine).
Revisiones clínicas sobre sarampión y complicaciones neurológicas.

The Lancet Infectious Diseases.
Artículos sobre inmunidad y “immune amnesia” asociada al sarampión.

Bibliografía y fuentes recomendadas parael tema del antivacunismo

  • OMS/WHO Europa + UNICEF: actualización 2026 sobre caída de casos en 2025 y persistencia del riesgo por brechas vacunales y desinformación. (Organización Mundial de la Salud)

  • UNICEF/WHO Europa: comunicado 2025 sobre máximo de casos en 25 años y hospitalizaciones. (UNICEF)

  • ECDC: recursos y guías para contrarrestar desinformación vacunal online. (ECDC)

  • Literatura científica sobre hesitación y confianza (VAX-TRUST) y contexto político. (PMC)

  • Comentario/editorial en The Lancet Microbe sobre repunte global y papel de la desinformación política. (The Lancet)

  • Reportajes de brotes recientes en Reino Unido (coberturas locales bajas, hospitalizaciones, intervención comunitaria). (The Guardian)

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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Viernes 13 en Málaga: comedias, cárceles y un patinete traicionero – Gema Santamaría – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

15/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Viernes 13 en Málaga: comedias, cárceles y un patinete traicionero

 

Crónica del 13 de marzo de 2026 – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

 


Por Gema Santamaría, crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria

 

El Festival de Málaga encara su recta final —la vigesimonovena edición se celebra del 6 al 15 de marzo de 2026— con la sensación de que el cine, como la vida, siempre mezcla risas, tragedias y casualidades inesperadas.

 

El viernes 13 amaneció luminoso, casi engañosamente tranquilo, como si la ciudad quisiera recordarnos que incluso los días con fama de gafados pueden ofrecer belleza. Pero el cine, y la propia jornada, terminarían demostrando que la realidad es siempre más compleja.


 

 

La picaresca española según Arantxa Echevarría

 

La mañana arrancó con Cada día nace un listo, la nueva película de Arantxa Echevarría, una de las cineastas más interesantes del panorama español actual.

 

Echevarría se dio a conocer con la magnífica Carmen y Lola (2018), un retrato social que fue un auténtico fenómeno y obtuvo varios premios Goya. Después ha demostrado su versatilidad con proyectos muy distintos, desde el thriller La infiltrada, que terminó convirtiéndose en una de las grandes películas recientes del cine español, hasta trabajos más modestos como Chinas (2023). En esta ocasión se adentra en el territorio de la comedia negra.

 

La película gira en torno a Toni Lomas, interpretado por Hugo Silva, un antiguo concursante de un talent show que ahora vive en horas bajas. Cuando una antigua relación le ofrece participar en el robo de un valioso cuadro, se une a un peculiar equipo formado por la Mari y el Gallego, dos personajes tan necesitados como poco fiables.

 

El reparto lo completan Susi SánchezDafne FernándezJaime Olías y Diego Anido, entre otros.

 

La película funciona como una sátira sobre la picaresca contemporánea: ricos que intentan engañar a otros ricos, pobres que sobreviven como pueden y un país donde la frontera entre necesidad y fraude parece cada vez más difusa.

 

Hay que destacar, además, la presencia de Sofía Otero, la joven actriz que deslumbró al mundo en 20.000 especies de abejas, aquí en un registro inesperadamente cómico.

 

La proyección tuvo continuidad en una rueda de prensa especialmente animada con Arantxa EchevarríaHugo SilvaSusi SánchezDafne FernándezDiego Anido y Jaime Olías.

 

Allí, Hugo Silva defendió con pasión la comedia, recordando lo difícil que es hacer reír en el cine. Una reivindicación que encontró eco en Susi Sánchez, quien señaló que las comedias suelen estar injustamente minusvaloradas porque aparentemente no transmiten grandes mensajes.

 

Y, sin embargo, el cine demuestra lo contrario.

 

Silva puso como ejemplo El verdugo de Luis García Berlanga, una de las obras maestras del cine español: una comedia, sí, pero también una de las críticas más demoledoras que se han hecho jamás sobre la sociedad española.


 

 

Un paseo luminoso antes del drama

 

Tras la película tocaba esperar hasta la siguiente sesión, La mujer de la fila, así que hubo tiempo para pasear por una Málaga luminosa y templada.

 

El recorrido nos llevó hasta la plaza Roma, donde un pequeño parque ofrecía uno de esos momentos de calma que a veces se cuelan entre las prisas de un festival. Los setos perfectamente cuidados, los bancos ocupados por jubilados tranquilos y la luz filtrándose entre los árboles componían una escena casi pictórica.

 

El cine tiene muchas cosas, pero pocas tan agradables como estos paréntesis.

 

Después llegó la comida.

 

Y poco después llegó la realidad.

 

Cuando nos dirigíamos a tomar un café presenciamos un accidente de tráfico: un patinete y una motocicleta colisionaron y una mujer resultó herida. Durante más de tres cuartos de hora esperamos la llegada de una ambulancia, a pesar de la presencia de seguridad y de la Policía Local.

 

A veces el festival parece un mundo paralelo, pero basta un instante para recordar que el mundo real sigue ahí.


 

 

El drama social de La mujer de la fila

 

La segunda película del día fue La mujer de la fila, dirigida por el cineasta argentino Benjamín Ávila.

 

La película cuenta la historia de Andrea, una mujer de clase media cuya vida se derrumba cuando su hijo es encarcelado injustamente. A partir de entonces tendrá que hacer largas colas frente a la prisión para visitarlo, compartiendo ese espacio con otras mujeres que viven situaciones similares.

 

Protagonizada por Natalia Oreiro, junto a Amparo Noguera y Alberto Ammann, la película propone un retrato duro y humanista sobre las familias de los presos y el mundo invisible que se forma alrededor de las cárceles.

 

El tono es austero y muy emocional, con ecos de cierto cine social europeo.

 

Después de la ligereza satírica de la película de Echevarría, este drama devolvía al festival su vertiente más sombría.


 

 

Videoclubs, pornografía y nostalgia televisiva

 

La jornada continuó con la presentación de la serie Cochinas, una comedia dirigida, entre otras, por Andrea Jaurrieta, cineasta conocida por Ana de día (2018) y Nina (2024).

 

La protagonista es Malena Alterio, que interpreta a una ama de casa cuyo marido —encarnado por Chani Martín— dirige un videoclub absolutamente ruinoso. Tras un accidente que deja al marido en coma, ella debe hacerse cargo del negocio y descubre rápidamente una verdad incómoda: el único producto que mantiene el negocio a flote es el cine porno.

 

La solución empresarial es tan evidente como delirante.

 

Los episodios proyectados mostraron una comedia bastante gamberra, atravesada por los pensamientos internos del personaje y por una mirada nostálgica a los últimos días de los videoclubs, cuando el negocio todavía resistía antes de que el mundo digital los barriera definitivamente.


 

 

Un viernes 13 casi cinematográfico

 

El resto de la tarde transcurrió paseando por las calles de Málaga, llenas de turistas y de público festivalero, comprando pequeños recuerdos y souvenirs inevitables: imanes con el Museo Pompidou, la plaza de toros o la figura omnipresente de Picasso.

 

Solo al final del día caí en la cuenta.

 

Era viernes 13.

 

Quizá por eso la jornada mezcló risas, tragedia, nostalgia y algún susto inesperado.

 

Como si el propio festival hubiera querido recordarnos que el cine —igual que la vida— siempre se mueve entre la comedia y el drama.

 

Y que, en realidad, casi siempre ocurren las dos cosas el mismo día.

 

Por Gema Santamaría, crítica de cine y colaboradora de Nueva Alcarria
 
 
 

 

Crónicas de Festivales de Gema  Santamaría

 

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Muchos besos y muchas gracias.

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Palmarés, experiencias y comentarios de holasoyramon – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

15/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Palmarés, experiencias y comentarios de holasoyramon

 

Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

 

 

 

He estado asistiendo al Festival de Málaga desde 2014. Siempre acreditado por El Heraldo del Henares, un medio de referencia en Guadalajara y el Corredor del Henares.

 

Y, si la memoria no me falla (que a estas alturas del festival empieza a comportarse como un actor secundario de drama indie), no he faltado ni un solo año. Incluso en el año de la pandemia, cuando el festival se celebró en agosto, allí estaba también, pasando calor y viendo cine.

 

Este fue el primer gran festival al que acudí. Antes había estado en el Fescigu y en algún festival madrileño, pero Málaga fue el lugar donde realmente descubrí cómo funciona este maravilloso y caótico ecosistema que son los festivales de cine. Aquí aprendí cómo se organizan, cómo se ven películas desde las ocho y media de la mañana y cómo sobrevives a base de cafés, bocadillos y conversaciones cinéfilas.

 

El Festival de Málaga siempre me ha acogido con los brazos abiertos. Aquí he hecho grandes amigos. En los primeros años conté con la amistad de José María Tenea, uno de los grandes personajes de la cultura malagueña. Después llegaron otros nombres imprescindibles en mis días festivaleros: Ricardo, Pepe… y mi padrino en la Academia de Cine, Carlos Taillefer.

 

También me ha regalado la amistad de Fernando Méndez-Leite, director de la Academia de Cine, moderador habitual de las ruedas de prensa del festival y uno de esos tipos que llevan décadas respirando cine. Sus ruedas de prensa son siempre un pequeño espectáculo, con ese humor suyo que convierte cualquier sesión matinal en algo más llevadero.

 

 

 

 

Un festival sin “la gran película”, pero con mucho nivel

 

Antes de entrar en el palmarés conviene hacer balance.

 

Quizá este año no ha habido esa gran película que genera unanimidad, como ocurrió con Sorda el año pasado o con títulos que marcaron otras ediciones como Cinco lobitos, Alcarràs o 20.000 especies de abejas.

 

Pero eso no significa que el nivel haya sido bajo. Ni mucho menos.

 

Ha habido muchas películas buenas. En la sección iberoamericana destacaron títulos como Hangar Rojo, Ángeles o El jardín que soñamos. Y en la sección española hubo trabajos muy interesantes como Yo no moriré de amor, Iván & Hadoum, Mi querida señorita o Corredora.

 

La rutina del festival ya la tengo muy aprendida: dos películas por la mañana, dos por la tarde. Las matinales suelen ser de Sección Oficial y después llega la rueda de prensa, donde Fernando Méndez-Leite ejerce de maestro de ceremonias.

 

Una de las grandes virtudes del Festival de Málaga es su cercanía. Aquí es muy fácil cruzarte con actores o directores por la calle, charlar un rato o intercambiar impresiones. Es un festival muy humano.

 

Durante el festival, por ejemplo, coincidimos charlando con Carmen Maura, protagonista de la película inaugural, La calle Málaga. Ese tipo de encuentros espontáneos forman parte del encanto del festival.

 

Al día siguiente me encontré con José Luis Rebordinos, director del Festival de San Sebastián, y comentábamos precisamente esa diferencia. Él contaba que cuando Carmen Maura recibió la Concha de Oro honorífica en San Sebastián, tuvieron que ponerle dos escoltas durante todo el día.

 

En cambio en Málaga todo es mucho más cercano, mucho más natural. Aquí el divismo se queda en casa.


 

 

El palmarés del Festival de Málaga 2026

 

El Festival de Málaga reparte una cantidad considerable de premios: secciones como ZonaZine, Panorama, Mosaico, Documentales, cortometrajes… y una larga lista de galardones paralelos.

Pero vamos a centrarnos en lo verdaderamente importante: la Sección Oficial.


 

 

Biznaga de Oro – Mejor película española

 

La Biznaga de Oro fue para Yo no moriré de amor, dirigida por Marta Matute.

 

Una película que gustó muchísimo durante el festival y que además obtuvo el Premio Feroz Puerta Oscura, concedido por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España.

 

La historia aborda el drama de una demencia presenil que afecta a una madre. La película sigue el proceso de deterioro desde el punto de vista de su hija adolescente, mientras la familia intenta afrontar el cuidado de la enferma.

 

Es una película muy bien contada, profundamente humana, que además bebe de experiencias personales de la propia directora, que ha vivido de cerca esta enfermedad en su familia.

 


 

 

Biznaga de Oro – Mejor película iberoamericana

 

El premio recayó en El jardín que soñamos, dirigida por Joaquín del Paso.

 

La película narra el viaje de una familia migrante que intenta llegar a Estados Unidos y que queda atrapada en México, trabajando para una industria maderera que impone condiciones imposibles.

 

El contraste entre la belleza natural de los bosques —donde aparece la mariposa monarca— y la crueldad humana es uno de los grandes aciertos del film. Además, está magníficamente fotografiada.

 

 

 

 

Biznaga de Plata – Premio Especial del Jurado

 

El premio especial fue para Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa.

 

Una historia de amor queer ambientada en Almería, en ese paisaje de invernaderos bajo plástico que ya de por sí tiene algo de distopía.

 

La película aborda racismo, clasismo y represión social en un entorno bastante asfixiante.

 


 

 

Mejor dirección

 

La Biznaga de Plata a la mejor dirección fue también para Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.

 

Personalmente no soy muy partidario de que una película se lleve mejor película y mejor dirección al mismo tiempo. Siempre me parece más interesante repartir los premios.


 

 

Interpretaciones

 

La Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina fue para Julia Mascort por Yo no moriré de amor, con una interpretación realmente impresionante.

 

El jurado otorgó además una mención especial a Ángeles Pradal por Ángeles, donde interpreta a una niña de 12 años que vive en la calle en una gran ciudad argentina.

 

En el apartado masculino, la interpretación protagonista fue para Nicolás Zárate por Hangar Rojo, una actuación enorme como capitán del ejército chileno durante el golpe de Estado.

 

Una interpretación muy poderosa y además con una caracterización impresionante: verlo en la rueda de prensa y compararlo con el personaje era casi como ver a dos personas distintas.

 


 

 

Actores de reparto

 

La mejor actriz de reparto fue María Magdalena Sanizo por La hija del cóndor, una película que, lamentablemente, no pude ver.

 

Esto pasa siempre en los festivales. Málaga proyecta más de 200 películas, así que elegir qué ver es casi una ruleta rusa cinéfila. A veces aciertas… y otras veces te pierdes joyas.

 

El premio al mejor actor de reparto fue para Tomás del Estal por Yo no moriré de amor. Su interpretación es extraordinaria: un hombre devastado por la enfermedad de su esposa y completamente superado por la situación.

 


 

 

Guion, fotografía y montaje

 

El premio al mejor guion fue para Ian de la Rosa por Iván & Hadoum.

 

La mejor fotografía fue para El jardín que soñamos, un premio totalmente merecido teniendo en cuenta el extraordinario trabajo visual rodado en exteriores.

 

El premio al mejor montaje fue para Hangar Rojo, una de las películas que más gustaron durante el festival.


 

 

La película que conquistó a la crítica

 

Aunque no se llevó los premios principales, Hangar Rojo fue una de las grandes sensaciones del festival.

La historia sigue a un capitán del ejército chileno durante el golpe de Estado. Un hombre íntegro que intenta mantenerse fiel a sus principios mientras el mundo a su alrededor se desmorona.

 

La película ganó el premio del jurado de la crítica y dejó una impresión enorme en muchos espectadores.


 

 

Epílogo festivalero

 

Y poco más que añadir.

 

Han sido nueve días de cine, cafés, conversaciones, carreras entre salas y ese cansancio feliz que solo te dan los festivales.

 

El Festival de Málaga sigue siendo un lugar especial: cercano, humano, lleno de cine y de gente apasionada por el cine.

 

Nos vemos el año que viene.

 

Y, como siempre…

Nos vemos en el cine. 🎬

 

 

Os copio el Palmarés completo:

 

PALMARÉS 29 FESTIVAL DE MÁLAGA

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Jaione Camborda (Presidenta), Belén Funes, Loreto Mauleón, Daniela Michel, Rosa Montero, Gastón Pauls y Santiago Roncagliolo, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 8.000 euros

Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 8.000 euros

El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso.

BIZNAGA DE PLATA ‘PEUGEOT’ PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN

Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Júlia Mascort por Yo no moriré de amor.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Ángeles Pradal por Ángeles.

BIZNAGA DE PLATA ‘MAKE & MARK’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Nicolás Zárate por Hangar rojo.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Silver Chicón por Iván & Hadoum.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO

María Magdalena Sanizo por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO

Tomás del Estal por Yo no moriré de amor.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN

Ian de la Rosa por Iván & Hadoum

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA

Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero por La hija cóndor.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

Gökhan Tiryaki por El jardín que soñamos.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR  MONTAJE

 Valeria Hernández y Sebastián Brahm por Hangar rojo.

Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA

El Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Norberto Chab, José Antonio Díaz y Marcelo Stiletano, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL JURADO DE LA CRÍTICA a Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Francisco Aranda, María José Bueno, Pedro Monzón, Lucía Muñoz, Miguel Núñez y Laura Sánchez, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO ‘EL PAÍS’ Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO (VOTACIÓN EN SALA)

Pioneras. Sólo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz.

 

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES FUERA DE CONCURSO

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes Fuera de Concurso del 29 Festival de Málaga, formado por Víctor Blanco, Lola García, Luis Alfonso Martínez, Víctor Martínez, Valeria Molinelli, Emilio Pérez, David Ramos, Hugo Saavedra y Sara Volpini, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a Dos días, de Gonzaga Manso.

SECCIÓN OFICIAL ZONAZINE

El Jurado Oficial de la Sección Oficial ZonaZine de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por, Nicolás Gil Lavedra, Àlex Monner y Paula Palacios otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 4.000 euros

La carn (La carne), de Joan Porcel.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 4.000 euros

Oca, de Karla Badillo.

MENCIÓN ESPECIAL Los Nadadores, de Sol Iglesias.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN

Gwai Lou por We are the jungle (Somos la jungla)

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Angela Sarafyan por Quase Deserto.

 BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Lluís Garau por La carn (La carne)

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Oca, de Karla Badillo.

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 4.000 euros, para El mapa para tocarte, de Mercedes Afonso.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO a Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.                                                                                                                                                                              

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN María Molina Peiró por Como todo mortal.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO A voz de Deus (La voz de Dios), de Miguel Antunes Ramos.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL Sucia, de Bárbara Mestanza y Marc Pujolar.

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DOCUMENTALES

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documentales de la 29 edición del Festival de Málaga, integrado por Josep María Catalá, Lorena Muñoz y María Zafra, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTALdotado con 2.000 euros, a Los días azules de Javier García Lerín.

El Jurado Popular de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Ana Alcántara, José Andrés Canales, José Miguel Clavijo, Lina Fernández, Darío González, Elsa Hurtado, Daniela Joya, Francisco José Marcos, María Medina, Rafael Mesa, Lucía Noci, Diego Ramírez, Alicia Sedeño y Darío Terrones, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL a Los días azulesde Javier García Lerín.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DE FICCIÓN

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓNdotada con 2.000 euros, para Talk Me, de Joecar Hanna.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN Marc Camardons por Per bruixa i metzinera.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA Sonia Almarcha y Mirela Balic por Una vocal.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA Chete Guzmán por Epifanía.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Instrucciones para cocinar un pollo bajo tierra, de Oliva Delcán y Nacho Sánchez.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, elegida por votación del público asistente a la sala, es para El lago silente, de Varo López.

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES IBERSHORTS

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE IBEROAMERICANO a Domingo familiar, de Gerardo del Razo.

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES ANIMAZINE

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓNdotado con 2.000 euros, a Pinchu es así, de Carmen Córdoba.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Bobsde Júlia Marcó.

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES MÁLAGA

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Andrea Duro, Fernando Juan Lima y Jorge Rivero, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, a Las desqueridas, de Charlie García Villalba y Gonzalo Ruiz Esteban.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para En Toronto no pasan estas cosas, de Manolo Orellana Naranjo.

 

SECCIÓN OFICIAL MOSAICO. PANORAMA INTERNACIONAL

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, dotada con 8.000 euros a la distribuidora en España y elegida por votación del público asistente a la sala, es para Les enfants vont bien (Los niños están bien), de Nathan Ambrosioni.

BIZNAGAS MÁLAGA CINEMA

Ana de Alva

Juan Antonio Espigares

María Pepa Lara García

Concha Baquero (in memoriam)

 

AYUDAS A LA PRODUCCIÓN

Un pingüino en el desierto, de José Rodríguez-Vergara Pérez (3.500 euros)

La exorcista, de Marga Dorao (4.000 euros)

Azucenas, de Daniel Parra(4.500 euros)

Los ojos que no lloraron, de Sonia Madrid (4.500 euros)

Perdón, de José Vega (4.500 euros)

Sonia y Selena, de Nerea Guitart (4.500 euros)

Destello eterno, de Paula Sánchez Lobato y Pedro Jesús Medina Criado (6.000 euros)

El heredero, de Jorge Rivera (6.000 euros)

Los de aquí, de José Mari Martínez y Martí Juan Balet (6.000 euros)

Un espejo adulto, de Daniel Fraga y Andrés Goñi (6.000 euros)

PREMIOS AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES

BIZNAGA DE PLATA PRIMER PREMIO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental
Llamarse Olimpia, de Indira Cato.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES al documental Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas. 

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES AL MEJOR DOCUMENTAL

Recuerdo tu nombre, de Silvia Venegas.

BIZNAGA DE PLATA MÁLAGA MUJERES EN ESCENA al cortometraje No estamos locos, de Lucia Criado Rosas.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR TRABAJO DE FICCIÓN
Pietra, de Cynthia Levitan.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR DOCUMENTAL
Pasionaria. Dolores Ibárruri, de Amparo Climent.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO MUJERES EN ESCENA
Un hombre libre, de Laura Hojman.

 

PREMIOS CINEMA COCINA

El Jurado Oficial de la sección Cinema Cocina de la 29 edición del Festival de Málaga, formado por Jacobo Gavira, Sacha Hormaechea y Paco Cruz Rivera, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘CERVEZAS VICTORIA´ AL MEJOR LARGOMETRAJE, dotado con 4.000 euros

Decían que aquí no se había nada, de Jorge Fernández Mayoral.

BIZNAGA DE PLATA ‘ALIMENTOS DE ESPAÑA’ AL MEJOR CORTOMETRAJE, dotado con 2.000 euros

Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets, David Salvador y Víctor Solsona.

El Jurado Popular de la sección Cinema Cocina, integrado por David Correa, Manuel F. Duarte, Rosario Alba Gaitán, Manuel Lucas Rodríguez y Remedios Reina, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA ‘BODEGAS EMILIO MORO’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE

Todos los días domingo, de Abraham López Feria.

BIZNAGA DE PLATA ‘DIPUTACIÓN DE JAÉN’ PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE

Montse. La penúltima bodega, de Jordi Busquets y David Salvador.

 

OTROS PREMIOS

BIZNAGA QUIRÓNSALUD AL DOCUMENTAL MÁS SOCIAL para La huella y el tiempo, de Raúl Vaquero.

BIZNAGA THE CORE SCHOOL AL MEJOR CORTOMETRAJES para Killjote, de Ángel Villahermosa.

PREMIO ESCUELAS DE CINE AL MEJOR LARGOMETRAJE DE ZONAZINE

El Jurado Escuelas de Cine de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Nicole Benvenuti, Jesús Criado, David Fernández, Alejandro Gil, Damaris Martín, Roberto Salas y Stella Vanrose , otorga el PREMIO ESCUELAS DE CINE A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN ZONAZINE We Are the Jungle (Somos la jungla), de Gwai Lou.

PREMIO ASECAN ÓPERA PRIMA DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO

El jurado formado por Sofía Carvajal, Álvaro García-Baquero y Carlos Mera, miembros de la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía, otorga el premio a Corredora, de Laura García Alonso.

PREMIO FEROZ PUERTA OSCURA 2026 AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

Los miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España acreditados como Prensa han elegido en votación secreta que el premio es para Yo no moriré de amor, de Maite Matute.

PREMIO SIGNIS AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

La Organización Católica Mundial para los Medios de Comunicación, a través de su jurado compuesto por Rosa Die, Wolfgang Hamdorf y Belén Pérez Llamas, otorga el premio a la película La mujer de la fila, de Benjamín Ávila.

 

 

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La familia Benetón +2 – 2026 – Joaquín Mazón – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

15/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando la familia crece… y los chistes se quedan en guardería

 

El director

 

El responsable de esta criatura es Joaquín Mazón, un director que se ha especializado en la comedia popular española, esa que busca el aplauso fácil del público del sábado por la tarde.

 

En su filmografía encontramos títulos como La Navidad en sus manos (2022), comedia navideña con Santiago Segura, y la primera entrega La familia Benetón (2024), que funcionó razonablemente bien en taquilla.

 

Mazón procede en gran parte del mundo televisivo y se mueve cómodo en un terreno muy concreto: el cine comercial pensado para un público amplio, familiar y poco exigente. Y, ojo, eso no es necesariamente un defecto… aunque a veces lo parezca.

 

Cutrecomentario

 

La historia continúa donde lo dejó la primera entrega de La familia Benetón.

 

Tenemos a ese padre improvisado interpretado por Leo Harlem, encargado de cuidar a un grupo de niños adoptados de diferentes orígenes culturales.

 

A su lado sigue el tío de la familia, interpretado por Juan Manuel Montilla “El Langui”, que intenta poner un poco de cordura al caos doméstico.

 

Como novedad, la película añade dos nuevos miembros al equipo: dos bebés que vienen a aumentar todavía más el nivel de ruido, pañales y situaciones supuestamente cómicas.

 

La película está llena de chistes. Muchos chistes. Tantísimos chistes que alguno tenía que funcionar por pura estadística… y, efectivamente, alguno funciona.

 

Pero entre uno que hace gracia y cinco que se quedan flotando en el aire, la sensación general es la de un guion que dispara bromas como quien lanza confeti esperando que algo caiga en el sitio adecuado.

 

Además, hay momentos en los que el humor se mete en terrenos algo discutibles.

 

Hacer bromas sobre la discapacidad del personaje de El Langui no parece precisamente la idea más brillante del mundo. No es que provoque escándalo, pero sí deja una sensación rara, como de chiste que alguien debería haber revisado antes de rodarlo.

 

Todo está construido con una fórmula muy reconocible: situaciones exageradas, choque cultural entre los niños, gritos, persecuciones, bromas visuales y moraleja final. Un cóctel muy típico de este tipo de comedias familiares.

 

La película se estrenará en España el 17 de abril de 2026, y todo apunta a que funcionará bastante bien en taquilla.

 

Este tipo de cine conecta con un público que busca pasar un rato sin complicaciones y que responde muy bien a este tipo de propuestas. Es el mismo público que llena salas con sagas como Torrente o con muchas de las comedias comerciales que dominan la taquilla española.

 

Otra cosa distinta es hablar de calidad cinematográfica.

 

El guion resulta bastante pobre, se apoya demasiado en tópicos sobre culturas diferentes y muchas situaciones parecen escritas con piloto automático.

 

Todo funciona a base de estereotipos muy básicos y de un humor que rara vez va más allá del chascarrillo rápido.

 

Y claro, uno se queda con cierta sensación de tristeza al ver que el Festival de Málaga cierre sus proyecciones con una película así.

 

Un festival que tantas veces ha apostado por cine arriesgado, personal o incluso emocionante termina su recorrido con una comedia que parece más pensada para un domingo por la tarde en televisión que para clausurar un certamen cinematográfico.

 

En fin… una comedia que probablemente hará reír a parte del público, pero que deja la impresión de que el cine español puede —y debe— aspirar a bastante más.

 

Y lo peor es que Leo Harlem, El Langui o Anabel Alonso, actores con talento y oficio, merecen material mucho mejor que éste.

 

Porque cuando los buenos actores tienen buenos guiones, el resultado suele ser mucho más divertido que esto.

 

Mi puntuación: 3,53/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Cochinas (Serie TV) – 2026 – Carlos del Hoyo (Creador) – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

14/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cómo salvar un videoclub cuando el negocio se va al garete (y el porno paga las facturas).

 

Sobre el creador

 

La serie está creada por Carlos del Hoyo, del que no hay todavía una filmografía muy conocida dentro del gran público.

 

En esta producción ejerce como creador del proyecto, mientras que la dirección de los episodios corre a cargo de tres cineastas: Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Nuria Gago, tres directoras jóvenes que aportan una mirada fresca y bastante deslenguada a la serie.

 

Andrea Jaurrieta es conocida por dirigir Ana de día (2018) y Nina (2024), películas que ya demostraban su gusto por los personajes femeninos complejos y algo descolocados en el mundo.

 

 

Cutrecomentario

 

La premisa de Cochinas es de esas que ya de entrada prometen jaleo.

 

España aún vive en el glorioso mundo del VHS, las estanterías de plástico azul y las multas por devolver las cintas tarde.

 

Y en medio de ese ecosistema en vías de extinción aparece Nines, el personaje interpretado por Malena Alterio.

 

Nines es una mujer conservadora, de las de misa dominical y vida ordenadita… hasta que su marido —interpretado por Chani Martín— tiene la mala suerte de ser atropellado por un autobús de la manera más tonta posible y quedarse en coma. Y claro, alguien tiene que encargarse del negocio familiar.

 

El negocio es un videoclub.

 

Y estamos en 1998.

 

Vamos, que el Titanic ya ha chocado con el iceberg.

 

Las grandes cadenas de videoclubs ya están arrasando y el pequeño comercio lo tiene crudo.

 

La protagonista, que hasta ese momento vivía bastante ajena a las miserias económicas, descubre de golpe que las cuentas no salen ni con milagro de San Judas Tadeo.

 

Y entonces tiene una revelación empresarial digna de un MBA acelerado: ampliar la sección porno del videoclub.

 

Porque si algo funcionaba en los videoclubs… era el porno.

 

Así que decide montar un pequeño santuario para clientes necesitados de estímulos visuales.

 

Un espacio discreto donde los parroquianos puedan canalizar su entusiasmo hormonal mientras alquilan cintas con títulos que siempre han sido un prodigio de creatividad.

 

Porque el cine porno tiene esa maravillosa tradición de versionar los clásicos con una imaginación que ya quisieran muchos guionistas.

 

Ese espíritu gamberro aparece también en la serie, que introduce pensamientos de la protagonista, pequeñas fantasías visuales y recreaciones delirantes del imaginario del porno noventero.

 

Malena Alterio está estupenda, porque maneja muy bien ese contraste entre mujer reprimida y empresaria accidental del erotismo VHS. Su cara de “esto se me está yendo de las manos” funciona como motor cómico constante.

 

A su lado aparece Celia de Molina, interpretando a su hermana, que aporta ese contrapunto más descarado y deslenguado que siempre viene bien en este tipo de comedias.

 

Lo que se vio en el Festival de Málaga deja bastante claro el tono de la serie: humor sin complejos, mucha nostalgia noventera y una protagonista que va descubriendo que la vida puede ser bastante más desordenada de lo que enseñaban en catequesis.

 

Los episodios presentados funcionan muy bien. Son ágiles, tienen gags bastante ingeniosos y juegan con un escenario —el videoclub de barrio— que hoy ya es casi arqueología cultural.

 

Si mantiene el nivel, Cochinas puede convertirse fácilmente en una de esas series que uno empieza “por probar” y acaba viendo del tirón. Porque mezcla tres cosas que siempre funcionan: crisis económica, VHS polvorientos… y porno cutre con títulos imposibles.

 

Vamos, un retrato bastante fiel de la España de finales de los noventa. Y encima muy divertido.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

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La mujer de la fila – 2025 – Benjamín Ávila – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

14/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 


Cómo descubrir que la vida te cambia más rápido que la cola de una prisión un domingo por la mañana.

 

 

Sobre el director

 

El argentino Benjamín Ávila es uno de esos cineastas que saben combinar lo personal con lo político sin que parezca un sermón de sobremesa.

 

Su película más conocida es Infancia clandestina (2011), un drama ambientado en la dictadura argentina que pasó por Cannes y ganó varios premios en Argentina.

 

Después dirigió La vida después (2013), documental muy ligado también a la memoria histórica, y la serie Dromo.

 

En sus trabajos suele haber un interés muy claro por las heridas del pasado y por cómo las personas comunes lidian con situaciones extremas.

 

 

Cutrecomentario

 

Los argentinos tienen una habilidad especial para hacer cine potente con historias aparentemente pequeñas. Y La mujer de la fila es otro ejemplo bastante claro de esa tradición.

 

Aquí Benjamín Ávila mezcla thriller y drama carcelario, pero con un truco interesante: en lugar de seguir al preso, seguimos a la madre del preso.

 

Y ese cambio de punto de vista funciona muy bien.

 

La protagonista es Natalia Oreiro, que interpreta a una mujer que ve cómo su vida de señora acomodada se va al garete cuando su hijo acaba en la cárcel.

 

Oreiro compone un personaje bastante histérico, muy fuera de lugar, como alguien que aterriza de repente en un planeta que no entiende.

 

No sabe cómo funciona ese mundo, no sabe cómo relacionarse con él y, lo más importante, no quiere aceptar que ahora forma parte de él.

 

Pero claro, la realidad es tozuda.

 

Poco a poco la vemos enfrentarse a la famosa fila: esa cola de mujeres que esperan para entrar a prisión con comida, ropa o simplemente con un poco de cariño para los suyos. Ahí descubre algo que no estaba en su manual de vida pija: la solidaridad entre gente que no tiene nada.

 

Sus antiguas amigas —tan elegantes ellas— desaparecen como por arte de magia. Vamos, que cuando llegan los problemas se volatilizan más rápido que el hielo en un gin-tonic de terraza.

 

En ese nuevo ecosistema aparece también Alberto Ammann, interpretando a un preso veterano con el que la protagonista establece una relación peculiar, casi una especie de complicidad emocional.

 

Y en paralelo vemos el drama del hijo encarcelado, interpretado por Federico Heinrich, que aporta bastante credibilidad al papel del joven que ve cómo su vida se tuerce.

 

En el reparto brilla también Amparo Noguera, que tiene un papel secundario pero muy importante: es una de esas mujeres de la fila que funcionan como red de apoyo, como pequeña familia improvisada dentro de un sistema que suele triturar a la gente.

 

La película está basada en hechos reales y tiene algo que engancha: no busca el morbo carcelario ni el melodrama fácil.

 

Lo que le interesa a Ávila es observar cómo una mujer se queda sin las certezas que daban sentido a su vida. De repente sus reglas sociales, sus convicciones y su entorno desaparecen.

 

Y entonces toca reinventarse.

 

Puede que el personaje tarde bastante en entender lo que está pasando —de hecho muchas veces se equivoca—, pero ahí está precisamente la gracia del relato: el proceso de darse cuenta de que el mundo no funciona como ella pensaba.

 

El resultado es un drama sólido, bien interpretado y con una mirada bastante humana hacia un universo que el cine suele retratar con más clichés que matices.

 

Dentro del Festival de Málaga de este año, La mujer de la fila se coloca sin problemas entre las películas más potentes que han pasado por las salas del Albéniz.

 

No hace ruido, no necesita fuegos artificiales, pero deja una sensación muy clara: cuando el cine argentino se pone serio, suele dar en el clavo. Y aquí vuelve a hacerlo.

 

Mi puntuación: 8,68/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Cada día nace un listo – 2026 – Arantxa Echevarria – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

14/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando los pobres roban para comer y los ricos roban para comprar otro yate

 

La directora

 

Arantxa Echevarría es una de las cineastas españolas que más rápido se ha consolidado en los últimos años.

 

Debutó con Carmen y Lola (2018), un retrato de dos jóvenes gitanas que se enamoran y que tuvo un enorme impacto, incluso en Cannes.

 

Después dirigió Chinas (2023), un retrato coral sobre identidad y adolescencia en la comunidad china en España.

 

Y en 2024 firmó La infiltrada, uno de los grandes éxitos del cine español reciente y ganadora del Goya a Mejor Película.

 

Su cine suele mezclar mirada social con pulso narrativo muy directo, algo que vuelve a demostrar en Cada día nace un listo.

 

 

Cutrecomentario

 

Hay películas que empiezan con una escena que te pone en situación en treinta segundos. Aquí pasa eso. Y se agradece, porque Arantxa Echevarría no se anda con rodeos.

 

La historia gira alrededor de Hugo Silva, que interpreta a Toni Lomas, un estafador de medio pelo. No es un gran criminal. Es más bien un buscavidas. De esos que viven de pequeños trapicheos, de timos menores y de ir sobreviviendo como pueden. Vamos, un autónomo del delito en categoría amateur.

 

Pero claro, como dice el viejo refrán: cada día nace un listo… y también alguien dispuesto a intentar aprovecharse de él.

 

La película plantea dos mundos muy claros. Por un lado, el de los pobres que delinquen para sobrevivir. Una banda bastante chapucera formada por Hugo Silva, Susi Sánchez y Diego Anido, que además se marca un gallego muy pintoresco que se roba varias escenas.

 

Y por otro lado está el mundo de los ricos. Pero no ricos elegantes de película americana. No. Ricos corruptos, torpes y desesperados por mantener el nivel de vida.

 

Todo arranca con la muerte del patriarca de la familia, interpretado por Pedro Casablanc, en una escena inicial muy bien resuelta que, en muy pocos planos, explica perfectamente quién era ese hombre y el lío monumental que deja detrás: una familia forrada… pero arruinada y con escándalos de corrupción acechando.

 

Ahí entran en juego los herederos, interpretados por Belén Rueda, Jaime Olías y Dafne Fernández, que representan ese otro tipo de delincuente: el que roba no para comer, sino para seguir siendo rico.

 

Y ese choque de clases es el motor de la película.

 

Porque Echevarría plantea una sátira bastante clara: el pequeño ladrón que roba para sobrevivir frente al gran ladrón que roba por pura avaricia. Dos escalas sociales… y dos escalas de delito.

 

La película funciona muy bien porque está contada con ritmo. No se recrea demasiado en nada, avanza con energía y tiene bastantes momentos de comedia que funcionan. No es una comedia de carcajada continua, pero sí tiene momentos muy divertidos.

 

Además, hay algo que se agradece: el tono de sátira social está presente todo el tiempo.

 

No es solo una historia de estafadores, es también una pequeña radiografía de cómo funciona la sociedad cuando el dinero y la corrupción empiezan a mezclarse.

 

En ese sentido, Cada día nace un listo tiene mala leche… pero también bastante sentido del humor.

Y eso siempre entra bien.

 

El reparto funciona muy bien, especialmente Hugo Silva, que tiene ese punto de caradura simpático que el personaje necesita.

 

Y Diego Anido aporta ese toque excéntrico que hace que algunas escenas suban varios grados.

 

Una comedia negra con ritmo, con personajes muy bien dibujados y con una sátira social que no se corta demasiado.

 

No sé cuándo llegará a los cines, pero tiene pinta de ser una de esas películas que pueden funcionar bien con el público.

 

Eso sí, lo tendrá complicado.

 

Porque ahora mismo en taquilla manda Torrente Presidente… y cuando Torrente aparece, ya sabemos que el país entero se pone a hacer cola para ver barbaridades. 😏

 

Mi puntuación: 7,77/10.

 

 

 

 

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Un día de tragedias humanas en el Festival de Málaga – Gema Santamaría – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

13/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

Un día de tragedias humanas en el Festival de Málaga

 

Por Gema Santamaría.

 

El 12 de marzo de 2026 en el Festival de Málaga ha sido uno de esos días que dejan al espectador con el alma muy encogida. Cuatro películas, cuatro historias duras, cuatro miradas a distintas formas del dolor humano. De esos días que, al terminar, invitan más a una conversación silenciosa que a una celebración.

 

La jornada comenzó con La buena hija, dirigida por Júlia de Paz, un drama familiar que se adentra en las heridas que deja la violencia doméstica vista desde los ojos de una niña. La protagonista es Kiara Arancibia, que interpreta a Carmela, una niña que tras la separación de sus padres se traslada con su madre a vivir con su abuela. En el reparto encontramos también a Janet NovásJulián Villagrán y la siempre extraordinaria Petra Martínez. La película aborda la compleja relación que la niña mantiene con su padre, a quien admira profundamente, pese a la sombra de violencia que planea sobre él. 

 

El film, que adapta el cortometraje previo de la propia directora, observa con delicadeza el conflicto entre tres generaciones de mujeres obligadas a replantearse su futuro. En la rueda de prensa, Júlia de Paz explicó que el guion se construyó durante cuatro años de documentación, hablando con víctimas, trabajadores sociales, fiscales y jueces para entender el entramado emocional y legal de estas situaciones.

 

Tras la proyección, Málaga ofrecía un contraste curioso: un cielo azul radiante y una luz casi primaveral, aunque el frío seguía recordando que el invierno todavía no se ha ido del todo. La caminata hasta el hotel AC Málaga Palacio, sede habitual de encuentros del festival, permitió ese pequeño paréntesis que siempre viene bien entre dos películas densas. La terraza del hotel, con sus vistas de 360 grados sobre la ciudad, sigue siendo uno de los lugares de conversación del certamen: periodistas, cineastas y equipos de televisión compartiendo impresiones frente al Mediterráneo.

 

La segunda película del día fue El corazón del lobo, del veterano director peruano Francisco J. Lombardi, uno de los grandes nombres del cine de su país. La película se sitúa en el Perú de 1990 y narra la historia de Aquiles, un niño indígena secuestrado por el grupo terrorista Sendero Luminoso. A través de su testimonio asistimos a su paso de víctima a combatiente y al largo intento de escapar de ese infierno. 

 

El film describe con crudeza la violencia de aquella guerrilla que marcó durante décadas la historia reciente del país. Lombardi filma con pulso firme las atrocidades cometidas en nombre de una supuesta revolución y deja para el final la parte quizá más conmovedora: el intento del protagonista de reconstruir una vida después de la violencia.

 

La tarde comenzó con otra historia áspera. Ángeles (título que corresponde a la película dirigida por Paula Markovitch) sitúa su historia en Córdoba, Argentina, aunque se trata de una coproducción mexicana. La protagonista es Ángeles, una adolescente que vende golosinas por las calles mientras cuida de su hermana pequeña. La película retrata una vida marcada por la pobreza extrema y la soledad. Mantiene una relación de amistad con un hombre mayor que trabaja en una cabina de estacionamiento y arrastra el duelo por la muerte accidental de su hijo.

 

La directora implementa una puesta en escena basada en primeros planos y silencios que subrayan la fragilidad emocional de sus personajes. Es un cine áspero, casi sin concesiones, que obliga al espectador a mirar de frente una realidad incómoda.

 

El cierre del día llegó con El jardín que soñamos, dirigida por Joaquín del Paso, otra producción mexicana que vuelve a colocar en el centro el drama de la migración. La película sigue a una familia inmigrante que intenta llegar a Estados Unidos mientras sobrevive con trabajos precarios en México. El protagonista, Junior, acepta un empleo peculiar: construir y vigilar una caseta en medio del bosque para controlar el paso de camiones madereros que devastan la selva.

 

La película contrapone constantemente dos fuerzas opuestas: la belleza salvaje del paisaje natural y el drama íntimo de una familia que lucha por sobrevivir. Ese contraste entre naturaleza majestuosa y desesperación humana es uno de los motores visuales y emocionales del film.

 

Al terminar la jornada, el balance del día era evidente: cuatro películas atravesadas por la violencia, la pobreza o la pérdida. El cine, cuando se adentra en estas zonas oscuras de la experiencia humana, tiene la capacidad de conmover y también de dejar un poso de inquietud.

 

Quizá por eso, al cerrar el cuaderno de notas, uno solo puede esperar que la programación de mañana traiga alguna historia luminosa. Porque después de un día así, el ánimo del espectador pide un pequeño respiro.

Gema Santamaría
Crítica de cine – Nueva Alcarria

 

 

Crónicas de Festivales de Gema  Santamaría

 

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El jardín que soñamos – 2026 – Joaquin del Paso – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

13/03/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La selva, las mariposas y las ganas de meterse debajo de la cama

 

Joaquín del Paso es un director mexicano que ya había dejado huella con Maquinaria Panamericana, estrenada en la Berlinale de 2016, y con El hoyo en la cerca, que pasó por la sección Orizzonti de Venecia en 2021.

 

Su cine suele moverse entre la incomodidad moral, la violencia larvada y los espacios cerrados o asfixiantes donde los personajes parecen condenados de antemano.

 

Con El jardín que soñamos, presentada en la Sección Oficial del Festival de Málaga 2026, firma además guion y se mete otra vez en un territorio nada precisamente terapéutico.

 

La película es mexicana, dura 102 minutos y cuenta en el reparto con Néhémie Bastien, Faustin Pierre, Kimaëlle Holly Preville, Ruth Aicha Pierre Nelson y Carlos Esquivel.

 

 

Cutrecomentario

 

El jardín que soñamos es una de esas películas que te dejan mirando al techo al acabar, pensando que igual hoy no era mal día para ver una de Pajares y Esteso en vez de esto.

 

La historia sigue a Junior, un inmigrante que quiere llegar a Estados Unidos y que, mientras malvive en México, acepta trabajos como puede.

 

Termina con su familia en mitad de una zona selvática, empleado por una maderera que le monta una casita de tablas para controlar el paso de camiones que van arrasando el bosque.

 

O sea, el paraíso, pero con deforestación, amenazas y un ambiente de “aquí te sonríen y luego igual te pegan un tiro”.

 

La propia sinopsis oficial habla de una familia que intenta crear una frágil burbuja de ternura en una tierra que no le pertenece, en medio de un bosque que se desvanece. 

 

Lo que retrata la película, por encima de todo, es la crueldad humana. Ahí no hay descanso ni tregua ni una triste manzanilla para serenarse.

 

La familia queda atrapada en un infierno del que no puede salir, rodeada de campesinos hostiles, intereses económicos salvajes y una sensación constante de peligro.

 

Todo el mundo parece ir armado, o al menos moralmente cargado hasta los dientes. Y esa sensación de amenaza permanente está bastante conseguida: el espectador entiende muy pronto que aquí nadie está a salvo y que cualquier intento de construir una vida medio digna va a acabar estampado contra la realidad. 

 

Lo más potente de la película es el contraste brutal entre la tragedia que viven los personajes y el entorno natural, que por momentos parece casi idílico.

 

Están esas mariposas monarca, que funcionan como un símil bastante evidente pero eficaz: migran miles de kilómetros entre Canadá, Estados Unidos y México, igual que los personajes sueñan con moverse, escapar, encontrar un sitio mejor.

 

La naturaleza parece prometer belleza, libertad y movimiento, mientras los humanos se dedican a estropeárselo todo con una eficacia envidiable. Es un contraste hermoso y deprimente a la vez, que tiene bastante fuerza visual y simbólica. 

 

La película es terrible, triste y durísima.

 

No diré que sea mala, ni mucho menos, porque está claro que sabe muy bien lo que quiere contar y cómo clavarte el cuchillo.

 

Pero es de esas que no recomendaría alegremente a cualquiera, y desde luego no a alguien que esté ya con el ánimo pidiendo auxilio. Porque aquí no hay consuelo, ni redención de mercadillo, ni frases buenistas de taza de desayuno.

 

Hay miseria, hay violencia, hay una familia atrapada y hay un paisaje bellísimo contemplando el desastre como si tal cosa. Una fiesta, vamos. 

 

Joaquín del Paso vuelve a demostrar que no ha venido al cine a repartir piruletas.

 

El jardín que soñamos es una película muy dura, de esas que aprietan donde duele, y que convierte la migración, la explotación y la brutalidad cotidiana en una experiencia casi física.

 

Muy valiosa, sí. Muy triste, también.

 

Y muy poco aconsejable para una tarde en la que uno ande ya regular de batería emocional.

 

Vamos, cine del bueno… pero con receta de antidepresivos al lado.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Ángeles – 2025 – Paula Markovitch – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

13/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Niña valiente, adulto roto y una hostia final de las que no se olvidan

 

Paula Markovitch, directora y guionista argentino-mexicana nacida en 1968, lleva años moviéndose en un cine muy pegado a personajes heridos y a contextos de precariedad, sin convertirlos en estampitas para pedir limosna emocional.

 

En su filmografía como directora figuran El premio (2011), Cuadros en la oscuridad (2017), El actor principal (2019) y ahora Ángeles (2025).

 

Además, El premio fue una película especialmente reconocida, con Oso de Plata a la aportación artística en la Berlinale y premios Ariel a mejor película y mejor guion, según recoge la ficha del Festival de Málaga. 

 

Ángeles es una coproducción de México y Argentina, dura 93 minutos, está escrita por la propia Paula Markovitch y protagonizada por Angeles Pradal, Abian Vainstein e Isabella Ramírez.

 

Su punto de partida oficial ya deja claro por dónde van los tiros: Ángeles es una niña de catorce años que vende golosinas en la calle junto a su hermana pequeña, conoce a David, un hombre de cincuenta y tantos que trabaja en un aparcamiento, y él termina confesándole que quiere suicidarse.

 

La película compitió en Morelia 2025 y ha llegado al Festival de Málaga 2026 nominada a la Biznaga de Oro. 

 

 

Cutrecomentario

 

Ángeles nos mete en la vida cotidiana de dos niñas que sobreviven como pueden.

 

Ángeles, que tiene catorce años, vende dulces por la calle y además carga con la responsabilidad de cuidar a su hermana pequeña, que es un pequeño terremoto con patas, de esas criaturas que no paran quietas ni aunque les pongas un documental de notarios.

 

La película retrata muy bien esa infancia espabilada a la fuerza, esa niñez que no tiene tiempo para ser niñez porque bastante tiene con ir tirando.

 

El arranque, con esos niños bañándose en el río y mirando a cámara, tiene algo entre bucólico, libre y tristísimo, porque ya te está diciendo que aquí la inocencia va a durar lo que un caramelo a la puerta de un colegio.

 

La sinopsis oficial encaja con eso: dos hermanas en la calle, calor, coches aparcados, y un vínculo raro con un hombre quebrado. 

 

Ese hombre es David, un cincuentón reventado por dentro, machacado por la muerte accidental de su hijo, que trabaja en un parking y que le suelta a la niña que se quiere suicidar.

 

Ojo al panorama: uno llega al cine pensando que quizá verá una historia social dura y se encuentra una especie de abrazo extraño entre dos soledades tremendas.

 

La película tiene momentos divertidos, incluso juguetones, y otros de una tristeza seca que te dejan con la mandíbula algo floja.

 

Ahí Paula Markovitch demuestra pulso, porque no convierte a sus personajes en folletos de ONG ni en monigotes para dar pena fácil. De hecho, varias críticas han señalado precisamente eso: que evita la condescendencia y que sobre lo ominoso siembra pequeños gestos de libertad y travesura.

 

Lo más valioso de la película es que retrata un mundo lamentable —el de esos niños abandonados que uno intuye por muchas ciudades de Sudamérica y del planeta entero— sin subrayarlo con rotulador fosforito. No hace falta. La realidad ya viene subrayada de serie.

 

Y aun así, la película está bien contada, sabe encontrar imágenes hermosas en medio de la mugre moral y social, y tiene una capacidad bastante notable para ir sembrando inquietud hasta llegar a una escena final absolutamente terrible, de esas que no conviene destripar porque te reorganizan la película entera. Ahí es donde el filme pega el zarpazo bueno. 

 

A mí me ha parecido una película muy interesante, de las que no van de lista ni de trascendente con ínfulas, pero aciertan.

 

Tiene verdad, tiene dolor y tiene una mirada bastante limpia sobre personajes que podrían haber quedado reducidos a puro miserabilismo. No cae en eso. Y precisamente por eso puede rascar premio perfectamente en Málaga.

 

Vamos, que aquí no hay ángeles con alas: hay criaturas de carne, hueso, calor, calle y supervivencia. Y eso duele bastante más. 

 

Mi puntuación: 7,66/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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El corazón del lobo – 2025 – Francisco J. Lombardi – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

13/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El niño soldado, la revolución y un guion a machetazos

 

El veterano director peruano Francisco J. Lombardi es uno de los nombres fundamentales del cine latinoamericano de las últimas décadas.

 

Su filmografía lleva años explorando los conflictos sociales y políticos de Perú, muchas veces con una mirada bastante cruda.

 

Entre sus películas más conocidas están La ciudad y los perros (1985), adaptación de Mario Vargas Llosa, La boca del lobo (1988), uno de los retratos más duros del conflicto con Sendero Luminoso, Bajo la piel (1996), Pantaleón y las visitadoras (1999) o Mariposa negra (2006).

 

Con El corazón del lobo (2025) vuelve, de alguna manera, a ese territorio que ya había explorado hace casi cuarenta años: la violencia política y sus consecuencias.

 

 

Cutrecomentario

 

El corazón del lobo nos cuenta la historia de Aquiles, un niño que es secuestrado por la guerrilla de Sendero Luminoso y que pasa su infancia y juventud atrapado en ese mundo de violencia, miedo y adoctrinamiento permanente. Todo el rato escuchando consignas sobre marxismo, leninismo, maoísmo y demás catecismo revolucionario de manual.

 

El planteamiento es potente, porque el punto de vista del niño permite mostrar cómo funciona el mecanismo de captación y manipulación dentro de un grupo armado.

 

Pero la película tarda bastante en encontrar el tono.

 

La primera parte es prácticamente una sucesión de ataques, venganzas y matanzas del grupo guerrillero. Todo muy reiterativo, como si el director quisiera subrayar veinte veces lo mismo. Y claro, llega un momento en que el espectador ya lo ha entendido y no hace falta insistir más.

 

Además hay algo casi irónico en el retrato de este grupo guerrillero. Sobre el papel iban a liberar al pueblo del imperialismo y del yanqui opresor, pero en la práctica lo que vemos es a una panda que se dedica a saquear aldeas y a matar campesinos sin demasiado sentido. Revolución sí, pero sobre todo contra los pobres, que siempre es lo más fácil.

 

El protagonista, Aquiles, está interpretado por Víctor Acurio, que lo encarna desde la adolescencia hasta que el personaje ya es adulto. Y hay un detalle curioso que no se puede evitar comentar: varias veces se dice en la película que pasan hambre y miseria, pero el chaval aparece siempre bastante bien alimentado. Vamos, que para estar en la guerrilla y muriéndose de hambre tiene mejor aspecto que muchos que vamos al gimnasio.

 

La parte más interesante llega en el tramo final, cuando Aquiles consigue salir de ese mundo y trata de sobrevivir en la ciudad mientras intenta reencontrarse con su familia. Ahí la película se vuelve más humana y menos panfletaria. Pero para entonces uno ya ha atravesado bastante metraje de violencia repetida.

 

También aparece una historia de amor que pretende añadir una dimensión emocional al relato, pero está contada con trazo muy grueso.

 

Todo resulta bastante esquemático, como si el guion hubiera pasado demasiado rápido por esa parte.

 

Al final El corazón del lobo es una película soportable, que se deja ver, pero que da la sensación de que podría haber sido mucho más.

 

El material que tiene entre manos es potentísimo —niños soldados, fanatismo ideológico, violencia política—, pero la película se queda en la superficie muchas veces.

 

Vamos, que el lobo está ahí… pero el corazón de la película late bastante menos de lo que podría. 🐺🎬

 

Mi puntuación: 5,45/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

 

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La buena hija – 2025 – Júlia de Paz – Festival de Málaga 29 (2026) – #29FestivalMálaga – @festivalmalaga

13/03/2026

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando papá es un manual de toxicidad con patas

 

La directora Júlia de Paz es una cineasta catalana que ya había llamado la atención con su primer largometraje, Ama (2021), un drama social muy seco y contundente sobre la maternidad precaria que pasó por festivales como Rotterdam y Málaga y que consolidó su mirada hacia personajes femeninos en situaciones límite.

 

Antes había dirigido varios cortometrajes, entre ellos Harta (2020), donde ya exploraba temas de violencia y vulnerabilidad.

 

Con La buena hija (2025) vuelve a ese territorio incómodo: el de las relaciones familiares rotas y las dinámicas de poder dentro del hogar.

 

 

Cutrecomentario

 

La buena hija cuenta una historia que, por desgracia, no suena a ciencia ficción.

 

La película nos coloca en la cabeza de una niña de doce años, interpretada por Kiara Arancibia, que observa cómo el matrimonio de sus padres se desmorona.

 

Y lo vemos todo desde su punto de vista, que es una idea narrativa bastante inteligente, porque cuando uno es niño muchas cosas parecen confusas… hasta que dejan de serlo.

 

El padre está interpretado por Julián Villagrán, y el personaje es de esos que cuando aparece en pantalla ya te dan ganas de esconder la cartera. Un tipo tóxico, manipulador, de esos que parecen simpáticos cinco minutos pero que en realidad son un manual de maltrato emocional con patas.

 

Villagrán, además, está estupendo: consigue que el personaje resulte inquietante sin necesidad de sobreactuar.

 

La madre, interpretada por Janet Novás, se mueve en un terreno más contenido, intentando sostener una situación que se le va escapando de las manos.

 

Y luego aparece Petra Martínez, que directamente se come la película cada vez que sale. Tiene ese talento raro de actriz veterana que entra en plano y automáticamente sube el nivel de todo.

 

La película avanza poco a poco, mostrando cómo ese padre que a ratos parece convincente —sobre todo para su propia hija— va dejando ver su verdadera cara.

 

Ese proceso de desenmascaramiento está contado con bastante cuidado: la niña tarda en entender lo que ocurre, pero el espectador lo va viendo venir desde antes.

 

Es decir, la tensión está en cuándo se va a romper el espejismo.

 

El gran acierto de la película es precisamente ese punto de vista infantil.

 

La cámara y la narración se colocan al lado de la niña, y eso convierte lo que podría haber sido un drama familiar más en algo bastante más incómodo y cercano.

 

Porque todos hemos visto —o intuido— situaciones en las que un adulto manipula a un niño emocionalmente.

 

No es una película especialmente amable ni busca serlo. Es más bien de esas que te dejan con el cuerpo un poco torcido al salir del cine. Pero está bien construida, bien interpretada y tiene momentos muy potentes. Y, sobre todo, tiene a Petra Martínez, que cuando aparece parece decir: “Tranquilos, chavales, que aquí estoy yo para arreglar la escena”.

 

Un drama familiar incómodo, bien interpretado y contado con una mirada bastante lúcida.

 

No es precisamente cine para salir del cine bailando sevillanas, pero funciona.

 

Y deja claro que a veces el monstruo de la película no necesita maquillaje: le basta con ser papá.

 

Mi puntuación: 7,55/10.

 

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

 

 

 

Chistes y críticas en holasoyramon.com

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

 

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