Química vuelve a demostrar que para hacer un buen corto no hacen falta muchos decorados, personajes, figurantes ni un gran presupuesto.
Bastan una cocina, un salón, dos personajes y una llamada telefónica. Al otro lado, una voz capaz de derrumbar las expectativas de una pareja bien avenida que desea adoptar a un niño.
Las interpretaciones son magníficas, especialmente la de Sheyla Fariña, que sostiene con enorme verdad el cambio de temperatura emocional.
Senín Porto plantea muy bien la historia y exprime al máximo sus escasos elementos.
La buena química no depende del presupuesto.
Después de la llamada
Senín Porto dirige y produce Química, cuyo guion firma junto a Martín DeSoto y Sara Gómez Iglesias.
Su anterior corto, Betas, obtuvo el Premio del Público en el Festival de Cans de 2024. El Festival de Cans es un certamen de cine celebrado en la aldea de Cans, en O Porriño (Pontevedra). Su nombre juega con el parecido con Cannes —aunque aquí hay chimpines, gallineros y bastante menos alfombra roja—. Está especializado principalmente en cortometrajes y desde 2026 es calificativo para los Goya.
También ha codirigido con Martín DeSoto el documental Eject: el último rebobinado.
En Química apuesta por una puesta en escena mínima y concentra toda la tensión en el guion y los intérpretes.
Verity. La sombra de un engaño pretende ser un thriller erótico. Pero de intriga tiene poco, de thriller psicológico casi nada y de erótico, lo justito.
Todo gira alrededor de un guion absurdo, revestido de una atmósfera sofisticada que no consigue ocultar su fragilidad.
Un castillo de naipes con ínfulas.
Anne Hathaway interpreta un papel imposible y está muy guapa cuando la película decide que toca estar guapa.
Dakota Johnson es una chica monina y poco más. Su atractivo en pantalla me parece escaso y su capacidad actoral, nula.
Josh Hartnett hace bien en quitarse la camiseta y enseñar los pectorales, porque grandes interpretaciones, desde luego, no va a poder enseñar.
El giro final pretende pasar por intelectual, pero solo consigue rematar el sinsentido. Lo que empieza aburriendo termina irritando.
Sí, la fotografía es muy bonita. También lo son muchos catálogos de muebles.
Todo lo demás resulta postizo, falso y tonto.
Un auténtico desastre.
Después del engaño
Michael Showalter es un director, guionista y actor estadounidense procedente de la comedia.
Entre sus películas destacan Hello, My Name Is Doris, La gran enfermedad del amor, Los ojos de Tammy Faye y La idea de tenerte.
Verity. La sombra de un engaño adapta la novela de Colleen Hoover y se estrenó en España el 2 de octubre de 2026, distribuida por Sony Pictures.
Durante ese fin de semana encabezó la taquilla norteamericana con 32,6 millones de dólares y alcanzó los 62,6 millones en todo el mundo.
Cada nueva película de Alejandro G. Iñárritu es un acontecimiento.
No olvidemos que dirigió El renacido, una de las grandes películas de la historia del cine o, al menos, de lo que llevamos del siglo XXI.
En Digger propone una sátira sardónica que pretende retratar, en clave de humor, la disparatada realidad del mundo actual.
Tom Cruise interpreta a Digger Rockwell, un magnate del petróleo que se ha hecho con explotaciones en parajes de enorme valor ecológico gracias al respaldo del presidente de Estados Unidos.
El presidente es John Goodman y tiene un tumor rectal del tamaño de una naranja.
La sutileza no estaba invitada.
Hay una gran sorpresa metacinematográfica que enlaza con Birdman. No digo más porque sería destripar uno de los principales alicientes de la película.
Riz Ahmed, Sandra Hüller y Jesse Plemons acompañan a Cruise en una colección de personajes exagerados, caricaturescos y bufonescos que se aproxima a la commedia dell’arte.
El problema es que esta sátira supuestamente humorística no consigue provocar una sola carcajada y apenas alguna sonrisa ocasional.
Todo a gritos.
Los personajes están permanentemente desatados, interpretando sin medida y dentro de un tono tan estridente que, por momentos, resulta absolutamente insoportable.
La película tiene buenas hechuras. Hay una puesta en escena trabajada, movimientos de cámara interesantes y numerosos elementos simbólicos.
Pero las buenas formas no compensan tanto subrayado. Iñárritu insiste una y otra vez en ideas que pueden tener interés, pero que ya conocemos y no ganan profundidad por repetirlas a voces.
El mensaje ecológico es estupendo: si explotamos la naturaleza sin límites, esta terminará devolviéndonos el golpe mediante catástrofes que no podrán controlar ni la Fuerza Aérea ni la Armada estadounidenses.
Tom Cruise está completamente salido de madre en lo gestual y corporal, ayudado por unas prótesis que lo vuelven casi irreconocible.
Puede que haya visto en este papel la oportunidad de excavar hasta encontrar el Óscar.
No creo que lo consiga.
La pala del cartel tampoco es un capricho del publicista. Es aquella con la que su abuelo comenzó a cavar hasta encontrar petróleo y levantar el imperio familiar.
Mucho petróleo, mucha prótesis, muchas ideas subrayadas y demasiados decibelios.
La sátira tiene mala leche. El humor se ha quedado enterrado.
Después de la excavación
El mexicano Alejandro G. Iñárritu inició su carrera cinematográfica con Amores perros y continuó con títulos como 21 gramos, Babel, Biutiful, Birdman, El renacido y Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades.
Ganó consecutivamente el Óscar a la mejor dirección por Birdman y El renacido.
La primera también le proporcionó las estatuillas de mejor película y guion original.
Producida por Legendary Pictures, distribuida por Warner Bros. y rodada íntegramente en VistaVision, Digger se estrenó en España el 2 de octubre de 2026.
Su arranque comercial ha sido muy flojo: séptimo puesto en España y unos 17 millones de euros recaudados mundialmente durante su primer fin de semana, frente a un presupuesto estimado en unos 153 millones.
En la segunda, la del medio, pon una dirección de correo electrónico.
La tercera, la de abajo de las tres, puedes dejarla en blanco o poner tu web.
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Tenemos que hablar analiza el enganche emocional que algunas personas desarrollan y lo difícil que resulta romper una relación de dependencia cuando aparece la culpa.
Podría contar el final y destripar la sorpresa, que es una de mis tendencias naturales. Pero voy a contenerme.
También tengo mis días heroicos.
Me gusta mucho la fotografía de Santiago Racaj y su trabajo con la luz.
Marta Nieto está estupenda y el análisis de esa dependencia emocional resulta certero y divertido.
Un magnífico corto. Y no he contado el final. Estoy madurando.
Detrás de la conversación
Caterina Muñoz Luceño lleva más de veinte años compaginando el trabajo en dirección y producción audiovisual con las artes vivas y escénicas.
Como productora participó en los cortos Mamífera, de Valeria Alonso, y Amor de madre, dirigido por Lucía Álvarez a partir de un relato de Almudena Grandes.
En Tenemos que hablar firma también el guion.
Completan el reparto Manuela Paso e Israel Elejalde.
Un desconocido aparece en el jardín. Para unos, su mera presencia supone una amenaza. Para otros, es una persona perdida que necesita ayuda.
Regreso a casa (Homing) representa estupendamente estas dos formas de reaccionar, que en realidad son dos maneras de entender la vida: contemplar al otro con miedo o preguntarse qué podemos hacer por él.
Es una división que ya impregna nuestra sociedad.
Hay partidos empeñados en culpar a los inmigrantes de todos los males. Y estamos quienes, ante alguien que llega perdido, intentaríamos ayudar antes de condenar.
El jardín se convierte así en una frontera moral.
Lo incómodo es que la película nos obliga a elegir de qué lado estamos.
Detrás de la verja
Regreso a casa (Homing) es el primer corto de ficción de Elizabeth «Lizzie» Atherton, cineasta y escritora formada en Arquitectura que inició su trayectoria en el documental experimental.
Lo coescribe y codirige con Hansel Rodrigues, realizador de ficción y documental que forma parte del programa BFI Beyond Shorts.
El proyecto fue uno de los ganadores de The Dream Makers, iniciativa de Fundación SEAT CUPRA y ESCAC con la mentoría de J. A. Bayona.
También obtuvo el Premio Onofre al Mejor Cortometraje del Festival Ibérico de Cine y está anunciado para inaugurar la 59.ª edición del Festival de Sitges el 8 de octubre de 2026.
Mi puntuación: 7,55/10.
Dirigido por Elizabeth Atherton, Hansel Rodrigues:
Unos carteles acusan al padre de algo que podría ser una infamia o la pura verdad. No lo sabemos. El corto se sostiene en esa incertidumbre.
La hija mayor se muestra indignada e intenta proteger a su hermana pequeña, mientras el padre parece ajeno al asunto. Como si la tormenta no fuera con él.
La niña, en cambio, solo busca respuestas.
Tres actitudes ante el mismo escándalo: la indignación de la joven, la indolencia del padre y la necesidad de saber de la pequeña.
No sabemos qué hizo el padre, pero su silencio deja a sus hijas solas frente al ruido.
Sobre Aitor Abio
Aitor Abio, nacido en Durango en 2000, es graduado en Comunicación Audiovisual por Mondragon Unibertsitatea y se ha formado en dirección cinematográfica en la ECPV de Bilbao.
Debutó con Patrimonio, seleccionado para Kimuak 2024.
Dicen que tu padre, su segundo cortometraje, fue incorporado al catálogo Kimuak 2025.
El corto obtuvo el segundo premio en el XXIII Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española–Fundación SGAE.
Izaro Nieto recibió además el premio a la mejor interpretación femenina.
Cemento se mete de lleno en uno de los asuntos más candentes del momento: el imposible acceso de la generación Z a una vivienda.
Una pareja de jóvenes se cuela en un edificio en construcción para hacer grafitis.
El lugar tiene unas vistas magníficas y, entre sprays y hormigón, ambos empiezan a dibujar e imaginar la casa ideal que difícilmente podrán permitirse.
El corto convierte un juego adolescente en el retrato sencillo y certero de una generación que puede diseñar su futuro, pero no pagarlo.
Los sueños, sueños son. Y la vivienda, ciencia ficción.
Detrás del hormigón
Gustavo García Sierra (Zaragoza, 1992) es cineasta y docente, graduado en Dirección por la Escuela TAI.
Comenzó trabajando en el departamento de cámara de producciones como Todos lo saben.
Su primer cortometraje, Caníbales, fue seleccionado en la 53.ª edición del Festival de Sitges.
También ha dirigido vídeos musicales y el largometraje Mono: Live Pilgrimage in Madrid.
Cemento forma parte de la Sección Oficial de Cortometrajes del FESCIGU 2026.
Facdere coloca a Mila, la madre de Víctor, entre dos trituradoras.
Por un lado, debe alcanzar los objetivos de venta que le exige la aseguradora para la que trabaja como teleoperadora.
Por otro, un fondo de inversión extranjero ha comprado la vivienda donde viven de alquiler y amenaza con echarlos a la calle.
Precariedad laboral y precariedad habitacional. Dos caras bastante feas de la realidad española.
Nadia Alsalti realiza una interpretación excelente y sostiene con mucha verdad la angustia de una mujer obligada a vender para poder seguir viviendo.
Tras la llamada
Pablo Olivares, nacido en Caravaca de la Cruz en 2000, comenzó su trayectoria como guionista y director con el cortometraje No te putopilles, realizado en 2024.
Tras formarse en la Universidad Complutense de Madrid y en la ESCAC, aborda en su segundo corto, Facdere, la violencia inmobiliaria y sus consecuencias cotidianas.
También desarrolla su carrera como actor en cine, teatro y performance.
La cámara descansa casi por completo sobre Víctor Clavijo, con Carolina Bona como contrapunto. En realidad, es prácticamente un monólogo del actor, y eso ya supone un estupendo espectáculo.
Alerta: spoilers
Víctor Clavijo va desgranando las fechorías que puede cometer una cámara que estuvo en Auschwitz.
La premisa es disparatada, pero el corto la explica con claridad, buen ritmo y mucho humor.
Ver actuar a Víctor Clavijo siempre es un auténtico placer.
Los Clavijo detrás del objetivo
Carlos Clavijo Cobos es guionista, productor y director. Participó en el guion y la coproducción de Gernika (2016).
En La cámara dirige a su hermano Víctor Clavijo, también autor del guion, y a Carolina Bona.
El corto ha recibido el Premio Canal Sur a la Creación Audiovisual Andaluza.
Víctor Clavijo fue premiado como mejor actor en los festivales de Astorga y Luna de Cortos.
La pesadilla del funcionario: que esté todo correcto
El aspirante utiliza la animación stop motion para convertir la burocracia en una pequeña distopía poblada por seres grotescos e histriónicos.
La mayor gracia está en ese funcionario de ventanilla que cumple las normas a rajatabla y parece vivir para rechazar solicitudes.
Su mayor horror no es una inspección ni que se caiga el sistema.
Es que llegue un ciudadano con todos los papeles en regla.
Una sátira muy divertida sobre un mundo en el que hacer bien un trámite puede considerarse una provocación. Las señoras que tenía al lado no paraban de reír.
Razones no les faltaban.
Un artesano del stop motion
Sam Orti, nacido en Valencia en 1971, lleva más de veinticinco años dedicado al stop motion.
En su filmografía destacan cortometrajes como Encarna, Vicenta y The Werepig, además del largometraje Pos eso.
El aspirante, escrito por Flora Cuevas, es un corto de animación sin diálogos producido por Conflictivos Productions.
En 2026 obtuvo el premio al mejor cortometraje valenciano en Humans Fest y participó en la Sección Oficial de FESCIGU.
El gran valor de Señuelo es la presencia de Ramón Barea, que está grandísimo, como siempre.
Interpreta a un jefe racista, machito y aficionado a la caza. De esos que, cuando fallan un disparo, culpan a cualquiera menos a su dedo.
Junto a él están uno de sus empleados y Martín, el hijo de este. Tres generaciones, pero también tres peldaños de una jerarquía marcada por el dinero, el trabajo y la obediencia.
Martha G. Ayerbe desarrolla con inteligencia las tensiones, las frustraciones y las miserias de estos personajes durante la jornada de caza.
La situación remite inevitablemente a La caza, de Carlos Saura, aunque aquí las diferencias generacionales y de clase están mucho más marcadas.
El relato desemboca en un final sorprendente que se mueve entre la comedia negra y el realismo descarnado.
Una señora sentada a mi lado se rio durante casi todo el corto. Yo, la verdad, no encontraba la gracia en muchas de aquellas escenas.
Debíamos de estar viendo dos cacerías distintas.
Una directora que dispara con su primera película
Martha G. Ayerbe, nacida en Zaragoza en 2000 y formada en Comunicación Audiovisual, debuta en la dirección con Señuelo.
El proyecto nació del concurso The Dream Makers, impulsado por ESCAC y CUPRA, y contó con J. A. Bayona entre sus productores.
En 2026, Ayerbe obtuvo el Premio Fugaz a la mejor dirección novel.
El corto también ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival de Cine de Elche, donde Ramón Barea fue reconocido como mejor actor.
Inquilinos está muy, muy bien desarrollado. Es una comedia rápida y divertida que retrata varias realidades sociales sin ponerse a impartir una conferencia.
Por un lado, está esa generación Z para la que un casete, una cinta VHS o un teléfono fijo parecen restos arqueológicos. El choque generacional da mucho juego y el corto lo aprovecha con gracia.
Por otro, está el problema de la vivienda. Un piso compartido es un ecosistema muy frágil: basta cualquier cambio para que la convivencia salte por los aires. Aquí ocurre con precisión de bomba de relojería.
El reparto está muy solvente. Destaco a Joaquín Núñez, un actor que me entusiasma y que convierte a su personaje en el gran motor cómico del corto.
Alerta: spoilers
El remate con los inquilinos expulsados para convertir la vivienda en un piso turístico termina de traer la historia al presente.
Nos reímos, sí, pero la carcajada viene con una orden de desalojo.
Las llaves de Adrián Ordóñez
Adrián Ordóñez, nacido en Málaga en 1991, es director y fundador de Muy al Sur Films.
Su cortometraje de ficción Todo va bien (2023) estuvo nominado a los Premios Carmen 2024, mientras que el documental El amoragaor (2024) entró en la preselección de los Premios Goya 2026.
Inquilinos formó parte de la Sección Oficial de Cortometrajes Málaga del Festival de Málaga 2026.
Bajo el polvo, nuestra tierra retrata cómo los campos de Goiás, en Brasil, están siendo devorados por una gigantesca explotación de niobio.
El documental recoge las denuncias de las familias campesinas: les han arrebatado sus tierras, contaminado los acuíferos y destrozado un entorno natural convertido en escombrera minera.
Al fondo aparece Europa, necesitada de este preciado mineral para sostener su transición energética.
La paradoja tiene bastante mala leche: para producir energía limpia también podemos ensuciar, y mucho, el planeta.
El documental es interesante y su denuncia resulta necesaria, pero me ha parecido reiterativo.
Estamos ante un cortometraje. Las mismas ideas podían haberse contado con menos vueltas y algo más de tijera.
Más allá del polvo
Miguel Ángel Herrera es director, director de fotografía, montador y fundador de Forward Films.
Ha trabajado en proyectos documentales y campañas sociales en más de veinte países.
Entre sus trabajos recientes figuran Insumisas, Ocupación S. A. y Los anfitriones, vinculados a los derechos humanos y los conflictos sociales.
Bajo el polvo, nuestra tierra fue realizado por Ecologistas en Acción y el Observatorio de Multinacionales en América Latina.
Ganó el premio al mejor cortometraje documental en Ecozine 2026.
Las redes sociales están llenas de gurús que venden humo y presumen de una vida que ni siquiera ellos tienen.
En realidad, son unos pringados aún mayores que quienes los siguen.
David Sendín retrata a esta fauna en clave de humor y dentro de un ambiente costumbrista muy reconocible. La casa de clase media-baja está estupendamente recreada y aporta verdad a la historia.
El padre es un personaje absolutamente cómico, pero también muy real. Una caricatura que no parece inventada.
El gurú y sus seguidores resultan bastante patéticos: unos fingen haber triunfado y otros pagan por aprender a fingirlo.
Frente a tanta impostura, funciona muy bien el cariño entre el hermano y la hermana. Esa relación aporta humanidad a una historia poblada de fantasmas con ínfulas.
Mucho lambo, mucha mentoría y mucho vendehúmos.
Al final, lo único verdaderamente valioso es el amor entre los hermanos.
Un director con el acelerador pisado
David Sendín, nacido en Valencia en 2004, es diplomado en Montaje por la ECAM y ha trabajado como montador y editor de cortometrajes y videoclips.
El lambo de San Blas supone su salto a un proyecto más ambicioso como director y también lleva su firma en el montaje.
En el Encuentro Audiovisual de Jóvenes de Cinema Jove 2026 obtuvo un accésit y el Premio Especial La aventura del saber de La 2.
Álex López y Julia Balserini compartieron además la mención especial de interpretación.
Sobre la mesa construye, mediante ocho escenas cotidianas, la relación entre una madre y su hija.
La madre, obsesionada con comer sano hasta rozar la ortorexia, va minando a la joven con críticas constantes. Cuestiona lo que cocina, cómo come y hasta su manera de relacionarse con la comida.
Todo parece preocupación maternal, pero el resultado es devastador: le destroza poco a poco la autoestima y la personalidad.
La cámara se acerca tanto a las bocas que convierte el acto de comer en algo incómodo e incluso desagradable.
Eso sí, aquellos macarrones con tomate me dieron bastante hambre. Uno también tiene sus contradicciones.
Me ha gustado mucho. Con escenas muy sencillas, retrata estupendamente cómo una mala influencia puede esconderse bajo la apariencia del cuidado.
Una mala madre con el plato muy vigilado y la conciencia bastante tranquila.
Tras la sobremesa
Maélie Jaffrin, nacida en Barcelona en 2001, es directora y guionista formada en el Instituto del Cine de Madrid.
Su trabajo se centra en la ficción contemporánea, especialmente en la infancia y los vínculos afectivos.
Sobre la mesa es un cortometraje español de nueve minutos protagonizado por Mercedes Salazar y Laura Musan.
Actualmente desarrolla Cosquillitas junto a Fosca Films.
Los dibujos, que remiten a los primeros tiempos de la animación estadounidense, retratan con una fuerza tremenda nuestra sociedad.
Personas aisladas, individualizadas y pegadas a la pantalla del móvil. Las conversaciones han desaparecido. La sociabilidad parece un recuerdo de otro siglo.
Todo lo contemplamos a través de ese niño de ojos inmensos, una criatura maravillosa que aún es capaz de mirar a los demás mientras el resto solo mira hacia abajo.
Sin diálogos y en apenas dos minutos, Steve Cutts dice mucho más sobre nuestro mundo que toneladas de discursos.
Un corto descomunal.
Una obra maestra.
Detrás de la pantalla
Steve Cutts es un animador e ilustrador especializado en la sátira social.
Entre sus trabajos más conocidos figuran MAN, Happiness, The Turning Point y A Brief Disagreement.
Are You Lost in the World Like Me? nació como videoclip oficial de Moby & The Void Pacific Choir y se publicó el 17 de octubre de 2016.
En 2017 ganó el Webby a la mejor animación y el Premio del Jurado de Annecy dentro de la categoría de películas por encargo.
El FESCIGU 2026 lo ha recuperado en su sección Dopamina en Vena.
Judith es una joven de la burguesía catalana a la que no parecen comprender ni su familia ni sus amigos.
Para escapar, se introduce en un torbellino de fiestas y consumo de cocaína.
Sus malas decisiones, su comportamiento destructivo y la adicción la arrastran hacia el desastre.
Adriana Arratia rinde un claro homenaje a Navajeros, película mítica del cine quinqui español.
Lo más interesante es el contraste entre el privilegio del que parte Judith y la marginalidad en la que termina hundida.
El cortometraje cuenta una historia bastante compleja, pero consigue desarrollarla con claridad y buen ritmo en apenas 19 minutos.
Bien realizado y mejor condensado.
Del 08034 al narcopiso hay menos paradas de las que Judith imaginaba.
Adriana Arratia y su universo quinqui
Adriana Arratia, nacida en Caracas y formada en la ESCAC, está especialmente interesada en el hiperrealismo social y el cine quinqui.
Después de dirigir Muerte en Torrevieja (2022), firma Kinkillera 08034 junto al coguionista Javier Méndez.
El corto está producido por Adso Films y Shift Dif y protagonizado por Ana Burguera.
En el 35.º Festival de Cine de Madrid-PNR, Ana Burguera recibió, ex aequo, el premio a la mejor interpretación de cortometraje, y Leixandre Froufe, el de mejor montaje.
Influyencers dispara contra la obsesión de muchos jóvenes por hacerse famosos en las redes sociales. Da igual el talento, el contenido o la dignidad: lo importante es sumar seguidores y parecer alguien.
También se burla de las marcas falsas y de esa necesidad de presumir de una etiqueta que no deja de ser un fraude. No solo venden humo: hasta el logotipo es de imitación.
La presencia de una actriz tan reconocida y con tanto oficio como Macarena Gómez da cierto empaque al cortometraje.
El resultado es simpático y se ve con agrado, pero la sátira apenas araña la superficie. Señala blancos muy fáciles sin llegar a hincarles el diente.
Divertido, sí. Mucho más que eso, no.
Detrás del filtro
Thomas Barrera Howarth, nacido en Sevilla en 1987, comenzó como fotógrafo antes de trasladarse a Londres para trabajar en cine.
Participó en producciones como Guardianes de la galaxia y The Imitation Game (Descifrando Enigma).
Actualmente combina la realización de documentales y televisión con la dirección de cortometrajes.
Entre sus trabajos destacan Packet Planet, ganador del primer premio en Notodofilmfest, y Pentágono.
Influyencers dura 13 minutos, fue rodado en Barcelona y participa en la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Un padre y sus cuatro hijos se refugian en la casa familiar tras la muerte de la esposa y madre.
Pero aquello no es un retiro para afrontar el duelo. Se dedican a malvivir en un estado de depresión absoluta que van retroalimentando entre todos.
El alcohol forma parte de su vida cotidiana. Posiblemente, lo impregna todo.
Están hundidos en un pozo terrible del que ni siquiera parecen desear salir. Se acompañan no para rescatarse, sino para hundirse juntos.
Familia es un cortometraje desolador, pero magníficamente construido.
Las interpretaciones del padre y de los hijos son sensacionales.
Merece la pena citar a todo el reparto: Isak Férriz, Claudia Malagelada, Bernat Roqué, Carlota Keiko Vila, Valeria Fernández Carranza, Maria Pau Pigem, Ruth Díaz, Blanca Valletbó, Sara Diego y Aleix Melé.
Un duelo compartido puede aliviar el dolor. Aquí solo sirve para emborracharlo.
Sobre Frank Lucas Sánchez
Frank Lucas Sánchez, nacido en Barcelona en 1988, es director y guionista.
Dirigió el cortometraje Ruina, estrenado en 2022 en los festivales de Málaga y BIFAN.
También creó la serie WASP, desarrollada por Netflix, y participó en el guion de La mala familia.
Actualmente prepara su primer largometraje, La madriguera, con Japonica Films, productora de la que es cofundador.
María Rita es un corto terrible. No por malo, sino por la realidad que retrata.
Raúl y Aida son toxicómanos, mantienen una relación tan tóxica como las sustancias que consumen y viven atrapados en la marginalidad.
En medio de ese desastre está María Rita, su bebé de cuatro meses, a la que intentan «proteger» de los servicios sociales.
Las comillas son importantes.
El amor y el instinto maternal existen, pero no bastan cuando la adicción se ha comido la capacidad de cuidar. Ellos solo quieren continuar drogándose, mientras la niña paga las consecuencias de una vida que no ha elegido.
La productora confirma que el corto fue rodado con víctimas reales del narcotráfico y la drogadicción. Eso explica la brutal sensación de autenticidad que desprenden sus personajes.
La ambientación es sensacional y la dirección artística de Marina Varela, extraordinaria. Esos espacios degradados no parecen decorados, sino lugares donde la vida se ha ido pudriendo poco a poco.
María Rita es áspera, dolorosa y difícil de digerir.
También es magnífica.
Enhorabuena, Juan Barbazán.
Del videoclip a la marginalidad gallega
Juan Barbazán, nacido en Santiago de Compostela en 1990, ha desarrollado buena parte de su trayectoria dirigiendo videoclips de rap y música urbana.
Ha trabajado con artistas como Foyone, Don Patricio, Natos y Waor, Fernando Costa, Santa Salut y Dollar Selmouni.
En María Rita también participa en el guion, junto con Nacho Ozores, y se encarga del montaje.
El cortometraje obtuvo en 2026 tres galardones en el Festival de Cans: mejor cortometraje de ficción, premio del jurado de los vecinos y mejor dirección de fotografía para Sules García.
También ganó el premio al mejor cortometraje nacional en el Festival Internacional de Cine de Lanzarote.
El mejor amigo de la mujer también puede ser un hijo de perra
Perros muerden convierte una relación tóxica en el vínculo entre una mujer y un perro. Aunque podría ser un marido, un novio, un amigo o cualquier otro animal. La especie es lo de menos.
Todo comienza de manera amorosa. El perro parece el compañero ideal, pero pronto se transforma en un auténtico lastre del que resulta muy difícil desengancharse.
Una dependencia emocional con correa.
Marina Salas, siempre estupenda, sostiene el juego con una interpretación muy física.
Eva Vázquez de Reoyo lo cuenta con mucho humor, de manera visual y orgánica, sin ponerse a impartir un cursillo sobre relaciones tóxicas.
Un corto que funciona como un rayo.
Lo extraordinario de lo cotidiano
Eva Vázquez de Reoyo es una directora y guionista española que combina lo cotidiano con el humor absurdo y el surrealismo.
Entre sus cortometrajes figuran Fuego en el sótano, Love Monster y Mañana sí que sí.
Perros muerden está protagonizado por Marina Salas, cuenta con música de Alberto Iglesias, fue seleccionado para el catálogo Madrid en Corto 2025 y participa en la Sección Oficial del FESCIGU 2026.
Solo ratas (Only Rats) es un cortometraje de animación stop motion realizado con figuritas de peluche.
Paz del Carre cuenta cómo una ardilla cargada de prejuicios se ve obligada a convivir con unas ratas de alcantarilla. Al conocerlas, sus recelos empiezan a derrumbarse.
Esas ratas representan la marginalidad, las vidas quebradas y los proyectos que la sociedad reduce a una sola etiqueta: personas sin hogar.
La ardilla escucha sus historias y termina comprendiendo que su vida no está tan lejos de la de esos roedores a los que primero miraba por encima del hombro.
Un corto muy ilustrativo y de marcado carácter social.
Al final, entre una ardilla y una rata puede que solo haya unos cuantos pelos en la cola.
Detrás de los peluches
Paz del Carre se formó en Diseño y Tecnologías Creativas y desarrolla su carrera como directora y animadora de stop motion.
Su primer cortometraje fue Shame y ha trabajado en Pietra, Carmela y Olivia y el terremoto invisible.
Solo ratas utiliza grabaciones reales de personas sin hogar.
En Animayo 2026 obtuvo los premios al mejor cortometraje independiente y del jurado de Animación con Ñ a la concienciación social.
Un corto profundamente gallego que retrata a esas mujeres que se ocupan del pulpo de principio a fin: lo limpian, lo preparan, lo cuecen, lo trocean y lo venden.
Las pulpeiras lo hacen todo.
Y, además, deben sobrevivir en una Galicia rural dominada por los hombres y por el cacique de turno, capaz de destrozar la vida de una mujer que se está jugando el pan de sus hijos.
Un abuso de poder tan miserable como cotidiano.
Silvia Cachafeiro envuelve la denuncia en un costumbrismo maravilloso.
La romería, el trabajo agotador y las manos de estas mujeres no son una postal bonita, sino el escenario de la dependencia, la injusticia y la lucha por sobrevivir.
Un cortometraje potentísimo y magníficamente ambientado.
El pulpo se corta con tijeras. El caciquismo, por desgracia, cuesta bastante más.
Detrás de las tijeras
Silvia Cachafeiro, nacida en Pontevedra en 1983, se formó en Dirección de Cine en Bande à Part, en Barcelona.
Su anterior cortometraje, Dans le noir, obtuvo el Premio del Público en MECAL y pasó por el Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant.
As maos da pulpeira, producida por Matriuska Producciones, tuvo su estreno mundial en Xociviga en noviembre de 2025.
En 2026 recibió el premio al mejor corto de temática rural en la Mostra de Cinema do Rosal y el premio a la mejor actriz protagonista en Cinemafost.
