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Le Faux Soir – 2026 – Michaël R. Roskam – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel oficial de la 74.ª edición del Festival de San Sebastián

 

Cartel oficial de Le Faux Soir

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ocean’s Eleven con rotativas

 

La Segunda Guerra Mundial parece un tema inagotable. Se han hecho miles de películas y a nadie parece molestarle que se sigan haciendo.

 

En cambio, que se ruede sobre la Guerra Civil Española, posiblemente el acontecimiento histórico más importante de nuestro país en los dos últimos siglos, todavía incomoda a algunos.

 

Curioso.

 

Le Faux Soir nos lleva a la Bélgica ocupada por los nazis en 1943, donde el diario Le Soir había sido convertido en instrumento de propaganda alemana.

 

Un grupo de miembros de la Resistencia decide fabricar una edición falsa del periódico. Mismo aspecto, misma cabecera, mismo papel. Pero con artículos destinados a ridiculizar al ocupante.

 

Y aquí está la gracia de la película.

 

Michaël R. Roskam construye un drama histórico sobre periodismo y resistencia, pero lo hace funcionar con los mecanismos de una película de atracos.

 

Hay que reunir al equipo.

 

Preparar el golpe.

 

Conseguir los medios.

 

Ejecutar el plan.

 

Y solucionar los inevitables problemas que van apareciendo.

 

Ocean’s Eleven, pero con rotativas.

 

La película funciona muy bien con esta estructura. Está estupendamente ambientada en esa Bélgica ocupada y tiene un magnífico diseño de producción.

 

Además, es tremendamente coral. Cuesta incluso decidir quién es realmente el protagonista, aunque ese poeta estrambótico que pone en marcha la idea termina ejerciendo como motor de la operación.

 

Y un placer añadido: escuchar ese francés belga tan limpio y académico, que se entiende estupendamente.

 

Le Faux Soir mezcla periodismo, resistencia, drama histórico y cine de atracos con mucha eficacia.

 

Una operación clandestina en la que no se roba un banco. Se roba un periódico a los nazis.

 

 

Después de las rotativas

 

El belga Michaël R. Roskam dirigió Bullhead (2011), nominada al Óscar a mejor película de habla no inglesa, y La entrega (The Drop, 2014), con Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini.

 

También realizó El fiel (Le Fidèle, 2017) y los primeros episodios de la miniserie Encerrado con el diablo (Black Bird).

 

Le Faux Soir está basada en el episodio real de la edición clandestina publicada por la resistencia belga en noviembre de 1943.

 

La película es una coproducción de Bélgica y Francia, dura 132 minutos y está protagonizada, entre otros, por Arieh Worthalter, Mélanie Thierry, Karim Leklou, Bouli Lanners y François Damiens.

 

Tras su paso por Toronto, llegó a San Sebastián como estreno europeo y película de clausura de la Sección Oficial, fuera de concurso.

 

En España figura distribuida por La Aventura y LAZONA.

 

Mi puntuación: 7,76/10.

 

Un grupo de resistentes examina un ejemplar de Le Soir en Le Faux Soir

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

Un resistente sostiene el periódico clandestino en Le Faux Soir

 

 

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Los nueve carteles de la 74.ª edición del Festival de San Sebastián

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

¡Nos vemos en el cine!

 

Ramón se despide hasta la próxima película

 

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Las disculpas de Vicentina – On Behalf of My Son – Vicentina pede desculpas – 2026 – Gabriel Martins – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

Cartel de On Behalf of My Son – Vicentina pede desculpas

Cutrecomentario de Ramón:

 

Pedir perdón hasta que duela

 

Vicentina ha perdido a su hijo en un accidente de autobús. Él era el conductor y sobre él planea la sospecha de haber sido responsable de la tragedia.

 

La madre decide entonces recorrer los hogares de las víctimas para pedir perdón.

 

Aunque ni siquiera sabe si tiene algo por lo que pedirlo.

 

Rejane Faria está extraordinaria. Construye una Vicentina dolorida, renqueante, obstinada y cargada con una culpa que quizá ni siquiera le corresponda.

 

No me extrañaría nada verla optar seriamente a la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista.

 

El problema de Las disculpas de Vicentina es que estira demasiado el chicle del duelo, la culpa y el perdón.

 

Y son 148 minutos de chicle.

 

Vicentina visita una familia tras otra y la película va acumulando encuentros, dolores y reacciones diferentes ante la tragedia. El mecanismo funciona, pero termina resultando reiterativo.

 

Curiosamente, acaba interesándome más lo que hay alrededor de Vicentina que su propio itinerario.

 

Ese Brasil humilde y trabajador, el de las chabolas, las casas modestas y las familias que dependen del autobús para desplazarse, va apareciendo como un enorme paisaje humano de fondo.

 

Vicentina lo recorre trabajosamente, con su cojera, buscando un perdón que nadie sabe muy bien si necesita recibir ella o concedérselo a sí misma.

 

Tal vez ahí esté la mejor película: en el Brasil que Vicentina atraviesa mientras pide disculpas.

 

 

Después de pedir perdón

 

El brasileño Gabriel Martins es uno de los fundadores de la productora Filmes de Plástico.

 

Codirigió con Maurílio Martins No coração do mundo (2019) y posteriormente realizó en solitario Marte Um (2022), presentada en Sundance.

 

Las disculpas de Vicentina mantiene su interés por personajes y familias de las clases populares brasileñas.

 

La película, de 148 minutos, compite en la Sección Oficial del 74.º Festival de San Sebastián.

 

Está producida por Filmes de Plástico y cuenta con Netflix como distribuidora en España.

 

Mi puntuación: 5,57/10.

Fotograma de On Behalf of My Son – Vicentina pede desculpas

Ficha: En este enlace.

Fotograma de On Behalf of My Son – Vicentina pede desculpas

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Gatibu, sin decir adiós (Documental) – Gatibu, agur esan barik – 2026 – Jabi Elortegi – Donostia Zinemaldia – Zinemira Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

Cartel de Gatibu, agur esan barik

Cutrecomentario de Ramón:

 

Veinticinco años de rock y un agur a medias

 

Confieso mi desconocimiento absoluto de Gatibu, banda de rock surgida en Gernika y muy vinculada al público vasco.

 

Después de veinticinco años de carrera, el grupo decidió retirarse organizando una gira de despedida culminada con tres conciertos en el Bizkaia Arena del BEC, en Barakaldo.

 

El BEC es un lugar que conozco bien y al que tengo especial cariño por mis numerosas visitas a la Euskal Encounter. Verlo convertido en el escenario del adiós de Gatibu aporta al documental un componente emocional añadido.

 

Gatibu, agur esan barik reconstruye la historia del grupo mediante conciertos, imágenes de archivo, entrevistas y momentos entre bastidores.

 

Las razones de la separación no se explican de manera tajante. Más bien se percibe el desgaste natural que producen los años, las giras y una convivencia profesional demasiado prolongada.

 

Resulta especialmente revelador el encuentro con un músico estadounidense que lleva medio siglo en la misma banda. Explica que durante los primeros veinticinco años sus integrantes estaban siempre juntos; durante los veinticinco siguientes, solo se veían para grabar o actuar.

 

Una forma bastante elegante de explicar cómo sobrevive un grupo sin necesidad de terminar a guitarrazos.

 

El documental está muy bien confeccionado, conecta con sus protagonistas y retrata con cercanía las personalidades de los miembros de Gatibu.

 

Hay momentos bastante emotivos, pero sin convertir la despedida en un funeral con amplificadores.

 

También me gusta mucho el viaje a Boise, capital de Idaho, donde conocen a la importante comunidad vasca de la ciudad, visitan su ikastola y participan en Jaialdi, el gran festival internacional dedicado a la cultura vasca.

 

Ese viaje permite comprobar hasta dónde puede llegar una banda que canta en euskera sin renunciar a sus raíces.

 

Gatibu, agur esan barik se incorpora a esa saludable moda de documentar la trayectoria de grupos musicales antes de que sus recuerdos terminen desperdigados entre camerinos, discos antiguos y batallitas de barra de bar.

 

Un documental que se ve con agrado, emociona en varios momentos y sabe despedirse sin decir del todo adiós.

 

 

Después del último concierto

 

Jabi Elortegi nació en Bermeo en 1969 y ha desarrollado buena parte de su carrera en el cine y la televisión vascos.

 

Debutó en el largometraje con Felicidad perfecta (2009) y posteriormente dirigió El vasco (2022).

 

También ha trabajado en producciones televisivas como Go!azen y es uno de los fundadores de Pausoka Entertainment, productora de este documental.

 

Gatibu, agur esan barik ha sido seleccionada para Zinemira en la 74.ª edición del Festival de San Sebastián, donde compite por el Premio Irizar al Cine Vasco.

 

Su estreno mundial está previsto en el festival y posteriormente llegará a los cines distribuida por Atera Films.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

Fotograma de Gatibu, agur esan barik

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Gatibu, agur esan barik

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NOOR: Cocinar pasados posibles – 2026 – Carlos Velasco y Kate Hu – Donostia Zinemaldia – Culinary Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

Cartel de Noor: cocinar pasados posibles

Cutrecomentario de Ramón:

 

Antropología en la cocina.

 

Conocemos el restaurante Noor, en Córdoba, de la mano de su chef, Paco Morales.

 

Es un proyecto personal, con apoyo familiar, que ha ido creciendo hasta convertirse en una cocina muy particular.

 

Porque lo que hace Morales es una especie de arqueología culinaria: investiga platos antiguos de la cocina cordobesa, sí, pero no los interpreta de manera textual. Los reinterpreta.

 

Y ahí está la clave, porque la Historia siempre es una reinterpretación de los hechos. Según quién la cuente, la historia cambia. Eso es justo lo que hace Morales: convertir la historia y la cultura de Al-Ándalus en una cocina contemporánea.

 

De su mano vamos conociendo distintos escenarios.

 

Su restaurante, para empezar, en un barrio de Córdoba, ni siquiera en el centro.

 

También el comedor de sus padres.

 

Las calles de Córdoba.

 

Y la huerta de la Alhambra de Granada, esa huerta antropológica donde se cultivan vegetales desde hace 800 años.

 

De la mano de este artista de la cocina, de este antropólogo culinario, vamos pasando de un escenario a otro y de un personaje a otro.

 

El documental resulta interesante.

 

Pero tiene un tufillo de publirreportaje bastante intenso.

 

 

Sobre Velasco & Hu

 

Firman la película Carlos Velasco (Madrid) y Kate Hu (Taipéi), pareja creativa venida de la fotografía, la moda y la publicidad: cortometrajes suyos han sonado en festivales como el Aesthetica Short Film Festival, el Notodofilmfest o el Barcelona Fashion Film Festival.

 

Noor: cocinar pasados posibles es su segundo largometraje documental, tras Para qué sirven las canciones de amor.

 

La película se ha estrenado mundialmente en la sección Culinary Zinema del 74º Festival de San Sebastián —que este año se celebra del 18 al 26 de septiembre—, en una sesión especial con cena de Paco Morales incluida.

 

Producen Godello Entertainment, con el propio restaurante Noor (tres estrellas Michelin) como productor asociado. Su estreno comercial está previsto para el último trimestre de 2026.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

Fotograma de Noor: cocinar pasados posibles

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Noor: cocinar pasados posibles

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Ink – 2026 – Danny Boyle – Película sorpresa – Donostia Zinemaldia – Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

Cartel de Ink, de Danny Boyle

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ciudadano Murdoch: tinta, tetas y titulares

 

Ink nos lleva a 1969, cuando Rupert Murdoch compra The Sun y coloca al frente a Larry Lamb con un objetivo bastante sencillo: ser el número uno.

 

No necesariamente informando mejor.

 

Vendiendo más.

 

Guy Pearce interpreta a Murdoch y Jack O’Connell a Lamb, acompañados por una Claire Foy en un papel más secundario.

 

La estrategia consiste en darle al público lo que quiere: escándalos, sexo, chicas guapas, fútbol y entretenimiento. The Sun no pretende tanto informar como vender periódicos.

 

Y vende.

 

Ahí está una de las grandes ideas de Ink: el periodismo convertido en producto y el lector convertido en cliente al que hay que satisfacer como sea.

 

Las famosas chicas de la página 3 son la representación perfecta de esa filosofía. Sexo, provocación y titulares llamativos. Todo vale si aumenta la circulación.

 

Pero donde realmente triunfa la película es en la dirección de Danny Boyle.

 

Ink tiene un ritmo endiablado. Los diálogos funcionan como metralletas, el montaje es excepcional y las rotativas, las reuniones de redacción y la competencia entre periódicos transmiten estupendamente el estrés de una profesión obsesionada con llegar antes y vender más.

 

Es una magnífica película de periódicos.

 

Y además resulta inevitable contemplarla desde 2026.

 

De aquellos polvos, estos lodos.

 

El sensacionalismo, el titular escabroso y la información entendida fundamentalmente como mercancía forman parte del camino que nos ha llevado al actual ecosistema de desinformación y fake news.

 

Ink cuenta el nacimiento de una manera de hacer periodismo, pero también explica bastante bien de dónde venimos.

 

Está estupendamente producida, tiene personajes sólidos y Danny Boyle consigue que 116 minutos pasen como una rotativa a toda velocidad.

 

Y, además, tiene algo que seguramente habría encantado al mismísimo Rupert Murdoch:

es tremendamente comercial.

 

 

Después de cerrar la edición

 

Danny Boyle es uno de los cineastas británicos más reconocibles de las últimas décadas, responsable de Trainspotting, 28 días después, Slumdog Millionaire, 127 horas y Steve Jobs.

 

Su gusto por el ritmo, el montaje y la energía visual encuentra en una redacción periodística un terreno especialmente apropiado.

 

Ink está escrita por James Graham, adaptando su propia obra teatral, y tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Venecia de 2026.

 

El Festival de San Sebastián la ha programado como película sorpresa de su 74.ª edición.

 

Su estreno comercial en España está previsto para el 6 de enero de 2027, distribuida por Wanda Vision.

 

Mi puntuación: 7,96/10.

Jack O'Connell en Ink, de Danny Boyle

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Ink, de Danny Boyle

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Wild Horse Nine – 2026 – Martin McDonagh – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

26/09/2026

Cartel de Wild Horse Nine

Cutrecomentario de Ramón:

 

Elegir un lugar para morir: la Isla de Pascua o Venecia

 

Dos agentes de la CIA destinados en Chile poco antes del golpe de Estado de 1973.

 

Chris, interpretado por un magnífico John Malkovich, está agonizando y decide viajar a la Isla de Pascua para que su compañero Lee, Sam Rockwell, lo mate antes de que la enfermedad haga el trabajo.

 

Su jefe, MJ, es Steve Buscemi.

 

Con estos elementos, Martin McDonagh construye un thriller de espionaje setentero con una comedia negrísima basada, sobre todo, en unos diálogos absolutamente delirantes.

 

Chris está completamente desbocado y, cuando conoce a dos jóvenes chilenas, empieza a contarles sin filtro los secretos y las miserias de la CIA y lo que está a punto de suceder en Chile.

 

Hay momentos descacharrantes.

 

Y Malkovich y Rockwell funcionan estupendamente como pareja, entre la amistad, la muerte y el disparate.

 

El problema es que llegaba a Wild Horse Nine después de oír maravillas tras su paso por Venecia. Esperaba muchísimo.

 

Y me ha decepcionado un poquito.

 

La película está muy bien, los diálogos son inteligentes, el paisaje de la Isla de Pascua está magníficamente aprovechado y el tono entre thriller, drama y comedia funciona.

 

Además, McDonagh no banaliza la tragedia chilena. Bajo las bromas permanece la gravedad del golpe de Estado y una mirada muy crítica hacia el poder y las intervenciones de la CIA durante aquellos años.

 

Una película muy buena.

 

Quizá el problema haya sido esperar una obra maestra.

 

 

McDonagh, otra vez entre amigos y asesinos

 

Martin McDonagh vuelve a mezclar humor negro, violencia, amistad masculina y personajes enfrentados a la muerte, elementos presentes en Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin.

 

Wild Horse Nine se presentó a competición en la 83.ª Mostra de Venecia y llega a San Sebastián dentro de Perlak.

 

La producción es de Blueprint Pictures y la distribución española corresponde a The Walt Disney Company Iberia.

 

Su estreno comercial en España está anunciado para el 13 de noviembre de 2026.

 

Mi puntuación: 7,67/10.

Fotograma de Wild Horse Nine

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Wild Horse Nine

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El debut – The Debut – 2026 – Jesse Eisenberg – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

25/09/2026

 

 

 

 

 

 

Cartel de The Debut (El debut), de Jesse Eisenberg

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ha nacido una estrella

 

El debut es cine musical y es teatro dentro del cine. Dos cosas que, cuando funcionan, me ganan con bastante facilidad.

 

Julianne Moore está colosal. Pero colosal hasta límites insospechados.

 

Interpreta a Mona Friedman, una tímida ama de casa que, después de muchísimos años sin cantar, consigue un pequeño papel en una comedia musical de teatro comunitario.

 

Allí se encuentra con Jerry, el autoritario director interpretado estupendamente por Paul Giamatti, que la empuja a descubrir qué significa realmente interpretar.

 

Y ahí está lo mejor de la película.

 

El debut habla de cómo un actor se introduce en un personaje, hasta dónde debe llegar y dónde termina la persona y empieza la interpretación.

 

Mona se va transformando ante nuestros ojos mientras descubre el escenario, el método y, sobre todo, el placer de actuar.

 

Jesse Eisenberg construye una comedia musical deliciosa, con comedia negra, drama y bastante mala leche. El guion funciona de maravilla y la música engrandece continuamente la narración.

 

Además, Eisenberg se reserva un pequeño papel, pero tiene la inteligencia de dejar el escenario a Julianne Moore y Paul Giamatti.

 

El musical es mi género favorito y nunca he entendido esa alergia que algunos espectadores sienten cuando un personaje empieza a cantar.

 

Ellos se lo pierden. Cuantan con mi desprecio absoluto.

 

A mí El debut me ha fascinado y me ha emocionado. Y Julianne Moore está sencillamente descomunal.

 

Todos queremos alguna vez sentir al público aplaudiendo.

 

 

Después de bajar el telón

 

El debut es el tercer largometraje dirigido por Jesse Eisenberg, después de Cuando termines de salvar el mundo y A Real Pain.

 

También firma el guion, participa como actor y figura entre los productores junto a Emma Stone, Dave McCary y Ali Herting.

 

La película está producida por A24, Fruit Tree, Topic Studios y Rego Park.

 

En España la distribución corresponde a Wanda Visión.

 

Ha pasado por Toronto antes de competir en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

 

Su estreno comercial estadounidense está anunciado para el 11 de diciembre de 2026.

 

A día de hoy, es mi candidata para el Premio Feroz Cinemaldia en Donosti.

 

Mi puntuación: 10/10.

 

Julianne Moore en un fotograma de The Debut (El debut)

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

Paul Giamatti y Julianne Moore en un fotograma de The Debut (El debut)

 

 

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Milo – 7:40 ce matin-là – 2026 – Nicole García – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

25/09/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El secreto que tarda demasiado en dejar de serlo

 

7h40 ce matin-là / Milo está construida desde el punto de vista de Alice, interpretada por una estupenda Marion Cotillard.

 

Llega a una tranquila ciudad de provincias de la Francia profunda y se instala allí con una intención que la película va desvelando poco a poco.

 

Pronto sospechamos que todo tiene que ver con Milo, un joven mecánico interpretado por Théodore Pellerin. Existe entre ambos un vínculo que él desconoce y que la narración se empeña en mantener oculto.

 

El principal atractivo de la película es Marion Cotillard, que realiza un trabajo magnífico y sostiene buena parte de la historia. Está bien acompañada por Laure Calamy, Artus y Théodore Pellerin, todos muy solventes.

 

El problema es que la película da demasiadas vueltas alrededor de la misma idea, intentando mantener un suspense sobre esa relación que el espectador ya tiene bastante encarrilada.

 

Curiosamente, cuando finalmente llega el momento de descubrir la verdad, Nicole Garcia evita convertirlo en la gran escena sentimental que cabría esperar.

Y hace bien.

 

Esa contención consigue que la resolución funcione mejor que buena parte del camino recorrido hasta llegar a ella.

 

Una película que está bien, sostenida sobre todo por Marion Cotillard, pero que tarda demasiado en contarnos un secreto que ya habíamos empezado a adivinar.

 

 

Detrás de Milo

 

Nicole Garcia es una actriz, guionista y directora francesa con una larga trayectoria detrás de la cámara.

 

Entre sus películas destacan Place Vendôme, El adversario (L’Adversaire), Un balcón al mar y El sueño de Gabrielle (Mal de pierres).

 

Precisamente en El sueño de Gabrielle ya había dirigido a Marion Cotillard.

 

Ahora vuelven a trabajar juntas en 7h40 ce matin-là / Milo, presentada a concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián 2026.

 

Mi puntuación: 6,57/10.

 

Marion Cotillard y Théodore Pellerin en 7h40 ce matin-là / Milo

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Marion Cotillard y Théodore Pellerin durante el rodaje de 7h40 ce matin-là / Milo

 

 

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Josephine – 2026 – Beth de Araújo – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

25/09/2026

Cartel de Josephine

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuando la infancia deja de ser un lugar seguro

 

Josephine es una película tremenda y cruel.

 

Difícil de digerir. Te pone un nudo en la garganta, te perturba y, directamente, te acojona.

 

La premisa ya resulta demoledora. Josephine, una niña de ocho años, presencia accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco.

 

A partir de ahí asistimos a las consecuencias psicológicas sobre la pequeña y al proceso judicial que se pone en marcha.

 

Pero la película va mucho más allá del delito y del juicio. Plantea un dilema terrible para sus padres: ¿hay que colaborar hasta el final para que el violador termine en la cárcel o conviene intentar apartarse, parar y olvidar?

 

¿Hay que hablar de lo sucedido o intentar silenciarlo?

 

La respuesta no es sencilla y el trauma termina afectando también a la relación de los padres, interpretados estupendamente por Channing Tatum y Gemma Chan.

 

Pero quien merece una mención especial es Mason Reeves.

Está sensacional.

Sobre ella recae buena parte del peso de una película que observa el delito, la justicia y, sobre todo, la desconcertante percepción infantil de una realidad que ningún niño debería tener que comprender.

 

Josephine es estupenda. Colosal.

 

Muy recomendable.

 

Aunque cuesta digerirla.

 

 

Detrás de Josephine

 

Beth de Araújo es una cineasta estadounidense nacida y criada en San Francisco.

 

Debutó en el largometraje con Soft & Quiet, presentada en el Festival SXSW de 2022.

 

Josephine, su segundo largometraje, tuvo su estreno mundial en Sundance 2026, donde consiguió el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público de la competición U.S. Dramatic.

 

La película participa en Perlak del Festival de San Sebastián 2026 y su distribución en España corresponde a A Contracorriente Films.

 

Mi puntuación: 9,68/10.

Fotograma de Josephine

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Josephine

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All of a Sudden – Soudain – De repente – 2026 – Ryusuke Hamaguchi – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

25/09/2026

Cartel de All of a Sudden – Soudain

Cutrecomentario de Ramón:

 

Humanidad con letra pequeña

 

De repente tiene como centro a dos mujeres y la amistad que surge entre ellas.

 

Marie-Lou, interpretada magníficamente por Virginie Efira, dirige una residencia de ancianos e intenta implantar la Humanitude, una filosofía de cuidados basada en escuchar, respetar y tratar al residente como una persona con toda su dignidad.

 

La otra protagonista es Mari, una directora teatral japonesa interpretada por Tao Okamoto, enferma de cáncer. Su obra gira alrededor de una idea sencilla y poderosa: lo imposible es imposible hasta que deja de serlo.

 

Entre ambas surge una amistad inmensa y una colaboración que sirve a Ryûsuke Hamaguchi para hablar de la enfermedad, la vejez, la amistad, la humanidad y también del capitalismo y la democracia.

 

Y esto último no precisamente de manera sutil. Hay lecciones con pizarra incluida.

 

La película tiene buenas intenciones, está muy bien narrada y, pese a sus 196 minutos, se soporta estupendamente. Tres horas y cuarto que se ven con mucho agrado.

 

Mi problema está en que Hamaguchi ofrece una visión demasiado complaciente de la realidad de esa residencia.

 

Las auxiliares reclaman una subida salarial del 4% que no se les concede. Y son precisamente ellas quienes cargan con el trabajo más duro: asear a los residentes, cambiar pañales, ducharlos, vestirlos, hacer las camas y ayudarles a comer.

 

Ese trabajo cotidiano, físico y bastante menos fotogénico, prácticamente desaparece mientras la película presta mucha más atención a las actividades terapéuticas y sociales.

 

La Humanitude queda estupenda en una pizarra. Limpiar culos ya sale menos en el encuadre.

 

Aun con esa contradicción, De repente me parece una gran película, tanto por su formato como por su contenido.

 

Habla de amistad, enfermedad, dignidad, capitalismo y de cómo tratamos a los demás cuando más necesitan ser tratados como personas.

 

 

Después de los títulos de crédito

 

Ryûsuke Hamaguchi es uno de los cineastas japoneses contemporáneos con mayor reconocimiento internacional.

 

Entre sus películas destacan Happy Hour, La ruleta de la fortuna y la fantasía, Drive My Car y El mal no existe.

 

De repente se presentó en competición en Cannes 2026, donde Virginie Efira y Tao Okamoto compartieron el Premio a la Mejor Actriz.

 

La película es una coproducción de Francia, Japón, Alemania y Bélgica.

 

En España la distribuye Caramel Films, con estreno en cines anunciado para el 19 de febrero de 2027.

 

Mi puntuación: 8,68/10.

Fotograma de All of a Sudden – Soudain

Ficha: En este enlace.

Fotograma de All of a Sudden – Soudain

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Saints – Sants – 2026 – Mikel Gurrea – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

25/09/2026

Cartel de Saints – Sants

Cutrecomentario de Ramón:

 

Tres actrices buscando una película

 

Sants tiene tres pilares: Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramon.

Y son tres pilares estupendos.

 

Victoria Luengo interpreta a Lali, una delincuente de pequeños trapicheos que termina entrando en una banda dedicada al robo de arte sacro.

 

Luengo vuelve a demostrar que es una actriz magnífica y que la cámara la quiere. Domina especialmente el primer plano, aunque aquí me parece que está un poquito sobreactuada. Tanto cuando está triste como cuando está contenta, hay cierto exceso de dramatización.

 

En su camino aparece Eulàlia Ramon, vinculada a ese mundo del robo de obras religiosas, mientras Ariadna Gil interpreta a su madre, cuya enfermedad terminal condiciona buena parte de la historia.

 

Las tres forman un trío formidable.

 

Y gracias a ellas la película se sostiene.

 

El problema está en Mikel Gurrea, que no termina de encontrar el camino.

 

No sabemos muy bien si estamos ante un drama familiar, una película de atracos o un estudio sobre la personalidad de Lali.

 

Sants va probando caminos, pero no termina de decidir por cuál quiere avanzar.

 

Y en esa indecisión se desorienta.

 

Tampoco ayuda que resulte difícil empatizar con sus personajes. A mí lo de robar obras de arte me parece bastante detestable.

 

Aunque, como decía un amigo mío, se lo roban a la Iglesia.

 

 

Alerta: spoilers

 

El final me chirría especialmente.

 

Me parece tan tópico y previsible que llega a producirme cierta vergüenza ajena.

 

Una película que podría haber estado muy bien y que cuenta con tres interpretaciones excelentes, pero que termina hundiéndose en su falta de claridad, de coordinación y de objetivos.

 

Tres grandes actrices buscando una película.

 

Y no terminan de encontrarla.

 

 

Después de los santos

 

Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) debutó en el largometraje con Suro (2022), también protagonizada por Victoria Luengo.

 

Aquella película compitió en la Sección Oficial de San Sebastián y obtuvo el Premio Irizar al Cine Vasco y el Premio FIPRESCI.

 

Gurrea regresa ahora a la competición donostiarra con su segundo largometraje, Sants.

 

Sants es una coproducción de España e Italia, dura 103 minutos y está protagonizada por Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramon.

 

La producción principal corresponde a Nocturna Pictures y la distribución española a Elastica Films.

 

Mi puntuación: 5,47/10.

Fotograma de Saints – Sants

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Saints – Sants

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Más allá de la sociedad (Miniserie Documental) – Beyond Society – 2026 – Carlos Torres – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

24/09/2026

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Más allá de la sociedad: todavía queda nieve que exprimir

 

Soy de las pocas personas del mundo a las que La sociedad de la nieve les pareció un coñazo.

 

Innecesaria, aburrida y mal construida.

 

Tampoco soy precisamente un gran admirador de Juan Antonio Bayona, así que entré a ver Más allá de la sociedad sin saber muy bien qué me esperaba. Mi propósito en el Festival era sencillo: verlo todo de la Sección Oficial.

 

Y allá que fui.

 

La miniserie documental, dirigida por Carlos Torres, consta de tres episodios y pretende contar qué ocurrió después del rescate: con los supervivientes, con las familias de quienes murieron y con una tragedia que terminó convertida en un gigantesco fenómeno mediático.

 

Porque desde entonces hemos tenido libros, entrevistas, documentales, Viven, testimonios de los supervivientes, nuevos libros y, finalmente, La sociedad de la nieve.

 

Y ahora esto.

 

Tengo la sensación de que esta historia se lleva exprimiendo comercialmente más de medio siglo y todavía queda nieve que exprimir.

 

Uno de los elementos que siempre ha alimentado el interés morboso por el accidente es, inevitablemente, el canibalismo.

 

El documental recupera algunas de aquellas entrevistas televisivas en las que los supervivientes tuvieron que enfrentarse a preguntas verdaderamente incómodas sobre qué y a quién habían comido.

 

Ahí está, para mí, buena parte de esa pornografía de la supervivencia que rodea desde hace décadas esta historia.

 

El documental recupera una entrevista de José María Íñigo en Televisión Española. Cuando pregunta a uno de los supervivientes cuál había sido la pregunta más incómoda que le habían hecho, la respuesta resulta demoledora: la que planteaba si había tenido que comerse a su madre y a su hermana.

 

Ese momento resume perfectamente el calibre del morbo que ha acompañado esta historia durante décadas.

 

No hace falta explicar mucho más. Ahí está condensada buena parte de lo que me incomoda de esta explotación interminable de la tragedia y de lo que considero una auténtica pornografía de la supervivencia.

 

Pero lo que termina de rematarme es el tramo dedicado a La sociedad de la nieve.

 

El documental se convierte entonces parcialmente en un making of y termina con supervivientes y familiares emocionados y agradecidos a Juan Antonio Bayona por su película.

 

A mí ese final me parece directamente un publirreportaje de homenaje a Bayona.

 

Entré en la sala sin saber qué iba a ver. Dos chicas muy simpáticas me explicaron antes de empezar de qué trataba y ya me temí lo peor.

 

Mi horror fue aumentando durante la proyección.

 

Y culminó con ese homenaje final.

 

No me arrepiento de haberla visto. Al contrario. Había que verla para poder criticarla.

 

Pero conmigo que no cuenten para la próxima vuelta de tuerca.

 

La sociedad de la nieve parece inagotable. Sobre todo mientras siga quedando nieve que exprimir.

 

 

Después de la nieve

 

Más allá de la sociedad está creada por J. A. Bayona y Carlos Torres, escrita y dirigida por este último.

 

Es una producción española de Monte Seler para Netflix, dividida en tres episodios y con una duración conjunta de 153 minutos.

 

Se ha presentado en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de la Sección Oficial como Proyección Especial fuera de concurso.

 

Netflix tiene previsto estrenarla mundialmente el 18 de diciembre de 2026.

 

La serie reúne a supervivientes y familiares de los fallecidos y cuenta también con Piers Paul Read, autor de Viven; Pablo Vierci, autor de La sociedad de la nieve; Frank Marshall, director de Viven, y el propio J. A. Bayona.

 

Mi puntuación: Cero patatero/10.

 

Fotograma de Más allá de la sociedad – Beyond Society

Ficha: En este enlace.

Fotograma de Más allá de la sociedad – Beyond Society

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Growth of the Soil – Markens grøde – 2026 – Hans Petter Moland – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

24/09/2026

Cartel de Growth of the Soil – Markens grøde

 

Cutrecomentario de Ramón

 

La casa de la pradera sin ñoñerías

 

Un hombre aparece en un lugar perdido de las montañas noruegas dispuesto a quedarse allí y vivir de la tierra.

 

Se llama Isak y conoce a Inger, una muchacha con labio leporino. Entre los dos surge el amor, forman una familia y, poco a poco, van construyendo un hogar.

 

Growth of the Soil es algo así como La casa de la pradera, pero sin ñoñerías.

 

La película plantea que la civilización, las reglas sociales y el progreso no producen necesariamente felicidad. Tener más cosas, más dinero o más tecnología no significa vivir mejor.

 

Para Isak, de hecho, muchas mejoras suponen un retroceso.

 

Pero también hay en él una masculinidad herida. Se considera el cabeza de familia y pretende seguir siéndolo cuando descubre que su mujer y sus hijos son más listos, saben más y pueden desenvolverse mejor que él.

 

Isak se queda atrapado entre su machismo y un progreso que termina pasándole por encima.

 

Hay una escena estupenda cuando visita la mina, contempla el destrozo y pregunta con absoluta ingenuidad cómo van a dejar aquello después como estaba.

 

No, Isak. Nunca volverá a estar como estaba.

 

La película tiene una fotografía excepcional, un color maravilloso y una música magnífica. Los personajes están estupendamente interpretados y construidos.

 

Y los diálogos están medidos al milímetro.

Se habla poco.

Lo justo.

Lo necesario.

 

Eso también es cine.

 

Para mí, Growth of the Soil es cine de calidad y, a falta todavía de unas cuantas películas por ver, una seria candidata a la Concha de Oro.

 

 

Después de trabajar la tierra

 

El noruego Hans Petter Moland adapta la novela Markens grøde, publicada por Knut Hamsun en 1917.

 

La película está protagonizada por Herbert Nordrum y Asta Kamma August y es una coproducción de Noruega, Dinamarca y Alemania.

 

Moland cuenta en su filmografía con títulos como Aberdeen, Uno tras otro (In Order of Disappearance), Un hombre bastante bueno y Salir a robar caballos.

 

La película tuvo su estreno mundial en Toronto y llega a San Sebastián en competición oficial; además, ha sido elegida por Noruega para competir por la nominación al Óscar a mejor película internacional.

 

En España figura como distribuidora A Contracorriente Films.

 

Mi puntuación: 9,77/10.

 

Fotograma de Growth of the Soil – Markens grøde

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Bian jing (Border) – 2026 – Ah Biao – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

24/09/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La frontera de la paciencia

 

Hay dos cosas que me molestan muchísimo de Bian jing (Border).

 

La primera es el hieratismo de los personajes. Rostros inmóviles, inexpresivos, incapaces de transmitir prácticamente ningún sentimiento.

 

La segunda es la cochambre que lo invade todo.

 

Las casas, las calles, los coches, los lugares… Todo resulta cochambroso, sucio y desagradable. Desde luego, esta película no parece la mejor campaña de promoción turística para esa zona de China.

 

El argumento, sobre el papel, podría tener cierto interés: un joven minero que vive en un pueblo fronterizo conoce a una misteriosa muchacha y termina adentrándose en terrenos bastante oscuros.

 

Eso cuenta la sinopsis.

 

La película consigue algo mucho más difícil: que 78 minutos parezcan inmensos.

 

La sensación es que la historia no avanza, que los personajes no expresan nada y que el espectador espera pacientemente que ocurra algo que justifique semejante travesía.

 

Y no llega.

 

Los festivales internacionales buscan lógicamente cinematografías y sensibilidades muy diversas. Eso permite descubrir auténticas joyas, pero también provoca que de vez en cuando uno termine sentado delante de películas procedentes de cinematografías menos conocidas que resultan absolutamente ingobernables.

 

Para mí, Bian jing (Border) es una de ellas.

 

78 minutos en la frontera de la paciencia.

 

 

Está bien que sepamos…

 

Ah Biao, nacido en Shanxi (China) en 1990 y afincado en Bangkok, trabaja como director, guionista y director de fotografía.

 

Bian jing (Border) es su primer largometraje y compite en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.

 

En la película asume además el guion, la fotografía y parte del montaje.

 

La producción está oficialmente atribuida a Hong Kong, Estados Unidos y Corea del Sur, aunque entre las compañías coproductoras figura también la japonesa Yangtze Visual Culture.

 

Tiene una duración de 78 minutos y está rodada en mandarín y mongol.

 

Mi puntuación: Cero patatero/10.

 

Fotograma de Bian jing / Border

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

Fotograma de Bian jing / Border

 

 

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Cobarde – Coward – 2026 – Lukas Dhont – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

24/09/2026

Cartel de Cobarde – Coward

Cutrecomentario de Ramón:

 

Amor en tiempos de guerra

 

Cobarde (Coward) nos lleva a las trincheras de la Primera Guerra Mundial con un grupo de jóvenes reclutas del ejército belga.

 

Entre ellos está Pierre, un muchacho enorme que descubre, detrás del frente, a Francis y a un grupo que organiza espectáculos teatrales para levantar la moral de las tropas. Entre ambos surge una relación amorosa que para Pierre no deja de resultar conflictiva.

 

Lukas Dhont retrata la guerra como una maquinaria perfectamente organizada para triturar personas.

 

Los soldados sirven para combatir, transportar munición, recoger heridos o cargar cadáveres. Mano de obra barata para alimentar una carnicería.

 

Cobarde es cruda y cruel cuando muestra los cuerpos, el dolor y la muerte.

 

Pero, en medio de tanta barbarie, aparece el amor. Ese pequeño refugio de romanticismo que permite a sus protagonistas escapar, aunque solo sea durante unos instantes, del horror que los rodea.

 

Amor en tiempos de guerra. Y poco sitio peor para enamorarse que una trinchera.

 

 

Después de las trincheras

 

El belga Lukas Dhont vuelve a colocar en el centro de su cine la identidad, la masculinidad y los afectos.

 

Tras Girl y Close, Cobarde es su tercer largometraje.

 

La película compitió en el Festival de Cannes de 2026, donde Emmanuel Macchia y Valentin Campagne recibieron ex aequo el premio a la mejor interpretación masculina.

 

En San Sebastián forma parte de Perlak y del ciclo «50 años de libertad».

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Fotograma de Cobarde – Coward

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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No quiero tener razón…

23/09/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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En el corazón de la bestia – Heart of the Beast – 2026 – David Ayer – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

23/09/2026

Cartel de En el corazón de la bestia – Heart of the Beast

Cutrecomentario de Ramón:

 

Rambo con perrico

 

Había visto varias veces el tráiler de En el corazón de la bestia antes de proyecciones comerciales.

 

Y el problema es que el tráiler te cuenta prácticamente todo, pero sin el prácticamente. Las escenas interesantes, los peligros, la aventura… Cuando empieza la película, buena parte de las sorpresas ya te las han destripado.

 

En el corazón de la bestia es una película tramposa, rutinaria y bastante belicista.

 

También se apunta al cine de perricos, tan de moda en una sociedad en la que las mascotas han adquirido un protagonismo enorme.

 

Ya tuvimos a Richard Gere llorando con Hachiko en Siempre a tu lado (Hachiko). El perro tiene incluso su famosa estatua en Japón, desgastada de tanto acariciarla.

A lo mejor Hachiko no, pero la estatua sí.

 

Aquí Brad Pitt interpreta a James Belmont, un veterano de las Fuerzas Especiales que, después de un accidente aéreo, tiene que atravesar la naturaleza salvaje de Alaska acompañado de Odín, su antiguo perro de combate.

 

Y el pobre Odín también tiene lo suyo: está mutilado, arrastra sus propios traumas de guerra y hasta tiene pesadillas.

 

La película convierte al soldado y al perro en víctimas y héroes, sin cuestionar prácticamente nada del mundo militar del que proceden. Es un homenaje al veterano y, sobre todo, al perrete.

 

Visualmente no hay demasiadas pegas.

 

Las imágenes aéreas y los grandes paisajes son espectaculares. Por momentos parece que National Geographic se ha puesto a rodar una película de supervivencia con Brad Pitt.

 

Pero la historia avanza por caminos demasiado conocidos.

 

Todo está donde esperas que esté.

 

Y casi todo lo has visto ya en el tráiler.

 

 

Alerta: spoilers

 

Y encima Brad Pitt muere.

 

Hombre, por favor. No hay derecho. Matar a mi Brad.

 

Eso sí, una recomendación importante: nunca le digas «muerde» a uno de estos perros.

 

Porque se puede liar la de Dios es Cristo.

 

El perrico no es tan buenecico.

 

 

Después de los títulos de crédito

 

David Ayer es un director y guionista estadounidense especialmente vinculado al cine policiaco, militar y de acción.

 

Escribió Training Day y ha dirigido títulos como Sin tregua (End of Watch), Corazones de acero (Fury), Escuadrón Suicida y Beekeeper: El protector.

 

En En el corazón de la bestia vuelve a trabajar con Brad Pitt, al que ya dirigió en Corazones de acero.

 

La película tiene guion de Cameron Alexander, dura 101 minutos y participa fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

 

En España la distribuye Paramount Pictures Spain y su estreno comercial está previsto para el 25 de septiembre de 2026.

 

Mi puntuación: 3,65/10.

 

Fotograma de En el corazón de la bestia – Heart of the Beast

Ficha: En este enlace.

Fotograma de En el corazón de la bestia – Heart of the Beast

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What Remains – Artakalan – 2026 – Yesim Ustaoglu – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

23/09/2026

 

 

 

 

 

 

What Remains (Artakalan), de Yeşim Ustaoğlu

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La elipsis de cuarenta minutos

 

Tengo varios amigos que se salieron de la proyección, hastiados por una narración lenta que, según ellos, no llevaba a ninguna parte.

 

Yo, en cambio, disfruté de What Remains (Artakalan).

 

También es verdad que jugué con ventaja.

 

Vi el principio, entré en la narración… y me dormí durante unos cuarenta minutos.

 

Al comienzo conocemos a una pareja que vive en Estambul. Ella es poeta y atraviesa una crisis creativa. Él es músico e investigador musical. Ninguno parece demasiado satisfecho con la vida que lleva.

 

Y ahí me dormí.

 

Cuando desperté, cada uno viajaba por su lado.

 

Él va a visitar a su padre y se encuentra con una vivienda infecta que tiene que arreglar.

 

Ella emprende su propio viaje en coche y sufre un accidente después de padecer una migraña con aura visual.

 

A partir de ahí, la película desarrolla dos viajes paralelos, dos pequeñas road movies, en las que marido y mujer van encontrando, cada uno por separado, su propio camino.

 

Lo que vi me gustó.

 

El comienzo me pareció un planteamiento interesante y la parte final está narrada con mucha calma, con estupendos paisajes y, sobre todo, con calidez hacia sus personajes.

 

Comprendo perfectamente que su ritmo pueda desesperar a algunos espectadores. A mí me funcionó.

 

Aunque tal vez mi versión tenga una ventaja sobre la de Yeşim Ustaoğlu: dura cuarenta minutos menos.

 

Mis disculpas a la directora, productores y demás intervinientes.

 

Pero creo que mi montaje mejora la película.

 

 

Después de mi siesta

 

La cineasta turca Yeşim Ustaoğlu vuelve a competir en San Sebastián con What Remains (Artakalan), coproducción de Turquía, Francia, Luxemburgo y Bulgaria protagonizada por Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul e İlyas Salman.

 

Ustaoğlu posee una importante trayectoria en el cine turco contemporáneo, con títulos como Viaje hacia el sol (Journey to the Sun), Waiting for the Clouds, Pandora’s Box y Clair Obscur.

 

Su relación con San Sebastián es especialmente destacada: Pandora’s Box obtuvo la Concha de Oro en 2008 y Tsilla Chelton recibió, ex aequo, la Concha de Plata a la mejor actriz.

 

What Remains tiene su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.

 

El Festival fija su duración en 126 minutos.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Rodaje de What Remains (Artakalan), de Yeşim Ustaoğlu

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

Yeşim Ustaoğlu durante el rodaje de What Remains (Artakalan)

 

 

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The Last Goodbye – Azken agurra (Último adiós) – 2026 – Koldo Almandoz – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial – Proyecciones Especiales, fuera de concurso – Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

23/09/2026

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Un torpe constitucional entre ataúdes

 

Azken agurra basa buena parte de su comicidad en el patetismo de su protagonista, Tomás.

 

Llega tarde a las citas con su hija. Está separado. Tiene una empresa de funerales laicos que descuida hasta el punto de llegar tarde a los propios actos que organiza.

 

Come entremeses fritos y después callos. Bebe. Fuma continuamente. No se cuida absolutamente nada.

 

Y, por si faltaba algo, anda metido en un lío de blanqueo de capitales.

 

Un desastre absoluto.

 

La película construye alrededor de este personaje un humor absurdo y bastante incómodo. No es mala persona, pero es incapaz de hacer las cosas a derechas y parece carecer de cualquier filtro para manejar sus sentimientos.

 

Un torpe constitucional.

 

Algo de luz entra en su vida con la llegada de una joven estudiante en prácticas a su empresa. Una «colaboradora», como prefiere llamarla él.

 

A mí la película no me ha desagradado. Ese patetismo del personaje me funciona y precisamente esa incomodidad que provoca su comportamiento termina teniendo su gracia.

 

El problema es que todo gira alrededor de Tomás. Los personajes secundarios quedan mucho menos desarrollados, incluida su joven colaboradora, que podría haber tenido bastante más peso.

 

No hay demasiado donde agarrarse fuera de él.

 

Pero él da para bastante.

 

Koldo Almandoz y su cine

 

El donostiarra Koldo Almandoz (1973) lleva décadas vinculado al cortometraje, el documental y el cine de autor. Entre sus largometrajes destacan Sîpo Phantasma (2016) y Oreina (Ciervo) (2018), además de trabajos televisivos como Hondar ahoak y Zeru ahoak.

 

Azken agurra es su tercer largometraje y está escrito y dirigido por él.

 

Rodado íntegramente en euskera, está protagonizado por Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto y producido por Txintxua Films y Garabi Films.

 

La película se presenta en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial, fuera de concurso, aunque participa en el Premio Irizar al Cine Vasco.

 

Mi puntuación: 6,44/10.

 

Fotograma de The Last Goodbye – Azken agurra

 

Ficha: En este enlace.

 

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Tender Loving Care – 2026 – Mike Leigh – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

23/09/2026

Cartel de Tender Loving Care

Cutrecomentario de Ramón:

 

Dos amigas y ningún derecho a roce

 

Tender Loving Care es una película sencilla. Muy sencilla.

 

Mike Leigh nos presenta a dos amigas, Amy y Rosie, trabajadoras sociales, que vuelven a convivir después de que sus respectivas relaciones sentimentales no hayan terminado demasiado bien.

 

La película observa su vida cotidiana, su amistad y la relación de Amy con sus padres. El conflicto aparece cuando el padre comienza a sufrir un deterioro y llega esa etapa inevitable en muchas familias: la de los cuidados.

 

Todo se construye con pocos escenarios y muchísimos diálogos. El trabajo de ambas como trabajadoras sociales queda casi como una anécdota dentro de la narración.

 

Y aquí tengo mi problema: tanto diálogo termina por cansarme.

 

Me gusta, en cambio, la naturalidad con la que Leigh retrata la amistad entre estas dos mujeres. En estos tiempos parece que dos amigas que se quieren, conviven y se apoyan tengan que mantener necesariamente una relación amorosa.

 

Pues no.

 

También existe la amistad.

 

Una película pequeñita, amable y encantadora, con dos estupendos personajes femeninos y una mirada muy cariñosa hacia eso tan poco cinematográfico y tan importante que es cuidar a los demás.

 

 

Después de los títulos de crédito

 

Mike Leigh es uno de los grandes nombres del cine británico contemporáneo, especializado precisamente en convertir vidas aparentemente corrientes en materia cinematográfica.

 

Entre sus títulos fundamentales están Naked, Secretos y mentiras, El secreto de Vera Drake, Another Year y Mr. Turner.

 

El British Film Institute (Instituto Británico de Cine) destaca precisamente esa combinación tan característica de comedia, tragedia y observación de la vida cotidiana.

 

Tender Loving Care es una producción británica de 107 minutos, escrita y dirigida por Mike Leigh, protagonizada por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson.

 

Compite en la Sección Oficial del 74 Festival de San Sebastián. Festival de San Sebastián

 

Dato importante: Secretos y mentiras ganó la Palma de Oro de Cannes en 1996 y El secreto de Vera Drake el León de Oro de Venecia en 2004.

 

Mi puntuación: 6,67/10.

Fotograma de Tender Loving Care

Ficha: En este enlace.

 

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La invitación. – The Invite – 2026 – Olivia Wilde – Donostia Zinemaldia – Perlak Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

22/09/2026

Cartel de La invitación - The Invite

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La misma cena, pero recalentada

 

He releído la crítica que escribí en 2020 sobre Sentimental, de Cesc Gay, y la conclusión resulta inevitable: aquella película me entusiasmó bastante más que esta nueva versión estadounidense.

 

La invitación no está mal.

 

Es una película muy teatral, construida principalmente con cuatro actores, un salón y una conversación que comienza con educación y termina levantando las alfombras del matrimonio.

 

Seth Rogen y Olivia Wilde forman una pareja sumida en la rutina, el silencio y una crisis que llevan tiempo disimulando.

 

La llegada de sus vecinos, interpretados por Penélope Cruz y Edward Norton, introduce una relación aparentemente más feliz, sexualmente más libre y bastante menos preocupada por los convencionalismos sociales.

 

Esa pareja funciona como un espejo.

 

Su complicidad deja al descubierto las frustraciones, los reproches y la falta de comunicación de los protagonistas.

 

Los diálogos son divertidos, los actores están estupendos y la película mantiene un buen ritmo.

 

Todo funciona. Pero no termina de entusiasmar.

 

Tal vez sea porque Alberto San Juan y Javier Cámara estaban extraordinarios en Sentimental.

 

Incluso mejores que Edward Norton y Seth Rogen.

 

Sí, lo he dicho. Ya pueden ir retirándome el pasaporte hollywoodiense que nunca tuve.

 

El problema no es que una obra teatral llegue al cine.

 

Hay películas magníficas nacidas sobre un escenario.

 

El problema aparece cuando la adaptación no consigue desprenderse del todo de su naturaleza teatral.

 

Aquí Olivia Wilde mueve la cámara, sostiene el ritmo y dirige bien a sus intérpretes, pero la película nunca termina de levantar el vuelo.

 

Y es inevitable compararla con Sentimental, adaptación de la obra Los vecinos de arriba.

 

La película de Cesc Gay tenía una acidez, una naturalidad y una capacidad para incomodar que esta versión más pulida no alcanza.

 

Por cierto, Penélope Cruz, aunque le saque casi diez años a Olivia Wilde, está muchísimo mejor en pantalla.

 

La cámara no pide el DNI: se limita a reconocer la presencia.

 

Una película entretenida, bien interpretada y con buenos diálogos, pero que llega después de que ya nos hubieran servido esta misma cena con bastante más sabor.

 

 

Sobre Olivia Wilde

 

Olivia Wilde afronta con La invitación su tercer largometraje como directora, después de Súper empollonas (Booksmart, 2019) y No te preocupes querida (Don’t Worry Darling, 2022).

 

Súper empollonas obtuvo el Independent Spirit a la mejor ópera prima, mientras que No te preocupes querida también pasó por Perlak, en 2022.

 

La invitación, presentada previamente en Sundance 2026, supone su regreso al Festival de San Sebastián como directora y protagonista.

 

El guion es de Will McCormack y Rashida Jones y adapta la obra Los vecinos de arriba, de Cesc Gay, llevada por el propio autor al cine en Sentimental.

 

Mi puntuación: 6,77/10.

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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El mal padre – 2026 – Roberto Bueso – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

22/09/2026

Cartel de El mal padre

Cutrecomentario de Ramón:

 

De padres ausentes y cuentas pendientes

 

El mal padre es un drama familiar con toques de comedia que tiene su gran centro de gravedad en Eduard Fernández. Está estupendo.

 

Interpreta a Santiago Balmes, un escritor, catedrático y académico al que han diagnosticado una demencia vascular y que está convencido de que va a morir pronto. Eso sí, sigue fumando como si la cosa no fuera con él.

 

Es un hombre culto, viejo comunista y, sobre todo, profundamente egocéntrico.

 

Él mismo reconoce que no ha sido un buen padre. Lo que le interesaba era leer, follar y viajar. Los hijos, bastante menos.

 

Para mí representa muy bien a tantos hombres de mi generación que delegaron en la madre la educación, los cuidados y el cariño. Ellos trabajaban, pagaban los estudios, mantenían la casa y consideraban cumplida su función.

 

Cariño, comunicación y educación eran otro departamento.

 

La película reúne a este padre con sus tres hijos y aprovecha el encuentro para ajustar cuentas. Ellos crecieron sin encontrar en él el referente que necesitaban y ahora cargan con las consecuencias.

 

Hay buenos momentos, algunos divertidos y otros que pretenden tocar la fibra. A algún espectador sensible lo conseguirán emocionar.

A mí no.

 

El gran problema es que El mal padre resulta demasiado teatral. Pocos escenarios, mucha conversación y una estructura que parece dividirse en actos alrededor de la casa familiar.

 

Pero hay escenas que funcionan magníficamente. Sobre todo, el largo diálogo de Eduard Fernández con uno de sus hijos mientras pasean por la playa. Me parece extraordinario.

 

La película merece la pena especialmente por Santiago Balmes y por la interpretación de Eduard Fernández.

 

Pero conviene ponerla en su sitio.

 

Y no valorar más de lo que hay.

 

 

Después de las cuentas pendientes

 

Roberto Bueso es un director y guionista español que debutó en el largometraje con La banda (2019) y posteriormente dirigió Llenos de gracia (2022).

 

El mal padre es su tercer largometraje y vuelve a situar las relaciones familiares en el centro de la historia.

 

La película, de 120 minutos, celebra su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026, donde compite por la Concha de Oro.

 

Está protagonizada por Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril, Meritxell Calvo y Cristina Plazas.

 

Su estreno comercial en España está previsto para el 20 de noviembre de 2026, distribuida por Caramel Films.

 

Mi puntuación: 6,58/10.

Fotograma de El mal padre

Ficha: En este enlace.

 

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Bajañí (Musical) – 2026 – Fernando Trueba – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

22/09/2026

Cartel de Bajañí

Cutrecomentario de Ramón:

 

La guitarra como esperanto

 

Bajañí me ha sorprendido muy gratamente.

 

Esperaba un documental musical de corte clásico: conversaciones, imágenes de conciertos y el personaje central relatando su existencia.

 

Pero Fernando Trueba apuesta por otra cosa.

 

La película se entrega directamente a la música. Niño Josele toca su guitarra y va transitando por el flamenco, el jazz, la música cubana, la música brasileña y la bossa nova.

 

Y, sobre todo, dialoga musicalmente con artistas extraordinarios como Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron o Marisa Monte.

 

La cámara se acerca a los músicos. Observa cómo se toca cada instrumento, cómo se colocan las manos, cómo se miran. Esos gestos de complicidad y, en ocasiones, hasta de cierta displicencia entre artistas que se entienden fundamentalmente tocando.

 

Las actuaciones se van sucediendo prácticamente sin interrupción y componiendo un viaje por estilos musicales diferentes, siempre con la guitarra de Niño Josele como hilo conductor.

 

Fernando Trueba no necesita explicarnos la música.

 

Nos la hace escuchar. Nos la hace sentir.

 

Una película extraordinaria, emotiva y emocionante, que me ha despertado una enorme admiración.

 

 

Trueba y la música

 

Fernando Trueba vuelve con Bajañí a un territorio que conoce especialmente bien: el cine y la música, presentes en películas como Calle 54, El milagro de Candeal o Dispararon al pianista.

 

Bajañí es una producción española de 112 minutos protagonizada por Niño Josele.

 

Su título procede del término caló para designar la guitarra española.

 

La película recorre tres grandes universos musicales: flamenco, jazz y música brasileña.

 

Se presenta en la Sección Oficial del 74 Festival de San Sebastián, dentro de las Proyecciones Especiales fuera de concurso.

 

La producción corresponde a Garajonay A.I.E., Womack Studios y Lolita Films, con producción asociada de Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, y la distribución en España corre a cargo de BTEAM Pictures.

 

Mi puntuación: 8,75/10.

Fotograma de Bajañí

Ficha: En este enlace.

 

 

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In My Father’s Room – Muyou no hito – 2026 – Maha Harada – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

22/09/2026

Cartel de In My Father’s Room – Muyou no hito

Cutrecomentario de Ramón:

 

La llave de un hombre invisible

 

In My Father’s Room (Muyou no hito) es una película muy japonesa. De ritmo lento, parsimonioso, detenida en los pequeños detalles.

 

De esas películas que o te fascinan o te horrorizan.

 

Satomi, tras la muerte de su padre, recibe una misteriosa llave. Gracias a ella comienza a descubrir quién era realmente ese hombre al que, en el fondo, apenas conocía.

 

Un padre despreciado por su mujer, que había ido encadenando trabajillos sin demasiada constancia y que se consideraba poeta. Un poeta de un solo libro.

 

Pero también un hombre enamorado de la ceremonia del té, de las palabras y de la belleza sutil. Una de esas personas que pasan por la vida casi inadvertidas y parecen no dejar ningún poso.

 

Salvo que alguien decida buscarlo.

 

Y eso es precisamente lo que hace Satomi: reconstruir la vida de su padre a través de esas pequeñas huellas que había dejado escondidas.

 

A algunos les horrorizará.

 

A otros los dormirá.

 

A mí me fascina.

 

 

Detrás de la cámara

 

Maha Harada (Tokio, 1962) es una reconocida escritora japonesa, especialmente vinculada al mundo del arte, y trabajó como comisaria antes de dedicarse a la literatura.

 

In My Father’s Room supone su debut como directora de largometrajes y parte de un texto propio.

 

La película, de 109 minutos, está protagonizada por Yu Aoi, Issey Ogata, Eita Nagayama y Eri Watanabe y compite en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.

 

Mi puntuación: 8,66/10.

Fotograma de In My Father’s Room – Muyou no hito

Ficha: En este enlace.

 

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Mis muertos tristes – My Sad Dead – 2026 – Pablo Larraín – Donostia Zinemaldia – Sección Oficial Festival de San Sebastián 2026 – #74SSIFF – @sansebastianfes

22/09/2026

Cartel de Mis muertos tristes – My Sad Dead

Cutrecomentario de Ramón:

 

Los muertos nunca terminan de irse

 

Mis muertos tristes mezcla con bastante habilidad tres géneros: el cine de fantasmas, el drama familiar y el cine social.

 

El personaje central es Ema, interpretada por una inconmensurable Mercedes Morán, una médica que acaba de perder a su madre después de meses cuidándola y de una muerte especialmente dolorosa.

 

Ema regresa a vivir a la casa materna, en Piedrabuena, un barrio conflictivo. Allí recibe a su hermana, su cuñado y su sobrina, que viven en Oregón.

 

Pero Ema tiene una peculiaridad. Desde niña puede ver a los muertos y comunicarse con ellos.

 

A partir de este don, que ni ella misma termina de comprender, vamos reconstruyendo la historia de las dos hermanas y de una familia marcada por una existencia bastante complicada.

 

Pablo Larraín teje con estos mimbres un relato muy bien construido, con una fotografía triste y gris que encaja perfectamente con esa Argentina en la que vivir parece cada vez más difícil.

 

Los servicios básicos fallan. El abastecimiento falla. La atención al ciudadano falla.

 

Y los muertos, en cambio, funcionan estupendamente.

 

La película se mueve entre el drama y un humor muy argentino, irónico y a veces directamente sarcástico.

 

También tiene una evidente vertiente social. Ante la delincuencia aparecen esas soluciones sencillas, expeditivas y absolutamente inútiles que algunos siempre tienen preparadas. Por ejemplo, cortar la cabeza al delincuente y colocarla en un palo delante de casa.

 

Mano de santo.

 

Son 187 minutos, pero la mezcla de géneros, la historia familiar, los fantasmas y esa mirada sobre una sociedad bastante jodida mantienen el interés.

 

Y por encima de todo está Mercedes Morán, extraordinaria.

 

Y me olvidaba de Dolores Fonzi, otra de las grandes actrices argentinas, que está también absolutamente estupenda como esa hija resentida con su madre, marcada por una relación que siempre fue conflictiva.

 

Imperdonable olvidarse de Dolores Fonzi.

 

De lo mejor que hemos visto hasta ahora en el Festival.

 

 

Después de los fantasmas

 

El chileno Pablo Larraín ha construido una filmografía muy personal en títulos como No, El club, Neruda, Jackie, Ema, Spencer, El Conde y María Callas.

 

Mis muertos tristes está basada en relatos de Mariana Enríquez, con guion de Pablo Larraín y Guillermo Calderón.

 

Es una producción argentino-chilena de Fabula para Netflix.

 

Aunque en el Festival de San Sebastián se ha proyectado en competición como una obra de 187 minutos, en realidad es una miniserie de cuatro episodios.

 

Tras su estreno mundial en San Sebastián, Netflix la estrena el 24 de septiembre de 2026.

 

Mi puntuación: 8,89/10.

Fotograma de Mis muertos tristes – My Sad Dead

Ficha: En este enlace.

 

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