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El corredor del laberinto: La cura mortal – 2018 – Wes Ball

28/01/2018

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Tengo la capacidad, tal vez la virtud, de olvidar las pelis malas.

 

Aunque leyendo las críticas que hice en su momento no fueron muy duras, lo cual habla mucho de mi generosidad:

 

 

Esta tercera entrega es nefasta. Aburrida, sin interés.

 

Hay hacia el tercio final que la peli se vuelve muy loca, muy increíble, con un lado cómico involuntario y la peli gana. Pero el final es penoso.

 

Hay unos chicos buenos y luego hay tres tipos de malos: los sucios, los aseados y los zombis, que salen poco pero son terribles.

 

La peli no trasmite ningún mensaje de interés. Intenta ser puro entretenimiento sin cerebro y eso tampoco lo consigue.

 

La sala casi vacía, unos pocos adolescentes incondicionales.

 

Esta claro que a El corredor del laberinto le ha dado la pájara.

 

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Mi puntuación: 3,13/10.

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El director Wes Ball:

Wes Ball

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Muchos besos y muchas gracias.

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Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

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Un truco para encontrar la crítica de una peli rápidamente:

Pon en Gloogle “hola soy ramon” y el título de la peli.

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Salvar al soldado Ryan – 1998 – Steven Spielberg – Comentario, curiosidades y anécdotas

2/08/2015

 

Comentario:

 

Me declaro devoto absoluto de esta peli del gran Spielberg.

 

Posiblemente la mejor peli de la Segunda Guerra Mundial, con permiso de Patton (1970) de Franklin J. Schaffner y El Día más largo (1962).

 

Perdón. Me olvidaba de ¿Arde París? (1966) de René Clément.

 

En cualquier caso de las mejores.

 

Tal vez le sobren las escenas iniciales y finales en el cementerio en Normandía que son muy de Spielberg. Todos tenemos nuestros defectos.

 

En Salvar al soldado Ryan hay emoción, realismo, ética de la guerra, la dosis necesaria de patriotismo…

 

Steven demuestra que es un gran director con dominio absoluto de los recursos narrativos, del montaje y del sonido.

 

Hacía tiempo que no la veía. La echaba de menos.

 

 

Curiosidades y anécdotas:

 

Steven Spielberg eligió a Matt Damon como Ryan porque quería un actor desconocido con una mirada All-American.

No sabía que Damon iba a ganar un Oscar por El indomable Will Hunting (1997) y convertirse en una estrella de la noche a la mañana antes del estreno de la película.

 

Los dos soldados “alemanes” que se rinden hablaban checo.

Decían:

- “¡Por favor, no me dispare, no soy alemán, soy checo, Yo no maté a nadie, soy checo!”.

Eran miembros de lo que los alemanes llaman Ost [Este] de los batallones, los hombres  hechos prisioneros en los países del este de Europa invadida por Alemania y forzados a luchar con su ejército.

 

La cámara se mueve durante las explosiones.

Steven Spielberg usó simulacros unidos a la cámara que se activaban cuando era necesario para producir ese efecto.

 

En la versión alemana doblada de la película, uno de los actores era un veterano alemán de la invasión de Normandía, no pudo realizar su trabajo porque la emoción se lo impidió y hubo de ser reemplazado.

 

Mel Gibson y Harrison Ford se consideraron para el papel de capitán John Miller, antes que Steven Spielberg se decidiera por Tom Hanks.

 

Todos los actores principales fueron sometidos a varios días de entrenamiento militar que resultó ser agotador, a excepción de Matt Damon, que se libró, de manera que los otros actores transmitirían ese resentimiento en sus actuaciones.

 

La película fue bloqueada por la Junta de Censura de la India por demasiada violencia.

El Consejo exigió recortes que Steven Spielberg se negó a hacer y en su lugar, decidió no lanzar la película en la India en absoluto.

Al darse cuenta de la gravedad de la situación, el entonces Ministro del Interior de la India vio la película.

Impresionado, ordenó que fuera exhibida sin cortes.

 

La escena Omaha Beach cuestó 11 millones de dólares.

Participaron hasta mil extras, muchos de ellos miembros de la Reserva del Ejército irlandés.

De esos extras, treinta eran amputados.

 

La película más taquillera de 1998 en los Estados Unidos.

También fue la última película de clasificación R que lideró la taquilla hasta El Francotirador (2014).

 

Muchos veteranos del Día D felicitaron al director Steven Spielberg para la autenticidad de la película, incluyendo al actor James Doohan , más conocido como Scotty de La conquista del espacio (1966).

Doohan perdió el dedo medio de su mano derecha y fue herido en la pierna durante la guerra.

Además, participó en la invasión de Normandía el 6 de junio de 1944, en Juno Beach, donde la tercera división de infantería canadiense lideró el ataque.

Elogió a Spielberg para no olvidar ningún detalle sangriento.

 

Matt Damon improvisó la historia que cuenta hacia el final de la película sobre su hermano en el granero con la chica fea.

El discurso era incoherente y no particularmente divertido o interesante, pero el equipo decidió que por eso funcionaba.

 

El Departamento de Asuntos de Veteranos estableció un número especial 800 para ayudar a los cientos de ex soldados que se sintieron traumatizados después de ver la película.

 

Steven Spielberg redujo la saturación de color de la película en un 60% por razones artísticas.

Los dos principales proveedores estadounidenses de satélite (DirecTV y Dish Newtork) y numerosos proveedores de televisión por cable recibieron muchas quejas de usuarios que protestaban por el color defectuoso, por lo que se vieron obligados a aumentar la saturación del color.

 

En 2006, Tom Hanks fue exaltado al Salón de la Fama del bosque del ejército de Estados Unidos como miembro honorario, en gran parte gracias a su interpretación del capitán John Miller.

 

Edward Norton se le ofreció el papel de soldado Ryan, pero lo rechazó para trabajar en American History X (1998) en su lugar.

 

Dos de las lanchas de desembarco utilizado en las escenas de Omaha Beach se usaron realmente en la Segunda Guerra Mundial.

 

40 barriles de sangre falsa se utilizaron en la escena de la batalla del inicio.

 

Los efectos de sonido de disparos que se escuchan en la película fueron grabados de tiros reales con munición auténtica de armas de época.

 

El papel de Caparzo fue escrito especialmente para un desconocido Vin Diesel después que el director Steven Spielberg vio la peli independiente Strays (1997), de la que era director, guionista y productor.

 

Solo se permitió llamar a los actores por los nombres de sus personajes.

 

La batalla de la playa de Omaha fue filmada durante un período de cuatro semanas, sin storyboard previo.

 

La primera película de DreamWorks que costó más de 100 millones de dólares.

 

Como Steven Spielberg se negó a cortar las escenas violentas, la película fue prohibida en Malasia.

 

El historiador militar y autor Stephen Ambrose, en una proyección especial de la película para él, tuvo que pedir que la peli se detuviera durante 20 minutos.

No podía controlar su emoción.

 

Inspirada en la historia real de los hermanos Niland.

Frederick Niland estaba en el Regimiento de Infantería 501.

 

Hermanos de sangre (2001), producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, contó la historia de otra unidad la 101 Airborne, la Compañía Easy..

 

Billy Bob Thornton rechazó el papel del sargento Horvath porque él no quería filmar las escenas de la playa de Normandía, debido a una fobia de agua.

 

Al escritor Robert Rodat se le ocurrió la historia de la película en 1994, cuando vio un monumento dedicado a los cuatro hijos de Agnes Allison de Port Carbon, Pennsylvania.

Los hermanos murieron en la guerra civil americana.

Rodat decidió escribir una historia similar durante la Segunda Guerra Mundial.

El guión fue presentado al productor Mark Gordon , quien luego se lo entregó a Tom Hanks.

Finalmente fue dado a Steven Spielberg, quien decidió dirigirla

 

Vin Diesel cobró 100.000 dólares por el papel de Caparzo, cuando todavía era un actor muy poco conocido.

 

La intervención de Industrial Light & Magic se minimizó significativamente a fin que no pareciera una película de efectos especiales.

La contribución de ILM, sin embargo, fue sutil pero muy necesaria ya que la mayoría de los impactos de bala en el ataque Omaha Beach fueron creados digitalmente.

 

El asedio en el pueblo de Ramelle fue filmado en un conjunto creado en un campo de aviación en desuso en Hatfield, Inglaterra.

 

El puente tan valientemente defendido, en realidad atraviesa un profundo canal de tres pies creado para la película.

 

Para lograr un “look” único para la película, el director de fotografía Janusz Kaminski ajustó el obturador película de 90 grados para crear imágenes más nítidas, más realistas.

 

Tom Sizemore rechazó un papel en La Línea delgada roja (1998) de Terrence Malick, para aparecer en esta película.

 

Los dos tanques Tiger alemanes en la película eran de hecho rusos T-34, tanques modificados para parecerse lo más posibles a los tanques Tiger.

 

El rodaje cambió desde el Reino Unido a Irlanda después de que el Ministerio de Defensa británico se negara a proporcionar el número de soldados que se pidieron para actuar como extras en la película.

Las Fuerzas de Defensa de Irlanda suministraron 2.500 hombres procedentes de una mezcla de unidades de las FCA (Reserva del Ejército) y Slua Muiri (Navy).

 

Steven Spielberg afirmó que considera a la película como un regalo a su anciano padre, un veterano de la Segunda Guerra Mundial.

 

El ex presidente de Estados Unidos George W. Bushs la considera su película favorita.

 

Una de las últimas películas que se editó en laserdisc en noviembre de 1999.

Laserdiscs dejó de ser fabricado a finales de ese año.

 

La técnico de sonido foley, Jana Vance se lesionó tres costillas mientras cargaba equipo pesado y botas militares para los efectos de sonido de una escena.

 

Éste es el último largometraje de Steven Spielberg del siglo XX.

 

La película contiene cuatro actores convertidos posteriormente en directores en el reparto: Tom Hanks, Edward Burns, Adam Goldberg y Vin Diesel.

 

Esta película fue una coproducción de DreamWorks y Paramount Pictures.

DreamWorks la distribuyó en América del Norte y Paramount realizó el lanzamiento internacional.

 

Fue estrenada el mismo año que La delgada línea roja.

 

 

Premios:

 

  • 1998: 5 Oscars: Director, fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 11 nom. Increíblemente el Oscar a la mejor peli se lo llevó Shakespeare in love.
  • 1998: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, director. 5 nominaciones.
  • 1998: 2 premios BAFTA: Mejores efectos visuales y sonido. 10 nom.
  • 1998: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera.
  • 1998: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película.
  • 1998: 3 Critics’ Choice Awards: Mejor película, director y banda sonora.
  • 1998: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

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Matar al mensajero – 2014 – Michael Cuesta

24/11/2014

 

Matar al mensajero es el típico thriller periodístico. Un género que ha dado grandes pelis, en nuestra cabeza está el clásico Todos los hombres del presidente de 1976 de .

 

El protagonista absoluto es , que ha sabido reciclarse y dejar ocasionalmente los papales de duro. No es un gran actor, pero resulta solvente.

 

El director,  , se ha dedicado más a la tele que al cine, con escasa filmografía a sus espaldas.

 

Pero la factura de la peli es impecable. Con un ritmo adecuado. Una cámara que sabe guiar bien al espectador. Sin artilugios. Un rodaje muy americano (en mejor sentido).

 

El film nos cuenta los trapos sucios que empleó la CIA para financiar a la Contra nicaragüense, usando la coca que distribuyó por los barrios marginales de las ciudades de los Estados Unidos.

 

Gary Webb es un periodista avispado que busca la verdad caiga quien caiga.

 

La Razón de Estado y “el fin justifica los medios” son dos de los argumentos más torticeros que suelen dar por buenas las peores tropelías.

 

Gary Webb se vio abandonado por los grandes periódicos de los USA que no habían sido capaces de encontrar la noticia y por su propio diario de provincias que literalmente se acojonó (con perdón).

 

Pero la peli también plantea un tema interesante que ha alimentado las corrientes conspiranoicas. La cuestión de la difusión de la droga en los barrios obreros para evitar que una población juvenil se dejara tentar por la revolución. Un asunto que tiene su lógica en Estados Unidos, pero también en la España de la Transición.

 

La conclusión de la peli es bastante deprimenteGary Webb terminó no haciendo más periodismo y murió en circunstancias poco claras con dos tiros en la cabeza.

 

Una peli valiosa e interesante que no debería pasar desapercibida. 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

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El llanero solitario – 2013 – Gore Verbinski

1/09/2013

 

Mi consideración sobre Gore Verbinski creció desde que vi la estupenda Rango. Su saga de Piratas de Caribe no es santo de mi devoción sobre todo por la presencia del histrión .

 

El presupuesto de El Llanero Solitario se estima en unos 250 millones de dólares. Una auténtica barbaridad. Pero con todo ese montón de pasta se pueden hacer grandes cosas o grandes bodrios.

 

Esta peli es sobre todo muy divertida. Del principio al fin resulta entretenida. No hay momentos en los que la trama decaiga.

 

Suceden muchas cosas y todas bien relatadas. Hay mucho humor, aventuras, personajes interesantes, acción…

 

Una de las normas del buen crítico es no hablar de la fotografía. Me la voy a saltar. Aquí las imágenes son estupendas con una nitidez extraordinaria. Ver esos grandes paisajes del Oeste en una pantalla grande es maravilloso.

 

Ese Oeste que nos presenta Gore Verbinski es conocido e identificable. Es el de las pelis del gran John Ford, es Monument Valley.

 

Pero he identificado varias referencias más al cine de Ford. El personaje de John Reid (El Llanero Solitario) tiene una clara inspiración en Ransom Stoddard de El hombre que mató a Liberty Valance. Un idealista que cree en la Ley y en el progreso y que se enfrenta a la dura realidad de la violencia del salvaje Oeste.

 

Esa mujer enamorada del hermano de su esposo con el que se reencuentra después de muchos años es un homenaje a Centauros de desierto.

 

Estos detalles y otros que se me escapan dan un toque de calidad a esta peli.

 

Los dos protagonistas son dos anti-héroes, muy alejados del estilo actual. Uno es un indio medio loco marcado por un error en su infancia. Otro un muchacho torpe y simplón.

 

Ninguno de los dos ejerce la violencia de manera intencionada, sus éxitos son fruto de la suerte y de la casualidad y también de Silver, el caballo blanco que es el gran héroe de la historia.

 

Hay una crítica al progreso por encima de todo lo demás, sin respetar el medio ambiente o a las personas.

 

Es la primera vez que  y  actúan juntos sin que los dirija Tim Burton.

 

Depp interpreta a un indio poco expresivo por lo que está más contenido que lo habitual, lo que hace su interpretación mucho menos irritante. En la versión en inglés se le llama Tonto como en el cómic pero aquí se ha doblado como Toro, a lo cual no encuentro explicación (razonable).

 

Tal vez solo sea cine de entretenimiento pero lo es de calidad.

 

De todos los blockbusters de este verano (Pacific Rim, Elysium, Ahora me ves, Guerra Mundial Z…) ésta es la mejor, con ventaja.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

Colaborador de Esradio Guadalajara y Alcarria TV

 

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Valor de ley (True Grit) – 2010 – Joel Coen, Ethan Coen

17/02/2011

 

Valor de ley es un western clásico en todos los sentidos. No era esperable que los hermanos Coen amigos de aspavientos visuales y de un humor cosmonáutico hicieran una película que podría haber sido realizada por directores como John Ford o Howard Hawks. Tal vez parezca un sacrilegio lo que acabo de escribir pero si alguien duda  lo que afirmo que vea la peli.

 

Todo en Valor de ley es western clásico. El tono de humor (que no cómico) de muchas secuencias y de la peli en general. Grandes paisajes con planos largos. Personajes bien planteados en los que prima su ética aunque contradictoriamente estén cargados de defectos como la afición a la bebida o el gatillo fácil. La defensa de valores tradicionales como la lealtad. No hay una recreación en la violencia como en otras actualizaciones del western.

 

La historia resulta muy entretenida. El espectador va descubriendo la trama a través de los ojos del personaje de Mattie Ross, la niña eje central de la peli, interpretada de manera perfecta y contenida por Haille Steinfel.

 

Jeff Bridges vuelve a estar magnífico y convincente, con un personaje que parece escrito a medida.

 

Mi recuerdo sobre la peli de Henry Hathaway protagonizada por John Wayne es muy tenue y no me permite hacer comparaciones. Pero seguro que esta peli de 1969 también era estupenda. Habrá que revisionarla. Por cierto cuando yo era crío a este maravilloso actor le llamábamos Juan Vaine y no es broma.

 

Está nominada a los Oscars como mejor película de forma totalmente merecida. Es una peli imprescindible.

 

 

Muchos besos y muchas gracias.

 

Crítico de Cine de El Heraldo del Henares

 

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