Estamos ante un thriller de los buenos, de los que a mí me gustan.
El espectador va descubriendo la verdad al mismo tiempo que los protagonistas, sin trampas.
Las conjeturas que vamos sacando van coordinadas con las que obtienen los protagonistas, algunas ligeramente inverosímiles o demasiado deductivas, pero a mí me parecieron convincentes.
Hurgar en el pasado es una misión difícil, especialmente cuando nadie quiere contar toda la verdad.
Además de la historia criminal está el relato de tres amores. El de un padre por su hija y esposa, el de un padrastro por su hijastra y el de dos jóvenes.
Eduardo Blando sabe mezclar en sus personajes humor y sentimiento. ¡Cómo lo admiro!
Antonio Dechent tiene una pequeña intervención, pero de las que no se olvida. ¡Qué gran actor!
Le falta algo de acción para ser más comercial, pero a mí me ha gustado así tal cual.
Se llevó la Biznaga de Plata a la mejor peli y mejor dirección en Zonacine en la vigésima edición del Festival de Málaga.
Júlia se va de erasmus a Berlín.
Todo son dificultades.
Su novio (gilipollas) no la apoya.
No está a gusto con sus compañeras de piso.
En clase los profesores no se lo ponen fácil.
Se siente sola, desubicada.
Cuando hablamos de erasmus todos pensamos en juerga, fiestas y desparrame, pero la vida es dura fuera de casa.
De esto nos habla Elena Martín, de una manera naturalista, sencilla y sincera.
Ella se dirige a sí misma componiendo un personaje bien construido, con una capacidad expresiva maravillosa, con una mirada sabe trasmitir su situación anímica.
Ella es el gran valor de esta peli.
Elena Martín me parece maravillosa.
Cuando terminamos de verla fui el único al que le había gustado.
El resto de amigos y compañeros del Cine Club Alcarreño la denostaban cruelmente.
Menos mal que al día siguiente Alberto Sanz, presidente del Cine Club, también la defendía.
Lo bueno del cine y del arte en general es que se establece una relación entre la obra artística y el espectador. Esa relación es siempre individual e intransferible.
Salma, Laila y Nur son tres chicas palestinas con DNI israelí.
Viven en una isla de tolerancia en Tel Aviv.
Pero su personalidad y sus ansias de libertad y respeto chocan con una sociedad machista y con unos hombres intolerantes, retrógrados y agresores.
Solo el padre de Nur se libra de esta descripción, que la apoya sin condiciones.
Es un relato de mujeres, dirigido por una mujer. Aunque en los créditos figura la frase para mujeres, yo me permito discrepar. Es para todos.
Estas mujeres maravillosas se merecen una sociedad más justa y más igualitaria. Todos debemos defender esta idea.
La peli está muy medida, nunca se convierte en un panfleto. Su tono es realista sin cargar tintas ni buscar dramatismos que le hubieran restado firmeza.
Una peli sabiamente dirigida que acierta contando desde lo cotidiano, la realidad de un mundo tremendamente machista.
Un acierto la proyección de esta pequeña peli por parte del Cine Club Alcarreño.
Es el ámbito ideal para su visualización.
En salas comerciales tendría poco recorrido.
En la pequeña pantalla de las casas, posiblemente, no sería elegida para pasar una tarde o una noche de diversión.
Esta Madrid, Above The Moon es un producto casero, cercano, barato, con vocación minoritaria, improvisado y costeado por amigos y conocidos de Miguel Santesmases.
Este muchacho que se dedica a hacer fotos de turistas y a ligar con ellas, basa sus relaciones en la mentira.
Su proyecto es vivir la vida como un turista. Una vida despreocupada, de relaciones cortas y espontáneas, con el único objetivo de observar y divertirse.
No es una mala vida.
Al final de la peli hay un guiño al espectador sobre la idea de sentirse un personaje de una ficción y ser consciente de lo efímero de su existencia, que resulta muy atractivo.
La peli tiene un aire fresco, despreocupado, jovial, con el escenario de la Plaza de España y los alrededores del Palacio Real de Madrid.
Una peli agradable de ver, que trasmite una cierta alegría.
Giuseppe Tornatore va haciendo, desde la década de los ochenta, una peli cada dos o tres años.
Tiene sesenta años. Aún le queda carrete.
Su anterior peli La mejor oferta fue estupenda. Además acudí a verla con mi madre. No puedo evitar emocionarme.
Pero aquí la ha cagado.
La historia de un viejales, que está profundamente colado de una jovencita a la que saca más de treinta años, a la que pretende seguir enamorando después de su muerte, es un empalago.
No puedo evitar que el personaje que interpreta Jeremy Irons me caiga fatal.
Abandona a su familia por una relación ocasional y en la lejanía con una maravillosa Olga Kurylenko.
Pretende atrapar sentimentalmente a su amante de manera póstuma a base de mensajitos y vídeos programados, en una especie de tortura/chantaje emocional.
Además sus misivas son tan empalagosas y ñoñas que resultan repelentes.
Hay un cierto tufillo a viejo verde que esconde su perversión tras la cortina del amor sentido profundamente.
El director se empeña en explicarnos, innecesariamente, como le van llegando los mensajes.
Además la peli es aburrida.
Sus 116 minutos resultan soporíferos.
Lo peor es que no puedes desear la muerte del protagonista, para que acabe esa tortura, porque ya está difunto.
Querido Giuseppe, esperemos que en tu próxima peli estés más acertado.
Ariane es felicitada (por teléfono) y recibe flores (por Seur) el día de su cumpleaños.
Pero la tarta que ha hecho con cariño se la va a tener que comer sola.
Se marcha y va a encontrar una familia y escapar de su realidad.
Con este buen planteamiento inicial su desarrollo se debate entre la comedia boba y el surrealismo despistante.
La música es el mejor elemento de la peli con temas de ópera, música clásica y de canción francesa.
Algún momento brillante como esos ancianos del INSERSO galo cantando en el comedor.
Reconozco que di una cabezada. Cuando desperté del sueñecito no encontraba el porqué del robo en el Museo de Ciencias Naturales, pero mis compañeros que habían permanecido despiertos tampoco.
Hay momentos ciertamente irritantes.
Otros causaron mi hilaridad.
El final que para Daniel da coherencia al relato, a mí me pareció un recurso muy usado que personalmente detesto.
Lo que seguro voy a recordar de esta peli es a la bella Lola Naymark saliendo del mar y tomando el sol.
He buscado las imágenes en YouTube, pero lamentablemente para vosotros no he podido encontrarlas. Pongo foto (abajo el todo).
Lucio es un profesor jubilado, paciente mío que acude con regularidad a mi consulta.
Es una persona extremadamente educada, siempre con un libro en la mano para ocupar la espera.
Compartimos la afición al cine.
Un día me comentó sobre una peli de la Guerra Civil Americana con escenas muy violentas, que tenía interés en volver a ver. A pesar que navegamos por internet no pudimos identificarla.
Hace unos días me comentó que como fruto de sus investigaciones había descubierto tres pelis de corta duración del año 1962 sobre este tema.
Las he visto gracias a su recomendación.
Los tres mediometrajes son de un director francés llamado Roberto Enrico tienen como tema esta guerra.
Lucio recuerda que se exhibieron en su estreno en el cine madrileño, de la Gran Vía, Palacio de la Música y solo duró en cartel una semana.
Vayamos con la peli.
La batalla de Chickamauga fue una de las más terribles en toda la Guerra Civil Estadounidense.
Los Confederados lograron frenar el avance de las tropas de la Unión, pero el precio de la guerra fue muy alto, dejando más de 4.000 muertos, un sinfín de heridos y otro más de desaparecidos.
Un niño rubico juega a caballito con su esclavo negro. Su madre le impide seguir con la diversión.
El niño contrariado se adentra en el bosque. Después de haberse quedado dormido, al regresar tiene que atravesar el campo de batalla…
Roberto Enrico nos muestra los horrores de una batalla desde el punto de vista de este chiquillo.
El bosque vuelve a ejercer su labor cinematográfica de mundo de misterio.
El relato está salpicado de elementos surrealistas capaces de producir emociones encontradas en el espectador.
Un mediometraje extraordinario con una fotografía en blanco y negro muy inquietante.
El rubico solo es consciente de la tragedia cuando descubre su casa…
El vídeo de abajo no es un tráiler, es el film completo.
Los tres corto/mediometrajes que se proyectaron juntos en 1962 de Robert Enrico son:
Con esta peli terminamos el ciclo La mujer africana a través del cine.
Madame Brouette es una peli de ficción con una nivel de producción muy superior a las anteriores.
Nos relata las vicisitudes de una mujer divorciada que trabaja duro para sacar a su hija adelante. Se enamora de un policía que resulta ser un mujeriego y un corrupto.
La peli comienza con el asesinato de este elemento y por medio de largos flashback nos cuenta esta historia.
La peli tiene elementos de musical, de drama, de comedia y de cine de intriga.
Hay un grupo de mendigos que interrumpen la acción con canciones. (Oso de Plata en el Festival de Berlín de 2003 a la mejor banda sonora).
La historia que se nos trasmite es de drama, pero el tratamiento tiene un aire de comedia.
El plantear desde el principio el homicidio y que vayamos resolviéndolo durante el metraje nos envuelve en una atmósfera interesante.
Con todos estos elementos bien dosificados disfrutamos de una historia divertida y aleccionadora.
El retrato de esta mujer coraje es magnífico y también el de la solidaridad entre mujeres.
Tal vez los personajes tienen un cierto aire caricaturesco, pero el conjunto resulta tan divertido que eso es lo de menos.
Una pequeña gran joya. Un auténtico descubrimiento.
Irene es inspectora de hoteles de lujo. La pobrecilla se ve obligada a viajar a los mejores hoteles del mundo, de éstos que te deshacen la maleta y te llevan al taxi con paragüas. Que te tratan como si fueras minusválido.
La intención de su directora es que compadezcamos a esta pobre solterona, solica en la vida.
Confieso que en alguna ocasión me han invitado a algún hotel de este tipo, pagando yo no he ido nunca. No he consentido que me llevaran la maleta, pero me he puesto en el desayuno con “cocina en vivo” como el quico.
La protagonista tiene mala suerte. Las pocas amistades que le surgen terminan como el rosario de la aurora. Una señora antropóloga con un discurso pedante pero interesante se muere de un infarto. Un madurito atractivo le sale casado y fiel.
La vida del personaje interpretado por Margherita Buy está vacía, como su casa… como la peli.
Me aburrí como una ostra. No me atrajeron los elegantes hoteles, los ambientes exóticos, la trama. Todo me fue bastante indiferente.
Al escribir sobre la peli me lo he pasado mejor que viéndola.
Que quede claro: no me importaría ser inspector de hoteles de cinco estrellas durante un par de lustros.
Francisco Avizanda es un cineasta de largo recorrido, un auténtico veterano del cine español.
Con gran experiencia en documentales y cortos, Francisco Avizanda, en 2009 dio al salto al largometraje con Hoy no se fía, mañana sí.
Ahora se estrena Sapos y culebras, su segunda peli.
Tuve la suerte de realizarle una entrevista, de lo más instructiva y aleccionadora, con la clara sensación de hablar con un maestro. En unas horas la podréis ver (se está editando).
El cine de Avizanda es un cine comprometido y en esta ocasión comprometido con la realidad social presente.
Sapos y culebras es una mezcla de drama, thriller y denuncia social.
Es curioso el escaso cine que se realiza en este país que refleje la situación actual.
En esta peli se asiste al drama de una muchacha de clase bien, de buena familia de toda la vida, que se queda sin ingresos con el trasfondo de la corrupción empresarial y política.
Esta pobre niña rica, Rebeca interpretada por Ariadna Cabrol, no me da ninguna pena, al igual que el resto de los individuos se mueve por la avaricia.
No hay personajes positivos, todos son malas personas y el director tampoco da posibilidades a la empatía con ninguno. Se retrata una sociedad de buitres carroñeros.
La galería de individuos, francamente desagradables, es muy numerosa.
Gran parte del peso de la trama recae sobre Ariadna Cabrol, una chica que gusta a la cámara. Avizanda realizó una apuesta arriesgada eligiendo para la protagonista a una actriz desconocida.
La peli tiene el gran interés de retratar una sociedad enferma en una época oscura como la que estamos viviendo.
Lamento decir que no me ha gustado, pero he de ser sincero. No ver un atisbo de esperanza me ha deprimido. Lo siento, soy demasiado sensible.
Corto británico de ficción que combina drama y animación de 17 minutos.
Una foto cambia la vida de una ciudad costera tranquila que se convierte gracias a la presencia en sus aguas de un gran pez en un sitio turístico y degradado.
Con alardes visuales muy interesantes y efectistas.
De factura técnica muy conseguida. A mí me resultó demasiado abigarrado y algo confuso.
Como suele ocurrir en cine con frecuencia, se cuenta más con lo que se muestra o se descubre que con los diálogos.
Impresiona el apartamento cochambroso.
La sensación de realidad, que se produce cuando se mira a través del agujero de la cerradura o, como en este corto, a través de una ventana, es emocionante. Tiene ese punto de transgresión que da el voyerismo.
Veo esta peli con mis amigos del Club de cine. José Antonio la había recomendado.
La historia de cuatro hermanos en cinco días.
El chico abandona el hogar y se marcha con su novia.
Las tres hermanas, Nadia, Debbie y Molly no han tenido suerte. Una trabaja de camarera, busca su amor en páginas de contacto. Otra cría a su hijo sola, su ex es un irresponsable. Molly está embarazada y su marido abandona el trabajo y la casa.
Su madre es una gruñona profesional y, tal vez, mala persona.
Los personajes están solos, su vida es triste, pero buscan la felicidad. Son personas luchadoras y eso da un punto de optimismo a la historia que es profundamente triste.
El retrato de los hombres es despiadado, pero posiblemente certero.
El Londres que se nos presenta es el que vive la clase obrera británica, el de los autobuses y el metro. Como dice Debbie, en un momento de la peli, pringoso.
A esta imagen de la city ayuda la filmación con cámara al hombro, los desenfoques y el tono documental con esa mala calidad de la fotografía que colabora al verismo de lo que se nos presenta.
Los diálogos, aparentemente improvisados, son un elemento más para dar realismo.
La música de Michael Nyman es un elemento importante. No entiendo nada de música por lo que me resulta muy complicado definirla, pero sí puedo expresar los sentimientos que me inspira, que van desde la desolación, la melancolía y cierto carácter romántico que ayudan a dar un tono poético a la narración, cuando lo que vemos es de lo más cotidiano.
Este País de las maravillas (Wonderland) que es esta sociedad actual es retratado con fidelidad, pero en medio de la desolación de la soledad, del desastre existencial está la esperanza de las personas que luchan, a pesar de todo, por mejorar sus vidas.
El final es una concesión del director al optimismo. ¡Qué buena falta hace!
Julio Coll es considerado el director más importante del llamado Cine Policiaco Catalán. Los cuervos es un drama empresarial cuya temática está de rabiosa actualidad.
Habla de la corrupción, de la ambición, de la codicia, del abuso, de la idea que el dinero todo lo puede, del despotismo, la especulación…
Con cierto tono moralista muy de la época, Arturo Fernández, antes de ser una parodia de sí mismo, interpreta a la persona cabal que actúa con ética.
El desarrollo es de thriller, manteniendo el interés durante toda la peli.
Hay momentos realmente escalofriantes. Un médico que intervino en la Segunda Guerra Mundial habla, sin el menor remordimiento, como experimentaban con seres humanos: “era sencillo había sentenciados y presos. Ahora, lamentablemente, solo se puede hacer con animales”.
Dejando a parte alguna estupidez médica, tan habituales en toda la historia del cine, el guión está bien construido y resulta creíble.
País: España, Venezuela
Productora: José Frade, Garra Producciones, ICAA, TVE, Telemadrid
Director: David Menkes
Guión: David Menkes, basado en la novela Un poco de abril, algo de mayo y todo septiembre de Jordi Sierra
Reparto: Ana de Armas, Martiño Rivas, Marina Salas, Megan Montaner, Andrea Duro, Jan Cornet, Joel Bosqued.
Recordar primero que David Menkes es el director de la insoportable Mentiras y Gordas. Os recomiendo leer la crítica que hice en su día.
Se supone que es una peli romántica con su protagonista infectada por el VIH pero la única manera de aguantarla es tomándotela como una farsa o una comedia petarda, sino sería absolutamente infumable.
Los personajes están pésimamente construidos. Los diálogos son, sin pretenderlo, descacharrantes, sin la menor originalidad, tan tópicos que casi resultan ofensivos.
El rodaje es petulante pretendiendo hacer de situaciones inverosímiles grandes momentos. Es un sindiós.
Todo es tan falso, tan manido, tan absurdo que solo queda el recurso del humor.
Si no quieres saber más, deja de leer inmediatamente porque todo lo que sigue está repleto de spoilers.
Cuando Martiño se quita la camiseta aplaudimos. Comenzamos a reírnos ante lo que la pantalla nos ofrecía y terminamos carcajeando.
El atrevimiento del director llega al colmo de los colmos cuando para conseguir una escena dramática un personaje que no había ni aparecido previamente muere de SIDA. Señor Menkes, en la actualidad es extraordinario que alguien muera de SIDA con los tratamientos antirretrovirales actuales.
Esta peli está dirigida claramente a un público adolescente por la presencia de sus dos protagonistas y será posiblemente un éxito en taquilla. Resulta intolerable que este director use este recurso para enviar un mensaje falso y equivocado a los jóvenes.
La cuestión del SIDA está tratada con una superficialidad insultante. En la rueda de prensa afirmó que pretendía intentar normalizar este tema y lo que consigue es precisamente lo contrario.
Hay muchos, pero otro momento bochornoso es cuando el médico viejuno y viudo que la trata al saber que no tiene novio se ofrece y dice que su esposa murió pero hay que seguir adelante. Vergüenza ajena.
En otra escena se ven a Martiño Rivas y Andrea Duro en la cama. Ella refiriéndose a su relación dice: “esto no funciona”. ¿O tal vez lo que no iba bien era otra cosa?.
Los actores están entre penosos e irritantes. Solo se salva de la quema la estupenda Megan Montaner que defiende un papel imposible pero lo hace con dignidad.
Solo cierto gamberrismo por parte de muchos nos hizo aguantar en el asiento hasta el final.
Era un pase de prensa y público. Cuando terminó la proyección una señora que estaba detrás mío me preguntó: “¿Sois periodistas? Pues no tenéis respeto”. Yo me disculpé, pero me quedé fastidiado. Tal vez a alguien le pueda gustar este sinsentido y se sienta ofendido por mi comportamiento.
Los comentarios antes de entrar en la rueda de prensa eran divertidos y todos en un sentido parecido al mío. Había quien se lo había tomado con buen humor y otros que estaban francamente irritados.
David Menkes en su peli pone a parir a los periodistas. ¿Será justo que hagamos lo mismo con él?.
En la rueda de prensa estaba el director y la mayoría de los actores. David Menkes tenía un aspecto realmente siniestro.
País: España
Productora: Lanube Películas, Encanta Films
Director: Enrique García
Guión: Isabel Sánchez, Enrique García
Reparto: Chico García, Virginia De Morata, Héctor Medina, Virginia Muñoz, Salva Reina.
Se trata de un drama carcelario.
Un niño pijo, financiero y estafador entra en la cárcel y para disimularlo dice a sus amigos que se va a hacer un máster a Michigan.
El director y la guionista pasaron el guión para su supervisión por las manos de presos, funcionarios y juristas para que todo resultara lo más real posible.
Y lo consiguen, tal vez, sea la peli española que mejor retrata el ambiente dentro de una institución penitenciaria. Y de eso sé bastante.
Fue rodada en el interior de la antigua prisión de Málaga y los exteriores son de Alhaurín de la Torre.
La historia está bien contada, sin aspavientos formales, en un tono realista, sin caer en melodramas baratos, tentación frecuente en este género.
Todos los secundarios están bien construidos. Lástima que el protagonista, Chico García, no esté a la altura y posiblemente resulta demasiado frío.
La coprotagonista Virginia De Morata está extraordinaria y encantadora, en un papel muy lucido
La peli es malagueña casi al cien por cien. Rodada en Málaga con director malagueño. Se llevó un gran aplauso después de la rueda de prensa.
País: España
Productora: Nadie es Perfecto,Ivac, Icaa
Director: David Marqués
Guión: David Marqués, Kiko Martínes
Reparto: Hugo Silva, Megan Montaner, Juan Codina, Enrique Arce, Elio González, Miriam Benoit, Ricard Sales, Albert Forner, Lucía Álvarez, Víctor Palmero.
Dioses y perros es una historia de perdedores pero que son luchadores.
Sus personajes son fracasados.
Hugo Silva es Pasca, se gana unos euros trabajando de sparring. Las tortas que le dan en el ring, las recibe también en la vida real. Él piensa que se las merece que es la manera de expiar su culpa. El cuadrilátero se vuelve a convertir en una metáfora de la vida.
Juan Codina interpreta a Fonsi, un alcohólico en paro al borde del desahucio.
A Adela le da vida Megan Montaner, una maestra vital y verborreíca que tiene un contrato temporal y se ve obligada a vender su casa familiar.
Elio González es Toni que quedó parapléjico por accidente.
Todos intentan salir adelante, hay una épica del fracaso y de la superación.
Hay elementos de drama social, de cine negro y de comedia romántica. Todo mezclado, no agitado.
Es una peli bien construida con buenos personajes bien interpretados.
Cuando terminó pensaba que aún íbamos por la mitad. Me supo a poco.
Todos los actores están soberbios, incluido Hugo Silva. Muy de agradecer que Megan Montaner no sea la frecuente actriz delgaducha. Tanto en pantalla como en la rueda de prensa estuvo maravillosa.
Espero que sea un éxito en taquilla, se lo merece. Es una buena película.
Título original: O OURO DO TEMPO
País: España
Productora: Xamalú Filmes, TVG
Director: Xavier Bermúdez
Guión: Xavier Bermúdez
Reparto: Ernesto Chao, Nerea Barros, Manuel Cortés, Marta Larralde.
Un médico decide criogenizar a su esposa. Después de muchos años se aferra a la esperanza de que vuelva a la vida.
El oro del tiempo es una peli pausada que describe la vida cotidiana de este hombre que se agarra a una ilusión y de su enfermera.
Los personajes principales son sobrios de pocas palabras, incluso algo ariscos.
La figura que aparece más alegre, más viva es precisamente la esposa fallecida. Su viudo se obstina en recordarla en vídeos caseros.
Hay una austeridad formal y estilística notable. Se mantiene la distancia con los actores, cuestión que es muy de agradecer.
Se plantean cuestiones y no todas terminan teniendo respuesta.
Los personajes evolucionan y esa transformación se transmite bien al espectador.
Maravillosas Nerea Barros y Marta Larralde. El trabajo de contención de Ernesto Chao es admirable, muy pocas veces con tan poco se ha expresado tanto.
País: España
Productora: Lastor Media, La Panda Productions
Director: CARLOS MARQUES-MARCET
Guión: Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet
Reparto: Natalia Tena, David Verdaguer.
Una pareja de jóvenes enamorados que discuten, se quieren y hacen el amor en una relación normal, se separan 10.000 kilómetros. Ella se va a L.A.
Nada es lo mismo cuando la comunicación no es directa sino a través del portátil.
Ya no hay convivencia y su relación se va deteriorando. Nada puede sustituir el contacto directo.
El sexo a través de skype es solo virtual.
Siempre se ha dicho que el roce hace el cariño.
La puesta del director Carlos Márquez-Marcet es arriesgada. Solo dos personajes en unos decorados cerrados y hablando y viéndose por el monitor, son demasiadas dificultades.
Las situaciones son creíbles y el menoscabo de esa relación se vive y se siente. Incluso cuando la peli comienza a caer en el tedio es el mismo tedio que sienten los personajes.Se quieren y por ello sufren.
La fotografías que se presentan de los EE.UU. son de lo más inquietantes, tristes, desoladoras, sin personas.
Ayer veía una comedia romántica al uso como Amor en su punto de Teresa de Pelegrí y Dominic Harari, pues esto es la antítesis. Casi nada es amable pero todo muy sincero.
La actriz Natalia Tena de ancestros españoles pero de nacionalidad británica es el reclamo internacional. Conocida por su papel en Juego de Tronos interpretando a Osha.
Su actuación es colosal y sabe trasmitir perfectamente el desamparo de su personaje.
Es la típica peli que suele gustar a los críticos y puede ganar el Premio del Jurado, pero, a pesar del gancho de Natalia, no creo que tenga demasiado recorrido comercial.
Es el primer papel principal en cine de David Verdaguer, actor de teatro y dedicado a la comedia.
En la rueda de prensa ambos actores estuvieron muy simpáticos.
La peli fue triste pero la rueda de prensa muy divertida.
