En esta ocasión comentamos, con Diego Gismero en Alcarria TV, las películas preseleccionadas para representar a España en los próximos Oscars 2017:
El olivo – 2016 – Icíar Bollaín
Julieta – 2016 – Pedro Almodóvar
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Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV
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Esta semana en Alcarria TV hemos comentado con Diego Gismero, mientras Milos nos grababa, la peli de culto Los amos de la noche (The Warriors) de Walter Hill.
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Recuerdo levemente las anteriores.
Tengo una cualidad especial de olvidar las pelis que no me gustan.
De la que más recuerdo es de la primera (El caso Bourne de 2002).
Paul Greengrass tiene una manera de rodar que me pone muy nervioso.
No para de mover la cámara. Con planos de pocos segundos.
Además el uso de la música, estridente y machacona, colabora a alterar mi sistema nervioso central.
De hecho al principio me sentí un poco mareado.
Dirige un thriller “trepidante”, con una narración confusa.
Matt Damon representa al americano sano y bien nutrido. Ha sido el soldado Ryan, no lo olvidemos.
Es el heredero generacional de Tom Hanks.
Se le identifica como el bueno inmediatamente.
Vincent Cassel se sabe que es el malo a las primeras, además siendo francés.
La peli se desarrolla como mandan los cánones de este tipo de pelis.
Chica guapa (maravillosa Alicia Vikander), malos poderosos, persecuciones de coche que hacen las delicias de los chatarreros, tecnología avanzada, protagonista marcado por su pasado…
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La peli se desarrolla en Islandia, Atenas, Londres y Las Vegas, por este orden.
Pero ha sido rodada en La ciudad de los Casinos y en Tenerife que ha servido de escenario para Atenas y Londres, sorprendentemente.
Jason Bourne no deja de ser la misma película que hemos visto mil veces y veremos mil veces más.
Cine de acción con todos sus ingredientes habituales y poco más que decir.
Sin alma, sin interés, sin novedad.
A pesar de su cámara mareante y de su música irritante con un envoltorio que puede llamar la atención, no deja de tener un contenido vacío de toda originalidad.
Ya estoy empezando a olvidarla…
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Junto con “El fantasma de la libertad” (1974) y “El discreto encanto de la burguesía” (1972) forma la llamada trilogía francesa o de búsqueda de la verdad.
Según el propio Buñuel:
“La idea de una película sobre las herejías de la religión cristiana se remontaba a la lectura, poco después de mi llegada a México, de la enciclopédica obra de Menéndez y Pelayo “Historia de los Heterodoxos españoles”.
Esta lectura me enseñó muchas cosas que yo ignoraba, en particular sobre los martirios de los herejes, convencidos de su verdad tanto, si no más, que los cristianos.
Esta posesión de la verdad y la extravagancia de ciertas invenciones es lo que siempre me ha fascinado en el comportamiento del hereje…
Todo lo que se ve y se oye en la película descansa sobre documentos auténticos”.
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
“Me interesaron las herejías como me interesan las inconformidades del espíritu humano, sea en religión, en cultura o en política.
Un grupo crea una doctrina y a ella se adhieren miles y miles de individuos.
Luego, comienzan a surgir los disidentes que creen en todo lo que predica la religión, menos en un punto o en varios.
Son castigados, echados del grupo, se les persigue, y aparecen enfrentamientos sectarios, en los que se odia más al discrepante que al enemigo declarado…
Leí libros de teología y de historia eclesiástica.”
(Tomás Pérez Turrent y José de la Colina: Buñuel por Buñuel. Pág.:149)
“A mis ojos, La vía láctea no estaba a favor ni en contra de nada.
Aparte las situaciones y las disputas doctrinarias auténticas que la película mostraba, me parecía ser, ante todo, un paseo por el fanatismo en que cada uno se aferraba con fuerza e intransigencia a su parcela de verdad, dispuesto a matar o morir por ella.
Me parecía también que el camino recorrido por los dos peregrinos podía aplicarse a toda ideología política o, incluso, artística”
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
Después del estreno de Bella de día (Belle de jour), Buñuel le propuso a Carriére hacer una peli sobre herejías.
Se reunieron en el Parador de Cazorla y en tres semanas terminaron el primer guión.
Pensó que eso no le iba a interesar a nadie, pero a Silverman, el productor, le pareció atractivo el guión.
En México durante unas semanas más terminó el guión.
Después regresó a París y se lo presentó al productor.
El tema de las herejías dentro de la Iglesia Católica es un tema que siempre había atraído a Buñuel.
Después del estreno de la película de Godard La chinoise (1967), Buñuel le dijo que era el momento de hacer una película sobre herejías.
Esta peli hablaba sobre unos estudiantes seducidos por el maoísmo.
Buñuel se documentó profundamente y eligió herejías que van del siglo IV al siglo IX.
Todo lo que se dice o aparece en la peli es rigurosamente cierto.
Buñuel afirmaba que no le tenía ningún respeto a Cristo, en cambio tenía la máxima consideración hacia la Virgen María.
Comienza el rodaje el 26 de agosto de 1968 en los estudios Billancourt, pero se vio interrumpido por los sucesos de Mayo del 68 en París.
Se finalizó por fin en octubre.
Estreno en París el 15 de marzo de 1969.
En España se proyectó en marzo de 1977.
En la película se tratan de seis herejías.
Tres grandes: la del misterio de la eucaristía (la transubstanciación), la de la doble naturaleza de Cristo y la de la Trinidad.
Las tres menores son la de la aparición del mal (maniqueísmo), la de la libertad de la gracia y la que engloba todos los misterios de María.
Los dos mendigos son hilo conductor de las diferentes historietas.
Realizan un viaje de París a Santiago de Compostela, con fines poco definidos, raramente son catalogados de peregrinos.
Son dos pícaros, su vida prosaica, ocupada en el día a día, contrasta con las discusiones religiosas que se van insertando.
El viaje que realizan es también temporal, hay continuos cambios de época que se insertan con naturalidad absoluta.
La figura de Cristo es presentada de manera clásica con barbas y túnicas adecuadas, tal vez, el menos erudito de todos los personajes.
Todo el relato está impregnado de humor y de ironía, pero no resulta en ningún momento burlesco.
La comicidad surge del contraste de las situaciones. Diálogos profundos sobre dogmas en situaciones poco congruentes. Como los camareros hablando de la fe y la existencia de Dios, mientras preparan las mesas para la comida.
Sorprendente que con un tema tan poco comercial encontrara productor y distribuidor.
Esta peli, junto con La pasión de Cristo según San Mateo de Pier Paolo Passolini enlaza con la tradición erudita del ateísmo marxista.
Según Giaime Pala escribía en www.razonatea.blogspot.com en noviembre de 2005:
“Si para el ateo Pasolini la vuelta al mensaje evangélico y al ejemplo de Cristo representa la única salvación posible para una Iglesia alejada del pueblo.
Para el ateo Buñuel nada es posible y nadie es inocente: la comunicación con el mundo católico ya ha sido dinamitada y al hombre no le queda más que anteponer, al monólogo con lo divino, el diálogo con lo humano”.
Muchos besos y muchas gracias.
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El rodaje comenzó el 4 de febrero de 1974 en los Studios Boulogne-Billancourt, y terminó a mediados de abril.
Buñuel improvisó más de lo habitual en el rodaje.
Jean-Claude Carrière colaboró, como era habitual, en el guión.
Según afirmó, durante el rodaje, el guión se llenó de tachaduras agregados y flechas que cambiaban el orden de las escenas.
El episodio inicial está inspirado en la leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, El beso.
El resto es totalmente inventado.
La película, junto con La vía láctea y El discreto encanto de la burguesía forman una especie de tríptico, como muy bien reconoció el propio realizador.
El fantasma de la libertad es una película que desde el principio despertó entre la crítica una clara distinción entre los que la veían como un divertimento del realizador, en el que se mezclaban temas ya vistos anteriormente y otros que mantenía en el cajón desde hacía tiempo y los que la consideraban un paso más de Buñuel en la liberación del relato de sus anclajes tradicionales.
El filme está formado por ocho “secuencias” o episodios, que podrían haberse mezclado de cualquier manera.
La única conexión que hay entre ellos es un personaje que pasa de uno al otro, aunque en el episodio del asesino-poeta se valió de un figurante y en el inicial de una voz en off.
Para mí es una de las mejores pelis de Buñuel.
Recuerdo perfectamente cuando la vi en su estreno.
Me impactó.
Me quedé traspuesto.
Días después acudí de nuevo a verla.
Un amigo la descalificaba despiadadamente:
– Como puedes ir otra vez a ver ese bodrio.
(¡Qué ojo para el cine!)
Aquí demuestra Buñuel que es un genio.
Hace algo que no se había hecho y que no se ha vuelto hacer.
Transgrede todas las normas narrativas y presenta el absurdo con una naturalidad pasmosa que nos hace verlo normal.
Sus historias no terminan, nos las presenta para que nosotros, si queremos, pensemos en su resolución.
Nos ofrece una cosa y su contraria aceptadas como normales.
La hermana está y no está fallecida.
La niña está desaparecida y presente al mismo tiempo.
La tía es vieja y joven a la vez.
Transgrede los convencionalismos y nos presenta personajes que ejecutan acciones no aceptadas socialmente.
Hay mucho humor en sus relatos, pero sobre todo, hay sorpresa del espectador que no puede ni imaginar porque senderos le va a llevar el director.
Obra maestra. Sin discusión.
Muchos besos y muchas gracias.
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Comentario:
En 1979, además de estudiante, los veranos y fines de semana ejercía de camarero.
Dos compañeros de barra, José Antonio y Alberto, dos muchachos estupendos, me recomendaron esta peli.
Hablaban de ella con entusiasmo.
Fui a verla de inmediato.
Yo, entonces, ejercía de cultureta, y tal vez por ello, me pareció mala.
Solo fui capaz de ver un producto medianamente comercial, que entretenía y poco más.
Pero los años les han otorgado la razón a mis dos colegas y me la han quitado a mí, que me las daba de listo, y han convertido esta producción en una peli de culto.
Volverla a ver, 37 años después, ha sido un placer.
Hill no se entretiene en presentar a los personajes.
Tan apenas nos muestra su rostro.
Para que vayamos conociéndolos a través de sus peripecias durante esa noche de huida hacia el refugio del hogar.
La peli tiene un carácter realista y onírico a la vez.
Las calles de Nueva York son el peligro, donde la emboscada puede estar oculta en cualquier esquina.
Las bandas callejeras, todas bastante cutres, están retratadas con realismo y conforman como entes superiores que trascienden a los individuos.
Especialmente triste la pandilla de Los Huérfanos que van los que peor conjuntados, con una triste camiseta sucia y descolorida.
Magnífico el Metro, repleto de pintadas.
En unos años donde no había móviles, el mejor medio de comunicación era una emisora de radio. Tras el micrófono una voz aterciopelada de la que solo vemos sus labios.
Las interpretaciones son bastante penosas, muchas sobreactuaciones.
Los diálogos tampoco acompañan. Simples y ridículos. Solo alguna frase sobresale.
Como cuando Swan le dice a Mercy (más o menos), al final de la peli:
– Quiero salir de este barrio. Escapar.
Y ella le contesta:
– Siempre me gustó viajar.
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Tampoco las peleas son perfectas. Pero al menos funcionan.
Reconozco que me ha gustado volverla a ver.
La recordaba bastante bien.
En general, las pelis que no me gustan las olvido con gran rapidez.
Pero sobre todo, me ha permitido rememorar a dos amigos de juventud, a los que perdí la pista hace muchos años.
Curiosidades y anécdotas:
Ejércitos de la noche:
El cartel original contó con las palabras:
“Estos son los ejércitos de la noche. Son 100.000.
Ellos superan en número a los policías cinco a uno.
Ellos podrían apoderarse de la ciudad de Nueva York”
Esto molestó e indignó a mucha gente.
Algunos intentaron prohibir la película.
Ronald Reagan:
El presidente Ronald Reagan era un fan de la película, incluso llamó actor principal de la película, Michael Beck, para decirle que se había proyectado en Camp David y la había disfrutado.
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Los Mestizos:
Los camiones de la película fueron “protegidos” por una banda real de los llamados Mestizos por 500 dólares al día.
Amenazas:
Miembros del equipo recibieron amenazas de muerte debido a que algunas bandas se habían sentido ofendidas al no ser presentadas en la peli.
Miles de dólares se perdieron por equipos dañados por una banda en una pausa para comer.
Malas críticas:
En su estreno fue número uno en taquilla, a pesar de las críticas negativas que obtuvo.
Incluso la productora pensó en retirarla, pero el boca a boca funcionó muy bien y la convirtió en un éxito.
Su coste fue de unos 6 millones de dólares.
Obtuvo en taquilla en los USA más de 22 millones.
Con el tiempo se ha convertido en una peli de culto.
La Banda de Béisbol:
Los Furias del béisbol fueron creados debido al amor de Walter Hill a este deporte.
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Robert de Niro:
Robert de Niro fue invitado para ser su protagonista, pero rechazó la oferta.
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Ajax:
James Remar obtuvo su papel como Ajax después de la prueba que le hicieron.
Le explicaron la escena del parque cuando es esposado al banco.
Le dijeron que se imaginara que la mesa donde se encontraba el director y los productores y algún técnico era el banco.
Se entregó tanto en la escena que movió la gran mesa.
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¿Los Warriors negros?:
Walter Hill originalmente quería que los Warriors fuera una banda de color negro.
Los productores no estaban de acuerdo.
Distopía futurista:
También quería una inicial del subtítulo que decía:
“En algún momento en el futuro”.
Pero Paramount pensó que sonaba demasiado parecido a La guerra de las Galaxias (1977).
Fractura de muñeca:
Mercy se rompió la muñeca en una caída en las vías del metro.
Por eso aparece con una chaqueta que dice que ha robado, para tapar la escayola.
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La tormenta:
El director de fotografía Andrew Laszlo quería calles mojadas.
Por ello hay una tormenta al principio de la persecución.
Los efectos visuales quedan mejor con las calzadas mojadas.
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Pandillero desaparecido:
Según el productor ejecutivo Frank Marshall, originalmente contrató a un miembro de una banda real para el papel de Cyrus, pero no lo pudieron encontrar al día siguiente y nunca se supo más de él.
Sigue sin saberse que fue de él.
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Orson Welles:
Se planeó una narración de apertura, con la voz de Orson Welles.
Está incluido en DVD en la versión del director, junto con las transiciones de cómic.
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Las pandillas del Bronx:
Con el fin de conseguir la película antes que su rival de película de bandas, Las pandillas del Bronx (1979), la postproducción de esta peli se hizo con tres equipos de edición, en tres habitaciones, que trabajaron día y noche para terminarla.
Los amos de la noche se estrenó en febrero de 1979.
Las pandillas del Bronx en julio de ese mismo año.
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El polo:
La frase de Ajax:
“Te voy a meter el bate por el culo y te convertiré en un polo”
Ocupa el puesto 12 en el Top 50 de Frases de tipo duro.
Sin líder:
La película utiliza una trama común a algunas de las películas escritas y/o dirigidas por Walter Hill.
Donde el líder de un grupo es eliminado en el primer acto, por lo que el liderazgo y la seguridad del equipo quedan pendientes.
De noche:
Casi toda la peli se desarrolla de noche.
Solo al final se ve el amanecer.
Se rodó una escena inicial en Coney Island, de día, en la que los pandilleros se despedían de sus novias, pero fue suprimida para que toda la peli fuera nocturna.
Estas escenas aparecen en la Edición Ultimate en DVD.
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West Side Story:
West Side Story (1961 – Robert Wise, Jerome Robbins) se puede considerar el antecedente musical de peli de bandas callejeras.
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Espectadores de rodaje:
Siempre había una multitud de espectadores durante el rodaje, incluso a las tres de la madrugada con un frío intenso por debajo de cero grados.
La Anábasis:
Basado libremente en la “Anábasis” de Jenofonte.
Cuenta la historia de un ejército de mercenarios griegos que, después de alinearse con Ciro el Joven en la batalla de Cunaxa (401 aC) en su intento de apoderarse del trono persa, se encontraron aislados tras las líneas enemigas persas.
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Sully:
Paul Greco es el actor que interpreta al líder de los Huérfanos.
En la peli no se le pone nombre.
Por ello se han referido siempre a él como El Huérfano.
Su nombre en la peli era Sully que se descubre en el videojuego.
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Cleón:
Aunque no se aclara plenamente en la película, Cleón murió.
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Mercy:
Debut en el cine de la actriz Deborah Van Valkenburgh.
Hill contó con ella para Calles de Fuego de 1984.
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Rodaje nocturno:
La película se rodó en 60 días.
Siempre de noche de la medianoche a las 6 de la mañana.
Extras:
1.000 extras se utilizaron en la gran reunión, muchos procedentes de Riverside Drive Park.
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El cartel:
Después de varios incidentes violentos que se produjeron en varias proyecciones de la película, los productores decidieron cambiar el cartel como una forma de intentar reducir la violencia.
El cartel original incluía el logotipo, así como una imagen de varios miembros de la banda.
El segundo cartel solo contó con el logo sobre un fondo blanco.
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Videojuego:
Un juego de PS2 basado en la película por Rockstar Games fue lanzado en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2005.
¿Samuel L. Jackson?
Hay un rumor de que uno de los miembros de la banda es interpretado por un joven Samuel L. Jackson.
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Cuero malo:
Los chalecos de los Warriors estaban hechos de cuero falso.
Debra Winger:
Cerca del final de la película, en el metro de vuelta a Coney Island, dos parejas suben al metro.
Uno de los pasajeros es interpretado por una joven Debra Winger en uno de sus primeros papeles.
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Tres costillas:
Michael Beck (Swan) rompió accidentalmente tres costillas a un doble de acción durante el rodaje.
El propio Beck no tenía conocimiento de esto hasta que se encontró con el mismo especialista en un evento de ‘Warriors’ 37 años después.
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Retraso:
Toda la película fue rodada en las calles de la ciudad de Nueva York con algunas escenas de interiores, hecho en Astoria Studios.
Se rodó siempre de noche.
La realización de la peli llevó desde el principio retraso.
Por lo que se pasó de presupuesto.
Muchos besos y muchas gracias.
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Giuseppe Tornatore va haciendo, desde la década de los ochenta, una peli cada dos o tres años.
Tiene sesenta años. Aún le queda carrete.
Su anterior peli La mejor oferta fue estupenda. Además acudí a verla con mi madre. No puedo evitar emocionarme.
Pero aquí la ha cagado.
La historia de un viejales, que está profundamente colado de una jovencita a la que saca más de treinta años, a la que pretende seguir enamorando después de su muerte, es un empalago.
No puedo evitar que el personaje que interpreta Jeremy Irons me caiga fatal.
Abandona a su familia por una relación ocasional y en la lejanía con una maravillosa Olga Kurylenko.
Pretende atrapar sentimentalmente a su amante de manera póstuma a base de mensajitos y vídeos programados, en una especie de tortura/chantaje emocional.
Además sus misivas son tan empalagosas y ñoñas que resultan repelentes.
Hay un cierto tufillo a viejo verde que esconde su perversión tras la cortina del amor sentido profundamente.
El director se empeña en explicarnos, innecesariamente, como le van llegando los mensajes.
Además la peli es aburrida.
Sus 116 minutos resultan soporíferos.
Lo peor es que no puedes desear la muerte del protagonista, para que acabe esa tortura, porque ya está difunto.
Querido Giuseppe, esperemos que en tu próxima peli estés más acertado.
Muchos besos y muchas gracias.
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He visto muchas versiones del personaje de Tarzán, unas cuarenta calculo a ojo de buen cubero.
Mi infancia se rellenó con las proyecciones del Tarzán de Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan, las tardes de los sábados.
En cada peli Jane salía con más ropa, moría un porteador negro, Tarzán vencía a un cocodrilo, los blancos eran malos y se terminada con la aplastante ayuda de los elefantes.
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Luego vino la de Disney en 1999 con canciones que Phil Collins cantaba en cada idioma. La recuerdo con agrado.
El resto de Tarzanes los he olvidado.
El británico David Yates nos introduce una trama geopolítica.
Los belgas colonizan y depredan el Congo de la mano del malvado Christoph Waltz, que interpreta un personaje copia del de Malditos bastarnos de Tarantino.
Es un malo de cómic.
Por otro lado Alexander Skarsgård es un Tarzán que aporta un físico estupendo (esto ha sonado un poco gay), pero con unas cualidades interpretativas muy escasitas.
Jane es ejecutada por la poderosa Margot Robbie, a la que le podía haber sacado más partido.
Es curioso como en los años treinta del siglo pasado esta pareja selvática iban en taparrabos y en el siglo XXI van muy tapaditos.
Comparad.
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Hay una inclinación actual de exagerar las capacidades de los héroes con una tendencia a convertirlos en super-héroes con poderes sobrenaturales.
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De hecho este Tarzán sueco termina salvando al Congo del opresor colonialista, transformando la cruel realidad histórica.
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Tal vez porque esperaba nada, lo poco que me ha ofrecido me ha parecido bien.
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Me estoy volviendo poco exigente.
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Acudo al pase de prensa a Madrid de este documental.
No sabía que durara 188 minutos.
Tal vez por ello se hizo muy largo.
Yann Arthus-Bertrand es un renombrado y conocido fotógrafo francés.
Su especialidad era la fotografía de animales, especialmente después de haber estado en Kenia en la reserva Masai Mara, región del Serengueti.
Más tarde cambió a la fotografía aérea.
Ha publicado más de 60 libros con sus fotografías tomadas desde helicópteros y globos aerostáticos en todas partes del mundo.
La revista National Geographic ha publicado muchas veces sus obras, que han sido exhibidas en varios países.
Arthus-Bertrand es miembro de la “Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France”.
La peli se compone de primeros planos fijos de diferentes personas, todos con la misma composición.
Se intercalan tomas aéreas de paisajes rurales y (menos) urbanos, de una belleza plástica apabullante.
Los individuos comentan sobre cuestiones de la vida.
Sobre el sufrimiento, la guerra, la pobreza, la felicidad, las relaciones personales, los celos, la homosexualidad, el amor, la familia… y el sentido de la vida.
Son personas de razas, culturas y ambientes muy diferentes que componen un mosaico que tal vez consiga abarcar a la humanidad.
Estos testimonios, a veces son divertidos, a veces intrascendentes, y otras te llegan al corazón.
Yo que soy de lágrima fácil, me emocioné en más de una ocasión.
Si alguien quiere verla os pongo abajo del todo la versión libre de derechos de 83 minutos.
Es muy recomendable.
Muchos besos y muchas gracias.
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Dos años después que terminara la segunda temporada (Borgen (Serie de TV) – Temporada 2) se inicia esta tercera.
Birgitte Nyborg (Sidse Babett Knudsen) regresa a la política danesa después de un tiempo en la actividad privada.
Al no ser elegida presidenta de su partido, funda uno nuevo (Los nuevos demócratas) para tener el máximo protagonismo.
Se relata los avatares en la formación de una nueva estructura política.
Sigue desarrollándose en tres ámbitos: el político, el familiar y el periodístico.
Los primeros episodios son bastante malos y dan ganas de abandonar la serie, pero a mitad de temporada cobra más vigor.
Se tratan temas interesantes que ayudan a soportar la trama central.
Se habla del maltrato animal, de la prostitución, de la enfermedad y de las maneras de enfrentarse a ellas, del adultero, del acoso laboral, del amarillismo en la prensa, de las traiciones políticas, de la ambición por el poder…
Un directivo joven y tontoelculo pretende cambiar los informativos de la TV1 danesa, en una especie de circo, estilo Sálvame de Luxe, todo para ganar audiencias.
Somete a Torben Friis (interpretado por Søren Malling), director de informativos, a un despiadado acoso.
Asistimos al derrumbe personal y laboral de este personaje en una subtrama que es muy interesante.
En el último episodio me quedo perplejo al observar como funciona la política danesa.
En la misma noche de las elecciones se realizan contactos entre los partidos para formar un nuevo gobierno. Dinamarca amanece con un recién elegido primer ministro.
¡Qué diferente es este país nuestro!
Tal vez, la temporada más floja.
Estaba deseando que acabara para ver la sexta temporada de Juego de tronos.
Ya os contaré.
Muchos besos y muchas gracias.
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El rodaje comenzó el 7 de febrero de 1977 en los Studios Eclair, Épinay, con exteriores en Madrid, Sevilla y Lausanne.
En junio terminó el rodaje.
El estreno en París fue el 17 de agosto de ese año.
Hace años que a Buñuel le rondaba la idea de hacer una peli sobre el deseo y su no consumación.
El “no poder” es una idea que le gustaba al aragonés.
No poder salir de una habitación como en El ángel exterminador.
No poder comer como en El discreto encanto de la burguesía.
Buñuel ya intentó rodar la adaptación de la novela de Pierre Louÿs La mujer y el pelele en Francia, en 1957.
Pero al productor no le gustó el proyecto presentado por Buñuel:
– “Yo le había pedido una adaptación de la novela de Pierre Louÿs, y él me trajo algo que era Buñuel de pies a cabeza”.
Tampoco coincidían en los protagonistas.
Buñuel había pensado en Vittorio de Sica y quizá Jeanne Moreau, pero el productor estaba empeñado en que fuesen Cary Grant y Brigitte Bardot.
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Colaboró en guión Jean-Claude Carrière, como ya era habitual.
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Buñuel después de El fantasma de la libertad no tenía muchas ganas de volver a rodar, pero el proyecto le resultaba atractivo y el productor Serge Silberman le ofrecía todas las facilidades.
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Al poco de empezar el rodaje surge el gran problema:
Buñuel no está satisfecho con la actuación de la actriz elegida, la parisina María Schneider.
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El director estaba fascinado con la actriz desde El último tango en París. Tal vez más con la idea que con la persona.
Detiene el rodaje y expone el problema al productor Serge Silberman.
Amenaza con abandonarlo todo y volver a Méjico.
El azar, algo tan querido por Buñuel, hizo que al final la película fuera interpretada por dos actrices, Ángela Molina y Carole Bouquet:
– “Fue por necesidad. Yo había pensado que María Schneider estaría bien en el papel…pero… teníamos que repetir una toma tras otra…
Finalmente tuve que decirle a Silberman: Me he equivocado con esa chica…
No encontrábamos la solución…
Entonces se me ocurrió decir:
“Podríamos emplear a dos actrices…”
A Silberman le pareció magnífico.
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Hay que puntualizar que en la versión original francesa de la película las dos actrices fueron dobladas por la misma persona, aunque con tono diferente.
Las dos actrices fueron propuestas por los colaboradores de Buñuel.
Carole Bouquet por el productor.
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Ángela Molina por su ayudante de dirección.
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Las dos ensayaron su papel.
Concretamente la escena de la verja.
La interpretaron con el propio Fernando Rey, que era indiscutible para Don Luis.
Buñuel desde lejos contempló las interpretaciones y quedó satisfecho.
Al parecer ya conocía a Ángela Molina.
La visitó en maquillaje después de la prueba y le pidió que quitara la bata.
Se puso las gafas y la examinó como si fuera una estatua. Según afirmaciones de la propia actriz.
Ya había dos Conchitas.
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Las relaciones de las dos actrices con el viejo director fueron excelentes.
La asignación de las escenas a cada una, según Buñuel, fueron aleatorias y compensadas.
Las dos participan en el mismo número de escenas.
Las dos actrices intentan ejecutar el mismo personaje.
Pero el resultado final de cada una es muy diferente.
La fracesa más fría, más casta.
La española más sensual, más racial. Es la que baila y la que aparece más insinuante.
La idea central de la peli es que la insatisfacción sostiene el deseo.
Se establece una relación entre un viejo, Mateo, y una jovencita.
Es la repetición de la idea representada en Tristana y Viridiana.
Pero en esta relación enfermiza hay un componente sado-maso no explícito, pero muy interesante.
Mateo se ve estimulado por el deseo y también por el rechazo.
Pero cuando se sale de sus casillas y abofetea a Conchita, ella ve satisfechos sus deseos masoquistas y eso hace que lo desee más aún.
Porque la mujer ejerce de manipuladora, de perversa.
Pero no hay que olvidar que es el relato subjetivo del protagonista masculino, Don Mateo, que da una versión personal de la realidad.
El asistente de Don Mateo afirma que un amigo define a las mujeres como un saco de excrementos.
¿Es ese el saco que se pasea por la película?.
Hay una visión machista del relato, el que da Don Mateo.
A diferencia de El discreto encanto de la burguesía, las escenas en esta peli tienen planteamiento, nudo y desenlace. Funcionan como pequeños cortos.
No he conseguido datos que expliquen ese cochinillo tratado como un bebé por la gitana en el Patio de los Naranjos de la Catedral de Sevilla. Pero a mí no deja de asombrarme.
Otra vez Buñuel nos presenta elementos surrealistas con toda naturalidad, sin énfasis, con una normalidad pasmosa.
Al director le preocupaba el tema del terrorismo y aparece como fondo y como parte importante de la narración, de una manera desconcertante.
Yo me quedo mil veces con la Conchita ejecutada por Ángela Molina.
He de reconocer que cuando la vi, me enamoré de ella.
Durante unos días fue mi oscuro objeto del deseo.
Esta es la última peli de Buñuel.
Su genio creativo, su originalidad no decayó con los años, sino muy al contrario.
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV
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Esta peli es la típica de manual con el que Hollywood llena nuestras carteleras y nuestras tardes de domingo en la pequeña pantalla.
El mayor atractivo es la presencia de Anthony Hopkins, pero no nos engañemos, su entusiasmo en lo que hace es cero.
Se le ve aburrido, desganado.
Tal vez cuando cobró se sintió feliz, con esa estúpida satisfacción que da tener una cifra más alta en la cuenta corriente.
Pero dentro de su interior, debe de sentir una profunda decepción consigo mismo.
Primero porque no demuestra ser un buen profesional, ejecutando un personaje en el que no cree.
Y segundo interviniendo en una peli con un guión y una dirección rutinaria.
Se supone que estamos ante un thriller paranormal trepidante, con visiones chulas, persecuciones en coches, agentes de FBI torturadas por su pasado, dramas familiares…
Todo convencional y sin convicción.
Cuando a un protagonista lo hieren, me da igual.
Cuando descubro su pasado tormentoso me da igual.
Que esté divorciado por el fallecimiento de su hijita, lo único que pienso: eso ya lo hemos visto.
Rutinario en el argumento y en la presentación.
Pretenciosa, intentando plantear cuestiones de fondo moral.
Es una peli fraude que no da nada de lo que promete.
Tal vez sea un iluso.
Por un momento pensé que Hopkins solo hacía buenas pelis y buenas actuaciones.
Está claro que me equivoqué.
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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Querido Jauma:
¿Qué te han hecho las rubias?
¿Alguna novia rubia te abandonó por otro más guapo?
¿Te hizo la cobra y rompió tu corazón?
¿Estabas enamorado como un colegial y no te hacía ni el menor caso?
Está claro que tu venganza ha sido cruel, aunque posiblemente merecida.
Te pasas más de una hora torturando a esta chiquilla.
La muerdes, la asustas, la haces pasar frío, calor, deshidratación.
Pero eres generoso (en el fondo), al final la perdonas.
Es lo que tiene ser blando de corazón.
Por cierto, hay un fallo de guión incomprensible.
Los dos amigos abandonan a la muchacha y la dejan tomando un baño.
Blake Lively está como un queso y además es muy simpática.
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La única explicación que estén liados y sean gays.
Lo acabo de pillar. Era eso.
Ni tú, ni yo la hubiéramos dejado sola.
Con chicas tan guapas no debe de haber prisa.
Tu homenaje a la peli de Spielberg me parece estupendo.
Es una muestra de respeto y admiración desde la modestia.
Porque consigues hacer una peli muy entretenida con dos elementos básicos: una rubia y un tiburón.
Me gusta que al escualo no lo muestres entero hasta el final de la peli.
Su sombra, simplemente su sombra, da mucho más miedo.
A ti, a la protagonista y a mis lectores les quiero aclarar que los torniquetes son medidas provisionales que solo son eficaces en las hemorragias arteriales.
En estas hemorragias la sangre se pierde a pulsos, de manera intermitente. Son muy graves y peligrosas.
El torniquete se debe de aflojar cada diez minutos, sino puede producirse necrosis de los tejidos.
Insisto es una medida provisional que solo debe durar un ratillo.
Ya sé que aquí esta estudiante de medicina de ultimo año hace lo que puede.
Has elegido muy bien a la protagonista (Blake Lively) porque incluso sangrando y herida está guapa.
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No me importa que hagas cine comercial, porque yo le encuentro, aunque sea recóndito, un sello autoral, que espero que mantengas y aumentes.
Confío que hayas superado tu problema con las rubias.
No sé si has terminado saliendo con Blake. Ojalá.
A mí no me importaría tenerla de nuera.
Si vienes por España y te acercas con ella estaría bien haceros una entrevista.
Mi hijo va de cámara y traductor, y ¿quién sabe? tal vez coordinen.
Todo ello en el supuesto que no tengas interés en ella, por supuesto.
Te doy la enhorabuena por tu peli.
Creo que es la mejor.
Espero que sigas superándote.
Un abrazo.
PD:
Me olvidaba que mi amiga Patricia la vio y le gustó (concretamente “entretenida“).
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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Me despierto a las tres y media de la madrugada.
Tengo un intenso dolor epigástrico.
Me tomo Paracetamol, Pantoprazol, Almax… después de rebuscar por toda la casa.
Me controlo pulso, tensión arterial y oximetría. Están más o menos bien.
En la cama me duele mucho.
En el sofá también.
Paseando no aguanto el dolor.
A las seis decido acudir a urgencias del Centro de Salud.
Me atienden fenomenal, sin esperas, con amabilidad, aunque he despertado a todo el mundo.
El electrocardiograma es normal.
Me ponen tratamiento intravenoso y a las ocho ya no me duele nada.
Me voy contento.
No tengo suficientes palabras de agradecimiento.
A los ocho y media salgo para Madrid al pase de prensa de esta peli que se proyecta cerca de la Glorieta del Dr. Marañón. La mañana va de médicos.
El parking en el que suelo aparcar está cerrado al público.
Encuentro otro en García Paredes. De estos que dejas la llave y te lo van moviendo y luego te cobran a ojo sin factura.
Tengo un sueño descomunal.
He dormido tres horas.
Me siento en unos butacones extremadamente confortables y antes que comience la peli echo una cabezadita.
Casi doy por perdido dormirme en la proyección.
La peli comienza y abro los ojos como platos.
Estamos ante un thriller laberíntico de los que me gustan.
De esos en los que la información se dosifica para que el espectador descubra la realidad al mismo tiempo que los policías.
Personajes bien construidos en un ambiente de corrupción.
Algún momento brillante.
Las escenas de la pelea de perros con unos personajes muy auténticos.
La historia me sorprende.
Ni sueño, ni dolor.
Dos escenas me chirrían dentro del conjunto.
(Cuando la hayáis visto las comentamos).
Termina muy bien.
Entre todos los actores me quedo con los policías.
Maravilloso, como siempre, Antonio Dechen.
Formidable Vicente Moreno que compone un personaje que se merece una serie.
La peli además de contar una historia de intriga estupenda, nos plantea la corrupción desde puntos de vista diferentes.
Por un lado esa clase alta que roba con guante blanco.
Por otro ese lumpen marginal que se mete en trapis de peleas de perros.
Incluso el asunto del bullying está bien tratado aunque sea marginalmente.
Una peli estupenda.
Una de las mejores españolas del año.
¿Premios?
Vuelvo espabilado, sin epigastralgia a mi casa.
No hay nada mejor que una buena peli para recobrar la salud.
Muchos besos y muchas gracias.
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Aunque sale Emilia Clarke y un castillo no es Juego de Tronos.
Es una mezcla entre Intocable (2012 – Olivier Nakache y Eric Toledan0) y Mar adentro (de Amenábar), pero recubierto en una espesa capa de caramelo con gominolas de ositos y nubes.
Dramedia romántica con tetrapléjico muy rico y chica pobre con indumentaria de dudoso gusto.
Hay actores y actrices que lo son de una sola peli.
Esperemos que esto no le pase a Emilia Clarke.
Como Daenerys Targaryen es maravillosa.
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Como Lou Clark es insufrible.
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Realiza unos movimientos de cejas asombrosos que me desconcertaron.
¿De verdad son la misma?
La chica se empeña en que el muchacho encuentre estímulos para vivir y se lo lleva a conciertos, bodas, al hipódromo y de vacaciones de lujo en Mallorca.
La que se lo pasa pipa es ella y con el dinero de la familia se da una vidorra que no se podría permitir.
Está claro que es una aprovechada, aunque la historia pretenda resaltar sus buenas intenciones.
Pero no todo es malo en esta ñoñería.
Me encantan los conjuntos de Lou Clark y esos zapatos amarvillooooooosos.
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Muchos besos y muchas gracias.
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Acudo al pase de prensa en los Cines Palafox en Madrid.
Nos regalan a los periodistas un macuto de plástico, una baraja de póquer y unas gafas de sol. Todo grabado con el título de la peli.
Releo antes la crítica que escribí de su predecesora (Ahora me ves – 2013 – Louis Leterrier). Parece que no me gustó.
También es verdad que en aquella ocasión no había recibido ningún regalo y por eso no me corté un pelo en mi crítica.
Como soy claramente influenciable por dádivas y halagos, voy a ser generoso.
Podría copiar mi crítica de agosto del 2013. Con borrar unos párrafos acertaría, pero insisto voy a ser generoso.
La peli se basa en un principio básico: la complicidad del espectador.
Tienes que entrar en el juego que te proponen.
Creerte una historia inverosímil, sin pies ni cabeza.
Aceptar como posibles los trucos de magia que te van ofreciendo, aunque ofendan las neuronas más nobles de tu cerebro.
Además de compartir un sentido del humor que se basa en la estupidez, en la idiotez y en la imbecilidad.
Si entras en este juego con estas tres premisas y aguantas un montaje trepidante, con efectos visuales electrizantes y una música estridente podrás admitir este bodrio.
No puedo pedir a nadie que le guste, como mucho sobrellevar los 129 minutos de insufrible aridez intelectual.
Penoso, triste y defraudante ver a grandes actores como Morgan Freeman y Michael Caine participar en este engendro.
Le pido a Dios que me dé lucidez para que cuando llegue mi ocaso profesional sepa abandonar mi actividad laboral con dignidad, dejando un buen recuerdo y no me pase como a estos dos actorazos que por el vil metal se han metido en esta producción de tan escaso nivel.
Como veis por unos tristes regalos soy capaz de hacer una crítica condescendiente y generosa.
Soy un vendido. Lo sé.
Pero la baraja tiene todas las cartas y las gafas son plegables.
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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El rodaje comenzó el 23 de mayo de 1972, con un presupuesto de 800.000 dólares, en los Paris-Studios Cinéma, Boulogne-Billancourt y en una granja del valle de Chevreuse.
Terminó a finales de julio, tras 44 días de trabajo, 4 menos de los previstos.
Durante la filmación de esta película se valió por primera vez de un monitor de televisión que le transmitía la imagen que registraba la cámara, al mismo tiempo que por los auriculares seguía los diálogos de los protagonistas.
Todo ello le permitió seguir el rodaje sentado, lo que dados sus 72 años de edad le venía muy bien.
Este procedimiento le permitió controlar más la imagen, de modo que sus tres últimas obras son mucho más precisas desde el punto de vista del encuadre que las anteriores.
Hay pequeños movimientos de la cámara que son perfectos, debido a que los ensayos estaban hechos con el control de vídeo.
Después, para dirigir, no, se ponía cerca de la cámara y enfrente de los actores, con unos auriculares especiales para oír bien.
La precisión de Buñuel en el rodaje fue tal que solo se eliminaron 200 metros de los 17.000 rodados.
El montaje duró 3 días.
Se estrenó el 15 de septiembre de ese año.
Buñuel nos presenta a un grupo de seis burgueses que no consiguen cenar.
Su coguionista Jean-Claude Carrière tuvo la idea inicial de una ocasión en la que invitó a unos amigos a cenar y se olvidó de decírselo a su esposa y él mismo tenía un compromiso fuera de casa.
Los invitados llegaron y pillaron a la mujer para acostarse y al anfitrión fuera.
Con este inicio Buñuel nos cuenta una historia de frustración.
Son en realidad ocho historietas que no termina ninguna.
Como unos episodios inconexos, que tienen en común a estos seis personajes.
La historia no avanza, los personajes no evolucionan, pero sienten con refinamiento burgués la frustración de no haber podido comer.
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Detrás de sus buenos modos de sus maneras correctas hay podredumbre, al fin y al cabo son narcotraficantes.
Buñuel sabe medir las situaciones, de tal manera que rozan el absurdo, pero son planteadas como naturales y espontáneas.
Utiliza también los relatos de los sueños que tienen como eje común el miedo a la muerte y la ausencia de la madre.
A veces son sueños dentro de otro sueño.
La ausencia de resolución de sus historietas dejan con hambre al espectador al igual que estos seis burgueses que peregrinan por la película sin poder cenar.
Seis personajes en busca de cena, se podía haber titulado.
Para dar equilibrio a todos los personajes rueda planos secuencias, donde al mover la cámara los personajes entran y salen de plano.
Así se evitan planos cortos y protagonismos, que el aragonés quería evitar.
“He terminado rodando como el maldito Renoir“. Comentó en tono jocoso a Carrière.
Los dos idearon esta manera de filmar antes del rodaje.
La peli está llena de cuestiones que no se explican, tal vez, sencillamente, porque no la tienen.
Como decía Carrière:
“Realmente, lo puedo jurar: Luis no quería decir nada.
No tenía un discurso secreto que trataba de comunicar por imágenes del cine.
Era realmente un cineasta de improvisación, de instinto, pero de uninstinto tan rico que decía mucho.
Surrealista, podría ser la definición de una actividad surrealista.
Por ejemplo, en El discreto encanto de la burguesía, el hecho de caminar por la carretera sin saber a dónde van, sin saber de dónde vienen, sin saber si se trata de un sueño o no.
Eso es una libertad completa para cualquier espectador, poder tener su propia colaboración en la película”.
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No recuerdo la fecha, pero fue en mi época de estudiante que la vi en un cine de arte y ensayo.
No entendí nada.
Pero me cautivó.
Días más tarde la comenté con un amigo.
Se las daba de cultureta y mantenía que era una obra maestra.
“La crítica más feroz que se ha hecho a la burguesía“. Afirmaba.
No sé si tenía razón, pero a mí me sigue entusiasmando.
Muchos besos y muchas gracias.
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Comienza la peli.
Estupenda fotografía.
Elegante puesta en escena.
Música maravillosa de John Williams.
Efectos especiales y de animación superlativos.
Ideas originales.
Historia conmovedora.
Personajes bien trazados.
Pero muy aburrido.
Lento, tedioso.
Cuando esto ocurre, me distraigo pensando calificativos para mi crítica. Algo ingenioso.
No me dan ganas de abandonar la sala, pero el ritmo cadencioso y la falta de interés me superan.
(Pensé que nunca en la vida llegaría a decir esto:)
Pero de pronto aparece la Reina de Inglaterra y la historia se hace divertida e interesante.
Me parto de risa con ese desayuno.
Al final me emociona, me contenta, me entretiene.
Es como si Steven Spielberg me hubiera preparado durante 90 minutos para disfrutar 25.
Si vas con niños mantenlos distraídos con palomitas y chuches hasta que aparezca Elizabeth Alexandra Mary II. Ya sé que es difícil, pero para ti no es imposible.
¿Dónde está Andy Serkis?
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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Curiosidades:
Buñuel estuvo interesado en la novela de Benito Pérez Galdos desde 1952.
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Pensó en realizarla con Ernesto Alonso y Silvia Pinal de protagonistas.
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Él afirmaba que solo le interesaba el elemento argumental de la pierna cortada.
Creía que era la peor novela de Galdós, pero ese detalle le fascinaba.
Intentó realizarla en el 62, pero la censura en España se lo prohibió de manera radical.
La idea de Buñuel era hacer importantes cambios en el guión.
Le traía la idea de situarla en Toledo, ciudad que conocía muy bien.
También quería cambiar la época, del siglo XIX a los años veinte del siglo pasado.
Como en Nazarín el personaje principal lo mantiene fiel al de Galdós.
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Colabora en el guión Julio Alejandro. Introducen elementos que Buñuel recordaba de su juventud, como el campanario y la estatua mortuoria del Cardenal Tavera.
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Según el propio director, la peli no pretendía introducir elementos feministas, como la liberación de la mujer. Ni en la novela ni en la época en la que se desarrolla aquello era concebible.
Según palabras de Buñuel:
“¿Qué importa un argumento u otro? Lo que interesa es el guión.
Sabes que puedo hacer con la vida de Cristo un película budista.
Mi próximo film tendrá el tema de todos los míos: otra vez erotismo y religión.
Tristana era un proyecto.
Me daba oportunidad de insertar algunos aspectos de la vida española.
Por lo demás, la obra, como todas las mías, no contenía crítica social, condenación de esto o lo otro.
Ni pensarlo.
Yo me limito siempre a mostrar hechos sin tomar posiciones en pro o en contra.
Sólo Tristana es un film español ciento por ciento; los otros pude haberlos filmado en cualquier lado, hasta en Polonia.”
Antes de que el proyecto cuajara, Buñuel tuvo intención en dos ocasiones de llevar la novela de Galdós a la pantalla.
La primera fue en 1952, como ya he comentado.
El segundo intento fue en 1963 e iba a tener como protagonistas a Fernando Rey y Rocío Dúrcal.
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Buñuel y Alejandro lo escribieron pero fue prohibido por la censura.
El realizador y los productores quedaron en el común acuerdo de que si el proyecto podía recuperarse se haría.
En 1969 los productores volvieron a retomar el proyecto.
Si la película no podía rodarse en España, se rodarían los exteriores en Portugal y los interiores en Francia.
Como no se conseguían los permisos para rodarla en España se buscaron localizaciones en Portugal y se pensó que incluso los interiores se podrían rodar en ese país.
Cuenta Buñuel:
“Fraga Iribarne se oponía.
Le escribí a mi amigo Rafael Méndez, un sabio español, jefe de farmacología en el Instituto de Cardiología de México:
– «Querido Rafael, tu amigo Fraga se opone a la película»
Rafael toma el avión, se presenta en Madrid y habla con Fraga.
Éste le dice:
– «Qué hable Buñuel conmigo.»
Yo quería que la entrevista fuera con testigos, pero Fraga insistió en que debíamos ser él y yo a solas.
Me pareció inteligente y simpático Fraga, no me recibió altivamente.
Me dijo que en España no estaban preparados para mis películas; le dije que Tristana la filmaría con fidelidad al guión presentado.
– «Bueno —me dijo—, tiene usted luz verde. Haga la película y ya veremos»
No me cortaron nada.
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El contrato que firma Buñuel con los productores incluía la siguiente cláusula:
“La productora hace constar expresamente su deseo de dejar plena libertad a don Luis Buñuel en los aspectos técnico, moral y artístico, tanto en la preparación como en el rodaje y terminación de la película.
Por su parte, el señor Buñuel considerará las objeciones que pueda oponer la censura oficial, obligándose a encontrar soluciones para evitarlas, siempre que ello no afecte gravemente a la calidad artística de la película ni a la libertad moral e intelectual de su director.”
Este plano final parecería indicarlo.
Julio Alejandro, coguionista manifestó:
“Escribimos Tristana pensando de una manera definitiva en Toledo.
Hasta tal extremo, que parte de las secuencias están hechas en el Hospital de fuera, en tal crucero de calles, en tal plaza, delante de tal iglesia, porque los dos recordamos muy bien Toledo.
Él todavía mejor que yo porque lo ha visto últimamente de nuevo.
Así que se pensó en la adaptación exactamente en lugares determinados de Toledo.
Estos lugares no son algo anecdótico en la película, sino que tienen una fuerza vital dentro del script.
Creo que lo que es Toledo marca de tal manera la película, que, a mi modo de ver, es muy difícil hacer esa película en otra parte.”
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El final previsto en un principio era el de la escena en la que don Lope toma chocolate con los curas mientras se oía el golpear de las muletas de Tristana por el pasillo.
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En 1969 el primer guión fue modificado y enriquecido.
El film se basaría en la cuarta versión del mismo.
El guión sigue el argumento del libro, sobre todo hasta la aparición de Horacio (Franco Nero), reduciendo al mínimo el papel del protagonista.
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Al mismo tiempo, intensificó otros personajes.
Tristana (Catherine Deneuve) se vuelve mucho más dura y amarga que en el libro.
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Don Lope (Fernando Rey) alberga todas las contradicciones del caballero provinciano que quiere ser progresista y ateo, pero está atado a los hábitos tradicionales.
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Hacia el final, don Lope se convierte en un hombre más decrépito y también más humano que en el libro.
La criada Saturna (Lola Gaos) aparece más vívida.
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Su hijo apenas aparecía en la novela.
La amputación modifica completamente el carácter de Tristana, dividiendo el film en dos partes bien diferenciadas.
Buñuel era consciente de ello, hasta el punto que confesaría al productor Eduardo Ducay que, de haberlo pensado antes, habría hecho doblar a Catherine Deneuve por dos actrices diferentes, para expresar el cambio de personalidad después de cortarle la pierna.
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Buñuel trasladó la acción de Madrid a Toledo por multitud de razones.
La ciudad le permitía retratar una atmósfera provinciana anclada en el pasado sin grandes dispendios.
Era un decorado que le entusiasmaba por sus recuerdos juveniles.
Aparecía como trasfondo laberíntico de otra novela de Galdós que le gustaba mucho y siempre quiso adaptar, Ángel Guerra.
Pero no debe perderse de vista el vitriolo que encierra esa elección en una cinta cuyo momento clave es la mutilación de la pierna, en una ciudad que como Toledo es todo cuesta arriba.
El parecido del argumento de Tristana y Viridiana es sorprendente, resultando una variación del mismo tema.
D. Jaime y don Lope se nos presentan enlazados en una relación amorosa con una mujer mucho más joven que en ambos casos será la última mujer de sus vidas y la que, aunque con procesos distintos, los terminará castrando y después matando.
Viridiana es la sobrina de don Jaime, quien le ha costeado sus estudios y esto la hará sentirse responsable y agradecida hacia él.
Don Lope ha ayudado a los padres de Tristana y al morir ellos él se encarga de ella.
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En las dos películas las sirvientas juegan un papel muy importante.
Ambas con un hijo y sin marido.
Ambas también con un galán: Horacio en Tristana y Jorge en Viridiana.
El rodaje comenzó el 27 de octubre de 1969 en los estudios Verona de Madrid y con exteriores en Toledo.
Finalizó en diciembre.
El rodaje se desarrolló casi exclusivamente en Toledo y en un estudio de Madrid, donde el decorador Alarcón reconstituyó fielmente un café de Zocodover.
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Se estrenó en Madrid el 29 marzo de 1970.
El ambiente de la película es irremediablemente hispánico, con un empleo del color y la luz que le dan un aire otoñal, arcaico, en decadencia, con colores pardos y oxidados, con gran abundancia de negros y las laberínticas callejuelas toledanas que tan plásticamente materializan los recovecos de esa sociedad, con un cierto toque mortecino y medieval que las campanas iniciales y el diálogo del campanero subrayan.
El humor de Buñuel: viste a un gitano de guardia civil.
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El realizador ha querido presentarnos unos personajes junto con su marco vital, al que se siente entrañablemente ligado.
De ahí la extraordinaria importancia de los objetos más simples de un pasado hispánico cercano: el calentador, las pantuflas, la bigotera, la capa…
Buñuel consideraba a esta peli como un paso a tras en su carrera:
“Tristana es un paso atrás en mi carrera, es una película ordenada, académica, es la descripción de la decadencia de un señor.
Un señor de tipo burgués, pero anarcoide, anticlerical, etc. que al final termina renegando de todo lo que hizo en su vida.
No lo dice, pero se ve que es la historia de una decadencia, nada más.
Pero supone un paso atrás en mi carrera.
Había roto, en La vía láctea con la ordenación, con el tiempo, con el espacio, y ahora vuelvo otra vez a una perfecta continuidad muy académica”.
Buñuel siempre pensó en Fernando Rey como don Lope.
Pero no quería a Catherine Deneuve.
Para Rey supuso un gran respaldo a su carrera y después de esta producción fue llamado a los USA para rodar películas importantes.
Deneuve estaba muy interesada en rodar de nuevo con Buñuel después de Bella de día (Belle de jour).
Cuando Francia formó parte de la producción se la impusieron al director aragonés.
Ésta es la segunda peli española de Buñuel después de la guerra. La otra es Viridiana.
El resto son producciones francesas o mejicanas.
Comentario:
Tal vez Tristana es la peli menos buñueliana de Buñuel.
Posiblemente realizó una peli más “convencional” para poder producirla en España.
Su interés por rodar en España se vio muy dañado desde Viridiana.
Prohibida por la censura.
Su hijo consiguió meter los rollos de película entre los capotes y las espadas de la cuadrilla de Luis Miguel Dominguín que toreaba en el sur de Francia. De esa manera burlar la censura.
Cuando ganó el Festival de Cannes pensaba que se proyectaría en España, pero no fue así.
Buñuel llevaba muchos años con la idea de rodar esta historia de una joven que queda amputada.
Quería hacerla en Toledo y si no, no la hacía.
Por eso elaboró un guión que pudiera pasar la censura.
La peli mantiene una estructura lineal y realista, aunque al final consigue meter un elemento perturbador, muy de él.
Retrata muy bien una época y una manera de entender la vida.
Don Lope es un izquierdista de salón, perteneciente a esa clase social parásita y vaga que reniega del trabajo, pero que no tiene vergüenza de dar sablazos a su hermana rica.
A pesar de su ateísmo termina sus días rodeado de curas con los que toma chocolate de máxima calidad.
Ellos también le parasitan.
Es una sociedad burguesa donde todo son apariencias y donde se habla mal de los demás cuando abandonan el café.
Don Lope, magistralmente interpretado por Fernando Rey, un papel que parece hecho para él.
Su trasformación es divergente a la de Tristana.
Ella se vuelve más dura, más cruel, cuestiones que se acrecentan cuando es intervenida por un tumor en una pierna.
Es la amargura de la persona encerrada en su silla de ruedas en un ciudad monstruosa para ella, con cuestas y más cuestas.
Termina claudicando ante la Iglesia y en un matrimonio que detesta.
La Deneuve siempre me ha parecido una actriz muy fría, pero aquí compone un personaje lleno de matices, con una transformación física sorprendente de jovencita desvalida a señora cabreada.
Lola Gaos consuma un gran personaje que dice poco con la boca, pero mucho con la mirada.
Su hijo, Saturno, aficionado a pasar largos ratos en los baños.
Su tendencia a la masturbación se ve exaltada por su señora que no duda en provocarle.
Es curioso que la censura permitiera este personaje. Tal vez, pensara que padecía colon irritable.
Al ser una peli de época su vigencia es absoluta.
Muchos besos y muchas gracias.
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En la primera entrega de esta saga (The Purge: La noche de las bestias – 2013) en la velada en la que el delito es legal, se planteaba una cuestión cotidiana, la envidia entre vecinos.
En la secuela (Anarchy: La noche de las bestias – 2014) veíamos como el Estado aprovechaba esa noche de horror para eliminar pobres.
Aquí la saga adquiere una dimensión política.
La idea es sensacional y atractiva.
Esa América distópica que se nos presenta no está tampoco muy lejos de la realidad de las noticias.
De vez en cuando se produce un tiroteo, o se asalta una discoteca, o la policía asesina a un negro impunemente.
Es un país, como decía el Padrino, en el que se consigue más con una pistola que con una palabra amable.
DeMonaco nos presenta unos personajes simplistas, esculpidos a martillazos. Estereotipos más que personas.
Pero toma partido por los más pobres, los extranjeros, los negros. Y eso me gusta.
Aunque la senadora salvadora es blanca y rubia.
La peli tiene un aire onírico, psicodélico que resulta embriagador ocasionalmente.
Fascinantemente purulentas las tomas de esas calles la Noche de la Purga.
Al final la narración adquiere tintes más macabros, con menos interés, introduciéndose en algo parecido al cine de sectas.
Me sentí francamente insatisfecho. Se podía haber hecho más.
Tal vez mi cuerpo me pedía más purga, más sangre, más barroquismo.
Si es que cuando el delito es legal, me vuelvo insaciable. (En tono de ironía, vale).
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV
Canal de YouTube: HolaSoyRamónVídeos
Todos los post ordenados alfabéticamente. Para buscar una crítica de una peli de forma sencilla…
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El capitalismo ha evolucionado.
Se ha vuelto más cruel, más insensible y más digital.
El dinero no cumple el viejo axioma que se aplica a la energía. Eso que ni se crea, ni se destruye, solo se transforma.
El vil metal se genera y se esfuma y lo vemos todos los días en la bolsa.
Algo que valía mil, al final del día vale 1050 ó 935.
En este juego perverso del capitalismo jugamos todos.
Todos tenemos acciones, fondos de inversión, planes de pensiones, cuentas corrientes, hipotecas o viviendas adquiridas.
Todos queremos hacernos ricos, o menos pobres dando un pelotazo.
(No conozco a nadie de esos del pelotazo. Esos solo los dan los ricos).
Vivimos también en una cultura de la avaricia.
Queremos tener más y nos olvidamos de vivir mejor.
Los muy ricos quieren hacerse con más dinero y se vuelven insaciables.
Nunca he entendido esa avaricia tan patológica.
Por ejemplo, el señor éste dueño de Zara.
Tiene dinero a espuertas y deslocaliza en países del sudeste asiático para ganar más.
Quédate en tu país crea puestos de trabajo y ayuda a la economía española.
Ganas menos, pero eres un tío horado y benefactor.
Si ya tienes un dineral, ¿para qué quieres más pasta?
No comprendo la avaricia de los que crean cuentas en Panamá o sabe Dios, para eludir pagar impuestos aquí.
Pero si Hacienda se queda un porcentaje de lo que ganas. Solo de lo que ganas.
Vale la pena el oprobio y la vergüenza por unos cientos de miles más o menos.
No es más rico el que más tiene sino el que menos necesita.
Respeto profundamente al que trabaja poco, solo para subsistir y disfrutar de la vida con lo que tiene.
Jodie Foster intenta hablar de estas cuestiones en esta peli.
Aunque ella, (tal vez) no lo sepa, consigue que no me caiga bien ninguno de los personajes.
George Clooney interpreta a una especie de showman televisivo, gurú de las finanzas que como todos los economistas nunca acierta.
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No hace periodismo, hace divertimento barato del de Tele 5.
Le importan las audiencias y su cuenta corriente.
Julia Roberts es la directora del programa Money Monster, telebasura. Lo sabe, pero sigue en ello.
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La ética, la profesionalidad son secundarios ante el dinero.
Jack O’Connell interpreta al tonto que se ha dejado influir por los consejos de un programa de eme y cuando pierde dinero quiere encontrar un responsable.
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Es cierto que lo han engañado, pero se ha dejado engañar.
Él se considera un fracasado y su novia embarazada se lo deja bien claro.
Tal vez creía en el “sueño americano”.
Quería hacerse rico.
No aprecia lo que tiene.
Su novia es estupenda, va a ser padre, tiene salud, pero no es rico.
Es capaz de amenazar con la muerte y la destrucción de una bomba porque no es rico.
Tampoco me puede caer bien.
No deja de ser un miserable.
Aunque Jodie Foster se empeñe en presentárnoslo como una víctima solo se mueve por el dinero.
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Ni todo el dinero del mundo vale lo que una vida humana.
Dominic West interpreta al empresario fraudulento y avaricioso.
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La directora nos introduce una trama rocambolesca de huelgas en minas de platino de Sudáfrica que no tiene ni pies ni cabeza, al final de la peli.
Porque está empeñada en hacer una peli de denuncia social que sea atractiva al espectador para lo que se ve obligada a introducir elementos de thriller.
El grave problema, su grave problema, es que no tiene claro lo que quiere denunciar.
Compone un producto supuestamente seductor.
Musiquilla que te invita a sentir emociones según la escena, montaje trepidante, fotografía saturada, trucos de guión, secundarios molones, escenas de sexo gratuitas…
Jodie has hecho un producto capitalista para que la gente vayamos al cine nos tomemos un litro de Coca-Cola y un bolsón de palomitas y nos sintamos por unos segundos confraternizados con un puto terrorista porque le han timado en bolsa.
¡Estás contenta acabas de contribuir al capitalismo y encima te crees mejor que muchos porque has hecho algo que puede parecer denuncia social!
Dicho todo esto, la peli es entretenida.
Un señor, una fila delante de mí, cuando llevábamos cinco minutos de peli, abrió su tablet y se puso a jugar al Sim City.
No es broma. Me desconcertó. Me cambié de sitio. Me distraía demasiado.
Muchos besos y muchas gracias.
Crítico de Cine de El Heraldo del Henares
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Muchos besos y muchas gracias.
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Esta semana en Alcarria TV hemos comentado con Pablo Franco, mientras Milos nos grababa, unas cuantas series para ver este veranito:
Homeland (Serie de TV) – Temporada 5 – 2015 – Howard Gordon (Creator)
The Walking Dead (TV Series) – 6ª Temporada – 2015 – Robert Kirkman (Creator)
Borgen (Serie de TV) – Temporada 1 – 2010 – Adam Price (Creator)
Muchos besos y muchas gracias.
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Cualquier producción que tenga como centro al gran Tom Hanks es un acierto.
Este axioma se vuelve a cumplir aquí.
Alan Clay (Tom Hanks) se marcha a Arabia Saudí por cuestión de business, intenta vender un sistema holográfico de comunicaciones, estilo Star Wars.
Deja atrás un divorcio y una hija a la que no puede pagar la Universidad.
Del éxito de la operación depende su futuro, su vida.
Mortificado por el remordimiento de haber deslocalizado a China una empresa y haber dejado en el paro a un buen número de trabajadores.
Le recibe un desierto inmenso y desolado y unos contactos de negocios que no ocurren.
Se enfrenta a la burocracia y a unas costumbres diferentes.
A pesar de todo sigue siendo un hombre optimista.
Arabia es presentada como una especie de simulacro de ilusiones.
Se nos da a conocer una ciudad que no existe (solo en la mente del Rey) que va a ser construida por filipinos que carecen de cualquier derecho laboral.
El lujo y el desprecio al sentido común son presentados en una urbe que para 2025 tendrá millón y medio de habitantes (¿¿¿???).
La peli, aunque planteada con un tono ligero, con momentos de comedia, no deja de ser el drama de un personaje en crisis, a veces intensa.
Al final se convierte en una comedia romántica.
Dos divorciados se lían, pero sus culturas son muy diferentes. Menos mal que la atractiva madurita saudí tiene un espíritu muy occidental. En su país se diría que es un poco suelta.
Es interpretada por la británica Sarita Choudhury.
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La peli funciona y Alan Clay termina cayendo bien al espectador, lo que justifica que el final edulcorado nos parezca adecuado.
Se ve con agrado y condescendencia.
Destaco la presencia de Sidse Babett Knudsen, que estoy viendo en la serie danesa Borgen.
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La peli ha sido rodada en Marruecos porque la autoridades saudíes no dieron los permisos.
Las mayores bazas son el estupendo Tom Hanks por un lado y por otro la visita panorámica al país de petróleo y del derroche con dudoso gusto.
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Por cierto el contrato se lo roban los chinos que lo hacen más barato.
Muchos besos y muchas gracias.
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Se trata de la tercera peli del director madrileño Gustavo Ron.
Se marcha a EE.UU., concretamente a Brooklyn, a rodar una comedia romántica, de tres parejas que caminan hacia el encuentro amoroso.
Con el fondo de la cocina artesana de una antigua panadería.
Rodada con una maravillosa fotografía, que retrata el famoso barrio de Nueva York como una bella postal.
El gran problema de esta coproducción hispano-norteamericana es que posee un guión ridículo.
Con unos diálogos ridículos, que ofenden la inteligencia del espectador.
Con unas escenas ridículas que parece mentira hayan salido de la mente de un ser racional.
Con un desarrollo ridículo y penoso, insultantemente previsible.
Rodada en inglés, el doblaje es cómico (por encontrar un término no insultante).
Al personaje de Blanca Suárez se le dice que tiene un bonito acento italiano, cuanndo habla en un perfecto castellano de Salamanca.
Cuando llevaba veinte minutos en la sala tuve la tentación de abandonarla, pero me contuve, mi cinefagia me pudo.
Intenté abstraerme y encontrar algo de interés en la pantalla, pero no lo conseguí.
Conforme avanzaba el metraje mi sensación de cabreo aumentaba.
Se trata de la peor peli que he visto en muchos años.
Yo veo todo lo que se mueve y casi todo me interesa o encuentro aspectos positivos.
Aquí me gustó la fotografía.
Lo demás es tristemente decepcionante hasta límites fuera de la realidad.
Otro aspecto positivo es que la siguiente peli de su director, Gustavo Ron, seguro que será mejor.
Peor es imposible.
Muchos besos y muchas gracias.
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