A veces, pasa que alguien te habla de una peli y te dan ganas de verla.
Ya sé que le dieron el Oscar a la peli, al director y al montaje y que además obtuvo Globos de Oro, Baftas y mil premios más, pero a mí, cuando la vi, en su estreno no me gustó.
Repasando las críticas, todas son positivas menos la de mi amigo (desde hace poco) Don Carlos Boyero.
La recordaba liosa, reiterativa y aburrida.
Verla doce años después da perspectiva.
Comparada con otras pelis de Scorsese no es la mejor dirigida, posiblemente cualquiera de sus otros filmes tiene una factura más brillante. Porque al director italoamericano hay que reconocerle que sabe mover la cámara y encuadrar los planos como pocos.
Infiltrados tiene una dirección de manual, sin grandes planos secuencia, con un montaje muy técnico, pero sin toque de autor.
Respecto a la trama, en mi opinión es demasiado efectista, sin profundizar demasiado en los personajes. Predomina la acción y la violencia, y es ahí cuando la peli se va arriba, porque los conflictos morales quedan muy en segundo plano.
Jack Nicholson siempre parece que haga una caritatura de su personaje, en esta ocasión me parece un malo más de postureo que de verdad y no me inspira demasiado miedo.
Me divierte ver a Matt Damon de malo, cuando siempre ha hecho el papel de norteamericano bien nutrido lleno de ideales y hamburguesas, no olvidemos que fue el soldado Ryan. Es posiblemente el personaje más malvado, con menos escrúpulos, capaz de traicionar y mentir como nadie.
Leonardo DiCaprio es un actor que ha ido ganando con los años, sus colaboraciones con Scorsese han sido muy fructíferas. Es el personaje con conflicto moral, con una situación muy difícil, que solventa con maestría. Posiblemente me guste más al principio cuando se inicia en el mundo de la delincuencia y parece que le gusta, cuando se vuelve escrupuloso y enamorado me divierte menos, aunque reconozco que su personaje crece en dramatismo.
Vera Farmiga está estupenda, se enamora del que cree el chico malo, pero cuando descubre quien es el malo de verdad lo desprecia, paradojas de la vida. Muy delgadica, pero arrebatadora con sus trajes de chaqueta muy formales, pero debajo se esconde una tigresa.
Mark Wahlberg es mi personaje favorito, deslenguado, pero sincero, sus comentarios fuera de tono son certeros, da comicidad y personalidad a la peli. Es el gran justiciero.
Porque si analizáis su final se hace justicia. El que merece honores los tiene y el que merece la muerte la tiene en la puerta de su casa.
Hollywood es sobre todo una industria donde lo prioritario es sacar beneficios. Lo artístico se lo dejan a los europeos.
Esta vez la ocurrencia, recogiendo la moda del feminismo, es hacer una peli con la ya muy usada trama de robo en grupo.
Quiero que se me entienda bien. Al decir “moda del feminismo” no expreso sino que es un tema que está de actualidad, que debería haber sido fundamental desde hace muchos años.
A los productores de La Meca del Cine les ha debido de parecer gracioso juntar a unas cuantas actrices de primera fila, más o menos, y emplear un esquema ya probado. En una especie de feminismo de falda de tubo y tacón alto.
Ocean’s 8, siendo muy generoso, resulta ser una payasada intrascendente y aburrida.
Repleta de tópicos, de diálogos insulsos y sin chispa.
Se trata al espectador como retrasado mental ofreciendo un guión desquiciante y desquiciado, repleto de artificios y de trucos patéticos.
Se supone que estas señoritas van a hacer el atraco perfecto con una trama que es pura eme (con perdón).
He de reconocer que Sandra Bullock nunca me ha caído bien, ahora intervenida por el mismo cirujano plástico que todas y con la misma cara que todas, me cae aún peor. Nunca ha tenido gracia, pero aquí menos aún.
Salvo a Anne Hathaway que por una vez deja de hacer de chica debilucha (floja) y se muestra como una femme potente, descubriendo su cara más atractiva de malota. Por cierto, sin operar.
No es una peli, es un despropósito que lejos de ser feminista arrastra un tufillo a rancio de lo más desagradable.
Si te fijas en la foto de abajo de la premiere, la única que parece satisfecha y contenta es la Hathaway. A las demás de las ve incómodas.
Conversar con alguien tan inteligente y sabio en temas de cine me facilita realizar la crítica.
No soy una persona muy inteligente, más bien un poquillo corto, pero tengo la habilidad, la astucia de aprender de los demás. Soy como una esponja que absorbe la sabiduría de mis amigos.
Además siempre he tenido mucha suerte. Estas dos cuestiones me han hecho llevar una vida muy placentera. Y para mi C.I. incluso exitosa.
Una vida a lo grandenos lleva por un recorrido coherente de géneros.
De la ciencia ficción distópica, al drama, al cine social, al ecologismo. Todo con un constante fondo de humor.
Viendo esta peli he aprendido un par de cosas, tal vez ya las sabía.
Primero que lo material no suele producir la felicidad.
Segundo que un divorcio te deja en la ruina.
Tercero que no hace falta hacer grandes cosas para ser valioso, la suma de las pequeñas es mejor.
Me han salido tres.
Una vida a lo granderesulta divertida del principio al fin llevada de la mano de Matt Damon, sucesor de Tom Hanks en el papel del americano bueno y bien nutrido.
Resaltar que cuando aparece en la pantalla Christoph Waltz eclipsa todo lo demás con la fuerza de un ciclón. Una especie de voz de la conciencia, que desde su pedestal de vividor profesional va diciendo la verdad.
El inicio de Clooney como director es ciertamente brillante.
Usa planos virtuosos jugando con el espacio-tiempo cinematográfico.
La fotografía es muy adecuada para la época en la que se desarrolla la historia.
El conjunto de la peli resulta muy divertido con una combinación entre comedia y drama que se mueve en la cuerda floja, pero sin llegar a caerse.
Nos descubre el inicio de la telebasura y cómo conectó con el público estadounidense primero, español después y supongo que también mundial.
Contrasta lo bien relatada que está esta parte de la peli con lo poco estructurada que se encuentra la dedicada al espionaje, que no pasa de ser escenas más o menos ocurrentes, pero sin una estructura narrativa clara. Con personajes muy poco creíbles.
No sé si es intencionado o casual, pero tal vez Clooney nos muestra esta parte de la trama como menos verosímil y como fruto de la imaginación de Chuck Barris (Sam Rockwell).
La historia de amor funciona gracias a la encantadora y maravillosa Drew Barrymore, que desde que se estrenó en el mundo del cine ha sabido encandilar a la cámara y a un servidor. Ahora de nuevo de máxima actualidad gracias a la divertida serie Santa Clarita Diet.
El californiano Sam Rockwell está desatado, pero en conjunto su papel resulta convincente, por esta peli obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 2003.
Mi puntuación: 7,32/10.
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El director George Clooney:
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Curiosidades:
Tanto Julia Roberts como Drew Barrymore trabajaron por un salario reducido como un favor a su amigo, el director George Clooney.
Sam Rockwell fue la primera y única opción de George Clooney para interpretar a Chuck Barris.
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La mayoría de las escenas fueron rodadas en una toma.
La escena del lobby de la NBC y el montaje The Dating Game (1965) se realizan completamente en una toma; los actores corrieron para ponerse en posición.
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El clip del The Newlywed Game (1966) es un clip real.
Durante mucho tiempo se pensó que era una leyenda urbana y, en algún momento, incluso el anfitrión llegó a creer que no era real.
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El guionista Charlie Kaufman se sintió insatisfecho con la forma en que George Clooney trató su guión.
Comentó:
“Pasé mucho tiempo trabajando en el guión, pero Clooney no estaba interesado en las cosas que me interesaban. He seguido adelante, y no tengo ninguna animosidad hacia él, pero es una película que no es mía“.
Clooney reconoció que hizo cambios, porque había ‘escenas funky‘ que nunca hubieran tenido luz verde para una película de estudio.
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La Agencia Central de Inteligencia ha negado que Chuck Barris alguna vez haya trabajado para ellos.
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David Fincher y Bryan Singer fueron considerados como directores.
Singer inicialmente aceptó, pero tuvo que retirarse cuando todo el elenco de X-Men 2 (2003) estuvo disponible para que la producción comenzara.
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Mike Myers, Ben Stiller y Johnny Depp fueron considerados para el papel de Chuck Barris.
Depp se quedó como productor ejecutivo.
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Después de su entrenamiento, Chuck se despide de “Jack” y “Lee”.
Teniendo en cuenta las teorías conspirativas populares sobre el asesinato de John F. Kennedy, ésta es claramente una referencia burlona a Jack Ruby y Lee Harvey Oswal.
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La película fue calificada en un breve artículo en The Onion titulado “Película comercializada como seis diferentes géneros“:
Comedia romántica.
Thriller de espías.
Sátira de Hollywood.
Biopic.
Cómo ser John Malkovich (1999).
Película de chicas.
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El padre de George Clooney, Nick Clooney, solía dirigir programas de televisión.
Contribuyó con experiencias de verlos detrás del escenario para hacer la película.
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Un guía turístico dice que su programa de televisión favorito está protagonizado por Rosemary Clooney, tía del director George Clooney.
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A David O. Russell se le ofreció la película para que la dirigiera, pero la rechazó, y decidió “que no se trataba de otra cosa que un tipo al que le gustaba follar a las chicas y decir que le disparó a la gente en la cabeza“.
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En los créditos, el nombre de personaje de Matt Damon se otorga como Bachelor Matt y Brad Pitt como Bachelor Brad.
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Julia Roberts trabajó en el set durante seis días.
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El auto que Chuck usa en Alemania Oriental es el VAZ 2102 soviético.
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George Clooney comenzó una relación con Krista Allen después de que la película se terminó.
Se separaron dos años después.
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El elenco de la película incluye cinco ganadores del Oscar: George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Julia Roberts, Akiva Goldsman y una nominada al Oscar: Maggie Gyllenhaal.
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Chuck Barris, mítico presentador de televisión estadounidense, falleció en el mes de Marzo de 2017 a los 87 años por causas naturales en Palisades, una pequeña aldea del condado de Rockland, en Nueva York, según confirmó su publicista.
Barris es conocido por presentar ‘The Gong Show‘ en 1976 para la NBC.
El programa de talentos es recordado por su humor loco y absurdo.
El espacio consiguió tal popularidad que se convirtió en una película, ‘The Gong Show Movie‘
Tengo una cualidad especial de olvidar las pelis que no me gustan.
De la que más recuerdo es de la primera (El caso Bourne de 2002).
Paul Greengrass tiene una manera de rodar que me pone muy nervioso.
No para de mover la cámara. Con planos de pocos segundos.
Además el uso de la música, estridente y machacona, colabora a alterar mi sistema nervioso central.
De hecho al principio me sentí un poco mareado.
Dirige un thriller “trepidante”, con una narración confusa.
Matt Damon representa al americano sano y bien nutrido. Ha sido el soldado Ryan, no lo olvidemos.
Es el heredero generacional de Tom Hanks.
Se le identifica como el bueno inmediatamente.
Vincent Cassel se sabe que es el malo a las primeras, además siendo francés.
La peli se desarrolla como mandan los cánones de este tipo de pelis.
Chica guapa (maravillosa Alicia Vikander), malos poderosos, persecuciones de coche que hacen las delicias de los chatarreros, tecnología avanzada, protagonista marcado por su pasado…
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La peli se desarrolla en Islandia, Atenas, Londres y Las Vegas, por este orden.
Pero ha sido rodada en La ciudad de los Casinos y en Tenerife que ha servido de escenario para Atenas y Londres, sorprendentemente.
Jason Bourne no deja de ser la misma película que hemos visto mil veces y veremos mil veces más.
Cine de acción con todos sus ingredientes habituales y poco más que decir.
Sin alma, sin interés, sin novedad.
A pesar de su cámara mareante y de su música irritante con un envoltorio que puede llamar la atención, no deja de tener un contenido vacío de toda originalidad.
De ésta presunta marcianada se podía esperar lo peor.
Pero el bueno de Ridley nos sorprende con una peli muy entretenida de principio a fin.
La podríamos encuadrar dentro de la ciencia ficción científica y verosímil. No es una peli fantástica.
Nunca he comprendido el afán por trasportar humanos a satétiles y planetas.
Explorar el sistema solar con sondas vale, pero enviar personas no tiene mucho objeto.
Soy de los que piensan que nunca se ha llegado a la Luna, que eso fue el gran timo de los norteamericanos a la opinión pública mundial.
No puedo creer que el proyecto Apolo llevara a doce hombres a la Luna del 69 al 72 y 43 años después no se haya vuelto a hacer.
Lo de ir a Marte es complicado sobre todo por que la salud de los astronautas se vería gravemente deteriorada después de más de un año de ingravidez, posiblemente su reencuetro con la fuerza gravitatoria resultaría mortal.
Vayamos a la peli.
Matt Damon queda en Marte como una especie de Robinson Crusoe que nos va narrando lo que va realizando para sobrevivir. Su relato no resulta, para nada, aburrido.
Por otro lado se nos cuentan las actividades de la NASA para salvarle.
Exceptuando alguna laguna argumental, todo resulta coherente.
Hay un tratamiento con buen sentido del humor, evitando un dramatismo circunspecto. Ese tono hace a la peli más atractiva.
Damon es un actor perfecto para interpretar al americano medio que puede ser un héroe sin pretenderlo, haciendo lo que puede y lo que sabe sin mucho esfuerzo.
Este actor es Thom Hanks en joven.
Jessica Chastain interpreta a la comandante de la nave y, como suele ser costumbre, está maravillosa. Cada día me gustas más.
Esperemos que con esta peli Ridley Scott enderece su torcida carrera.
Tal vez le sobren las escenas iniciales y finales en el cementerio en Normandía que son muy de Spielberg. Todos tenemos nuestros defectos.
En Salvar al soldado Ryan hay emoción, realismo, ética de la guerra, la dosis necesaria de patriotismo…
Steven demuestra que es un gran director con dominio absoluto de los recursos narrativos, del montaje y del sonido.
Hacía tiempo que no la veía. La echaba de menos.
Curiosidades y anécdotas:
Steven Spielberg eligió a Matt Damon como Ryan porque quería un actor desconocido con una mirada All-American.
No sabía que Damon iba a ganar un Oscar por El indomable Will Hunting (1997) y convertirse en una estrella de la noche a la mañana antes del estreno de la película.
Los dos soldados “alemanes” que se rinden hablaban checo.
Decían:
– “¡Por favor, no me dispare, no soy alemán, soy checo, Yo no maté a nadie, soy checo!”.
Eran miembros de lo que los alemanes llaman Ost [Este] de los batallones, los hombres hechos prisioneros en los países del este de Europa invadida por Alemania y forzados a luchar con su ejército.
La cámara se mueve durante las explosiones.
Steven Spielberg usó simulacros unidos a la cámara que se activaban cuando era necesario para producir ese efecto.
En la versión alemana doblada de la película, uno de los actores era un veterano alemán de la invasión de Normandía, no pudo realizar su trabajo porque la emoción se lo impidió y hubo de ser reemplazado.
Mel Gibson y Harrison Ford se consideraron para el papel de capitán John Miller, antes que Steven Spielberg se decidiera por Tom Hanks.
Todos los actores principales fueron sometidos a varios días de entrenamiento militar que resultó ser agotador, a excepción de Matt Damon, que se libró, de manera que los otros actores transmitirían ese resentimiento en sus actuaciones.
La película fue bloqueada por la Junta de Censura de la India por demasiada violencia.
El Consejo exigió recortes que Steven Spielberg se negó a hacer y en su lugar, decidió no lanzar la película en la India en absoluto.
Al darse cuenta de la gravedad de la situación, el entonces Ministro del Interior de la India vio la película.
Impresionado, ordenó que fuera exhibida sin cortes.
La escena Omaha Beach cuestó 11 millones de dólares.
Participaron hasta mil extras, muchos de ellos miembros de la Reserva del Ejército irlandés.
De esos extras, treinta eran amputados.
La película más taquillera de 1998 en los Estados Unidos.
También fue la última película de clasificación R que lideró la taquilla hasta El Francotirador (2014).
Muchos veteranos del Día D felicitaron al director Steven Spielberg para la autenticidad de la película, incluyendo al actor James Doohan , más conocido como Scotty de La conquista del espacio (1966).
Doohan perdió el dedo medio de su mano derecha y fue herido en la pierna durante la guerra.
Además, participó en la invasión de Normandía el 6 de junio de 1944, en Juno Beach, donde la tercera división de infantería canadiense lideró el ataque.
Elogió a Spielberg para no olvidar ningún detalle sangriento.
Matt Damon improvisó la historia que cuenta hacia el final de la película sobre su hermano en el granero con la chica fea.
El discurso era incoherente y no particularmente divertido o interesante, pero el equipo decidió que por eso funcionaba.
El Departamento de Asuntos de Veteranos estableció un número especial 800 para ayudar a los cientos de ex soldados que se sintieron traumatizados después de ver la película.
Steven Spielberg redujo la saturación de color de la película en un 60% por razones artísticas.
Los dos principales proveedores estadounidenses de satélite (DirecTV y Dish Newtork) y numerosos proveedores de televisión por cable recibieron muchas quejas de usuarios que protestaban por el color defectuoso, por lo que se vieron obligados a aumentar la saturación del color.
En 2006, Tom Hanks fue exaltado al Salón de la Fama del bosque del ejército de Estados Unidos como miembro honorario, en gran parte gracias a su interpretación del capitán John Miller.
Edward Norton se le ofreció el papel de soldado Ryan, pero lo rechazó para trabajar en American History X (1998) en su lugar.
Dos de las lanchas de desembarco utilizado en las escenas de Omaha Beach se usaron realmente en la Segunda Guerra Mundial.
40 barriles de sangre falsa se utilizaron en la escena de la batalla del inicio.
Los efectos de sonido de disparos que se escuchan en la película fueron grabados de tiros reales con munición auténtica de armas de época.
El papel de Caparzo fue escrito especialmente para un desconocido Vin Diesel después que el director Steven Spielberg vio la peli independiente Strays (1997), de la que era director, guionista y productor.
Solo se permitió llamar a los actores por los nombres de sus personajes.
La batalla de la playa de Omaha fue filmada durante un período de cuatro semanas, sin storyboard previo.
La primera película de DreamWorks que costó más de 100 millones de dólares.
Como Steven Spielberg se negó a cortar las escenas violentas, la película fue prohibida en Malasia.
El historiador militar y autor Stephen Ambrose, en una proyección especial de la película para él, tuvo que pedir que la peli se detuviera durante 20 minutos.
No podía controlar su emoción.
Inspirada en la historia real de los hermanos Niland.
Frederick Niland estaba en el Regimiento de Infantería 501.
Hermanos de sangre (2001), producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, contó la historia de otra unidad la 101 Airborne, la Compañía Easy..
Billy Bob Thornton rechazó el papel del sargento Horvath porque él no quería filmar las escenas de la playa de Normandía, debido a una fobia de agua.
Al escritor Robert Rodat se le ocurrió la historia de la película en 1994, cuando vio un monumento dedicado a los cuatro hijos de Agnes Allison de Port Carbon, Pennsylvania.
Los hermanos murieron en la guerra civil americana.
Rodat decidió escribir una historia similar durante la Segunda Guerra Mundial.
El guión fue presentado al productor Mark Gordon , quien luego se lo entregó a Tom Hanks.
Finalmente fue dado a Steven Spielberg, quien decidió dirigirla
Vin Diesel cobró 100.000 dólares por el papel de Caparzo, cuando todavía era un actor muy poco conocido.
La intervención de Industrial Light & Magic se minimizó significativamente a fin que no pareciera una película de efectos especiales.
La contribución de ILM, sin embargo, fue sutil pero muy necesaria ya que la mayoría de los impactos de bala en el ataque Omaha Beach fueron creados digitalmente.
El asedio en el pueblo de Ramelle fue filmado en un conjunto creado en un campo de aviación en desuso en Hatfield, Inglaterra.
El puente tan valientemente defendido, en realidad atraviesa un profundo canal de tres pies creado para la película.
Para lograr un “look” único para la película, el director de fotografía Janusz Kaminski ajustó el obturador película de 90 grados para crear imágenes más nítidas, más realistas.
Tom Sizemore rechazó un papel en La Línea delgada roja (1998) de Terrence Malick, para aparecer en esta película.
Los dos tanques Tiger alemanes en la película eran de hecho rusos T-34, tanques modificados para parecerse lo más posibles a los tanques Tiger.
El rodaje cambió desde el Reino Unido a Irlanda después de que el Ministerio de Defensa británico se negara a proporcionar el número de soldados que se pidieron para actuar como extras en la película.
Las Fuerzas de Defensa de Irlanda suministraron 2.500 hombres procedentes de una mezcla de unidades de las FCA (Reserva del Ejército) y Slua Muiri (Navy).
Steven Spielberg afirmó que considera a la película como un regalo a su anciano padre, un veterano de la Segunda Guerra Mundial.
El ex presidente de Estados Unidos George W. Bushs la considera su película favorita.
Una de las últimas películas que se editó en laserdisc en noviembre de 1999.
Laserdiscs dejó de ser fabricado a finales de ese año.
La técnico de sonido foley, Jana Vance se lesionó tres costillas mientras cargaba equipo pesado y botas militares para los efectos de sonido de una escena.
Éste es el último largometraje de Steven Spielberg del siglo XX.
La película contiene cuatro actores convertidos posteriormente en directores en el reparto: Tom Hanks, Edward Burns, Adam Goldberg y Vin Diesel.
Esta película fue una coproducción de DreamWorks y Paramount Pictures.
DreamWorks la distribuyó en América del Norte y Paramount realizó el lanzamiento internacional.
Fue estrenada el mismo año que La delgada línea roja.
Premios:
1998: 5 Oscars: Director, fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 11 nom. Increíblemente el Oscar a la mejor peli se lo llevó Shakespeare in love.
1998: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, director. 5 nominaciones.
Christopher Nolan ha demostrado, a lo largo de su filmografía, que es un gran creador de atmósferas.
Tal vez su cine peque de excesivo, de cierto colosalismo, sobre todo en sus últimas producciones.
Aquí se muestran estos dos aspectos.
Vayamos por partes, como decía el Descuartizador.
El inicio como drama familiar en un futuro distópico, pero posiblemente cercano, es brillante.
La presentación de los personajes y del planeta asolado por plagas y tormentas de polvo es acertada. Se agradece la ausencia de todos los datos, para que podamos sacar conclusiones personales.
Cuando la peli se convierte en aventura espacial las imágenes se vuelven deslumbrantes, arrolladoras, de una belleza asombrosa.
Hay un esfuerzo notable en dar verosimilitud científica a la historia, tal vez al final se pase de frenada en un intento brutal de dar coherencia argumental a todo, lo cual es imposible.
A mí el rollito de máster de física me ha gustado mucho. Hay una especie de ejercicio intelectual (o intelectualoide) que me atrae, me fascina. Los gusanos, los agujeros negros, las incoherencias espacio tiempo, la relatividad, la gravedad como fuerza universal…
En el tramo final se apela en exceso al sentimentalismo con una claudicación absoluta al happy end, al más puro estilo americano.
Matthew McConaughey recrea un personaje complejo, muy alejado del héroe convencional, con el dilema imposible, de elegir entre salvar a la humanidad o pasar una vida con sus hijos.
Me gustaría volver a ver a Anne Hathaway con el pelo largo. Como siempre estupenda.
Jessica Chastain se consolida como una de las grandes actrices del momento.
Michael Caine cumple su papel, pero da la impresión que lo hace de una forma rutinaria. Es un habitual de las pelis de Christopher Nolan.
A pesar de sus defectos, Interstellar me ha parecido fascinante, incluso en ocasiones arrebatadora.
No sé si llegará a marcar un antes y un después en la ciencia ficción, pero desde luego es una de las grandes de este género.
Ésta era la única peli que me quedaba ver de este director.
Hay cinco producciones posteriores. Tiene pendiente un estreno para este 2014 y dos más para el año que viene.
Kevin Smith a lo largo de su filmografía ha ido domesticándose. De realizar pelis frescas y transgresoras ha pasado a hacer cine comercial, aunque conserve algún rasgo definitorio.
La Jersey Girl es en esencia una peli romántica y sigue el esquema de chico conoce chica, se separan y después se reconcilian. Aquí hay algún cambio. La primera fallece.
Se apela a los sentimientos familiares (paterno filiares) y al manido argumento de dedicar tiempo a los hijos antes que al trabajo.
A pesar de estos caminos trillados la peli emociona y divierte.
Affleck, protagonista absoluto, fue nominado a los Premios Razzie como peor actor, con todo merecimiento. Ha demostrado ser mucho mejor director que actor.
Jennifer Lopez también nominada a los antioscars como peor actriz de reparto está encantadora, como no podía ser de otra manera.
La niña Raquel Castro es una marisabidilla, pero resuelve con soltura la mayoría de las situaciones por muy empalagosas que puedan llegar a ser.
Liv Tyler es la alegría y el futuro para ese viudo inconformista con su vida. Decir que está maravillosa es una obviedad. Esta chica (de Jersey) tiene esa rara cualidad que la cámara la quiera. Da igual que vista de princesa elfa siendo Arwen o con vaqueros y rebeca, siempre sale perfecta.
Rebuscando se pueden encontrar los elementos comunes en muchas de las pelis de Kevin Smith. El vídeo club. La épica de los perdedores y la asunción que la vida posiblemente sea mejor así, sencilla y modesta.
Me puedes llamar blandengue, flojeras, lila o ñoño, pero la peli me ha encantado.
Desde mi infancia soy muy aficionado al género bélico. Mi predisposición no puede ser mejor.
George Clooney había declarado que sus referentes para construir esta peli son La gran evasión y Los violentos de Kelly. Estas dos pelis contenían elementos de humor pero eran cine de guerra, con personajes de verdad, bien construidos.
En Monuments MenClooney se ha equivocado en el planteamiento. Nos presenta personajes cómicos metidos en un ambiente bélico y eso no funciona. Mezclar humor y guerra es muy difícil y más si pretendes hacer un producto trascendente.
Porque el director de Los Idus de Marzo no se conforma con filmar una pretendida buena peli, quiere dar un homenaje al esfuerzo de unos intelectuales por salvar el patrimonio artístico al final de la Segunda Guerra Mundial.
Demasiadas pretensiones y demasiados fracasos.
Los actores hacen lo que pueden y no están mal pero hay papeles indefendibles como el personaje de Claire Simone interpretado por la estupenda Cate Blanchett. Por cierto, la química con Matt Damon es nula.
Puede gustar a paladares poco exigentes. Pero al mío desde luego que no.
Película realizada para televisión que ha ganado numerosos premios (Globos de Oro, Emmys…)
El famoso pianista Liberace conoce a un muchacho huérfano pero bien constituido Scott Thorson y entre ellos nace algo más que una hermosa amistad.
Behind The Candelabra es una historia de amor. Como todas comienza con la pasión y termina con la ruptura. Perdón, quería decir como casi todas.
El pianista actúa en Las Vegas y vive en un barrio de esta ciudad de diversión. Su casa es una extensión de los casinos y salas de fiesta. Barroquismo hortera y extravagante llevado al límite.
Pero el propio personaje es Las Vegas su falsedad tratada a base de bisturí y silicona por cirujanos estéticos, su vestuario salido de una pesadilla de un minimalista, incluso su pelucón…
Todo este escenario personal y ambiental puede parecer chirriante pero resulta cómico y hace esta peli divertida.
Michael Douglas y Matt Damon, dos actores declaradamente heteros, se trasmutan en dos tipos diferentes de gays. Tan de verdad que te olvidas del actor para solo ver al personaje.
Hay un momento impresionante cuando Liberace es descubierto sin peluca por Scott Thorson en el que se mezclan los sentimientos, te dan ganas de reír pero también de llorar.
Un final ciertamente lacrimógeno pega fenomenal con este folletón de lujo.
Steven Soderbergh lleva en su haber más de 30 pelis, una filmografía tan abundante como irregular. Aquí se muestra acertado. ¿Será mejor director de telefilmes que de cine?
Sigo con el ciclo de Kevin Smith. Me lo estoy tomando en serio.
En esta ocasión Jay y Bob el Silencioso ocupan todo el protagonismo, se embarcan en un viaje incongruente para impedir el rodaje de Bluntman y Chronic.
Estos dos personajes como secundarios son estupendos pero aguantar a Jay toda la peli, soltando las mismas frases y poniendo las mismas caras, es demasiado. Compadezco mucho al pobre Bob el Silencioso.
Como dato ilustrativo, en la peli la palabra “fuck” es pronunciada 248 veces.
Diálogos divertidos, cameos curiosos, crítica al mundo del cine.
Momentos memorables como Gus Van Sant contando dinero, en lugar de preocuparse de dirigir la peli o Mark Hamill autoparodiándose con su mano biotrónica y su espadita láser o a Carrie Fisher haciendo de monjita.
Pero la peli carece de ritmo, es reiterativa y a Jay solo lo quiero ver de secundario ocasional.
Dogma es una peli religiosa, concretamente católica. Reúne gran parte de la “mitología” de esta religión.
Hay ángeles, apóstoles, profetas, demonios, elegidos… Pero también salen los personajes clásicos de la mitología de Kevin Smith, es decir, Jay y Bob el silencioso.
La peli pretende ser irreverente y reflexiva y lo consigue solo en parte.
Con unos inicios brillantes con escenas muy hilarantes, avanza de manera torpe para terminar naufragando.
Es como si el propio Kevin se viera atrapado por su historia, excesiva y destartalada, y no supiera rematar la faena, incapaz de salir del lío en el que ha metido.
A la catástrofe contribuye decisivamente la presencia del histriónico e insoportable Chris Rock.
El joven Matt Damon, ya intervenía en su peli anterior (Persiguiendo a Amy) en un pequeño papel. Aquí tiene un protagonista, el año anterior ya se había hecho famoso haciendo de soldado Ryan.
Le reconozco momentos graciosos y una idea interesante que resulta menos transgresora de lo esperado. Termina siendo autocomplaciente.
Es la tercera peli de Kevin Smith y se le ve más maduro.
Con un presupuesto mucho más reducido que la anterior, unos 250.000 dólares, construye una historia más sólida y adulta.
Mantiene la marca de la casa con sus referencias al mundo del cómic, a La Guerra de las galaxias… Introduce temas nuevos como la homosexualidad y el asunto racial.
Enlaza con Clerks hablando de la chica que se ahogó en la piscina y de Veronica que se lo hizo con un cadáver. También mencionadas en Mallrats.
Kevin Smith se vuelve a reservar el papel de persona sensata como en Mallrats y en Clerks. En esta peli está menos silencioso.
En Persiguiendo a Amy se nos ofrece una reflexión sobre las relaciones de pareja y la influencia del pasado.
Los diálogos, también estupendos, son más adultos con mucho empaque. Los personajes son reales.
Joey Lauren Adams interpreta a la maravillosa Alyssa Jones. El personaje está magníficamente bien construido y la actriz es sensacional, conmueve y emociona. Te adoro Joey Lauren Adams. En aquella época era la novia de Kevin Smith y se basó en sus experiencias personales para construir el guión. Canta ella misma el tema musical.
En contraste Ben Affleck demuestra que desde joven era un mal actor y pone muy bien cara de bobo. Pero quiero hacer constar que es un director como la copa de un pino.
Carlos Boyero escribió sobre esta peli en 1997: “Cruda, graciosa, cínica y lúcida, descarnada y triste, insólita”
Neill Blomkamp nos sorprendió en 2009 con Distrito 9, una peli con garra, posiblemente una terrible metáfora sobre el Apartheid.
Ahora nos presenta un futuro tan creíble que nadie lo dudaría. Año 2159. La tierra es un planeta superpoblado y supercontaminado donde malviven en pésimas condiciones sanitarias y laborales los ciudadanos controlados por unos robots que hacen de policías. En Elysium (una plataforma espacial) habitan los ricos que disfrutan de un mundo sano y feliz. (No es demasiado diferente a la situación actual).
La presentación es muy correcta, tal vez demasiado breve y demasiado interesante.
Matt Damon, ese chico sanote que hemos visto crecer desde que hiciera la mili de soldado Ryan, es un buen protagonista, simpático y que se esfuerza por ser un buen ciudadano. Musculado para la ocasión, cuando sale sin camiseta se nota que lleva la pared abdominal maquillada. Víctima de las circunstancias toma el camino de la subversión como única posibilidad. Ahí es cuando la peli empieza a flaquear.
No deja de ser entretenida pero discurre por los caminos ya trillados del cine de acción, esta vez con exotraje con poderes de superhéroe.
Parte del rodaje trascurre en el mayor basurero del mundo a las afueras de Ciudad de México, donde se almacenan millones y millones de toneladas de porquería. Los actores lo pasaron realmente mal. El olor era nauseabundo e insoportable. A las pocas horas se encontraban recubiertos de una capa marrón que era literalmente estiércol.
Neill Blomkamp se ha vendido (otro más) a Hollywood. La industria americana del cine tiene ese poder maléfico que arrastra a directores con buen futuro al reverso tenebroso del cine comercial, del más de lo mismo que es lo que vende.
Las grandes productoras americanas tienen la capacidad de trasformar una historia interesante en un producto clónico para contentar a un público que, supuestamente, exige eso y no acepta cambios.
Las escenas de la monjita con el niño Matt (antes de hacer el servicio militar) al principio y al final de la peli me produjeron erupción cutánea, con prurito intenso, malestar general y vómitos.
Para colmo: final feliz. Querido Neill, no se puede caer más bajo.
Una pena, penita, pena. Un buen proyecto malogrado.
El bueno de Damon representa como nadie, en el cine americano, al norteamericano bonachón, bien intencionado y bien nutrido como ya hiciera en sus comienzos en la extraordinaria Salvar al soldado Ryan.
Tal vez, junto a Tom Hanks, sea el mejor exponente del americano medio.
Aquí interpreta a una buena persona que actúa en el bando equivocado, aunque no es un personaje transparente, es un comercial que es capaz de muchas cosas para vender pero tiene un límite y no es capaz de todo (a diferencia de su empresa).
El mundo rural americano se refleja como idílico de bellos paisajes y de buena gente, luchadores pero azotadas por la crisis.
La galería de personajes pueblerinos es estupenda y muy completa.
Cuando al final de la peli la cámara se va alejando, en una toma aérea, y se van viendo esas calles rectas y amplias con grandes casas llenas de árboles, con un poliderportivo con una amplísima zona de aparcamiento, nos damos cuenta de lo diferente que es a nuestros pueblos, de calles angostas y de pequeñas viviendas apiladas, eso sí, con encanto.
El relato resulta minucioso pero interesante y en esa bella postal tiene cabida la traición y la mentira y Damon lucha por defender sus convicciones y su empleo pero de una manera honesta. Este cine enraiza con el de Frank Capra.
Frances McDormand hace una interpretación, como siempre magnífica, creando un personaje socarrón y cínico con sorpresa final.
El giro al terminar el metraje es previsible porque el ecologista da mala espina desde el principio.
El tono de la peli recuerda a las producciones de carácter reivindicativo de los años setenta.
Lo único que se le puede criticar es la ausencia de intensidad dramática o ¿tal vez sea un elogio?
Steven Soderbergh se ha movido en sus pelis entre la experimentación y la comercialidad. Aquí realiza un producción de ese subgénero que es el cine de catástrofes (subsección epidemias).
El desarrollo es frenético con muchos personajes a los que tan apenas nos da tiempo a conocer. En la realidad ocurriría lo mismo, los acontecimientos no darían tiempo más que a los sucesos de cada día.
Lo que la diferencia de otras pelis de este subgénero es que Soderberg le da un carácter más riguroso con un tono, a veces, didáctico.
Todo evoca a la epidemia de Gripe A de hace un par de años, con la alarma inicial, la sombra de los intereses farmacéuticos como telón de fondo, las reticencias ante la vacunación… Pero en la ficción el virus resulta mucho más mortal. Cuestión que es perfectamente posible que ocurra en un futuro.
La fotografía y la música dan un tono pesimista. Los personajes no son héroes y tienen debilidades y algunos de los principales incluso mueren.
El epílogo, dando explicación al origen del virus, resulta divertido.
Destaca Matt Damon que como es habitual en él está muy convincente, representando al tópico americano bien nutrido y buena gente, que intenta salvar el tipo y el de su hija lo mejor que puede.
Una de las mejores pelis de epidemias que se han realizado.
Destino oculto es una mezcla de ciencia ficción, historia de amor y película de políticos (suponiendo que ese género exista).
Un candidato al Senado y una bailarina se conocen, se enamoran pero unos personajes no humanos intentan evitar que sigan juntos porque hay un plan establecido para ellos que se vería truncado con su relación.
Estos personajes que visten de negro y llevan sombrero son una mezcla de agentes del FBI y ángeles, que hacen su trabajo estilo funcionario.
La peli me mantuvo atento con buenos efectos especiales, los cambios de decorado al pasar las puertas son espectaculares, pero lo que más me gustó es la historia de amor.
El amor entre un guapetón Matt Damon y una estupenda Emily Blunt, que luchan contra viento y marea para estar juntos. Tomé partido desde el principio por la pareja que tiene muy buena química. Matt Damon da el tipo de chico norteamericano bien nutrido y bonachón y Emily Blunt es bella y estilizada.
Se desarrolla en Nueva York pero no en la ciudad de postal sino en calles normales menos turísticas pero más reales.
Muchas veces me dicen que me gustan casi todas las pelis y es verdad. Pues ésta también me ha gustado.
Recomendable para románticos empedernidos y para amantes de la acción.
Valor de ley es un western clásico en todos los sentidos. No era esperable que los hermanos Coen amigos de aspavientos visuales y de un humor cosmonáutico hicieran una película que podría haber sido realizada por directores como John Ford o Howard Hawks. Tal vez parezca un sacrilegio lo que acabo de escribir pero si alguien duda lo que afirmo que vea la peli.
Todo en Valor de ley es western clásico. El tono de humor (que no cómico) de muchas secuencias y de la peli en general. Grandes paisajes con planos largos. Personajes bien planteados en los que prima su ética aunque contradictoriamente estén cargados de defectos como la afición a la bebida o el gatillo fácil. La defensa de valores tradicionales como la lealtad. No hay una recreación en la violencia como en otras actualizaciones del western.
La historia resulta muy entretenida. El espectador va descubriendo la trama a través de los ojos del personaje de Mattie Ross, la niña eje central de la peli, interpretada de manera perfecta y contenida por Haille Steinfel.
Jeff Bridges vuelve a estar magnífico y convincente, con un personaje que parece escrito a medida.
Mi recuerdo sobre la peli de Henry Hathaway protagonizada por John Wayne es muy tenue y no me permite hacer comparaciones. Pero seguro que esta peli de 1969 también era estupenda. Habrá que revisionarla. Por cierto cuando yo era crío a este maravilloso actor le llamábamos Juan Vaine y no es broma.
Está nominada a los Oscars como mejor película de forma totalmente merecida. Es una peli imprescindible.
En esta peli que nos ocupa, del año 2007, coescribe el guión y hace de director.
La película es extraordinaria. El guión es formidable. Con vueltas y sorpresas que hacen que el espectador lejos de perder el interés cada vez vaya aumentándolo. La dirección podríamos decir que es clásica, colocando la cámara con inteligencia pero sin efectismos, manteniendo un buen ritmo.
En ésta y en su segunda peli Affleck utiliza de escenario la ciudad de Boston que parece conocer bien, sobre todo algunos barrios no muy recomendables.
El caso del secuestro que relata no está inspirado en la historia real de la niña Madeleine McCann de gran repercusión mediática, porque la peli fue rodada antes de ocurrir el suceso. Pero esta lamentable coincidencia perjudicó la carrera comercial de la cinta.
En mi opinión la actriz Amy Ryan que interpreta a la madre de la niña está soberbia, dando una credibilidad impresionante al personaje.
Una de las cosas a destacar de la peli es el dilema moral que plantea. Elegir entre lo mejor y lo correcto. La decisión que se toma deja una sensación de desánimo al protagonista y al espectador.
Si sigue por este camino el Affleck director se va a convertir en uno de los grandes del siglo XXI.
Clint Eastwood nos cuenta tres historias que tienen en común el tema de la muerte pero con enfoques distintos.
Eastwood es uno de los más grandes directores de nuestro tiempo y también uno de los más mayores. Va a cumplir este Mayo 80 añitos y ya está realizando su siguiente película (J. Edgar) que por el título supondréis de que va. Es normal que a esa edad se piense en la muerte, como ya lo hizo en Gran Torino que parecía ser su textamento cinematográfico.
Clint evita el rollo religioso y nos presenta tres personajes muy diferentes enfrentados de maneras diversas con la muerte. La peli está dirigida con pulso firme, contándonos los personajes de manera meticulosa para que los comprendamos y los queramos, para que nos comparezcamos con ellos y con sus vidas. Su dolor, su tristeza es la nuestra conforme avanza la película y es entonces cuando te saltan las lágrimas. Lo que os decía Eastwood es grande, muy grande.
Hay muchos momentos intensos en la peli como el terrible tsunami que sabe radiografíar de manera impecable. Todos habíamos visto esa ola que se mete entre las casas y lo arrasa todo y era impresionante, pero lo es más cuando estás dentro de la gran ola y te arrastra sin que puedas hacer nada. Grande, muy grande.
Otras escenas son también magistrales pero no os las cuento para no destripar la peli.
Los últimos minutos son aún mejores. Estás esperando, o más bien deseando que ocurra lo que tiene que ocurrir. El director juega con nuestras inquietudes para sacar más emociones aún de nosotros. Muy grande.
Matt Damon ha sido grandes personajes, no olvidéis que fue el soldado Ryan, y aquí interpreta a ese hombre atormentado que querría ser normal.
Un grupo de marines norteamericanos buscan afanosamente las armas de destrucción masiva (ADM) en el Irak conquistado a Saddam pero no las encuentran. El alferez Miller, que es un tío que a pesar de ser marine piensa, se mosquea porque no las encuentran y se hace colega de un agente madurito de la CIA. Éste es el plateamiento inicial de Green Zone.
La peli es una mezcla de thriller político y cine bélico. La combinación encaja como un guante.
Paul Greengrass, el director, rueda con maestría las escenas bélicas con una cámara que no para de moverse dando gran sensación de realidad. Este director ha realizado alguna peli de la saga Bourne por lo que tiene experiencia en el cine de acción.
El alférez Miller es el actor Matt Damon que ya tiene experiencia bélica, no olvideis que fue el Soldado Ryan. Matt tiene ese aspecto de americano bien criado y alimentado y lo cierto es que lo hace fenomenal.
La peli te mantiene pegado a la butaca y no te permite pestañear. Podría pensarse que es una peli más de acción pero en absoluto. Green Zone tiene mensaje y da que pensar.
Junto con En tierra hostil (tal vez sobrevalorada), Green Zone es una de las películas básicas para comprender la Guerra de Irak.
