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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Había visto varias veces el tráiler de En el corazón de la bestia antes de proyecciones comerciales.
Y el problema es que el tráiler te cuenta prácticamente todo, pero sin el prácticamente. Las escenas interesantes, los peligros, la aventura… Cuando empieza la película, buena parte de las sorpresas ya te las han destripado.
En el corazón de la bestia es una película tramposa, rutinaria y bastante belicista.
También se apunta al cine de perricos, tan de moda en una sociedad en la que las mascotas han adquirido un protagonismo enorme.
Ya tuvimos a Richard Gere llorando con Hachiko en Siempre a tu lado (Hachiko). El perro tiene incluso su famosa estatua en Japón, desgastada de tanto acariciarla.
A lo mejor Hachiko no, pero la estatua sí.
Aquí Brad Pitt interpreta a James Belmont, un veterano de las Fuerzas Especiales que, después de un accidente aéreo, tiene que atravesar la naturaleza salvaje de Alaska acompañado de Odín, su antiguo perro de combate.
Y el pobre Odín también tiene lo suyo: está mutilado, arrastra sus propios traumas de guerra y hasta tiene pesadillas.
La película convierte al soldado y al perro en víctimas y héroes, sin cuestionar prácticamente nada del mundo militar del que proceden. Es un homenaje al veterano y, sobre todo, al perrete.
Visualmente no hay demasiadas pegas.
Las imágenes aéreas y los grandes paisajes son espectaculares. Por momentos parece que National Geographic se ha puesto a rodar una película de supervivencia con Brad Pitt.
Pero la historia avanza por caminos demasiado conocidos.
Todo está donde esperas que esté.
Y casi todo lo has visto ya en el tráiler.
Y encima Brad Pitt muere.
Hombre, por favor. No hay derecho. Matar a mi Brad.
Eso sí, una recomendación importante: nunca le digas «muerde» a uno de estos perros.
Porque se puede liar la de Dios es Cristo.
El perrico no es tan buenecico.
David Ayer es un director y guionista estadounidense especialmente vinculado al cine policiaco, militar y de acción.
Escribió Training Day y ha dirigido títulos como Sin tregua (End of Watch), Corazones de acero (Fury), Escuadrón Suicida y Beekeeper: El protector.
En En el corazón de la bestia vuelve a trabajar con Brad Pitt, al que ya dirigió en Corazones de acero.
La película tiene guion de Cameron Alexander, dura 101 minutos y participa fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
En España la distribuye Paramount Pictures Spain y su estreno comercial está previsto para el 25 de septiembre de 2026.
Mi puntuación: 3,65/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Tengo varios amigos que se salieron de la proyección, hastiados por una narración lenta que, según ellos, no llevaba a ninguna parte.
Yo, en cambio, disfruté de What Remains (Artakalan).
También es verdad que jugué con ventaja.
Vi el principio, entré en la narración… y me dormí durante unos cuarenta minutos.
Al comienzo conocemos a una pareja que vive en Estambul. Ella es poeta y atraviesa una crisis creativa. Él es músico e investigador musical. Ninguno parece demasiado satisfecho con la vida que lleva.
Y ahí me dormí.
Cuando desperté, cada uno viajaba por su lado.
Él va a visitar a su padre y se encuentra con una vivienda infecta que tiene que arreglar.
Ella emprende su propio viaje en coche y sufre un accidente después de padecer una migraña con aura visual.
A partir de ahí, la película desarrolla dos viajes paralelos, dos pequeñas road movies, en las que marido y mujer van encontrando, cada uno por separado, su propio camino.
Lo que vi me gustó.
El comienzo me pareció un planteamiento interesante y la parte final está narrada con mucha calma, con estupendos paisajes y, sobre todo, con calidez hacia sus personajes.
Comprendo perfectamente que su ritmo pueda desesperar a algunos espectadores. A mí me funcionó.
Aunque tal vez mi versión tenga una ventaja sobre la de Yeşim Ustaoğlu: dura cuarenta minutos menos.
Mis disculpas a la directora, productores y demás intervinientes.
Pero creo que mi montaje mejora la película.
La cineasta turca Yeşim Ustaoğlu vuelve a competir en San Sebastián con What Remains (Artakalan), coproducción de Turquía, Francia, Luxemburgo y Bulgaria protagonizada por Öykü Karayel, Metin Akdülger, Ali Kayra Kul e İlyas Salman.
Ustaoğlu posee una importante trayectoria en el cine turco contemporáneo, con títulos como Viaje hacia el sol (Journey to the Sun), Waiting for the Clouds, Pandora’s Box y Clair Obscur.
Su relación con San Sebastián es especialmente destacada: Pandora’s Box obtuvo la Concha de Oro en 2008 y Tsilla Chelton recibió, ex aequo, la Concha de Plata a la mejor actriz.
What Remains tiene su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.
El Festival fija su duración en 126 minutos.
Mi puntuación: 7,68/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Azken agurra basa buena parte de su comicidad en el patetismo de su protagonista, Tomás.
Llega tarde a las citas con su hija. Está separado. Tiene una empresa de funerales laicos que descuida hasta el punto de llegar tarde a los propios actos que organiza.
Come entremeses fritos y después callos. Bebe. Fuma continuamente. No se cuida absolutamente nada.
Y, por si faltaba algo, anda metido en un lío de blanqueo de capitales.
Un desastre absoluto.
La película construye alrededor de este personaje un humor absurdo y bastante incómodo. No es mala persona, pero es incapaz de hacer las cosas a derechas y parece carecer de cualquier filtro para manejar sus sentimientos.
Un torpe constitucional.
Algo de luz entra en su vida con la llegada de una joven estudiante en prácticas a su empresa. Una «colaboradora», como prefiere llamarla él.
A mí la película no me ha desagradado. Ese patetismo del personaje me funciona y precisamente esa incomodidad que provoca su comportamiento termina teniendo su gracia.
El problema es que todo gira alrededor de Tomás. Los personajes secundarios quedan mucho menos desarrollados, incluida su joven colaboradora, que podría haber tenido bastante más peso.
No hay demasiado donde agarrarse fuera de él.
Pero él da para bastante.
El donostiarra Koldo Almandoz (1973) lleva décadas vinculado al cortometraje, el documental y el cine de autor. Entre sus largometrajes destacan Sîpo Phantasma (2016) y Oreina (Ciervo) (2018), además de trabajos televisivos como Hondar ahoak y Zeru ahoak.
Azken agurra es su tercer largometraje y está escrito y dirigido por él.
Rodado íntegramente en euskera, está protagonizado por Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto y producido por Txintxua Films y Garabi Films.
La película se presenta en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial, fuera de concurso, aunque participa en el Premio Irizar al Cine Vasco.
Mi puntuación: 6,44/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Tender Loving Care es una película sencilla. Muy sencilla.
Mike Leigh nos presenta a dos amigas, Amy y Rosie, trabajadoras sociales, que vuelven a convivir después de que sus respectivas relaciones sentimentales no hayan terminado demasiado bien.
La película observa su vida cotidiana, su amistad y la relación de Amy con sus padres. El conflicto aparece cuando el padre comienza a sufrir un deterioro y llega esa etapa inevitable en muchas familias: la de los cuidados.
Todo se construye con pocos escenarios y muchísimos diálogos. El trabajo de ambas como trabajadoras sociales queda casi como una anécdota dentro de la narración.
Y aquí tengo mi problema: tanto diálogo termina por cansarme.
Me gusta, en cambio, la naturalidad con la que Leigh retrata la amistad entre estas dos mujeres. En estos tiempos parece que dos amigas que se quieren, conviven y se apoyan tengan que mantener necesariamente una relación amorosa.
Pues no.
También existe la amistad.
Una película pequeñita, amable y encantadora, con dos estupendos personajes femeninos y una mirada muy cariñosa hacia eso tan poco cinematográfico y tan importante que es cuidar a los demás.
Mike Leigh es uno de los grandes nombres del cine británico contemporáneo, especializado precisamente en convertir vidas aparentemente corrientes en materia cinematográfica.
Entre sus títulos fundamentales están Naked, Secretos y mentiras, El secreto de Vera Drake, Another Year y Mr. Turner.
El British Film Institute (Instituto Británico de Cine) destaca precisamente esa combinación tan característica de comedia, tragedia y observación de la vida cotidiana.
Tender Loving Care es una producción británica de 107 minutos, escrita y dirigida por Mike Leigh, protagonizada por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson.
Compite en la Sección Oficial del 74 Festival de San Sebastián. Festival de San Sebastián
Dato importante: Secretos y mentiras ganó la Palma de Oro de Cannes en 1996 y El secreto de Vera Drake el León de Oro de Venecia en 2004.
Mi puntuación: 6,67/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
He releído la crítica que escribí en 2020 sobre Sentimental, de Cesc Gay, y la conclusión resulta inevitable: aquella película me entusiasmó bastante más que esta nueva versión estadounidense.
La invitación no está mal.
Es una película muy teatral, construida principalmente con cuatro actores, un salón y una conversación que comienza con educación y termina levantando las alfombras del matrimonio.
Seth Rogen y Olivia Wilde forman una pareja sumida en la rutina, el silencio y una crisis que llevan tiempo disimulando.
La llegada de sus vecinos, interpretados por Penélope Cruz y Edward Norton, introduce una relación aparentemente más feliz, sexualmente más libre y bastante menos preocupada por los convencionalismos sociales.
Esa pareja funciona como un espejo.
Su complicidad deja al descubierto las frustraciones, los reproches y la falta de comunicación de los protagonistas.
Los diálogos son divertidos, los actores están estupendos y la película mantiene un buen ritmo.
Todo funciona. Pero no termina de entusiasmar.
Tal vez sea porque Alberto San Juan y Javier Cámara estaban extraordinarios en Sentimental.
Incluso mejores que Edward Norton y Seth Rogen.
Sí, lo he dicho. Ya pueden ir retirándome el pasaporte hollywoodiense que nunca tuve.
El problema no es que una obra teatral llegue al cine.
Hay películas magníficas nacidas sobre un escenario.
El problema aparece cuando la adaptación no consigue desprenderse del todo de su naturaleza teatral.
Aquí Olivia Wilde mueve la cámara, sostiene el ritmo y dirige bien a sus intérpretes, pero la película nunca termina de levantar el vuelo.
Y es inevitable compararla con Sentimental, adaptación de la obra Los vecinos de arriba.
La película de Cesc Gay tenía una acidez, una naturalidad y una capacidad para incomodar que esta versión más pulida no alcanza.
Por cierto, Penélope Cruz, aunque le saque casi diez años a Olivia Wilde, está muchísimo mejor en pantalla.
La cámara no pide el DNI: se limita a reconocer la presencia.
Una película entretenida, bien interpretada y con buenos diálogos, pero que llega después de que ya nos hubieran servido esta misma cena con bastante más sabor.
Olivia Wilde afronta con La invitación su tercer largometraje como directora, después de Súper empollonas (Booksmart, 2019) y No te preocupes querida (Don’t Worry Darling, 2022).
Súper empollonas obtuvo el Independent Spirit a la mejor ópera prima, mientras que No te preocupes querida también pasó por Perlak, en 2022.
La invitación, presentada previamente en Sundance 2026, supone su regreso al Festival de San Sebastián como directora y protagonista.
El guion es de Will McCormack y Rashida Jones y adapta la obra Los vecinos de arriba, de Cesc Gay, llevada por el propio autor al cine en Sentimental.
Mi puntuación: 6,77/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
El mal padre es un drama familiar con toques de comedia que tiene su gran centro de gravedad en Eduard Fernández. Está estupendo.
Interpreta a Santiago Balmes, un escritor, catedrático y académico al que han diagnosticado una demencia vascular y que está convencido de que va a morir pronto. Eso sí, sigue fumando como si la cosa no fuera con él.
Es un hombre culto, viejo comunista y, sobre todo, profundamente egocéntrico.
Él mismo reconoce que no ha sido un buen padre. Lo que le interesaba era leer, follar y viajar. Los hijos, bastante menos.
Para mí representa muy bien a tantos hombres de mi generación que delegaron en la madre la educación, los cuidados y el cariño. Ellos trabajaban, pagaban los estudios, mantenían la casa y consideraban cumplida su función.
Cariño, comunicación y educación eran otro departamento.
La película reúne a este padre con sus tres hijos y aprovecha el encuentro para ajustar cuentas. Ellos crecieron sin encontrar en él el referente que necesitaban y ahora cargan con las consecuencias.
Hay buenos momentos, algunos divertidos y otros que pretenden tocar la fibra. A algún espectador sensible lo conseguirán emocionar.
A mí no.
El gran problema es que El mal padre resulta demasiado teatral. Pocos escenarios, mucha conversación y una estructura que parece dividirse en actos alrededor de la casa familiar.
Pero hay escenas que funcionan magníficamente. Sobre todo, el largo diálogo de Eduard Fernández con uno de sus hijos mientras pasean por la playa. Me parece extraordinario.
La película merece la pena especialmente por Santiago Balmes y por la interpretación de Eduard Fernández.
Pero conviene ponerla en su sitio.
Y no valorar más de lo que hay.
Roberto Bueso es un director y guionista español que debutó en el largometraje con La banda (2019) y posteriormente dirigió Llenos de gracia (2022).
El mal padre es su tercer largometraje y vuelve a situar las relaciones familiares en el centro de la historia.
La película, de 120 minutos, celebra su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026, donde compite por la Concha de Oro.
Está protagonizada por Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril, Meritxell Calvo y Cristina Plazas.
Su estreno comercial en España está previsto para el 20 de noviembre de 2026, distribuida por Caramel Films.
Mi puntuación: 6,58/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Bajañí me ha sorprendido muy gratamente.
Esperaba un documental musical de corte clásico: conversaciones, imágenes de conciertos y el personaje central relatando su existencia.
Pero Fernando Trueba apuesta por otra cosa.
La película se entrega directamente a la música. Niño Josele toca su guitarra y va transitando por el flamenco, el jazz, la música cubana, la música brasileña y la bossa nova.
Y, sobre todo, dialoga musicalmente con artistas extraordinarios como Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron o Marisa Monte.
La cámara se acerca a los músicos. Observa cómo se toca cada instrumento, cómo se colocan las manos, cómo se miran. Esos gestos de complicidad y, en ocasiones, hasta de cierta displicencia entre artistas que se entienden fundamentalmente tocando.
Las actuaciones se van sucediendo prácticamente sin interrupción y componiendo un viaje por estilos musicales diferentes, siempre con la guitarra de Niño Josele como hilo conductor.
Fernando Trueba no necesita explicarnos la música.
Nos la hace escuchar. Nos la hace sentir.
Una película extraordinaria, emotiva y emocionante, que me ha despertado una enorme admiración.
Fernando Trueba vuelve con Bajañí a un territorio que conoce especialmente bien: el cine y la música, presentes en películas como Calle 54, El milagro de Candeal o Dispararon al pianista.
Bajañí es una producción española de 112 minutos protagonizada por Niño Josele.
Su título procede del término caló para designar la guitarra española.
La película recorre tres grandes universos musicales: flamenco, jazz y música brasileña.
Se presenta en la Sección Oficial del 74 Festival de San Sebastián, dentro de las Proyecciones Especiales fuera de concurso.
La producción corresponde a Garajonay A.I.E., Womack Studios y Lolita Films, con producción asociada de Fernando Trueba Producciones Cinematográficas, y la distribución en España corre a cargo de BTEAM Pictures.
Mi puntuación: 8,75/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
In My Father’s Room (Muyou no hito) es una película muy japonesa. De ritmo lento, parsimonioso, detenida en los pequeños detalles.
De esas películas que o te fascinan o te horrorizan.
Satomi, tras la muerte de su padre, recibe una misteriosa llave. Gracias a ella comienza a descubrir quién era realmente ese hombre al que, en el fondo, apenas conocía.
Un padre despreciado por su mujer, que había ido encadenando trabajillos sin demasiada constancia y que se consideraba poeta. Un poeta de un solo libro.
Pero también un hombre enamorado de la ceremonia del té, de las palabras y de la belleza sutil. Una de esas personas que pasan por la vida casi inadvertidas y parecen no dejar ningún poso.
Salvo que alguien decida buscarlo.
Y eso es precisamente lo que hace Satomi: reconstruir la vida de su padre a través de esas pequeñas huellas que había dejado escondidas.
A algunos les horrorizará.
A otros los dormirá.
A mí me fascina.
Maha Harada (Tokio, 1962) es una reconocida escritora japonesa, especialmente vinculada al mundo del arte, y trabajó como comisaria antes de dedicarse a la literatura.
In My Father’s Room supone su debut como directora de largometrajes y parte de un texto propio.
La película, de 109 minutos, está protagonizada por Yu Aoi, Issey Ogata, Eita Nagayama y Eri Watanabe y compite en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián de 2026.
Mi puntuación: 8,66/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Mis muertos tristes mezcla con bastante habilidad tres géneros: el cine de fantasmas, el drama familiar y el cine social.
El personaje central es Ema, interpretada por una inconmensurable Mercedes Morán, una médica que acaba de perder a su madre después de meses cuidándola y de una muerte especialmente dolorosa.
Ema regresa a vivir a la casa materna, en Piedrabuena, un barrio conflictivo. Allí recibe a su hermana, su cuñado y su sobrina, que viven en Oregón.
Pero Ema tiene una peculiaridad. Desde niña puede ver a los muertos y comunicarse con ellos.
A partir de este don, que ni ella misma termina de comprender, vamos reconstruyendo la historia de las dos hermanas y de una familia marcada por una existencia bastante complicada.
Pablo Larraín teje con estos mimbres un relato muy bien construido, con una fotografía triste y gris que encaja perfectamente con esa Argentina en la que vivir parece cada vez más difícil.
Los servicios básicos fallan. El abastecimiento falla. La atención al ciudadano falla.
Y los muertos, en cambio, funcionan estupendamente.
La película se mueve entre el drama y un humor muy argentino, irónico y a veces directamente sarcástico.
También tiene una evidente vertiente social. Ante la delincuencia aparecen esas soluciones sencillas, expeditivas y absolutamente inútiles que algunos siempre tienen preparadas. Por ejemplo, cortar la cabeza al delincuente y colocarla en un palo delante de casa.
Mano de santo.
Son 187 minutos, pero la mezcla de géneros, la historia familiar, los fantasmas y esa mirada sobre una sociedad bastante jodida mantienen el interés.
Y por encima de todo está Mercedes Morán, extraordinaria.
Y me olvidaba de Dolores Fonzi, otra de las grandes actrices argentinas, que está también absolutamente estupenda como esa hija resentida con su madre, marcada por una relación que siempre fue conflictiva.
Imperdonable olvidarse de Dolores Fonzi.
De lo mejor que hemos visto hasta ahora en el Festival.
El chileno Pablo Larraín ha construido una filmografía muy personal en títulos como No, El club, Neruda, Jackie, Ema, Spencer, El Conde y María Callas.
Mis muertos tristes está basada en relatos de Mariana Enríquez, con guion de Pablo Larraín y Guillermo Calderón.
Es una producción argentino-chilena de Fabula para Netflix.
Aunque en el Festival de San Sebastián se ha proyectado en competición como una obra de 187 minutos, en realidad es una miniserie de cuatro episodios.
Tras su estreno mundial en San Sebastián, Netflix la estrena el 24 de septiembre de 2026.
Mi puntuación: 8,89/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Un matrimonio en crisis, interpretado por Berto Romero y Belén Cuesta, se marcha a un casoplón aislado buscando tranquilidad, desconexión y todas esas cosas que ahora se venden tan bien.
Allí les recibe el agente inmobiliario, Javier Cámara, y comienza el desastre.
5 minutos más construye su historia alrededor de un bucle temporal de cinco minutos. Pero aquí hay trampa: el tiempo vuelve atrás, pero las consecuencias de lo ocurrido permanecen.
Y eso lo cambia todo.
Asistimos una y otra vez a esos cinco minutos, pero la historia sigue avanzando.
La tragedia se acumula y, dependiendo del tono con el que se mire, una tragedia puede terminar convertida en comedia.
Aquí se convierte, por momentos, en una comedia absolutamente descacharrante.
Es una sucesión de catástrofes y situaciones absurdas que, sin embargo, mantienen su propia lógica interna.
Berto Romero tiene una vis cómica indiscutible, pero para mí quien se lleva la película es Belén Cuesta. Está tremenda.
Además, hay un considerable ejercicio de virtuosismo técnico.
Cada uno de esos cinco minutos está construido como un plano secuencia, con mucho movimiento, desplazamientos de cámara complicados e incluso conducción.
Y funciona.
Los actores también tienen que trabajar dentro de ese mecanismo casi teatral y se les ve disfrutar con él.
Puede que la premisa del bucle temporal eche para atrás a quien tenga alergia a la ciencia ficción. Que no se asuste.
5 minutos más es tremendamente divertida.
Una película estupenda.
Javier Ruiz Caldera lleva años moviéndose con soltura por la comedia y el cine fantástico.
Debutó en el largometraje con Spanish Movie y después dirigió títulos como Promoción fantasma, 3 bodas de más, Anacleto: Agente secreto, Superlópez, Malnazidos y Wolfgang (Extraordinario).
5 minutos más está escrita por Berto Romero, en su primer guion para un largometraje, y supone un nuevo trabajo conjunto con Ruiz Caldera después de las series Mira lo que has hecho y El otro lado.
La película compite en la Sección Oficial del 74.º Festival de San Sebastián. Filmax la estrenará en los cines españoles el 22 de enero de 2027 y posteriormente llegará a Movistar Plus.
Mi puntuación: 7,87/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
El año pasado vimos una película extraordinaria sobre la vocación religiosa y la llamada de la fe: Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, que ganó la Concha de Oro en San Sebastián y después arrasó en los Premios Feroz.
Ruega por nosotras podría ser su reverso tenebroso.
Aquí no tenemos una muchacha que siente la llamada de Dios, sino una joven de su época, escasamente rebelde, a la que internan en un reformatorio para que la «reeduquen».
Y las monjitas encargadas de hacerlo son una especie de monjas del diablo.
En nombre del «por tu bien» someten a estas chicas a auténticas atrocidades.
Lo terrible es que detrás de la película hay una realidad histórica. El Patronato de Protección a la Mujer sobrevivió hasta 1985, diez años después de la muerte de Franco y con la Constitución ya aprobada.
Daniel Monzón narra estupendamente esta historia y consigue momentos especialmente brillantes.
Algunas situaciones pueden provocar incluso la risa por lo disparatadas que parecen. A mí también me arrancaron alguna sonrisa.
Una sonrisa culpable.
Porque lo verdaderamente terrible es que aquello que parece ridículo fue real. Durante muchos años la democracia española convivió todavía con la resaca de unas estructuras profundamente autoritarias.
Y si La guerra de las galaxias tenía a Darth Vader, aquí tenemos a Adelfa Calvo.
Su madre superiora es mala, mala de verdad.
Más mala que los hermanos Malasombra.
La película está muy bien construida, cuenta con un reparto estupendo y Zoe Bonafonte sostiene brillantemente el papel protagonista.
Ruega por nosotras me parece una película estupenda y, sobre todo, valiosa.
Me alegra reencontrarme con el gran Daniel Monzón.
Daniel Monzón comenzó precisamente como periodista y crítico cinematográfico en Fotogramas y llegó a ser subdirector de Días de cine antes de ponerse detrás de la cámara.
En su filmografía destacan Celda 211, El Niño y Las leyes de la frontera.
Con Celda 211 obtuvo el Goya a mejor dirección.
Ruega por nosotras está escrita por Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría y protagonizada por Zoe Bonafonte, Manuela Calle y Adelfa Calvo.
La película se presenta en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de la Sección Oficial, en Proyecciones Especiales fuera de concurso.
Su estreno comercial en España está previsto para el 6 de noviembre de 2026, distribuida por Elastica Films.
Mi puntuación: 7,66/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Karateka es una película biográfica sobre Sandra Sánchez y, al mismo tiempo, una de esas historias de superación deportiva que nos hablan del esfuerzo, de las adversidades y de cómo conseguir los mayores logros cuando todo parece estar en contra.
El karate es un deporte con el que he tenido una especial relación. Mi hijo Fernando lo practicó durante muchos años y también lo han practicado mis nietos.
A mi hijo lo llevé a infinidad de competiciones por la Comunidad de Madrid. Gracias al karate me aprendí todos los polideportivos de Fuenlabrada, Leganés, Móstoles, Alcorcón y de unas cuantas localidades más cuya existencia casi desconocía.
Cuestiones familiares aparte, la película está muy bien construida, con un montaje extraordinario y una dirección muy virtuosa.
Como historia de superación no inventa nada nuevo. Hemos visto muchas películas con esa misma épica del esfuerzo, la caída y la victoria.
Pero aquí hay dos elementos que destacan especialmente: Andrea Ros y Patrick Criado. Los dos están fenomenal.
Y están muy bien acompañados por secundarios de lujo como Ernesto Alterio y Pilar Castro.
Karateka tal vez no revolucione el mundo del cine ni aporte grandes novedades al género deportivo, pero es una película eficaz, muy bien construida y que funciona.
Y, además, ha conseguido algo bastante importante conmigo: ha habido momentos de karate que me han emocionado. Y mucho.
Aritz Moreno es el director de Karateka.
Su largometraje más conocido es Ventajas de viajar en tren (2019), al que siguió Moscas (2023).
Con Karateka se acerca al biopic y al cine deportivo manteniendo una puesta en escena especialmente dinámica.
La película se presenta en el Velódromo del Festival de San Sebastián 2026 y tiene previsto su estreno comercial en España el 30 de octubre de 2026, distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.
Mi puntuación: 7,77/10.
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En una pequeña localidad argentina, a finales de los años cincuenta, cuatro amigos quedan fascinados por una mujer que baila en una pista. Es Lali Espósito, y resulta fácil comprender semejante conmoción.
Pero detrás de esa mujer está su marido, un siniestro excomisario de policía.
Glaxo se construye como un thriller de amistad, fascinación, celos y traición. Los celos son el motor del desastre.
La narración juega con diferentes momentos temporales y va proporcionando pistas como quien reparte las piezas de un gran puzle.
Durante buena parte del metraje podemos creer que estamos contemplando historias separadas en el tiempo.
La sorpresa final recompone las piezas y permite entender realmente lo que hemos estado viendo.
Esta estructura puede desconcertar a algunos espectadores. A mí me parece precisamente el gran acierto de la película.
Benjamín Naishtat consigue que aquello que parecía confuso vaya adquiriendo sentido hasta cerrar el mecanismo.
Y en el centro está Lali Espósito, bellísima, magnética y sumamente seductora. Su personaje permite entender esa fascinación que termina alterando la vida de toda una pequeña comunidad.
A mí Glaxo me ha gustado mucho. Comprendo que su estructura pueda despistar, pero esa confusión forma parte de un juego narrativo que me ha resultado absolutamente fascinante.
Al final, todas las piezas encajan. Y algunas estaban manchadas de sangre.
El argentino Benjamín Naishtat ya había pasado por San Sebastián con Rojo (2018), por la que obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección.
En 2023 codirigió con María Alché Puan, Premio del Jurado al mejor guion en este mismo festival.
Entre sus anteriores trabajos figuran también Historia del miedo y El movimiento.
Glaxo es una coproducción de Brasil y Argentina, producida por RT Features y Rei Pictures, y adapta la novela homónima de Hernán Ronsino.
Compite en la Sección Oficial del 74.º Festival de San Sebastián.
Mi puntuación: 7,77/10.
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Sacamantecas nos lleva a la Álava del siglo XIX, en plena Tercera Guerra Carlista, para contarnos una historia de asesinatos, desidia institucional y una mujer empeñada en que la muerte de su hermana no quede impune.
Ángela Berrosteguieta, interpretada por una magnífica Patricia López Arnaiz, regresa a Vitoria para enterrar a su hermana, asesinada como otras mujeres de la zona.
Las autoridades parecen bastante más interesadas en mirar hacia otro lado que en averiguar quién está matando a estas mujeres.
Nosotros sabemos desde el principio quién es el asesino: Juan Díaz de Garayo, el Sacamantecas, interpretado por Antonio de la Torre.
El gran personaje de la película, sin embargo, es Ángela. Es ella quien presiona a las autoridades y termina realizando sus propias investigaciones ante la pasividad de quienes deberían hacerlas.
Estamos ante un thriller decimonónico con asesino en serie, pero también ante el retrato de una sociedad bastante podrida.
La Tercera Guerra Carlista sirve como telón de fondo. Los hombres son reclutados a la fuerza y pueden terminar combatiendo en uno u otro bando sin tener demasiado claro por qué luchan ni para qué.
David Pérez Sañudo construye una película muy física, en la que predomina lo visual sobre los diálogos.
La ambientación funciona estupendamente. Los paisajes son hermosos, pero todo está envuelto en una atmósfera decadente y lúgubre, reforzada por una fotografía muy contrastada.
Y por encima de todo está Patricia López Arnaiz.
Impresionante.
El año pasado la vimos como la tía atea de Los domingos. Aquí se transforma en una mujer arisca y obstinada que no está dispuesta a permitir que la muerte de su hermana sea simplemente otra muerte más.
De tía atea a tía arisca. Y otro recital de Patricia López Arnaiz.
Sacamantecas (The Harvester) es el tercer largometraje de David Pérez Sañudo, después de Ane (2020) y Los últimos románticos (2024).
Con Ane obtuvo junto a Marina Parés el Goya al mejor guion adaptado.
La película está protagonizada por Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre, dura 109 minutos y es una coproducción entre España y Bélgica.
Se presenta mundialmente en el Festival de San Sebastián de 2026 dentro de Proyecciones Especiales de la Sección Oficial, fuera de concurso.
Su estreno comercial en España está anunciado para el 6 de noviembre de 2026, distribuida por Buena Vista International.
Mi puntuación: 7,88/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.
Este profesional con más de cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.
Se comenzó a emitir desde Abril de 2020 en plena pandemia.
Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Igual que La cinta blanca, de Michael Haneke, nos contaba cómo se sembró la semilla del nazismo, Krux, situada treinta años después, podría contarnos cómo esa semilla terminó pudriéndose y devorando a quienes la habían cultivado.
Estamos en un pequeño pueblo del este de Alemania, en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial. Todo el mundo sabe ya que la guerra está perdida y que las tropas soviéticas terminarán llegando.
Y el miedo se apodera de la población.
El alcalde, uno de los personajes más siniestros de la película, contribuye decisivamente a extender la idea de que el suicidio es preferible a caer en manos del Ejército Rojo.
En medio de esta depresión colectiva está Greta, interpretada por Jella Haase. Su novio ha muerto en el frente y lo único que recibe de él es su corazón, que conserva en un frasco y con el que celebra una macabra boda póstuma.
Una imagen que resume bastante bien el espíritu de la película.
Krux es absolutamente demoledora. Triste, pesimista y profundamente oscura.
Retrata una sociedad derrotada que espera aterrorizada la llegada del vencedor, convencida de que sufrirá represalias por las atrocidades cometidas por los nazis en los territorios ocupados de la Unión Soviética.
La película está rodada en color, aunque le hubiera sentado perfectamente el blanco y negro.
Tony Vahl llena la pantalla de claroscuros, interiores sombríos e imágenes nocturnas que acompañan estupendamente esa sensación de derrumbe.
Está muy bien rodada y consigue que el espectador comparta esa angustia colectiva.
Te deja el ánimo por los suelos.
Ojo con Krux. No me extrañaría nada verla aparecer en el palmarés de esta edición del Festival de San Sebastián.
Krux es el primer largometraje de la directora y guionista alemana Tony Vahl, formada en Psicología y Arte antes de estudiar dirección en la Universidad de Cine Babelsberg Konrad Wolf.
Sus cortometrajes anteriores incluyen Gömböc, Unter Null y Pein.
La película es una coproducción entre Alemania y Polonia protagonizada por Jella Haase, Frida-Lovisa Hamann, Clemens Schick y Lukas Miko.
Tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto de 2026, dentro de Discovery, antes de competir por la Concha de Oro en la Sección Oficial de San Sebastián.
Su estreno comercial en Alemania está previsto para el 4 de febrero de 2027.
Mi puntuación: 7,76/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Los Miserables nos cuenta la vida de Jean Valjean y de ese enorme universo de personajes que creó Victor Hugo.
Leí la novela con trece o catorce años. Recuerdo que era un libro muy gordo y que, cuando empecé, mi padre me dijo con cierto desprecio que sería incapaz de terminarlo.
El libro me entusiasmó y me lo leí en muy pocos días.
Tal vez por eso siempre he sentido especial atracción por las adaptaciones cinematográficas de Los Miserables.
La versión musical que vimos hace algunos años me pareció maravillosa y, a mi modo de ver, insuperable.
Esta nueva adaptación de Fred Cavayé posiblemente sea más fiel a la novela. Recupera muchos elementos de la obra de Victor Hugo y presenta con claridad a sus personajes.
Además, estamos ante una gran producción en la que todo está cuidado: decorados, localizaciones, vestuario, fotografía…
Todo está donde tiene que estar.
Y ese es precisamente mi problema.
La película me parece demasiado clásica, demasiado academicista. No encuentro grandes innovaciones en la puesta en escena ni una mirada especialmente personal de Cavayé.
Está muy bien hecha, pero me resulta fría.
Una historia como Los Miserables debería agarrarme por las tripas y esta película no consiguió emocionarme en ningún momento.
La veo con agrado. Reconozco su calidad técnica, su fidelidad y el enorme esfuerzo de producción.
Pero no empatizo con ella.
Una película que se puede ver, pero que posiblemente se pueda olvidar.
El francés Fred Cavayé ha desarrollado una filmografía bastante variada, desde el thriller de Cuenta atrás y Mea culpa hasta la comedia Manual de un tacaño.
En Adiós, señor Haffmann ya se adentró en el drama histórico.
Con Los Miserables aborda directamente la monumental novela de Victor Hugo.
La película está protagonizada por Vincent Lindon como Jean Valjean y Tahar Rahim como Javert, acompañados por Noémie Merlant, Camille Cottin y Benjamin Lavernhe.
Tiene 178 minutos de duración y compite en la Sección Oficial de la 74.ª edición del Festival de San Sebastián.
Su estreno comercial está anunciado para el 14 de octubre de 2026 en Francia y para el 6 de noviembre de 2026 en España, donde la distribuye Beta Fiction Spain.
Mi puntuación: 6,55/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Tras la muerte repentina de su padre, Ejva hereda el rebaño familiar de renos y se siente obligada a sacarlo adelante.
No parece una tarea sencilla.
En ese mundo rural, aislado y nevado, las opciones tampoco abundan demasiado: o los renos o la mina.
Y, por supuesto, están los hombres.
Entre ellos destaca Heaika, el jefe local, un personaje claramente tóxico que intenta imponer a Ejva una relación que ella no desea realmente.
Frente a él aparece Nejla, bastante menos corpulento y bastante más beneficioso para la muchacha.
Brace Your Heart es una película de argumento sencillo, sin demasiadas complicaciones narrativas, que se apoya muchísimo en sus extraordinarios paisajes nevados y en una fotografía preciosa.
Se ve fenomenal.
La naturaleza tiene tanta presencia que casi termina convirtiéndose en otro personaje.
Pero debajo de esa belleza está el verdadero asunto de la película: el machismo y el predominio masculino dentro de una comunidad pequeña y aislada.
Porque se puede vivir rodeado de montañas, nieve y renos y seguir soportando los mismos comportamientos de siempre.
Y lo más grave no es únicamente el abuso, sino el silencio social que lo protege y permite que quede impune.
Los paisajes son preciosos.
La sociedad que retrata, bastante menos.
La sueca Amanda Kernell (Umeå, 1986) vuelve con Garrat du váimmu / Brace Your Heart al universo sami que ya había abordado en su primer largometraje, Sami Blood (2016).
Su segunda película fue Charter (2020), presentada a competición en Sundance y posteriormente elegida por Suecia para representar al país en los Óscar.
Brace Your Heart es su tercer largometraje.
Está protagonizada por Elli Sara Valkeapää, Andte Gaup-Juuso y Vincent Niia, dura 97 minutos y es una coproducción de Suecia, Noruega, Dinamarca, Islandia y Bulgaria. La fotografía es de Sophia Olsson.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto y llega a Europa dentro de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, donde compite por la Concha de Oro.
Mi puntuación: 7,67/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Iron Boy (Le corset) es una película de animación franco-belga de apenas 90 minutos que utiliza una preciosa animación tradicional con aspecto de acuarela.
Los dibujantes consiguen algo especialmente meritorio: dar mucha expresividad a los personajes y transmitir muy bien sus sentimientos sin necesidad de grandes artificios.
La historia se centra en Christophe, un niño de 11 años que vive en el campo, ayuda a sus padres en la granja y va al colegio.
El muchacho sufre frecuentes caídas y termina sometido a tratamiento con un corsé de Milwaukee, ese aparatoso artilugio ortopédico que inmoviliza buena parte del tronco y que aquí casi se convierte en otro personaje.
La explicación médica que recibe el niño no termina de convencerme. Viendo esas caídas, como médico me hacen pensar más en algún tipo de trastorno del movimiento, incluso una distonía. Pero eso ya es meterme donde la película tampoco pretende meterse demasiado.
Lo importante es que el corsé cambia la vida de Christophe.
Ya no puede dedicarse como antes a las labores agrícolas y tiene que buscar otras actividades. Aparece la natación y, gracias a un viejo organista, también descubre la música y aprende a tocar el órgano.
La piscina le permite además conocer nuevos amigos y asomarse a un mundo diferente del que parecía tener predestinado en la granja familiar.
Iron Boy mantiene casi siempre un tono realista y contempla los acontecimientos desde el punto de vista del niño.
Pero, de vez en cuando, ese realismo deja paso a momentos poéticos e incluso oníricos, muy bien integrados y especialmente bonitos gracias a ese dibujo de acuarela.
Es una de esas películas de las que se suele decir que son «muy bonitas».
Y, en este caso, efectivamente lo es.
Louis Clichy es un animador y director francés que trabajó durante años en Pixar, participando en películas como WALL·E y Up.
Posteriormente codirigió con Alexandre Astier Astérix: La residencia de los dioses (2014) y Astérix: El secreto de la poción mágica (2018).
Iron Boy (Le corset) es su primer largometraje dirigido en solitario y supone además un cambio visual importante respecto a aquellos trabajos, apostando por la animación tradicional y la acuarela.
La película se presentó en Un Certain Regard del Festival de Cannes 2026, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado.
También consiguió en Annecy el Premio del Jurado y el Premio del Público al mejor largometraje, además del Premio Fondation Gan para la distribución.
En España forma parte de Perlak del Festival de San Sebastián 2026 y su distribución corresponde a Karma Films, que ha anunciado su estreno en cines para el 20 de noviembre de 2026.
Mi puntuación: 7,75/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
The Housewife (La esposa perfecta) comienza presentándonos a una mujer aparentemente modélica.
Una inmigrante austriaca instalada en Queens, perfectamente adaptada a la sociedad norteamericana, que consigue la ciudadanía estadounidense y ejerce con entusiasmo de buena esposa, buena vecina y cuidadora vocacional.
Todo parece muy normal.
Demasiado normal.
Naomi Watts está extraordinaria construyendo primero a esa mujer amable, educada y complaciente, perfectamente integrada en su pequeño mundo doméstico.
Pero aparece un joven periodista que comienza a investigar el pasado de la familia.
Y hasta aquí puedo contar sin destripar la película.
Porque esa encantadora ama de casa es Hermine Braunsteiner Ryan, antigua guardiana de los campos de concentración de Ravensbrück y Majdanek.
Y ahí está lo mejor de la interpretación de Naomi Watts.
Su personaje se va transformando poco a poco conforme el periodista se aproxima a la verdad. La máscara de perfecta ciudadana norteamericana empieza a resquebrajarse y detrás aparece alguien muy diferente.
La película vuelve inevitablemente sobre una cuestión que Hannah Arendt formuló alrededor del juicio de Adolf Eichmann: la banalidad del mal.
No necesariamente el monstruo que lleva escrito «soy un monstruo» en la frente.
Puede ser la vecina amable.
La señora educada.
La mujer que cuida su casa y saluda cortésmente por las mañanas.
The Housewife plantea además otra cuestión bastante incómoda: ¿hasta qué punto construir una nueva vida puede hacer olvidar un pasado criminal?
¿Una persona que consigue integrarse, comportarse durante años como una ciudadana aparentemente ejemplar y llevar una existencia completamente normal puede dejar atrás lo que hizo?
La película, evidentemente, no puede borrar ese pasado.
Pero sí resulta interesante contemplar el contraste entre ambas vidas y preguntarnos cuánto puede esconderse detrás de la apariencia más cotidiana.
El principal problema es que todo esto está contado con un tufillo a telefilm bastante pronunciado.
La puesta en escena resulta demasiado convencional para la potencia del asunto que tiene entre manos.
Parece una película concebida para la pantalla pequeña cuando su historia pedía bastante más profundidad cinematográfica.
Porque el material era tremendo.
Naomi Watts también.
La película, algo menos.
The Housewife (La esposa perfecta) supone el debut en el largometraje del director canadiense Ben Shirinian, que anteriormente había dirigido cortometrajes como Lost in Motion (2012), Lost in Motion 2 (2013) y Josef et Aimée (2015).
El guion es de Alyssa Hill y acompañan a Naomi Watts en el reparto Tye Sheridan, Luke Evans, Michael Imperioli, Lena Olin y Debi Mazar.
La película está inspirada en el caso real de Hermine Braunsteiner Ryan, nacida en Viena, que se instaló en Estados Unidos y obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1963.
En 1964, las investigaciones impulsadas por Simon Wiesenthal permitieron localizarla en Queens y sacar a la luz su pasado como guardiana en campos de concentración nazis.
Años después fue extraditada a Alemania y condenada a cadena perpetua.
The Housewife se proyecta en el Festival de San Sebastián dentro de las Proyecciones Premio Donostia, coincidiendo con la concesión del Premio Donostia 2026 a Naomi Watts.
En España la distribución corresponde a DeAPlaneta.
Mi puntuación: 6,57/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Paweł Pawlikowski nos lleva a la Alemania de 1949 de la mano de Thomas Mann, Premio Nobel de Literatura, y de su hija Erika Mann.
Fatherland se construye alrededor del regreso del escritor a un país que había abandonado dieciséis años antes. Una Alemania destruida por la guerra y partida en dos mundos que comenzaban a mirarse con bastante mala leche.
Fráncfort, bajo influencia norteamericana. Weimar, controlada por los soviéticos.
Capitalismo frente a comunismo. Occidente frente a Oriente.
La Guerra Fría resumida en unos cuantos kilómetros de carretera.
Thomas Mann decide acudir a las dos ciudades para recibir sendos reconocimientos relacionados con Goethe, convirtiendo su viaje en algo inevitablemente político.
Aquella confrontación terminó décadas después con la victoria del bloque occidental y la desaparición de la Unión Soviética. La película, sin embargo, nos devuelve al momento en que aquello todavía estaba por decidir.
Y Pawlikowski lo contempla desde una perspectiva mucho más íntima: la de una familia bastante hecha polvo.
Erika Mann, interpretada por Sandra Hüller, es actriz, escritora, periodista y hasta piloto de rallies. Aquí se convierte además en una especie de secretaria para todo de su padre: conduce, organiza, revisa discursos y procura que el ilustre escritor llegue donde tiene que llegar sin que el mundo se desmorone por el camino.
Aunque el mundo ya está bastante desmoronado.
La película adopta fundamentalmente su mirada para observar a Thomas Mann, interpretado por Hanns Zischler, y las enormes distancias emocionales existentes dentro de la familia.
Especialmente inquietante resulta la forma en que aparece la reciente muerte de Klaus Mann, hijo de Thomas y hermano de Erika. Hay una frialdad familiar que produce desasosiego.
Y entonces está el blanco y negro.
Magnífico blanco y negro.
La fotografía de Łukasz Żal vuelve a demostrar que hay películas en las que quitar el color no supone eliminar información, sino añadirla.
Curiosamente, está siendo el día del blanco y negro en el Festival.
Primero Ghost Song (Geister), después la animación de Tangles y ahora Fatherland.
Tres películas muy distintas que han decidido prescindir del color.
Hope no. Por un momento casi la meto también en el saco. La sobredosis de festival empieza a producir efectos secundarios.
Fatherland tiene además algunos momentos de humor fino y seco, pequeñas grietas que permiten respirar dentro de una película dominada por la tristeza, las ruinas y unos personajes que parecen cargar con Europa entera sobre los hombros.
Me ha gustado.
Es elegante, visualmente extraordinaria y profundamente melancólica.
Pero tampoco esperemos salir dando saltitos.
Es Pawlikowski.
El polaco Paweł Pawlikowski es el director de Ida (2013), ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, y de Cold War (2018), por la que obtuvo el premio a la mejor dirección en Cannes.
Con Fatherland continúa explorando la identidad europea, la memoria, la culpa y las heridas dejadas por la historia.
La película se presentó en la competición oficial del Festival de Cannes 2026, donde Pawlikowski obtuvo de nuevo el premio a la mejor dirección, ex aequo.
Ahora participa en Perlak del Festival de San Sebastián.
En España tiene anunciado su estreno en salas para el 4 de diciembre de 2026, con distribución de MUBI y la colaboración de Caramel Films.
Una precisión histórica interesante: la película ficcionaliza el viaje de Erika con su padre.
En el viaje real de 1949, Thomas Mann estuvo acompañado por su esposa Katia y Erika decidió no entrar en Alemania.
La película utiliza, por tanto, personajes y acontecimientos históricos para construir su propio relato.
Mi puntuación: 7,66/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Tangles nos permite seguir durante unos años la vida de Sarah, una joven artista gráfica que prospera profesionalmente, encuentra el amor de su vida y, al mismo tiempo, tiene que enfrentarse a una realidad demoledora: su madre padece Alzheimer.
La película contempla la enfermedad fundamentalmente desde el punto de vista de la hija y de la familia.
Pero Sarah es una cuidadora peculiar. No es la que permanece continuamente en casa, sino la que está lejos y, cuando regresa, tiene la sensación de que debe solucionar el mundo.
En mi experiencia personal y laboral durante muchos años he visto esta situación muchas veces.
Llega alguien de fuera y, en diez minutos, pretende organizar la vida de quienes llevan meses o años en la brecha.
Y eso puede resultar bastante irritante.
Pero Tangles también consigue que comprendamos a esa persona.
Entendemos su remordimiento por estar lejos. Su sensación de culpa. Esa necesidad de llegar a casa y dejarlo todo perfecto, colocar a cada uno en su sitio y conseguir que las cosas funcionen como ella cree que deberían funcionar.
Como si el Alzheimer admitiera manual de instrucciones.
Ahí está uno de los mayores aciertos de la película: no convierte a Sarah ni en heroína ni en villana. Es simplemente una hija intentando enfrentarse a algo que la supera.
Todo esto está contado mediante una animación dibujada a mano, fundamentalmente en blanco y negro, con personajes muy cotidianos y situaciones reconocibles.
Y, pese al tema, hay mucho humor.
Un humor crítico, irónico y frecuentemente dirigido contra la propia protagonista, que se observa continuamente a sí misma y es capaz de reírse de sus contradicciones y de su propia existencia.
Eso evita que la película caiga en el melodrama lacrimógeno fácil.
Tangles habla de una enfermedad terrible, pero sobre todo habla de quienes permanecen alrededor del enfermo, de sus contradicciones, del cansancio, de la culpa y de esa absurda pretensión que tenemos de intentar controlar lo que sencillamente no podemos controlar.
Una película sencilla, humana y bastante emotiva.
Y además sabe algo importante: incluso cuando la memoria se va deshaciendo, todavía puede quedar sitio para echarse unas risas.
Leah Nelson es una cineasta canadiense y cofundadora del estudio de animación Giant Ant.
Tangles supone su primer largometraje y llega después de una trayectoria vinculada a la publicidad, el documental y los formatos cortos. La película necesitó más de diez años de desarrollo y más de tres años de producción.
Y hay un dato especialmente interesante: la impresión autobiográfica que transmite la película no es casual, aunque la historia no sea la autobiografía de Nelson.
Está adaptada de las memorias gráficas de Sarah Leavitt, Tangles: A Story About Alzheimer’s, My Mother and Me, basadas en la experiencia real de la autora con la enfermedad de su madre.
La propia Nelson también atravesó una experiencia familiar relacionada con la demencia.
Tangles se presentó en 2026 en las Sesiones Especiales del Festival de Cannes, donde figuró como primera película de Leah Nelson, y posteriormente llegó a Perlak en el Festival de San Sebastián.
La película es una coproducción entre Canadá y Estados Unidos, dura 102 minutos y cuenta en sus voces originales con Abbi Jacobson, Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen y Samira Wiley. Su distribución en España corresponde a Elastica Films.
Mi puntuación: 7,85/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Estamos ante una película coreana de monstruos realmente divertida, bañada además por un sentido del humor que funciona estupendamente.
Hope construye su historia alternando tres puntos de vista: Bum-seok, el jefe del puesto de policía; Sung-ae, la agente; y Sung-ki, el cazador que se adentra en las montañas.
Desde esas tres perspectivas se va armando una película en la que, evidentemente, los grandes protagonistas son las bestias.
Y no voy a contar de dónde vienen.
Para eso hay que ver la película.
El comienzo se me hizo un poquito largo. Tardamos bastante en ver a la criatura y yo ya tenía ganas de bicho.
Pero cuando aparece…
Madre mía.
La irrupción de la bestia es como un patadón en la tripa. A partir de ahí llegan unas escenas de acción absolutamente trepidantes, con un montaje magnífico y una realización que impresiona.
Na Hong-jin sabe perfectamente cómo organizar el caos, cómo dosificar la información y cómo convertir una persecución en un espectáculo.
El problema es que Hope dura 157 minutos y termina dando demasiadas vueltas alrededor de una idea que, por potente que sea, no siempre justifica semejante metraje.
La película acaba resultando algo reiterativa.
Eso sí, el tramo final deja clarísimas las posibilidades de continuar explorando este universo. No parece precisamente que estos monstruos hayan venido para hacer una visita de cortesía.
Y es una película muy, muy, muy de Sitges.
De hecho, allí me imagino perfectamente al público aplaudiendo, vitoreando y gritando ante algunas de sus escenas más bestias. En San Sebastián somos bastante más serios. Aquí vemos aparecer al monstruo, nos recolocamos educadamente en la butaca y seguimos con nuestra vida.
Pero nos lo hemos pasado fenomenal.
Y tratándose de 157 minutos de monstruos, eso tiene bastante mérito.
El surcoreano Na Hong-jin (Seúl, 1974) debutó en el largometraje con The Chaser (2008), presentada en Cannes, y continuó con The Yellow Sea (2010).
Su consagración internacional llegó con El extraño (The Wailing) (2016), también presentada en Cannes.
Diez años después regresa al largometraje con Hope, escrita y dirigida por él.
Hope compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2026 y llega a San Sebastián dentro de Perlak.
El Festival de San Sebastián acredita una duración de 157 minutos, aunque Cannes y la distribuidora española manejan versiones/fichas de 160 minutos.
En España, BTeam Pictures anuncia su estreno en cines para el 30 de octubre de 2026, en colaboración con MUBI.
Mi puntuación: 6,95/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Empezamos el Festival de San Sebastián.
En los festivales se crea una especie de opinión colectiva. Sales de una película y enseguida empiezan los comentarios, las conversaciones y las discusiones.
Yo suelo absorber bastante de todo eso porque hay gente muy preparada y se escuchan reflexiones interesantes. Algunas las incorporo a mi propia visión de la película.
Otras, naturalmente, no me convencen ni por asomo.
Ghost Song (Geister) nos presenta a Farasha y Faris, dos jóvenes de veinte años que se conocen durante una fiesta de graduación.
Una mirada.
Un encuentro.
Y el amor.
Pero un suceso luctuoso los separa esa misma noche.
A partir de ahí es inevitable acordarse de Ghost, aquella película con Demi Moore y Patrick Swayze que convirtió un torno de alfarero en uno de los objetos más eróticos de la historia del cine.
Aquí tenemos algo parecido.
Un Ghost sin alfarería.
Algunos compañeros han calificado la película de cursi.
A mí no me lo parece.
Me parece romántica, que no es exactamente lo mismo. La película habla de un amor que intenta sobrevivir incluso después de la muerte.
Faris debe enfrentarse a dos fantasmas. Uno bastante literal y otro mucho más complicado: la culpa de haber sobrevivido.
Y además está la sensación devastadora de haber encontrado al amor de su vida justo antes de perderlo.
La idea me parece interesante.
El problema es que la película gira prácticamente solo alrededor de esa idea.
Y una buena idea no siempre da para llenar una película entera.
Echo de menos un mayor desarrollo de los personajes secundarios. Hubiera sido interesante conocer mejor cómo viven el duelo la madre, las hermanas o quienes rodeaban a Farasha.
Esas tramas podrían haber enriquecido una película demasiado empeñada en dar vueltas alrededor de su núcleo central.
Y llega un momento en que la idea comienza a agotarse.
La narración va reconstruyendo mediante flashbacks lo sucedido durante aquella noche, mientras Faris intenta convivir con la pérdida y con esa presencia que se resiste a desaparecer.
Hay además una secuencia que para mí fue especialmente puñetera.
Padezco acrofobia y cuando el muchacho se encarama a una enorme torre de comunicaciones lo pasé francamente mal.
Aviso a navegantes acrofóbicos.
Se puede cerrar los ojos.
No pasa nada.
La dignidad cinéfila se recupera luego.
Mariam Dawoud y Eren M. Güvercin, como Farasha y Faris, me parecen dos protagonistas muy convincentes. Buena parte de la película descansa sobre ellos y consiguen sostenerla.
No me ha parecido una gran película, pero sí una película interesante, romántica y con momentos visualmente muy atractivos.
El problema es que su fantasma tiene poco recorrido.
Ghost tenía a Whoopi Goldberg, un torno de alfarero y Unchained Melody.
Aquí hay bastante menos material con el que jugar.
Así comienza mi Festival de San Sebastián.
Fatih Akin, nacido en Hamburgo en 1973 en una familia de origen turco, es uno de los cineastas alemanes más reconocidos de su generación.
Alcanzó proyección internacional con Contra la pared (Gegen die Wand), Oso de Oro en Berlín en 2004, y posteriormente dirigió títulos como Al otro lado, En la sombra, El monstruo de St. Pauli, Rheingold y Amrum.
Con Al otro lado obtuvo el premio al mejor guion en el Festival de Cannes de 2007.
Ghost Song (Geister) tuvo su estreno mundial el 18 de septiembre de 2026 en el Festival de San Sebastián, donde fue elegida para inaugurar la Sección Oficial a concurso.
Está protagonizada por Mariam Dawoud y Eren M. Güvercin, dura 106 minutos y es una producción alemana.
Mi puntuación: 6,77/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
