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Cutrecomentario de Ramón:

La infelicidad.

Lawrence Kasdan construye una película triste y melancólica con toques de comedia. Un cine muy alejado a sus productos habituales.

William Hurt da vida a Macon Leary, un personaje triste, marcado, como no podía ser de otra manera, por la muerte de su hijo, que transita en la incomodidad. Él no encuentra el confort en la nada de lo que hace.

Sus crónicas de viajes son relatos del disgusto y del tedio. Guías de viaje para los que no les gusta viajar.

La relación con Sarah vive instalada en el reproche continuo y en la falta de sintonía. Más que convivencia es solo cohabitación.

Muriel es la luz, el sol que puede iluminar su vida, pero la tiniebla en la que habita Macon le impide deslumbrase por ese resplandor.

Una película que transita contra corriente, con un protagonista anodino y oscuro, lo más alejado del héroe que nadie pueda imaginar.

Me asombra la belleza de Kathleen Turner.

Me embraga el encanto de Geena Davis. 

No quiero olvidar a Amy Wright que interpreta a Rose, esa persona que puede pasa desapercibida, pero que es absolutamente imprescindible en la vida de todos que la rodean.

Mi puntuación: 8,77/10.

Anécdotas y curiosidades de El turista accidental (1988)

Si hay una película que combina drama, humor y ternura con el toque justo de melancolía, esa es El turista accidental.

Estrenada en 1988 y dirigida por Lawrence Kasdan, esta cinta basada en la novela de Anne Tyler nos lleva de la mano de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje con una vida meticulosamente organizada… hasta que se cruza con Muriel Pritchett (Geena Davis), una entrenadora de perros que rompe todos sus esquemas.

Pero más allá de la historia, esta película esconde un montón de detalles interesantes que quizá no conocías. Así que acomódate bien y prepárate para descubrirlos.

🏆 Óscar y reconocimiento: el triunfo inesperado

La película fue nominada a cuatro premios Óscar: Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora y Mejor Actriz de Reparto. Y aquí viene el dato estrella: Geena Davis se llevó la estatuilla a casa por su interpretación de Muriel.

Curiosamente, Davis no era la favorita en las apuestas. Su papel de la excéntrica entrenadora de perros, que logra derretir el corazón de Macon, conquistó tanto al público como a la crítica.

Como dato extra, El turista accidental también se llevó el premio BAFTA al Mejor Guion Adaptado y fue un éxito de taquilla, recaudando más de 32 millones de dólares.

🎭 Una elección de casting casi diferente

Aunque hoy no podemos imaginar a otro Macon Leary que no sea William Hurt, lo cierto es que el papel se ofreció inicialmente a Harrison Ford. Ford rechazó el rol, y ahí es cuando Lawrence Kasdan, quien ya había trabajado con Hurt en Fuego en el cuerpo (1981) y Reencuentro (1983), supo que él era el indicado.

Y menos mal, porque Hurt supo transmitir esa mezcla de apatía, dolor y redención con una maestría impresionante.

📖 Geena Davis ya tenía la novela en el radar

En un giro casi profético, Geena Davis ya conocía la historia antes de ser elegida para el papel. Mientras trabajaba en otra película, solía leer en voz alta la novela de Anne Tyler a su entonces pareja, Jeff Goldblum, mientras él pasaba horas en la silla de maquillaje.

Poco podía imaginar Davis que terminaría interpretando a Muriel en la gran pantalla y ganando un Óscar por ello.

🎶 John Williams, un compositor fuera de su zona de confort

Cuando piensas en John Williams, seguro que te vienen a la mente sus grandes obras épicas: La guerra de las galaxias, Indiana Jones, Parque Jurásico… pero aquí se alejó de los temas grandilocuentes y creó una partitura mucho más contenida e íntima.

Su música en El turista accidental juega un papel clave para resaltar la soledad de Macon y la calidez que Muriel aporta a su vida. Aunque no es una de sus bandas sonoras más recordadas, sí demuestra la versatilidad del compositor.

🐶 El verdadero protagonista: el perro Edward

Si hay un personaje que roba escenas en esta película, es Edward, el perro de Macon. Su temperamento difícil es lo que lo lleva a conocer a Muriel, y de alguna manera, el adiestramiento del perro simboliza el cambio que su dueño también necesita.

Curiosamente, Edward no era un perro cualquiera. Fue entrenado específicamente para el rodaje y tuvo su propio entrenador en el set. Al parecer, se encariñó tanto con William Hurt que a veces se negaba a obedecer las órdenes de los demás.

🎬 El final alternativo que nunca vimos

En el guion original, el final era más ambiguo y dejaba la relación entre Macon y Muriel en el aire. Sin embargo, Lawrence Kasdan decidió darle un cierre más optimista, con Macon finalmente eligiendo a Muriel y dejando atrás su vida monótona.

Fue una decisión acertada, ya que el público conectó con esa sensación de renacimiento emocional.

Conclusión: una joya del cine de los 80

El turista accidental es una de esas películas que, sin hacer demasiado ruido, han dejado huella. Su combinación de drama y humor, su guion brillante y las actuaciones de un reparto en estado de gracia la convierten en una obra que vale la pena revisitar.

Y ahora que conoces todas estas curiosidades, seguro que la ves con otros ojos. ¿Cuál de estos datos te ha sorprendido más? ¡Cuéntamelo en los comentarios! 😉

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Dirigido por Lawrence Kasdan:

Lawrence Kasdan: el guionista y director que definió el cine de los 80 y 90

Cuando hablamos de grandes narradores del cine contemporáneo, pocos nombres destacan tanto como Lawrence Kasdan. Guionista, director y productor, ha sido pieza clave en sagas legendarias y ha dirigido algunas de las películas más memorables de las últimas décadas.

Desde su trabajo en Star Wars hasta sus historias más personales, Kasdan ha demostrado una capacidad única para capturar la complejidad de las relaciones humanas. Y entre todas sus obras, El turista accidental (1988) se alza como una de las más delicadas y conmovedoras.

En este artículo, repasaremos su trayectoria y nos detendremos en los detalles más interesantes de esta joya del cine.

🎬 Los inicios de un narrador nato

Lawrence Kasdan nació el 14 de enero de 1949 en Miami, Florida. Creció en Morgantown, Virginia Occidental, y desde muy joven sintió fascinación por la escritura.

Su sueño inicial era ser novelista, pero al graduarse en Literatura Inglesa en la Universidad de Míchigan, descubrió que no era fácil ganarse la vida con las palabras.

Antes de llegar a Hollywood, trabajó como redactor publicitario, perfeccionando su habilidad para contar historias de manera concisa y efectiva. Esta experiencia le fue invaluable cuando decidió lanzarse como guionista de cine.

Su gran oportunidad llegó cuando vendió su primer guion, El cazador de recompensas, a Warner Bros.. Aunque la película nunca llegó a rodarse, llamó la atención de George Lucas, quien buscaba un guionista para terminar el guion de Star Wars: Episodio V – El Imperio contraataca (1980) tras la muerte de Leigh Brackett.

Kasdan hizo un trabajo brillante y fue recompensado con otra tarea de peso: escribir el guion de En busca del arca perdida (1981), la primera aventura de Indiana Jones.

El éxito de estos proyectos lo catapultó en la industria y le permitió cumplir su sueño: dirigir sus propias películas.

🎥 El salto a la dirección: de Fuego en el cuerpo a El turista accidental

Su debut como director llegó con Fuego en el cuerpo (1981), un thriller erótico protagonizado por William Hurt y Kathleen Turner que revitalizó el cine negro. Su estilo elegante y su capacidad para escribir diálogos afilados lo convirtieron en un director a seguir.

A este éxito le siguió Reencuentro (1983), un drama coral sobre un grupo de amigos que se reúne tras el suicidio de uno de ellos. La película, con un reparto de lujo (entre ellos, Glenn Close, Jeff Goldblum y Kevin Kline), consolidó su reputación como un maestro de las historias humanas.

Kasdan continuó explorando distintos géneros con Silverado (1985), un western clásico con un toque moderno, antes de adentrarse en su obra más introspectiva: El turista accidental (1988).

🧳 El turista accidental: una joya sobre el duelo y las segundas oportunidades

Basada en la novela de Anne Tyler, El turista accidental es la historia de Macon Leary (William Hurt), un escritor de guías de viaje que vive atrapado en una rutina monótona tras la muerte de su hijo y la separación de su esposa Sarah (Kathleen Turner).

La vida de Macon da un giro inesperado cuando conoce a Muriel Pritchett (Geena Davis), una extravagante entrenadora de perros que lo ayuda a salir de su letargo emocional.

🔥 Más allá de El turista accidental: la evolución de Kasdan

Tras el éxito de El turista accidental, Kasdan siguió explorando el drama con Grand Canyon (El alma de la ciudad) (1991) y el western con Wyatt Earp (1994). También incursionó en la comedia romántica con French Kiss (1995), protagonizada por Meg Ryan y Kevin Kline.

En los años 2000, su carrera perdió algo de impulso, pero su regreso al universo de Star Wars lo puso de nuevo en el centro de atención. Coescribió Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015) y Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), demostrando que su talento para la aventura seguía intacto.

🎭 El legado de Lawrence Kasdan

Más allá de sus éxitos comerciales, Lawrence Kasdan ha dejado una huella imborrable en el cine.

Su habilidad para combinar emoción, humor e inteligencia en sus historias lo convierte en uno de los grandes narradores de su generación.

Su influencia se extiende a numerosos cineastas actuales, y muchas de sus películas han envejecido de manera impecable, especialmente El turista accidental, que sigue siendo una obra maestra sobre la fragilidad humana y la posibilidad de empezar de nuevo.

Si aún no la has visto, te recomiendo hacerlo cuanto antes. Y si ya la viste, ¿qué es lo que más te impactó de la película? ¡Déjamelo en los comentarios! 😉🎬

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Música de John Williams:

Aquí tienes un artículo extenso y detallado sobre John Williams, con toda la información que merece este maestro de la música cinematográfica. ¡Prepárate para un viaje épico por la historia del cine a través de sus notas! 🎼🎬

John Williams: El arquitecto sonoro del cine moderno

Si alguna vez has sentido escalofríos al escuchar una melodía en el cine, es muy probable que John Williams estuviera detrás de ella.

Sus composiciones han definido la identidad de sagas icónicas, han marcado generaciones y han convertido bandas sonoras en auténticos personajes dentro de las películas.

Con una carrera que abarca más de seis décadas, Williams es sinónimo de grandeza musical en Hollywood.

En este artículo, exploraremos su vida, su impacto en la industria cinematográfica y las historias detrás de sus bandas sonoras más memorables.

🎹 De Nueva York a Hollywood: Los primeros años de una leyenda

John Towner Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York, en una familia con fuertes raíces musicales. Su padre, Johnny Williams, era percusionista en la CBS Radio Orchestra, lo que permitió al joven John estar expuesto desde niño al mundo de la música.

En 1948, la familia se trasladó a Los Ángeles, donde Williams asistió a la North Hollywood High School. Su talento para la música lo llevó a estudiar composición en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y más tarde en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, donde se especializó en piano.

Durante su estancia en Juilliard, Williams trabajó como pianista de jazz en clubes nocturnos y se ganaba la vida como músico de sesión. Incluso llegó a tocar en grabaciones de leyendas como Henry Mancini.

Tras su formación académica, decidió que su verdadera vocación no era ser concertista, sino compositor. Regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar como arreglista en la industria cinematográfica.

🎼 Los inicios en Hollywood y su relación con el cine

En la década de 1950, John Williams trabajó como pianista de estudio para compositores de renombre como Bernard Herrmann y Franz Waxman. Su primer crédito como compositor en una película llegó en 1958 con Daddy-O, una cinta de serie B olvidada por el tiempo.

Durante los años 60, Williams compuso para numerosas series de televisión y películas menores. Uno de sus primeros éxitos fue la banda sonora de El valle de las muñecas (1967), que le valió su primera nominación al Óscar.

A finales de la década, su versatilidad lo llevó a componer la música para El violinista en el tejado (1971), adaptación cinematográfica del famoso musical de Broadway. Su trabajo en esta película le otorgó su primer Premio Óscar.

Sin embargo, el verdadero punto de inflexión llegó en 1974, cuando un joven director llamado Steven Spielberg le pidió que escribiera la música para su primera gran película: Loca evasión.

🦈 El gran salto a la fama: Tiburón y la era del blockbuster

En 1975, John Williams compuso la banda sonora de Tiburón, dirigida por Steven Spielberg. Su icónico motivo musical de dos notas, que evoca la presencia amenazante del tiburón, se convirtió en uno de los temas más reconocibles de la historia del cine.

Esta banda sonora le valió su segundo Premio Óscar y consolidó su reputación en Hollywood. A partir de aquí, su carrera explotó de manera espectacular.

🌌 El nacimiento de un mito: Star Wars y el regreso de la música sinfónica

Si hay una obra que inmortalizó a John Williams, esa fue Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (1977).

George Lucas, creador de la saga, quería recuperar la majestuosidad de la música sinfónica en el cine, y Williams entregó una banda sonora épica que bebía de los grandes compositores clásicos como Wagner, Holst y Stravinsky.

El tema principal de Star Wars, con su poderosa fanfarria, se convirtió en una de las piezas más reconocibles del siglo XX. La banda sonora no solo ganó el Óscar, sino que fue seleccionada en 2005 por el American Film Institute como la mejor de todos los tiempos.

Desde entonces, Williams ha compuesto la música de casi toda la saga, con excepciones en algunos spin-offs. Su trabajo en El Imperio contraataca (1980) y El retorno del Jedi (1983) consolidó temas icónicos como “La Marcha Imperial” y “El tema de Yoda”.

🎻 Las bandas sonoras que definieron una era

A partir de Star Wars, John Williams se convirtió en el compositor más solicitado de Hollywood. Entre sus trabajos más icónicos destacan:

🎒 En busca del arca perdida (1981)

La fanfarria de Indiana Jones es otro de los temas inmortales de Williams. Su tono aventurero y enérgico se ha convertido en sinónimo del cine de acción clásico.

👽 E.T., el extraterrestre (1982)

Con una de las melodías más conmovedoras del cine, esta banda sonora ganó otro Óscar para Williams. La escena de la bicicleta volando con la luna de fondo es impensable sin su música.

🦕 Parque Jurásico (1993)

El majestuoso tema principal de esta película transmite a la perfección la sensación de asombro y grandiosidad ante la resurrección de los dinosaurios.

📜 La lista de Schindler (1993)

Uno de sus trabajos más emocionales y desgarradores. Su uso del violín solista, interpretado por Itzhak Perlman, le valió su quinto Óscar.

⚡ Harry Potter y la piedra filosofal (2001)

La saga del joven mago no sería lo mismo sin “Hedwig’s Theme”, una pieza mágica y misteriosa que encapsula el espíritu de Harry Potter.

🏆 Premios y legado

A lo largo de su carrera, John Williams ha sido nominado a:

• 53 premios Óscar (ganando 5).
•  
• 25 Globos de Oro (ganando 4).
•  
• 7 Premios BAFTA (ganando 7).
•  
• 73 Premios Grammy (ganando 25).

Ha trabajado con directores legendarios como Steven Spielberg, George Lucas, Richard Donner, Chris Columbus y Oliver Stone.

Su influencia en la música cinematográfica es incalculable. Ha definido el sonido del blockbuster moderno y ha inspirado a generaciones de compositores.

A sus más de 90 años, John Williams sigue activo y componiendo, dejando claro que su legado seguirá vivo en el cine durante muchas décadas más.

🎶 Conclusión: El maestro de las emociones

Si el cine es un arte que combina imagen y sonido para transmitir emociones, John Williams ha sido su mayor arquitecto sonoro.

Sus partituras no solo acompañan películas, sino que las definen. Su música ha trascendido la pantalla y se ha convertido en parte de la cultura popular.

Y tú, ¿cuál es tu banda sonora favorita de John Williams? ¡Déjalo en los comentarios! 😉🎼🎬

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

En el número 2 de la calle Eugène Manuel, en París…

Al rededor de tres personajes muy diferentes pivota el relato de esta película.

Una niña de once años demasiado inteligente para su familia y su entorno que planea suicidarse el día de su “anniversaire“.

Una arisca, pero correcta, portera que esconde sensibilidad y cultura detrás de las puertas de su portería.

Un elegante, refinado y adinerado japonés que se afinca en ese inmueble de París.

Los tres, cada uno a su manera, son marginados. Los tres se atraen pues comparten inteligencia y el gusto por la cultura.

Paloma, la niña, además filma la realidad cotidiana con su cámara de super ocho, reflexionando sobre lo que ve y escucha. Realizando una dura crítica de la sociedad que la envuelve.

Paloma conoce la muerte, como anécdota y como dolor personal.

El film tiene un bonito aire de cuento trágico y cómico, sentimental y tierno.

Agradezco mucho la recomendación a mi amiga Gema, una joyita que gracias a ella he descubierto.

Mi puntuación: 8,77/10.

El erizo es una película francesa de 2009 dirigida por Mona Achache, basada en la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery.

La historia sigue a Paloma Josse (Garance Le Guillermic), una niña de once años que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños. Durante este tiempo, entabla amistad con Renée Michel (Josiane Balasko), la portera del edificio, y con Kakuro Ozu (Togo Igawa), un nuevo inquilino japonés. Estas relaciones le muestran una nueva perspectiva de la vida.

​

La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009, logrando una recaudación cercana a los 11 millones de euros.

En España, se estrenó el 11 de diciembre del mismo año y fue galardonada en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Además, recibió el premio del público en el Festival Internacional de Cine de Seattle y fue la gran triunfadora del Festival Internacional de Cine de El Cairo, donde obtuvo cuatro premios, incluyendo el de mejor directora para Mona Achache. 

La crítica recibió la película de manera mixta. Mientras que Manuel Yáñez Murillo de Fotogramas destacó las “magníficas interpretaciones” y la comparó con Amélie por su retrato idealizado de la Francia contemporánea, Jordi Costa de El País la calificó como “un sofisticado modelo de cursilería” y la consideró una de las películas más “repugnantes de la temporada”. ​

El elenco principal lo completan Anne Brochet como Solange Josse (madre de Paloma), Ariane Ascaride como Manuela López, Wladimir Yordanoff como Paul Josse (padre de Paloma) y Sarah Lepicard como Colombe Josse (hermana de Paloma).

El erizo es una reflexión sobre la amistad, la belleza oculta en lo cotidiano y la importancia de mirar más allá de las apariencias.

La película destaca por su narrativa sensible y las sólidas actuaciones de su reparto, ofreciendo una visión profunda de las relaciones humanas y la búsqueda de sentido en la vida.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Dirigido por Mona Achache:

Mona Achache: la sensibilidad cinematográfica de una narradora íntima

Introducción

Desde su debut como directora, Mona Achache ha demostrado una capacidad excepcional para contar historias con una sensibilidad profunda y una mirada que oscila entre la ternura y la crudeza.

Su cine se mueve entre el drama, la comedia y la exploración de lo íntimo, con un enfoque visual elegante y narrativamente sólido.

A lo largo de su carrera, ha sabido trasladar a la pantalla relatos de transformación personal, resiliencia y redescubrimiento, abordando con maestría temas como la infancia, la identidad y el dolor familiar.

Biografía

Mona Achache nació el 18 de marzo de 1981 en París, en el seno de una familia con una fuerte vinculación con la literatura y el cine.

Su madre, Carole Achache, fue una reconocida escritora y fotógrafa, mientras que su padre, Jean Achache, se desempeñó como director y guionista. Además, su abuela materna fue la escritora Monique Lange, y su abuelo materno, el historiador de la ciencia Jean-Jacques Salomon. Este entorno artístico influyó profundamente en su formación y desarrollo creativo.

Desde joven, Achache se interesó por la literatura y el teatro, explorando el lenguaje visual y narrativo antes de dedicarse al cine.

A los 20 años, dio un paso importante en su carrera al dirigir el documental Alma et les autres (2004), que exploraba la experiencia del parto.

La obra tuvo un impacto considerable en Francia, siendo utilizada en más de 500 maternidades para la preparación de futuros padres.

El suicidio de su madre en 2016 marcó un punto de inflexión en su trayectoria. Al revisar sus archivos personales, Achache descubrió cartas y documentos que revelaban abusos sexuales sufridos por su madre y su abuela. Esta revelación tuvo un fuerte impacto en su vida y la llevó a crear Little Girl Blue, una película documental que examina estas experiencias traumáticas y sus consecuencias generacionales.

Filmografía

A lo largo de su carrera, Mona Achache ha dirigido películas y series en las que combina sensibilidad narrativa, estética refinada y personajes complejos.

Su estilo se caracteriza por el uso de la introspección y el retrato de la transformación emocional de sus protagonistas.

Largometrajes

El erizo (Le Hérisson, 2009)

Este fue su debut en el largometraje y se convirtió en un éxito internacional. Adaptación de la novela La elegancia del erizo de Muriel Barbery, la película narra la historia de Paloma Josse, una niña de 11 años extremadamente inteligente que planea suicidarse en su duodécimo cumpleaños. Su encuentro con Renée Michel, la portera del edificio, y con Kakuro Ozu, un inquilino japonés, cambiará su perspectiva sobre la vida.

La película se estrenó en Francia el 3 de julio de 2009 y tuvo una gran acogida, recaudando más de 11 millones de euros a nivel mundial. En España, llegó a los cines el 11 de diciembre del mismo año y obtuvo el Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. También ganó el Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.

Las gacelas (Les Gazelles, 2014)

En este largometraje, Achache cambia de registro y se adentra en la comedia, explorando las relaciones amorosas y la independencia femenina en la treintena.

La película sigue a Marie, una mujer que, tras romper con su pareja de toda la vida, se adentra en el mundo de las relaciones modernas, enfrentándose a la incertidumbre, la frustración y la autoexploración.

Corazones valientes (Cœurs vaillants, 2021)

Esta película histórica está basada en hechos reales y sigue a un grupo de niños judíos que buscan refugio durante la ocupación nazi en Francia. Inspirada en la historia personal de la abuela de Achache, Suzanne Achache-Wiznitzer, la película explora la infancia en tiempos de guerra y la lucha por la supervivencia. Con un guion emotivo y una dirección que enfatiza el punto de vista infantil, la película tuvo un buen recibimiento en festivales de cine europeo.

Little Girl Blue (2023)

Este docudrama es la obra más personal de Achache hasta la fecha. A raíz del suicidio de su madre, la directora descubre cartas y escritos que revelan una historia de abusos y traumas familiares ocultos. Para reconstruir la vida de su madre, Achache combina imágenes de archivo con una interpretación de Marion Cotillard, quien da vida a Carole Achache en pantalla. La película se estrenó en el Festival de Cannes 2023 y recibió elogios por su valentía y su innovador enfoque narrativo.

Cortometrajes

• Suzanne (2005): Basado en la historia de su abuela, narra la experiencia de una niña judía escondida durante la Segunda Guerra Mundial.

• Wawa (2008): Un cortometraje sobre la infancia y la pérdida.

Televisión

Achache también ha dirigido episodios de diversas series y telefilmes:

• Bankable (2012): Telefilme sobre las complejidades del mundo financiero.

• Marjorie (2015–2017): Serie sobre una terapeuta y sus pacientes.

• Osmosis (2019): Serie de ciencia ficción de Netflix sobre el amor y la tecnología.

• Balthazar (2019–2020): Serie policíaca francesa.

• HPI: Alta Capacidad Intelectual (Haut Potentiel Intellectuel, 2022): Serie de comedia y drama sobre una mujer con altas capacidades intelectuales que colabora con la policía.

Estilo y Temáticas

El cine de Mona Achache se caracteriza por su enfoque en los personajes y su desarrollo psicológico. Sus películas suelen explorar la identidad, el dolor emocional y la transformación personal. Utiliza una estética visual elegante, con una fuerte influencia literaria y teatral.

En El erizo, por ejemplo, juega con la simbología de la literatura y el cine japonés para reflejar el mundo interior de sus personajes. En Little Girl Blue, innova en el género documental al reconstruir los recuerdos de su madre con una interpretación de Marion Cotillard, creando un híbrido entre la ficción y el documental.

Reconocimientos y Legado

A lo largo de su carrera, Achache ha sido reconocida en diversos festivales y premios:

• Premio del Público en la Semana Internacional de Cine de Valladolid por El erizo.

• Golden Space Needle en el Festival Internacional de Cine de Seattle.

• Nominación al César al Mejor Documental 2024 por Little Girl Blue.

Además, Achache es una destacada activista en la lucha por la igualdad de género en la industria cinematográfica y es miembro del colectivo 50/50, que promueve la diversidad en el cine.

Conclusión

Mona Achache ha consolidado una carrera cinematográfica marcada por la sensibilidad y la exploración de la condición humana. Su capacidad para abordar temas profundos con una mirada poética y sincera la ha convertido en una de las directoras más interesantes del cine contemporáneo francés.

Con un futuro prometedor y una filmografía en constante evolución, su obra seguirá dejando una huella en el cine y en la manera en que las historias íntimas pueden conectar con el espectador.

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Cutrecomentario de Ramón:

Nunca nada será lo mismo.

Justo veo esta película el día anterior que se ha premiada en los Oscar como mejor película internacional, desbancando a la gran candidata, Emilia Pérez, que ha sido terriblemente perjudicada por la boca chancla de su protagonista la madrileña Karla Sofía Gascón.

El secuestro del padre por parte de las estructuras de la dictadura brasileña en los años setenta marca el rumbo de una familia.

La existencia feliz de este grupo de personas se ve truncada por ese suceso que determina todo lo posterior.

La madre interpretada por Fernanda Torres tiene que tomar las riendas de la familia y intentará luchar, no ya por el regreso de su esposo, que también, sino por mantener la dignidad familiar y personal.

La película está salpicada de momentos sentimentales y otros tenebrosos como los días de arresto del personaje de Eunice.

Una película muy valiosa que cumple con la doble misión de la denuncia de las injusticias y arbitrariedades de las dictaduras y la defensa de la memoria histórica.

Mi puntuación: 7,68/10.

Dirigido por Walter Salles:

Walter Moreira Salles Jr., nacido el 12 de abril de 1956 en Río de Janeiro, Brasil, es un destacado director, guionista y productor de cine brasileño.

Hijo del banquero y embajador Walter Moreira Salles, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro y cine en la Universidad del Sur de California.

Inició su carrera cinematográfica en la década de 1980 realizando documentales.

Su primer largometraje de ficción fue A grande arte (1991). Sin embargo, fue con Tierra extranjera (1995), codirigida con Daniela Thomas, que obtuvo reconocimiento internacional. Esta película fue seleccionada en más de 40 festivales de cine en todo el mundo.

En 1998, Salles alcanzó renombre internacional con Estación central de Brasil, que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y fue nominada a dos premios Óscar: Mejor Actriz para Fernanda Montenegro y Mejor Película Extranjera.

En 2004, dirigió Diarios de motocicleta, una biografía del joven Ernesto “Che” Guevara, que recibió elogios de la crítica y ganó el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes.

Otros trabajos destacados incluyen Detrás del sol (2001), Dark Water (La huella) (2005), En la carretera (2012) y La contadora de películas (2023).

En 2024, Salles presentó Aún estoy aquí, basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva. La película aborda la historia de una familia durante la dictadura militar brasileña de los años setenta. Este filme ha sido aclamado internacionalmente, obteniendo el premio al Mejor Guion en la Mostra de Venecia y tres nominaciones a los premios Óscar 2025: Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Actriz para Fernanda Torres, quien ganó el Globo de Oro por su actuación.

Además de su labor como director, Salles ha producido películas significativas como Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles y Madame Satã (2002) de Karim Aïnouz.

A lo largo de su carrera, Walter Salles ha sido reconocido por su habilidad para narrar historias íntimas que reflejan la realidad social y política de Brasil, consolidándose como una figura clave en el cine contemporáneo.

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Cutrecomentario de Ramón:

Atrapado en un juego de mesa.

Cuando se estrenó fuimos toda la familia a una gran sala y la disfrutamos mucho.

Ahora 30 años después la veo con tres hijos y mis dos nietos en el salón de mi casa en una hermosa pantalla en mi recién adquirido home cinema. Una auténtica gozada.

Mis nietos han determinado la proyección de esta sesión de tarde noche. Ya la habían visitado y deciden darle un segundo visionado.

Permanecen atentos todo el metraje.

¡Qué gran actor Robin Williams! ¡Cuánto lo echamos de menos!

Reconozco a una jovencísima Kirsten Dunst.

La película me divierte mucho. 

Me da la impresión que ha envejecido muy bien.

Me impacta nuevamente la crueldad de ese cazador. Fernando nos resalta que está interpretado por el mismo actor que da vida al padre de Alan, Jonathan Hyde.

La película cuenta con unos efectos especiales que parecen chapuceros, pero que encajan muy bien con la idea de que son salidos de un juego.

El film habla de las segundas oportunidades, de la importancia del trabajo en equipo y de las infancias perdidas.

Me sigo partiendo de risa con ese rinoceronte rezagado.

Mi puntuación: 8,66/10.

Dirigido por Joe Johnston:

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

El plan definitivo en un libro infantil.

Esta producción canadiense funciona como un reloj de precisión en el género del thriller policial.

Un desgastado agente del FBI, al que da vida Jude Law, aterriza en una pequeña ciudad del Oeste, Coeur d’Alene en Idaho. Este policía decide investigar unos atracos que a él le parecen cometidos con fines terroristas.

Ese grupo de fanáticos en los años 80, podrían ser perfectamente en estos años veinte del siglo XXI.

Estos individuos, a los que se han dado en llamar the white trash, son personajes fracasados, envidiosos, violentos, amantes de las armas, medio analfabetos y peligrosos. Culpan a los judíos, a los negros, a los extranjeros de su fracaso. Son los votantes de Trump actuales.

En lugar de encontrar en los ricos y explotadores a los culpables de su pobreza culpan  esos “otros”.

La película tiene buenas escenas de atracos y una investigación policial impecable.

De todo el film la escena que más me ha impactado es en la que el personaje interpretado por Nicholas Hoult enseña a dispara a su hijo de cuatro años.

Mi puntuación: 7,66/10.

Dirigido por Justin Kurzel:

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

Un oboe en la jungla.

Los jesuitas en las cataratas de Iguazú.

.

Ya se ha convertido en un clásico del cine de los ochenta.

.

La vemos porque ocupa un lugar destacado dentro de la obra de Ennio Marricone, con una música que es más grande que la película.

.

En su estreno no obtuvo buenas críticas, pero la defendí entonces y ahora me reafirmo.

.

Una película colosal, un derroche de producción, con una fotografía extraordinaria.

.

Además los temas planteados son de lo más interesante.

.

Por un lado el poder de los jesuitas, y lo molestos que resultaban para el dominio de la Iglesia y de los imperios español y portugués, obstaculizando el comercio de esclavos.

.

Por otro lado la redención de Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), que lleva en sus venas el espíritu belicoso.

.

La peli se convierte en una denuncia de la esclavitud en Latinoamérica, rompiendo el mito de la bondad de la colonización ibérica y por otro una apología de las luchas perdidas. Los pueblos oprimidos sucumben ante el poderío militar de las potencias, aunque la moral y la ética esté con ellos.

.

Me impresiona ver a un joven Liam Neeson, antes de ser Oskar Schindler y de dedicarse a pegar tiros a diestro y siniestro como en sus últimas películas.

.

Mi puntuación: 8,78/10.

Curiosidades sobre La misión

• Recepción y edición tras Cannes: Después de ganar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, el productor David Puttnam decidió eliminar ocho minutos de la película para mejorar la experiencia del espectador.

• Rodaje en locaciones naturales: La película se filmó en diversas locaciones de Argentina, incluyendo la provincia de Misiones, lo que aportó autenticidad a la ambientación selvática de la historia.

•  

• Inspiración musical: La banda sonora, compuesta por Morricone, es considerada una de las más destacadas en la historia del cine. El uso del oboe en la película simboliza la conexión entre culturas y juega un papel crucial en la narrativa.

•  

• Reconocimientos: Además de la Palma de Oro, la película ganó el Óscar a la Mejor Fotografía para Chris Menges y obtuvo premios BAFTA y Globos de Oro en categorías como Mejor Música y Mejor Guion.

Dirigido por Roland Joffé:

Roland Joffé: Un Director entre la Épica y la Controversia

Cuando se habla de cine histórico con un fuerte componente humano y social, el nombre de Roland Joffé emerge como una referencia ineludible.

Con una filmografía marcada por relatos intensos y personajes complejos, este director británico ha dejado una huella en el cine internacional, aunque no sin despertar polémicas en el camino.

Inicios y Primeros Pasos en la Televisión

Nacido el 17 de noviembre de 1945 en Londres, Joffé comenzó su carrera en la televisión británica.

Trabajó en series como Coronation Street y Bill Brand, donde exploró problemáticas sociales con un enfoque realista.

Su talento para narrar historias con trasfondo político llamó la atención de los productores de cine, lo que lo llevó a su primer gran proyecto cinematográfico.

El Salto a la Gran Pantalla: Reconocimiento y Premios

En 1984, Joffé dirigió Los gritos del silencio, un estremecedor drama sobre el genocidio en Camboya bajo el régimen de los Jemeres Rojos.

La película fue un éxito de crítica y le valió su primera nominación al Óscar como Mejor Director. Su manera de abordar el conflicto, con una mezcla de brutalidad y lirismo, consolidó su prestigio en la industria.

Dos años después, en 1986, dirigió La misión, protagonizada por Robert De Niro y Jeremy Irons. Ambientada en el siglo XVIII, la película narra la lucha de los jesuitas en Sudamérica contra la explotación colonial. Con su impresionante fotografía y una banda sonora icónica de Ennio Morricone, el filme ganó la Palma de Oro en Cannes y recibió varias nominaciones al Óscar, incluyendo una segunda para Joffé como Mejor Director.

Otros Proyectos y Altibajos en su Carrera

A pesar del éxito de sus primeros trabajos, la carrera de Joffé tuvo altibajos.

En 1989 dirigió Creadores de sombras, un drama sobre el desarrollo de la bomba atómica que no logró el mismo impacto que sus predecesores.

En 1992, con La ciudad de la alegría, intentó recrear la esencia de la India con una historia de redención y sacrificio, pero recibió críticas mixtas.

En 1995, su adaptación de La letra escarlata, protagonizada por Demi Moore, fue un fracaso tanto en taquilla como con la crítica.

Sin embargo, en 2000 logró recuperar parte de su reputación con Vatel, un drama histórico sobre la corte francesa del siglo XVII, protagonizado por Gérard Depardieu.

Una Etapa de Controversias

En años más recientes, Joffé ha sido objeto de debate con películas como Encontrarás dragones (2011), que aborda la vida de Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei. La película generó divisiones entre la crítica y el público debido a su enfoque sobre la Guerra Civil Española y su visión del controvertido personaje.

Legado y Estilo Cinematográfico

El cine de Roland Joffé se caracteriza por su énfasis en la emotividad, la belleza visual y la exploración de conflictos morales y políticos.

Aunque su filmografía ha tenido altibajos, su contribución al cine sigue siendo significativa, especialmente por su capacidad para contar historias humanas enmarcadas en grandes acontecimientos históricos.

A día de hoy, sigue siendo una figura interesante y compleja en el cine, un director cuya obra sigue siendo objeto de análisis y discusión.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Música de Ennio Morricone:

Ennio Morricone: El Maestro de las Bandas Sonoras

Si existe un nombre imprescindible en la historia de la música cinematográfica, es sin duda el de Ennio Morricone.

Con más de 500 bandas sonoras en su haber, este compositor italiano no solo revolucionó el cine, sino que lo dotó de una identidad musical inconfundible, elevando la banda sonora a una categoría artística propia.

Primeros Años y Formación Musical

Nacido en Roma el 10 de noviembre de 1928, Morricone mostró un talento excepcional para la música desde temprana edad.

Criado en una familia de músicos, estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia, donde se especializó en trompeta y composición.

Su dominio de la orquestación y su interés por la experimentación sonora fueron claves en la configuración de su estilo único.

El Spaghetti Western y la Alianza con Sergio Leone

El gran salto a la fama de Morricone llegó en los años 60, gracias a su colaboración con el director Sergio Leone.

Juntos redefinieron el género del spaghetti western con películas como:

• Por un puñado de dólares (1964)

•  

• La muerte tenía un precio (1965)

•  
•  

• El bueno, el feo y el malo (1966)

• Hasta que llegó su hora (1968)

•  

En estas bandas sonoras, Morricone introdujo innovaciones como el uso de la armónica, el silbido, la guitarra eléctrica y sonidos no convencionales (como latigazos o disparos), creando atmósferas inconfundibles que se convirtieron en parte integral de la narración cinematográfica.

Expandiendo su Estilo: De Hollywood a la Música de Autor

A pesar de ser conocido por sus westerns, Morricone demostró una versatilidad inigualable. Compuso para numerosos géneros y trabajó con directores de renombre como Brian De Palma, Bernardo Bertolucci, Giuseppe Tornatore y Quentin Tarantino.

Algunas de sus composiciones más memorables incluyen:

• La misión (1986), con su conmovedor tema “Gabriel’s Oboe”.

•  

• Cinema Paradiso (1988), que capturó la nostalgia del cine y la infancia.

•  

• Los intocables de Eliot Ness (1987), un thriller con una partitura intensa y vibrante.

•  

• Novecento (1976), un fresco histórico de gran envergadura.

•  

• Los odiosos ocho (2015), por la que ganó su primer Óscar competitivo.

Premios y Reconocimientos

A lo largo de su carrera, Morricone recibió innumerables premios, incluyendo:

• Un Óscar honorífico en 2007 por su contribución a la música cinematográfica.

•  

• El Óscar a la Mejor Banda Sonora por Los odiosos ocho en 2016.

•  

• Tres Globos de Oro, un Grammy y un BAFTA.

•  

• La Palma de Oro honorífica en el Festival de Cannes.

•  

• El Premio Princesa de Asturias de las Artes en 2020, compartido con John Williams.

Legado Eterno

Fallecido en 2020 a los 91 años, Ennio Morricone dejó una huella imborrable en el cine y la música.

Su legado sigue vivo en cada melodía que acompaña a los grandes clásicos del séptimo arte, demostrando que una gran banda sonora no solo refuerza una película, sino que puede trascenderla y convertirse en una obra maestra por derecho propio.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Ficha de la película:

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El programa ampliado y extendido se puede oír en el Podcast de Centauros de la Alcarria.

Centauros de la Alcarria: Luto por Gene Hackman, porra de los Oscar y odio a Amenaza en el Aire

…

También nos ponemos de luto para lamentar dos fallecimientos, el de la actriz Michelle Trachtenberg, icono juvenil de los 90 y primera década del 2000, y Gene Hackman, un histórico del cine que nos ha dejado en extrañas circunstancias a la edad de 95 años. Historia del séptimo arte.

En la puerta misma de los Oscar, hacemos nuestra porra de ganadores.

Y sobre todo discutimos mucho, muchísimo por Amenaza en el aire en la Zona Spoiler Total, con un Ramón que casi explota de ira.

🎙️ Un programa lleno de cine, risas y debates que no te puedes perder.

¡Dale al play! 🎬✨

Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del periodista de cultura Javier Pastrana, del joven crítico de cine Ernesto Delgado Centeno, de la avispada periodista Sara Sánchez, de la eficaz Cristina, del cortometrajista Jorge Andrés y del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.

Todos ellos van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.

Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias que padecen.

Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección solo para podcast Spoiler Total.

Centauros de la Alcarria en Nueva Alcarria

Podcast de Centauros de la Alcarria

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Cutrecomentario de Ramón:

Amor interrumpido.

Tal vez, la trama no es demasiado original. El adolescente malote que enamora a una buena chica…

Este idilio se ve interrumpido por un periodo de diez años. Tras el regreso…

Esta película visitó Cannes y ha obtenido un César al mejor actor secundario a Alain Chabat, con 12 nominaciones más.

Es posible que la dirección de Gilles Lellouche sea pretenciosa, pero he de afirmar que consigue unos bonitos planos que impactan en mi retina, con algunas decisiones de dirección cuestionables, pero que a mí me entusiasman. Hay un loable afán de ser original, consiguiéndolo en más de una ocasión.

Los momentos violentos están bien filmados y el uso del sonido resulta muy impactante.

Adèle Exarchopoulos está colosal, como suele ser habitual en ella, dotando a su personaje de intensidad y dramatismo, consiguiendo que el espectador comprenda ese amor sin razones.

Muy orgánica la interpretación de François Civil que consigue combinar furia, violencia y sensibilidad.

Vincent Lacoste es un actor que me cae como el culo. Aquí interpretando el papel de rico gilipollas consigue que mi animadversión hacia él aumente. No es nada personal, pero te detesto Vincent. 

Una pena que esta película no haya sido estrenada en los Multicines Guadalajara.

Mi puntuación: 7,68/10.

Dirigido por Gilles Lellouche:

Gilles Lellouche, nacido el 5 de julio de 1972 en Savigny-sur-Orge, Francia, es un destacado actor y director francés.

Inició su carrera dirigiendo cortometrajes y videoclips musicales antes de consolidarse como actor en la industria cinematográfica francesa. 

Trayectoria como actor

A lo largo de su carrera, Lellouche ha participado en más de cincuenta películas desde su debut en 1995.

Ha sido nominado en dos ocasiones a los premios César: en 2006 como Mejor Actor Revelación y en 2011 como Mejor Actor de Reparto por su actuación en Pequeñas mentiras sin importancia (Les Petits Mouchoirs). 

Entre sus papeles protagónicos más destacados se encuentran:

• Quiéreme si te atreves (Jeux d’enfants, 2003): Interpretó a Sergei Nimov Nimovitch en esta comedia romántica dirigida por Yann Samuell, que narra la historia de dos amigos de la infancia que llevan su juego de desafíos a lo largo de sus vidas.

• El gran baño (Le Grand Bain, 2018): Además de dirigir, Lellouche actuó en esta comedia dramática sobre un grupo de hombres que forman un equipo de natación sincronizada. La película fue aclamada por la crítica y obtuvo múltiples nominaciones a los premios César. 

• BAC Nord: Brigada Anticriminal (BAC Nord, 2020): Interpretó a Grégory Cerva en este thriller policial dirigido por Cédric Jimenez, que sigue a una unidad de policía en Marsella enfrentando desafíos en barrios conflictivos. 

• Kompromat (2022): Encarnó a Mathieu en este thriller basado en hechos reales, donde un funcionario francés en Rusia es acusado injustamente de delitos graves y debe luchar por su libertad. 

• Astérix y Obélix: El reino medio (Astérix et Obélix: L’Empire du Milieu, 2023): Asumió el icónico papel de Obélix en esta comedia de aventuras dirigida por Guillaume Canet, que lleva a los famosos galos a China. 

Faceta como director

En 2018, Lellouche dirigió El gran baño (Le Grand Bain), una comedia dramática que recibió elogios de la crítica y fue nominada en diez categorías en los premios César 2019, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.

En 2024, presentó L’Amour ouf, una ambiciosa película de casi tres horas que explora diversas emociones y estilos cinematográficos.

Basada en la novela Jackie loves Johnser OK? de Neville Thompson, la película mezcla géneros que van desde musicales hasta cine negro, narrando la compleja historia de amor entre Jackie y Clotaire en el norte de Francia durante los años 80. 

Vida personal

Además de su carrera profesional, Lellouche ha mostrado un lado personal entrañable al adquirir en 2024 la casa de su infancia en Fontainebleau. Este gesto tuvo como objetivo ayudar a sus padres y proporcionar un lugar de reunión familiar, demostrando su apego a sus raíces y su compromiso con la familia. 

Conclusión

Gilles Lellouche continúa siendo una figura influyente en el cine francés, tanto delante como detrás de las cámaras, aportando su talento y versatilidad a cada proyecto en el que participa.

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

El correccional.

El director islandés Erlingur Thoroddsen compone un thriller con elementos de terror que se desarrolla en dos tiempos.

La dobe historia terminará convergiendo de manera, para mí, inesperada.

Por un lado el relato de los sufrimientos de los muchachos ingresados en un correccional de los años ochenta. Por otro la investigación que realiza el personaje al que da vida el fornido Jóhannes Haukur Jóhannesson, marcado por el suicidio de su esposa y por la mala relación con su hija víctima de las burlas de sus compañeras de instituto.

Siempre insisto en lo mismo. El cine nórdico está muy alejado del paraíso que siempre hemos tenido de estos países fríos y oscuros.

La película es triste, incluso sórdida, con un cierto aire fúnebre.

Cine, tal vez, prescindible, pero que a mí siempre me interesa y me perturba.

Por nada del mundo querría vivir en países así.

Mi puntuación: 6,67/10.

Dirigido por Erlingur Thoroddsen:

Erlingur Óttar Thoroddsen: el maestro islandés del terror psicológico

Erlingur Óttar Thoroddsen es un director y guionista islandés nacido el 27 de abril de 1984.

Su cine se ha convertido en un referente del terror y el suspense psicológico, destacando por su capacidad para crear atmósferas inquietantes y tramas que exploran los miedos más profundos del ser humano.

Desde sus primeros cortometrajes hasta su consolidación en el cine internacional, ha demostrado ser una de las voces más prometedoras del género.

Orígenes y formación: un islandés en Nueva York

Desde muy joven, Thoroddsen se sintió atraído por las historias de terror y lo sobrenatural, influenciado por el folclore islandés y el cine de directores como John Carpenter y David Cronenberg. Esta pasión lo llevó a estudiar en la Universidad de Columbia en Nueva York, donde se graduó en 2013 en Dirección de Cine.

Durante sus años en Columbia, dirigió varios cortometrajes que exploraban el miedo y la psicología humana, sentando las bases de su estilo cinematográfico. Fue en esta etapa cuando comenzó a desarrollar Child Eater, su ópera prima, basada en uno de sus propios cortometrajes.

Carrera cinematográfica: entre lo sobrenatural y el thriller psicológico

La filmografía de Thoroddsen está marcada por una constante exploración del miedo, ya sea a través de criaturas sobrenaturales o de traumas psicológicos que persiguen a sus protagonistas.

Sus películas han sido aclamadas por su atmósfera inquietante y su capacidad para combinar el terror con el drama psicológico.

Child Eater (2016)

Basada en su cortometraje homónimo, esta película narra la historia de un monstruo que se alimenta de la vista de los niños.

Con un estilo que recuerda al cine de Wes Craven y Guillermo del Toro, Child Eater se presentó en varios festivales de terror, consolidando a Thoroddsen como un director con un talento especial para el horror clásico y el suspense.

📌 La película se estrenó en España con el mismo título original, sin traducción al español.

Rift (Rökkur) (2017)

Con un giro más psicológico, Thoroddsen presentó en 2017 Rift, un thriller inquietante que sigue a dos exnovios que se reencuentran en una cabaña aislada tras su ruptura.

Lo que comienza como un intento de reconciliación pronto se convierte en una pesadilla cuando extrañas presencias empiezan a acecharlos.

La película fue el cierre del 40º Festival Internacional de Cine de Gotemburgo y le valió el Premio a la Realización Artística en el Outfest de 2017, consolidando su reputación como un cineasta innovador dentro del género.

📌 En Islandia, el filme se estrenó con su título original, Rökkur, pero en España se ha conocido como Rift.

The Piper (2023)

Dando un salto al terror gótico, Thoroddsen dirigió The Piper, una reinterpretación oscura de la leyenda del Flautista de Hamelín.

La película sigue a una compositora que, al completar la última obra inacabada de su mentor fallecido, desata una maldición que amenaza con consumirla.

Rodada en Bulgaria y protagonizada por Charlotte Hope y Julian Sands, The Piper destacó por su cuidada dirección artística y su capacidad para reinterpretar un cuento clásico con una estética aterradora.

📌 En España, la película se estrenó como El Flautista, adaptando su título para mayor reconocimiento del público.

Los indeseados (Kuldi / Cold) (2025)

Su proyecto más reciente es Los indeseados, una adaptación de la novela homónima de la reconocida autora islandesa Yrsa Sigurðardóttir.

Este thriller psicológico entrelaza el pasado y el presente en una historia donde los secretos enterrados resurgen con consecuencias aterradoras.

Estrenada en España el 28 de febrero de 2025, la película ha sido elogiada por su atmósfera opresiva y su narrativa intrigante, convirtiéndose en uno de los estrenos de terror más esperados del año.

📌 El título original es Kuldi en islandés y Cold en inglés, pero en España se ha traducido como Los indeseados.

Un estilo visual único: entre lo real y lo onírico

Lo que distingue a Thoroddsen de otros directores de terror es su enfoque atmosférico y psicológico.

Sus películas no dependen únicamente de los sobresaltos (jump scares), sino que construyen una tensión constante basada en el aislamiento, la incertidumbre y el terror psicológico.

Algunos rasgos clave de su estilo incluyen:

• Entornos aislados: Sus historias suelen desarrollarse en lugares remotos como cabañas, pueblos abandonados o casas antiguas, lo que refuerza la sensación de desamparo.
•  
• Narrativas ambiguas: Juega con la percepción del espectador, dejando abiertas muchas interpretaciones sobre si lo que ocurre es real o fruto de la mente de los personajes.
•  
• Uso del folclore: Se inspira en mitos y leyendas, dándoles un giro moderno y aterrador.
•  
• Fotografía sobria y envolvente: Utiliza tonos fríos, iluminación tenue y encuadres que aumentan la sensación de claustrofobia y tensión.

Reconocimientos y futuro

Además de los premios obtenidos por Rift, Thoroddsen ha sido reconocido en festivales internacionales por su contribución al cine de terror.

Con cada película, expande los límites del género y demuestra que el miedo puede explorarse de maneras innovadoras y sofisticadas.

Actualmente, se encuentra trabajando en nuevos proyectos que seguirán explorando las complejidades de la mente humana y el miedo latente en lo cotidiano.

Su ascenso en la industria es una prueba de que el cine de terror sigue evolucionando, y Erlingur Óttar Thoroddsen es, sin duda, una de las figuras clave en esta transformación.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

Paddington es peruano!

En busca de la Tía Lucy perdida.

Estos animales que hablan y se comportan como personas, pero que no llevan pantalones ni calzoncillos, siempre me han perturbado. Me refiero también del pato Donald, claro.

Este extraño oso abandona Londres con su recién estrenado pasaporte para viajar a su país de origen y acompañar a su tía Lucy.

A esta familia de gilipollas la recibe una madre superiora a la que da vida, una sonriente, pero turbadora, Olivia Colman, que es con ventaja, lo mejor de la película.

Una película colorista bien fotografiada y con unos efectos especiales aceptables.

El film se esfuerza en ser gracioso, pero está lejos de conseguirlo, en muchas escenas, la ridícula interpretación de los personajes, ocasiona más que risas sentimientos de vergüenza ajena.

Bastante aburrida y lamentable.

¡Por favor Paddington ponte ropa interior!

Mi puntuación: 3,60/10.

Dirigido por Dougal Wilson:

Dougal Wilson: del arte publicitario al cine con Paddington

Dougal Wilson es un director británico nacido en agosto de 1971 en Heswall, Merseyside, Inglaterra.

Antes de incursionar en el cine, se hizo un nombre en el mundo de la publicidad y los videoclips, destacándose por su estilo visual ingenioso y narrativas conmovedoras.

En 2024, dio el salto a la gran pantalla con Paddington: Aventura en la selva, la esperada tercera entrega de la saga del osito más querido del cine.

De la ciencia a la creatividad: los inicios de Dougal Wilson

Desde pequeño, Wilson mostró interés por la música y el diseño. Durante su adolescencia, participó en varias bandas, pero fue su fascinación por el cine—despertada por 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick—lo que realmente lo marcaría. A pesar de esta inclinación artística, estudió ciencias naturales en la Universidad de Durham, donde se graduó en 1992.

Durante su etapa universitaria, comenzó a diseñar carteles para conciertos y obras de teatro, lo que le abrió las puertas a la dirección.

Su gran revelación llegó al escuchar en la radio una entrevista con Ridley Scott y Alan Parker, quienes contaban cómo habían iniciado sus carreras dirigiendo anuncios publicitarios.

Inspirado por ellos, Wilson comenzó a trabajar como redactor en la agencia publicitaria Leith en Edimburgo, donde dirigió su primer anuncio antes de trasladarse a Londres para impulsar su carrera.

Maestro de la publicidad y los videoclips

El sello distintivo de Dougal Wilson es su habilidad para contar historias emotivas en poco tiempo, combinando creatividad visual con humor y ternura.

A lo largo de su carrera, ha trabajado con marcas de renombre como:

• Apple
•  
• IKEA
•  
• Orange
•  
• Stella Artois
•  
• Olympus
•  
• AT&T
•  
• Coca-Cola

Sin embargo, sus trabajos más icónicos han sido los anuncios navideños para John Lewis & Partners, una tradición anual en el Reino Unido.

Entre sus campañas más memorables están:

• “The Long Wait” (2011)
•  
• “The Journey” (2012)
•  
• “Monty the Penguin” (2014)
•  
• “Buster the Boxer” (2016)
•  
• “Excitable Edgar” (2019)

En 2016, dirigió “We’re the Superhumans” para Channel 4, un inspirador anuncio para los Juegos Paralímpicos de Río de Janeiro, aclamado por su energía y mensaje de superación.

En el ámbito musical, Wilson ha trabajado con artistas como:

• Benny Benassi – “Satisfaction” (Versión 2)
•  
• LCD Soundsystem – “Tribulations”
•  
• Will Young – “Who Am I”
•  
• Basement Jaxx – “Take Me Back to Your House”
•  
• Jarvis Cocker – “Don’t Let Him Waste Your Time”
•  
• Bat for Lashes – “What’s a Girl to Do?”
•  
• Goldfrapp – “Happiness” y “A&E”
•  
• Coldplay – “Life in Technicolor II”

Su talento para crear mundos visualmente impactantes en pocos minutos lo convirtió en uno de los directores de videoclips más innovadores de su generación.

El salto al cine con Paddington

En junio de 2022, se anunció que Wilson debutaría en el cine con Paddington: Aventura en la selva (Paddington in Peru), la tercera entrega de la exitosa saga protagonizada por el entrañable oso.

La película se estrenó el 8 de noviembre de 2024 en el Reino Unido y recibió críticas positivas tanto de la prensa como del público. La cinta mantiene el espíritu cálido y aventurero de las anteriores entregas, combinando el humor británico con una trama llena de emoción.

Dirigir una franquicia tan querida suponía un reto, pero Wilson demostró estar a la altura, aportando su característico ingenio visual a la historia.

Un director con visión única

El trabajo de Dougal Wilson se distingue por su creatividad, su habilidad para conectar con las emociones del espectador y su estilo narrativo fresco.

A lo largo de su carrera, ha demostrado ser un maestro en la publicidad y los videoclips, y su paso al cine con Paddington: Aventura en la selva confirma que es un director con mucho más por ofrecer.

Con su combinación de humor, ternura y originalidad visual, Wilson promete seguir sorprendiendo en el mundo del cine, manteniendo su esencia única que lo ha convertido en uno de los talentos más interesantes del panorama audiovisual.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

Abuelo y padre en la vida.

Comienzo esta película con nulas expectativas y bastante desanimado, pero coforme avanza el metraje observo con sorpresa como la trama alcanza niveles adultos más reflexivos de lo esperado.

Las tribulaciones de este Michael Keaton setentón que es padre y va a ser abuelo me van interesando.

Pero los momentos estelares de esta comedia dramática corren a cargo de una extraordinaria Mila Kunis que deslumbra con una interpretación brillante.

Una película que da más de lo que prometía en principio.

Mi puntuación: 6,58/10.

Dirigido por Hallie Meyers-Shyer:

Hallie Meyers-Shyer es una cineasta y actriz estadounidense, nacida el 26 de julio de 1987 en Los Ángeles, California.

Hija de los reconocidos directores Nancy Meyers y Charles Shyer, creció inmersa en el mundo del cine, lo que influyó significativamente en su carrera. ​

Inicios en la actuación

Desde temprana edad, Meyers-Shyer participó en pequeñas apariciones en películas dirigidas por sus padres.

Entre sus créditos se incluyen:​

• El padre de la novia (1991) como la niña de las flores.

•  

• Me gustan los líos (1994) como una niña en el granero.

• ​

• El padre de la novia II (1995) como Annie Banks a los 7 años.

• ​

• Tú a Londres y yo a California (1998) como Lindsay. ​

•  

• ¿En qué piensan las mujeres? (2000) como la chica en el mostrador del almuerzo.

• ​

• El misterio del collar (2001) como la chica en la demostración.

• ​

Curiosamente, los personajes principales de Tú a Londres y yo a California llevan los nombres de Hallie y Annie, en honor a ella y a su hermana mayor. ​

Formación académica

Asistió a la Crossroads School y, posteriormente, se inscribió en la Universidad del Sur de California para estudiar escritura de guiones. Más tarde, se trasladó a The New School, donde se graduó en literatura. ​

Carrera como directora y guionista

En 2017, Meyers-Shyer debutó como directora y guionista con la comedia romántica De vuelta a casa (Home Again), protagonizada por Reese Witherspoon. La película sigue a una madre soltera de 40 años que permite que tres jóvenes cineastas se alojen en su casa, lo que conduce a situaciones inesperadas y cómicas. ​

Su segundo largometraje, Con el agua al cuello (Goodrich), se estrenó en cines el 18 de octubre de 2024.

La película está protagonizada por Michael Keaton y Mila Kunis.

La trama se centra en Andy Goodrich (Keaton), un comerciante de arte cuya vida da un giro inesperado cuando su esposa ingresa en un programa de rehabilitación de 90 días, dejándolo a cargo de sus gemelos de nueve años.

Para enfrentar este desafío, busca la ayuda de su hija mayor, Grace (Kunis), con quien tiene una relación tensa. ​

Estilo y visión cinematográfica

Meyers-Shyer ha sido influenciada por el trabajo de sus padres, pero ha desarrollado una voz propia en la industria.

Sus películas suelen explorar las complejidades de las relaciones familiares y personales, combinando elementos de comedia y drama para ofrecer narrativas auténticas y emotivas.

En Con el agua al cuello, por ejemplo, aborda la evolución de la dinámica padre-hija, inspirada en sus propias experiencias familiares.

​

Vida personal

En agosto de 2018, se comprometió con el empresario tecnológico Ophir Tanz, con quien llevaba saliendo casi seis años en ese momento. ​

Legado familiar

El 27 de diciembre de 2024, su padre, Charles Shyer, falleció a los 83 años tras una breve enfermedad. Shyer fue conocido por dirigir y coescribir comedias exitosas como Private Benjamin y El padre de la novia. Su legado en la industria cinematográfica perdura, y Hallie continúa honrando esa herencia a través de su propio trabajo. ​

Hallie Meyers-Shyer sigue consolidándose como una cineasta talentosa, aportando perspectivas frescas y personales al cine contemporáneo.​

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

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Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.

Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.

Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.

Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.

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Cutrecomentario de Ramón:

Los hombres huecos.

Se podría decir que estamos ante una película de monstruos que son custodiados por dos mercenarios de élite que se lían.

Eso es cierto, totalmente cierto, pero este film tiene una carga psicológica mucho más profunda.

Los “hombres huecos” hacen referencia directa al poema homónimo de T.S. Eliot, publicado en 1925.

Los “hombres huecos” representan una sensación de vacío existencial, desilusión y trauma, temas que resuenan con las experiencias de los personajes principales, Levi y Drasa.

Este concepto alude a personas traumatizadas por la guerra, cuya alma se ha vaciado, quedando solo una “cáscara”.

La película utiliza la imagen de los “hombres huecos” para describir a las criaturas que habitan el abismo, sugiriendo que son seres despojados de su humanidad.

También se utiliza para describir a los personajes principales, ambos soldados que están “huecos” por dentro.

La referencia al poema de Eliot, añade profundidad a la trama, elevándola más allá de un simple thriller de acción.

Esa relación “a distancia” entre Drasa y Levi funciona muy bien, con guiño a Gambito de dama incluido.

La parte final con la batalla de los monstruos se alarga demasiado y se resuelve perezosamente.

Anya Taylor-Joy está espléndida. Miles Teller correcto.

Está fuera de duda que la chica de Miami se está consagrando como una de las grandes del cine actual.

Mi puntuación: 6,58/10.

Dirigido por Scott Derrickson:

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

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Cutrecomentario de Ramón:

Anatomía de una relación.

La montadora, guionista y directora Helena Taberna se basa en la novela de Isaac Rosa, que ha guionizado Virginia Yagüe, para mostrarnos el deterioro progresivo de una relación de pareja.

Un relato minucioso, realista y descarnado, cocinado a fuego muy lento, lo que repercute en el ritmo de la película, que se hace cansina y que se percibe como morosa en su desarrollo.

María Vázquez sabe trasmitirnos emociones, transmutándose de muchacha emocionada a mujer dolida y desgastada.

Más plano, pero también eficaz, está Pablo Molinero, con el que empatizo menos que con el personaje de María.

Cualquier persona que haya sufrido una ruptura se puede ver identificado.

Mi puntuación: 6,57/10.

Dirigido por Helena Taberna:

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

El éxito y la fama.

Este biopic de Bob Dylan que centra en sus primeros años. 

No es un retrato amable del compositor, más bien deja entrever aspectos turbios de su personalidad.

Sus relaciones sentimentales se manifiestan como superficiales y poco entregadas por parte de Dylan.

Tampoco demuestra ser agradecido con personajes que catapultaron su carrera como Pete Seeger.

Se manifiesta bien en la película su ansia por el éxito y su rechazo a la fama, dando un aspecto huraño de su personalidad.

No he sido un gran seguidor de Dylan, por ello me resulta asombroso que todos los temas que se interpretan en la película me resulten conocidos, incluso, familiares. Lo cual viene a confirmar la gran influencia que ha tenido este artista en la cultura popular.

Tal vez, mi música preferida ha sido la de los cantautores en castellano. Siempre me ha gustado que me contaran historias. 

Como nunca he entendido nada de inglés los temas de Bob me resultaban extraños y no conseguí conectar con ellos. Viendo esta película me ha encantado conocer las letras de sus canciones.

James Mangold demuestra ser un grandísimo director de actores. extrae oro puro del gran protagonista Timothée Chalamet que se transmuta en Dylan sin que deje atisbo de duda.

El resto del reparto está magnífico.

Me costó reconocer a Edward Norton.

Elle Fanning y Monica Barbaro están colosales.

He leído críticas dispares.

Me complace coincidir con Carlos Boyero, que, esta vez, sí ha salido emocionado de la proyección.

Es extraño que Don Carlos y yo estemos muy en sintonía últimamente. 

Mi puntuación: 8,89/10.

Bob Dylan: El trovador eterno, entre la genialidad, el misterio y la revolución musical

Bob Dylan, nacido como Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, es una figura emblemática de la música y la cultura popular del siglo XX.

Su trayectoria abarca más de seis décadas, durante las cuales ha influido profundamente en diversos géneros musicales y movimientos culturales.

Biografía Personal y Artística

Infancia y Juventud

Criado en una familia judía en Hibbing, Minnesota, Dylan mostró desde temprana edad un interés notable por la música.

Autodidacta, aprendió a tocar el piano y la guitarra, y durante su adolescencia formó parte de varias bandas locales.

En 1959, se matriculó en la Universidad de Minnesota, donde comenzó a sumergirse en la escena folk local y adoptó el nombre artístico de Bob Dylan.

Ascenso en la Escena Folk

En 1961, Dylan se trasladó a Nueva York con el objetivo de conocer a su ídolo, Woody Guthrie, quien se encontraba hospitalizado.

Durante este período, se integró en la vibrante escena musical de Greenwich Village, ganando reconocimiento por sus interpretaciones en clubes locales.

Su talento lo llevó a firmar un contrato discográfico y, en 1962, lanzó su álbum debut homónimo.

Evolución Musical y Reconocimientos

A lo largo de su carrera, Dylan ha explorado una amplia gama de estilos musicales, desde el folk y el rock hasta el country y el blues.

Su capacidad para reinventarse constantemente ha sido una de las claves de su longevidad artística.

En 2016, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura por “haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”.

Carácter y Relación con las Drogas y el Alcohol

Carácter Enigmático

Dylan es conocido por su naturaleza reservada y enigmática.

A pesar de su prominencia pública, ha mantenido su vida personal en privado, evitando en gran medida los reflectores mediáticos fuera del escenario.

Esta actitud ha contribuido a forjar una imagen misteriosa que intriga tanto a seguidores como a críticos.

Relación con las Drogas y el Alcohol

Durante la década de 1960, Dylan experimentó con diversas sustancias, incluyendo el LSD.

Estas experiencias coincidieron con una evolución en su estilo compositivo, adoptando una lírica más abstracta y simbólica.

Sin embargo, en entrevistas posteriores, ha minimizado la influencia de estas sustancias en su proceso creativo, sugiriendo que su uso fue más circunstancial que fundamental en su desarrollo artístico.

Canciones Más Exitosas y Ventas

A lo largo de su prolífica carrera, Bob Dylan ha compuesto numerosas canciones que han dejado una huella indeleble en la música popular.

A continuación, se destacan algunas de sus composiciones más emblemáticas:

• Like a Rolling Stone: Considerada una de las mejores canciones de todos los tiempos, fue grabada en 1965 para el álbum Highway 61 Revisited.

• Blowin’ in the Wind: Lanzada en 1963 en el álbum The Freewheelin’ Bob Dylan, esta canción se convirtió en un himno de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra.

• The Times They Are A-Changin’: Título principal del álbum de 1964, esta canción refleja los cambios sociales y políticos de la época.

• Mr. Tambourine Man: Incluida en el álbum Bringing It All Back Home de 1965, esta composición fue popularizada por The Byrds, alcanzando gran éxito en las listas musicales.

• Lay Lady Lay: Parte del álbum Nashville Skyline de 1969, esta canción ha sido versionada por más de 40 artistas a lo largo de los años.

En cuanto a las ventas, aunque es difícil precisar cifras exactas para cada canción, se estima que Bob Dylan ha vendido más de 125 millones de discos en todo el mundo a lo largo de su carrera.

Su álbum recopilatorio Bob Dylan’s Greatest Hits, lanzado en 1967, ha sido certificado cinco veces como disco de platino en Estados Unidos, consolidándose como uno de sus trabajos más vendidos.

Conciertos en España y Asistencia de Público

Bob Dylan ha mantenido una relación constante con el público español, ofreciendo múltiples conciertos en diversas ciudades a lo largo de su carrera.

A continuación, se detallan algunas de sus presentaciones más destacadas en España:

• Gira de 1984: Como parte de la gira europea junto a Carlos Santana, Dylan actuó en el Nuevo Estadio de Vallecas en Madrid el 26 de junio y en el Mini Estadi de Barcelona el 28 de junio. Aunque no se disponen de cifras exactas de asistencia, estos conciertos congregaron a miles de seguidores, reflejando la popularidad del artista en el país.

• Gira de 1995: Durante el Never Ending Tour, Dylan ofreció seis conciertos en España, incluyendo presentaciones en ciudades como Madrid y Barcelona. Aunque las cifras de asistencia no están documentadas en las fuentes consultadas, se sabe que estos eventos atrajeron a una cantidad significativa de fanáticos.

• Concierto en Pamplona (2019): El 25 de junio de 2019, Dylan se presentó en el Navarra Arena de Pamplona. Aunque no se especifica la asistencia exacta para este concierto, el recinto tiene una capacidad variable que puede albergar hasta 11.800 personas, dependiendo de la configuración del evento. Este concierto fue parte de una serie de eventos que contribuyeron a una asistencia acumulada de 200.000 personas en el Navarra Arena durante 2019.

En 2023, Bob Dylan continuó su prolífica carrera musical con la cuarta etapa de su gira mundial “Rough and Rowdy Ways”, iniciada en 2021 para promocionar su álbum homónimo lanzado en 2020.

Esta fase de la gira abarcó 17 conciertos en Norteamérica durante octubre y noviembre de 2023.

El recorrido comenzó el 1 de octubre en Kansas City, Missouri, y concluyó el 2 de diciembre en Evansville, Indiana.

A lo largo de esta etapa, Dylan se presentó en diversas ciudades, incluyendo St. Louis, Chicago, Milwaukee, Toronto y Montreal.

Durante estos conciertos, Dylan interpretó la mayoría de las canciones de “Rough and Rowdy Ways”, complementándolas con selecciones de su extenso repertorio, como “Watching the River Flow”, “When I Paint My Masterpiece”, “I’ll Be Your Baby Tonight” y “Gotta Serve Somebody”. Además, sorprendió al público con versiones de clásicos como “Not Fade Away” de Buddy Holly y “That Old Black Magic” de Johnny Mercer.

Un hito notable durante esta etapa fue su actuación el 16 de noviembre de 2023 en el Beacon Theatre de Nueva York. Este concierto destacó por su energía y la conexión íntima que Dylan estableció con la audiencia, ofreciendo interpretaciones renovadas de sus clásicos y demostrando su inquebrantable pasión por la música en vivo.

La gira “Rough and Rowdy Ways” reafirma la dedicación de Bob Dylan a su arte y su compromiso con sus seguidores, manteniéndose activo y relevante en la escena musical contemporánea.

¿Por qué se cambió el nombre a Bob Dylan?

Robert Allen Zimmerman adoptó el nombre artístico de Bob Dylan a principios de los años 60, cuando comenzó a actuar en la escena folk de Nueva York.

Existen varias teorías sobre la inspiración detrás de este cambio. La versión más extendida es que tomó “Dylan” del poeta galés Dylan Thomas, aunque Dylan ha negado esta afirmación en varias ocasiones.

En su autobiografía Chronicles: Volume One (2004), explicó que simplemente le gustaba cómo sonaba y que lo había elegido porque quería un nombre que sonara fuerte y distinto. También se especula que la decisión estuvo influida por la tradición de músicos folk que adoptaban nombres artísticos, como Woody Guthrie, su gran referente.

Lo cierto es que Dylan empezó a presentarse con ese nombre antes incluso de trasladarse a Nueva York, durante sus actuaciones en los cafés y clubes de Minneapolis. Para cuando llegó a la gran ciudad, el nombre de Bob Dylan ya estaba consolidado y le ayudó a construir una identidad propia en la escena musical.

Conclusión

Bob Dylan es una de las figuras más influyentes de la música moderna. Con una carrera de más de seis décadas, ha sabido reinventarse continuamente, explorando diversos estilos y dejando una huella imborrable en la historia de la música.

Su personalidad enigmática, su relación con las drogas y su carácter reservado han contribuido a alimentar el mito en torno a su figura.

Su legado no solo está en sus propias composiciones, sino en la cantidad de artistas que han versionado sus canciones en todo el mundo, incluido España, donde ha sido un referente para generaciones de músicos.

A pesar de su aversión a la fama y al estrellato convencional, Dylan ha seguido girando incansablemente, llevando su música a escenarios de todo el mundo, incluido el público español, con una gran cantidad de conciertos a lo largo de los años.

La concesión del Premio Nobel de Literatura en 2016 fue el reconocimiento definitivo a su capacidad para trascender la música y convertirse en un verdadero poeta de su tiempo.

En definitiva, Bob Dylan no es solo un músico, sino un fenómeno cultural cuya influencia sigue vigente en la actualidad.

Sus canciones han definido épocas, sus versos han inspirado revoluciones y su música continúa resonando con nuevas generaciones.

Como él mismo escribió en The Times They Are A-Changin’, los tiempos cambian, pero su legado sigue firme como una piedra que rueda.

Sus amoríos:

A lo largo de su extensa carrera, Bob Dylan ha mantenido una vida privada enigmática, marcada por diversas relaciones sentimentales que han influido tanto en su vida personal como en su obra artística.

A continuación, se detallan algunas de las más significativas:

Primeras Relaciones

Echo Helstrom

Durante su adolescencia en Hibbing, Minnesota, Dylan mantuvo una relación con Echo Helstrom, considerada por algunos como su primer amor. Se cree que Helstrom pudo haber inspirado la canción Girl from the North Country, aunque esta afirmación es objeto de debate. Ambos compartían una pasión por la música y solían escuchar juntos emisoras de radio que transmitían rhythm and blues.

Suze Rotolo

A principios de la década de 1960, Dylan inició una relación con Suze Rotolo, una artista y activista política. Rotolo aparece junto a Dylan en la icónica portada del álbum The Freewheelin’ Bob Dylan.

Su influencia en las composiciones de Dylan durante este período es notable, inspirando canciones como Don’t Think Twice, It’s All Right.

La relación concluyó en 1964.

Sylvie Russo es un personaje ficticio en la película biográfica “A Complete Unknown” (2024), que representa a Suze Rotolo, la primera novia seria de Bob Dylan.

Rotolo fue una artista y activista política que mantuvo una relación con Dylan desde 1961 hasta 1964.

Su influencia en la vida de Dylan fue significativa, inspirando muchas de sus primeras composiciones y apareciendo junto a él en la icónica portada del álbum “The Freewheelin‘ Bob Dylan” de 1963.

Rotolo introdujo a Dylan en diversas corrientes artísticas y políticas, enriqueciendo su perspectiva y, por ende, su música.

La decisión de cambiar el nombre del personaje en la película se tomó a petición de Dylan, para respetar la privacidad de Rotolo, quien siempre valoró su vida personal fuera del foco público

Matrimonios y Familia

Sara Lownds

En noviembre de 1965, Dylan contrajo matrimonio con Sara Lownds, una exmodelo y secretaria.

Juntos tuvieron cuatro hijos: Jesse Byron, Anna Lea, Samuel Isaac Abram y Jakob Luke.

Dylan también adoptó a Maria, hija de un matrimonio anterior de Sara.

Este matrimonio, que duró hasta 1977, es considerado uno de los pilares fundamentales en la vida personal de Dylan.

Algunas de sus composiciones reflejan esta relación, destacando el álbum Blood on the Tracks, que muchos interpretan como una crónica de las tensiones y eventual disolución de su matrimonio.

Carolyn Dennis

Posteriormente, Dylan mantuvo una relación con Carolyn Dennis, una de sus coristas.

Fruto de esta unión nació su hija, Desiree Gabrielle Dennis-Dylan, en 1986.

Dylan y Dennis se casaron en secreto en junio de 1986 y se divorciaron en octubre de 1992.

Este matrimonio y la existencia de su hija se mantuvieron en privado hasta la publicación de la biografía Down the Highway: The Life of Bob Dylan de Howard Sounes en 2001.

Otras Relaciones Notables

Joan Baez

La relación entre Dylan y la cantante Joan Baez fue tanto profesional como sentimental.

Se conocieron en 1961 y colaboraron en numerosas ocasiones durante los años siguientes.

Aunque su romance fue breve, la conexión artística entre ambos dejó una huella significativa en la escena folk de la época.

Edie Sedgwick

En 1964, Dylan tuvo una breve relación con Edie Sedgwick, una de las musas de Andy Warhol.

Aunque su vínculo fue efímero, Sedgwick dejó una impresión en la vida de Dylan durante ese período.

Influencia en su Obra

Las experiencias sentimentales de Dylan han sido una fuente constante de inspiración en su música.

Canciones como Sad-Eyed Lady of the Lowlands y Tangled Up in Blue reflejan momentos y emociones vinculados a sus relaciones personales.

Su capacidad para transformar vivencias íntimas en composiciones universales ha consolidado su reputación como uno de los compositores más influyentes de la música contemporánea.

En resumen, las relaciones sentimentales de Bob Dylan han desempeñado un papel crucial en su desarrollo personal y artístico, dejando una impronta imborrable en su vasto repertorio musical.

Versiones de sus Canciones en España

La obra de Bob Dylan ha trascendido fronteras, inspirando a numerosos artistas españoles a versionar sus canciones, adaptándolas al castellano y al contexto cultural local.

A continuación, se presentan algunas de las versiones más destacadas realizadas en España:

• Adiós Angelina: Originalmente Farewell Angelina, fue adaptada por Los Payos en 1968, transformándola en una rumba que resonó con el público español.

• El hombre puso nombre a los animales: Versión de Joaquín Sabina de Man Gave Names to All the Animals, incluida en su álbum de 1981 Malas compañías.

• Llamando a las puertas del cielo: Adaptación de Knockin’ on Heaven’s Door, ha sido interpretada por diversos artistas en España, manteniendo la esencia emotiva de la versión original.

• Como una piedra que rueda: Versión en español de Like a Rolling Stone, ha sido interpretada por diferentes artistas, destacando la adaptación de Miguel Ríos en su álbum Rock & Ríos.

• Todo por mi chica: Adaptación de I Want You realizada por Los Pekenikes, incluida en su EP Linda chica de 1966.

Estas versiones reflejan la profunda influencia de Bob Dylan en la música española, evidenciando cómo sus

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Dirigido por James Mangold:

James Mangold: El narrador versátil que conquistó Hollywood a golpe de talento

James Mangold es un destacado director y guionista estadounidense, reconocido por su versatilidad y habilidad para abordar una amplia gama de géneros cinematográficos.

Nacido el 16 de diciembre de 1963 en Nueva York, ha construido una carrera sólida en la industria del cine, dirigiendo películas aclamadas tanto por la crítica como por el público.

Primeros Años y Formación

Hijo de los artistas Robert Mangold y Sylvia Plimack Mangold, James creció en un entorno profundamente influenciado por el arte. Esta crianza en el vibrante escenario artístico de Manhattan en los años 60 dejó una huella indeleble en su perspectiva creativa.

Desde joven, mostró interés por el cine, comenzando a realizar películas con una cámara Super 8, inspirado por su padre, quien le inculcó el amor por el séptimo arte.

Mangold estudió en el California Institute of the Arts (CalArts), donde fue alumno del director Alexander Mackendrick. Posteriormente, obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Columbia, donde contó con la mentoría del reconocido director Miloš Forman.

Carrera Cinematográfica

Mangold debutó como director con Heavy (1995), una película independiente que ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cine de Sundance.

A partir de ahí, su carrera despegó con una serie de filmes notables:

• Cop Land (1997): Un thriller policíaco protagonizado por Sylvester Stallone, Robert De Niro, Harvey Keitel y Ray Liotta.

• Inocencia interrumpida (1999): Basada en las memorias de Susanna Kaysen, esta película contó con las actuaciones de Winona Ryder y Angelina Jolie, quien ganó el Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel.

• Kate & Leopold (2001): Una comedia romántica protagonizada por Meg Ryan y Hugh Jackman, que le valió a Jackman una nominación al Globo de Oro.

• Identidad (2003): Un thriller psicológico con John Cusack y Ray Liotta en los papeles principales.

• En la cuerda floja (2005): Un biopic sobre el legendario músico Johnny Cash, protagonizado por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon. La película recibió cinco nominaciones al Óscar, con Witherspoon ganando como Mejor Actriz.

• El tren de las 3:10 (2007): Un western que reunió a Russell Crowe y Christian Bale, reconocido por su narrativa intensa y dirección sólida.

• Lobezno inmortal (2013) y Logan (2017): Ambas películas del universo X-Men, con Hugh Jackman retomando su papel como Wolverine. Logan fue especialmente aclamada, obteniendo una nominación al Óscar al Mejor Guion Adaptado.

• Le Mans ’66 (2019): Conocida internacionalmente como Ford v Ferrari, esta película protagonizada por Matt Damon y Christian Bale narra la histórica rivalidad entre Ford y Ferrari en la carrera de Le Mans de 1966. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película.

• Indiana Jones y el Dial del Destino (2023): La quinta entrega de la icónica saga, con Harrison Ford retomando su papel como el legendario arqueólogo.

Proyectos Recientes

En 2024, Mangold dirigió A Complete Unknown, un biopic sobre los primeros años de Bob Dylan, protagonizado por Timothée Chalamet.

La película se centra en la llegada de un joven Dylan a Nueva York y su búsqueda por conocer al músico Woody Guthrie, así como sus interacciones con figuras como Pete Seeger, Joan Baez y Suze Rotolo.

Chalamet, quien también produjo el proyecto, interpretó las canciones en vivo, aportando autenticidad a su actuación.

La película recibió ocho nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor.

Estilo y Legado

La versatilidad de Mangold le ha permitido explorar diversos géneros, desde el drama y el thriller hasta el western y las películas de superhéroes.

Su enfoque se caracteriza por una narrativa sólida, desarrollo profundo de personajes y una dirección que equilibra la profundidad artística con el atractivo comercial.

Su capacidad para reinventarse y abordar proyectos variados lo ha consolidado como uno de los directores más respetados de su generación.

Vida Personal

Desde 1998, James Mangold está casado con la productora de cine Cathy Konrad, con quien ha colaborado en varios proyectos a lo largo de su carrera.

En resumen, James Mangold ha demostrado ser un narrador consumado, capaz de abordar una amplia gama de historias y géneros, dejando una marca indeleble en la cinematografía contemporánea.

Ficha:

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Cutrecomentario de Ramón:

La independencia de la India desde el punto de vista británico.

Mis hijos detestaban esta película porque todos los años se la ponían en el colegio.

Es curioso que a mí tampoco me convenció y ahora menos que nunca.

Me fascina la inmensa producción de este film, con miles y miles de extras en cada secuencia.

Como todos los biopics resulta muy episódico. Las escenas se suceden sin que haya una buena ligazón entre ellas, con elipsis que resultan, en muchos casos, tramposas.

La visión del proceso histórico es muy ambigua. En ocasiones estamos situados desde la perspectiva de los hindúes. Otras desde la óptica británica. Pero los malos siempre parecen ser los musulmanes. Sus líderes presentan un aspecto siniestro, como malos de opereta.

La figura de Mahatma Gandhi es constantemente presentada como íntegra e impoluta, sin resquicio para la duda o los malos pensamientos, en una visión claramente hagiográfica del personaje.

Siempre se ha destacado la transformación física de Ben Kingsley como uno de los mayores valores de la película, cuestión que yo no termino de ver. Se utilizan trucos baratos para que parezca más delgado, sin que haya una verdadera modificación real del actor.

El papel de las mujeres es decorativo y poco definido. En ocasiones parece que tenga una esposa y una amante occidental oficiales.

La perspectiva británica de la historia queda especialmente patente en la descolonización, con una India incapaz de seguir unida y con un apaño territorial desastroso.

El rey de la paz no consigue mantener a su país unido y la visión anglosajona insiste en ello.

Sus más de tres horas y su formato de gran espectáculo esconden una película mediocre, de factura impresionante a primera vista que no resiste un análisis riguroso.

Mala elección de este film como educativa.

Mis hijos se quejaban con razón.

Mi puntuación: 4,32/10.

Resumen del texto “Gandhi, iluminación y oscuridad: los antecedentes del proyecto de la película“

El texto analiza el contexto histórico y cinematográfico que precedió a la realización de la película Gandhi (1982) de Richard Attenborough.

Se mencionan las representaciones previas de Gandhi en noticieros, fotografías y documentales, así como su escasa afinidad con el cine.

También se explora cómo su imagen fue utilizada en diferentes producciones antes y después de la película de Attenborough.

Uno de los temas centrales es la controversia en torno a la representación de Muhammad Alí Jinnah en la película, lo que generó críticas por su caracterización negativa. Además, se detalla el papel de Nehru y otros líderes en la supervisión del guion y la financiación de la película, con la India asumiendo una parte significativa del costo tras la falta de apoyo de Hollywood.

El texto también menciona la ausencia de Gandhi en el Premio Nobel de la Paz, a pesar de sus múltiples nominaciones, y cómo su asesinato influyó en la decisión de dejar el galardón desierto en 1948. Se destaca la reacción de líderes indios ante su muerte y la persistencia de su legado.

Por último, se aborda la financiación de la película, que enfrentó dificultades antes de concretarse con el respaldo del gobierno indio y productoras independientes.

También se menciona la película Jinnah (1998) como respuesta a la visión sesgada de Gandhi y Jinnah en la película de Attenborough.

En general, el texto ofrece un análisis detallado sobre los desafíos, decisiones creativas y repercusiones políticas de la película Gandhi.

Gandhi: ¿Santo, Líder o Maltratador?

Cuando pensamos en Mahatma Gandhi, nos viene a la mente la imagen de un hombre delgado, vestido con un simple dhoti, liderando la resistencia pacífica contra el imperialismo británico. Sin embargo, detrás del mito y la veneración, su vida personal ha sido objeto de debate, especialmente en lo que respecta a su relación con su familia y sus creencias sobre la sexualidad y la mujer.

Una Vida de Disciplina Extrema

Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948) se casó a los 13 años con Kasturba Gandhi en un matrimonio arreglado, algo común en la India de la época.

Desde muy joven mostró una disciplina férrea que aplicaba no solo a su activismo político, sino también a su vida personal.

Su relación con Kasturba fue compleja: por un lado, la describió como una mujer fuerte y determinada, pero también se ha documentado que intentó imponerle una vida de estricta austeridad y obediencia, llegando incluso a restringirle ciertas libertades personales.

Su Relación con Kasturba: ¿Dominante o Tradicional?

Hay registros de que Gandhi exigía obediencia absoluta a su esposa.

En sus primeros años de matrimonio, Kasturba desafió algunas de sus órdenes, lo que llevó a conflictos entre ellos.

Gandhi admitió en sus escritos que en su juventud había sido «celoso» y «dominante» con Kasturba, llegando a intentar impedirle que saliera de casa sin su permiso.

Durante los años de lucha política, Kasturba lo acompañó en sus campañas y sufrió encarcelamiento en múltiples ocasiones.

Falleció en 1944, mientras estaba detenida con Gandhi, lo que refuerza la imagen de una mujer leal a su esposo, aunque también atrapada en su rigurosa forma de vida.

Las Pruebas de Castidad y las Polémicas con las Mujeres

Uno de los aspectos más controvertidos de Gandhi fue su obsesión con el celibato (brahmacharya), que adoptó definitivamente en 1906.

Sin embargo, lo que ha generado controversia fueron sus «pruebas de castidad», en las que dormía desnudo junto a mujeres jóvenes, a veces incluso a su sobrina-nieta Manu Gandhi, para probar su autocontrol.

Si bien no hay evidencia de abuso físico en estos actos, muchos los consideran inapropiados y moralmente cuestionables.

Incluso algunos de sus seguidores más cercanos, como su confidente Pyarelal, describieron estas prácticas como perturbadoras.

Gandhi argumentaba que eran ejercicios espirituales para fortalecer su autodisciplina, pero otros las ven como una muestra de hipocresía y abuso de poder sobre jóvenes vulnerables.

¿Y con sus Hijos?

La relación de Gandhi con sus hijos tampoco fue ideal.

Su primogénito, Harilal, tuvo una relación conflictiva con él.

Se sintió abandonado cuando su padre priorizó la lucha política sobre su educación y bienestar personal.

Harilal, incapaz de soportar la severidad de su padre, terminó convirtiéndose al islam por un tiempo y cayendo en el alcoholismo.

Murió en la indigencia en 1948, pocos meses después del asesinato de Gandhi.

¿Maltratador o Hombre de su Tiempo?

La pregunta de si Gandhi fue un maltratador es compleja. Desde los estándares actuales, su relación con Kasturba podría verse como una de dominación masculina, sus pruebas de celibato como una transgresión ética y su trato a sus hijos como negligente.

Sin embargo, también es cierto que muchas de estas conductas estaban enraizadas en la cultura y la época en la que vivió.

Más allá del debate, la figura de Gandhi sigue siendo fascinante por sus contradicciones.

Un hombre que predicaba la paz, pero que en lo privado imponía normas estrictas a su círculo más cercano.

Un líder venerado, pero con sombras que hoy generan preguntas incómodas.

La historia lo recuerda como el padre de la independencia india, pero su vida personal nos recuerda que los ídolos también tienen grietas.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Dirigido por Richard Attenborough:

Richard Attenborough: Actor, director y leyenda del cine

Infancia y primeros años

Richard Attenborough nació el 29 de agosto de 1923 en Cambridge, Reino Unido.

Desde joven mostró una gran pasión por el arte y el cine, estudiando en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA).

Su carrera comenzó en el teatro, pero pronto daría el salto al cine, donde se consolidó tanto como actor y como director.

Carrera como actor

A lo largo de su trayectoria, Richard Attenborough participó en numerosas películas, consolidándose como uno de los actores más respetados del cine británico.

Entre sus actuaciones más memorables destacan:

• Brighton Rock (1947), donde interpretó a un despiadado gánster.

• La gran evasión (1963), donde compartió pantalla con Steve McQueen en uno de los filmes de guerra más icónicos de la historia.

• Doctor Dolittle (1967), en la que mostró su versatilidad interpretativa.

• Parque Jurásico (1993), donde dio vida a John Hammond, el excéntrico creador del parque de dinosaurios.

Aunque tuvo una carrera destacada como actor, fue en la dirección donde dejó su huella más profunda en la historia del cine.

Éxito como director

El debut de Richard Attenborough como director llegó en los años 60, pero no fue hasta las décadas siguientes cuando alcanzó reconocimiento internacional con películas ambiciosas y de gran carga histórica y emocional.

Gandhi (1982): Su obra maestra (?)

La película más importante de su carrera fue Gandhi, un monumental biopic sobre la vida de Mahatma Gandhi, interpretado por Ben Kingsley.

La producción fue una de las más ambiciosas de su tiempo, con un rodaje que abarcó numerosos escenarios en la India y una multitud de extras en sus escenas clave.

La película obtuvo un gran éxito en taquilla y se convirtió en un fenómeno mundial.

En los Premios Óscar, arrasó con 8 estatuillas, incluyendo Mejor Película y Mejor Director para Richard Attenborough.

Además, fue elogiada por su fidelidad histórica, su impactante narrativa y la impresionante actuación de Ben Kingsley, quien ganó el Óscar a Mejor Actor.

Otras películas destacadas como director

Además de Gandhi, Richard Attenborough dirigió otros filmes importantes, como:

• Un puente lejano (1977), una ambiciosa película bélica con un reparto estelar que incluía a Sean Connery y Robert Redford.

• Grito de libertad (1987), que abordaba el apartheid en Sudáfrica y recibió tres nominaciones al Óscar.

• Chaplin (1992), un biopic sobre Charlie Chaplin protagonizado por Robert Downey Jr., cuya actuación fue aclamada.

• Tierras de penumbra (1993), un drama romántico con Anthony Hopkins y Debra Winger que obtuvo una gran respuesta crítica.

Repercusión y legado

A lo largo de su carrera, Richard Attenborough dejó una marca imborrable en la industria del cine, tanto por sus interpretaciones como por su talento detrás de la cámara. Su pasión por contar historias humanas y su meticuloso enfoque en la dirección lo convirtieron en un referente del cine británico e internacional.

Falleció el 24 de agosto de 2014 a los 90 años, dejando tras de sí un legado de películas inolvidables y un impacto duradero en la cinematografía mundial.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Música de Ravi Shankar:

Ravi Shankar: Maestro del sitar y su contribución a Gandhi

Infancia y primeros años

Ravi Shankar nació el 7 de abril de 1920 en Benarés, India.

Desde joven mostró talento para la música, aprendiendo el arte del sitar bajo la tutela del legendario Allauddin Khan.

Con el tiempo, Ravi Shankar se convirtió en el embajador mundial de la música clásica india, llevando su arte a escenarios internacionales y colaborando con artistas de la talla de The Beatles y Philip Glass.

Carrera musical e impacto en el cine

A lo largo de su vida, Ravi Shankar trabajó tanto en la música tradicional como en la composición de bandas sonoras para el cine.

Su trabajo en el cine indio lo llevó a colaborar con el director Satyajit Ray en películas como La trilogía de Apu, donde su música aportó una dimensión espiritual y emocional inigualable.

También compuso la banda sonora de otras películas destacadas como:

• Charly (1968), basada en la historia de Flowers for Algernon, por la cual fue nominado al Globo de Oro a Mejor Banda Sonora.

• Raga (1971), un documental sobre su vida y su impacto en la música india y occidental.

• Prophecy (1979), una película de terror ecológico que contó con su estilo musical distintivo.

Gandhi (1982): Una banda sonora histórica

Uno de sus trabajos más emblemáticos fue la composición de la banda sonora de Gandhi (1982), dirigida por Richard Attenborough.

Para esta producción, Ravi Shankar colaboró con el compositor George Fenton para crear una partitura que capturara la esencia de la India y la vida de Mahatma Gandhi.

La música de Gandhi es una combinación magistral de instrumentos tradicionales indios, como el sitar y la tabla, con elementos orquestales occidentales.

La partitura evoca el espíritu del movimiento de independencia de la India, utilizando ragas y melodías evocadoras que reflejan la espiritualidad y el sacrificio de Gandhi.

Recepción y legado

La banda sonora de Gandhi fue ampliamente elogiada por su autenticidad y su capacidad de transportar a la audiencia al corazón de la India colonial. La película ganó 8 premios Óscar, aunque la banda sonora no logró obtener el galardón a Mejor Música Original. Sin embargo, su impacto fue duradero y consolidó aún más a Ravi Shankar como un compositor de referencia en el cine.

Más allá de Gandhi, Ravi Shankar continuó su legado musical, influyendo en generaciones de músicos y compositores.

Su trabajo en la banda sonora de la película sigue siendo considerado una de las mejores aproximaciones musicales a la historia de la India en el cine.

Falleció el 11 de diciembre de 2012, dejando tras de sí un legado inigualable en la música y en la historia del cine.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

Ficha:

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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

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Cutrecomentario de Ramón:

El monito tamborilero.

Perkins usa y abusa de los tópicos del cine de terror. Los gemelos, uno bueno y otro malo; el muñeco mecánico malvado; la orfandad; el peso de la maldición…

Su gran arma es el uso del gore como elemento cómico. Lo que ocurre es que, a veces, se pasa de frenada y en ocasiones es tan bestia lo que veo que me he quedado desconcertado, no he sabido si sonreír o apartar la mirada. Soy de estómago sensible.

Pero al final lo que importa de estos productos de entretenimiento sin pretensiones es que diviertan.

Lamentablemente The Monkey no lo consigue. Su falta de ritmo es notoria. Sus personajes bastante esquemáticos y su planteamiento muy de manual.

Se deja ver y poco más.

Si eres una persona sensible que disfrutas con las películas buen royeras, en The Monkey no encontrarás tu lugar. Advertido quedas.

Mi puntuación: 4,51/10.

Dirigido por Osgood Perkins:

Osgood Robert “Oz” Perkins II, nacido el 2 de febrero de 1974 en Nueva York, es un cineasta y actor estadounidense reconocido por su contribución al género de terror.

Hijo de Anthony Perkins y de la fotógrafa y actriz Berry Berenson, Oz ha forjado una carrera que abarca tanto la actuación como la dirección cinematográfica.

Inicios y carrera como actor

Oz Perkins debutó en el cine a temprana edad, interpretando al joven Norman Bates en Psycho II (1983), papel que su padre inmortalizó en la película original de Alfred Hitchcock.

A lo largo de los años, participó en diversas producciones cinematográficas, destacando su papel como David Kidney en Legally Blonde (2001) y apariciones en películas como Not Another Teen Movie (2001), Secretary (2002) y Star Trek (2009).

Además, tuvo roles en series de televisión como Alias y The Twilight Zone.

Transición a la Dirección

La pasión de Perkins por el cine lo llevó a explorar la dirección y la escritura de guiones, enfocándose principalmente en el género de terror.

Su debut como director fue con The Blackcoat’s Daughter (La enviada del mal) (2015), una película que explora la inquietante experiencia de dos chicas en un internado durante las vacaciones de invierno.

Posteriormente, dirigió I Am the Pretty Thing That Lives in the House (Soy la bonita criatura que vive en esta casa) (2016), una historia de terror psicológico centrada en una enfermera que cuida a una escritora de novelas de horror.

En 2020, presentó Gretel & Hansel (Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas), una reinterpretación oscura del clásico cuento de hadas.

Proyectos Recientes

En 2024, Perkins dirigió Longlegs, un thriller de asesinos en serie que recibió elogios por su atmósfera inquietante y narrativa envolvente.

Al año siguiente, estrenó The Monkey (2025), una adaptación de un relato corto de Stephen King que combina elementos de horror y comedia para narrar la historia de un juguete mecánico maldito que desencadena eventos trágicos.

Este proyecto permitió a Perkins explorar temas personales relacionados con la fatalidad y las tragedias inesperadas, reflejando en parte sus propias experiencias de pérdida.

Vida Personal

La vida de Oz Perkins ha estado marcada por eventos trágicos.

Su padre, Anthony Perkins, falleció en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el SIDA.

Su madre, Berry Berenson, fue una de las víctimas del atentado del 11 de septiembre de 2001, al estar a bordo del vuelo 11 de American Airlines.

Estas experiencias han influido profundamente en su perspectiva y en la temática de sus obras cinematográficas.

A lo largo de su carrera, Oz Perkins ha demostrado ser un narrador versátil, capaz de infundir sus proyectos con una mezcla única de horror, humor y reflexión personal, consolidándose como una figura destacada en el cine contemporáneo de terror.

(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)

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