El País ha sacado una edición remasterizada de El Padrino y aprovechamos para verla de nuevo.
Cuando se estrenó en Zaragoza fui un lunes a verla y salí impresionado, no era capaz de comprender que lo que había presenciado, era una obra de arte. Fui a verla tres días seguidos. Durante meses me obsesionó. El artículo de la revista fotogramas lo leí y lo releí hasta la extenuación. Hasta entonces solo me había pasado algo parecido con Lawrence de Arabia. La he vuelto a ver muchas veces, me sé los personajes, los diálogos, como están rodados los planos.
Me decepciona ver este DVD porque el doblaje es diferente y no reconozco la voz de los personajes. La calidad es buena pero no es HD claramente.
El Padrino está considerada una de las mejores películas de la historia del cine y en muchas listas aparece como la primera.
Es curioso que durante su realización los productores desconfiaran del joven Coppola que había llegado allí por casualidad. Pensaban que iba a ser un fracaso absoluto. Les parecía lenta y violenta. Desconfiaban de Pacino y temían lo peor de Brando.
Pero el día del estreno las colas eran tremendas y el público salía diciendo maravillas. El éxito de taquilla fue inaudito e inesperado por lo que se pensó de inmediato rodar una segunda parte.
El Padrino es la historia de una familia y dentro de ella de un muchacho (Michael) que se ve obligado por las circunstancias a seguir un camino que despreciaba pero para el que resulta perfecto.
Contada con tono épico como una tragedia o como una ópera, impresiona, entretiene y arrebata.
Todo es perfecto. Los actores. La fotografía tan adecuada de Gordon Willis. La música de Nino Rota.
Me encanta reconocer a los secundarios, a veces sin ni siquiera diálogos, que aparecerán en la segunda parte. Como el gran Richard Bright que interpreta a Neri que se disfraza de poli para matar a Barzini y que tendría más protagonismo en la continuación.
Me entusiasman las escenas del final montadas entre el bautizo del hijo de Carlo y Connie una maravilla de construcción cinematográfica que luego sería tantas veces imitadas. Por cierto el niño que tiene en los brazos Diane Keaton es Sofía Coppola, la hija del director y que en la tercera parte reaparecería como la hija de Michael. La escena se repitió un montón de veces porque la Keaton no tenía ninguna experiencia en niños y no sabía tenerla.
Todos los personajes tienen su esencia y su manera de ser y actuar definida, son de verdad.
La historia es de folletín pero para colmo de males está contada con si fuera un telefilm, donde lo que importa es que pasen muchas cosas. El abuso del primer plano resulta desesperante y encima para ver el careto de tontaina del vampirito poniendo cara de malo de palo.
El título de la peli es muy adecuado, tal vez le faltaría el calificativo de total.
La vida de Robert Miller es una gran mentira. Mientras preconiza los valores familiares tiene una amante francesa. Su éxito en los negocios es pura farsa. Pero es un hombre de empresa famoso y aplaudido.
La narración sigue al protagonista sin descanso y se representa bien la presión a la que se ve sometido.
Richard Gere cae simpático a pesar que es un auténtico bicho.
Todo es interesante pero tal vez la peli aumenta en ritmo cuando aparece la investigación criminal dirigida por el magnífico Tim Roth.
Es de reflexionar que el personaje más honrado sea el delincuente interpretado por Nate Parker, al que la policía quiere acorralar.
Susan Sarandon tiene un papel reducido pero en una secuencia con su esposo (Gere) le roba el plano con una interpretación vibrante, poniendo al descubierto la farsa de su matrimonio.
A dos retrasados profundos les encargan asaltar una timba de póquer y a pesar que todo indicaba que iba a ser un desastre, sorprendentemente todo termina bien. Brad Pitt es un matón encargado de saldar las cuentas con todos los implicados.
Los diálogos resultan interminables a lo Tarantino pero algunos son de una intensa comicidad como cuando los dos subnormales dan razones sobre que es preferible follarse a una mujer antes que a un perro, porque el animal puede morder y eso duele.
Las escenas de acción están bien dirigidas y no escatiman en violencia e imágenes truculentas pero estéticas.
Matar suavemente implica sorprender a la víctima para evitar los gimoteos, lloriqueos y ruegos del que va a ser asesinado antes de su muerte.
Durante la proyección 3 parejas de personas de más de 50 años abandonaron la sala entre comentarios nefastos sobre la peli y no me extraña porque los eternos diálogos aburren si no se sabe encontrar el punto humorístico. Porque esta Mátalos suavemente la veo como una comedia negra, muy negra. Desde ese prisma puede resultar divertida.
En China resulta muy difícil estrenar películas extranjeras y Hollywood ha ideado el sistema de coproducir pelis con China y así el inmenso mercado asiático se abre a sus producciones. Éste es uno de los primeros ejemplos.
Shanghai está ambientada en 1941 antes de que comenzara la guerra entre japoneses y americanos, cuando gran parte de China estaba ocupada por el Imperio del Sol Naciente. Los decorados, los efectos visuales nos sumergen bien dentro de la atmósfera de la época.
Los actores son de primera línea y hacen magníficamente sus papeles. La historia está bien contada y la trama es interesante y encaja. Admirado por la reaparición de la bellísima Gong Li.
Dicho todo esto. ¿Porqué me aburrí como una ostra? ¿Porqué todo me pareció más falso que un billete de seis euros?
El cine es como las paellas. Puedes poner todos los ingredientes y cocinarla como dice el libro de Arguiñano y se deja comer. Pero eso mismo lo hace la madre de Xano y te comes la mejor paella del mundo.
De esta peli no puedo hablar mal pero le falta garra, interés, los personajes me daban igual y el final es penoso.
Ha habido buena voluntad pero con eso no es suficiente.
Hace unas semanas visitamos a mi madre y estaba acabando de ver Casablanca. He visto esta película unas veinte veces o tal vez más. De hecho la veo todos los años. Entre conversaciones, risas y fotos vi el final y volví a llorar, como siempre. Observé lo bien rodada que está, cada movimiento de cámara, cada plano, los diálogos. Todo es tan perfecto. Eso es una paella de la madre de Xano.
Lo malo de haber visto Casablanca o de haber comido esa paella que os comento es que a partir de entonces nada te va a parecer lo suficientemente bueno.
Aquí Anakin se ha hecho mayor y Binks ocupa un papel más secundario y ahora es senador.
En este Ataque de los clones hay aventura, batallas, amoríos e intrigas.
Padmé se transforma en heroína de acción y Natalie Portman lo hace bien (es una buena actriz). Le tengo un especial cariño porque la he visto crecer desde León (el profesional) hasta su Oscar por el Cisne negro. Comprendo que Anakin se enamore de ella.
Lucas cumplió bien con esta peli y no defraudó a los seguidores de la saga.
Hay momentos magníficos como la llegada de Joda al frente del ejército clon o Padmé arribando con un grupo de clones a auxiliar a Anakin.
Cada vez que la veo me gusta más. Ya llevaré vista media docena de veces.
La selección de esta película para ser nominada a los Oscars y su re-estreno me han animado a verla.
Mi amigo Koldo me habló bien de ella y ha obtenido numerosos premios en festivales.
Grupo 7 es un thriller policial en toda la reglas y cumple las normas del género pero su ambientación en la Sevilla pre-Exposición Universal la hacen especial.
Está rodada con eficacia. Las escenas de acción y las persecuciones son impecables. Los policías son seres humanos con sentimientos, con ira, trasgreden continuamente la ley pero son simpáticos y les gusta salir en televisión. Son personas, tal vez malas personas.
Todo en Grupo 7 respira realidad y nos muestra el paisaje y el paisanaje cutre de la Sevilla menos glamurosa.
La fotografía y el estilo me recordó a la magnífica Un Profeta, película francesa que ya comentamos en su momento.
Hace cuatro películas que Allen abandonó Nueva York y ahora se dedica a hacer turismo por Europa.
A mí no me molesta que nos presente una Roma de postal, ni que la llene de tópicos. A mí lo que me molesta es que los mismos chistes malos de toda la vida y otros nuevos igual de malos o peores, me hagan gracia.
Las cuatro historias que entremezcla (que no cruza) son interesantes y como siempre tienen su moralina.
En una reflexiona sobre la fama (efímera e inútil) de la televisión de Berlusconi.
En otra sobre el enamoramiento y sobre la conciencia de lo que sabe mal hecho. Magnífico el papel de Pepito Grillo de Alec Baldwin que Woody resuelve con una naturalidad pasmosa. Tal vez lo que más me gustó.
La tercera historia, que protagoniza el propio director nos dice que el éxito lo justifica todo, incluso el ridículo. Está llena de tópicos pero resulta divertida.
Por último el cuarto relato nos habla de la infidelidad y está contada como un sainete. Tiene un papel la madrileña Penélope Cruz que embutida en un pequeño vestido rojo está desbordante. Me quedé boquiabierto, impresionado. Me he vuelto un rendido admirador de su belleza. A partir de ahora soy incondicional.
El conjunto resulta agradable. Pero me dio la sensación que es más de lo mismo. Allen ya no se esfuerza. Todo está bien contado con ese tono general de comedia ligera pero relatado como con desgana. Es como si tuviera que cumplir con el trámite anual de un estreno y piensa cumplo y ya está. Sin pasión, sin originalidad. Cuento los mismos chistes, las mismas historias y solucionado.
Es lo contrario que el gran Almodóvar que llena de pasión cada nueva película. Que podrá ser peor o mejor pero se desborda en ellas.
Acudo al cine el sábado por la tarde deseoso de ver películas. Llevo bastantes días sin ver nada. Me preparo una sesión doble primero ésta y después la de Allen.
Visiono la peli en la más absoluta soledad. ¿Soy el único raro que ha decido ver esta peli? ¿Es la subida del IVA que ha disuadido a los espectadores?
El amigo de mi hermana es una película de bajísimo presupuesto con solo tres actores. Podría pasar por europea pero es una producción norteamericana independiente.
Lynn Shelton es la guionista y directora que nos presenta a tres más que treintañeros que van despistados por la vida, que son inseguros e inmaduros pero que caen simpáticos.
La trama es sencilla. Los diálogos están llenos de titubeos y reiteraciones. La cámara se coloca en primer plano de los actores con nula originalidad. Nada me estimulaba a seguir despierto, pero gracias a la cafeína y a una fuerza de voluntad titánica me mantuve con los ojos abiertos (casi todo el tiempo).
Al final me espabilé y lo que vi me pareció algo mejor.
Salí del cine con la satisfacción del deber cumplido. Alguien tenía que ver esta peli y yo había sido el voluntario.
Es siempre una rareza una película de animación española.
Enrique Gato demuestra valor y gallardía al atreverse a competir con las grandes productoras norteamericanas que tan alta perfección técnica y artística han alcanzado, especialmente Pixar.
Porque este Tadeo Jones tiene ambiciones de distribución internacional.
La historia está bien pero todo suena un poco a visto. También es verdad que se trata (en parte) de una parodia de las aventuras del famoso arqueólogo.
La peli se ve con simpatía. Los momentos hilarantes son escasos y protagonizados por el peruano vendedor de lo que sea, que es el mejor personaje.
Hay buenas imágenes como ese globo-hamburguesa o la chica (Sara) impresionando al bueno de Tadeo.
Hay otro gran personaje: la momia con una humanidad estupenda.
Fui a verla el fin de semana del estreno, el cine estaba casi a rebosar. Y eso me llenó de orgullo y satisfacción. La entrada ya incluía la subida al 21% del IVA y a pesar de ello los padres habían decidido gastarse una pasta en compartir una peli en una gran sala de cine con sus retoños.
Cuando mis hijos eran pequeños íbamos todas las tardes de los domingos al cine a la sesión de las cuatro que era más barata y no comprábamos palomitas ni bebida, a veces las traíamos de casa. Nos gastábamos poco dinero y disfrutábamos del gran espectáculo del cine. Fueron tiempos muy felices.
Por eso recomiendo a los padres que sigan yendo al cine con sus hijos. Lo importante es la película y el recuerdo de compartirla. De la fanta y las palomitas no se acuerda nadie, no son imprescindibles y en ellas se puede ahorrar.
Respecto al Gobierno que ha sido capaz de subir los impuestos de la cultura de esta manera como si fuera un artículo de lujo solo merece mi desprecio más absoluto. Sois basura, que lo sepáis. Solo basura.
El rostro del Ministro de CulturaJosé Ignacio Wert refleja claramente que hace mucho tiempo se dejó arrastrar por el reverso tenebroso de la fuerza. Es claramente un seguidor del Emperador, un caballero del lado oscuro. Un Ministro de Cultura que permite que se graven de esta manera los espectáculos culturales no merece desempeñar ese puesto.
Hay que ir a ver a Tadeo Jones, es cine español divertido, familiar y lleno de buenas intenciones.
Ahorremos en las palomitas y no en ir al cine. El séptimo arte ha sido siempre parte de mi vida desde mi infancia, también debe serlo de nuestros hijos y de nuestros nietos.
El túnel de los huesos nos cuenta la fuga de un penal de un grupo variopinto de presos escavando un túnel.
El tema nos lleva a recordar la gran peli de fugas por antonomasia: La gran evasión.
Aquí en lugar de oficiales aliados son maleantes la mayoría más trastornados que las maracas de Machín. Unidos solo por el ansia de libertad. No hay buenos sentimientos ni altruismo, si colaboran es por interés propio.
Al escavar el túnel se encuentran con un depósito de huesos por el que deben de avanzar. Estos delincuentes deciden que han de comunicar lo que han visto en una especie de pago de deuda con otros presos que sufrieron la peor de las suertes. Y en la grandeza de estos individuos está la grandeza de la película.
La película resulta interesante y se ve con atención. El tono es totalmente realista y siempre creíble.
Los actores prodigiosos perfilan bien sus personajes.
Una peli interesante. Es una pena que estas producciones pasen desapercibidas cuando son más atractivas que muchas producciones americanas (del norte).
Estábamos cenando Fer, Elena y yo. Comenzó esta película y ya la seguimos viendo en la Uno.
La comicidad de esta producción hispano-británica se basa en la interpretación de Ernesto Alterio que borda su papel de científico despistado, tímido e inseguro.
La fotografía llama la atención, es blanca, brillante y luminosa lo que da un tono de optimismo general.
Jacques Tourneur, director francés que trabajó sobre todo en EE.UU. y en sus últimos años llegó a dirigir episodios de Bonanza, es sobre todo conocido por su película La Mujer Pantera.
Aquí realiza una peli de espías ambientada en la Europa después de la Segunda Guerra Mundial.
No recuerdo ninguna peli que nos cuente qué pasó en la Alemania ocupada por los Aliados. Por eso me parece una producción excepcional.
En los créditos iniciales se especifica que las fuerzas militares de ocupación habían autorizado la grabación de imágenes mostrando Berlín y Frankfurt absolutamente devastadas tras los bombardeos. Son fotogramas de una potencia visual arrolladora que realmente te trastornan.
El relato es de típica peli de intriga al estilo Hitchcock pero de su etapa británica. Los personajes están bien construidos aunque resultan algo esquemáticos y consiguen un buen nivel dramático todo con un tono de cierta ingenuidad.
El blanco y negro es maravilloso y muy adecuado a la historia y a la época.
El único pero es el uso excesivo de la voz en off, aunque aquí tal vez sea necesaria.
¿Porqué a Elena y a mí nos atraen estas películas antiguas de un modo tan intenso?
No lo sé muy bien pero de lo que estoy seguro es que nos lo pasamos fenomenal.
Ted es una comedia romántica al uso, cortada con el mismo patrón que otras muchas. John y Lori son una parejita de enamorados pero John tiene el típico amigote (Ted) parásito, porrero y juerguista que le lleva por el mal camino al enamorado John. Por ello la pareja discute y se separa. John lucha por su amor. Ted intercede y la parejita se reconcilia y vuelven juntos.
La novedad de esta historia tan manida es que la mala influencia (Ted) es un osito de peluche estilo Mimosín pero en plan gamberro. Y este muñequito es el que se lleva de calle la peli, con ventaja.
El arranque y el final son de cuento navideño con una voz en off muy adecuada. Pero de ese principio ñoño se pasa al humor lleno de palabrotas e irreverente de Ted.
Hubo momentos en los que (literalmente) me desternillé y temí por la integridad de mi vía respiratoria. También hubo episodios no muy entretenidos.
A Mark Wahlberg le he descubierto como buen actor de comedia bien acompañado de la bella Mila Kunis con unos ojos abisales.
Esta peli me planteó algunas reflexiones que quería compartir. La novia Lori le plantea a su novio la necesidad de madurar. Y yo me pregunto: ¿qué es madurar? ¿Volverse un tío serio al que no le hacen gracia los chistes, que no se desmadra nunca, que no dice palabrotas?. Eso, tal vez, es lo querría Lori de su novio John. Pero no, querida Lori, madurar es tener las cosas claras, saber que te gusta y que no y no significa perder el sentido del humor, ni la socarronería, ni las ganas de vivir. Maduro no es lo mismo que aburrido.
Siempre se ha dicho que los hombres se casan esperando que su esposa no cambie y las mujeres esperando cambiar a sus maridos. Hay que saber aceptar a las personas como son y no cómo nos gustarían que fueran.
Después de estas reflexiones de borracho de barra de bar os recomiendo que veais Ted y ¿porqué?. Si yo me lo pasé bien espero que vosotros también la disfrutéis.
Hay unos cuantos momentos memorables en esta peli que espero no olvidar.
En todas las producciones de la factoría Pixar se han unido calidad en la animación y unos maravillosos guiones. Tal vez el resultado más flojo fuera con Cars 2, aunque su calidad técnica es irreprochable.
Antes de Brave proyectaron el corto La Luna, una auténtica maravilla, de una delicadeza y un buen gusto impresionantes.
Pensé: después de este exquisito aperitivo es difícil que la comida esté a la altura.
Esta Brave posee la perfección técnica en la animación de todas las pelis Pixar. No la vimos en 3D pero aún así está tan bien la imagen que sentías sensación de profundidad en los bosques de Escocia.
Es una delicia admirar esos colores y esa animación tan perfecta.
Pero la historia no se queda atrás. El guión está bien estructurado, mantiene el interés constantemente. Es un cuento con moraleja pero en ningún momento sensiblero ni ñoño.
Ese enfrentamiento madre-hija está magníficamente relatado, es divertido y muy realista. ¡Cuántas no se verán retratadas!
A Mérida habría que nominarla como mejor actriz. Está tan llena de vida, es tan de verdad que uno se olvida que es un dibujo animado.
El tono feminista es un punto novedoso. Ya quedaron atrás La Bella Durmiente (la más pasiva de todas las princesas) o Blancanieves (ésta también era bastante pasiva, ahora que lo pienso). Aunque también las hubo frescas como la Cenicienta que engatusa al príncipe y se hace la dura marchándose a las 12.00.
En esta peli el objetivo de la Princesa Mérida no es casarse sino ser independiente, aunque los tres príncipes son a cual más guapo y apuesto.
La música está muy cuidada con un par de canciones muy emotivas.
Siempre me gusta quedarme hasta que terminan los créditos y ésta vez eso tiene su recompensa en forma de sorpresa final.
El nivel alcanzado con las pelis de Pixar es tan alto que parece imposible que sus producciones sigan teniendo ese nivel. La asociación con Disney veremos que nos depara pero de momento en esta peli el protagonista no es un anciano, ni unos juguetes, ni un robot, ni un coche, sino que es una princesa. ¿Será la influencia Disney?
Él afirma que solo se puede hacer una buena película con un buen guión y aquí cuenta con uno de los guionistas de la serie Lost.
Prometeo era un Titán que se enfrentó a Zeus robándole el fuego y entregándoselo a los hombres de los que se le considera protector. Pero Prometeo fue castigado a vivir atado en el Cáucaso y que todos los días un águila le devorara el hígado. Al ser inmortal todas las noches lo regeneraba. Heracles lo liberó pero tuvo que vivir enganchado a un pedrusco por un anillo.
En esta Prometheus (el nombre de la nave) hay muchos elementos comunes con Alien, el octavo pasajero. No es precisamente una precuela porque no hay un hilo argumental claro sino “solo” muchas referencias. El sueñecito de dos años, los alliens que son claramente reconocibles, el que se meten por la boca, que se desarrollan abdominalmente…
El deseo de búsqueda del creador y de la reflexión sobre la mortalidad lo veíamos en Blade Runner.
Aquí el robot de 2001. Odisea del espacio está representado por David, tal vez, el personaje más interesante que aprende la manera de pensar de los hombres escudriñando en sus sueños y viendo Lawrence de Arabia, la película favorita de Scott y una de mis preferidas.
Casi todo en esta peli me resulta conocido no hay nada que me sorprenda. Hay escenas potentes y turbadoras. Pero la mayoría de los personajes estás desdibujados y hay algunos caricaturescos como el viejo ricachón deseoso de la vida eterna.
El diseño de producción es impresionante y apabullante, esto es una constante en las pelis de Ridley, lo que ha permitido que sus films sigan siendo actuales a pesar del tiempo.
Los extraterrestres gigantones como de museo de cera están francamente conseguidos.
Salí decepcionado, estuve entretenido pero no hubo nada que me asombrara que me pareciera novedoso. ¿Esperaba demasiado? ¿Ha perdido fuelle Scott? O simplemente: ¿le ha salido la peli mala?.
¿Tendrá secuela esta precuela?
Lo mejor las referencias a Lawrence de Arabia y el robot bien interpretado por el actor de moda Michael Fassbender.
Me declaro admirador del gran Sidney Lumet pero no había visto esta película. No es una de las más conocidas y tal vez no de las mejores, aunque es una peli magnífica.
Lumet ha sido el diseccionador de la corrupción policial y judicial y generalmente en el marco de la ciudad de Nueva York y aquí vuelve a cumplir estos requisitos.
Ha sido un cienasta muy prolífico que comenzó como actor y se estrenó como director con 12 hombres sin piedad un estreno impresionante. Solía decir que el de director es el mejor trabajo del mundo. Se le considera perteneciente a la Generación de la televisión aunque su dirección siempre ha sido clásica sin efectismos.
Esta Distrito 34 desarrolla una trama compleja con linealidad sin flashback, sin voz en off, con una cámara invisible.
La trama es compleja nos habla de corrupción policial, de mafiosos, de soplones, de racismo, pero también hay personas honestas y una historia de amor de fondo.
Los personajes son complejos, poliédricos y por ello reales. Los secundarios tienen historia no son meros rellenos.
La película rezuma cierto pesimismo. La conclusión final es que hay que esconder la suciedad debajo de las alfombras porque no se puede limpiar y el único refugio del protagonista es el amor, una historia que él mismo frustró.
Destacar a un malvado Nick Nolte que está magnífico en su papel de poli corrupto pero convencido que obra adecuadamente.
Timothy Hutton es el hilo conductor de la historia y tal vez no esté a la altura, en un papel ciertamente difícil.
Hay muchos momentos que me impactaron pero hay una frase al final de la película que consiguió que tuviera un escalofrío. El abogado de la fiscalía interpretando por Hutton entra en cólera al saber que la verdad y la justicia no va a prevalecer y comienza a destrozarlo todo. Su viejo amigo simplemente dice: “llamen a mantenimiento”.
Margaret es una producción sorprendente. Se trata de una peli norteamericana de aire independiente, aunque con actores de primera línea, en tono dramático sobre una adolescente que vive un suceso trágico y dura dos horas y media. Todo esto es raro-raro. Las pelis de adolescentes suelen ser comedias, a veces gamberras, duran poco y son intrascendentes. Me olvidaba decir que esta Margaret tiene ínfulas intelectualoides.
Para empezar tiene un grave problema de casting. La protagonista es una adolescente de 17 años que interpreta, la oscarizada prematuramente, Anna Paquin que tiene 29 años y se nota.
La peli intenta diseccionar cuestiones muy diferentes que mezcla en un tótum revolútum.
Habla del paso de la adolescencia a la madurez. De cómo afrontar situaciones críticas. Y se mete en berenjenales como el funcionamiento del sistema judicial norteamericano. En las tormentosas relaciones madre-hija. En el inicio de las relaciones sexuales. En problema Israel- Palestina. En el uso de la fuerza bruta y según quien la emplee es terrorismo o legítima defensa. En las relaciones (sexuales) entre profesores y alumnas…
Ya véis muchos temas. Todo salpicado de discusiones en clase de instituto de carácter filosófico-moral.
De hecho el título de la película no hace referencia al nombre de la protagonista (Lisa Cohen) sino a una composición del poeta romántico inglés Gerard Manley Hopkins.
Como aspecto más interesante destacaría el análisis que se realiza de conceptos, a veces no convergentes, como la justicia y lo legal o la verdad y lo conveniente.
La Paquin está un pelín sobreactuada y no cae simpática, su empecinamiento resulta irritante.
Hay intervenciones actorales que son en realidad monólogos de carácter teatral que enlentecen la acción.
Destacar la interpretación de la esposa del director, J. Smith-Cameron, la madre de Lisa que realiza una interpretación prodigiosa y convincente. Lo mejor con ventaja.
Este dramón/batiburrillo de larga duración no es digerible para todos los estómagos y no recomendable para la mayoría del público. De hecho el 50% de los espectadores de la sala en la que vi la peli la abandonaron. También es verdad que solo éramos dos.
Una vez dicho todo lo anterior he de afirmar que a mí me gustó, que en absoluto se me hizo larga y me pareció muy interesante.
No encuentro explicación ni disculpa de no haber visto antes esta peli del gran Clint Eastwood.
Aquí interpreta al clásico inspector retirado de vuelta de todo, cansado y que además le han puesto un corazón de recambio.
El comienzo es impactante, el desarrollo entretenido y el final es claramente lo peor con un malo de opereta.
Esta deuda de sangre discurre de manera eficaz por los trazos bien perfilados del mejor thriller.
Se sabe implicar al espectador en la investigación y que acompañe el inspector en sus deducciones. Todo muy bien trabado e hilado. Lástima que el final naufrague (y nunca mejor dicho).
Acudo con el máximo interés a ver esta producción argentina. Ya conocéis mi afición a esta filmografía.
Los primeros minutos son extraordinarios, sin diálogos, con imágenes impactantes.
La trama se desarrolla en un suburbio de Buenos Aires llamado Ciudad Oculta que está dominado arquitectónicamente por el Elefante Blanco, un hospital mastodóntico que ningún gobierno ha acabado. Ahí viven marginados, toxicómanos y los curas protagonistas.
Hay secuencias prodigiosas. Planos-secuencias largos y bien estructurados, donde la cámara pasea con los actores por las callejas, extraordinariamente bien planificados.
Impresionante también el recorrido de uno de los sacerdotes para entrevistarse con un capo local.
Las escenas de violencia callejera también están bien rodadas, todo con un toque muy realista.
Pero en el conjunto del guión hay algunas cosas que chirrían o que resultan previsibles. Algo falta que hace que el conjunto no sea redondo.
La ambientación general es formidable.
No comprendo muy bien la función de los curas en esa barriada a parte de la puramente eclesiástica.
Todos los actores están estupendos.
Ricardo Darín, como siempre, muy convincente, interpreta a un sacerdote que fue asesinado en la década de los setenta y cuyo crimen no ha sido esclarecido. Este actor sigue siendo garantía de calidad. Tal vez la mejor mirada del cine actual.
Martina Gusman, esposa del director, está impresionante, cada plano suyo trasmite realidad.
Tal vez tenía depositadas en esta peli demasiadas expectativas.
En la Meca de Cine deben estar muy desesperados, porque echar mano de un manual de autoayuda para embarazadas publicado en 1985 para de ahí sacar una peli. Es la repanocha.
Kirk Jons nos va contando la manera de afrontar el embarazo y la maternidad de diversas parejas, cuyas vidas están entrelazadas.
El relato discurre divertido con momentos sentimentales. Tal vez todos los actores estén sobreactuados pero el conjunto resulta coherente y no hay nada que chirríe.
Es un producto comercial pero hecho con gracia y estilo, sin pretensiones sociales o reflexivas, tal vez ligero y complaciente, pero muy entretenido.
Encontré complicidad con los personajes y me reí y hasta lloré en algunos momnetos (mi ya conocida lágrima fácil).
Cameron Díaz parece que se haya inyectado una sobredosis de botox, tan morena y musculada da un poco de grima.
En cambio Jennifer López está maravillosa. Es la que mejor interpreta su papel. Se la ve natural. Emociona. Mi admiración por ella cada vez es mayor.
Los peores diálogos son los de la pareja jovencilla, insustanciales y superficiales y tal vez realistas.
Reconozco que mi intención no era ver esta peli. Cuando salí de ver El Dictador pensaba entrar a ver Elefante Blanco pero tenía que esperar casi una hora. Esta Qué esperar cuando estás esperando venía perfecta y me decidí a entrar y no me arrepiento.
El actor, humorista, provocador profesional y guionista, Sacha Baron Cohen, es el protagonista absoluto de este divertido engendro.
Sacha hace chistes del nepotismo, de las torturas, del terrorismo (incluso se mete con el 11-S), del machismo y del feminismo, del ecologismo, de la democracia americana y también defeca y bebe orina. No deja títere con cabeza excepto con la religión de la que no se atreve a bromear.
Entre toda esta vorágine de mal gusto y ordinariez incontenible este portento de la naturaleza consigue arrancar más de una carcajada.
Desconozco las voces en la versión no doblada pero la del dictador resulta absolutamente insoportable con ese falso acento moruno, que además es incomprensible porque se trata de un mandatario norteafricano y musulmán pero no árabe.
Conforme avanza el metraje tanta gracieta llega a irritar.
Reconozco que en algún momento estaba confundido, no sabía si vomitar o partirme de risa y os voy a dar un ejemplo: Aladeen El Dictador está colgado de una tirolina y como tiene que perder peso le dicen que descargue lo que pueda. El pobre hombre llevaba varios días sin ir al sercicio y decide defecar a una considerable altura en una calle de Nueva York. En la vía pública un delincuente pega un tirón. Se espera que las heces caigan sobre el ladrón que comienza a huir… Pero no. Caen sobre la víctima.
Voy hacer y a responder a tres preguntas.
– ¿Se divirtió viendo esta peli?
– Sí, mucho.
– ¿La volvería a ver o la recomendaría a un amigo?
Michael Fassbender interpreta a un soltero de los que tiene éxito con las mujeres y aprovecha su atractivo físico para beneficiárselas. Además es consumidor de porno en revistas (que colecciona) y por internet (la madre de todo conocimiento). De vez en cuando se va de putas y por supuesto se masturba habitualmente. Yo por ahora no veo nada raro. Pero al pobre no se le ve contento. Ya sé que resulta inexplicable pero lo pintan como enfermo.
Para colmo aparece su hermanita (Carey Mulligan) que también es rarita y se ha intentado suicidar y tiene cáncer y se lía con el jefe de su hermanito, pero nada serio.
El conjunto nos da la apariencia, que no se explicita, de rollo morboso y atormentado con una fotografía brillante.
Ha cosechado buenas críticas y su protagonista (Michael Fassbender) ha obtenido algunos premios.
Los mejores momentos de la peli son en los que Brandon (el personaje principal) liga con la mirada en el metro.
Veo esta peli a través de la web Filmotech que organiza el Segundo Festival de Cine Online donde se pueden ver seis películas que no se pudieron estrenar en cines y después se puede votar la que más te guste.
Empiezo viendo esta Amanecidos. Consiste en pequeños cortos sin relación entre ellos que suelen representar episodios de relaciones de chico-chica, aunque no todos. Algunos resultan interesantes y otros tediosos.
Hay cierta experimentación visual que resulta interesante y alguna vez atractiva.
El conjunto es aburrido y se olvida pronto. Además me entró sueño.