Está claro que el tiempo ha endurecido mi espíritu. Ahora me he fijado en otros aspectos que en la década de los noventa no me parecieron importantes o, simplemente, no fui consciente de ellos.
Stone me introduce en una vorágine efectista de imágenes para sumergirme en una pesadilla.
Es un maestro del montaje. Sorprende como combina, sin pudor, técnicas fotográficas y planos que provocan, ante todo mareo, pero también ansiedad.
Se trata de un ensayo sobre la violencia y cómo los medios de comunicación, primero y la sociedad después, elevan a la categoría de héroes a despreciables psicópatas, sin respeto alguno a la vida humana.
Porque Micky y Mallory, no me despiertan la menor empatía. Solo me parecen dos idiotas que disparan sin escrúpulos.
Lo que hace dos décadas me impactó, ahora solo me ha entretenido.
Veo esta peli irlandesa que se desarrolla en los USA, porque está en el EJE en un ciclo de cine criminal.
Hay títulos o carteles que cuando los lees o los ves te dan la sensación que vas a conectar con esa peli.
A John Wayne Cleaver un psicólogo le ha catalogado de sociópata, que no quiere decir que esté loco, sino que tiene características que le hacen peligroso.
Este muchacho se crea un código para no hacer el mal y se contiene a pesar de las provocaciones.
Se esfuerza en ser una buena persona.
En realidad se siente terriblemente solo, porque nadie es capaz de comprenderlo.
Ese es uno de los aspectos más interesantes de la película, esa lucha interior.
Por otro lado, Christopher Lloyd da vida a un abuelo enfermo que tiene un lado oscuro, muy oscuro.
El adolescente va descubriendo ese aspecto maléfico y lo observa entre fascinado y aterrorizado. Tal vez, lo que más miedo le dé es convertirse en ese diablo.
La peli tiene un final, asombroso para mí, que no aporta nada y tal vez reste.
Porque no hay porqué explicar el mal como una parasitación alienígena, el mal reside en todos nosotros y es posible que como John Wayne Cleaver tengamos que hacer esfuerzos para controlarlo.
I Am Not a Serial Killer ha ejercido en mí una extraña fascinación. En realidad ¿tal vez me estoy afanando en no ser un psicópata?
Mezcla géneros muy diferentes: asesinos en serie, ciencia ficción y drama familiar.
En principio una combinación poco prometedora, pero sorprendentemente funciona bien en todos los aspectos.
Cuando es una historia policial mantiene bien el tipo con buenos momentos de acción, aunque la ambientación y la actividad de esa comisaría son un poco precarias, supongo que los policías que la vean no la encontrarán demasiado realista.
La parte de ciencia ficción cuenta con un elemento fundamental al actor Alejo Sauras, que va ganando en protagonismo capítulo a capítulo aportando un tono humorístico muy atractivo.
Nunca pensé que detrás de esa cara bonita se escondiera un buen actor, que sabe dar a su personaje de ultratumba un atractivo muy humano. De hecho su humanización es una baza fundamental de esta serie.
Tal vez la trama familiar sea la más difícil de llevar. El riesgo de caer en el sentimentalismo barato es muy elevado. Pero ese difícil equilibrio se sostiene, creándose estupendos momentos de intensidad dramática sin llegar a la vergüenza ajena.
Que la serie funcione tan bien depende de las buenas (excelentes) interpretaciones de los actores.
Anna Castillo maravillosa en su papel de Susana Vargas, con esa energía y esa vitalidad imparables. ¡Qué maravilla de actriz!
Cristina Plazas, dando vida a esa madre que se preocupa por todos y que tiene que superar su viudedad.
Goizalde Núñez con ese desparpajo y esa gracia que enamoran.
Alfonso Bassave dando vida a ese chuloputas que engatusa por ser guapo y estar bien constituido.
Las chicas Lucía Caraballo y Ángela Arellano tan simpáticas y tan bien en su papel. Destacar el desparpajo de la actriz que da vida a Patri.
¿Qué decir de Javier Gutiérrez qué no se haya dicho ya? Estamos ante un actor incomensurable que es capaz de salir airoso de los trances más difíciles. Grande entre los grandes.
Tal vez a un determinado público le eche atrás su componente de ciencia ficción, pero yo le pido que confíe en mí y disfrute de esta serie.
Refresco la anterior peli de esta saga (Deadpool – 2016 – Tim Miller). Me encanta volver a verla y me gusta la crítica que realicé, bastante sesuda, me sorprendo de mí mismo.
El listón de la diversión había quedado muy alto.
Se crean expectativas que pueden ser defraudadas.
La primera fue la peli más vista con una calificación de “mayores de 18” en los USA que casi solo se da a pelis pornos.
Fue la primera peli de superhéroes nominada a los Globos de Oro como mejor comedia.
En esta secuela, Wade Wilson es presentado como un tipo sin escrúpulos que entra en una profunda depresión…
La peli resulta tan descarada e iconoclasta como la anterior. Se ríe de sí misma y de las pelis de superhéroes.
No termina de tomarse en serio nada.
Su trama es más compleja, con varios cambios de guión.
Es incluso cruel con sus personajes.
Tiene aspectos salvajes y turbios.
Tal vez al final se vuelve un poco blandita, en una especie de concesión al público para que no salga amargado.
Porque existe el riesgo que a pesar de pasárselo fenomenal, te quede un regusto pesimista y desolador.
Porque la peli no deja de ser el relato de una terrible depresión y la búsqueda del protagonista de una redención.
Impresionantes las espectaculares Morena Baccarin (Vanessa) y Zazie Beetz (Domino).
Si te fijas bien podrás identificar al actor que interpreta a Vanisher.
Estamos ante una modalidad de slasher con el único atractivo de ver como van muriendo los protagonistas.
Ideal para personas con cierto sadismo.
Es curioso como Jeff Wadlow consigue que escenas truculentas y supuestamente impactantes se vuelvan anodinas.
Nada contribuye a hacer atractivo este film.
Los protagonistas no tienen carisma, especialmente la mojigata y tonta Lucy Hale, que interpreta a una chica de 17 años y tiene 28.
La peli está plagada de tópicos que la hacen reiterativa, con cero de originalidad.
Lo único que pueden salvar a estas producciones de terror adolescente es algo de sentido del humor. Aquí brilla por su ausencia.
La sala casi vacía. Solo tres grupos de adolescentes armados de palomitas y refrescos azucarados. Yo el más viejo de la sala. Pero posiblemente les sacara más de cuarenta años a cualquiera de los asistentes.
Pero, queridos amigos, el aburrimiento no tiene edad.
Mi amigo Gustavo me cuenta que se salió a mitad de peli. No la soportaba.
Ricardo, gran crítico y mejor persona, habla moderadamente bien de ella en su blog.
Se trata de cine bélico con buenas escenas de acción, pero yo le veo dos problemas.
Se centra demasiado en un personaje principal Mitch Nelson (Chris Hemsworth) y en dos o tres secundarios y nada más.
Ni siquiera éstos están bien construidos, no dejan de ser caricaturas esquemáticas de arquetipos del cine de guerras.
Faltan más secundarios y mejor estructura en los personajes.
Y en segundo lugar, el terrible tufillo a patrioterismo barato, de manual aprendido en los Rambos.
Ese mal olor impregna toda la peli, dando la impresión que estamos ante una alabanza al supremacismo yanqui.
Desaprovechadas las cabalgadas, que podrían haber supuesto una especie de homenaje a las pelis del Séptimo de Caballería, pero su rodaje con estilo heroíco le hacen perder credibilidad.
Está claro que a los cineastas franceses les atrae el tema de la educación. Me parce muy bien.
Todos los años hay dos o tres pelis que hablan de lo mismo.
Está claro que en Francia (y en más sitios) es un grave problema la formación de los escolares de barrios marginales de las grandes ciudades.
Muchos maestros me hablan de la falta de orden en las aulas y de la pérdida de autoridad de los profesores.
Lidiar con adolescentes nunca ha sido fácil.
Esta Les grands esprits nos presenta el problema y nos da una solución asombrosa.
Un profesor de un instituto pijo es capaz de lidiar con estos jovenzuelos, incluso conseguir que el más malo se vuelva un dócil corderito. Todo ello por arte de birlibirloque.
Seamos serios.
¿De verdad el cuarentón François Foucault es capaz de transformar la educación?
Ya sé que hablar mal de una peli buenista y esperanzadora me convierte en una especie de monstruo.
Pero que no quieran tomarme el pelo.
No sé porque sigo yendo al cine a ver pelis francesas, si siempre termino enfadado.
Mi amigo Jesús Hernando me recomienda encarecidamente esta peli.
Se trata de una versión de Doce hombres sin piedad.Una obra del dramaturgo Reginald Rose que fue concebida para tele, pero luego se llevó al cine y al teatro. El camino inverso del habitual.
Recuerdo perfectamente el film de Lumet y el Estudio 1 que vi en su época.
Las dos me impactaron por sus estupendos actores.
La versión teatral made in spain es de 1973 y dispongo de ella. Se puede ver en la web de RTVE.
Nikita Mikhalkov nos cambia cuestiones que resultan ser fundamentales.
Traslada las deliberaciones al ámbito de la Rusia del siglo XXI y nos ofrece un escenario muy particular, el poliderpotivo de un colegio.
Sirve para analizar la sociedad rusa actual, con personajes muy de esta época y argumentos muy directos.
Se trata de un film de 153 minutos que no pierde interés, con un giro final innecesario que resta más que da.
En todas sus perspectivas Doce hombres sin piedad es un ensayo sobre la verdad y los prejuicios, sobre cómo éstos influyen en nosotros y nos impiden discernir sobre lo verdadero y lo falso.
También es un estudio de una sociedad y de sus principios morales.
No he podido resistir la tentación y he vuelto a ver el Estudio 1 dirigido por Gustavo Pérez Puig con Jesús Puente, Pedro Osinaga, José Bódalo, Luis Prendes, Manuel Alexandre, Antonio Casal, Sancho Gracia, José María Rodero, Carlos Lemos, Ismael Merlo, Fernando Delgado y Rafael Alonso.
Moonee es una descarada niña de seis años que corretea y juega en los alrededores de un motel que se edificó a la sombra de un parque de atracciones cercano.
The Florida Project es el retrato, un tanto siniestro, de esta “familia” compuesta por una joven madre destalentada y su despierta hija.
Se alimentan de comida basura, tienen como entretenimiento básico la caja tonta y subreviven gracias a trapicheos y ayudas sociales.
En la sociedad norteamericana conviven moteles de tercera que hospedan a personas que rozan la indigencia con grandes centros de ocio que son las catedrales del consumo.
Aunque las travesuras (a veces, mucho más que eso) de los niños pueden ser divertidas hay un gran fondo de amargura en este film.
El drama de unas personas marcadas por la marginalidad y por su incapacidad y de la sociedad de resolver su situación.
En esta tragedia no hay buenos, ni malos.
Los servicios sociales cumplen con su obligación. La madre casquivana intenta subsistir. La niña se divierte como puede. El conserje intenta mantener el orden con su buen corazón. La amiga reacciona como parece lógico.
Los niños son un prodigio, con unas interpretaciones muy realistas.
Bria Vinaite parece que se interpretara a sí misma. Un personaje triste y encantador.
Un auténtico placer conversar de cine con Jorge Martínez.
En ese magnífico plató que son Los Multicines Guadalajara hemos hablado de Ramón Langa, del doblaje en España, de Amanecer de Murnau, de Forrest Gump, de su tesina sobre Ingmar Bergman y de series como Black Mirror.
Un gran cinéfilo y seriéfilo y un tipo encantador.
Una historia bien contada, de manera naturalista, con un realismo dramático y sincero, con escenas bien construidas.
No pretende ni sorprender, ni asustar, aunque posiblemente lo consiga.
No utiliza recursos fáciles y detestables como información con rotulitos o voz en off, sencillamente porque no le hace falta.
Sus personajes con simples y creíbles. Las relaciones entre ellos se manifiestan naturales, sin imposturas poco realistas.
Hay algún momento de humor muy negro que no te hace desconectar de la trama, sino que te ayuda a seguir adelante en este viaje a ninguna parte de este grupo de supervivientes.
La peli se ve en un suspiro y te deja pegado a la butaca hasta el último segundo.
Podría ser un capítulo a parte de la primera temporada de The Walking Dead y tal vez hubiera sido el mejor.
Recuerdo que cuando se estrenó tuve problemas para entrar a verla.
Debía de ser para menores de 18 acompañados, que era una modalidad en la que para entrar a ver la peli tenías que tener más de 14 e ir con un adulto.
Con ese tipo de limitación siempre actuaba igual. Sacaba mi entrada y me dirigía seguro hacia el acomodador que generalmente me impedía pasar. Esperaba unos segundos y a la primera persona de edad que veía le pedía que me avalara. Nunca nadie se negó.
Me divirtió tanto que la vi dos veces en la misma semana.
Unos años después se reestrenó en Zaragoza. Mi prima Mari-Val de Madrid estaba de visita. Era habitual que pasáramos días en su casa en Alcorcón y ellos en la nuestra en el Barrio del Gancho.
Cuando vi que estaba en cartelera la llevé.
Desde antes de entrar me di cuenta que iba a compartir sala con una cuadrilla de fanáticos de la película que, como yo, la habían visto varias veces.
Efectivamente al primer fotograma todo el público aplaudió, incluyéndome a mí.
Mi prima con el típico aire de superioridad madrileño, me dijo: “¿aún se sigue aplaudiendo en provincias?”
Me partía de risa con muchas escenas, incluso antes de que ocurrieran, acompañando a un público entregado.
Mari-Val no entendía nada, no le hacía ninguna gracia.
Cuando salimos me preguntó porqué esa reacción del público que ella consideraba desmesurada. Yo no me molesté en explicárselo.
La he vuelto a ver muchas veces, calculo que unas veinte a lo largo de mi vida. A Elena también le encanta y es como un antídoto ante la depresión o las horas bajas. Nos ponemos El jovencito Frankenstein y terminamos tan contentos.
No pude asistir al EJE con mis amigos del Taller de Cine. La veo en casa delante del PC y me vuelvo a partir de risa.
Me encantan los cambios en la chepa de Igor, los relinchos de los caballos al oír Frau Blücher, la expontaneidad de Teri Garr (Inga), la impostura de Madeline Kahn (Elizabeth).
La combinación de terror (que no da miedo) y humor funcionan muy bien con claros homenajes a la novela de Mary Shelley y a al clásico de 1931 El doctor Frankenstein.
A mí Gene Wilder de crío me hacía mucha gracia. De todos es conocido la prohibición de éste que el director Mel Brooks hiciera un cameo como era habitual.
Me gusta su inicio, en el que nos vemos obligados a descubrir la historia de unas vidas rotas.
En su primera mitad predomina la imagen sobre el diálogo.
Hay algo de fascinante en ese personaje amnésico que, intuimos, que lo perdió todo y se dedica a vagar por el desierto (literal) en busca de una redención que no va encontrar.
En su final, el estilo narrativo cambia. Predomina la palabra sobre la imagen. Tal vez no hacía falta ser tan expositivo, me hubiera conformado con intuir la tragedia, no necesitaba conocerla.
París, Texas habla de los errores que nunca se debieron de cometer, de lo irreparable que es la vida, de las consecuencias de las malas acciones, del dolor, de la pérdida, del sufrimiento, del remordimiento.
Colosal Harry Dean Stanton, Bellísima Nastassja Kinski.
Al volverla a ver treinta años después comprendo porqué es una peli de culto.
Lucky puede ser muchas cosas, pero sobre todo es un gran homenaje a Harry Dean Stanton, un eterno secundario que antes de morir dio vida a un protagonista.
La trama es de lo más simple. El relato de la vida cotidiana de un anciano que mantiene su rebeldía y su personalidad.
Sin prejuicios, sin complejos mantiene amistades diferentes.
Hay algo tan humano, tan sincero en Lucky que no puedo evitar emocionarme ante algunas de las escenas de esta película.
Con su voz gastada, casi susurrando, se atreve a cantar delante de sus amigos mexicanos Volver, es una secuencia de debería pasar a la historia del cine.
En un tiempo donde la prisa predomina, donde la mayor virtud es la juventud, esta peli va contra esas corrientes.
Es el relato sincero, sencillo tranquilo de la vida de un anciano. Lo menos comercial que te puedas echar a la cara.
Harry Dean Stanton siempre será recordado por ser el prota de País, Texas la peli de culto de Wim Wenders (que me apresuro a revisitar).
Además la peli cuenta con el aliciente de ver a David Lynch, frustrado por la pérdida de su tortuga.
Un clásico contemporáneo que va tener muy poco público.
Se trata de una biografía de J.D. Salinger, el escritor de El guardián entre el centeno.
Esta novela no ha sido llevada al cine por expreso deseo de su autor.
No conocía nada de este novelista y la peli me ha interesado.
La parte inicial en la que recibe aprendizaje de su maestro y mentor interpretado por un poderoso Kevin Spacey es muy potente, con momentos brillantes.
Se aprende mucho de cómo ser escritor.
La peli decae cuando el personaje protagonista pasa por su crisis personal después de la Segunda Guerra Mundial, el film también entra en crisis.
El tercio final resulta muy episódico, debilidad de todos los biopics.
Lo dicho, me gustó conocer de este personaje, del que desconocía todo.
Veo The Disaster Artist que cuenta el rodaje de esta peli y ya resulta obligado visionarla.
Se habla como The Room como la peor peli de la historia del cine.
Hay muchas pelis peores, pero esta desde luego no es de las buenas, es manifiestamente mejorable.
Las escenas iniciales son como de peli porno y las escenas de cama van adornadas de una música que desde luego invita a la hilaridad.
La trama es de una simplicidad pasmosa. Se trata de una historia de cuernos.
Wiseau es guionista, protagonista, productor y director, en consecuencia es el único responsable de todo lo que es esta peli.
Hay momentos desternillantes. La madre dice que tiene cáncer de mamá y la hija responde que eso ahora se cura, sin la menor empatía.
Las actuaciones son increíblemente malas.
Destaca su actor fundamental que es de traca.
Salvaría a la protagonista femenina, Juliette Danielle, que no es tan penosa como otros actores y al menos parece simpática.
Las escenas se suceden sin mucho hilo argumental y son de una artificiosidad desternillante.
Los diálogos son excesivos, impostados y falsos, con reiteración de argumentos.
Esta peli se ha convertido en una cult movie y es típico asistir a su proyección en cines a última sesión con un público entregado que aplaude y se ríe sin control.
Verla solo en casa, como he hecho yo, es más aburrido, pero aún así reconozco que he soltado alguna carcajada.
Es mucho mejor la peli que se ha realizado sobre su filmación, pero aún así no me arrepiento haberla visto.
Por esta peli Denzel Washington fue nominado a los Oscars de este año.
Llega a España meses después de su estreno en los USA.
El personaje que interpreta Denzel marca la película y su personalidad le da carácter al film.
Se trata de un individuo con Síndrome de Asperger (o al menos eso me parece), que le cuesta empatizar con los demás y que carece de habilidades sociales.
Es muy inteligente y se sabe el Código Penal americano al dedillo.
Por todo ello es ideal para documentar casos y preparar alegatos, pero poco hábil a la hora de defenderlos en un tribunal.
Comprometido socialmente, comete un delito para beneficio suyo y rompe su integridad…
La historia es potente, pero ni ésta, ni el personaje son capaces de conectar con el espectador que no termina de empatizar con este raro individuo.
La peli naufraga con su final, poco creíble.
Tanto Colin Farrell como Carmen Ejogo están estupendos.
El primero interpretando a un abogado negociante, interesado y sin escrúpulos.
La segunda como activista con dudas existenciales.
El mejor momento de la peli es precisamente cuando Denzel se ha dejado llevar por la tentación y disfruta la vida.
No todo puede ser trabajo y compromiso, hay que dar, de vez en cuando, un gustillo al cuerpo.
Lo mejor de la tentación es caer en ella. Lo peor es el sentimiento de culpa.
He cometido muchos errores en mi vida. Uno de ellos haber visto esta peli.
Miré por encima las críticas, que no eran malas. Además actuaba mi adorada Leslie Mann.
Cuenta la típica historia de adolescentes inmaduros en día del baile de graduación y de sus padres, mucho más inmaduros.
A mí lo del baile de graduación siempre me ha parecido una eme. Lo siento.
Es curioso que funcionan mejor las historias de los jovencitos (que aún así son una pena) que la de los mayores, que resultan insufribles.
En esta supuesta comedia no esbocé ni una sola sonrisa.
Las escenas penosas se suceden sin solución de continuidad hasta llegar a cumbre de la zafiedad en la que usan una manguera para tomar cerveza vía rectal. Muy elegante.
Quede claro que críticos de prestigio como mi admirado Javier Ocaña han hablado bien de ella: “La comedia acumula virtudes en su exposición social e incluso moral con una trama de lesbianismo desarrollada con tacto, convicción, naturalidad y credibilidad“.
Yo no le encuentro ningún valor y no se la recomiendo a nadie, ni siquiera al peor de mis enemigos, no vaya a ser que se encabrone más conmigo.
Una familia de resistentes que intentan sobrevivir entre las paredes de su casa.
La guerra la oímos cuando caen las bombas y resuenan los tiros, pero también la vemos reflejada en los rostros de sus habitantes. Miedo, duelo, temor, pena, angustia, tristeza, horror.
Víctimas de la sin razón de la guerra, donde la mujer, como siempre, es la mayor víctima.
Una madre coraje que intenta mantener el tipo, cuando eso es imposible.
Un día en un piso, poco tiempo y poco espacio para contarlo todo.
