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La desaparición de Josef Mengele – Das Verschwinden des Josef Mengele – 2025 – Kirill Serebrennikov – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de La desaparición de Josef Mengele

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La larga agonía de un verdugo que nunca pidió perdón

 

Josef Mengele consiguió escapar de la justicia. Lo que no consiguió fue escapar de sí mismo.

 

La desaparición de Josef Mengele (Das Verschwinden des Josef Mengele, 2025) está dirigida por Kirill Serebrennikov, cineasta ruso de trayectoria especialmente incómoda y personal.

 

Entre sus trabajos más destacados figuran Leto (2018), La fiebre de Petrov (2021), La mujer de Chaikovski (2022) y Limonov: The Ballad (2024).

 

Con esta película adapta la novela La desaparición de Josef Mengele, de Olivier Guez, y vuelve a trabajar con el director de fotografía Vladislav Opelyants.

 

La película, producción germano-francesa protagonizada por August Diehl, fue presentada en el Festival de Cannes de 2025 dentro de la sección Cannes Première.

 

No compitió por la Palma de Oro, por lo que conviene no confundir selección oficial con competición.

 

 

La larga agonía de un verdugo

 

La desaparición de Josef Mengele no se ocupa tanto del monstruo de Auschwitz como del hombre que consiguió sobrevivir al monstruo que había sido. O, mejor dicho, que seguía siendo.

 

Serebrennikov relata los años de huida de Josef Mengele por Sudamérica, saltando entre distintas épocas y lugares.

 

Argentina, Paraguay y Brasil conforman el mapa de un fugitivo que va cambiando de residencia, aspecto y nombre mientras intenta evitar que la justicia llegue hasta él.

 

La estructura fragmentada encaja perfectamente con esa existencia clandestina.

La película avanza por capítulos, identidades y momentos diferentes hasta llegar al Mengele anciano, visitado por su hijo Rolf.

No estamos ante una biografía convencional, sino ante la progresiva degradación física de un hombre cuya ideología permanece sorprendentemente intacta.

 

Rodada fundamentalmente en un áspero blanco y negro, con algunas irrupciones del color, la película evita cualquier tentación de embellecer a su protagonista.

August Diehl realiza una interpretación extraordinariamente desagradable, y eso es precisamente un elogio.

 

Porque lo verdaderamente aterrador no es descubrir que Mengele fue nazi.

Eso ya lo sabemos.

Lo espantoso es comprobar que nunca dejó de serlo.

 

No hay arrepentimiento.

No hay sentimiento de culpa.

Ni siquiera aparece la miserable excusa del «cumplía órdenes».

Mengele continúa creyendo en aquello que hizo.

Sigue considerando inferiores a los judíos, mantiene intacto su racismo y continúa defendiendo las delirantes fantasías de pureza racial y expansión del pueblo alemán.

 

La guerra terminó, el Tercer Reich desapareció y sus crímenes fueron expuestos ante el mundo.

Él, sin embargo, no aprendió absolutamente nada.

 

Eso convierte al personaje en alguien todavía más despreciable.

 

Su paranoia permanente ante una posible captura por Israel o el Mossad tampoco genera compasión.

Al contrario. Hay algo casi satisfactorio en contemplar cómo vive pendiente de cualquier coche, cualquier desconocido o cualquier movimiento sospechoso.

El verdugo convertido en fugitivo perpetuo.

 

Pero sería consolador pensar que Mengele era simplemente un monstruo aislado.

La película tampoco concede ese alivio.

A su alrededor encuentra personas que lo protegen, lo comprenden o comparten buena parte de su pensamiento.

El nazismo no desapareció mágicamente en mayo de 1945.

Muchos nazis simplemente se quitaron el uniforme.

 

La desaparición de Josef Mengele termina siendo así la larga agonía de un verdugo sin arrepentimiento, un fanático incapaz de reconocer el horror que provocó y convencido hasta el final de que el equivocado era el mundo.

 

Mengele consiguió algo que demasiados criminales nazis consiguieron: morir sin ser juzgado.

 

No consiguió, al menos aquí, que lo recordemos con otra cosa que no sea desprecio.

 

Y después de dos horas contemplando su racismo, su fanatismo y su absoluta ausencia de remordimientos, cuesta encontrar una despedida elegante.

 

Así que tampoco voy a intentarlo.

 

Menudo hijo de puta. Muérete. Púdrete, cabrón.

 

Mi puntuación: 7,87/10.

 

August Diehl como Josef Mengele en La desaparición de Josef Mengele

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Escena de La desaparición de Josef Mengele

 

 

 

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Memory of Princess Mumbi – 2025 – Damien Hauser – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Memory of Princess Mumbi

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La princesa, la IA y el narrador que no se callaba ni debajo del agua

 

Memory of Princess Mumbi es una de esas películas que parecen empeñadas en demostrar que con imaginación, pocos medios y bastante desparpajo se puede montar todo un universo cinematográfico.

 

Ciencia ficción africana, romance, princesas, fronteras imaginarias, inteligencia artificial y una voz en off capaz de sobrevivir a un apagón nuclear.

 

Damien Hauser, cineasta keniano-suizo nacido en Zúrich en 2001, comenzó a realizar cortometrajes siendo prácticamente un niño y estudió cine en el SAE Institute.

 

Antes de Memory of Princess Mumbi había dirigido los largometrajes Blind Love (2021), Theo: A Conversation with Honesty (2022) y After the Long Rains (2023).

 

Con esta última película y con la que nos ocupa ha ido entrando en el circuito internacional de festivales. Memory of Princess Mumbi tuvo su estreno mundial en las Giornate degli Autori del Festival de Venecia de 2025.

 

Y premios, haberlos, haylos.

La película ganó el Golden Tulip a la mejor película en el Festival Internacional de Estambul de 2026, el Premio de la Crítica del Festival de Zúrich de 2025 y recibió una mención especial del Gran Premio Alquimias en la Seminci de Valladolid de 2025.

 

La acción nos lleva hasta 2093.

Kuve, un cineasta, viaja hasta el imaginario país africano de Umata para documentar las consecuencias de una guerra que ha terminado resucitando antiguos reinos.

Allí entra en escena Mumbi y, a partir de ahí, la película empieza a mezclar ciencia ficción, romance, falso documental y reflexión sobre la propia creación cinematográfica.

 

Sobre el papel parece que estamos ante una densísima reflexión geopolítica acerca del colonialismo, las fronteras artificiales, la tecnología y el futuro de África.

 

Pero luego la película decide que tampoco hace falta ponerse estupendos.

 

Porque en el fondo hay una historia de amor bastante sencilla y un triángulo romántico de los de toda la vida.

Puedes situarlo en 2093, meter inteligencia artificial y construir un reino africano retrofuturista, pero al final aparece un tercero y se monta el lío.

Shakespeare mirando desde el más allá pensando: «Tanta tecnología para terminar haciendo lo mismo».

 

Uno de los elementos más llamativos es precisamente la utilización de inteligencia artificial para construir buena parte de ese mundo futurista, una herramienta que permite a una producción pequeña plantear escenarios que mediante procedimientos tradicionales hubieran resultado mucho más costosos.

 

A veces canta bastante, claro.

 

Hay momentos en los que parece que la película estuviese sucediendo dentro de una ilustración animada creada a las cuatro de la mañana por alguien con insomnio, mucha cafeína y una cuenta prémium de generación de imágenes.

 

Pero, extrañamente, esa estética artificial termina otorgándole personalidad.

 

La película aparenta además ser enormemente compleja porque lanza ideas constantemente.

Hay una sensación permanente de torrente narrativo, de hiperactividad visual y verbal.

Todo sucede deprisa.

El montaje es frenético y continuamente están ocurriendo cosas o, peor todavía, explicándonos las cosas que están ocurriendo.

 

Y ahí llegamos a mi principal problema con Memory of Princess Mumbi.

 

La voz en off.

 

Esa voz en off interminable, persistente e invasiva que parece tener prohibido permanecer callada más de quince segundos.

 

Yo es que no puedo con la voz en off utilizada de esta manera (y posiblemente de ninguna posible).

 

Me parece casi siempre un recurso que evidencia cierta desconfianza hacia las imágenes.

Si todo lo que vemos necesita ser explicado continuamente, el cine empieza a parecerse peligrosamente a un audiolibro ilustrado.

 

Y aquí no hay tregua.

 

Cuando no habla el narrador, hablan los personajes.

Cuando dejan de hablar los personajes, vuelve el narrador.

Apenas existen momentos de silencio, contemplación o simple respiración cinematográfica.

 

Todo está verbalizado. Todo explicado. Todo subrayado.

 

Y termina agotando.

 

Es como estar encerrado durante 79 minutos con un amigo hiperactivo que te cuenta una historia mientras simultáneamente te explica por qué te la está contando y, de paso, mueve los brazos como un molino industrial.

 

Una pena, porque la película tiene imaginación, humor, ritmo y una evidente personalidad.

Funciona razonablemente bien como comedia romántica disparatada, algo así como meter ciencia ficción africana, anime romántico y telenovela futurista en una batidora industrial y pulsar el botón de máxima potencia.

 

No siempre funciona.

 

Pero cuando funciona resulta simpática y bastante divertida.

 

Así que aprobado raspadillo.

 

Como esos alumnos caóticos que entregan el examen lleno de flechas, tachones y dibujos absurdos y uno piensa que aquello va directo al suspenso.

 

Pero lo lees entero y terminas reconociendo que, en medio de semejante follón, hay talento e imaginación.

 

Mi puntuación: 5,55/10.

 

Kuve y Mumbi entre las ruinas de Umata en Memory of Princess Mumbi

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Músico con trompeta rodeado de mariposas en Memory of Princess Mumbi

 

 

 

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Mektoub, mi amor: Canto Uno – Mektoub, My Love: Canto uno – 2017 – Abdellatif Kechiche – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Mektoub, mi amor: Canto Uno

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Tres horas mirando un verano que nunca tuve

 

Abdellatif Kechiche es uno de esos directores que no parecen conocer la palabra «cortar».

 

Franco-tunecino, debutó con La culpa la tiene Voltaire y después llegaron La escurridiza, Cuscús, Venus negra y, sobre todo, La vida de Adèle, con la que obtuvo la Palma de Oro en Cannes en 2013.

 

Su cine apuesta por el naturalismo, las conversaciones que parecen improvisadas, los cuerpos y un tiempo cinematográfico que se parece bastante al tiempo real.

 

Aquí lleva esa fórmula hasta las 174 minutazos.

 

Mektoub, mi amor: Canto Uno compitió por el León de Oro en el Festival de Venecia de 2017.

 

Ophélie Bau fue posteriormente nominada al César a mejor actriz revelación por su interpretación de Ophélie.

 

 

Cutrecomentario

 

Verano de 1994. Amin, interpretado por Shaïn Boumedine, regresa desde París a Sète después de haber abandonado Medicina.

Quiere escribir guiones, le gusta la fotografía y, sobre todo, le gusta mirar.

 

Y eso es básicamente Mektoub, mi amor: Canto Uno: una película sobre mirar.

 

Mientras su primo Tony, interpretado por Salim Kechiouche, se dedica con notable entusiasmo al noble arte de ligar con todo lo que se mueve, Amin permanece en segundo plano.

Es prudente, agradable, casi no bebe, no fuma y parece completamente ajeno a la competición veraniega por ver quién se acuesta con más gente.

 

Además está enamorado de Ophélie, interpretada por Ophélie Bau, su amiga de siempre, que tiene a su prometido lejos mientras mantiene una relación clandestina con Tony.

 

Vamos, que el verano está entretenido.

 

Aparecen Charlotte, Céline y el resto de la pandilla.

Playa, baños, discoteca, conversaciones, ligues, desengaños y reconciliaciones.

No ocurre prácticamente nada extraordinario y, sin embargo, no podía dejar de mirar.

 

Ese es para mí el gran misterio de la película.

 

Son 174 minutos, casi tres horas, y durante buena parte del metraje pensaba: «Pero si aquí no está pasando nada». Y acto seguido seguía absolutamente enganchado.

 

Kechiche convierte lo intrascendente en algo hipnótico.

 

No busca grandes acontecimientos. Busca cuerpos, miradas, conversaciones, silencios, música, sol y deseo. Sobre todo deseo.

 

Porque la cámara de Kechiche se recrea muchísimo en los cuerpos femeninos.

Y cuando digo muchísimo quiero decir muchísimo.

Piernas, pechos, traseros, bikinis, bailes…

La cámara tiene una querencia por determinadas anatomías que no necesita brújula para encontrarlas.

 

Ya desde el comienzo, con una relación sexual filmada de manera muy explícita, queda bastante claro por dónde van a ir algunos tiros.

 

Esa mirada puede resultar discutible —y desde luego no es precisamente discreta—, pero forma parte de una película extraordinariamente física y vitalista.

Aquí el verano se suda.

 

Frente a todo ese festival hormonal está Amin, observándolo desde fuera.

Su mirada es la nuestra.

Tiene algo de aspirante a cineasta antes incluso de convertirse en uno: mira a los demás, fotografía, escucha y parece guardar todo lo que sucede para utilizarlo algún día.

 

Y es un amor de chiquillo.

 

Mientras Tony va dejando víctimas sentimentales por las playas de Sète, Amin contempla a Ophélie con esa cara que solo pone quien sabe perfectamente que está enamorado y también sabe perfectamente que no va a hacer nada al respecto.

 

Me gusta especialmente Charlotte, interpretada por Alexia Chardard.

Después de su desengaño con Tony, termina liberándose de unas cuantas dependencias sentimentales y amistosas.

Su encuentro final con Amin, cuando vuelven a verse en la playa y surge esa invitación a cenar, me parece sencillo, tierno y precioso.

 

Sin violines.

 

Sin discursos.

 

Sin que nadie descubra el sentido de la existencia.

 

Simplemente dos personas que se caen bien.

 

Y tal vez ahí esté la clave de Mektoub, mi amor: Canto Uno.

No pretende contar un verano trascendental.

Solo un verano.

 

Curiosamente no me produjo nostalgia, porque yo nunca viví unas vacaciones así.

Más bien cierta envidia retrospectiva.

 

Me hubiera gustado vivir ese verano.

 

Con esa playa, aquellas noches de fiesta, esas chicas tan simpáticas y ese ambiente de despreocupación donde el principal problema consiste en quién se ha acostado con quién y quién se ha enterado después.

 

Aunque tampoco todo es idílico.

 

Porque está el inevitable tío sobón.

 

Todas las familias parecen tener alguno.

Yo incluso conocí en mi antigua familia política a uno cuyo apodo oficioso era el «tío Tocatetas». No creo necesario explicar el currículum que había conducido a semejante nombramiento.

 

En Mektoub, mi amor: Canto Uno tampoco hace falta demasiada explicación. Qué tío más asqueroso, por favor.

 

Al terminar sigo sin saber muy bien por qué me ha gustado tanto.

 

Es larguísima.

 

Es reiterativa.

 

Se recrea descaradamente en los cuerpos femeninos.

 

No tiene una gran trama.

 

No posee uno de esos momentos destinados a aparecer en las antologías de la historia del cine.

 

Y, sin embargo, me ha resultado fascinante.

 

Tal vez porque durante tres horas no he tenido la sensación de que Kechiche me estuviera contando aquel verano.

 

He tenido la sensación de estar allí.

 

Y, francamente, no me hubiera importado nada quedarme unos cuantos días más.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Escena de Mektoub, mi amor: Canto Uno

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Mektoub, mi amor: Canto Uno

 

 

 

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Posesión infernal: En llamas – Evil Dead Burn – 2026 – Sébastien Vaniček – #YoVoyAlCine

9/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Posesión infernal: En llamas

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La venganza de la nuera con cortadora de setos

 

Sébastien Vaniček es un director y guionista francés que debutó en el largometraje con Vermin: La plaga (Vermines / Infested, 2023), una película de terror arácnido bastante cafre que ganó el Premio Especial del Jurado en Sitges y fue nominada al César a la mejor ópera prima.

 

Después de semejante tarjeta de presentación, Sam Raimi y Rob Tapert le entregaron las llaves de la motosierra para dirigir Posesión infernal: En llamas (Evil Dead Burn, 2026).

 

La película se rodó en Nueva Zelanda y supone una nueva entrega independiente de la franquicia Evil Dead.

 

La protagonista es Alice, interpretada por Souheila Yacoub, una joven francesa que, tras la muerte de su marido, termina con la familia política.

 

Y ya sabemos que hay situaciones en las que enfrentarse a unos Deadites (*) puede ser incluso la opción menos traumática.

 

(*) Los Deadites son las criaturas demoníacas características de la saga Evil Dead (Posesión infernal), creada por Sam Raimi.

No son exactamente zombis. Son personas —vivas o muertas— poseídas por entidades demoníacas, generalmente liberadas mediante el Necronomicon Ex-Mortis. Una vez poseídas, sufren transformaciones físicas, adquieren fuerza sobrenatural y, sobre todo, desarrollan esa entrañable costumbre de mutilar, torturar y hacer la puñeta al protagonista.

 

 

Cutrecomentario

 

Posesión infernal: En llamas podría haberse titulado perfectamente La venganza de la nuera con cortadora de setos.

 

Alice se ha casado con un maltratador de libro y termina rodeada de una familia política cuyos miembros van siendo poseídos sucesivamente.

 

Lo divertido es que, cuando se convierten en Deadites, casi parece que simplemente están dejando salir al exterior su verdadera personalidad.

 

Aquí hay spoilers a cascoporro, como corresponde a esta santa casa.

 

Porque nuestra protagonista, cuando llega el momento de ajustar cuentas, demuestra unas habilidades extraordinarias manejando cortacéspedes, martillos neumáticos y cualquier herramienta susceptible de convertir a un familiar político en carne picada. Bricomanía nunca llegó tan lejos.

 

La película sigue bastante fielmente el mecanismo de la saga: los poseídos se van acumulando, cada uno resulta más desagradable que el anterior y el gore va creciendo hasta inundarlo todo.

 

Hay body horror, sangre, vísceras, sesos, intestinos, miembros desperdigados y todo ese entrañable material que convierte una reunión familiar en algo todavía peor que una cena de Nochebuena.

 

Visualmente me ha llamado la atención lo oscura y gris que resulta. Hay momentos en los que parece que estemos viendo una película en blanco y negro a la que alguien ha decidido añadir únicamente el rojo de la sangre.

 

Y lo curioso es que al principio me daba absolutamente igual. La estaba viendo casi por compromiso y sin demasiado entusiasmo.

 

Pero conforme avanzaba el metraje me ha ido ganando.

 

Cada vez me interesaba más aquella pobre mujer enfrentada a suegros, cuñados y cuñadas convertidos en criaturas infernales. Incluso he terminado identificándome con ella.

 

Porque, seamos sinceros: ¿quién no ha pensado alguna vez que en su familia política podía haber algún poseído?

 

Como película de género, Posesión infernal: En llamas cumple perfectamente con lo que promete.

Es desagradable, excesiva, violenta, sanguinolenta y progresivamente divertida dentro de su salvajismo.

 

A mí me ha terminado enganchando.

 

¿Recomendada para todos los públicos?

Ni de coña.

 

Esto es exclusivamente para muy cafeteros del gore y del terror más bruto.

 

Los demás pueden aprovechar para ir a visitar a sus suegros. Aunque, pensándolo bien, tampoco sé qué opción resulta más peligrosa.

 

Mi puntuación: 7,52/10.

 

Escena de Posesión infernal: En llamas

 

Dirigido por Sébastien Vaniček:

Sébastien Vaniček, director de Posesión infernal: En llamas

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Troya – Troy – 2004 – Wolfgang Petersen – HBO Max

8/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Troya (Troy), de Wolfgang Petersen

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Troya: Aquiles, bíceps, gloria eterna y un caballo con muy malas intenciones

 

Wolfgang Petersen sabía manejar el espectáculo a lo grande.

 

El director alemán alcanzó fama internacional con El submarino (Das Boot) y después se instaló cómodamente en Hollywood con En la línea de fuego, Estallido, Air Force One (El avión del presidente) y La tormenta perfecta.

 

Troya encaja perfectamente en esa filmografía: acción, grandes escenarios, estrellas y un director que sabe dónde poner la cámara cuando hay que movilizar a unos cuantos miles de soldados.

 

Troya obtuvo una nominación al Oscar de 2005 al mejor diseño de vestuario, obra de Bob Ringwood.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Revisito Troya (Troy) veintidós años después de su estreno.

Cómo pasa el tiempo.

Y cómo han envejecido algunos de sus protagonistas mientras nosotros, naturalmente, seguimos exactamente igual.

 

Lo primero que me llama la atención es lo espectacular que sigue resultando.

Wolfgang Petersen convierte la guerra de Troya en una película bélica de toda la vida, solo que con espadas, escudos, sandalias y unos abdominales bastante mejor trabajados que los habituales.

 

La película recoge el espíritu general de La Ilíada y de la tradición sobre la guerra de Troya, pero se toma enormes libertades. Y hace bien en no disimularlo. Esto no es una clase de filología clásica, sino una superproducción de Hollywood escrita por David Benioff.

 

Las batallas siguen funcionando estupendamente.

Los movimientos de masas están bien resueltos y Troya aparece como una ciudad monumental, viva, imponente y aparentemente inexpugnable.

Su estética incluso tiene por momentos algo más egipcio que griego.

 

Y hay otra cosa que llama mucho la atención vista hoy: la luz.

 

Los cielos son azules. El Mediterráneo parece Mediterráneo. Hay colores. Hay sol. Hay brillo.

 

Después de haber visto La Odisea de Christopher Nolan, la comparación resulta inevitable.

La película de Nolan presenta un mundo mucho más sombrío y hostil; incluso su tratamiento visual del Mediterráneo ha provocado comentarios precisamente por esa ausencia de la luminosidad tradicionalmente asociada al Egeo.

 

Tal vez cada película sea hija de su tiempo.

 

En 2004 vivíamos todavía en plena expansión económica, antes del estallido de la burbuja inmobiliaria y de la crisis financiera.

Troya es una película luminosa, expansiva, confiada en el espectáculo y en la épica.

La Odisea de 2026 parece surgir de una época bastante menos optimista.

 

El cine habla de la época que retrata, pero también de la época en la que se rueda.

 

Aquí hay épica y hay sentimiento. Incluso demasiado sentimiento.

 

Porque uno de los defectos de Troya es esa costumbre tan de determinado cine de principios de siglo de parar la película para indicarnos solemnemente que ahora toca emocionarse.

Petersen subraya algunos momentos sentimentales más de lo necesario y ahí la película se vuelve algo pesada.

 

Pero llega otra batalla y se nos pasa.

 

El protagonismo está bastante repartido, aunque fundamentalmente se disputa entre dos hombres: Aquiles y Héctor.

 

Brad Pitt está en plenitud física interpretando a Aquiles.

Bíceps musculados, muslos robustos, nalgas poderosas y unos desnudos cuidadosamente planificados para enseñarnos prácticamente todo excepto aquello que hubiera elevado considerablemente la calificación por edades.

 

Aquiles está hecho un cachas estupendo.

 

Pero reducir a Brad Pitt a su físico siempre me ha parecido injusto.

Parece existir esa extraña teoría según la cual para ser considerado gran actor hay que ser feo.

Pitt ya había demostrado mucho antes, en Doce monos o Amor a quemarropa, que además de ser insultantemente guapo sabía actuar.

Y aquí vuelve a demostrarlo.

 

Su Aquiles es arrogante, sobrado y extraordinariamente consciente de su talento.

Pero sobre todo tiene una obsesión: trascender.

 

Quiere que dentro de miles de años alguien siga pronunciando su nombre.

Y, mira tú por dónde, lo consiguió.

 

Ese deseo de permanecer después de la muerte es profundamente humano.

Las religiones prometen cielos, paraísos o nirvanas; las ideologías levantan monumentos; los artistas dejan obras y los guerreros de Homero buscaban gloria.

 

Aquiles quiere la inmortalidad más eficaz que conocemos: que alguien se acuerde de ti cuando ya no estés.

 

Frente a él está Héctor, interpretado magníficamente por Eric Bana.

 

Héctor es prácticamente su contrario. Prudente, familiar, responsable.

Sabe que la guerra es una desgracia y precisamente por eso puede ser un excelente guerrero.

Tener miedo no le convierte en cobarde; le convierte en alguien que sabe perfectamente lo que puede perder.

 

Y después tenemos a Paris.

Ay, Paris.

Orlando Bloom interpreta a un flojucho que, por enamorarse de Helena, interpretada por una jovencísima y deslumbrante Diane Kruger, consigue arrastrar a toda una ciudad hacia la catástrofe.

 

 

Cuando tiene que enfrentarse a Menelao, interpretado por Brendan Gleeson, descubrimos que de héroe anda bastante justito.

 

Así que termina refugiándose en aquello que mejor se le daba a Orlando Bloom por aquellos años: coger un arco y convertirse otra vez en Legolas.

 

También están estupendos Brian Cox como el ambicioso y desagradable Agamenón, Brendan Gleeson como Menelao y, por supuesto, Peter O’Toole como el rey Príamo.

 

Y aparece una jovencísima Rose Byrne interpretando a Briseida, protegida una y otra vez por Aquiles.

 

Patroclo, interpretado por Garrett Hedlund, es aquí presentado como primo y protegido de Aquiles.

Su muerte a manos de Héctor desencadena finalmente la furia del héroe griego.

La película modifica así de manera importante la tradición homérica y elimina además prácticamente toda intervención directa de los dioses.

 

Y me estaba dejando a uno de mis personajes favoritos: Odiseo, interpretado por Sean Bean.

 

Aquí Odiseo representa la inteligencia práctica.

 

No es el más fuerte ni el más espectacular.

Tampoco necesita serlo.

Conoce su posición dentro del ejército aqueo, sabe negociar, conciliar, convencer y esperar.

 

Mientras Aquiles se mueve por la gloria y Agamenón por el poder, Odiseo utiliza la cabeza.

 

Es, de alguna manera, el contrapunto griego de Héctor: dos hombres que comprenden que una guerra no debería ser una competición para descubrir quién tiene la testosterona más descontrolada.

 

Y, naturalmente, será Odiseo quien tenga la idea del caballo.

 

La película comprime brutalmente la cronología tradicional de una guerra que dura diez años.

Aquí todo sucede a velocidad de AVE: desembarco, batallas, retirada aparente, caballo de madera y a conquistar Troya.

 

Pero funciona.

 

Además, Troya es más adulta de lo que recordaba.

Hay sexo, desnudos y, sobre todo, la conquista de la ciudad no se presenta como una fiesta heroica.

Cuando los aqueos entran en Troya aparecen asesinatos de civiles, mujeres atacadas, niños muertos y toda la brutalidad que acompaña a una ciudad saqueada.

 

Petersen no se recrea especialmente en ello, pero tampoco lo oculta.

 

El fuego final canta algo más.

Han pasado veintidós años y algunos efectos visuales empiezan a enseñar las costuras.

Pero sorprende lo bien que aguanta casi todo el espectáculo.

 

Troya no tiene la profundidad ni la amargura de La Odisea de Christopher Nolan. Tampoco creo que lo pretenda.

 

Esta es fundamentalmente una película épica, luminosa, espectacular y entretenida.

 

Una adaptación muy libre de Homero que sacrifica dioses, cronología y complejidad para construir un gran espectáculo cinematográfico.

 

Y veintidós años después sigue funcionando.

 

Además, tiene a Brad Pitt haciendo de Aquiles prácticamente en pelotas.

 

Homero no especificó ese detalle.

 

Pero tampoco creo que hubiera protestado.

 

Mi puntuación: 7,77/10.

 

 

Dirigido por Wolfgang Petersen:

 

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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American Psycho – 2000 – Mary Harron – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

7/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel oficial de American Psycho

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

American Psycho: El lobo de Wall Street se pone loción sin alcohol

 

Mary Harron es una cineasta canadiense surgida del cine independiente norteamericano.

 

Debutó en el largometraje con Yo disparé a Andy Warhol y después dirigió The Notorious Bettie Page, The Moth Diaries, Las chicas de Manson y Dalíland.

 

También realizó la estupenda miniserie Alias Grace.

 

Su cine suele fijarse en personajes incómodos y en las relaciones entre poder, identidad, deseo y violencia.

 

En American Psycho adaptó junto a Guinevere Turner la polémica novela de Bret Easton Ellis.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Vi American Psycho en el cine en el año 2000 y me repugnó bastante.

 

Ahora la he revisitado en las proyecciones de Wilder Cinema, después de que el tiempo la haya convertido en película de culto, y la he visto con otros ojos. No me entusiasma, pero entiendo mucho mejor su interés.

 

La película retrata a un espécimen muy reconocible de los años ochenta y noventa: el yuppie.

Un individuo con dinero, traje carísimo, cuerpo de gimnasio y una liturgia cosmética que entonces se asociaba más al universo femenino.

El antepasado directo del metrosexual, pero con conversaciones de machirulo de encefalograma social plano.

 

Patrick Bateman, interpretado por Christian Bale, no es tanto un personaje aislado como el representante extremo de toda una clase.

Sus compañeros son casi intercambiables.

Visten igual, hablan igual, se confunden unos con otros y compiten por reservar mesa en el restaurante más imposible o por exhibir la tarjeta de visita más elegante.

La escena de las tarjetas es una cumbre de la idiotez humana: tipos poderosos al borde del colapso porque uno ha elegido un blanco más distinguido.

 

También aparecen aquellos teléfonos móviles del tamaño de un ladrillo, que en el año 2000 todavía parecían una excentricidad para ejecutivos con ganas de hacerse notar.

Luego se hicieron diminutos y ahora vuelven a ser enormes.

La humanidad avanza mucho para terminar llevando una tabla de cortar en el bolsillo.

 

Ese retrato disgeneracional es lo mejor de la película.

Bateman vive rodeado de personas, pero no mantiene una relación auténtica con ninguna.

Entre los hombres solo hay competición, vanidad y conversaciones machistas.

Con las mujeres no existe intimidad: hay sexo, prostitución, pornografía, dominación y desprecio.

Todo está limpio, caro y perfectamente perfumado, pero moralmente huele a alcantarilla.

 

Además, Bateman es un psicópata que mata de manera compulsiva, sin empatía hacia sus víctimas y sin asumir responsabilidad alguna.

Siempre encuentra una explicación que lo descarga: una provocación, una mirada, una frase inconveniente o, sencillamente, que alguien tenga una tarjeta mejor que la suya.

 

Yo estuve quince años y un día en prisión. Trabajando, aclaro, que en internet nunca se sabe. Allí conocí a bastantes psicópatas, casi todos procedentes de estratos sociales muy bajos: hombres incultos, mal vestidos y que en ocasiones no olían precisamente a loción sin alcohol.

 

Bateman pertenece a la misma familia moral, pero envuelto en Armani.

La película acierta al recordarnos que la crueldad no necesita chándal ni navaja: también puede llevar corbata de seda y reservar en Dorsia.

 

La interpretación de Christian Bale se ha vuelto icónica, pero a mí no me parece redonda.

Su frialdad encaja con el personaje y su control físico es impresionante.

El problema llega cuando Bateman empieza a sufrir crisis, pierde el dominio de sí mismo y entra en un terreno cada vez más psicótico.

Ahí la interpretación se vuelve más aparatosa y la película empieza a hacer trampas.

 

 

Alerta: spoilers

 

El tramo final me chirría de forma absoluta.

No porque una persona con rasgos psicopáticos sea incapaz de padecer ansiedad —eso sería demasiado categórico—, sino porque la película introduce una descomposición psicótica que embarulla su discurso.

Ya no sabemos qué crímenes han sucedido, cuáles son delirios y hasta qué punto contemplamos una realidad deformada por Bateman.

 

La intención no era resolverlo con el viejo «todo estaba en su cabeza».

Mary Harron y Guinevere Turner han explicado que querían que los hechos fueran reales hasta que la percepción del personaje empieza a quebrarse abiertamente.

Pero el resultado permite precisamente esa escapatoria, y la propia directora ha reconocido que el final quedó demasiado inclinado hacia esa lectura.

 

Eso debilita la película. Si todo es producto de un delirio, Bateman deja de ser solo el monstruo perfectamente integrado en el capitalismo triunfante y el relato abre una coartada clínica que no necesitaba.

Y si lo que aparece es una crisis moral, tampoco funciona: los remordimientos romperían la lógica interna del personaje.

La ambigüedad no siempre es profundidad; a veces es simplemente niebla.

 

Estos planteamientos me parecen profundamente reaccionarios y victimizan al verdugo y, hasta cierto punto, lo exculpan. Una mierda.

 

También me incomoda la puesta en escena.

La película mantiene una mirada crítica sobre esos yuppies, pero en varios momentos los filma con contrapicados, engrandecidos alrededor de una mesa mientras beben bourbon y dicen barbaridades racistas, machistas y aporofóbicas.

En cambio, en bastantes ocasiones las mujeres aparecen observadas en planos picados, empequeñecidas.

No es una regla matemática —un picado no convierte automáticamente a nadie en inferior—, pero la reiteración introduce una contradicción visual que a mí me resulta molesta.

 

Hay, sin embargo, secuencias muy bien dirigidas.

Todo el bloque de la prostitución está montado con precisión, con una coordinación enfermiza entre el narcisismo de Bateman, los espejos y los cuerpos tratados como mercancía.

Y resulta magnífica la elipsis con Christie, interpretada por Cara Seymour, cuando cuenta que después de su anterior encuentro terminó en urgencias recuperándose de las heridas.

 

El tratamiento de los personajes femeninos también plantea problemas.

La película denuncia un universo profundamente misógino, pero a ratos parece contaminada por él.

Evelyn Williams, interpretada por Reese Witherspoon, es una pija frívola que vive en Babia.

Courtney Rawlinson, a la que da vida Samantha Mathis, permanece drogada casi de manera perpetua.

Las prostitutas son víctimas convertidas en objetos.

Y Jean, la secretaria encarnada por Chloë Sevigny, es la única figura con algo parecido a sensibilidad, aunque esté construida desde la sumisión y el enamoramiento ingenuo.

 

No diría que todos los personajes femeninos sean negativos de la misma manera, porque Jean funciona también como el único resto de humanidad de la historia.

Pero el abanico que se les concede es demasiado estrecho: tontas, sometidas, drogadas o prostituidas.

La intención crítica existe; el resultado no siempre consigue separarse de aquello que pretende denunciar. Otra mierda.

 

Y luego está Willem Dafoe como el inspector Donald Kimball, siempre estupendo. Da vida a una especie de Colombo.

Entra en la película sin levantar la voz y consigue que cada pregunta parezca una caricia o una amenaza.

Es de los pocos personajes que introduce una tensión verdadera sin necesidad de enseñar un hacha.

 

Veintiséis años después, American Psycho me sigue pareciendo una película desagradable y profundamente irregular.

Pero ahora veo con más claridad la potencia de su sátira: Patrick Bateman no es una anomalía dentro de aquel mundo, sino su producto mejor vestido.

La película ha ganado interés con el tiempo.

No tanto como retrato de un asesino, sino como autopsia de un segmento social social vacío, machista y obscenamente satisfecha de sí misma.

 

La he visto con otros ojos. Eso no significa que ahora me caiga mejor.

 

A Bateman ni una segunda oportunidad le mejora la tarjeta de visita.

 

Mi puntuación: 5,62/10.

 

Patrick Bateman empuña un hacha en American Psycho

 

Dirigido por Mary Harron:

La directora Mary Harron

Foto: John C. Walsh / Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0).

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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La escena de las tarjetas de visita en American Psycho

 

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El amor que permanece – Ástin sem eftir er – 2025 – Hlynur Pálmason – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de El amor que permanece

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El amor que permanece: divorciarse en Islandia, con cuatro estaciones, vino de más y gemelos desatados

 

Hlynur Pálmason es uno de los nombres clave del cine islandés actual. Cineasta y artista visual, debutó en el largometraje con Winter Brothers y continuó con Un blanco, blanco día y Godland.

 

Su cine es físico, naturalista y muy atento al paisaje y al paso del tiempo.

 

Le interesan más los gestos, los silencios y las pequeñas rutinas que el drama subrayado.

 

Vamos, que no tiene prisa… y sabe perfectamente lo que hace.

 

La película se presentó en la sección Cannes Première, fue elegida por Islandia para representar al país en los Óscar —aunque no consiguió la nominación— y recibió una mención especial en el Festival de Gante.

 

Además, Panda, el perro de la familia, ganó la Palm Dog en Cannes. Al menos alguien salió del divorcio con premio.

 

La pareja no funciona. Hace tiempo que dejó de funcionar. Anna y Magnús, recién separados, intentan mantener cierta normalidad alrededor de sus tres hijos.

Ella continúa con los niños en la casa familiar mientras él pasa largas temporadas trabajando en el mar.

 

A lo largo de las cuatro estaciones asistimos al desmoronamiento tranquilo, pero imparable, de lo que queda de su relación.

 

Hlynur Pálmason construye la película mediante escenas pequeñas, cotidianas y casi domésticas, como si filmarlas pudiera salvarlas del olvido y conservarlas en un álbum familiar imaginario.

 

El amor que permanece es sencilla desde el punto de vista narrativo, muy costumbrista y muy de observar cómo respiran los personajes.

 

A veces resulta ridícula, otras simpática y en ocasiones simplemente incómoda. Como la vida misma.

 

Todos los personajes tienen una personalidad bien definida. Hay momentos abiertamente cómicos y otros en los que el drama asoma sin avisar, se sienta en la cocina y decide quedarse.

 

En algunos pasajes, esa pareja rota recuerda inevitablemente al cine de Ingmar Bergman. Sí, ese.

 

En otros, la comicidad corre por cuenta de los dos gemelos, una especie de Zipi y Zape islandeses capaces de llevar la película hacia situaciones grotescas y realmente divertidas.

 

También resulta muy interesante su retrato del mundo del arte: los marchantes, las poses, el desprecio hacia quien intenta ser original y esa escena gloriosa —y dolorosa— del galerista defendiendo su consumo de más de un litro de vino al día. Absolutamente ridículo. La incomodidad de Anna termina siendo exactamente la del espectador.

 

Y ojo con Saga Garðarsdóttir, nombre complicado donde los haya. Está estupenda: tiene presencia, verdad y una naturalidad extraordinaria. Para mí, una joya del cine islandés actual.

 

El amor que permanece es una película pequeña, irregular por momentos, pero muy honesta; a veces muy divertida y otras dolorosamente reconocible.

Como el amor cuando ya no sabe muy bien qué hacer para seguir existiendo.

 

Mi puntuación: 7,67/10.

 

Dos jóvenes en una escena de El amor que permanece

 

Dirigido por Hlynur Pálmason:

Hlynur Pálmason, director de El amor que permanece

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Escena familiar de El amor que permanece

 

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Julian – 2025 – Cato Kusters – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Julian

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Veintidós bodas y un melodrama

 

Cato Kusters (Bélgica, 1998) se formó en montaje y dirección en la escuela RITCS de Bruselas.

 

Comenzó trabajando como directora y montadora de videoclips.

 

Su corto de graduación, Finn’s Heel (2022), obtuvo el premio al mejor corto estudiantil belga en el Film Fest Gent.

 

Julian, coescrita con Angelo Tijssens, es su primer largometraje y la primera producción de The Reunion, compañía de Michiel Dhont y Lukas Dhont.

 

La película se presentó mundialmente en la sección Discovery del Festival de Toronto y fue la cinta inaugural del Film Fest Gent 2025.

 

En 2026 obtuvo cuatro premios Ensor: mejor película, dirección, guion y actriz protagonista para Laurence Roothooft. Kusters recibió además el Ensor a la promesa del año.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Julian podría haberse titulado perfectamente Proyecto 22.

De hecho, esa fue la denominación real de la iniciativa emprendida por Fleur Pierets y Julian P. Boom: casarse en los 22 países que reconocían el matrimonio igualitario cuando concibieron el proyecto.

 

Nina Meurisse interpreta a Fleur y Laurence Roothooft a Julian.

 

Se enamoran, deciden casarse por todo el planeta y descubren que el amor será universal, pero los billetes de avión no los paga Cupido.

Buena parte de la trama gira alrededor de la búsqueda de financiación y patrocinadores.

 

La película se detiene especialmente en la primera ceremonia en París y la celebrada en Nueva York.

Todo está contado con un tono amable, sin grandes discursos ni villanos de opereta.

La reivindicación de los derechos LGTBIQ+ nace de la propia historia y no de que alguien se suba a una caja de fruta para soltar un mitin.

 

La relación amorosa resulta creíble y está relatada con sensibilidad.

El problema es que los personajes quedan definidos con pinceladas demasiado rápidas.

Sabemos qué pretenden hacer y cómo intentarán conseguirlo, pero no terminamos de conocerlas suficientemente fuera del proyecto.

Paradójicamente, una historia tan íntima acaba resultando algo superficial en la construcción de sus protagonistas.

 

El relato sigue una estructura no lineal, mezclando distintos momentos mediante analepsis y prolepsis, lo que toda la vida hemos llamado flashbacks y flashforwards.

Esta fragmentación anuncia desde el principio que detrás de tanta felicidad nupcial se aproxima algún nubarrón.

 

La estética imita deliberadamente la textura del vídeo doméstico y de las grabaciones improvisadas.

Esa apariencia de material amateur aporta cercanía, aunque tampoco consigue suplir la limitada profundidad de los personajes.

 

En el último tercio llega el drama y la película empieza a mirar con demasiado interés hacia nuestro lagrimal.

No me molesta que la historia sea triste, sino que se subraye tanto la tristeza.

Había suficiente carga emocional sin necesidad de apretar el botón del melodrama hasta dejarlo hundido.

 

Julian es una película sincera, humana y bienintencionada sobre el amor y la igualdad.

 

Funciona mejor cuando observa a sus protagonistas con naturalidad que cuando se empeña en decirnos exactamente cuándo debemos sacar el pañuelo.

 

Mi puntuación: 6,46/10.

 

Escena de Julian en un tren

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Escena de Julian junto al río

 

 

 

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Sombra nómada – Nomad Shadow – 2025 – Eimi Imanishi – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Sombra nómada

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Regreso al futuro… pero con el futuro confiscado

 

La japonesa-estadounidense Eimi Imanishi debuta en el largometraje con Sombra nómada (Nomad Shadow), después de dirigir los cortos Battalion to My Beat (2016), One-Up (2017) y 3×13 (2021).

 

El primero, rodado en los campamentos de refugiados saharauis de Argelia, ganó en 2017 el Premio Canal+ al mejor cortometraje internacional en Clermont-Ferrand.

 

Imanishi vuelve al Sáhara para hablar de migración, desarraigo y pertenencia desde el camino de regreso, mucho menos transitado por el cine.

 

Sombra nómada se estrenó mundialmente en el Festival de Toronto de 2025, dentro de la sección Centrepiece, y participó después en la competición del Festival Black Nights de Tallin.

 

En 2026 ganó el premio al mejor largometraje de ficción en el Santiago del Estero Film Fest.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Mariam, interpretada por Nadhira Mohamed, es el centro absoluto de la película.

Prácticamente no hay un fotograma que no pase por ella.

 

Después de vivir diez años en España, es deportada por un asunto relacionado con el tráfico de drogas y regresa a El Aaiún, en el Sáhara Occidental.

 

El problema es que ya no pertenece a ningún sitio.

España la ha expulsado y su lugar de origen tampoco la reconoce como una de los suyos.

Una especie de maleta extraviada por la burocracia, pero con tatuajes, mala leche y muchas ganas de largarse otra vez.

 

Su familia no funciona precisamente como comité de bienvenida.

El hermano ejerce de patriarca y pretende decidir qué puede hacer.

La madre le reprocha su comportamiento occidentalizado.

 

Mariam choca contra unas normas familiares y sociales que reducen mucho su autonomía, pero tampoco tiene dinero para volver a España.

 

En consecuencia, acepta trabajos precarios y termina acercándose a actividades que ya cruzan alegremente la frontera de lo delictivo.

También se reencuentra con su antigua pareja, marcada por su propia y fracasada experiencia migratoria, e intenta reconstruir sus relaciones con la hermana y con otras mujeres del entorno.

 

Aquí aparece cierta sororidad, pero a ráfagas.

La película no idealiza a las mujeres ni las convierte automáticamente en hermanas solidarias por compartir opresión.

Algunas ayudan y otras juzgan.

La caballería feminista no siempre llega a tiempo.

 

Casi todos los hombres con alguna autoridad son retratados como machistas, controladores o directamente desagradables.

Es el mundo que la película muestra, aunque sería excesivo convertir ese retrato cinematográfico en un censo de todos los hombres saharauis.

 

Imanishi habla de un entorno concreto, atravesado por el patriarcado, la pobreza, la ocupación y la falta de oportunidades.

 

Resulta significativo el cambio de vestuario de Mariam.

Pasa de una indumentaria claramente europea a otra más aceptable para su entorno.

Parece adaptarse por fuera, pero por dentro sigue siendo la misma muchacha rebelde, incapaz de resignarse al papel que le han asignado.

 

Desde muy pronto se intuye que aquello no va a terminar bien. Y, efectivamente, la película concluye sin ofrecer una verdadera solución.

Es coherente con una protagonista atrapada en un conflicto que no admite finales felices, aunque también deja cierta sensación de relato interrumpido.

 

La respuesta es que Mariam seguirá viviendo en la inconformidad, sin poder marcharse y sin encontrar su sitio.

 

Nadhira Mohamed se echa la película a la espalda y consigue sostenerla.

 

Su interpretación aporta energía, rabia y verdad a una historia que, sin ella, habría corrido el riesgo de quedarse vagando por el desierto.

 

Mi puntuación: 5,46/10.

 

Barca al anochecer en Sombra nómada

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Mujer en una escena de Sombra nómada

 

 

 

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Idiotka – 2025 – Nastasya Popov – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Idiotka

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

El show de Truman pasa por la máquina de coser

 

Nastasya Popov es una guionista y directora de Los Ángeles, hija de inmigrantes rusos.

 

Idiotka supone su debut en el largometraje: la escribe, dirige y produce.

 

Anteriormente había realizado cortos y documentales presentados en festivales como Palm Springs y Hamptons.

El guion pasó por el SFFILM Invest Lab y la película se estrenó mundialmente en SXSW en 2025.

 

Idiotka fue seleccionada para la competición de nuevos directores del Festival de San Francisco de 2025, optando al Golden Gate Award.

 

Idiotka se plantea como una comedia construida alrededor de Margarita Levlansky, interpretada por Anna Baryshnikov.

 

La joven vive con su familia judía de origen ruso y ucraniano en el barrio ruso de West Hollywood y pretende alcanzar el sueño americano participando en un concurso televisivo de diseño de moda.

 

El problema es que a los responsables de Slay, Serve, Survive les interesa bastante menos su talento con la aguja que comprobar cuánto puede descoserse su familia ante las cámaras.

Que su padre haya pasado por la cárcel, que su abuela sea excéntrica y esté enferma o que todos estén a punto de ser desahuciados proporciona mucho más espectáculo que cualquier vestido.

 

La película funciona como una sátira sobre los realities y la explotación televisiva de las desgracias ajenas.

La cámara se ha convertido en el confesionario del siglo XXI: ya no ofrece absolución, pero sí minutos de pantalla y, con suerte, una pausa publicitaria.

 

Las ideas no son malas. Tampoco carece de interés el retrato de la precariedad, la familia inmigrante y esa versión del sueño americano en la que hay que vender primero la intimidad para poder comprar después el éxito.

 

El problema está en la forma de contarlo.

Idiotka oscila continuamente entre la tontería y la ñoñez.

Los personajes se convierten en caricaturas, la ternura se transforma en almíbar y el supuesto caos acaba resultando tedioso.

 

La película sabe perfectamente qué quiere criticar, pero no consigue hacerlo de una manera soportable.

 

Tiene una tela prometedora, aunque el patrón narrativo esté mal cortado y las costuras tiren por todas partes.

 

A ratos resulta francamente insoportable.

 

Mi puntuación: 5,43/10.

 

Anna Baryshnikov en una escena de Idiotka

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

La familia de Margarita en una escena de Idiotka

 

 

 

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Ser o no ser – To Be or Not to Be – 1942 – Ernst Lubitsch – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Ser o no ser

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Hamlet 1, Hitler 0: el toque Lubitsch desarma a la Gestapo

 

Ernst Lubitsch (Berlín, 1892-Los Ángeles, 1947) comenzó como actor y director en el cine mudo alemán antes de instalarse en Hollywood en 1922.

 

Allí se convirtió en uno de los grandes maestros de la comedia sofisticada con títulos como Un ladrón en la alcoba (1932), Ninotchka (1939), El bazar de las sorpresas (1940) y El diablo dijo no (1943).

 

El famoso «toque Lubitsch» era como el aroma de un buen vino: todo el mundo sabía reconocerlo, pero nadie acertaba a explicar del todo su composición.

Ironía, elegancia, elipsis, erotismo sutil y el arte de sugerir mucho más de lo que se mostraba.

 

Sus películas parecían ligeras, aunque bajo esa apariencia siempre había un compromiso moral y social.

En 1947 recibió un Oscar honorífico por su contribución al arte cinematográfico.

 

Ser o no ser obtuvo una nominación al Oscar por la partitura de Werner R. Heymann.

En 1996 fue incorporada al National Film Registry de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética.

 

 

Cutrecomentario

 

Poco se puede decir de Ser o no ser que no se haya dicho ya. Es una de las mejores comedias de la historia del cine.

 

Los diálogos son ingeniosos, divertidos y pronunciados a velocidad de vértigo.

El ritmo es impresionante y la trama no decae ni durante un segundo.

Aquí no sobra una escena, una réplica ni una peluca de la Gestapo.

 

Los actores están en estado de gracia.

Jack Benny, Carole Lombard, Robert Stack, Felix Bressart y Sig Ruman componen un reparto perfecto, en el que hasta el último secundario parece haber nacido para pronunciar su frase.

 

Carole Lombard está maravillosa. Maria Tura es el eje de la acción y la única mujer con verdadero peso en la historia.

 

Miriam Hopkins había sido la primera elegida, pero no quedó satisfecha con el papel y Lombard, que deseaba trabajar con Lubitsch, terminó interpretándolo.

 

Fue su última película. Murió el 16 de enero de 1942 en un accidente aéreo cuando regresaba de una gira de venta de bonos de guerra, pocas semanas después de finalizar el rodaje y antes del estreno.

 

Ser o no ser es también un gran homenaje a los actores de teatro.

¿Quién mejor que ellos para participar en una trama de espionaje?

Los disfraces, el maquillaje, los decorados, la improvisación y la capacidad para engañar al público se convierten aquí en armas contra los nazis.

 

La interpretación salva vidas.

Por una vez, sobreactuar deja de ser un defecto y pasa a convertirse en una virtud patriótica.

 

La película está llena de frases memorables.

La más demoledora compara lo que Joseph Tura le hizo a Shakespeare con lo que los alemanes están haciendo a Polonia.

Un chiste terrible, cruel y perfecto.

 

Parte de la crítica de 1942 consideró inapropiado utilizar la comedia para hablar de la invasión de Polonia mientras la guerra seguía en marcha.

Pero Lubitsch no se ríe de las víctimas ni convierte los bombardeos en una broma.

Ridiculiza a los nazis, su ideología y la grotesca mediocridad de quienes se creen superiores.

 

Eso es lo verdaderamente subversivo de la película: despojar al totalitarismo de su pompa, quitarle el uniforme y dejarlo en calzoncillos.

 

No recuerdo cuándo vi por primera vez Ser o no ser, pero debió de ser durante mi infancia en televisión.

En casa la hemos revisado muchas veces.

Me sé las escenas y padezco risa anticipatoria: empiezo a partirme antes de que llegue el chiste porque ya sé lo que va a ocurrir.

 

Se ha acusado a Lubitsch de realizar una comedia demasiado ligera sobre la ocupación alemana de Polonia.

Confundir ligereza con frivolidad es no haber entendido nada.

 

Frente a la fuerza bruta de las armas y la sinrazón de la violencia, Ser o no ser propone la inteligencia, el teatro, el humor y la ironía.

 

Hamlet 1, Gestapo 0.

 

Mi puntuación: 10/10 ¡Inapelable!

 

Carole Lombard y Jack Benny en una escena de Ser o no ser

 

Dirigido por Ernst Lubitsch:

Retrato de Ernst Lubitsch

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Carole Lombard en una escena de Ser o no ser

 

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Ciudad de Dios – Cidade de Deus – 2002 – Fernando Meirelles, Kátia Lund – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Ciudad de Dios

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Uno de los nuestros se pierde en la favela

 

Fernando Meirelles alcanzó el reconocimiento internacional con Ciudad de Dios, codirigida por Kátia Lund.

 

Después rodaría El jardinero fiel, A ciegas, 360. Juego de destinos y Los dos papas.

 

Kátia Lund había codirigido el documental Noticias de una guerra personal y posteriormente participó en Todos los niños invisibles y en la serie Ciudad de los hombres.

 

Ciudad de Dios se presentó fuera de competición en el Festival de Cannes de 2002.

Recibió cuatro nominaciones al Óscar: dirección, guion adaptado, fotografía y montaje.

Daniel Rezende ganó además el BAFTA al mejor montaje.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

La vi en su estreno y volví a ella durante aquellos días de cuarentena. Ahora, recuperada en pantalla grande, sigue conservando toda su capacidad para sacudir al espectador.

 

Es un retrato despiadado de la delincuencia, la violencia y la marginalidad en Ciudad de Dios, barrio periférico de Río de Janeiro.

Aquí no hay postal turística, samba de bienvenida ni red de seguridad.

 

Lo que más me impresiona sigue siendo la perfección del guion de Bráulio Mantovani, basado en la novela de Paulo Lins.

La trama parece laberíntica, salta entre épocas, personajes y relatos, pero todo termina encajando con una precisión milimétrica.

No queda un solo cabo suelto.

Parece caos, pero está cronometrado.

 

También me gusta que Buscapé consiga encontrar una salida y alcanzar su sueño de convertirse en fotógrafo.

En medio de tanta fatalidad, supone una pequeña puerta abierta sin necesidad de colocar un lacito sentimental.

 

Y queda Zé Pequeño, interpretado por Leandro Firmino: uno de esos personajes que se estampan a fuego en la memoria y ya pertenecen a la historia del cine.

 

El único defecto que le encuentro es su excesiva voluntad de parecerse a Martin Scorsese.

La voz en off, el montaje frenético, los movimientos de cámara y la fascinación por el ascenso criminal remiten demasiado a Uno de los nuestros.

 

A ratos, Meirelles parece empeñado en convertirse en el Scorsese de Río de Janeiro.

Una sombra muy ilustre, desde luego, pero sombra al fin y al cabo.

 

Mi puntuación: 9,77/10.

 

Buscapé con una cámara en Ciudad de Dios

 

Dirigido por Fernando Meirelles, Kátia Lund:

Fernando Meirelles

Kátia Lund

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Buscapé fotografiando en Ciudad de Dios

 

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La historia interminable (Die unendliche Geschichte) (The Neverending Story) – 1984 – Wolfgang Petersen – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La historia interminable

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La historia interminable… y tan interminable

 

El alemán Wolfgang Petersen alcanzó prestigio internacional con El submarino (Das Boot), que le proporcionó nominaciones al Oscar como director y guionista.

 

La historia interminable fue su primer largometraje rodado en inglés y su pasaporte hacia Hollywood.

 

Allí firmó En la línea de fuego, Estallido, Air Force One (El avión del presidente), La tormenta perfecta, Troya y Poseidón.

 

Un cineasta con buena mano para el gran espectáculo, aunque aquí la solemnidad termina devorando el ritmo.

 

En 1985, La historia interminable obtuvo el Filmband in Gold del Premio del Cine Alemán por el diseño de producción de Rolf Zehetbauer y el Premio Bávaro a la mejor producción, concedido a Bernd Eichinger, Dieter Geissler y Günter Rohrbach.

 

La historia interminable es una ambiciosa coproducción de Alemania Occidental y Estados Unidos convertida en película generacional para los niños de la EGB y, posteriormente, para quienes la descubrieron en televisión o en VHS.

 

Wilder Cinema la recupera ahora para la pantalla grande, que siempre concede esplendor, aunque no necesariamente velocidad.

 

Cuando la vi en su estreno me pareció un coñazo.

 

Más de cuarenta años después me lo sigue pareciendo.

Algunas historias son verdaderamente interminables.

 

En aquellos años, a los culturetas de baratillo les fascinó la novela de Michael Ende, con sus letras de colores y su prestigio instantáneo para cualquier estantería que quisiera parecer intelectual.

 

El mensaje de la película es bonito: la lectura como refugio frente a una realidad penosa y la fantasía como motor para construir una existencia mejor.

Para ponerlo en marcha se recurre al clásico niño huérfano de madre, Bastian, acosado por sus compañeros y necesitado de una vía de escape.

 

Mi principal problema no está en lo que cuenta, sino en el tiempo que tarda en contarlo.

Los personajes hablan con una lentitud exasperante.

En el caso de la tortuga Morla resulta comprensible, pero no encuentro explicación para que el gigante que come piedras o la Emperatriz Infantil se expresen como si alguien hubiera puesto la película a velocidad 0,75.

 

Hasta Artax parece galopar con el freno de mano puesto.

 

Ya sé que hablar mal de esta película resulta casi iconoclasta.

A medio mundo le parece «bonita» y la nostalgia suele presentarse como testigo de cargo, abogado defensor y presidente del jurado.

 

La herejía, por cierto, tiene un compañero ilustre: el propio Michael Ende repudió la adaptación porque consideraba que había trivializado y traicionado el sentido de su novela. No la rechazó por los mismos motivos, pero al menos tampoco quedó hipnotizado por Fújur.

 

No me gustó en 1984, no me gusta ahora y creo que ha envejecido mal.

 

En mi caso, el título no puede ser más descriptivo.

 

Mi puntuación: 4,53/10.

 

Atreyu junto a Ártax en La historia interminable

 

Dirigido por Wolfgang Petersen:

Wolfgang Petersen en Bavaria Film

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Cinema Paradiso – 1988 – Giuseppe Tornatore – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Cinema Paradiso

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

La rosa púrpura de Sicilia

 

Giuseppe Tornatore debutó en el largometraje con El profesor y alcanzó la gloria internacional con Cinema Paradiso, su película más celebrada.

 

Después dirigió Pura formalidad, El hombre de las estrellas, La leyenda del pianista en el océano, Malèna, La desconocida, Baarìa y La mejor oferta.

 

En 2021 rindió homenaje a su colaborador y amigo Ennio Morricone con el estupendo documental Ennio: el maestro.

 

Una filmografía irregular, pero con un paraíso que justifica toda una carrera.

 

Cinema Paradiso ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1990.

 

En el Festival de Cannes de 1989 obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado, concedido ex aequo.

 

Para mí, estamos ante la mejor película de Giuseppe Tornatore y ante la mejor banda sonora de Ennio Morricone.

Conviene recordar que el maravilloso tema de amor fue compuesto por su hijo, Andrea Morricone.

La emoción, como casi todo en esta película, también fue un trabajo familiar.

 

Paradójicamente, en sus primeras distribuciones la película pinchó en Italia.

El público italiano no parecía demasiado interesado en contemplar su propio pasado, pero el resto del mundo terminó convertido en una magdalena de Proust con butaca y proyector.

 

El galimatías de los distintos montajes merece una bobina aparte.

La primera versión presentada en el festival EuropaCinema duraba unos 173 minutos.

Para el estreno comercial italiano quedó reducida a 155 y, después del fracaso inicial, Tornatore la dejó en los 123 o 124 minutos del montaje internacional que conquistó Cannes y los Oscar.

 

Por tanto, la versión del director conocida actualmente dura alrededor de cincuenta minutos más que la internacional, no veinte.

Recupera principalmente el reencuentro de Salvatore con Elena adulta y explica algunas decisiones importantes de Alfredo.

Aporta información, sí, pero no mejora la película.

Al contrario: le quita misterio, alarga innecesariamente el desenlace y demuestra que también en el montaje hay que saber cuándo apagar el proyector.

 

Totó, interpretado por Salvatore Cascio, es uno de los niños más encantadores de la historia del cine y, posiblemente, uno de los que más bofetones recibe.

Hoy el rodaje terminaría con la intervención de los servicios sociales y una larga conversación con el coordinador de intimidad infantil.

 

El retrato de la Italia de la posguerra resulta magnífico.

El cine era entonces, allí y también en España, la gran evasión popular: el lugar donde olvidar por unas horas la pobreza, las ausencias y las estrecheces, riendo, llorando o protestando cuando el cura ordenaba cortar los besos.

 

La relación entre el pequeño Salvatore y Alfredo es una de las más enternecedoras que se hayan visto en una pantalla.

Tornatore es sentimental sin disimulo, pero aquí el sentimiento está ganado. No nace de apretar botones para hacer llorar al espectador, sino de construir dos personajes que se necesitan y que terminan marcándose para siempre.

 

Philippe Noiret interpretó sus diálogos en francés y en la versión italiana fue doblado por Vittorio Di Prima.

Una de las frases que mejor resume la sabiduría de Alfredo es: «Ahora que he perdido la visión, puedo ver más».

Pocas palabras para expresar todo lo que el personaje aprende cuando ya no puede mirar la pantalla.

 

Cinema Paradiso es un homenaje al cine, a las antiguas salas, a la infancia, a la amistad y a esa vida que solo comprendemos cuando ya ha pasado por la moviola.

 

Emotiva. Impresionante. Imprescindible para cualquier amante del Séptimo Arte.

 

Después del tráiler queda el mítico montaje de los besos censurados.

 

Conviene tener un pañuelo a mano: el cura consiguió cortar los besos, pero no sus efectos secundarios.

 

Mi puntuación: 8,66/10.

 

Escena en la cabina de proyección de Cinema Paradiso

 

Dirigido por Giuseppe Tornatore:

Retrato del director Giuseppe Tornatore

 

Ficha: En este enlace.

 

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Totò junto al proyector en Cinema Paradiso

 

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Rashomon – 1950 – Akira Kurosawa – Wilder Cinema – #YoVoyAlCine

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Rashomon para Wilder Cinema

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Cuatro versiones y un funeral

 

Akira Kurosawa ya había dirigido una decena de películas cuando realizó Rashomon, pero esta fue la que lo convirtió en un cineasta internacional.

 

Después llegarían obras esenciales como Vivir, Los siete samuráis, Trono de sangre, Yojimbo, El infierno del odio, Dersu Uzala, Kagemusha, la sombra del guerrero o Ran.

 

Pocos directores han retratado con tanta fuerza la lucha entre la dignidad humana y nuestra irresistible tendencia a comportarnos como auténticos miserables.

 

Rashomon obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia de 1951, galardón que abrió definitivamente las puertas occidentales al cine japonés.

 

Al año siguiente recibió también el Oscar honorífico a la película extranjera más destacada estrenada en Estados Unidos durante 1951.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Si vi Rashomon en mi juventud, no la recordaba.

Tal vez mi memoria haya decidido ofrecerme su propia versión de los hechos, muy en consonancia con la película.

 

Durante el Japón imperial, el cine estuvo sometido a una férrea censura militarista.

Después de la derrota, la ocupación estadounidense eliminó aquel corsé, aunque impuso otro sistema de control que prohibía los contenidos ultranacionalistas y favorecía los valores democráticos.

No fue una libertad absoluta, pero para Akira Kurosawa resultó un terreno creativo mucho más respirable.

Paradojas de la vida: los ocupantes terminaron facilitando una libertad que el imperio había negado.

 

Kurosawa tuvo dificultades para convencer a los estudios con un guion tan desconcertante, basado en dos relatos de Ryūnosuke Akutagawa.

Su reducido reparto y sus escasos escenarios hacían pensar en una producción económica, pero la construcción a tamaño real de la monumental puerta y la lluvia artificial elevaron considerablemente el presupuesto.

Rashomon tenía aspecto de película barata, pero no lo fue tanto. Hasta los clásicos tienen sus facturas.

 

La película nos habla de la verdad y de la mentira, aunque en realidad va un poco más lejos.

 

No afirma que la verdad no exista, sino que nuestro acceso a ella está contaminado por el ego, la vergüenza y la necesidad de quedar bien.

 

El bandido, la mujer, el samurái muerto —que declara mediante una médium— y el leñador ofrecen cuatro versiones contradictorias del mismo suceso.

 

Cada uno retuerce los hechos para preservar su dignidad, justificar sus actos o disimular su mezquindad.

 

Aquí nadie miente de manera gratuita: todos construyen la realidad que les permite seguir soportándose a sí mismos.

 

El resultado es un retrato desolador de la condición humana.

 

La película cuenta varias veces la misma historia, pero nunca parece repetirse.

Cada nueva versión desmonta la anterior, modifica a los personajes y vuelve todavía más incierto lo sucedido.

No asistimos a cuatro repeticiones, sino a cuatro demoliciones de la verdad.

 

Al final, Kurosawa introduce un pequeño elemento de esperanza. El gesto del leñador con el niño abandonado no borra todo lo anterior, pero demuestra que todavía queda alguna posibilidad de salvación.

 

Tal vez la humanidad sea egoísta, embustera y cobarde, pero un único acto de compasión puede impedir su condena absoluta.

 

El título procede de Rashōmon o Rajōmon, la gran puerta meridional de la antigua capital imperial de Kioto.

Por tanto, no significa exactamente «puerta del castillo», sino algo más próximo a la gran puerta de entrada a la ciudad amurallada.

Su estado ruinoso puede interpretarse como el símbolo perfecto de una civilización construida por los hombres y destruida por ellos mismos.

 

La historia transcurre en el Japón medieval, pero sigue siendo perfectamente actual.

Cambian las ropas, las armas y los tribunales, pero nuestra habilidad para adaptar la verdad a nuestros intereses permanece en magnífica forma.

 

Una obra maestra. Y, por desgracia, una película cada día más moderna.

 

Mi puntuación: 10/10.

 

Toshirō Mifune y Machiko Kyō en Rashomon

 

Dirigido por Akira Kurosawa:

Akira Kurosawa durante el rodaje de Los siete samuráis en 1953

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Minoru Chiaki, Kichijirō Ueda y Takashi Shimura en Rashomon

 

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Centauros de la Alcarria – 2026-07-31 – Spider-Man, Kurosawa, Wilder Cinema y un intenso análisis de La Odisea en Centauros de la Alcarria

6/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Centauros de la Alcarria en Nueva Alcarria

 

Podcast de Centauros de la Alcarria

 

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Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) – 2025 – Joel Alfonso Vargas – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Haz lo que debas… pero después de la playa

 

Joel Alfonso Vargas es un cineasta dominicano-estadounidense criado en el Bronx.

 

Después del corto Target Is Hiring (2020), dirigió May It Go Beautifully for You, Rico (2024), antecedente directo de esta película y ganador del premio a la mejor dirección en la sección de cortometrajes de Locarno.

 

Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) supone su debut en el largometraje.

 

Su cine combina intérpretes poco conocidos, diálogos de apariencia improvisada y una puesta en escena cercana al documental.

 

La película se estrenó en Sundance 2025, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado de la sección NEXT al reparto coral.

 

Rico, interpretado por Juan Collado, es un dominicano-estadounidense de 19 años que sobrevive vendiendo en Orchard Beach unos cócteles caseros y clandestinos llamados nutcrackers.

 

Su proyecto vital parece limitarse a sacar unos dólares, perseguir chicas y dejar que el verano vaya pasando.

Tampoco conviene exigirle un plan quinquenal: bastante tiene con llenar la nevera portátil.

 

En casa ejerce un machismo de baratillo con su madre, Andrea —Yohanna Florentino—, y con su hermana menor, Sally —Nathaly Navarro—.

 

Reclama libertad, respeto y privilegios de adulto, pero las obligaciones ya si eso las hablamos otro día.

 

Su madre intenta mantener cierto orden en un piso pequeño y en una familia donde nadie parece demasiado dispuesto a facilitarle el trabajo.

 

La vida de Rico cambia cuando Destiny, una adolescente de 16 años interpretada por Destiny Checo, se queda embarazada y se instala en la vivienda familiar.

 

Él cree que puede convertirse en padre sin modificar ninguno de sus hábitos, como si el bebé fuera un nuevo mueble que basta con encajar en algún rincón.

 

La paternidad le ha llegado antes que la madurez, que sigue dando vueltas por el Bronx buscando aparcamiento.

 

Joel Alfonso Vargas rueda buena parte de la película mediante planos fijos, colocando la cámara en las esquinas de las habitaciones, detrás de una puerta entreabierta o a cierta distancia de los personajes.

 

Esta puesta en escena transmite la sensación de estar observando una familia real sin que sus integrantes sepan que estamos allí.

 

El piso abarrotado, los diálogos atropellados y las fricciones domésticas poseen una indudable verosimilitud.

 

El problema es que el retrato cotidiano no siempre termina convirtiéndose en una historia verdaderamente interesante.

 

El conflicto está claro desde muy pronto, pero avanza con pocas sorpresas y mediante una acumulación de escenas que insisten en las mismas actitudes.

 

La cámara observa mucho, aunque no siempre encuentra algo especialmente revelador.

 

Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo) no es una película torpe ni falsa.

 

Está rodada con coherencia, sus personajes resultan creíbles y representa una realidad pocas veces mostrada desde dentro.

Pero la autenticidad no garantiza automáticamente el interés cinematográfico.

 

Al terminar conocemos bastante bien la vida de Rico, aunque queda la sensación de no haber descubierto demasiado sobre él.

 

Una película correcta, respetable y realista, pero también escasamente estimulante.

 

La vida cotidiana puede ser así de rutinaria; el cine no tiene por qué copiar también sus ratos más aburridos.

 

Mi puntuación: 5,67/10.

 

Escena de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Mad Bills to Pay (or Destiny, dile que no soy malo)

 

 

 

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Egghead Republic – 2025 – Pella Kågerman, Hugo Lilja – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Egghead Republic

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Miedo y asco en Kazajistán

 

Pella Kågerman y Hugo Lilja forman un matrimonio y un tándem cinematográfico sueco especializado en futuros poco tranquilizadores.

 

Debutaron juntos en el largometraje con Aniara (2018), una notable distopía espacial basada en el poema de Harry Martinson.

 

Lilja había presentado anteriormente el cortometraje The Unliving en la Berlinale, mientras que Kågerman dirigió después Reckless, estrenado en Sundance.

 

Egghead Republic es su segundo largometraje conjunto y combina la novela satírica de Arno Schmidt con las experiencias de Kågerman trabajando para Vice.

 

La película ganó el Premio del Público del Festival de Estocolmo de 2025.

 

También obtuvo cinco nominaciones a los premios Guldbagge de 2026 —película, actriz protagonista, actor secundario, maquillaje y diseño de producción— y Petra Kågerman ganó este último galardón.

 

El punto de partida tiene mucha pólvora, aunque sea radiactiva.

En una realidad alternativa donde la Guerra Fría nunca ha terminado, una bomba atómica ha convertido parte del Kazajistán soviético en una zona militarizada, aislada y presuntamente poblada por animales mutantes.

Entre ellos, unos centauros radiactivos que ya justifican cualquier viaje, reportaje o baja laboral.

 

Hasta allí pretende llegar el equipo del sensacionalista Kalamazoo Herald, dirigido por Dino Davis, un magnate de la prensa interpretado por Tyler Labine. Histriónico, manipulador, cocainómano y encantado de explotarlo todo —incluidos sus trabajadores—, recluta a la joven Sonja Schmidt, encarnada por Ella Rae Rappaport.

 

Sonja es una aspirante a ilustradora que acepta trabajar gratis con la esperanza de publicar sus dibujos.

Su ingenuidad, que en ocasiones roza directamente la estupidez, la convierte en una presa fácil para Dino.

Junto con los operadores de cámara Turan Hiram y Gemma, emprenden una expedición gonzo a la zona prohibida, pertrechados con trajes protectores, contadores Geiger y una irresponsabilidad digna de un máster.

 

La película debe interpretarse como una sátira y eso permite aceptar sus excesos.

 

Otra cosa es que el exceso funcione siempre.

La histeria permanente de Dino, la sumisión de Sonja y la competencia enfermiza entre los integrantes del equipo van provocando una descomposición moral que termina contaminando también el relato.

 

La relación entre la joven y su jefe resulta especialmente desagradable.

Dino es, textualmente, “un asqueroso, misógino, machista y un baboso de mierda”.

El problema no está en que el personaje sea repugnante, sino en que la película insiste tanto en demostrarlo que termina resultando cargante.

Confunde reiteración con profundidad.

 

Por el camino aparecen ideas interesantes sobre la precariedad laboral, la explotación de los jóvenes, el periodismo sensacionalista y la transformación de cualquier tragedia en contenido comercial.

Las ideas están ahí, pero se desarrollan de manera torpe, irregular y bastante menos incisiva de lo que prometía el planteamiento.

 

El desenlace pretende ser sorprendente y efectista, pero se queda simplemente en estridente.

 

Egghead Republic parecía destinada a convertirse en una gamberrada distópica memorable y termina siendo una película cansina, poco entretenida y mucho menos inteligente de lo que cree.

 

Promete bastante más de lo que ofrece.

 

Ni siquiera los centauros consiguen rescatarla de la zona de exclusión.

 

Mi puntuación: 4,45/10.

 

Escena de Egghead Republic

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Egghead Republic

 

 

 

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Tell Everyone – Kerro kaikille – 2026 – Alli Haapasalo – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Alguien voló sobre el nido de Seili… y allí le cortaron las alas

 

La finlandesa Alli Haapasalo debutó en el largometraje con Love and Fury (2016) y codirigió la película episódica Force of Habit (2019).

 

Su reconocimiento internacional llegó con Girl Picture (2022), Premio del Público en Sundance y ganadora de cuatro premios Jussi, incluidos película y dirección.

 

Su cine mantiene un especial interés por las mujeres que intentan escapar de los papeles que la sociedad les ha adjudicado.

 

Aquí, escapar va a resultar bastante más complicado.

 

Antes de su estreno, Tell Everyone ganó el premio al mejor proyecto de ficción en el Finnish Film Affair de 2025.

 

Después compitió por el Dragon Award a la mejor película nórdica en Gotemburgo 2026, donde también estuvieron nominados Marketta Tikkanen por su interpretación y Jarmo Kiuru por la fotografía, aunque ninguno ganó finalmente.

 

Tell Everyone se desarrolla en 1898, en la isla finlandesa de Seili.

 

Allí funciona una especie de manicomio para mujeres que, en realidad, tiene bastante más de cárcel que de establecimiento sanitario.

 

No sabemos cuánto había en aquellas reclusas de enfermedad mental, cuánto de delito y cuánto de simple rebeldía.

 

La etiqueta de la histeria servía como condena perpetua para mujeres consideradas incómodas.

 

Nadie esperaba que se curasen porque la curación nunca fue el verdadero objetivo.

 

El tratamiento consistía básicamente en cerrar la puerta y tirar la llave.

Medicina punta de lanza, pero clavada en la paciente.

 

A este infierno llega Amanda Aaltonen, interpretada por Marketta Tikkanen.

 

Es una mujer libre, viajada y con una biografía en la que resulta difícil separar la realidad de la leyenda.

Afirma haber vivido en París y hasta haber llegado en globo.

Su baúl de vestidos elegantes y sus relatos la convierten inmediatamente en el centro de atención de las internas y de las vigilantes.

 

Amanda está convencida de que su estancia será temporal.

Ella va a marcharse, va a recuperar su vida y no piensa dejarse domesticar.

Poco a poco descubre que Seili no tiene salida y que la única forma de sobrevivir consiste en relacionarse con las demás mujeres, adaptarse a las normas y construir una pequeña existencia dentro del encierro.

 

Ahí reside lo más inquietante de la película.

El sistema no necesita partir las voluntades de un golpe; le basta con lijarlas todos los días hasta conseguir que la resignación se parezca a la tranquilidad.

 

Alli Haapasalo nos introduce en este microcosmos femenino para hablar del control social, de la misoginia institucional y de cómo una prisión puede funcionar perfectamente sin necesidad de llamarse prisión.

 

A pesar de todo, estas mujeres siguen buscando esperanza, amistad y afecto.

 

Cuando la libertad resulta imposible, pertenecer a alguien puede convertirse al mismo tiempo en el último refugio y en la celda mejor decorada.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Escena de Tell Everyone

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Tell Everyone

 

 

 

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Una segunda vida – A Second Life – 2025 – Laurent Slama – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Una segunda vida

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Persona non grata en el París olímpico

 

Laurent Slama es un cineasta francés autodidacta, nacido en 1989, que suele ejercer también como guionista, productor y director de fotografía.

 

Firmó sus dos primeros largometrajes con el seudónimo Elisabeth Vogler, tomado del personaje de Liv Ullmann en Persona, de Ingmar Bergman.

Fueron París es nuestro (2019), adquirida por Netflix, y Roaring 20’s (Années 20) (2021), rodada en un único plano secuencia por las calles de París.

 

Una segunda vida es su tercer largometraje y el primero firmado con su verdadero nombre.

 

La película compitió en la sección internacional del Festival de Tribeca 2025 y pasó por Karlovy Vary.

 

En el Love International Film Festival de Mons 2026 obtuvo el Premio de la Mirada Ciudadana, mientras que Agathe Rousselle recibió el Premio de Interpretación.

 

Elisabeth Vogler, interpretada por Agathe Rousselle, es una estadounidense que ha recorrido medio mundo sin encontrar en ninguna parte un lugar donde sentirse realmente en casa.

 

Sobrevive en París trabajando como conserje de pisos turísticos.

 

El empleo consiste básicamente en correr de apartamento en apartamento, entregar llaves y soportar a viajeros bastante menos encantadores que los de las postales.

Todo ello durante la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos, con la ciudad invadida por turistas, controles policiales, militares y obstáculos de toda clase.

París, ciudad del amor, siempre que se tenga el código correcto del Airbnb.

 

Elisabeth intenta ser cordial, pero no le sale.

Tampoco ayuda que esté deprimida, deteste su trabajo y dependa de él para conservar su residencia en Francia.

Posee grandes conocimientos de tecnología e inteligencia artificial, pero no quiere enriquecerse diseñando algoritmos: aspira a trabajar para una ONG y hacer algo útil por el mundo.

El idealismo está muy bien, aunque las autoridades de inmigración suelen preferir una nómina.

 

Entre los turistas que se cruzan en su agotadora jornada aparece Elijah, interpretado por Alex Lawther.

Es un californiano despreocupado, especialista en hipnosis y llegado a París para preparar a deportistas olímpicos.

Elijah se introduce en la vida de Elisabeth con la delicadeza de quien entra en un piso sin llamar.

Ella se resiste, pero termina dejándose arrastrar por él y por ese pequeño grupo de amigos que le ofrece algo que llevaba tiempo evitando: compañía.

 

Elisabeth es solitaria, arisca y poco dispuesta a establecer vínculos.

No busca disfrutar de París, sino sobrevivir en una ciudad que percibe como inhóspita y agresiva.

 

Su hipoacusia constituye uno de los elementos esenciales de la película.

Los audífonos la conectan con la realidad, pero también convierten el estruendo urbano en una experiencia saturada y hostil.

Cuando se los quita encuentra descanso, aunque ese silencio también la aísla de los demás.

El inteligente diseño sonoro permite compartir esa contradicción sin necesidad de convertir la película en una conferencia de audiología.

 

Una segunda vida depende casi por completo de Agathe Rousselle, que compone un personaje complejo, incómodo y difícil de querer.

Elisabeth no es simpática ni cariñosa y, en ocasiones, parece empeñada en impedir que el espectador empatice con ella.

 

Sin embargo, resulta imposible no sentir compasión ante su sufrimiento.

 

Rousselle evita convertirla en una víctima ejemplar o en una santa de calendario.

 

Debajo de su coraza hay una mujer deprimida que ha hecho del aislamiento un mecanismo de defensa.

 

Tal vez no apetezca quedar con Elisabeth para tomar unas cañas, y mucho menos llegar tarde al check-in, pero su aspereza proporciona verdad al personaje.

 

La película no necesita transformarla milagrosamente.

 

Le basta con abrir una pequeña grieta en su armadura y dejar que, durante unas horas, entre algo de luz.

 

Mi puntuación: 7,68/10.

 

Los protagonistas de Una segunda vida sentados en un puente de un jardín

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Elisabeth entre el público de un evento en Una segunda vida

 

 

 

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Wild Foxes – La Danse des Renards – 2025 – Valery Carnoy – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

4/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Wild Foxes

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Bailando con zorros, boxeando con fantasmas

 

El belga Valéry Carnoy, formado en el INSAS de Bruselas, debuta en el largometraje con Wild Foxes (La danse des renards).

 

Anteriormente dirigió los cortos Ma planète, premiado en el Festival Black Nights de Tallin, y Titan, seleccionado en casi un centenar de festivales y ganador de más de treinta premios. Un currículum breve, pero sin relleno de mercadillo.

 

Wild Foxes fue presentada en la Quincena de Cineastas de Cannes 2025, donde obtuvo el Europa Cinemas Label a la mejor película europea y el Coup de cœur de los autores de la SACD.

También recibió el Premio del Jurado Joven de Punto de Encuentro en la Seminci 2025.

 

En este internado deportivo, el boxeo no parece una simple afición.

Para muchos de estos muchachos representa una posible salida, una forma de continuar estudiando, mantener cierta disciplina y soñar con algún triunfo.

 

Camille, interpretado por Samuel Kircher, es un joven valiente, competitivo y con talento.

 

Después de sufrir un accidente que podría haberle costado la vida y del que es salvado por su amigo Matteo, su lesión física evoluciona favorablemente.

 

Sin embargo, aparece un dolor sin explicación orgánica, de evidente componente psicógeno.

 

Los médicos dicen que está recuperado, pero su cuerpo se empeña en llevarles la contraria.

 

A partir de ahí pierde la bravura que mostraba sobre el cuadrilátero.

 

El verdadero golpe no ha sido el accidente, sino el miedo que ha dejado instalado dentro de él.

 

La película retrata muy bien ese ambiente testosterónico del boxeo masculino: sudor, músculos, bromas, competitividad y una obligación permanente de demostrar que uno está a tope.

No hay espacio para la fragilidad.

Quien duda, se asusta o muestra dolor corre el peligro de perder su sitio dentro de la manada.

 

Por los alrededores del internado merodean unos zorros que los alumnos alimentan clandestinamente con carne robada de los congeladores.

 

La población de animales aumenta y termina convirtiéndose en algo más que una anécdota.

 

Los zorros y los boxeadores forman dos manadas alimentadas artificialmente, obligadas a competir y a sobrevivir.

 

Unos enseñan los dientes; los otros, los guantes.

 

También está la amistad entre Camille y Matteo, llena de lealtades, fricciones, silencios y contradicciones.

 

Porque salvarle la vida a un amigo no garantiza que después resulte sencillo convivir con sus miedos.

 

El boxeo ha dado muchísimo juego en el cine, casi siempre alrededor del luchador que alcanza la gloria gracias al sacrificio y al montaje musical de entrenamiento correspondiente.

 

Valéry Carnoy se aparta de ese camino.

 

Aquí el adversario es invisible y la victoria quizá consista en aceptar la propia debilidad.

 

Wild Foxes es una película interesante que aporta novedades al género y utiliza el boxeo para hablar de amistad, masculinidad y miedo.

 

No gana por KO, pero vence holgadamente a los puntos.

 

Mi puntuación: 6,55/10.

 

Escena de Wild Foxes

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Wild Foxes

 

 

 

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Un secuestro familiar – Itt érzem magam otthon – 2025 – Gábor Holtai – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de Un secuestro familiar

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Familia, pero con secuestro y sin anestesia

 

Gábor Holtai es un director, ingeniero de sonido y compositor húngaro.

 

Un secuestro familiar es su primer largometraje, aunque anteriormente había realizado los cortos Property (Válaszfal, 2018) y Second Round (Második kör, 2020), además de participar en la película colectiva In the Same Garden (2016).

 

No había dirigido otro largo, pero tampoco ha aparecido de repente con una cámara debajo del brazo.

 

Aquí demuestra ser un cineasta formidable.

 

La película obtuvo el Méliès de Plata al mejor largometraje fantástico en Sitges 2025 y el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Transilvania 2026.

 

Me habían hablado tan bien de ella que visioné con todas mis alarmas encendidas.

 

Mi criterio no siempre coincide con el de los críticos y, muchas veces, tampoco con el del público.

Pero, en esta ocasión, las recomendaciones traían mercancía: estamos ante una película extraordinaria.

 

Un secuestro familiar es una distopía de andar por casa, casi literalmente.

 

No necesita grandes decorados, efectos digitales ni ciudades futuristas llenas de drones.

 

Con pocos personajes, escasas localizaciones y recursos muy ajustados, construye una sociedad perfectamente reconocible en la que cada individuo debe interpretar el papel que le han asignado.

 

La película habla de supervivencia.

De aceptar normas que detestamos, cubrir funciones que no hemos elegido y convertirnos en otra persona porque la alternativa puede ser la exclusión o la desaparición. O te adaptas o pereces.

 

Una crueldad que puede parecer exagerada hasta que se mira alrededor con un poco de atención.

 

El trabajo de guion de Attila Veres es magnífico.

La película desarrolla su alegoría sin discursos explicativos ni subrayados de rotulador fluorescente.

Va cerrando las paredes alrededor del espectador hasta convertir la proyección en una experiencia asfixiante, perturbadora y difícil de sacudirse de encima.

 

Buena parte del mérito reside en Rozi Lovas, una actriz desconocida para mí que compone un personaje extraordinario.

Su interpretación transmite miedo, desconcierto, sometimiento y esa capacidad tan humana para acostumbrarse incluso a lo intolerable cuando está en juego la propia supervivencia.

 

La estética deliberadamente antigua, la fotografía oscura, gris y casi fúnebre, y la opresión de los espacios encajan perfectamente con lo que se está contando.

No hay nada ornamental: cada elemento contribuye a producir incomodidad.

 

Conviene verla sabiendo lo mínimo posible.

 

No necesita que nadie destripe su argumento ni explique previamente sus símbolos como si fueran las instrucciones de una lavadora.

 

Basta con saber que es una grandísima película, de esas que terminan en la pantalla pero continúan dando vueltas dentro de la cabeza.

 

Mi puntuación: 8,77/10.

 

Escena de Un secuestro familiar

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Otra escena de Un secuestro familiar

 

 

 

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Mother Mary – 2026 – David Lowery – #YoVoyAlCine

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de Mother Mary

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Ha nacido una estrella… y necesita un exorcista

 

Está claro que 2026 pertenece a Anne Hathaway.

 

Después de El diablo viste de Prada 2 y La Odisea, llega esta Mother Mary, mientras aún aguardan The End of Oak Street y Verity.

Lo de La princesa por sorpresa 3 tendrá que esperar: hasta una reina de Genovia necesita respirar de vez en cuando.

 

David Lowery es uno de esos directores imposibles de domesticar.

 

Puede moverse del romanticismo independiente de En un lugar sin ley a una producción de Disney como Peter y el dragón.

 

En A Ghost Story convirtió una sábana en una reflexión sobre el duelo y, con El caballero verde, se lanzó a una fantasía medieval tan hermosa como desconcertante.

 

También ha dirigido The Old Man & the Gun y Peter Pan & Wendy.

 

Con Mother Mary regresa a su territorio más libre, simbólico y extravagante.

 

Mother Mary me parece una película subyugante y absolutamente arrebatadora.

 

Mary, una estrella mundial del pop, prepara su regreso a los escenarios después del grave percance que la obligó a retirarse.

Para esa reaparición necesita un vestido y recurre a Sam Anselm, antigua amiga y diseñadora de vestuario con la que mantiene una relación emocional y creativa llena de heridas mal cerradas.

 

Lo que comienza como la confección de un traje termina convertido en una catarsis. O en un exorcismo. O en una sesión de psicoanálisis con telas, tijeras, canciones y fantasmas. Posiblemente en todo a la vez.

 

La película mezcla drama musical, melodrama, trauma psiquiátrico, amistad, deseo, terror sobrenatural y thriller psicológico.

 

También se adentra en el body horror: el cuerpo de Mary termina convertido en campo de batalla, receptáculo del trauma y materia para una inquietante transformación.

 

Sobre el papel, semejante cóctel podía haber acabado como una ensalada preparada por alguien con fiebre.

Sin embargo, Lowery consigue que todos esos ingredientes formen parte de una misma experiencia emocional.

 

Durante buena parte del metraje, la historia funciona como una obra de cámara.

Dos mujeres encerradas en un taller, enfrentándose al vestido, al pasado y a todo aquello que nunca fueron capaces de decirse.

Pero esa teatralidad resulta extraordinariamente cinematográfica.

Los cuerpos, los silencios, la iluminación y el vestuario están colocados con una precisión casi litúrgica.

 

Después, la película se desborda en imágenes oníricas, coreografías, apariciones y composiciones visuales en las que la postproducción no es un mero adorno, sino parte fundamental del relato.

 

Hay momentos verdaderamente vibrantes y otros que parecen cuadros religiosos contaminados por un videoclip de pop.

 

Todo está sostenido por una Anne Hathaway intensísima y absolutamente desbordante.

Canta, baila, llora, se analiza, se rompe y vuelve a reconstruirse delante de la cámara.

 

Michaela Coel, mucho más contenida, supone el contrapeso perfecto: impide que semejante vendaval interpretativo termine llevándose la película y tres filas de espectadores.

 

Es comprensible que algunas personas puedan encontrarla pretenciosa, excesiva o directamente irritante.

 

Mother Mary no conoce la palabra discreción y tampoco parece interesada en aprenderla. A mí, precisamente por eso, me ha fascinado.

 

Un festín visual, emocional y musical, arriesgado hasta el delirio y destinado a dividir al público.

 

Para mí, una de las mejores películas del año.

 

Lástima que probablemente no encuentre todos los espectadores que merece.

 

Mi puntuación: 9,77/10.

 

Anne Hathaway interpreta a la estrella del pop Mother Mary sobre el escenario

 

Dirigido por David Lowery:

David Lowery conversa con Anne Hathaway durante el rodaje de Mother Mary

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Una mujer ajusta el vestuario de otra en una escena de Mother Mary

 

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La última ronda en Venecia – Le città di pianura – 2025 – Francesco Sossai – #YoVoyAlCine

2/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

Cartel español de La última ronda en Venecia

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Dos borrachos y un destino: el próximo bar

 

El italiano Francesco Sossai estudió Literatura inglesa y alemana antes de formarse como director en Berlín.

 

Debutó en el largometraje con Altri Cannibali (2021), premiada como mejor ópera prima en el Festival de Tallin.

 

Después dirigió el cortometraje Il compleanno di Enrico (2023), presentado en la Quincena de Cineastas de Cannes.

 

La última ronda en Venecia, su segundo largometraje, participó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes de 2025.

 

La última ronda en Venecia consiguió dieciséis nominaciones y ocho premios David di Donatello, incluidos mejor película, dirección para Francesco Sossai, actor protagonista para Sergio Romano, guion original, producción, montaje, canción y casting.

Casi tuvieron que llevar las estatuillas a casa en un remolque.

 

 

Cutrecomentario de Ramón

 

Acudo a los Multicines Guadalajara con ganas de comprobar por qué esta película ha conectado tan bien con los espectadores y la crítica italianos.

 

La propuesta mezcla comedia, costumbrismo, algún amago de misterio y, sobre todo, una road movie bañada en alcohol.

 

Carlobianchi y Doriano, dos cincuentones que han hecho de la última copa una filosofía de vida, reclutan por el camino a Giulio, un tímido estudiante de arquitectura interpretado por Filippo Scotti.

 

El muchacho comienza rechazando a estos dos tipos mugrientos, derrotados y con una sed que habría preocupado al mismísimo Baco.

Poco a poco, sin embargo, termina confraternizando con ellos y descubriendo que, debajo de tanta resaca, pueden resultar relativamente entrañables.

 

Al menos, esa es la intención de la película.

El problema es que no consigo empatizar con ninguno de los personajes, y esa conexión resulta fundamental para disfrutar del viaje.

Hay que subirse al coche con ellos, acompañarlos de bar en bar y aceptar su forma desastrosa de entender la existencia.

Yo me quedo en la cuneta.

 

La película insiste una y otra vez en la misma idea: la última copa, el último bar, la última oportunidad de seguir prolongando una noche que parece no terminar nunca.

 

La reiteración acaba resultando agotadora y la supuesta gracia se me atraganta.

 

Intento encontrarle el punto, pero cuando ellos piden otra ronda, yo ya estoy buscando la salida de emergencia.

 

Bajo el tono de comedia existe un patetismo considerable.

Esta es, al fin y al cabo, una historia de fracasados, y las historias de perdedores suelen interesarme mucho.

Pero estos personajes parecen haberse instalado voluntariamente en la derrota y haber tirado la llave.

 

El cine italiano ha encontrado dos entrañables supervivientes.

 

Yo solo he visto a dos borrachines buscando un bar que todavía estuviera abierto.

 

Mi puntuación: 4,56/10.

 

Escena de La última ronda en Venecia

 

Dirigido por Francesco Sossai:

Francesco Sossai, director de La última ronda en Venecia

 

Ficha: En este enlace.

 

 

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Los protagonistas de La última ronda en Venecia

 

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H de halcón – H Is for Hawk – 2025 – Philippa Lowthorpe – Atlantida Mallorca Film Fest 2026 – @atlantidafilm – @filmin – #AMFF2026

1/08/2026

 

 

 

 

 

 

 

 

Cartel de H de halcón

 

Cutrecomentario de Ramón:

 

Alguien voló sobre el nido del azor

 

La británica Philippa Lowthorpe comenzó su carrera en el documental y ha desarrollado buena parte de su trayectoria en televisión.

 

Fue la primera mujer en ganar el BAFTA a la mejor dirección de ficción televisiva por Call the Midwife.

 

También ha dirigido Three Girls, episodios de The Crown y El tercer día, además de las películas Golondrinas y amazonas y Rompiendo las normas.

 

En H de halcón adapta, junto a Emma Donoghue, las memorias de Helen Macdonald.

 

H de halcón fue nominada al BAFTA 2026 a la mejor película británica.

 

Su directora de fotografía, Charlotte Bruus Christensen, también recibió una nominación en los British Independent Film Awards. 

 

Aunque se presenta como una producción británica, se trata en realidad de una coproducción entre Reino Unido, Estados Unidos y Singapur.

 

Eso sí, su acabado es inconfundiblemente británico: fotografía impecable, escenarios cuidados y una dirección artística capaz de conseguir que hasta una casa hecha un estercolero resulte elegante. 

 

El personaje central es Helen Macdonald, interpretada estupendamente por Claire Foy.

 

Tras la muerte repentina de su padre, Alisdair, encarnado por Brendan Gleeson en un papel breve pero fundamental, Helen se queda sin brújula emocional.

 

Su tabla de salvación será Mabel, un azor al que decide cuidar y adiestrar.

El azor no es exactamente un halcón —aunque el título español vaya por libre—, sino una rapaz especialmente poderosa, nerviosa e indómita.

 

Un animal que exige tanta dedicación que permite a Helen ocuparse de cualquier cosa menos de sí misma.

 

El duelo termina transformándose en una depresión profunda.

Ahí está lo más interesante de la película: el aislamiento progresivo, el abandono del aseo, el deterioro de la casa, la incapacidad para trabajar y la desconexión de familiares y amigos.

Su entorno percibe que algo marcha mal, pero tarda demasiado en comprender que no está simplemente triste.

 

Cuando por fin interviene una profesional, un cuestionario ayuda a identificar y medir los síntomas.

Conviene puntualizar que ningún test diagnostica por sí solo una depresión: el diagnóstico es clínico.

Tampoco queda claro qué tratamiento recibe, así que atribuir su mejoría exclusivamente a los antidepresivos sería una inferencia.

Estos pueden comenzar a hacer efecto en unas semanas, pero no funcionan por decreto ministerial. 

 

Claire Foy sostiene el drama con una interpretación muy física y entregada.

Está magnífica, aunque en algún momento se aproxima peligrosamente al Campeonato Mundial de Intensidad Interpretativa.

 

Brendan Gleeson aporta calidez y Mabel demuestra que para tener personalidad no hacen falta diálogos, solo pico, garras y bastante mala leche.

 

El problema es que la película no termina de confiar en la fuerza de su propio drama.

 

Siempre que el relato amenaza con volverse incómodo introduce algún acontecimiento tranquilizador, como si temiera que el espectador saliera del salón sin su correspondiente abrazo emocional.

 

La escena final pretende convertirse en el gran momento lacrimógeno, pero está demasiado preparada y metida con calzador.

 

H de halcón retrata bien la depresión y ofrece una estupenda interpretación de Claire Foy, pero acaba domesticando el dolor para que nadie abandone la película con las plumas demasiado revueltas.

 

Mi puntuación: 6,56/10.

 

Brendan Gleeson en una escena de H de halcón

 

 

 

Ficha: En este enlace.

 

Claire Foy con el azor en H de halcón

 

 

 

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