Alejandro Sanz, Jesús Sánchez Pizarro, Miguel Ángel Arenas, Iñigo Zabala, Miguel Bosé, Antonio Carmona, Pastora Soler, Juan Carlos Cháves, Raquel Perera, Narcís Rebollo, Emmanuele Ruffinengo, Mónika Bellido
Distribución
Avalon
Ventas internacionales
Film Factory
Sinopsis
SANZ: Lo que fui es lo que soy es un recorrido por la exitosa carrera musical de Alejandro Sanz, uno de los artistas españoles más reconocidos e influyentes a nivel mundial. Un retrato cercano, íntimo y personal del cantante donde se revelan detalles desconocidos de su personalidad y mundo interior.
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Crítica de Ramón:
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Un documental muy entretenido que se ocupa básicamente en la actividad artística de Alejandro Sanz.
Hay pinceladas de su infancia y una breve mención a algún momento más gris de su biografía.
Es una loa al cantante y autor.
Yo como son fan de algunas de sus canciones he disfratutado muchísimo cantando con Alejandro Corazón partío.
Bien montado, bien fotografiado, bien estructurado.
Es el ejemplo ideal de un documental perfectamente confeccionado.
Llama la atención como Alejandro ha ido cambiando con los años, al igual que la edad de las fans.
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Mi puntuación: 7,23/10.
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El director Alexis Morante:
Nace en España y se gradúa en la Universidad de Cádiz. Estudia cine en Suecia y Cuba. Obtiene la Beca Talentia, que le da la oportunidad de completar un programa de máster de dos años en dirección cinematográfica en la Academia de Cine de Nueva York y Los Ángeles. Galardonado director de cine, video musical y comercial, cuyo trabajo es nominado a los Premios Goya 2017 y los Grammy Latinos. Su trabajo gana más de 80 premios internacionales, es seleccionado oficialmente en más de 250 festivales internacionales de cine y galardonado en dos ocasiones con el New Talent FNAC en el prestigioso Festival de Cine de Málaga.
Filmografía Sanz: Lo que fui es lo que soy (2018), El Camino Más Largo (2016), Bla Bla bla (2015), Licenciado Cantinas (2012), Matador On The Road (2011), Voltereta (2010)
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El director Gervasio Iglesias:
Comienza su andadura en la producción cinematográfica en 2001. Sus producciones se venden en más de 100 países y obtienen 16 premios Goya, entre ellos, dos a mejor película, tres Concha de Oro en el festival de San Sebastián, dos premios Platino y dos premios Feroz, junto a muchos más reconocimientos. Entre sus últimas producciones destacan los largometrajes El hombre de las mil caras, La isla mínima, Grupo 7 y Juan de los muertos. Entre sus documentales musicales destacan Sanz: Lo que fui es lo que soy y Omega.
Filmografía
Sanz: Lo que fui es lo que soy (2018), El hombre de las mil caras (2016), Omega (2016), La isla mínima (2014), Grupo 7 (2012)
Producción: Producciones Transatlánticas, SL, Solita Films, SL, Elamedia, SLU Duración: 97 minutos Guion: César Esteban Alenda, José Esteban Alenda Fotografía: Angel Amorós Música: Sergio de la Puente
Montaje
Cesár Esteban Alenda
Reparto
María León, Javier Rey, Mari Paz Sayago, Juan Carlos Sánchez, Paco Ochoa, Roberto Campillo
Distribución
Filmax Internacional
Ventas internacionales
Filmax Internacional
Sinopsis
Javier viene del futuro para recuperar el amor perdido de María. Juntos reviven la magia del día en que se conocieron y repiten el viaje que les llevó de un amanecer en Madrid a un atardecer en la costa andaluza. Todo, para conseguir que María vuelva a ser la chica llena de vida de la que una vez se enamoró.
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Crítica de Ramón:
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Un rareza mezclar ciencia ficción con romanticismo sentimentaloide.
Cuenta una historia en dos tiempos.
Un día de encuentro y de viaje y años después de intento de salvar una situación desastrosa. Con un montaje complejo, pero claro.
Se podría decir que es también una road movie.
La peli usa todos los viejos trucos de las pelis románticas: te doy la manita, miraditas, apoyo mi cabeza en tu hombro, guardo recuerdos del día que te conocí…
Todo muy pastelón. Topicazo tras topicazo.
El enamorado es un soso de armas tomar.
María León da una lección de interpretación, con una actuación brillante, que como dice alguno “huele a Biznaga“.
No es insoportable, pero tampoco es Ciudadano Kane. Se deja ver si no eres muy exigente.
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Mi puntuación: 05,39/10.
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Los directores César Esteban Alenda, José Esteban Alenda:
Hijos del productor y distribuidor de cine José Esteban Alenda, los hermanos Alenda escriben y dirigen ocho cortometrajes entre los que destacan El orden de las cosas (2010), Matar a un niño (2011) e Inertial Love (2012) con los que reciben más de 200 premios internacionales. Ganadores de un Premio Goya, y nominados en otras dos ocasiones más, los hermanos Alenda consiguen la Biznaga de Plata del Festival de Málaga en dos ocasiones. Sin fin es su ópera prima.
FILMOGRAFÍA Sin Fin (2018), Inertial Love (cortometraje, 2012), Matar a un niño (cortometraje, 2011), El orden de las cosas(cortometraje, 2010)
Producción: Bubbles Project, Baleia Filmes, Mutante Cine, TvZERO Duración: 98 minutos Guion: Gustavo Passos Pizzi, Karine Teles, Leite de Sousa Pizzi Fotografía: Pedro Faerstein Música: Dany Roland, Pedro Sá, Maximiliano Silveira
Montaje
Livia Serpa
Reparto
Karine Teles, Otávio Müller, Adriana Esteves, Konstantinos Sarris, César Troncoso, Artur Teles Pizzi, Francisco Teles Pizzi, Vicente Demori, Luan Tele
Distribución
New Europe Films
Ventas internacionales
New Europe Films
Sinopsis
Irene y Klaus han estado casados por muchos años. Hacen un gran esfuerzo por sacar a sus tres hijos adelante y por fin han conseguido tener su primera casa. Fernando, el mayor de los hijos juega en un equipo de balonmano en otra ciudad. A los 16 años se marcha de casa, a una edad temprana y antes de lo esperado, algo que termina afectando a toda la familia, en especial a Irene. El niño se ha hecho grande.
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Crítica de Ramón:
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El retrato realista de una familia de clase media brasileña.
Un hijo que lo ficha un equipo alemán para jugar de portero de balonmano.
Dos hermanos gemelicos.
El segundo es un muchacho fuertón que toca el trombón.
El padre un mal negociante, que ejerce de hijo más que de padre.
Una hermana y un sobrino maltrados por un cuñado violento.
Una madre coraje, el pilar de la familia, que ha conseguido graduarse, después de una infancia de trabajo, que sufre, que se alegra, que vive en un caos de casa.
Interpretada por Karine Teles. Un portento de la naturaleza.
Un peli que podemos introducir dentro del realismo social, sincera, energética, estupenda.
La traducción, más o menos, de Benzinho es cariñito, cielito.
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Mi puntuación: 7,06/10.
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El director Gustavo Pizzi:
Director, productor y guionista brasileño. Su ópera prima Riscado (2010) tiene su estreno mundial en el Festival XSXW y pasa por más de 40 festivales alrededor del mundo. En 2010 realiza el cortometraje A Distração de Ivan, cuyo estreno tiene lugar en la Semana de la Crítica de Cannes. En 2012 dirige el documental TV Series Oncotô. También trabaja como guionista en la serie de televisión #callmebruna. Actualmente se encuentra trabajando en la miniserie Gilda.
Producción: ESCAC Films Duración: 95 minutos Guion: Sergio Roldán Fotografía: Albert Bada Música: Julián Álvarez
Montaje
Anaïs Urraca
Reparto
Josecho de Linares, Tamara Casellas, Elma Houghton, Marc Homs, Míriam Martí, Júlia Santacana, Bruna Cusí
Distribución
ESCAC Films
Ventas internacionales
ESCAC Films
Sinopsis
Zurdo, un treintañero perdido en el mundo, descubre que está empezando a desaparecer.
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Crítica de Ramón:
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Es un trabajo de Máster de la ESCAC, la Escuela de Cine de Cataluña.
La vida de unos jóvenes en Barcelona que comparten piso.
Otra peli de veinteañeros desnortados.
Con continuos planos desenfocados, con aire muy amateur, pero que mucho.
Con escenas inútiles, que parecen que solo sirven para rellenar tiempo.
Solo en los momentos en los que actúa Tamara Casellas parece que la peli mejora, porque es una buena actriz que levanta cualquier escena. Lo único salvable de este engendro.
En la rueda de prensa contaron que rodaron trescientas horas con dos cámara sin guión y sin un director de verdad en un proyecto “loco y experimental“.
Solo me planteo si esto que han puesto en pantalla es lo mejor, ¿como será lo que no sale?
Afirmaron que todo lo que habían aprendido en la ESCAC lo olvidaron para hacer la película… y me lo creo.
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Mi puntuación: 0, 09/10.
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El director Josecho de Linares:
1984, Málaga. Estudia Dirección y Edición Cinematográfica en Madrid, antes de graduarse en 2010 en Dirección Cinematográfica en la ESCAC. Ese mismo año estrena el largometraje colectivo Puzzled Love. En 2012 realiza el cortometraje Mi ojo derecho como trabajo final de carrera. El filme, que trata sobre su relación con su abuela, es galardonado con más de cien premios alrededor de todo el mundo. Desaparecer es su ópera prima, producida por ESCAC Films.
Filmografía Desaparecer (2018), Mi ojo derecho (2012), Puzzled Love (2010)
Gonzalo de Castro, Paulina García, Marcel Borrás, Greta Fernández
Distribución
Movistar+
Sinopsis
1996. En la feliz Barcelona post-olímpica habita Jacobo Vidal, abogado de profesión, hombre despótico y autoritario determinado a controlar todos los aspectos de su existencia y la de sus hijos, Tomás y Valeria. Padre obsesivo y disfuncional, no duda en doblegar cualquier obstáculo que se interponga en el bienestar de su familia para encajarlo a la fuerza en su propia visión del mundo, convirtiendo a sus hijos en víctimas de un exceso de amor paterno. Pero la vida es imprevisible y dieciséis años después, en plena crisis económica mundial, Jacobo comprueba perplejo cómo su vida no se corresponde con lo que él había planeado.
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Crítica de Ramón:
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El Festival nos presenta los dos primeros capítulos de esta miniserie de Movistar Plus.
Cada capítulo de unos 50 minutos se desarrolla en años diferentes, contando la vida de una familia con padre autoritario, madre psicoanalista e hijos marcados por el nepotismo del progenitor.
No he conseguido empatizar con ninguno de los personajes.
No he encontrado puntos de interés.
Emparenta con series como Vergüenza, en el relato de miserables, pero ésta con menos gracia, con mucha menos gracia.
Se mueve entre la comedia y el drama, sin definición, sin norte.
Después de haber soportado la insufrible El mundo es suyo me salí sin terminar el segundo episodio.
Vamos de mal en peor.
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Mi puntuación: 01,36/10.
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La directora Mar Coll:
Nace en Barcelona en 1981. A los 18 años entra en la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya), donde se gradúa en la especialidad de dirección. Como proyecto de fin de carrera realiza el cortometraje La última Polaroid, seleccionado en múltiples festivales españoles e internacionales y valedor de diversos premios como el tercer premio en el concurso Versión Española.
Filmografía Matar al padre (2017), La última Polaroid (cortometraje, 2004)
Producción: El mundo es suyo A.I.E., Mundo Ficción Producciones S.L., Sacromonte Films S.L., Balance Media Entertainment S.L., Warner Bros. Entertainment España S.L., Atresmedia Cine S.L. Duración: 92 minutos
Guion: Alfonso Sánchez, Ana Graciani, Sergio Rubio
Fotografía: Fran Fernández Pardo
Música: Juan Cantón
Montaje
Carlos Crespo
Reparto
Alfonso Sánchez, Alberto López, Mar Saura, Carmen Canivel, Carlos Olalla, Alfonso Valenzuela, Mari Paz Sayago, Javier García Pelayo
Distribución
Warner Bros Pictures
Ventas internacionales
Warner Bros Pictures
Sinopsis
Rafi llega a casa de Fali con la maleta a cuestas porque su mujer le ha echado de casa. No es la primera vez que esto sucede, aunque en esta ocasión todo será diferente, ya que el lío en el que se ha metido Rafi esta vez… es de los gordos. A Fali le gustaría ayudar a su compadre, pero tiene mucha prisa: mañana será la Primera Comunión de su hijo y lo único que tiene que hacer como padre es llevar el traje del niño a la finca donde se celebrará el evento. Durante las siguientes veinticuatro horas, y con la cuenta atrás del reloj acechándoles, los compadres conseguirán salir de varios embrollos para meterse en nuevos enredos.
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Crítica de Ramón:
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Alfonso Sánchez y Alberto López (los compadres) se esfuerzan en ofrecernos una comedia disparatada que retrata la realidad española.
Una sátira que basa su comicidad en las sucesivas e incesantes situaciones ridículas y cómicas que viven los protagonistas.
Generalmente se trata de humor grueso, estridente, grosero, poco elegante.
Los diálogos no son hablados sino chillados, lo cual resulta primero molesto y conforme avanza el metraje insufrible.
La pocas veces que me reí fue por pequeños gags inconexos.
Un auténtico fracaso que llega al patetismo.
Penoso.
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Mi puntuación: 1.03/10.
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El director Alfonso Sánchez:
Director, guionista y productor. Estudia entre Málaga y Sevilla la carrera de Comunicación Audiovisual. En 2012 estrena su primer largometraje El Mundo es Nuestro como productor, director, guionista y actor, por el cual recibe el reconocimiento del Círculo de Escritores Cinematográficos de España, alzándose con la Medalla CEC como Director Revelación. Su segundo largometraje como director y guionista, El mundo es suyo, cuenta con un gran número de fans a la espera de su estreno y está respaldada por las productoras Mundoficcion y Sacromonte Films, productora de películas como Siete Vírgenes y La Isla Mínima, entre otras; así como por Warner Bros, Atresmedia, Movistar y Canal Sur. Como productor ejecutivo destaca su papel en la serie de televisión Gigantes (2018), que ha producido Movistar+.
Filmografía El mundo es suyo (largometraje, 2018), El Mundo es Nuestro (largometraje, 2012)
Producción: Welt Film (Uruguay) , Jorge Rocca (Argentina) Duración: 64 minutos Guion: Roberto Suárez, Germán Tejeira Fotografía: Arauco Hernández Música: Nicolás Rodríguez Mieres, Manuel Scavone
Montaje
Guillermo Casanova
Reparto
Pedro Cruz, Florencia Zabaleta, César Troncoso, Soledad Pelayo, Juan Sánchez, Ana Victoria Kollaian, Gloria Demassi, Diego Freitas, Ernesto Laiño, Susana Anselmi
Ventas internacionales
Primer Plano
Sinopsis
Un cuento infantil para adultos. Ambientada en un pueblo decadente, opresor y con un encanto familiar, el filme sigue a Víctor, un niño ahogado en sus turbias visiones que lo acercarán hacia la locura. Una historia ominosa que entremezcla fantasía y realidad. Obtuvo los premios de la Asociación de Críticos del Uruguay a mejor ficción nacional, mejor fotografía, mejor dirección de arte, mejor música, mejor montaje, el premio de la Sociedad de Cinematografía, el premio a mejor dirección, revelación y mejor actriz.
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Crítica de Ramón:
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Me atrevo a escribir de esta peli antes de haber asistido a la rueda de prensa.
Quiero dar mi interpretación a la película sin contaminarme de lo que digan su director y los actores.
Me ha parecido una obra magistral.
Habíamos visto muchos retratos del autismo desde diversos puntos de vista, pero nunca habíamos visto el mundo desde los ojos de un autista.
La realidad que ve este niño es terrible, oscura, amenazadora, incomprensible.
No puede entender el mundo que le rodea, lo ve pero no es capaz de empatizar con él.
Esa es la visión que nos ofrecen los directores Roberto Suárez y Germán Tejeira.
No consigo entender los cambios de fotografía. Casi toda la peli es en blanco y negro, pero hay unas escenas a mitad de peli que cambian a color.
La atmósfera que se crea a través de la mirada del niño es atractiva para el espectador, pero horrorosa para este pobre niño.
Al dí siguiente de la proyección asistimos a la rueda de prensa.
Me quedo estupefacto al ver que solo asiste el niño protagonista de la peli, que lo vemos muy crecidito.
Nos explica que desde que rodaron la peli hasta su terminación han pasado nueve años.
El crío de once años ahora tiene 20.
Vio la peli hace unos pocos meses y nos confiesa que de las cuatro veces, se ha dormido tres. Y además no sabe darnos una explicación porque no ha comprendido nada.
Tampoco los directores le han aclarado.
Osea que de momento mi versión de la mirada de un niño autista, que expuse en la rueda de prensa, es la más aceptable.
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Mi puntuación: 9,36/10.
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Los directores Roberto Suárez y Germán Tejeira:
Roberto Suárez Es una de las figuras más importantes de la escena teatral uruguaya. Actor, director y dramaturgo, participa como actor de diversos proyectos de cine y televisión. Ojos de madera es su ópera prima como director.
Germán Tejeira Participa en proyectos de ficción, animación y documental. Dirige el largometraje Una noche sin luna y codirige y coescribe el filme Ojos de madera.
Filmografía Roberto Suárez Ojos de madera (2017) Germán Tejeira Ojos de madera (2017), Una noche sin luna (2014)
Producción: Miramar Entertainment, Gold Tower Producciones, Playa Jarugo AIE, Fargo Entertainment Duración: 92 minutos Guion: Santiago Lallana, Hugo Stuven Fotografía: Angel Iguacel Música: Sergio Jimenez Lacima
Montaje
Nacho Ruiz Capillas
Reparto
Alain Hernández, Aura Garrido, Ben Temple, Leticia Etala
Distribución
FILMAX
Ventas internacionales
FILMAX, Fargo Entertainment
Sinopsis
Tras caer por un acantilado y sufrir importantes heridas, un joven surfista deberá enfrentarse durante 48 horas a una naturaleza implacable y a su propia agonía física y mental para intentar sobrevivir.
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Crítica de Ramón:
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Estamos ante una peli bien producida, con una fotografía y un montaje excelentes.
Las imágenes de Fuerteventura a vista de dron son espectaculares.
Aura Garrido siempre me gusta.
Alain Hernández es un buen actor que realiza un meritorio esfuerzo de interpretación, en un papel muy difícil, habiendo soportado un rodaje muy complicado.
El mayor problema de esta peli es su guión.
Para que el espectador sufra lo que padece el protagonista tenemos que haber empatizado previamente con él.
Si no lo conocemos de nada, nos da igual lo que le ocurra por muy dramático que sea.
Antes de haber entrado en materia nos debían haber dado alguna pincelada de su vida, para que podamos agarrarnos a algo sentimental.
Otro problema es que gran parte del drama se basa en el dolor del héroe que ha sufrido una fractura de pelvis.
Expresar el dolor en pantalla es imposible. Se trata de un síntoma que solo sabe dar valor el que lo padece.
Alain Hernández grita por su algia, pero eso no se ve, no llega al espectador.
Una deformidad por una fractura, una herida, la sangre… esas cuestiones se contemplan con pavor.
La peli es manifiestamente mejorable.
Yo le hubiera metido un tiburón, que siempre impresiona mucho, algo insertado en el subconsciente del aficionado al cine.
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Mi puntuación: 5,06/10.
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El director Hugo Stuven Casasnovas:
Solo es la segunda película del director. Su anterior trabajo Anomalous (2016) se rueda en inglés entre Nueva York y Barcelona. Un thriller psicológico protagonizado por Lluís Homar, Christy Escobar, Edgar Fox, Adrià Arjona y Ben Temple. La película gana el Premio a la Mejor Película y al Mejor Actor (Lluís Homar) en el Festival de Marbella. También gana el primer premio en el 13º Festival Internacional de Cine de Talca, en Chile.
Producción: Coming Soon Films Duración: 99 minutos Guion: Elena Trapé, Miguel Ibáñez Monroy, Josan Hatero Fotografía: Julián Elizalde
Montaje
Liana Artigal
Reparto
Alexandra Jiménez, Miki Esparbé, Isak Férriz, Bruno Sevilla, Maria Ribera
Distribución
Sherlock Films
Sinopsis
Olivia, Eloi, Guille y Anna aterrizan en Berlín para darle una sorpresa a Comas por su treinta y cinco cumpleaños, pero él no les recibe como ellos esperaban. A lo largo de un fin de semana, el grupo se irá desgranando, cuestionándose el sentido de su amistad y enfrentándose a la decepción que supone aceptar que su vida no es como pensaban cuando eran más jóvenes.
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Crítica de Ramón:
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Elena Trapé realiza un retrato amargo y descorazonador de estos treintañeros que van un fin de semana a Berlín.
Son jóvenes desorientados, castigados por la crisis, fracasados, necesitados de apoyo y cariño.
Sus limitaciones les impiden apoyarse y abrirse.
Su amistad es frágil, tal vez, falaz.
Todo ello en un Berlín gris y deprimente.
Pasan un fin de semana de eme, que por lo menos les puede servir para afrontar la realidad (¿o no?).
Como véis unos temas de máximo interés.
Pero la forma en la que está rodada esta peli no me gusta en absoluto.
Desenfoques, fotografía plomiza, planos cogotes, primeros planos excesivos, secuencias en las que me da la impresión que no pasa nada.
Es posible que se lleve una Biznaga.
Es una peli muy de festival.
Buena para cineclubes, pero sin trayectoria comercial.
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Mi puntuación: 4,68/10.
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La directora Elena Trapé:
Graduada en Dirección en la ESCAC, dirige los cortometrajes No quiero la noche y Pijamas, la TV movie La Ruïna y en 2010 estrena en el Festival de San Sebastián (Zabaltegi) su primer largometraje, Blog. También dirige el documental Palabras, mapas, secretos y otras cosas, sobre Isabel Coixet, además de numerosos anuncios publicitarios. Las distancias es su segundo largometraje.
Filmografia Les distàncies (largometraje, 2018), Blog (2010), La ruïna (TV movie, 2009), Pijamas (cortometraje, 2008), No quiero la noche (cortometraje, 2006)
Producción: ESCAC Films, La Zanfoña Producciones, Sacromonte Films Duración: 90 minutos Guion: Marta Díaz De Lope, Zebina Guerra Fotografía: Vanesa Sola Música: Javier Rodero
Montaje
Jordi Martínez
Reparto
Gloria Muñoz, Pepa Aniorte, Juan Gea, Rocío Molina, Joaquín Núñez, Manuel Morón, Carmen Flores, Alejandro Albarracín, Rosario Pardo
Distribución
A Contracorriente
Ventas internacionales
Film Factory
Sinopsis
Carmen, católica, apostólica y malagueña, va a convertirse en la presidenta de su cofradía. Pero se lleva un gran chasco cuando el grupo elige a Ignacio, su máximo rival. Lejos de aceptarlo, se mete en un lío que parece no tener fin. Pastillas, torrijas, su hija, la nieta y la vecina. Tiene medio pueblo en casa, la otra mitad en la calle y todos la necesitan. Pero ella solo quiere que las cosas cambien y se va a encargar de conseguirlo.
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Crítica de Ramón:
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Hace unos meses en el FESCIGU vimos y disfrutamos Los pestiños de mamá de esta directora. Me entusiasmó.
Aquí vuelve a introducir en su peli un elemento culinario, las torrijas, por las que siento veneración.
Marta Díaz de Lope construye una comedia con un importante calado de fondo.
Sus situaciones y diálogos encierran un mensaje feminista y avanzado, que a mí me ha encantado.
Es una comedia de actrices, que retrata lo cotidiano y lo extraordinario con pasmosa y apabullante simplicidad.
Las situaciones humorísticas se suceden, sin caer en el esperpento, manteniendo el tipo del realismo en todo momento.
Las localizaciones son una maravilla, en Ronda la ciudad natal de la directora.
Su cine emparenta con la etapa inicial del manchego Peeeeeeeeeeeedro.
Yo la veo como la Almodóvar andaluza, aunque ahora reside en Barcelona.
A mí me ha parecido un peliculón.
Es posible que solo se lleve el premio del público, porque el sesudo jurado la considere, por ser comedia, una obra menor.
Me declaro fan absoluto de Marta Díaz de Lope.
Me olvidaba: las actrices imponentes.
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Mi puntuación: 9,03/10.
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La directora Marta Díaz de Lope:
Nace en Ronda (Málaga) en 1988, y actualmente reside en Barcelona. Se gradúa en ESCAC en la especialidad de Dirección en 2012. Realiza con ESCAC Films los cortometrajes Y otro año, perdices (2013) y Los pestiños de Mamá(2016), que tienen un extenso recorrido por festivales. Tras realizar la serie Brigada de Fenómenos para Canal Sur, en la que es directora de numerosos capítulos, se inicia en su primer largometraje, titulado Mi Querida Cofradía.
Filmografía Mi querida cofradía (2018), Los pestiños de mamá (cortometraje, 2015), Y otro año, perdices (cortometraje, 2012), Menopáusicas (cortometraje, 2012)
Antes de la peli hay un coloquio que modera y presenta Luis Alegre, con la presencia del director Pedro Olea, su protagonista Pepe Sacristán, Fernando Méndez Leite, Elena Sánchez y la redactora jefe de Cinemanía.
Luis Alegre es un gran comunicador y lo demuestra.
Pedro Olea y Pepe Sacristán nos cuentan anécdotas divertidas e interesantes de esta película.
El autor de la obra teatral, de la que compraron los derechos, se mosqueó mucho cuando no lo llamaron como guionista de la peli.
Fue el gran Rafael Azcona el encargado de transformar una pieza teatral en película.
Cualquier cosa que Azcona tocara se transformaba en oro.
Para Sacristán lo más molesto de su transformación en mujer eran las uñas.
Es curioso que cuarenta años después este grande de la escena siga estrenando pelis.
Pedro Almodóvar intervino como actor, con tres pequeños cameos disfrazado de negro pintado y como segundo ayudante de dirección.
Yo vi esta peli cuando se estrenó y no la había vuelto a visitar. Pero curiosamente la recordaba muy bien.
Salí impactado del cine.Tenía 19 años y era un ignorantico de la vida.
Ese mundo que nos presenta Olea no era ni imaginable para mí. El cine me ha ensañado mucho en la vida.
La peli se desarrolla en Barcelona durante la Dictadura de Primo de Rivera y no ha perdido en absoluto vigencia. Los asuntos que trata son de actualidad.
Es una peli que tiene de fondo el tema de la libertad reprimida.
Amanda Lepore, Sophia Lamar, Chloe Dzubilo, T De Long, Bibbe Hansen, Io Tillett-Wright, Katrina del Mar, Linda Simpson
Distribución
Agencia Freak, Distribuidora de Festivales
Sinopsis
Nueva York, post 11-S: con una cámara doméstica y sin guion, el director se adentra durante 10 años en las vidas íntimas de cuatro mujeres artistas y activistas transgénero de la subcultura underground de la ciudad. Sus testimonios van desvelando poco a poco retazos de su pasado, sus vivencias y sus luchas por una identidad propia. Una serie de revelaciones llevará al espectador a convertirse de intruso a cómplice de sus destinos.
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Crítica de Ramón:
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Gustavo Sánchez quería retratar el mundo underground de Nueva York después del 11S.
Se fue con su cámara doméstica a grabar la noche de la ciudad que nunca duerme.
Terminó centrándose en cuatro personajes y ha acabado plasmando sus historias en este documental producido por el hermano gemelo de Bayona.
Las deficiencias técnicas son notorias y los planos forzados un poco molestos.
Ya sabéis lo que detesto el plano cogote, pues aquí el director nos brinda un largo plano culote, que solo había visto en algunas pelis pornos.
Con una buena idea y una mejor intención se puede realizar un bodrio descomunal, que lo digan a mí.
El resultado final de esta experiencia es sencillamente fastidioso y aburrido. No he conseguido conectar ni con las historias, ni con los personajes y en los momentos de intensa emoción me he mantenido incólume, yo que soy un llorador profesional.
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Mi puntuación: 1,38/10.
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El director Gustavo Sánchez:
Úbeda, España 1978. Es un periodista y cineasta residente en Barcelona. Debuta en la dirección con I Hate New York (2018), su ópera prima, escrita, realizada y producida por él mismo durante una década, con la producción ejecutiva del director J.A. Bayona. Realiza estudios de Filología en la Universidad de Granada y en la University of Aberdeen, y es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Salamanca.
Producción: Fosca Films, Sunrise Picture, La Perifèrica Produccions, Good Machine Films, AIE Duración: 85 minutos Guion: Pau Durà Fotografía: Miguel Llorens Música: Joan Alavedra
Montaje
Lucas Nolla
Reparto
José Sacristán, Sandro Ballesteros, Jordi Sánchez, Nora Navas, Ferran Rañé, Mireia Ros, Pepa Juan
Distribución
Vertice360
Sinopsis
Samuel llegó a la Formentera hippie de los 70 y allí sigue. Vive sin luz en una casa en la playa y toca el banjo en un garito. Un día recibe la visita de su hija Anna y de su nieto Marc. Desempleada desde hace tiempo, ha aceptado un trabajo en Francia que la obliga a irse sola. Tras un primer rechazo del viejo hippie, su hija le suplica que la ayude, aunque solo sea por una vez en su vida. El frágil y excéntrico hippie decide hacerse cargo de su nieto, relación que le provoca un retorno a un pasado con algunas sombras. Un viaje crepuscular que será, a su vez, esperanzador e iniciático.
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Crítica de Ramón:
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Pau Durá nos intenta contar dos historias, una en el pasado y otra en el presente.
Samuel es un viejo bohemio que vive tocando el banyo, es un hippie de toda la vida, con fobia al “continente”. Dejó marchar a su esposa y su hija mientras empujaba el émbolo de una jeringuilla.
Su vida cambia cuando queda a cargo de su nieto. Él nunca ha tenido responsabilidades y tendrá que asumirlas ¿o no?.
Su hija es víctima de la crisis.
Sus amigos son como él, soñadores de un paraíso, resistentes en un pensamiento idílico que solo es una falsa ilusión.
Todo eso interpretado, nada más y nada menos, que por el inmenso Pepe Sacristán.
Formentera Lady es cine de emociones y de historias, tal vez no sean grandes historias, pero son vida y verdad.
Su tono es desenfadado, de comedia, para quitar dramatismo a una existencia trágica.
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Mi puntuación: 7,83/10.
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El director Pau Durà:
Alcoi, 1972. Rueda su ópera prima Formentera Lady tras dirigir la TV movieTocant el mar y los cortometrajes El cerdo, El hambre, L’audífon y Praeludium. Como actor interviene en numerosas series y películas: No sé decir adiós, Todos queremos lo mejor para ella, La Zona, Crematorio, El príncipe, 7 Vidas,… En teatro trabaja con directores como Alfredo Sanzol, Sergi Belbel o Georges Lavaudant. Dirige las obras Un aire de familia, de Agnès Jaoui, y Ulisses in Berlin, de F. Sanguino.
Filmografía Formentera Lady (2018), El Cerdo (cortometraje, 2015), El hambre (cortometraje, 2013), Tocant el mar (TV movie, 2012), L’audífon (cortometraje, 2011), Praeludium (cortometraje, 2009)
Violeta tiene 72 años. Acaba de divorciarse y vive sola en la casa de su infancia, donde cuida del frondoso jardín y conversa con sus padres difuntos. En un esfuerzo por enfrentar sus miedos, se decide a tomar clases de natación y cultiva una amistad cómplice con el profesor, un mexicano de mediana edad que sueña con establecerse en el país. Con el proyecto de abrir una pensión, Violeta solicita un préstamo y descubre que el banco está a punto de rematar su casa. A partir de una mirada femenina e intimista, la película retrata a una mujer iconoclasta, que está dispuesta a todo para mantener su casa y su independencia.
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Crítica de Ramón:
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El cine no se suele ocupar de las personas mayores.
Por ello agradezco esta producción costarricense-mexicana.
Su ritmo pausado puede hacer desconectar a un público ávido de acción.
Aquí la trama es muy sencilla.
Una señora de la tercera edad se niega a dejar su casa y además tiene un proyecto de negocio.
Pero todo va en su contra.
Su lucha no es solo por su vivienda, lo es también por su independencia.
Los bancos y los especuladores son los malos, como en la vida real.
Me gusta el final, cuando decide tirar por la calle de el medio.
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Mi puntuación: 7,03/10.
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La directora Hilda Hidalgo:
Costarricense, graduada de la EICTV de Cuba, en dirección. Graduada en Periodismo en la Universidad de Costa Rica. Escribe y dirige media docena de cortometrajes de ficción y documentales en Costa Rica, Italia, Francia, Bután, Benín y Países Bajos. Debuta con el largometraje Del amor y otros demonios(basado en la novela de Gabriel García Márquez) la primera coproducción costarricense-colombiana, estrenada comercialmente en ambos países. Violeta al fin es su segundo largometraje.
Filmografía Violeta al fin (2017), Del amor y otros demonios (2009)
Producción: Potenza Producciones, Bowfinger International Pictures, Jefe La Película AIE, Fado Filmes (Portugal) Duración: 89 minutos Guion: Natxo López, Marta Sofía Martins Fotografía: Antonio J. García Música: Jimmy Barnatán, Ana Álvarez Prada
Montaje
Raúl de Torres
Reparto
Luis Callejo, Juana Acosta, Carlo D’Ursi, Josean Bengoetxea, Bárbara Santa-Cruz, Maica Barroso, Adam Jezierski, Sergio Quintana, Teo Planell, Dalila Carmo, Diana Lázaro
Distribución
Super 8 Distribución
Ventas internacionales
Bowfinger International Pictures
Sinopsis
César es el jefe de una empresa valorada en muchos millones de euros. De esos que creen estar por encima del bien y del mal, al borde de la denuncia por acoso laboral y con algún vicio. Un capullo de toda la vida. Solo que éste, está a punto de recibir la hostia de su vida y encima, un lunes. Su mujer le echa de casa, sus socios le traicionan, sus acciones se desploman y Hacienda encuentra un agujero en las cuentas. Solo tendrá una semana para solucionarlo. Atrincherado en su despacho trabaja para recuperar su empresa y su vida. Pero no estará solo, Ariana, la limpiadora, será una aliada inesperada que se entrometerá, sin quererlo, en su vida.
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Crítica de Ramón:
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Tal vez el guión no sea nada del otro jueves. No aporta grandes novedades en este tipo de historias de crisis empresariales.
Lo mejor, sin duda son los personajes y los actores que les dan vida.
Luis Callejo interpreta a César un director con un vocabulario y unas actitudes de borracho de taberna, un tío de buen corazón, a pesar de su falta de compostura.
Juana Acosta es una limpiadora, irreverente y descarada. Una queli que después de cinco años en España solo sueña con volver con su hijo.
Estos dos personajes tan diferentes se encuentran durante las noches y gracia a su compañía consiguen estar mejor.
Los dos dan una lección de interpretación, desbordan la pantalla.
Bárbara Santa-Cruz da vida a una guardia jurado, con mucha personalidad, lectora de clásicos y obsesionada con la muerte. Una secundaria de auténtico lujo.
A pesar que a varios de mis amigos y compañeros no les ha gustado, yo la salvo.
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Mi puntuación: 6,09/10.
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El director Sergio Barrejón:
Inicia su trayectoria como realizador en TV, hasta que en 2004 decide centrarse en la ficción, destacando como guionista. Escribe con Borja Cobeaga el corto Éramos pocos, nominado al Oscar; recibe una nominación al Goya por su corto El Encargado y participa en el guion de numerosas series como Amar en tiempos revueltos, La señora o La catedral del mar. En 2013 estrena Hijo de Caín, su primer largo como guionista y publica la novela Ese brillo en tus ojos. Jefe es su ópera prima.
Producción: Media Producción S.L.U., RTV Comercial (Cuba) Duración: 89 minutos Guion: Ernesto Daranas Serrano, Marta Daranas Serrano Fotografía: Alejandro Menéndez Música: Micka Luna
Montaje
Jorge Miguel Quevedo
Reparto
ProducciónMedia Producción S.L.U., RTV Comercial (Cuba) Duración89 minutos GuionErnesto Daranas Serrano, Marta Daranas Serrano FotografíaAlejandro Menéndez MúsicaMicka Luna
Montaje
Jorge Miguel Quevedo
Reparto
Tomás Cao, Héctor Noas, Ron Perlman, Yuliet Cruz, Mario Guerra, Ana Gloria Buduén, Camila Arteche, Armando Miguel Gómez, Idalmis García, Rolando Raimjanov
Distribución
BTEAM Pictures
Ventas internacionales
Westend
Sinopsis
Año 1991: la antigua URSS se desintegra y Cuba entra en una gran crisis económica. Sergio, radioaficionado y profesor de marxismo, no sabe qué hacer para reorientar su vida y sacar adelante a su familia. Por su parte, Serguéi, el último cosmonauta soviético, se encuentra casi olvidado en la averiada estación orbital Mir. Gracias a sus equipos de radio, Sergio y Serguéi se comunican y entre ellos nace una amistad que les ayudará a enfrentar los dramáticos cambios que transforman a sus respectivos países.
Distribución
BTEAM Pictures
Ventas internacionales
Westend
Sinopsis
Año 1991: la antigua URSS se desintegra y Cuba entra en una gran crisis económica. Sergio, radioaficionado y profesor de marxismo, no sabe qué hacer para reorientar su vida y sacar adelante a su familia. Por su parte, Serguéi, el último cosmonauta soviético, se encuentra casi olvidado en la averiada estación orbital Mir. Gracias a sus equipos de radio, Sergio y Serguéi se comunican y entre ellos nace una amistad que les ayudará a enfrentar los dramáticos cambios que transforman a sus respectivos países.
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Crítica de Ramón:
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De momento la peli que más me ha gustado del Festival.
Es buenrollista con elementos fantásticos, de crítica social y con mucho buen humor.
Está relatada por una niña con el tamiz que deja el paso del tiempo en la memoria después de treinta años.
Cuenta la relación de tres radioaficionados, unidos por la amistad, por las dificultades y por el orgullo. Circunstancias que comparten en la distancia (Cuba, USA y el espacio).
El relato resulta muy divertido, con elementos muy atractivos.
Hay un retrato de fondo de la crisis de la sociedad cubana cuando cayó la URSS.
Cómo en el estado especial esta familia se las apaña para sobrevivir con diversos trapisondismos.
¡Qué gran personaje el de la abuela!
Me lo he pasado fenomenal.
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Mi puntuación: 7,51/10.
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El director Ernesto Daranas Serrano:
La Habana, 1961. En su filmografía como director y guionista destacan Los últimos gaiteros de La Habana (2004), ganador, entre otros, del Premio Internacional de Periodismo Rey de España; Los dioses rotos (2008), selección de Cuba para los Oscar y galardonada en varios festivales internacionales; Bluechacha (2012), nominado al Latin Grammy® como Mejor Video Musical de Larga Duración y Conducta (2014), selección de Cuba para los Oscar.
Filmografía Sergio & Serguéi (2017), Los dioses rotos (2008), Conducta (2014), Los últimos gaiteros de La Habana (documental, 2004)
Producción: Tandem Films S.L., Pampa Films, Mother Superior Duración: 106 minutos Guion: Juma Fodde Fotografía: Guillermo Nieto Música: Alfonso González Aguilar
Montaje
Pablo Zumárraga
Reparto
Belén Rueda, Eva De Dominici, Natalia de Molina, Germán Palacios, Eugenia Tobal, Susana Hornos, Juan Manuel Guilera
Distribución
Filmax
Ventas internacionales
Filmsharks
Sinopsis
En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro vanguardista experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra creada veinte años atrás por un grupo de pacientes. Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar. Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco, en competencia por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, al trágico desenlace de la puesta en escena original.
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Crítica de Ramón:
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Vemos esta peli de terror a las nueve de la mañana.
Es curioso que una trama en la que se pretende mantener a los actores despiertos cause tanto sopor en la sala.
Pero compartimos su experiencia, tanto los protagonistas como los espectadores, ambos hacemos grandes esfuerzos por mantenernos despiertos.
La idea no es mala. Intentar revivir las experiencias de enfermos psiquiátricos con la deprivación de sueño llevada hasta el límite.
La pena es que la peli resulta aburrida, con algún susto demasiado previsible, con poca o nula tensión dramática.
Belén Rueda demasiado inexpresiva desde que se ha operado y retocado con bótox.
Ver a Natalia de Molina siempre es una delicia. La mejor con ventaja.
El elemento de más interés es la exigencia de esta malvada directora de llevar a los actores más allá del límite de lo ético.
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Mi puntuación: 2,86/10.
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El director Gustavo Hernández:
No dormirás es la tercera película del director uruguayo Gustavo Hernández. Su primera película, La casa muda (2010), es seleccionada en la Quincena del Realizador del Festival de Cannes y en otros festivales de referencia internacional. En 2014 filma su segunda película, Dios local, con la que participa en festivales de renombre internacional como el Festival Internacional de Sitges, FantasticFest, Rio de Janeiro Film Festival y en el Bucheon Int. Fantasy Films de Corea del Sur.
Producción: Globomedia S.L.U. Duración: 50 minutos Guion: Iván Escobar, Marc Cistaré, José Javier Reguilón, Santi San Martín, J.M. Ruíz Córdoba Fotografía: Migue Amoedo, Sergi Bartrolí Música: Manel Santisteban, Iván M. Lacámara
Montaje
David Pelegrín, Raúl Mora, Manuela Díaz
Reparto
Maggie Civantos, Najwa Nimri, Alba Flores, Berta Vázquez, Ruth Díaz, Roberto Enríquez, Adriana Paz, Luis Callejo, María Isabel Díaz Lago, Inma Cuevas, Marta Aledo, Laura Baena Torres, Itziar Castro, Ana Marzoa, Huichi Chiu, Abril Zamora, Jesús Castejón, Ramiro Blas, Javier Lara, Irene Anula, Zaira Pérez, Chen Lu
Distribución
FOX Networks Group España
Ventas internacionales
Imagina International Sales
Sinopsis
En las temporadas anteriores asistimos al ascenso de la presa Macarena Ferreiro, hasta erigirse como la líder de Cruz del Sur. Pero en la 3ª Temporada de Vis a vis las tornas cambiarán, cuando Maca y sus compañeras sean trasladadas a Cruz del Norte. Este nuevo ecosistema está controlado por la presas de la tríada china Tao, comandadas por la temible Akame. En este nuevo entorno, con un diferente sistema de poder, Maca, Zulema, ‘Rizos’ y las demás presas deberán demostrar sus capacidades de supervivencia en un hábitat hostil. Al igual que Mercedes Carrillo, una exconcejala condenada por corrupción urbanística.
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Crítica de Ramón:
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Vemos el primer episodio de la tercera temporada de esta exitosa serie.
Hasta su estreno en FOX no se puede realizar crítica ni comentarios.
En consecuencia no digo nada más.
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Mi puntuación: ???/10.
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Los directores Jesús Colmenar, Sandra Gallego, David Molina Encinas y Jesús Rodrigo:
Jesús Colmenar
Director y Productor Ejecutivo en Vis a vis, La casa de papel y El chiringuito de pepe. Director en El barco y Los Hombres de Paco. Sandra Gallego Directora en Vis a Vis, El Accidente, El Barco y Los hombres de Paco. David Molina Encinas Director en Vis a Vis, El Accidente, Estoy Vivo, El Barco, Los hombres de Paco y Los Serrano. Jesús Rodrigo Director y Productor Ejecutivo en Estoy Vivo, Aída, El Internado, Un paso adelante y Periodistas. Director en Vis a Vis y El Accidente.
Producción: Sooft Vídeos Duración: 50 minutos Guion: Antonio Parra, Georgina Cisquella Fotografía: David Ramos Música: Iván Redondo
Montaje
Leixandre Froufe
Distribución
Sooft Vídeos
Sinopsis
Málaga , la alfombra roja del cine español es un recorrido por la historia de un certamen, que se puso en marcha a finales de los 90 y que, en apenas veinte años, se ha convertido en uno de los acontecimientos culturales más importantes de la ciudad y una de las plataformas más imprescindibles del cine español. El apoyo de los malagueños, en la calle pero también en las salas, ha sido fundamental para su supervivencia. El documental recoge, a través de los testimonios de sus protagonistas (actores, directores, productores, y diferentes gestores y responsables del certamen y de la ciudad de Málaga…), los cambios experimentados durante estos años.
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Crítica de Ramón:
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Abrimos nuestro Festival de Málaga en su vigésimo primera edición con este documental que homenajea este evento anual.
Digo nuestro porque este año acompaño a Diego Gismero. Nos hemos vuelto inseparables en esto del cine. Si algún día nos llegamos a rozar estoy convencido que nos haremos siameses.
Este mediometraje de 50 minutos trata en forma de capítulos de los diferentes aspectos del festival.
Realizado para agradar a un público incondicional, solo ofrece luces y muy escasas sombras.
Nos cuenta homenajes estupendos a Paco Rabal, a Fernando Fernán Gómez o Agustín González.
Señala la importancia que tuvieron algunas pelis para el lanzamiento del festival, como el bombazo que supuso la de Emilio Martínez Lázaro, El otro lado de la cama, que supuso un gran respaldo.
Coincido en la importancia del público malagueño, muy entregado con el famoseo y con La Alfombra Roja que es la que más contundencia ha cogido como escaparate de la moda española.
Me ha gustado al sentirme también cómplice con este evento, al que ya voy siendo habitual.
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Mi puntuación: 7,03/10.
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Los directores Antonio Parra, Georgina Cisquella, Leixandre Froufe:
Antonio Parra
Periodista TVE y director de Miradas2, y otros programas culturales de La 2.
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Georgina Cisquella
Periodista de TVE, guionista de El efecto Iguazú, Goya mejor documental, y directora de Oxígeno para vivir y Coca-cola en lucha/ cuando David se enfrenta a Goliat.
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Leixandre Froufe
Director de cine y publicidad, ha dirigido algunos de los cortometrajes más vistos en el último año del Jameson NOTODOFILMFEST.
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Filmografías: Antonio Parra Málaga, la alfombra roja del cine español (2018)
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Georgina Cisquella
Málaga, la alfombra roja del cine español (2018), Minusvàlids (cortometraje documental, 1982), Feminisme(cortometraje documental, 1982), L’ajuntament de Barcelona (cortometraje documental, 1979)
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Leixandre Froufe
Málaga, la alfombra roja del cine español (2018), Impaciente (cortometraje, 2018), A mi manera (cortometraje, 2018), Ante la audiencia (cortometraje, 2017), No lo quieres (cortometraje, 2017), Y yo paso con él (cortometraje, 2017) Malnacido (cortometraje, 2017), El coloquio de los perros (cortometraje, 2017), Bomba de humo (cortometraje, 2017), Te apuesto un beso (cortometraje, 2017), Cara anchoa (cortometraje, 2017), Resurgir (cortometraje, 2016), Disculpe, caballero (cortometraje, 2011), Me corta el rollo (2010).
En la cultura francesa y en la anglosajona se da mucha importancia a la dialéctica. Aquí en España es una pena oír hablar a políticos, incapaces de construir una frase coherente con sujeto, verbo y predicado.
Mi nieto Luca de tres años compone frases más inteligibles que el señor presidente del gobierno. Lo digo en serio.
La mayoría de los españoles se declaran incapaces de hablar en público y de argumentar una tesis con una mínima consistencia.
Los políticos recitan el argumentario que les ha enviado por correo electrónico el más listo del partido.
Una razón brillante habla del poder de la palabra y nos cuenta la historia de un profesor racista y prejuicioso y su alumna marcada por la marginalidad.
Una historia que ya hemos visto.
Los diálogos, en ocasiones (y solo en ocasiones) son brillantes y están llenos de energía.
La trama se desarrolla de manera torpe, sin que consiga mantener mi interés.
Daniel Auteuil y Camélia Jordana están brillantes, pero no consiguen levantar una peli, que en definitiva resulta ser un topicazo.
No sé si su director pretendía hacer una peli con fondo social, si es así ha fracasado, realizando una caricatura ternurista y bondadosa de una sociedad con brechas insalvables.
Christian Gudegast ha intentado hacer un Heat, pero sin Robert De Niro, ni Al Pacino, ni Val Kilmer, ni Jon Voight, ni Tom Sizemore, ni Ashley Judd y tampoco Michael Mann.
Las pelis de ladrones siempre me ha gustado.
Es un género que juega frecuentemente con la credulidad del espectador.
Cuando los malhechores te caen bien es más fácil disculpar las lagunas de guión que se suelen presentar.
Este Juego de ladrones nos presenta a unos delincuentes y unos policías de lo más testosterónicos. Rebosantes de andrógenos.
Gerard Butler es un jefe de la “Brigada de Delitos Mayores” violento, chulo, alcohólico, bruto, sudoroso y con aspecto de descuidado. Imposible que me caiga bien.
Pero los malos son casi peores.
Todo ello impide que tome partido por unos o por otros, lo cual crea una cierta indiferencia.
Aunque mi amigo Diego se esforzó en explicarme la trama, no me quedé convencido, tal vez por mi bajo C.I. no llegué a comprenderla completamente.
Los tiros suenan bien.
La peli se deja ver. Como se dice ahora “no mata“, pero mortifica.
El título en español es más poético que el americano, pero no tiene que ver nada con la trama, ¿o sí?.
Durante unos años de juventud (y estupidez) en los que ejercí de cultureta desprecié la ciencia ficción.
Todo cambió cuando fui a ver Star Wars que luego se subtitularía Una nueva esperanza. Entré en un mundo fascinante de diversión y entretenimiento.
Fui menospreciado por amigos culturetas que luego han coleccionado figuritas de RD2 D2 y de C3 PO.
Con los años ha ido creciendo mi afición a las distopías y ahora soy fan absoluto.
Hay que aclarar que los culturetas de la época adoraban Fahrenheit 451 de Truffaut y 2001: A Space Odyssey de Kubrick.
No conocía Soylent Green y ha sido un gran descubrimiento.
Hay dos temas dentro de esta producción.
Por un lado la distopía futurista de un mundo superpoblado, pobre, donde los recursos naturales han desaparecido y la comida más preciada son una galletitas de color verde que solo se reparten una vez por semana.
La mayoría de la población es indigente y hay ricos que tienen agua corriente y disponen de jóvenes doncellas.
Por otro lado la historia de la investigación por parte de un policía que lo que más teme es perder su empleo.
Podía ser un noir, pero falta la femme fatal.
Charlton Heston es un detective moderadamente corrupto, pero deseoso de conocer la verdad.
Todos los personajes sudan una barbaridad, especialmente el sargento negro, en un planeta sometido al calentamiento global. Asombroso que una peli de los setenta ya hablara de esta cuestión.
Contamos también con la presencia de Edward G. Robinson y con el cameo de Joseph Cotten. Siempre es un placer verlos en pantalla.
La trama policial solo es un pretexto para presentarnos una sociedad terrible y desquiciada (capitalismo llevado al extremo) , una especie de aviso a navegantes de un futuro posible.
Es curioso que Heston, siempre considerado un mal actor, haya protagonizado algunas de las mejores pelis de la historia del cine.
Que no nos caiga bien por ser miembro de la Asociación Nacional del Rifle no quita para que en su época fuera un ídolo del cine, por eso merece nuestro respeto. No olvidemos que fue Moisés, Ben-Hur,George Taylor en El Planeta de los simios o El Cid.
Soylent Green me ha encantado y me ha parecido tremendamente actual.
Mónica Gallo, Diego Gismero y Ramón Bernadó (que soy yo) hemos diseccionado las películas más importantes que podemos ver en los Multicines Guadalajara:
