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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
La directora Laura García Alonso firma Corredora, que ha presentado en el Festival de Málaga 2026.
No es una cineasta especialmente conocida todavía y su filmografía es muy breve, por lo que esta película funciona prácticamente como carta de presentación.
En bases de datos de cine apenas aparecen trabajos previos relevantes como largometraje, lo que sitúa a Corredora en el terreno de la ópera prima o del primer trabajo con cierta visibilidad dentro del circuito festivalero.
Corredora nos cuenta la historia de Cris, una atleta de élite que vive en un centro de alto rendimiento y cuya especialidad es, básicamente, correr. Correr mucho. Correr siempre. Correr como si le persiguiera algo. Y, en cierto modo, sí: le persigue su propio pasado.
La protagonista está interpretada con bastante naturalidad por Alba Sáez, que da vida a una chica marcada por una tragedia temprana: la muerte de su madre cuando era niña. Desde entonces su vida ha sido una huida constante hacia adelante.
Correr como terapia, correr como anestesia emocional, correr como si el cronómetro pudiera borrar los recuerdos.
Pero el pasado tiene la mala costumbre de volver. Y lo hace en forma de delirios paranoides que se cuelan en su cabeza y que le empujan a comportamientos cada vez más inquietantes.
No estamos ante el típico drama deportivo de superación personal con música épica de fondo. Aquí la carrera es más mental que física.
Alrededor de Cris orbitan dos figuras clave: su hermana, interpretada por Marina Salas, y su padre, al que da vida Álex Brendemühl. Ambos representan esa mezcla de amor, desconcierto y miedo que suele rodear a la enfermedad mental en las familias.
Porque uno de los grandes aciertos de la película es abordar un tema que rara vez se muestra con claridad en el cine: la psicosis y los delirios paranoides.
La película muestra algo muy real: el enfermo muchas veces no reconoce su enfermedad y la sociedad, por su parte, tampoco sabe muy bien qué hacer con ella. A eso se suma otro detalle incómodo pero cierto: los efectos secundarios de la medicación antipsicótica pueden ser muy duros, lo que convierte el tratamiento en una carrera de obstáculos.
Así que Chris sigue corriendo. Corre porque no sabe hacer otra cosa. Corre para intentar dejar atrás una mente que a veces parece ir en su contra.
El resultado es una película interesante, bastante sólida y con un tema de fondo potente.
No es cine de palomitas ni pretende serlo.
Más bien es una historia sobre cómo convivir con una mente que, de vez en cuando, decide jugar en tu contra.
Y sobre lo poco preparada que sigue estando la sociedad para entender algo tan complejo como la enfermedad mental.
En resumen: una película que se ve con interés, que abre un melón incómodo y que recuerda que, a veces, la carrera más dura no es la que se hace en la pista, sino la que ocurre dentro de la cabeza.
Mi puntuación: 7,55/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
El madrileño Víctor García León lleva años moviéndose con bastante soltura en el territorio de la comedia incómoda, esa que mira a la clase media con una mezcla de ironía y mala leche.
Debutó con Más pena que gloria (2001), una película que ya dejaba claro su gusto por los personajes algo perdidos.
Después firmó Selfie (2017), una sátira política muy afilada sobre el hijo pijo de un ministro corrupto que fue muy celebrada en festivales.
También ha trabajado en televisión en series como Vota Juan, Vamos Juan o Venga Juan, donde volvió a demostrar su habilidad para retratar el ridículo humano sin demasiada piedad.
Su cine suele fijarse en personajes bastante patéticos… lo cual, siendo sinceros, nos incluye a casi todos.
Altas capacidades se mueve en el terreno de la comedia social contemporánea, ese territorio en el que uno se ríe… pero también se reconoce un poquito en la pantalla, lo cual siempre da un poco de vergüencilla.
La historia gira alrededor de una pareja interpretada por Marian Álvarez e Israel Elejalde, padres de un niño llamado Fer (Fernando para los documentos oficiales, Fer para el caos cotidiano) que empieza a dar problemas en su colegio público.
La solución que aparece en el horizonte es la típica fantasía aspiracional de cierta clase media: llevar al niño a uno de esos colegios privados carísimos donde, además de educar al crío, parece que también te suben el estatus social automáticamente. Algo así como comprarte un coche de alta gama… pero con uniforme escolar.
En medio de todo este lío aparece el jefe del personaje de Israel Elejalde, interpretado por Juan Diego Botto, que está francamente estupendo haciendo de ese jefe gilipollas que cree que es gracioso. De esos que sueltan bromitas incómodas en la oficina mientras todo el mundo sonríe por compromiso. Cada vez que aparece en pantalla la película gana bastante vida.
Botto demuestra, una vez más, que es un actor magnífico.
La película arranca con una idea bastante potente y con bastante brío.
Parece que va a convertirse en una sátira bastante mordaz sobre el postureo social, esa obsesión moderna por aparentar que tu hijo es un genio, un talento especial o, en el peor de los casos, un incomprendido por el sistema educativo.
Pero poco a poco la cosa se va suavizando. El guion prometía más mala leche de la que finalmente ofrece, y uno se queda con la sensación de que podría haber sido una comedia mucho más afilada.
Lo curioso es que prácticamente todos los personajes son bastante idiotas. No se salva casi nadie. Padres obsesionados con el ascenso social, entornos escolares absurdos, egos inflados… todo el mundo tiene algo de ridículo.
Los únicos personajes que parecen tener algo de sentido común son los padres del personaje de Marián Álvarez, que funcionan como una especie de oasis de cordura dentro del caos.
Y también destaca Natalia Reyes, que interpreta a la viuda de un narco asesinado cuyo hijo, Samu, también estudia en ese mismo colegio. Su personaje aporta un contrapunto curioso y bastante interesante dentro de este microcosmos social.
La película no aburre, avanza con soltura y tiene momentos divertidos.
Pero deja la sensación de que ese guion, que apuntaba maneras muy prometedoras, podría haber dado más de sí.
Eso sí, la idea de fondo está muy bien tirada: vivimos en una sociedad donde el postureo lo invade todo, y donde muchos padres están convencidos de que su hijo es especial, único y extraordinario… aunque a veces lo único extraordinario sea la capacidad de negarse a ver la realidad.
En resumen: Altas capacidades es una comedia simpática y reconocible que se deja ver con agrado, aunque uno sale del cine pensando que podría haber sido bastante más salvaje.
Y quizá también pensando en el grupo de WhatsApp del cole… que da para otra película entera.
Mi puntuación: 5,55/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
La directora marroquí Maryam Touzani se ha convertido en una de las voces más interesantes del cine del Magreb en los últimos años.
Antes de ponerse detrás de la cámara fue actriz y guionista, colaborando estrechamente con Nabil Ayouch.
Como directora llamó mucho la atención con Adam (2019), un delicado drama sobre dos mujeres que conviven en Casablanca, y dio un paso más con El caftán azul (The Blue Caftan, 2022), una película elegante y muy celebrada en festivales que incluso fue la candidata de Marruecos a los Óscar.
Su cine suele moverse en territorios íntimos: personajes heridos, emociones contenidas y conflictos domésticos que terminan diciendo mucho sobre la sociedad en la que viven.
No es una directora de grandes aspavientos; lo suyo es la mirada tranquila y la sensibilidad.
Calle Málaga llega con una buena carta de presentación: pasó por el Festival de Venecia y además fue la película elegida por Marruecos para representar al país en los Premios Óscar. Pero más allá de ese pedigrí festivalero, lo que realmente sostiene la película es un nombre propio: Carmen Maura.
Aquí interpreta a Mari Ángeles, una señora mayor que vive en Tánger, donde nació, hija de españoles y completamente integrada en el barrio. Su universo es pequeño pero muy reconocible: el tendero de confianza, el verdulero, el paseo por la calle y esa sensación maravillosa de pertenecer a un sitio donde todo el mundo te conoce.
Ese lugar se llama Calle Málaga —sí, existe de verdad— y es su pequeño paraíso cotidiano.
Pero claro, el cine vive de los problemas, no de la felicidad estable.
Y el conflicto llega cuando aparece su hija, interpretada por Marta Etura, que está pasando por un divorcio complicado. Necesita dinero y resulta que la casa donde vive la madre está a su nombre porque el padre la puso así en su día.
Traducido al castellano claro: hay que vender la casa.
Y aquí empieza el drama. Porque Mari Ángeles se encuentra de repente con una decisión brutal encima de la mesa: abandonar la casa de su vida, irse a una residencia o trasladarse a Madrid con su hija a un entorno que no conoce y que probablemente le resulte hostil.
La película juega con un tono muy cálido, casi de caricia emocional.
Touzani no busca el melodrama desatado sino algo más suave: la empatía.
Habla de algo bastante universal, esa curiosa ceguera que a veces tienen los hijos cuando creen que la vida de sus padres mayores ya está prácticamente amortizada.
Pero resulta que no.
Porque incluso en la tercera edad se puede seguir viviendo, eligiendo, riendo… e incluso enamorándose. Y eso le ocurre a Mari Ángeles cuando aparece en su vida un anticuario que le devuelve una chispa que parecía apagada.
El ritmo es tranquilo, sosegado, de esos que hoy en día algunos espectadores llaman “lento” y otros llaman “civilizado”.
Es una película tierna, amable y sin demasiadas pretensiones, pero precisamente ahí está su encanto: no intenta epatar, intenta emocionar.
Y lo consigue.
Además, Carmen Maura está magnífica. Tiene esa mezcla de ironía, fragilidad y carácter que hace que el personaje resulte absolutamente creíble.
Después de la proyección en el Festival de Málaga, en la rueda de prensa estuvo encantadora y dejó una frase muy sensata: para ella lo importante es que las películas las vea la gente, porque hacer cine para que nadie lo vea no tiene demasiado sentido.
No le falta razón.
Calle Málaga termina con un final abierto que deja flotando la pregunta sobre qué significa realmente “tener un hogar”.
Y sales del cine con la sensación de haber visto una historia pequeña… pero muy humana.
Ojalá encuentre su público. Porque es de esas películas que no hacen ruido, pero dejan buen sabor de boca.
Y en estos tiempos de explosiones digitales y superhéroes musculados, eso casi se agradece.
Mi puntuación: 7,67/10.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Ernst Lubitsch (1892-1947) fue uno de los grandes maestros del cine clásico, nacido en Berlín y posteriormente figura clave en Hollywood.
Empezó como actor y director en el cine alemán mudo, donde ya destacó con comedias sofisticadas y operetas filmadas.
En los años veinte se trasladó a Estados Unidos y se convirtió en uno de los directores más elegantes de la comedia hollywoodiense.
Su estilo refinado y lleno de insinuaciones dio lugar a lo que se llamó el famoso “toque Lubitsch”.
Entre sus películas más celebradas están Ninotchka (1939), El bazar de las sorpresas (1940) y Ser o no ser (1942).
Lubitsch dominaba como pocos el arte de sugerir más que mostrar, con un humor inteligente y muy europeo.
Su influencia en la comedia romántica y en el cine sofisticado sigue siendo enorme.
Ser o no ser (1942), dirigida por Ernst Lubitsch, tuvo un impacto social muy peculiar porque se estrenó en plena Segunda Guerra Mundial, cuando el nazismo estaba en su momento de mayor poder en Europa.
La película utilizaba la comedia y la sátira para ridiculizar a Hitler y al aparato nazi, algo que en 1942 resultaba bastante atrevido. De hecho, a algunos espectadores y críticos de la época les pareció inapropiado bromear con un tema tan trágico mientras la guerra estaba en curso.
Sin embargo, con el paso del tiempo la película se convirtió en un ejemplo brillante de cómo el humor puede ser una herramienta política poderosa.
Lubitsch desmontaba la solemnidad del nazismo mostrando a los jerarcas como personajes ridículos y mediocres, lo que tenía un claro efecto desmitificador.
Además, la película también fue significativa porque defendía el papel del teatro, la cultura y la inteligencia frente al totalitarismo.
Los protagonistas, una compañía teatral polaca, utilizan precisamente la interpretación y el engaño escénico para burlar a los nazis.
Hoy Ser o no ser se considera una de las grandes sátiras políticas de la historia del cine y una demostración de que incluso en los momentos más oscuros el humor puede ser una forma de resistencia.
Poco se puede decir de Ser o no ser que no se haya dicho ya. Una de las mejores comedias de la historia del cine.
Diálogos ingeniosos, divertidos, dichos a velocidad de vértigo. Con un ritmo impresionante. Sin que la trama decaiga en ningún momento.
Actores en estado de gracia.
Frases memorables. Hemos hecho con Polonia lo mismo que Joseph Tura hizo con Hamlet.
Es un gran homenaje a los actores de teatro. ¿Quién mejor que ellos para interpretar una trama de espías?
Carole Lombard está maravillosa es el núcleo de la trama y el único personaje femenino. Fue su última peli. Murió en un accidente aéreo después de regresar de una gira de venta de bonos de guerra. Lógicamente la frase de “¿Qué puede suceder en un avión?” fue eliminada de la película.
Miriam Hopkins fue la elección original de Maria Tura. Carole Lombard interpretó el papel a pesar de la intensa oposición de su marido, Clark Gable.
Después de terminar el rodaje, Carole Lombard dijo a mucha gente que esta película fue la experiencia más feliz de su carrera de principio a fin.
Cuando el padre de Jack Benny fue a ver esta película, se indignó al comprobar a su hijo con uniforme nazi en la primera escena y salió de la sala.
Cuando estalla la guerra en Polonia hay una escena donde lápidas son destruidas por los bombardeos de las fuerzas alemanas. Una de las tumbas de piedra que se rompe tiene el nombre de “Benjamin Kubelsky“, el nombre de nacimiento de Jack Benny.
Según el libro ‘The United Artists Story‘ de Ronald Bergan: “Desafortunadamente, en su lanzamiento, Pearl Harbor había sido atacado, Alemania estaba barriendo a toda Europa, y la estrella de la película, Carole Lombard, murió en un accidente aéreo. Por tanto, ni los críticos, ni los públicos estaban de humor para reír, encontraron la película de mal gusto y cruel. A través de los años, sin embargo, recuperó sus costes de producción y se convirtió en un clásico”.
Ernst Lubitsch era judío, nacido en Rusia pero nacionalizado alemán, se trasladó a EE.UU. a los treinta años. Fue guionista, actor, productor pero su faceta más conocida fue la de director de más de 70 películas. Supo imprimir a todas sus obras de un carácter especial, lo que se ha dado en llamar el toque Lubitsch.
Como decía su colega y admirador Billy Wilder: “durante veinte años todos nosotros intentamos encontrar el secreto del toque Lubitsch. De vez en cuando, con un poco de suerte, lográbamos algún que otro metro de película que brillaba momentáneamente como si fuera de Lubitsch, pero no era realmente suyo”.
El toque Lubitsch era como el aroma de un buen vino que todo el mundo detecta y degusta pero que nadie acierta a explicar del todo. Estaba compuesto por un argumento elegante y sofisticado, por un refinamiento que se deslizaba a menudo hacia la ironía fina. En cada escena era tanto lo que se sugería como lo que se mostraba y, en muchas de sus películas, subyacía un erotismo tan sutil, que los censores nunca podían cortarlo, porque no se puede cortar un aroma.
Eran las de Lubitsch comedias de apariencia ligera pero que deslizaban un compromiso moral y social.
El 13 de marzo de 1947, Hollywood le dedicó un Oscar especial por toda su carrera. En el escenario sufrió un súbito dolor en el pecho. Logró recuperarse, pero ocho meses más tarde otro ataque al corazón acabó con él. Tenía 55 años.
Cuando terminó el entierro, Billy Wilder le comentó con tristeza al director William Wyler: “Se acabó Lubitsch”. Y Wyler replicó: “Peor aún, se acabaron las películas de Lubitsch”.
No recuerdo cuando fue la primera vez que vi esta peli, pero desde luego fue en mi infancia en televisión. En casa la hemos visto en muchas ocasiones. Me sé las escenas y tengo risa anticipatoria, me parto antes de tiempo porque sé lo que va ocurrir.
Se ha injuriado a Lubitsch calificando de ligera una comedia sobre la ocupación alemana de Polonia. A mí me parece que la mejor manera de vencer a la fuerza bruta de las armas y a la sinrazón de la violencia es con la inteligencia del humor y la ironía.
Mi puntuación: 10/10.
Dirigido por Ernst Lubitsch:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Programa semanal para radio y televisión dedicado al cine y a las series.
Coordinado por José Luis Solano y con la presencia del productor y cinéfilo Diego Gismero y con la del crítico de cine Ramón Bernadó.
Espacio grabado en Zoom para Alcarria TV y EsRadio Guadalajara.
Se analizan las películas que son estrenadas en los Multicines Guadalajara y las series de todas las plataformas de streaming.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.
Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.
Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.
Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.
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The Rocky Horror Picture Show o cuando el cine decidió ponerse corsé, medias de rejilla… y perder la vergüenza para siempre.
El director
El responsable de este delirio maravilloso es Jim Sharman, director australiano más conocido por su trabajo en teatro que por una extensa carrera cinematográfica.
De hecho, The Rocky Horror Picture Show (1975) es, con diferencia, su película más famosa y la que lo convirtió en una figura de culto.
Antes había dirigido Shirley Thompson vs. the Aliens (1972), una rareza de ciencia ficción bastante olvidada.
Pero su verdadero terreno era el escenario: Sharman había dirigido en teatro el musical original The Rocky Horror Show, escrito por Richard O’Brien, y fue precisamente él quien llevó esa locura escénica al cine.
Después su carrera en el cine fue bastante irregular, con títulos como The Night the Prowler (1978).
Pero nada volvió a alcanzar el impacto cultural de esta película, que terminó convirtiéndose en una de las mayores obras de culto de la historia del cine.
Vamos, que hizo una y le salió inmortal.
Cutrecomentario
En la Academia de Cine tocaba sesión especial y allí apareció uno acompañado de su adorada Gema para ver The Rocky Horror Picture Show.
Una película mítica, legendaria, de culto absoluto… y que, sorprendentemente, nunca había visto entera.
Eso sí, trozos había visto miles: números musicales, escenas sueltas, comentarios, homenajes y esas performances delirantes que cada año montan los fans.
Porque esta película tiene ya más de cincuenta años y sigue generando auténticos rituales colectivos. No muchas pueden decir lo mismo.
La Academia organizaba el pase con toda la lógica del mundo: una de sus protagonistas es una jovencísima Susan Sarandon, que este año ha recibido el Goya de Honor Internacional. Así que era una buena excusa para revisitar el asunto.
Y lo cierto es que la película sigue funcionando estupendamente.
Es una gamberrada monumental.
Un musical descarado, provocador, muy libre y absolutamente hijo de su tiempo.
Un cine que quiere romper moldes y divertirse con ello.
Si hubiera que definirla de forma rápida, sería algo así como The Rocky Horror Picture Show mezclando ciencia ficción serie B, sexualidad desatada y números musicales pegadizos.
La historia arranca con una pareja de novios bastante inocentes que acaban en un castillo donde vive el inolvidable Dr. Frank-N-Furter, interpretado por un desatado Tim Curry, que directamente se come la pantalla.
Lo que ocurre a partir de ahí es un festival de excesos, humor, provocación y canciones que se te quedan pegadas al cerebro como un chicle en una suela.
La película celebra el sexo, la libertad, lo raro, lo extravagante y lo que en los años setenta todavía escandalizaba bastante. Y lo hace con una alegría contagiosa. Hay momentos verdaderamente hilarantes.
Los números musicales funcionan de maravilla.
Canciones como “Time Warp” o “Sweet Transvestite” se convirtieron en auténticos himnos y hoy forman parte de la cultura popular.
Y luego están los actores: Tim Curry está sencillamente fabuloso, absolutamente desatado.
Susan Sarandon, jovencísima, ya apuntaba maneras.
Y el resto del reparto entra perfectamente en este carnaval de extravagancias.
Los decorados son de cartón piedra, sí. Pero eso forma parte del juego.
La película no pretende realismo: pretende diversión. Y lo consigue.
Uno sale del cine con la sensación de haber visto algo muy libre, muy divertido y muy poco frecuente hoy en día. Ese tipo de cine que simplemente quiere que el público se lo pase bien.
Cine gamberro del bueno. Del que ya se hace poco.
Por cierto, no consta que Carlos Boyero haya escrito específicamente sobre esta película.
Pero uno sospecha que probablemente diría algo parecido a: “no es mi tipo de fiesta”.
Algunas curiosidades del fenómeno
La película fracasó en su estreno en 1975. Sí, fracasó. Pero empezó a proyectarse en sesiones de medianoche en cines de Estados Unidos y se convirtió en un fenómeno de culto imparable.
Es el film que más tiempo ha permanecido en cartelera de forma continuada en la historia del cine. Décadas proyectándose en pases nocturnos.
En muchas proyecciones los espectadores van disfrazados, cantan las canciones y participan activamente en la película. Es casi más un espectáculo que una proyección.
Tim Curry ya interpretaba al Dr. Frank-N-Furter en el musical original de teatro, y repitió el papel en el cine.
Durante el rodaje, Susan Sarandon enfermó de neumonía porque muchas escenas se rodaron empapada y con frío.
El creador del musical y actor en la película, Richard O’Brien, ideó la historia como un homenaje a las películas de terror y ciencia ficción de serie B de los años 50.
En resumen: una película irrepetible, provocadora, divertida y absolutamente libre.
Y eso, en el cine, siempre se agradece. Aunque te obligue a salir del cine con ganas de bailar el Time Warp. Y eso ya no hay quien lo evite. 💃🕺
Mi puntuación: 8,55/10.
Dirigido por Jim Sharman:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Cómo pasar de cabreado profesional a persona decente gracias a un cura con paciencia infinita.
El director
El francés Éric Besnard no es ningún recién llegado. Lleva años moviéndose con soltura en el cine histórico y en ese cine francés de época que parece rodado entre pan recién hecho, barro y dignidad humana.
Empezó como guionista —por ejemplo en Babylon A.D. (2008), de Mathieu Kassovitz—, pero donde realmente ha brillado es como director.
Entre sus películas más conocidas están Le Goût des merveilles (2015), la estupenda Delicioso (Délicieux, 2021), ambientada en el nacimiento de la restauración moderna en Francia, y Louise Violet (2024).
Besnard suele apostar por historias humanistas, personajes que buscan redención y una puesta en escena muy pegada a la tierra.
Nada de artificios innecesarios: barro, campo, personas y conflictos morales. Vamos, lo que le va perfecto a Victor Hugo.
Cutrecomentario
Esta Los miserables: el origen se centra en la primera etapa del personaje de Jean Valjean, cuando todavía es básicamente un señor cabreado con la humanidad.
No es para menos: acaba en la cárcel por un delito injusto y sale de allí convertido en una mezcla entre animal herido y bomba emocional a punto de estallar.
La película arranca precisamente en ese punto: un tipo que ha perdido la fe en todo y que ve el mundo como un sitio donde lo único que merece la pena es devolver los golpes.
Pero claro, entonces aparece el famoso obispo que le da cobijo. Y ahí está el corazón de la historia: el momento en que una persona puede elegir entre seguir siendo un cabrón resentido o intentar convertirse en alguien decente.
No es un dilema menor. Básicamente es la eterna pregunta: ¿somos lo que nos hacen o lo que decidimos ser?
La película plantea esa idea con bastante inteligencia.
No es una versión histérica ni melodramática.
Besnard opta por un tono bastante sobrio, incluso naturalista.
Mucho exterior, paisajes que huelen a campo francés del siglo XIX y decorados que parecen reales, no de cartón piedra.
Se agradece: aquí no hay sensación de parque temático histórico.
Además, la narración está muy bien estructurada. Va directa al conflicto moral del personaje sin ponerse demasiado solemne. Algo que, tratándose de Victor Hugo, ya es mérito.
Otra cosa interesante es que no intenta competir con otras versiones de Los miserables. Y menos todavía con el musical cinematográfico Los miserables (2012) de Tom Hooper, que jugaba a otra liga completamente distinta: canciones, lágrimas y primeros planos sudorosos.
Aquí la apuesta es otra: contar el origen del personaje con un tono más contenido, más adulto, casi reflexivo.
Una película pensada para un público que disfruta de los dilemas morales más que de los numeritos musicales.
Y lo cierto es que funciona. Porque cuando una historia habla de algo tan básico como la posibilidad de elegir entre ser buena persona o convertirse en un psicópata resentido… siempre resulta interesante.
En resumen: una adaptación sobria, bien rodada, con un aire muy naturalista y que podría ser perfectamente el arranque de una saga dedicada a Los miserables. Y si siguen por este camino, no sería mala idea.
Por cierto, no me consta que Carlos Boyero haya escrito todavía sobre esta película. Aunque uno se lo imagina diciendo algo así como: “no está mal, pero sigo prefiriendo cuando Jean Valjean canta”. Y tampoco sería raro. 😏
#YoVoyAlCine
Mi puntuación: 7,66/10.
Dirigido por Éric Besnard:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Barcelona es un decorado natural. Eso ya lo sabíamos. Pero vestida de Goya, con su brisilla fresca y su cielo de “mejor ponte bufanda”, tenía ese punto de ciudad europea encantada de haberse conocido.
Susan Sarandon, Goya Internacional de Honor, dijo que era la mejor ciudad española por su gente, sus museos, su arquitectura y su gastronomía. Vamos, que si le dan cinco minutos más, se empadrona en Gràcia.
No desaproveché la ocasión de visitar la Sagrada Familia, que ya luce su torre central. Impresiona. Sales de allí con tortícolis y cierta sensación de insignificancia existencial. El día no acompañaba mucho para pasear, pero cayeron kilómetros como si estuviera entrenando para la San Silvestre Vallecana.
Eso sí: me llamó poderosamente la atención el despliegue policial. Mossos por todas partes. En el tren desde Atocha —con agentes recorriendo vagones como si buscaran a alguien que hubiera ganado un Goya sin estar nominado— y un festival de furgones en los alrededores del auditorio. Supongo que la presencia del presidente del Gobierno ayudó a que aquello pareciera más una cumbre internacional que una gala de cine.
La gran vencedora moral y artística fue Alauda Ruiz de Azúa con Los domingos, que se llevó los premios gordos: película, dirección, guion, actriz protagonista para Patricia López Arnaiz y actriz de reparto para Nagore Aranburu. Cinco Goyas de los que pesan.
Es verdad que Sirat acumuló seis, pero más en el terreno técnico. Mucho mérito también, pero ya sabemos cómo funciona esto: el titular se lo lleva quien conquista el trío dirección-película-guion.
En su discurso, Ruiz de Azúa recordó a Isabel Coixet y Pilar Miró, subrayando lo excepcional que sigue siendo que una mujer gane el Goya a mejor dirección. Y ahí el aplauso fue sincero.
Ojo a Miriam Garlo, hermana de la directora y protagonista, que se llevó el Goya a actriz revelación.
Y mención especial a Álvaro Cervantes, premiado por Sorda, que aprovechó para hablar de discapacidad con naturalidad y elegancia. Me alegré muchísimo por él… y lamenté que su hermana, Ángela, no se llevara el cabezón por La furia, porque estaba extraordinaria. Pero bueno, si lo ganó Patricia López Arnaiz, tampoco vamos a quejarnos demasiado.
Y el Goya a mejor actor protagonista fue para José Ramón Soroiz por Máspalomas, encarnando a ese anciano homosexual lleno de matices. Discurso en euskera, breve y contenido. Milagro en la tierra.
Duró hora y cuarto menos que la del año pasado. ¿El motivo? Agradecimientos comprimidos. Nadie hizo la lista telefónica de Albacete. Incluso José Ramón Soroiz, que prometía discurso enciclopédico, fue conciso. Bien.
El problema no fue la duración. Fue el contenido. Mucha ristra de nombres sin relato. Mucho “gracias a todos” sin que sepamos muy bien a qué.
Los presentadores, Rigoberta Bandini y Luis Tosar, no estuvieron finos.
Guion flojísimo, cero chispa.
Todo muy plano.
El único momento con algo de vida fue el discurso institucional de Fernando Méndez-Leite, que coló la única broma decente de la noche.
Muy bien Susan Sarandon, generosa con España y hasta con su presidente.
Elegante Gonzalo Suárez en su intervención, con Maria de Medeiros entregando el Goya de Honor.
Y siempre estimulante escuchar a Albert Serra, que tiene más personalidad que la mitad del patio de butacas junto.
Pero, en conjunto, gala aburrida.
Más corta, sí. Más vibrante, no.
Si el año pasado las actuaciones tuvieron más brillo que una chaqueta de lentejuelas, este año se quedaron en notable raspadito.
El arranque fue con Rigoberta Bandini y Luis Tosar, apareciendo desde detrás del escenario con Hoy puede ser un gran día. Ella tirando de potencia vocal, que la tiene. Él… bueno, digamos que actuar se le da mejor que afinar. Fue un inicio digno, simpático, sin fuegos artificiales.
Uno de los momentos más bonitos llegó con Tu Mirá. Alba Molina y Ángeles Toledano, acompañadas por 14 niños de la Escolania del Orfeó Català, se marcaron una versión emocionante del clásico de Lole y Manuel. Aquí sí hubo duende, sensibilidad y un montaje escénico impecable. Para mí, la mejor actuación de la noche. Vibró todo. Hasta los que estaban mirando el móvil, que no eran pocos.
Cerca de la medianoche apareció el combo pop: Ana Mena junto a La Casa Azul, mezclando español e italiano en una versión muy particular de La Bamba (con ese aire eurovisivo que siempre entra bien a esas horas). Correcto, vistoso, pero sin hacer historia.
El bloque catalán tuvo doble homenaje:
Bad Gyal con Arrels de Gràcia reivindicando la rumba barcelonesa al estilo Gato Pérez, y la propia Rigoberta Bandini interpretando Tot cor, del mallorquín Tomeu Penya, en catalán. Fue un guiño claro a la sede y a la identidad cultural del lugar.
Y luego llegó el momento serio: el In Memoriam. Este año ha sido especialmente doloroso para la Academia; una auténtica sangría de nombres ilustres.
Belén Aguilera y Dani Fernández interpretaron Si te vas mientras desfilaban los rostros de quienes nos dejaron. Silencio respetuoso y alguna lágrima furtiva.
Un homenaje, también, a Roberto Iniesta.
Belén comenzó la actuación, que subió de nivel cuando Roberto entró en escena. Es una pena porque ella no se le entendía la potente letra de una estupenda canción.
En conjunto, actuaciones bien resueltas, aunque sin la chispa memorable de otras ediciones.
Eso sí, imagino a Susan Sarandon con el Goya Internacional en la mano, mirando a su alrededor mientras sonaba flamenco y rumba catalana a todo trapo, y pensando: “Vale, esto en Hollywood no lo tengo cada domingo”.
Y oye, por eso también molan los Goya.
Este año en Barcelona los Premios Goya han estado salpicados de mensajes políticos. Que si Free Palestine por aquí, que si discursos sobre genocidios y guerras por allá… El cine español se manifiesta, como ha hecho casi siempre.
Desde la alfombra roja hubo actores y actrices con pin de solidaridad con Gaza y mensajes pidiendo el fin de la violencia, y se notó que el conflicto israelo-palestino fue el tema recurrente de la noche.
En el escenario fueron frecuentes las referencias a conflictos internacionales.
La noche se convirtió en un altavoz moral.
Pero claro, las reacciones no fueron unánimes: hubo quien habló de “propaganda” y de empacho de consignas, y hasta comentarios que insinuaban que quizá sobraba pancarta en una gala que, en teoría, iba de cine.
Al final, el debate quedó servido: ¿son los Goya un escenario legítimo para posicionamientos públicos? ¿O debería haber más focos en las películas que en las banderas?
Como dijo hace poco Ana Belén (aunque hablando de cine y política en general), “todo es político, incluso la vida cotidiana”.
Guste o no, en esta edición los discursos, las intervenciones y los símbolos políticos tuvieron bastante protagonismo.
Aquí hay que decirlo claro: organización deficiente.
Llegada de autobuses caótica, entrada con aglomeración impropia de un evento de este nivel.
Nada que ver con la calidez y el orden de Granada o Valladolid en años anteriores.
La fiesta posterior —3.500 invitados, que se dice pronto— parecía una macrodiscoteca industrial.
Música altísima, imposible conversar sin dejarse las cuerdas vocales.
Catering más flojo que en otras ediciones. Y no es una opinión aislada: era comentario generalizado entre académicos.
Barcelona no transmitió el calor popular que sí se vivió en otras sedes. Más protocolo que pasión.
Recorrimos la nave entera, como quien hace inspección técnica del cotilleo.
No vimos a todos los amigos que queríamos, pero sí nos encontramos con Diego Ferro, siempre simpático, siempre cercano.
Pudimos felicitar a Álvaro Cervantes y transmitirle nuestra admiración (y nuestra pequeña espinita por su hermana).
Conversamos un rato con Oliver Laxe, director de Sirat, entrañable y sincero como siempre.
Y cuando ya nos íbamos, apareció Albert Serra. Le expresé mi admiración y se arrancó con charla larga: próximo proyecto casi terminado, reparto internacional, temas de actualidad… y objetivo claro: Cannes. Muy francés él. Y muy querido allí. No me extrañaría verlo en la Croisette.
Viaje agotador, sí. Horas intensas, también. Pero participar en la gran fiesta anual del cine español sigue siendo un privilegio.
Aunque la gala sea aburrida. Aunque el catering flojee. Aunque haya más Mossos que chistes.
Al final, estar allí compensa. Porque el cine —cuando es bueno— siempre merece la pena. Y el Goya, con sus luces y sus sombras, sigue siendo nuestro gran ritual colectivo.
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Cuando hablamos de “riesgo cardiovascular” nos referimos a la probabilidad de sufrir eventos como infarto de miocardio, ictus o enfermedad arterial periférica a lo largo de los años.
La analítica no lo dice todo (la tensión arterial, el tabaco, la edad, el peso, la actividad física y los antecedentes familiares pesan muchísimo), pero sí aporta piezas clave: colesterol “malo” y compañía, azúcar, riñón, inflamación… y algunos marcadores “extra” que afinan el tiro cuando hay dudas.
En este artículo te explico qué parámetros analíticos se usan con más frecuencia como referencia del riesgo cardiovascular, qué significa cada uno y cómo se interpretan en la vida real (sin necesidad de un máster en bioquímica).
Aviso importante: los “rangos normales” de laboratorio no son lo mismo que los “objetivos” en prevención cardiovascular.
Una persona con alto riesgo (por ejemplo, con diabetes o con un infarto previo) puede necesitar objetivos mucho más estrictos aunque su analítica “salga dentro de rango”.
La aterosclerosis (placas en las arterias) se alimenta, sobre todo, de lipoproteínas que transportan colesterol.
Por eso el bloque lipídico es la piedra angular. (Sociedad Europea de Cardiología)
Es la suma de varias fracciones (principalmente LDL + HDL + parte de triglicéridos). Por sí solo orienta poco: puede estar “bien” con un LDL alto si el HDL también es alto, y viceversa.
Se usa más como punto de partida y para calcular otros parámetros derivados (como el colesterol no-HDL).
Es el objetivo principal en la mayoría de estrategias de prevención porque bajar LDL reduce eventos cardiovasculares de forma consistente. (Sociedad Europea de Cardiología)
Qué significa en términos de riesgo: a mayor LDL, más material circulando con capacidad de entrar en la pared arterial y formar placa.
Detalle importante: en prevención no se trata de “normal vs anormal”, sino de “cuanto más riesgo, más bajo debe ser el LDL objetivo”.
Aquí conviene insistir en algo que genera mucha confusión: no es lo mismo “estar en rango normal” que “estar en objetivo cardiovascular”.
Un laboratorio puede marcar como normal un LDL por debajo de 130 mg/dL. Sin embargo, una persona que ya ha tenido un infarto puede necesitar un LDL por debajo de 55 mg/dL.
Es decir: el número que buscamos depende del riesgo global del paciente.
Cuanto mayor es el riesgo, más bajo debe ser el LDL objetivo.
No hablamos de normalidad estadística, sino de prevención personalizada.
Durante años se pensó “cuanto más HDL, mejor”.
Hoy se sabe que el HDL alto no siempre protege, y que subir HDL con fármacos no equivale a reducir riesgo.
Aun así, un HDL bajo suele acompañar a síndrome metabólico y resistencia a la insulina, y por eso se considera un marcador útil del contexto metabólico.
Los triglicéridos altos suelen reflejar un “ambiente” metabólico que favorece el riesgo: exceso de calorías, alcohol, resistencia a la insulina, hígado graso, etc.
Además, cuando los TG están elevados, el LDL calculado puede ser menos fiable, y por eso gana peso medir colesterol no-HDL o ApoB (más abajo). (OUP Academic)
Se calcula fácil: no-HDL = colesterol total – HDL.
Ventaja: agrupa todas las partículas potencialmente aterogénicas (no solo LDL) y es especialmente útil cuando hay triglicéridos altos.
Se está usando cada vez más como objetivo secundario. (ScienceDirect)
La ApoB es, simplificando, “el número de partículas” aterogénicas (LDL, VLDL, IDL, etc.). Dos personas pueden tener el mismo LDL pero distinto número de partículas, y eso cambia el riesgo.
Cuándo es más útil: triglicéridos altos, diabetes, obesidad, síndrome metabólico o LDL muy bajo por tratamiento (situaciones en las que LDL-C puede engañar). (OUP Academic)
En guías americanas se considera ApoB elevada un factor “potenciador” del riesgo (risk-enhancing factor) cuando está alta. (portailvasculaire.fr)
Para entenderlo mejor: el LDL mide cuánta “carga de colesterol” hay dentro de las partículas. La ApoB mide cuántas partículas hay circulando.
Es como contar camiones frente a medir el peso total transportado. Puedes tener pocos camiones muy cargados o muchos camiones medianamente cargados.
Desde el punto de vista de la pared arterial, lo que importa es cuántas partículas impactan contra ella.
Por eso, en personas con síndrome metabólico o triglicéridos altos, la ApoB puede reflejar mejor el riesgo real que el LDL aislado.
La Lp(a) es una lipoproteína parecida al LDL, muy influida por genética.
Si está alta, aumenta el riesgo cardiovascular, incluso con el resto “bien”.
Puntos prácticos:
Se recomienda medirla al menos una vez en la vida en adultos, sobre todo si hay antecedentes familiares de infarto precoz o colesterol muy alto. (Lp(a) Forum)
Umbrales usados en práctica clínica: ≥50 mg/dL (o equivalente en nmol/L según el laboratorio) suele considerarse claramente relevante como “modificador” de riesgo. (AHA Journals)
Sin entrar en diagnósticos aquí, un LDL muy alto (por ejemplo ≥190 mg/dL) obliga a pensar en hipercolesterolemia familiar o similar y se asocia a riesgo elevado. Esto tiene implicaciones terapéuticas claras en guías. (Bệnh viện Tim Tâm Đức)
La glucosa crónicamente alta daña vasos, favorece inflamación, disfunción endotelial y acelera aterosclerosis.
La diabetes, además, suele venir acompañada de dislipemia aterogénica y más riesgo renal.
Es una foto puntual. Útil para cribado, pero puede variar por estrés, enfermedad intercurrente, sueño, medicación, etc.
Es una “media” aproximada de glucosa de los últimos 2–3 meses. Muy útil para detectar diabetes/prediabetes y para seguimiento.
Criterios diagnósticos y rangos (de forma resumida): HbA1c elevada y/o glucosa en ayunas elevada (y otras pruebas como la sobrecarga oral). (diabetesjournals.org)
En consulta se usa a veces para estimar resistencia a la insulina, pero no es un estándar universal para “medir riesgo cardiovascular” y depende mucho del contexto. Puede orientar, pero no sustituye a los marcadores clínicos y al perfil metabólico completo.
En prevención cardiovascular, el riñón no es un actor secundario. Una función renal reducida o la presencia de albúmina en orina aumentan riesgo cardiovascular de forma independiente. (repositorio.uam.es)
El riñón y el corazón están íntimamente conectados.
Cuando el riñón empieza a fallar, aunque sea levemente, se activan mecanismos hormonales y vasculares que favorecen hipertensión, inflamación y rigidez arterial.
Además, la albuminuria no es solo un problema renal: es un marcador de daño endotelial generalizado. Si el riñón “pierde” albúmina, es probable que el resto del sistema vascular también esté sufriendo.
Por eso una albuminuria aparentemente pequeña puede multiplicar el riesgo cardiovascular incluso si el colesterol está aceptable.
La creatinina se usa para estimar el eGFR. Un eGFR bajo mantenido sugiere enfermedad renal crónica, y eso eleva el riesgo vascular. (kdigo.org)
La albuminuria (albúmina en orina) es un marcador de daño vascular y renal. En guías renales se clasifica así, de forma resumida:
A1: <30 mg/g
A2: 30–300 mg/g
A3: >300 mg/g (kdigo.org)
En prevención cardiovascular, una ACR elevada (≥30 mg/g) ya es una señal potente de riesgo aumentado. (repositorio.uam.es)
La inflamación crónica de bajo grado se asocia a aterosclerosis y a eventos. No es “la causa única”, pero sí un modulador importante.
Es la PCR medida con método sensible para valores bajos. No sirve para diagnosticar infarto (eso es otra historia), sino para afinar riesgo en prevención, especialmente en perfiles intermedios.
En guías y documentos clínicos se considera hs-CRP ≥2 mg/L como “factor potenciador” del riesgo en prevención primaria, siempre interpretándolo con cabeza (si tienes una infección o inflamación aguda, se dispara y no vale para esto). (American College of Cardiology)
La hs-CRP no sustituye al colesterol ni a la tensión arterial. Es un afinador.
Su utilidad está especialmente en personas con riesgo intermedio, donde no está claro si conviene intensificar tratamiento.
No es un marcador específico del corazón, sino del estado inflamatorio sistémico. Por eso siempre debe interpretarse fuera de infecciones, procesos agudos o brotes inflamatorios.
El hígado graso asociado a disfunción metabólica suele ir de la mano de resistencia a la insulina, triglicéridos altos y mayor riesgo cardiovascular.
La analítica hepática no “mide riesgo” directamente, pero ayuda a ver el paisaje.
Pueden estar normales con hígado graso (ojo), pero cuando están elevadas de forma persistente en el contexto típico, apoyan la sospecha de problema metabólico. Esto importa porque el “paquete metabólico” es el que sube riesgo.
Se asocia a hipertensión, síndrome metabólico y eventos cardiovasculares en estudios observacionales.
Pero una cosa es asociación y otra “que bajarlo por bajarlo” reduzca eventos en asintomáticos: ahí la evidencia y las recomendaciones son más prudentes.
En resumen: puede ser marcador de contexto, no un objetivo universal de prevención. (Sociedad Europea de Cardiología)
Es un marcador asociado a riesgo en algunos escenarios, pero los ensayos de bajar homocisteína con vitaminas no han demostrado beneficios claros en la mayoría de pacientes para prevenir eventos cardiovasculares. Por eso no se recomienda de rutina como “medidor” de riesgo general. (American College of Cardiology)
No es un marcador clásico de riesgo cardiovascular, pero hipotiroidismo no controlado puede empeorar perfil lipídico y favorecer ganancia de peso. Se pide si hay sospecha clínica o alteraciones compatibles.
Para un adulto en control de salud o en consulta de prevención, suele tener sentido:
Perfil lipídico completo: colesterol total, LDL, HDL, triglicéridos
Cálculo de no-HDL (sale solo con total y HDL)
Glucosa en ayunas y/o HbA1c
Creatinina con eGFR
Orina: ACR (albúmina/creatinina)
Según el caso: ApoB, Lp(a), hs-CRP
La clave no es pedir “todo a lo loco”, sino pedir lo que cambia decisiones: por ejemplo, Lp(a) para detectar riesgo hereditario oculto, ApoB si hay triglicéridos altos o síndrome metabólico, o hs-CRP si estás en zona gris y necesitas afinar. (American College of Cardiology)
Primero se estima el riesgo global con datos clínicos (edad, sexo, tensión arterial, tabaco, antecedentes, etc.).
Luego la analítica completa el mapa: si el LDL/ApoB/no-HDL están altos, el riesgo “aterogénico” sube; si hay diabetes (glucosa/HbA1c), el riesgo se multiplica; si hay albuminuria o eGFR bajo, sube mucho; si Lp(a) está alta, puede justificar una prevención más intensiva aunque lo demás parezca correcto. (repositorio.uam.es)
Y al final se traduce a acciones: cambios de estilo de vida, control de presión arterial, y cuando toca, tratamiento hipolipemiante y abordaje del metabolismo. (La analítica es el cuadro de mandos, no el volante).
Si tuviera que resumirlo en tres ideas muy claras:
El colesterol importa, pero no es el único actor.
El azúcar y el riñón cambian radicalmente el riesgo.
No se trata de un número aislado, sino del conjunto.
La analítica no predice el futuro con certeza, pero sí nos da margen para intervenir antes de que aparezcan los eventos.
Si tuviera que resumirlo en una frase para el público general: el riesgo cardiovascular no se decide por un número suelto, sino por el conjunto, y la analítica te da pistas muy buenas sobre “cuánta gasolina” le estás echando a la aterosclerosis y si hay factores silenciosos (como el riñón o la Lp(a)) que están empujando por detrás.
European Society of Cardiology (ESC). Artículo de práctica clínica sobre objetivos y estrategias en dislipemia. (Sociedad Europea de Cardiología)
ESC. Página de guías de dislipemias (actualización enfocada 2025) y mención de Lp(a) como modificador de riesgo. (Sociedad Europea de Cardiología)
American College of Cardiology (ACC). Actualización práctica sobre Lp(a) y umbrales usados por guías. (American College of Cardiology)
ACC/AHA 2019 Guideline on the Primary Prevention of Cardiovascular Disease (factores “risk-enhancing”, incluyendo Lp(a) y ApoB). (AHA Journals)
American Diabetes Association (ADA). Standards of Care 2025: diagnóstico y clasificación (HbA1c, glucosa, OGTT). (diabetesjournals.org)
KDIGO 2024 Clinical Practice Guideline for CKD: categorías de albuminuria A1–A3 y su interpretación. (kdigo.org)
Revisión sobre CKD como factor de riesgo cardiovascular y papel de eGFR/albuminuria en evaluación de riesgo. (repositorio.uam.es)
High-sensitivity CRP como “risk enhancer” (síntesis y revisión con referencia a guías). (American College of Cardiology)
ApoB como marcador de riesgo y cuándo medirlo (artículo en European Journal of Preventive Cardiology). (OUP Academic)
ApoB: evidencia y papel en predicción de riesgo (Circulation). (AHA Journals)
Ácido úrico y riesgo cardiovascular (ESC e Hypertension/AHA). (Sociedad Europea de Cardiología)
Homocisteína: ensayos y evidencia de falta de beneficio clínico general al reducirla (HOPE-2 y revisiones). (American College of Cardiology)
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Programa semanal para EsRadio Guadalajara y Alcarria TV, presentado por José Luis Solano, con la participación del Dr. Ramón Bernadó.
Este profesional con cuarenta años de ejercicio nos explica temas relacionados con la salud.
Se emite desde Abril de 2020 en plena pandemia.
Ha realizado un recorrido por diversas enfermedades, trastornos mentales y adicciones.
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Julio Buchs fue uno de esos directores todoterreno del cine español que se movió con soltura entre el thriller, el western patrio y el cine de aventuras.
No era precisamente un estilista, pero sí un narrador eficaz.
Firmó títulos como Muerte en primavera (1962), el western Antes llega la muerte (1964) o la popular El hombre que mató a Billy el Niño (1967).
Su cine siempre tuvo algo de producto industrial, pero sabía adaptarse al género que tocara… y aquí se mete de lleno en el noir a la española.
Porque sí: el cine español también tuvo su cine negro. Y El salario del crimen es un ejemplo bastante canónico.
Aquí tenemos a Arturo Fernández en modo policía serio —sí, serio— interpretando a un inspector joven, metódico y aparentemente íntegro, bajo la supervisión de un comisario encarnado por José Bódalo. Un rostro que era prácticamente patrimonio nacional televisivo y cinematográfico de la época.
Pero claro, todo noir necesita su elemento desestabilizador… y aquí aparece la francesa Françoise Brion, ejerciendo de mujer fatal con elegancia venenosa.
Resulta llamativo que se recurriera a una actriz extranjera para este papel.
En plena España franquista, quizá una actriz nacional no podía permitirse ser tan peligrosamente seductora sin que el moralómetro se disparara.
La historia gira en torno a la caída de este policía honrado, arrastrado a un nivel de vida que su sueldo no puede sostener. Lujos, caprichos, excesos… y la inevitable pendiente hacia el abismo. Noir clásico: la tentación no viene con pistola, sino con perfume caro.
El reparto se completa con caras tan reconocibles como Manuel Alexandre —en un papel de policía que la propia película se permite bromear, porque ni sus compañeros parecen creérselo—, además de Tomás Blanco, José María Caffarel y Margot Cottens.
La película está bien dirigida, bien armada y con una atmósfera sorprendentemente oscura para el cine español de los 60.
Quizá el final se entrega demasiado al melodrama, como si el castigo moral tuviera que quedar bien subrayado para pasar el filtro de la época.
Un noir castizo donde el crimen no paga… pero la mala vida sí se cobra intereses.
Mi puntuación: 7,68/10.
Dirigido por Julio Buchs:
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Arnold Laven fue uno de esos artesanos eficaces del Hollywood de los 50 que quizá no tenga el aura de autor, pero sí una filmografía muy sólida dentro del policiaco y el western televisivo y cinematográfico.
Codirigió Sin ley y sin alma (Without Warning!, 1952) y más tarde desarrolló una carrera muy ligada a la televisión, participando en series míticas como The Rifleman.
En cine firmó títulos como Gerónimo (1962) o El glorioso regreso de los siete (1966).
No era un revolucionario, pero sabía perfectamente dónde colocar la cámara y cómo hacer que la historia avanzara sin marear al espectador.
Lo curioso de No hay crimen impune es que se presenta como cine negro… sin serlo del todo.
Es más bien un procedural de manual, casi didáctico, donde el FBI se marca un publirreportaje elegante resolviendo tres casos distintos.
La película arranca con el asesinato de un agente federal y, a partir de ahí, el relato se ramifica en tres investigaciones que orbitan —cómo no— alrededor de tres mujeres muy distintas.
Ahí aparecen Ruth Roman y Marisa Pavan, aportando matices emocionales más que tentaciones fatales.
Aquí no hay vamp ni humo de cigarrillo en penumbra. Hay burocracia, método y eficacia.
Broderick Crawford lidera la función como agente del FBI con ese rostro que parece haber sido tallado a base de expedientes y café frío.
Todo el conjunto desprende un aroma propagandístico bastante evidente: el FBI como maquinaria perfecta en tiempos de Eisenhower (detalle subrayado con su retrato presidiendo comisarías).
Y, sin embargo, funciona. Porque está muy bien rodada, con planos sobrios pero precisos, y un tono inquietante que convierte lo rutinario en desasosegante.
No hay glamour del noir clásico, pero sí una sensación constante de amenaza y de orden intentando imponerse al caos.
Un policiaco seco, sin grasa, sin femme fatale… y sorprendentemente eficaz. Como un informe bien redactado: no emociona, pero convence.
Mi puntuación: 7,66/10.
Dirigido por Arnold Laven:
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El programa ampliado y extendido se puede oír en el Podcast de Centauros de la Alcarria.
Centauros de La Alcarria es un programa de cine de Nueva Alcarria, que se difunde en GuadaTV Media, con la presencia del veterano cutrecomentarista Ramón Bernadó.
Van a diseccionar la cartelera de los Multicines Guadalajara, hablando de estrenos y de eventos cinematográficos en la provincia de Guadalajara.
Sin olvidar referencias a los clásicos y las fobias y las filias cinéfilas que padecen.
Además todas las semanas desarrollan un debate sobre la película más interesante de la cartelera, en sección Spoiler Total.
Este programa se puede ver en la tele de Guadalajara, en YouTube, en Instagram y escuchar en Ivoox y Spotify. Lo puedes encontrar en mi web y en la de Nueva Alcarria.
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¡Ah, el teatro!… ¿Quiere saber lo que es teatro?
Un circo de pulgas, una ópera, un rodeo, carnavales, ballets, bailes de tribus indias, marionetas, un hombre orquesta…
¡Todo eso es teatro! Donde haya magia y ficción y un auditorio, allí hay teatro.
El pato Donald, Ibsen y Pirandello, Sarah Bernhardt y Cocteau Payaso, Lani Fontaine, Betty Grable, Rex el caballo salvaje, Leonora Luce, todo es teatro.
No los comprende uno a todos. ¿Y qué importa? El teatro es para todos. Así que no apruebe o desapruebe. Tal vez no sea su teatro, pero es el teatro de alguien en algún sitio.
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Si el matrimonio fuera una frase… sería “¿esto está encendido?”.
Bradley Cooper nos trae una película sobre separar sábanas, guarda compartida y reinventarse contando chistes como si tu suegra estuviera en primera fila.
Bradley Cooper no es precisamente nuevo en esto del cine, pero su evolución de actor a director es más interesante que sus tatuajes ocultos.
Como intérprete lo hemos visto en pelis taquilleras y aclamadas (El lado bueno de las cosas, American Sniper). Como director debutó con A Star Is Born (2018), un dramón musical que sí emocionó y le valió varias nominaciones al Oscar, y continuó con Maestro (2023), biopic intenso sobre Leonard Bernstein.
Con Sin conexión (Is This Thing On?) llega a su tercera peli como director, co-escrita con Will Arnett y Mark Chappell, y vuelve a meter la cámara entre emociones adultas, humor y empatía.
Esta cinta se mete de lleno en ese terreno peligroso que es el matrimonio que se acaba: sin fuegos artificiales, pero con muchos trastos recogiendo polvo.
Will Arnett y Laura Dern interpretan a Alex y Tess, un matrimonio de toda la vida que decide tomar caminos separados… lo que viene siendo “divorcio con clase” pero con mil dudas existenciales.
El giro divertido (o eso intenta) es que Alex, en plena crisis de los 50 y sin saber muy bien qué hacer con su vida, se lanza al mundo del stand-up en Nueva York.
Vamos, que si antes le costaba decir “te quiero”, ahora dice verdades frente a un micro. Y ahí está la gracia: ver a un tipo con crisis de mediana edad aprendiendo chistes mientras intenta no arruinar el brunch con sus hijos.
El tono de la película es amable, frágil y sensible, como un buen vino que no te emborracha pero te deja pensando.
No esperes carcajadas estruendosas ni escenas de slapstick; aquí el humor viene de la vulnerabilidad, los silencios incómodos y las burradas que uno se dice cuando cree que nadie escucha.
La química entre Arnett y Dern es lo que sostiene el tinglado.
Él, con su humor seco y ligero, y ella, con esa presencia casi pétrea que derrite al espectador a base de miradas, hacen que la película funcione justo cuando podría haberse desplomado por exceso de introspección.
Tampoco falta ese toque neoyorquino de fondo: clubes de comedia, cafés sin luz natural y madres que te juzgan mientras tomas un capuchino.
El resultado es un retrato sincero de cómo reinventarse después de que la placa de matrimonio deje de brillar.
Sin conexión es una comedia dramática adulta y tierna sobre reinventarse tras un divorcio… con humor, sensibilidad y alguna que otra lágrima.
No es la típica comedia ligera que ves con palomitas. Más bien es como esa conversación honesta que tienes a las 2 a. m. con tu mejor amigo después de demasiados cafés.
Puede que no todos se rían, pero seguro que más de uno se reconoce en alguna de sus escenas.
¿Matrimonio? Puede que no esté encendido… pero sigue teniendo chispa.
Mi puntuación: 6,76/10.
Dirigido por Bradley Cooper:
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Hay películas de animación que entretienen. Otras que emocionan. Y luego están las que te hablan de identidad, memoria y trauma infantil… cuando la protagonista todavía está aprendiendo a caminar.
La película está codirigida por Mailys Vallade y Liane-Cho Han Jin Kuang, dos nombres muy ligados a la animación francesa contemporánea.
Vallade ha trabajado como animadora en títulos de prestigio como J’ai perdu mon corps (I Lost My Body), mientras que Han Jin Kuang ha participado en producciones como Calamity o Le Sommet des Dieux (La cumbre de los dioses).
Aquí dan el salto a una adaptación delicada y literaria, con un estilo visual muy cuidado y bastante personalidad.
La historia sigue a una niña belga criada en Japón que vive el mundo con una intensidad casi mística.
Lo que en otras películas sería “una infancia exótica”, aquí se convierte en tratado metafísico con dibujos preciosistas y ritmo contemplativo.
Visualmente es una maravilla. Colores suaves, composición elegante, una animación que no necesita aspavientos digitales para resultar hipnótica.
Se nota la tradición francesa: sensibilidad, gusto por el detalle y cero estridencias.
Ahora bien. Que sea animación no significa que sea infantil. Esto no es para ponerle a los críos mientras haces la cena.
Aquí se habla de identidad cultural, de sentirse extranjera, de la construcción del yo… y de cómo una niña puede experimentar el mundo con una intensidad casi filosófica.
Tiene momentos muy hermosos, casi suspendidos en el tiempo. Y también algún tramo donde el lirismo roza lo solemne. Pero incluso cuando se pone intensa, lo hace con honestidad.
No busca la carcajada. Busca la emoción íntima. Y la encuentra más de una vez.
Little Amélie es animación adulta en el mejor sentido: sensible, reflexiva y visualmente muy elegante.
Puede que a algunos les parezca demasiado pausada o demasiado “intensa para ser una niña”.
Pero tiene algo que no es tan frecuente: personalidad.
Y eso, en tiempos de animación clónica, ya es bastante.
Mi puntuación: 7,55/10.
Dirigido por Mailys Vallade y Liane-Cho Han Jin Kuang:
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Hay películas malas. Hay películas fallidas. Y luego está esta cosa, que consigue que uno mire el reloj como si estuviera esperando un rescate aéreo.
María Ripoll lleva años moviéndose con soltura en la comedia comercial española.
Debutó con Lluvia en los zapatos, que tuvo cierto recorrido internacional, y después ha firmado títulos como Ahora o nunca o No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas, siempre en el terreno de la comedia romántica ligera.
Es una directora con oficio, que sabe rodar y que suele conectar con el público amplio.
Por eso duele más cuando algo sale tan rematadamente torcido.
Voy a ser claro: es de lo más horroroso que he visto en mucho tiempo.
Una comedia catastrófica, con personajes ridículos que parecen escritos en una servilleta de bar y situaciones absurdas que se encadenan como si alguien hubiera confundido “ritmo” con “hiperactividad sin sentido”.
No hay gracia. No hay química. No hay lógica interna. Solo una sucesión de tonterías que te van sacando poco a poco de la película hasta que lo único que te pide el cuerpo es salir huyendo de la sala como si realmente hubiera un fantasma… pero del cine español haciendo ruidos raros.
No dudo de las buenas intenciones de María Ripoll. Pero la ejecución es un desastre. Y lo que ya me dejó completamente desconcertado fue escucharla comparar la película con las screwball comedies de los años 30 de Howard Hawks.
Por favor. Un poco de respeto.
Las comedias de Hawks —Luna nueva, La fiera de mi niña— eran precisión de relojería: diálogos afilados, ritmo endiablado, guerra de sexos con inteligencia y actores en estado de gracia.
Aquí no hay sofisticación, ni velocidad verbal, ni tensión romántica divertida. Hay ruido. Y bastante.
El problema no es que sea ligera. El problema es que es torpe. No es que sea disparatada. Es que es deslavazada. No es que sea blanca. Es que es blandita.
Y cuando una comedia no hace gracia, se convierte en un ejercicio de resistencia.
El fantasma de mi mujer es un producto fallido. Una comedia que pretende ser desenfadada y termina siendo exasperante.
Sales del cine no enfadado, sino triste. Porque cuando el cine comercial español funciona, funciona muy bien. Pero cuando se estrella así, lo hace con estrépito.
Y lo peor es que ni siquiera el fantasma logra asustar.
Solo provoca ganas de desaparecer.
Mi puntuación: 2,22/10.
Dirigido por María Ripoll:
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Si alguna vez te has preguntado cómo sería morirse, salir flotando de tu cuerpo y convertirte en un dron espiritual colocado hasta las cejas… Gaspar Noé tiene la respuesta. Y no es corta. Ni cómoda.
Gaspar Noé, argentino criado en Francia, es ese director que no rueda películas: las lanza como cócteles molotov.
Se dio a conocer con Solo contra todos y dejó al personal en shock con Irreversible (sí, la de la escena que nadie quiere volver a ver).
Luego llegaron Love, Climax y Vortex, todas fieles a su estilo: experiencias sensoriales extremas, sexualidad explícita, violencia, culpa y una cámara que parece poseída.
Con Enter the Void (2009) se metió en Cannes y salió con fama reforzada de cineasta radical. Y aquí no hay medias tintas.
La película arranca en Tokio, luces de neón, drogas, sexo, música electrónica y un protagonista, Nathaniel Brown, que hace de camello filosófico con trauma infantil incorporado. A los veinte minutos ya sabes que esto no va a ser una tarde tranquila.
Y entonces pasa lo que pasa. Y lo que parecía una peli de colegas colocados se convierte en una experiencia extracorpórea en primera persona. Literalmente. La cámara se despega del cuerpo y empieza a sobrevolar la ciudad como si fueras el espíritu del protagonista con resaca existencial.
La referencia clara es el Libro tibetano de los muertos, y Noé lo asume sin disimulo: muerte, tránsito, reencarnación. Todo pasado por un filtro psicodélico que convierte Tokio en una maqueta fluorescente que parece diseñada por un DJ con insomnio.
Técnicamente es una barbaridad. Planos secuencia imposibles, travellings que atraviesan techos, suelos y úteros (sí, úteros), una cámara subjetiva que te obliga a mirar lo que igual preferirías no mirar. Es cine inmersivo antes de que la palabra se pusiera de moda.
Ahora bien. ¿Es fácil? No. ¿Es cómoda? Tampoco. ¿Se pasa de intensidad? Pues depende de tu umbral de tolerancia al delirio visual. Hay quien sale fascinado y quien necesita una tila doble.
Lo interesante es que, debajo de la provocación marca de la casa, hay una historia tristísima sobre dos hermanos rotos, abandono, culpa y dependencia emocional. El problema es que para llegar a esa emoción tienes que atravesar tres capas de neón, sexo explícito y viajes astrales.
Carlos Boyero, en El País, no fue precisamente fan. Reconocía la ambición visual y el riesgo, pero le parecía excesiva, reiterativa y agotadora. Vamos, que admiraba el despliegue técnico, pero no conectaba con la experiencia. Y es comprensible: esto no es una peli que se vea, es una peli que se sobrevive.
Enter the Void no es cine para todos los públicos. Ni siquiera para todos los cinéfilos.
Es una experiencia sensorial radical sobre la muerte, la memoria y el deseo.
Puede parecer pretenciosa. Puede parecer hipnótica. Puede parecer una fiesta rave metafísica que se alarga demasiado. Probablemente es todo eso a la vez.
Pero lo que no es, desde luego, es indiferente.
Y en tiempos de cine anestesiado, que un director te meta dos horas y pico de trance existencial con luces de neón… casi se agradece.
Eso sí, mejor verla despejado. O al menos con el móvil apagado y la mente abierta. Porque Gaspar Noé no te lleva de la mano. Te empuja al vacío.
Mi puntuación: 7,85/10.
Dirigido por Gaspar Noé:
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Hay actores que envejecen. Y luego está Clint Eastwood, que directamente se convierte en monumento nacional con ceño fruncido.
En Gran Torino (2008) no interpreta a un personaje: interpreta a una época que se resiste a morir a base de improperios y cerveza caliente.
A estas alturas hablar de Clint Eastwood es hablar de Historia del Cine con mayúsculas.
Icono del spaghetti western con Por un puñado de dólares y El bueno, el feo y el malo bajo la batuta de Sergio Leone, policía expeditivo en Harry el sucio y director mayúsculo desde hace décadas.
Como realizador ha firmado títulos esenciales como Sin perdón (Oscar a mejor película y director), Mystic River, Million Dollar Baby (otros dos Oscar gordos), Cartas desde Iwo Jima o El francotirador.
En Gran Torino, además de dirigir, se reserva el papel protagonista. Y lo hace como quien se sirve un whisky sin hielo: seco, directo y sin pedir permiso.
Walt Kowalski es ese vecino que todos hemos tenido o temido tener.
Veterano de la guerra de Corea, viudo, racista de manual, gruñón profesional y con una relación con sus hijos que podría resumirse en: “os tolero porque sois genéticamente inevitables”.
La América blanca, obrera y cabreada encapsulada en un señor que limpia su fusil mientras el barrio cambia de piel. El mundo evoluciona. Él no. O eso cree.
La película arranca casi como una comedia incómoda. Los improperios que suelta Eastwood serían hoy material para tres hilos indignados en X y dos tertulias matinales. Pero lo interesante es que no estamos ante una apología del racismo, sino ante su autopsia.
El choque con la comunidad hmong —vecinos asiático-estadounidenses recién llegados— funciona como detonante moral.
El chaval, Bee Vang, y su hermana, Ahney Her, no son caricaturas. Son la puerta de entrada a una redención que no pasa por el discurso, sino por los actos.
Y aquí está la jugada maestra: Eastwood no hace un panfleto. Hace una historia clásica, casi fordiana, sobre el sacrificio. El viejo pistolero que entiende que su tiempo ya pasó y que quizá su último disparo no sea con balas.
Hay ecos clarísimos de Sin perdón: el hombre violento que ya no quiere serlo, el peso de la culpa, la violencia como fracaso moral.
Pero aquí cambia el paisaje del western por un barrio industrial de Detroit y el caballo por un coche mítico: el Ford Gran Torino de 1972, símbolo de una América que ya no existe más que en la memoria de quienes la idealizan.
La escena final es puro clasicismo narrativo. Sin alardes. Sin pirotecnia. Solo un gesto que redefine todo lo que hemos visto antes.
Y sí, emociona. Aunque uno entre en la película pensando que va a ver a Eastwood gruñendo durante dos horas (que también).
Carlos Boyero escribió en El País una crítica muy elogiosa en su momento, destacando la honestidad y la emoción seca del film.
Señalaba precisamente eso: que Eastwood consigue conmover sin manipular, y que su personaje, pese a ser políticamente incorrectísimo, está tratado con una humanidad incontestable. Vamos, que no era una boutade geriátrica, sino cine del bueno.
Gran Torino es una película sobre el relevo generacional, la culpa, el racismo, la redención y la identidad americana. Pero sobre todo es una despedida. No oficial, porque Eastwood siguió rodando después, pero sí simbólica.
Es el último pistolero aceptando que el Oeste se urbanizó y que ahora la heroicidad consiste en algo mucho más difícil que apretar el gatillo.
Y lo mejor es que lo hace sin dar lecciones, sin subrayados y sin música que te diga cuándo llorar.
Solo un viejo, su perro, un coche impecable y una última decisión.
Cine clásico. Del que ya casi no se fabrica.
Mi puntuación: 8,66/10.
Dirigido por Clint Eastwood:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Si la primera era “corre que viene una piedra gigante”, esta es “corre que ahora hay que mudarse”. Y ya sabemos que una mudanza siempre es más dura que el apocalipsis.
Ric Roman Waugh no es ningún recién llegado al cine de acción testosterónica.
Antes de ponerse a evacuar medio planeta ya había dirigido a Gerard Butler en Objetivo: la Casa Blanca (2013) y Objetivo: Washington D.C. (2019), además de la carcelaria Criminal (2008).
Su filmografía se mueve cómoda entre hombres con mandíbula apretada, amenazas globales y patriotismo musculado.
No es Terrence Malick, pero tampoco lo pretende.
Va a lo suyo: adrenalina y gesto serio.
Estamos ante una película que da exactamente lo que promete. Ni más ni menos.
Si alguien entra en la sala esperando una reflexión metafísica sobre la fragilidad de la civilización, mejor que se vaya a ver El árbol de la vida y deje esto tranquilo.
Greenland 2: Migration es puro entretenimiento de manual.
Catástrofes, huidas, discursos solemnes, familia en peligro y ese catálogo de tópicos del cine de aventuras que parece descargado en un pack 2×1.
El problema no es que sea tópica; el problema es que no intenta ni disimularlo.
Hay poco argumento entre explosión y explosión y la trama avanza como puede, sin que nadie se moleste demasiado en explicar nada.
Lo más llamativo —y aquí me pongo un poco gruñón— es la actuación de Gerard Butler, que está francamente pésimo.
Repite ese protagonismo testosterónico y viril que ya conocemos: mirada intensa, sacrificio épico y frase solemne mientras todo arde detrás.
Funciona si te gusta ese tipo de héroe. Si no, te puede resultar un poco paródico.
He echado en falta algo que ya empieza a ser cansino en este tipo de producciones: mujeres con más peso real.
Morena Baccarin tiene presencia y carisma suficientes como para haber liderado la función y convertirse en la verdadera salvadora. Pero no. El sacrificio final, el gesto heroico y el aplauso moral vuelven a recaer en el macho alfa de turno. Una oportunidad perdida.
¿Decepciona? No creo.
El que disfrutó la primera parte encontrará aquí lo mismo, quizá con menos sorpresa y más rutina.
Es cine de catástrofes pensado para pasar el rato, comer palomitas y salir sin haber aprendido nada.
Que tampoco pasa nada. A veces el cine es eso: una montaña rusa.
El problema es cuando la montaña rusa ya la has montado tres veces y sabes exactamente dónde viene la curva.
Hasta el momento, que conste, no consta ningún comentario público de Carlos Boyero sobre esta secuela. Si lo hace, prometo leerlo con palomitas.
Mi puntuación: 5,54/10.
Dirigido por Ric Roman Waugh:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Adaptación de la novela The Ax de Donald E. Westlake, que ya fue llevada al cine en la película Arcadia, dirigida por Costa-Gavras en 2005.
Park Chan-wook es uno de los grandes maestros del cine surcoreano moderno, conocido por su elegante brutalidad y su precisión milimétrica.
Alcanzó fama internacional con la Trilogía de la Venganza, especialmente Oldboy (2003), un clásico del cine extremo.
Su estilo combina violencia estilizada, ironía negra y una puesta en escena de orfebre.
Ha demostrado también sutileza con filmes como La doncella y Decision to Leave.
Es un autor que convierte la venganza y el deseo en poesía visual… y en trauma inolvidable.
Este autor nos ofrece una elegante mezcla de comedia negra y thriller.
Un ingeniero pierde su empleo y va a hacer “todo lo necesario” para conseguir un nuevo trabajo.
Además de componer un film muy divertido, nos muestra el individualismo de nuestra sociedad y la lucha personal por la supervivencia sin que las barreras morales se lleguen a interponer.
Se mueve bien entre la comedia y el drama personal, con muchos elementos de crítica social.
Olé por el coreano!!!
Mi puntuación: 8,83/10.
Dirigido por Park Chan-wook:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Chris Stuckmann (Ohio, 1988) empezó grabándose en su habitación opinando sobre pelis y terminó dirigiendo una: Shelby Oaks (2024).
Es como si el youtuber que llevas dentro hubiese conseguido presupuesto.
Su superpoder es encontrarle virtudes hasta a un blockbuster destrozado por la crítica.
Habla de cine con tanto entusiasmo que te dan ganas de ver hasta Sharknado 5.
Aquí comienza su película como un falso documental, para luego adentrarse en la investigación de la hermana de la desaparecida.
Esta señora va recorriendo escenarios turbadores.
La parte final es la más competente, aunque la llegada a esta casa en el bosque es bastante gratuita argumentalmente.
Alguna escena impactante colabora a mejorar una película que se salva por un final tópico, pero potente.
Un film lleno de buenas ideas, pero que no terminan de estar bien entrelazadas.
Mi puntuación: 5,65/10.
Dirigido por Chris Stuckmann:
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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Hablar de viruela no es hablar de una enfermedad más. Es hablar de uno de los grandes protagonistas invisibles de la historia humana.
Durante siglos fue una presencia constante: en aldeas y palacios, en ejércitos y monasterios, en barcos de exploradores y en cunas de recién nacidos.
Marcó rostros, dejó ciegos, alteró dinastías y modificó el curso político de continentes enteros.
Y, sin embargo, también es la historia del mayor éxito colectivo de la salud pública moderna: la primera enfermedad humana erradicada del planeta gracias a la vacunación sistemática y a la cooperación internacional.
Este artículo pretende recorrer con rigor qué fue la viruela, cómo actuaba el virus, cómo se desarrollaron y fabricaron las vacunas, cómo se organizó la campaña mundial de erradicación y qué significa hoy que el virus solo exista en laboratorios de máxima seguridad.
La viruela era causada por el virus Variola, un ortopoxvirus de gran tamaño y ADN bicatenario.
A diferencia de muchos otros virus ADN, se replicaba íntegramente en el citoplasma celular, lo que ya lo convierte en una entidad biológicamente peculiar.
Existían dos formas clínicas principales:
Variola major, responsable de la mayoría de las epidemias graves, con una mortalidad aproximada del 20–30%, aunque en brotes concretos alcanzó cifras superiores.
Variola minor, mucho más leve, con mortalidad alrededor del 1%.
Tras un periodo de incubación de unos 10 a 14 días, el paciente desarrollaba fiebre alta, malestar intenso, cefalea y dolor lumbar severo.
Después aparecía el exantema característico, que evolucionaba de máculas a pápulas, vesículas, pústulas y finalmente costras.
A diferencia de la varicela, las lesiones de la viruela evolucionaban de forma sincrónica: todas en el mismo estadio en cada región corporal. Esta característica clínica fue clave para el diagnóstico diferencial durante siglos.
Los supervivientes quedaban con frecuencia marcados por cicatrices profundas.
La afectación ocular podía conducir a ceguera permanente.
Se estima que solo en el siglo XX la viruela causó entre 300 y 500 millones de muertes, según datos de la Organización Mundial de la Salud.
Era, sencillamente, una enfermedad estructural en la demografía humana.
La viruela es antiquísima.
Hay indicios compatibles con lesiones en la momia del faraón Ramsés V (siglo XII a.C.), aunque el diagnóstico retrospectivo siempre es discutible.
En China y la India existen descripciones médicas que parecen corresponder a la viruela desde hace más de dos mil años.
En Europa, la enfermedad se consolidó tras las rutas comerciales del Imperio romano y se convirtió en endémica durante la Edad Media.
Pero su impacto más devastador ocurrió tras la llegada de los europeos a América.
La introducción de la viruela en poblaciones sin inmunidad previa provocó un colapso demográfico de dimensiones históricas.
En el Imperio azteca y en el inca, la enfermedad precedió y debilitó a las estructuras políticas antes incluso de los enfrentamientos militares directos.
La viruela no solo mataba personas. Cambiaba el equilibrio del poder.
La viruela afectó a numerosos monarcas y figuras políticas relevantes. No fue una enfermedad “de pobres”. Fue transversal.
Entre los personajes históricos fallecidos por viruela destacan:
Luis I de España (1724), cuyo reinado duró apenas siete meses. Su muerte obligó al regreso al trono de su padre, Felipe V, alterando la estabilidad política del momento.
María II de Inglaterra (1694), cuya muerte consolidó el reinado en solitario de Guillermo III en un momento crucial tras la Revolución Gloriosa.
José I de Austria (1711), emperador del Sacro Imperio, cuya muerte por viruela modificó el equilibrio de poder europeo y favoreció el ascenso de Carlos VI.
Pedro II de Rusia (1730), cuya muerte precipitó cambios en la línea sucesoria rusa.
Incluso personajes que sobrevivieron quedaron marcados físicamente, algo que en épocas de fuerte simbolismo político tenía implicaciones sociales profundas.
La viruela no solo mataba. También debilitaba Estados, alteraba alianzas y generaba crisis sucesorias.
Antes de la vacunación moderna existía la variolización, una técnica importada desde Asia y el Imperio Otomano.
Consistía en inocular material procedente de lesiones de viruela leve en personas sanas para provocar una infección controlada.
La mortalidad asociada era mucho menor que la infección natural, pero no inexistente.
En el siglo XVIII esta práctica fue introducida en Inglaterra y Francia, generando debates éticos y científicos intensos.
Fue un paso intermedio entre la resignación y la ciencia moderna.
En 1796, Edward Jenner observó que las ordeñadoras que habían contraído viruela vacuna no enfermaban de viruela humana.
Inoculó material de una lesión de viruela vacuna a un niño, James Phipps, y posteriormente demostró que estaba protegido frente a la viruela humana.
Había nacido el concepto de vacunación.
El virus utilizado no era Variola, sino virus vaccinia, relacionado pero distinto, lo que permitía generar inmunidad cruzada sin provocar la enfermedad mortal.
Durante el siglo XIX la vacuna se producía cultivando el virus vaccinia en la piel de terneros.
El procedimiento era laborioso:
Se inoculaba el virus en el animal, se permitía el desarrollo de lesiones cutáneas, se recogía el material pustuloso y se procesaba para su distribución.
Con el tiempo se introdujeron mejoras fundamentales:
Purificación microbiológica.
Estandarización de dosis.
Cultivos más controlados.
Liofilización para mejorar estabilidad térmica.
La liofilización fue clave para la erradicación global. Permitió transportar la vacuna a climas tropicales sin perder eficacia, algo impensable en el siglo XIX.
La producción pasó progresivamente de métodos animales a sistemas más controlados en laboratorios certificados.
En 1959 la OMS inició un programa de erradicación, pero carecía de financiación suficiente.
En 1967 se lanzó el Programa Intensificado de Erradicación. Lo que marcó la diferencia fue la estrategia de vigilancia activa y vacunación en anillo: detectar casos rápidamente y vacunar a todos los contactos y contactos de contactos.
La aguja bifurcada, barata y eficaz, permitió campañas masivas incluso en entornos con pocos recursos.
En plena Guerra Fría, Estados Unidos y la Unión Soviética colaboraron en la producción y distribución de vacunas.
El último caso natural de Variola major ocurrió en 1975 en Bangladesh.
El último de Variola minor en 1977 en Somalia.
En 1980 la OMS declaró oficialmente erradicada la viruela.
Nunca antes la humanidad había eliminado por completo un patógeno humano.
La erradicación de la viruela supuso:
La eliminación de millones de muertes anuales.
La desaparición de secuelas físicas masivas.
Un ahorro económico gigantesco.
Un modelo para programas posteriores de erradicación.
Demostró que la salud pública internacional puede funcionar cuando hay voluntad política, financiación y tecnología adecuada.
Actualmente existen reservas oficiales del virus Variola en dos laboratorios de alta seguridad:
CDC (Estados Unidos).
Centro VECTOR (Rusia).
El mantenimiento de estas muestras genera debate ético. Se argumenta que permiten investigación y desarrollo de contramedidas ante posibles amenazas.
El virus está clasificado como agente potencial de bioterrorismo debido a su alta letalidad y transmisibilidad en poblaciones no vacunadas.
No existe circulación natural del virus desde 1977.
La viruela fue durante milenios una fuerza modeladora de la historia humana. Cambió imperios, dinastías y continentes. Dejó millones de muertos y millones de rostros marcados.
Pero también fue el origen de la vacunación moderna y culminó en el mayor éxito colectivo de la salud pública global.
Es la prueba de que una amenaza biológica aparentemente invencible puede ser derrotada cuando ciencia, política y cooperación internacional trabajan en la misma dirección.
La viruela fue una presencia constante en la historia sanitaria española desde la Edad Media hasta el siglo XX. Las epidemias periódicas eran parte del paisaje demográfico del Antiguo Régimen.
En los siglos XVI y XVII, la enfermedad era endémica, con brotes recurrentes que afectaban de manera especial a la población infantil.
En ciudades densamente pobladas como Sevilla, Madrid o Valencia, la viruela contribuía de forma significativa a la mortalidad urbana.
En el siglo XVIII, España vivió varias epidemias graves.
La mortalidad infantil asociada a la viruela era particularmente elevada, hasta el punto de que en determinadas décadas se calcula que uno de cada diez fallecimientos infantiles podía atribuirse a esta enfermedad.
El fallecimiento de Luis I de España en 1724 por viruela tuvo consecuencias políticas inmediatas. Su muerte forzó la vuelta al trono de Felipe V, alterando la estabilidad institucional. La enfermedad, por tanto, no solo era un problema sanitario, sino un factor político de primer orden.
España tuvo, sin embargo, un papel destacado en la historia de la vacunación. En 1803, bajo el reinado de Carlos IV, se organizó la Real Expedición Filantrópica de la Vacuna, dirigida por Francisco Javier Balmis.
La expedición llevó la vacuna contra la viruela a América y Filipinas. Dado que no existían sistemas de conservación adecuados, la vacuna se transportó “de brazo en brazo” utilizando a niños como portadores vivos del virus vaccinia, asegurando así la viabilidad del material biológico durante la travesía.
Fue una de las primeras campañas internacionales de salud pública de la historia y un precedente directo de los programas de erradicación del siglo XX.
Durante el siglo XIX la vacunación se fue extendiendo en España de forma progresiva, aunque con resistencias sociales, problemas logísticos y desigualdades territoriales.
En el siglo XX, especialmente tras la Guerra Civil, la vacunación sistemática se consolidó como parte del calendario sanitario, contribuyendo a la desaparición progresiva de los casos autóctonos antes incluso de la certificación mundial de erradicación.
La vacuna contra la viruela funcionaba mediante un principio fundamental de inmunología: la inmunidad cruzada.
El virus vaccinia comparte similitudes estructurales con el virus Variola.
Cuando el sistema inmunitario se exponía al vaccinia, generaba anticuerpos neutralizantes y una respuesta celular específica capaz de reconocer también al virus de la viruela humana.
Desde el punto de vista inmunológico, la vacuna inducía:
Producción de anticuerpos neutralizantes que impedían la entrada viral en las células.
Activación de linfocitos T CD4 y CD8, fundamentales para destruir células infectadas.
Generación de memoria inmunológica duradera.
La respuesta era robusta por varias razones:
El virus vaccinia es replicativo (aunque atenuado), lo que estimula fuertemente la inmunidad.
La vacuna se administraba por escarificación cutánea, activando de manera potente la inmunidad local.
La viruela no tenía reservorios animales, lo que hacía posible cortar la cadena de transmisión.
La combinación de inmunogenicidad elevada y ausencia de reservorio animal fue decisiva para el éxito de la erradicación.
En términos actuales, fue una vacuna extraordinariamente eficaz incluso sin la tecnología molecular moderna.
La llamada “viruela del mono”, actualmente denominada mpox, es causada por otro ortopoxvirus distinto de Variola.
Comparten:
Pertenencia al mismo género viral.
Síntomas cutáneos similares.
Posible protección cruzada parcial con vacuna antivariólica.
Sin embargo, existen diferencias fundamentales:
Por tanto, aunque pertenecen a la misma familia, no son epidemiológicamente equivalentes.
La experiencia histórica con la viruela ayudó a comprender y responder mejor a los brotes recientes de mpox, especialmente en términos de vacunación selectiva y vigilancia epidemiológica.
La erradicación de la viruela demostró que, bajo ciertas condiciones, es posible eliminar completamente un patógeno humano.
Para que una enfermedad sea erradicable se requieren varias condiciones:
Ausencia de reservorio animal.
Vacuna eficaz.
Diagnóstico claro.
Sistema de vigilancia global.
Voluntad política sostenida.
Actualmente, la enfermedad más cercana a la erradicación es la poliomielitis. La vacunación masiva ha reducido los casos en más del 99% desde 1988, aunque persisten focos endémicos.
El sarampión sería teóricamente erradicable (no tiene reservorio animal y existe vacuna eficaz), pero la cobertura vacunal insuficiente en algunas regiones impide ese objetivo.
Otras enfermedades como la rubéola o la dracunculiasis (gusano de Guinea) también han sido objeto de programas intensivos de eliminación.
La experiencia de la viruela es el modelo histórico que guía todos estos esfuerzos.
Puede que merezca un artículo específico analizar qué impide hoy erradicar enfermedades que técnicamente podrían desaparecer.
La historia de la viruela es una lección de humildad y de ambición científica al mismo tiempo.
Fue una enfermedad que acompañó a la humanidad durante milenios, moldeó imperios y dejó cicatrices físicas y demográficas profundas.
Pero también dio origen a la vacunación, impulsó la cooperación internacional y culminó en la primera erradicación global de un patógeno humano.
No es solo una historia médica. Es una historia de civilización.
Y sigue siendo relevante hoy, cuando hablamos de preparación frente a pandemias, bioseguridad y confianza en la ciencia.
Barquet N., Domingo P. “Smallpox: The Triumph over the Most Terrible of the Ministers of Death”. Annals of Internal Medicine.
Breman J.G., Henderson D.A. “Diagnosis and Management of Smallpox”. New England Journal of Medicine.
Centers for Disease Control and Prevention (CDC). Smallpox Overview and Laboratory Information.
Centers for Disease Control and Prevention (CDC). Smallpox and Mpox Comparison Data.
Diamond J. Guns, Germs, and Steel. W.W. Norton.
Fenner F., Henderson D.A., Arita I., Jezek Z., Ladnyi I.D. Smallpox and Its Eradication. World Health Organization, 1988.
Henderson D.A. “The Eradication of Smallpox”. Scientific American.
Henderson D.A. Smallpox: The Death of a Disease. Prometheus Books.
McNeill W. Plagues and Peoples. Anchor Books.
Oldstone M. Viruses, Plagues, and History. Oxford University Press.
Plotkin S., Orenstein W., Offit P. Vaccines. Elsevier.
Riedel S. “Edward Jenner and the History of Smallpox and Vaccination”. Baylor University Medical Center Proceedings, 2005.
Tuells J. La Real Expedición Filantrópica de la Vacuna.
World Health Organization (WHO). The Global Eradication of Smallpox. Final Report of the Global Commission, 1980.
World Health Organization (WHO). Smallpox Fact Sheets and Historical Archives.
World Health Assembly. Resolution WHA33.3 (1980).
World Health Organization (WHO). Smallpox Eradication Programme Reports.
World Health Organization (WHO). Global Polio Eradication Initiative Documents.
(Artículo redactado, según mis indicaciones, por IA y posteriormente corregido y modificado por holasoyramon)
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