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Toma el dinero y corre – 1969 – Woody Allen – Taller de Cine de Azuqueca de Henares – Crítica y Curiosidades

7/12/2017

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Crítica:

 

Hacía muchos años que no volvía aver esta peli.

 

No recuerdo mi primera vez, pero estoy seguro que me partí de risa.

 

Cuando era niño y adolescente agradecía mucho el humor.

 

Cualquier cosa cómica me gustaba.

 

Tal vez, el vivir un país en (un poco) blanco y (mucho) negro influía.

 

La peli se tolera porque dura poco más de ochenta minutos.

 

Pero a mí me satura.

 

No deja de ser una sucesión de sketches y gags, la mayoría muy divertidos, pero sin una narración que mantenga el interés.

 

La peli se sostiene solo por las continuas bromas, pero en absoluto porque la trama sea interesante o se cree en el espectador cierta espectación por lo que va a ocurrir.

 

Te ríes, pero la olvidas.

 

De hecho recordaba alguna escena especialmente graciosa, pero no sabía muy bien de que iba la peli.

 

El éxito de Toma el dinero y corre sirvió para que Allen haya seguido rodando durante casi cincuenta años sus películas.

 

Bienvenida sea.

 

Es ideal para salir del cine y volverte a reír recordando algunos de los chistes.

 

 

Curiosidades:

 

Estreno modesto:

La película fue finalmente estrenada en una pequeña sala en Manhattan llamada Playhouse.

Debido al éxito del film la gente comenzó a acudir en masa superándose el récord de entradas de la sala.

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pequeña sala en Manhattan llamada Playhouse

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Falso documental:

La película sigue un estilo documental.

Woody Allen comentó lo siguiente sobre el uso de este estilo en una entrevista con Richard Schickel:

Toma el dinero y corre era un pseudo-documental.

La idea de hacer un documental, cosa que, finalmente, perfeccioné con Zelig me acompañaba desde el día que empecé a hacer películas.

Pensaba que era un vehículo ideal para hacer comedia, sobre todo porque el documental es un formato muy serio, de tal manera que uno se ve obligado a trabajar dentro de unos parámetros muy fijos donde cualquier cosa, por pequeña que sea, hecha con la intención de romper la seriedad se convierte inmediatamente en algo divertido.

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San Francisco:

La película fue grabada en San Francisco a diferencia del Nueva York de las siguientes películas del director.

Incluso en una escena sale el famoso restaurante Ernie’s en que se rodó una escena de Vértigo de Alfred Hitchcock.

La prisión que aparece en la película es la de San Quentin.

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famoso restaurante Ernie's

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San Quentin

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Mickey Rose:

Allen co-escribió la película con Mickey Rose, un antiguo compañero de instituto, tardaron tres semanas y según palabras del director, “el objetivo de la película era provocar la risa durante todo el metraje“.

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Mickey Rose, who co-wrote Woody Allen's early films "Bananas," "Take the Money and Run" and "What's Up, Tiger Lily?" before becoming a TV writer, has died in Beverly Hills. He was 77. TROUNSON, 15-20 inches, looking for art.

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Ralph Rosenblum:

El primer montaje de Woody Allen se consideró decididamente poco gracioso.

Los productores Jack Rollins y Charles H. Joffe lo convencieron para reunirse con el editor principal Ralph Rosenblum para ver qué se podía salvar.

Lo primero que hizo Rosenblum fue cortar el sangriento final, luego reestructuró la película por completo, y en general reforzó la narración suelta de Allen.

Este esfuerzo transformó la película terminada en un clásico de comedia.

Rosenblum posteriormente se convirtió en el editor elegido de Allen en la mayoría de sus siguientes películas, incluyendo Bananas (1971), El dormilón (1973), La última noche de Boris Grushenko (1975) y Annie Hall (1977).

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Ralph Rosenblum

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San Quentin:

A cien prisioneros de San Quentin se les pagó una pequeña tarifa para trabajar en la película durante las secuencias de la prisión.

El elenco y el equipo regular fueron sellados cada día con una tinta especial que brillaba bajo luz ultravioleta para que los guardias pudieran decir a quién se les permitía abandonar el recinto de la prisión al final del día.

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sanquentin

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Fecha de nacimiento:

Virgil Starkwell nació el 1 de diciembre de 1935.

Esta es la fecha real de nacimiento de Woody Allen.

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Virgil Starkwell

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Dillinger:

El inepto intento de Virgil de escapar de la prisión sacando una pistola de jabón teñida de negro con betún se basa libremente en la famosa fuga del ladrón de bancos John Dillinger en la cárcel de Indiana, Crown Point, usando una pistola de madera ennegrecida con betún.

En un paralelo interesante, en la película Dillinger (1973) dirigida por John Milius y protagonizada por Warren Oates como John Dillinger, se le muestra usando una pastilla de jabón en lugar de una pieza de madera.

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John Dillinger

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Warren Oates como John Dillinger

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Bandas de escuela:

El “Spring Street Settlement House Marching Band“, con la que Woody Allen intenta tocar el chelo en una escena, fue realmente la banda de marcha de Tamalpais High School en Mill Valley, California, justo al norte de San Francisco.

La banda había recibido una invitación para actuar en Disneyland en un festival de bandas de la escuela secundaria y la tarifa que recibieron de la película les ayudó a pagar su viaje.

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Spring Street Settlement House Marching Band

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Julius Epstein:

El nombre del psiquiatra es Dr. Julius Epstein.

Se trata muy probablemente un homenaje al guionista Julius J. Epstein, quien es más conocido por ganar un Oscar por su guión Casablanca (1942).

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Julius J. Epstein

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Nervioso:

Más tarde, Woody Allen dijo que no estaba nervioso por su primer día, pero estaba tan emocionado por filmar en la prisión de San Quentin que se cortó la nariz afeitándose esa mañana.

El contratiempo se puede ver en la escena de la prisión en la película.

Él y su equipo encontraron que los reclusos eran muy amables y cooperativos.

Las autoridades de la prisión también acogieron con entusiasmo la producción, pero emitieron una advertencia: el reparto y el equipo técnico debían estar siempre acompañados por guardias y, si eran tomados como rehenes, no se abrirían las puertas para asegurar su liberación.

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Lewis:

Esta fue la primera película que dirigió Woody Allen.

Su falta inicial de confianza lo llevó inicialmente a pedirle a Jerry Lewis que dirigiera la película, pero Lewis estaba ocupado con su propio trabajo.

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Final triste:

Al principio, Woody Allen filmó un final deprimente en el que era asesinado a tiros, cortesía de los efectos especiales de AD Flowers.

El editor de Allen, Ralph Rosenblum (cuyo primer trabajo con Allen fue éste), lo convenció de ir por un final más ligero.

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Mejor tiempo en San Francisco:

Filmado durante 10 semanas en el área de San Francisco.

Woody Allen bromeó diciendo que era un mejor lugar para pasar el verano que Cleveland, pero, en realidad, sabía que la ciudad era lo suficientemente compacta como para permitirle a él y a su equipo completar 87 escenas en 50 días.

Su equipo de filmación sabía que un calendario tan desalentador era más adecuado para la industria de la televisión, donde trabajar hasta las 10 u 11 de la noche era algo habitual.

Pero Allen completó la película sin trabajar hasta tarde, y varias veces terminó el rodaje a las 4 en punto.

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san francisco

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Tres funciones:

La primera vez que Woody Allen realizó la triple tarea de escribir, dirigir y actuar en una película.

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Reescritura rápida:

Ralph Rosenblum hizo que Woody Allen escribiera nuevas escenas de narración y voz en off para ayudar a unir las piezas dispares.

Allen mostró una habilidad virtuosa para ir a una esquina y sacar nuevas páginas en un santiamén que encajaban perfectamente con las sugerencias de Rosenblum.

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Cinemobile:

Fouad Said, el director de fotografía original de la película, que fue reemplazado unas semanas después de la producción, había inventado recientemente el Cinemobile para Yo soy espía (1965), un vehículo que facilita el transporte de equipos en rodajes de ubicación.

Al usar este dispositivo, Allen pudo filmar hasta en seis lugares por día, tres veces lo habitual para una unidad de filmación de Hollywood en ese momento.

Como resultado, redujo el presupuesto en casi medio millón de dólares y acortó el rodaje en una semana.

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Cinemobile

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Casino Royale:

La decisión de Woody Allen de convertirse en su propio director fue parcialmente estimulada por el caótico y descontrolado rodaje de Casino Royale (1967), en el que apareció dos años antes.

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Casino Royale

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Falsa peli verdaderos productores:

La película que Virgil muestra a su pandilla (“Trout Fishing in Quebec“) aparece como una producción de Rollings and Joffe, los productores de la vida real de Woody Allen.

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Rollings and Joffe

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Palomar Pictures:

El contrato que Woody Allen tuvo con Palomar Pictures le dio carta blanca para hacer lo que quería con esta película, incluido el corte final, estableciendo el precedente de cómo trabaja hasta el día de hoy.

Nunca me molestaron”, dijo.

“Fue una experiencia muy agradable. Y desde ese día nunca tuve ningún problema en el cine desde el punto de vista de la interferencia de ninguna manera”.

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Palomar Pictures

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Arthur Penn:

Como director neófito, Woody Allen admitió que había buscado muy poca ayuda de cineastas más experimentados.

Nunca se me ocurrió por un segundo que no sabría qué hacer“, dijo, y dejó que la visión de la película en su cabeza guiara cómo hacerlo.

Almorzó con Arthur Penn, quien le impartió cierta información técnica (como el proceso de corrección de color de las tomas) y algunos detalles logísticos, pero de lo contrario, simplemente se sumergió.

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Arthur Penn

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Improvisar:

Woody Allen animó a su elenco a improvisar, a menudo filmando hasta tres gags improvisados ​​para cada escena.

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Muchas tomas:

Woody Allen rodó innumerables tomas e imprimió la mayoría de ellas porque en su inexperiencia asumió que un buen director debe hacer muchas tomas y protegerse con cobertura desde todos los ángulos.

Continuó la práctica en sus primeras películas, pero luego se ganó la confianza para hacer lo que le parecía más apropiado: largas tomas, con poca o ninguna cobertura y muy pocas repeticiones.

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Material eliminado:

Una de las primeras cosas que Ralph Rosenblum hizo fue pedir ver todo el material que se había cortado.

Descubrió que Woody Allen había eliminado muchas de sus partes más divertidas.

También reorganizó la película.

Debido a que estaba muy poco estructurado de todos modos, con muchos diálogos visuales dispersos, fue libre de usar el estilo documental para cambiar el orden y el ritmo de la película para lograr un mejor efecto.

Él dividió las entrevistas con los padres de Virgil en varios segmentos a los que podría volver para tener algo que separar, un puente entre otras secuencias.

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Música nueva:

Ralph Rosenblum descubrió que Woody Allen había puesto música melancólica detrás de algunas de las escenas para enfatizar la triste vida de su personaje.

Rosenblum sustituyó la música por una nueva y optimista -una pieza de ragtime de Eubie Blake aquí, una bossa nova allí- para mostrarle a Allen la mejora, y le ofreció el consejo de cortar siempre con música, incluso antes de que se completara la escena.

Este aspecto de la imagen también fue ayudado tremendamente por el compositor Marvin Hamlisch, un antiguo pianista de ensayo nuevo en el negocio que sorprendió a todos con su capacidad para realizar sugerencias y componer la música adecuada en prácticamente cualquier estilo en un período de tiempo sorprendentemente corto.

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Marvin Hamlisch

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Cuidado con Hamlisch:

A pesar de su satisfacción con el trabajo del compositor Marvin Hamlisch, todos se volvieron un poco locos por su personalidad.

Llamaba constantemente, obsesivo y nervioso, queriendo discutir el puntaje, rogándole a la gente que escuchara lo que había escrito inmediatamente.

A veces incluso insistía en que escucharan por teléfono, cuestionaba qué instrumentos preferían oír tocar y pedía que se ampliaran las escenas para acomodar los temas que había creado.

En una sesión de grabación para la secuencia principal del título, una balada original con la que Hamlisch estaba particularmente complacido, Allen escuchó impasible, se encogió de hombros y preguntó:

  • “¿Qué fue eso?”

El compositor estaba tan devastado que cuando Allen salió de la habitación, se acostó en el suelo del estudio y lloró.

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Elegir el personal:

La mayoría del equipo de producción de Woody Allen fue elegido para él, pero seleccionó al diseñador de vestuario, al director de fotografía y al director de arte.

A las pocas semanas de producción, sin embargo, tuvo problemas con sus elecciones y despidió al director de fotografía, Lester Shorr.

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Lester Shorr

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Actores no profesionales:

Muchos de los miembros del elenco no eran profesionales y fueron elegidos porque parecían más auténticos y reales que los actores del personaje en el enfoque “documental” que Woody Allen tenía en mente.

Ralph Rosenblum encontró a Woody Allen reservado, desanimado por los problemas con su película, pero para nada arrogante ni exigente.

Admitió que no sabía lo que estaba haciendo y siguió las sugerencias de Rosenblum.

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Fritz:

Marcel Hillaire interpreta a un ex director de cine llamado Fritz, quien obviamente es una caricatura de Fritz Lang, con su característico acento teutón, botas negras…

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Marcel Hillaire

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Granujas de medio pelo:

La primera de dos falsos documentales cómicos de Woody Allen, y la segunda es Granujas de medio pelo (2000), que se hizo y se estrenó alrededor  treinta y un años después.

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Granujas de medio pelo

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Charles Starkweather:

La historia, y la referencia inherente en el nombre del personaje principal, fueron inspiradas en parte por Charles Starkweather, un famoso criminal y asesino de la década de 1950.

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Charles Starkweather

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Primera peli:

Una edición en DVD de esta película declara que esta película es la “primera película como guionista, director y estrella” de Woody Allen .

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Cómo dirigir:

Antes del primer día de rodaje, Allen estaba leyendo un libro titulado “Cómo dirigir”.

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Louise Lasser:

Una de las actrices es Louise Lasser, esposa de Allen en ese momento.

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Louise Lasser

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El sexo:

 

En relación a las mujeres, el psiquiatra de la cárcel me preguntó si había estado con alguna, y dije que no.

Me preguntó si el sexo me parecía sucio, y contesté que solo si se hace bien“.

Virgil (Woody Allen)

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Mi puntuación: 6,43/10.

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El director Woody Allen:

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Otros posts relacionados:

 

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Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

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En Vimeo: vimeo.com/holasoyramon

 

 

Podcast de Holasoyramon

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Un truco para encontrar la crítica de una peli rápidamente:

Pon en Gloogle “hola soy ramon” y el título de la peli.

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Café Society – 2016 – Woody Allen

1/09/2016

 

 Café Society

 

Asisto a la cita anual del director neoyorquino.

 

Allen es como un cuñado que te visita todos los años camino a la playa.

 

Algún verano lo encuentras encantador, otros te aburre y a veces te saca de quicio.

 

Es lo que tienen los cuñados.

 

Este año nos ofrece una comedia ligera que habla del amor y de las relaciones personales con sutileza, sin estridencias, sin melodrama innecesarios.

 

Se mueve en una sociedad pudiente, ajena a las adversidades de la época.

 

A mí me resulta irritante que ambiente su dramedia en los años treinta, ofreciendo una visión de la realidad que obvia las necesidades de unos años sumergidos en una profunda crisis.

 

Su nivel e intrascendencia es mayúsculo. Los problemas que se presentan son banales.

 

En sus historias de amor hay poca pasión.

 

Solo la subtrama del hermano gángster resulta divertida e interesante.

 

Para colmo insiste en explicarnos, con una tediosa voz en off, lo que ya somos capaces de ver y deducir por nosotros mismos.

 

Allen parece que quisiera rendir un homenaje a una época idealizada que ni vivió, ni conoce.

 

Kristen Stewart me sigue resultando insoportable y su personaje es detestable.

 

La falta de profundidad de Jesse Eisenberg no contribuye a crear interés.

 

Se salva la maravillosa Blake Lively.

 

Esta chica posee la cualidad especial, que solo tienen las grandes actrices, de enamorar a la cámara y al espectador.

 

Sus sonrisas son como rayos de sol en las tardes frías de invierno que iluminan y dan calor.

 

Insisto: maravillosa.

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La fotografía dorada de Vittorio Storaro es impresionante, de una belleza embriagadora.

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Después de escribir mi crítica leo lo que han escrito periodistas más competentes e inteligentes que yo.

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Se deshacen en alabanzas.

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Carlos Boyero escribe:

“‘Café Society’ es de las películas más bonitas de Woody Allen.”
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Me llena de orgullo y satisfacción volver a discrepar con uno de los grandes de la crítica española.
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A mí Café Society me parece un monumento a la banalidad, a la insulsez. El divertimento gratuito y vacuo de un viejo rico.
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Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

Canal de YouTube: HolaSoyRamónVídeos

 


 

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Desmontando a Harry – 1997 – Woody Allen – Taller de Cine de Azuqueca de Henares

13/12/2015

 

Vemos esta peli los amigos de Azuqueca en el cine del EJE.

 

No me cansaré de dar las gracias y repetir que es un auténtico lujo.

 

En la peli anterior () pasamos mucho frío. Varios compañeros vienen con manta preparada, que afortunadamente no hace falta porque contamos con calefacción.

 

Siempre he mantenido que son cuestiones diferentes el artista y la persona.

 

Podemos encontrar detestable al individuo, pongo el caso de Dalí, y encantarnos su obra.

 

En el cine también tenemos algún caso muy notorio.

 

Allen tuvo como pareja entre 1982 y 1992 a la actriz Mia Farrow.

 

Se separó de la misma después de que Farrow le descubriera fotografías pornográficas de una de las hijas adoptivas de ella, desnuda.

 

Allen negó cualquier vinculación sexual o sentimental con su hijastra (a quien conocía desde los cuatro años).

 

Pero al poco tiempo de separarse de Farrow ”blanqueó” su relación sentimental con Soon Yi, con quien se casó en 1997.

 

En 1991, cuando la relación salió a la luz, Allen tenía 56 años y Soon Yi, 20.

 

Tras la separación, Farrow denunció penalmente al director por acoso sexual a la hija de la pareja, Dylan Farrow, que tenía 7 años en la época de los abusos.

 

Dylan Farrow, relató en febrero de 2014 a través de una carta abierta los abusos sexuales a los que la sometió el cineasta cuando tenía 7 años.

 

Segun Dylan, los hechos ocurrieron cuando vivía junto a Allen y la actriz Mia Farrow.

 

El caso salió a la luz en 1993, pero los cargos criminales en contra del director fueron retirados por Farrow, aunque la justicia reconoció las pruebas y prohibió a Allen el derecho de visitas sobre su hija.

 

La carta ha sido la primera vez que Dylan Farrow se ha referido al tema ante la prensa, y la decisión estuvo inspirada por los reconocimientos que ha recibido Allen durante los últimos tiempos. Allen siempre negó las acusaciones.

 

No tendría ningún derecho de contar estas cuestiones en una crítica cinematográfica, pero en esta peli Allen nos hace un relato “autobiográfico” que pudiera ser justificativo. La peli se realiza después de la polémica.

 

Quede claro que el Allen cineasta me gusta y el conjunto de su obra me parece sobresaliente.

 

Esta peli la vi hace años y casi no la recordaba.

 

Repleta de diálogos que no dejan un momento de descanso y que llegan a agotar.

 

Allen nos cuenta sus conflictos sentimentales y sus relaciones con las mujeres.

 

Mezcla continuamente la ficción con la falsa realidad del relato cinematográfico, creando confusión en el espectador, o por lo menos en mí.

 

Está claro que no es la transposición literal de su vida amorosa, porque que él la enriquece y la retuerce para contarla a su conveniencia.

 

Las mujeres de esta peli son todas unas histéricas, con actitudes excesivas, habiendo incluso tiros.

 

Cuando le acusan de adulterio él responde con contestaciones claramente machistas, culpando a sus parejas.

 

El único personaje que parece salir bien parado es la joven amante (Elisabeth Shue) que le abandona para casarse con Billy Crystal.

 

El colmo de la desfachatez del director y protagonista es cuando en una escena, por otra parte muy divertida, la esposa le explica a su hermana (y amante del adúltero) que se ha liado con una veinteañera.

 

Allen ridiculiza a las mujeres las presenta como comparsas de su vida en el colmo del egocentrismo y de la misoginia.

 

Tal vez sea una revancha miserable por la situación que había padecido (merecidamente).

 

Woody es un tío listo y nos intenta desarmar con el humor, con el tono de comedia que sabe dar a las situaciones más dramáticas.

 

Ésta es la típica peli que se olvida o, tal vez, solo recordada por ser una comedia divertida.

 

Pero no deberíamos disculpar sus actitudes misógenas por que obtenga una sonrisa cómplice. Eso es lo que pretende de nosotros complicidad y justificación.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

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Alcarria TV – Al Cine con Ramón 2015-11-18 – Mr Kaplan, Deuda de honor (The Homesman), Woody Allen, Techo y comida

22/11/2015

 

Esta semana hemos hablado con Pablo Franco de la actualidad cinematográfica alcarreña y hemos estado rompedores.

 

Comentamos las novedades en el Cine Club Alcarreño, en el Taller de Cine de Azuqueca de Henares, y otras novedades.

 

Las películas a las que hemos dedicado más tiempo:

 

 

 

 

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Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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Irrational Man – 2015 – Woody Allen

7/10/2015

 

Woody Allen es como el cuñado que vive lejos y todos los años te visita.

 

Algunas veces te despides pensando: ¡Qué majo, qué chistes tan buenos cuenta!

 

Otras veces: ¡Qué pesado, todos los años tener que aguantarlo!

 

A Allen se nota que le gusta escribir sus guiones.

 

En Irrational Man crea una historia muy bien construida.

 

Pero a la hora de filmarla parece que pusiera el piloto automático y la rodara con desgana.

 

Da la impresión que con esa trama se hubiera podido hacer una mejor película.

 

Según mi amigo Daniel, psicólogo de prestigio, su protagonista es un neurótico que necesita hacer algo especial, importante, para dar sentido a una vida que si no es insatisfactoria.

 

También me comentó el encaje con las teorías de Kant, pero eso no fui capaz de entenderlo.

 

Allen introduce los elementos habituales en su filmografía: el amor entre personas de diferente edad, la docencia, la filosofía, el destino, el azar…

 

Su argumento de carácter psicológico está adornado de elementos de thriller, con muy escasos toques de comedia romántica.

 

El escenario es un campus universitario de esos tan verdes, tan limpios, tan americanos…

 

Detestable el uso, innecesario, de la voz en off, que solo insiste en lo que ya estamos viendo.

 

Tiene suerte con contar con dos muy buenos actores.

 

Joaquin Phoenix compone un personaje pesimista, depresivo que gracias a un objetivo (ilícito) consigue volverse optimista.

 

Emma Stone está absolutamente maravillosa. La cámara la quiere y además es una actriz excepcional. Cuando sonríe ilumina la pantalla y cuando llora sus lágrimas nos salpican de emoción. Nada de lo que diga conseguirá expresar lo extraordinaria que es.

 

Si este cuñado dejara de venir lo echaríamos mucho en falta.

 

¡Hasta el año que viene!

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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