No comprendo cómo se repone en los cines esta peli de la época de la transición.
Su mayor interés es la presencia de Rafael Azcona como guionista.
Se trata de un sainete, de una comedieta muy pegada a la actualidad del momento.
Todo y todos giran alrededor del personaje de Paloma interpretado por una joven y arrebatadora Ana Belén.
Lo que más gracia me hace son las hijas de la protagonista, Paloma, Almudena, Atocha e Isidra. ¿Se puede ser más de Madrid?
Pepe Secristán da vida al marido que nunca ha trabajado para hacer boicot a los empresarios y evitar se beneficien de la plusvalía.
Toca temas muy delicados que ahora, creo yo, no son políticamente correctos, como la pedofilia.
Se hace chiste de manera reiterativa con los negros y de la huelga.
Se nota la mala leche de Azcona al fondo, pero falta el estilo Berlanga, porque García Sánchez no sabe darle la gracia, ni la sutileza adecuadas.
Casi nunca me fijo en la música. Solo la percibo si es muy buena o es inadecuada. Aquí me he dado cuenta por lo segundo. Llama la atención su uso en escenas donde es innecesaria.
Rozando y llegando en ocasiones al esperpento, resulta graciosa, a veces, y chirriante muchas otras.
Destacar las buenas interpretaciones, todas estupendas sin excepciones.
Luis Ciges impresionante como siempre.
Muy jóvenes Juan Echanove y Antonio Resines.
Lo mejor Ana Belén, muy natural en su papel de madre y mujer deseada, y las cuatro niñas que se mueven con una soltura pasmosa.
Me la recomienda un amigo esta peli. No puedo recordar quien lo hizo.
Con la palabra llamada hay varias pelis en este siglo que vivimos.
Está Última llamada de Joel Schumacher de 2002, La llamada de los Javis de 2017, Llamada perdida de Takashi Miike de 2003, Llamada perdidade Eric Valette de 2008, La llamada de Jason Stone de 2014, Llamada oculta de Amariah Olson de 2014, otra vez La llamada de David Nieto Wenzell de 2012 (una peli ecuatoriana) y otras cincuenta más.
Esta es La última llamadade Brad Anderson protagonizada por Halle Berry.
No comprendo el entusiasmo del que me la recomendó.
Se puede calificar de entretenida, si tus pretensiones son más bien tirando de bajas a nulas.
Una trabajadora del 112 a la que da vida la actriz mencionada vive a través de su teléfono una experiencia traumática que años después va a repetir tratando de evitar los mismos errores.
No hay profundización en los personajes, especialmente en el malo que no está ni perfilado.
Todo se mueve dentro de la senda del telefilm, con una realización rutinaria, sin ni un atisbo de originalidad o interés.
El guión sigue el camino ya perfilado desde el principio sin dar un solo paso hacia la sorpresa.
En definitiva, un producto rutinario de clase B sin el más mínimo interés.
Esta producción está construida con tres elementos: imágenes reales de la época del genocidio perpetrado por los Jemeres Rojos, figuritas esculpidas en arcilla y coloreadas a mano para recrear situaciones de las que no hay testimonio gráfico y la incesante voz en off de uno de los supervivientes.
Es el retrato en tono tristemente poético de una pesadilla histórica.
El relato es claramente subjetivo, lo que lo impregna de un sentimentalismo, de una especie de fatalismo aterrador.
La presencia de las figuritas de arcilla, aunque parezca paradógico, llena de expresividad el film.
Se aprende historia y se pasa mal, muy mal.
He leído que le falta un centímetro para ser una obra maestra, tal vez sean algunos más. La incansable voz en off no para ni un segundo. Creo que habría que haber dado una oportunidad a las imágenes por sí solas.
No puedo dudar de las buenas intenciones de esta película, ni del voluntarismo de su protagonista, una encantadora Amy Schumer.
Como le he oído decir al gran Carlos Pumares: “un drama tiene que hacer llorar y una comedia reír”.
Esta comedia hace sonreír poco, de lo pedido por Pumares nada.
El supuesto gran mensaje de la película se ve venir desde el principio y queda reducido a una pantomima cuando se presenta de una manera tan escasamente sutil.
La peli presenta la “gran” moraleja de saberse valorar a uno mismo (la autoestima) y saber aceptarse a sí mismo.
Esta pareja de directores podrían haber tratado el tema con más sutileza, con más elegancia.
Es una pena que un mensaje tan positivo pierda validez y fuerza cuando se expresa de una forma tan tosca.
Dicho esto, quiero dejar claro que siempre me hubiera gustado ser guapo.
Los guapos lo tienen más fácil en la vida.
A mi madre siempre le decía: “cuánto me hubiera gustado ser guapo“. Ella me respondía: “alguna otra cualidad tendrás“.
A pesar de todo he de decir que he tenido mucha suerte en la vida y que todo me ha salido bien tirando a muy bien, a pesar de ser feo.
Había oído hablar muy elogiosamente del director de esta peli Genndy Tartakovsky.
Ideólogo de esta saga, al que se le había dado barra libre para hacer la peli que quisiera.
Hotel Transilvania 3: Unas vacaciones monstruosas es una peli que no llega a ser entretenida, se acerca, pero no lo consigue.
Repleta de chistes sin gracia, decepciona casi todo el metraje.
Solo ocasionalmente hubo algo que me hizo reír, como esa familia de lobos con cientos de lobeznos pululando alrededor de sus padres, posiblemente lo mejor.
Desde luego no es Pixar. La trama es muy simple y no hay segundas, ni terceras lecturas.
Visualmente resulta atractiva, pero sin novedades y sin nada especial que recordar.
Esta miniserie está ambientada en el Nueva York de finales del XIX.
Se trata de un thriller con elementos de melodrama.
Con ese título no podía faltar la ración de psicología criminal barata.
Con personajes protagonistas atormentados por su triste pasado. Con malos muy malos a los que les coges verdadero asco.
Con dosis de feminismo en los personajes de Mary Palmer (Q´orianka Kilcher) y Sara Howard (Dakota Fanning).
La ambientación es colosal, con una representación muy cruda de la miseria de esa gran ciudad.
Además se respira la turbiedad moral en las calles y tugurios que se nos presentan y en las altas esferas de una sociedad profundamente corrupta donde los crímenes de los poderosos van a quedar impunes.
Hay algún truco de guión que no se explica.
La serie es interesante, pero no engancha tanto como otros productos.
¡Mamma Mia! La película sirvió hace diez años para que me reconciliara con Meryl Streep.
.
Siempre la había visto en papeles dramáticos y contemplarla llena de alegría y de energía sirvió para que la apreciara como actriz, con su producción anterior y posterior.
.
Estamos ahora ante una secuela y una precuela.
.
Nos cuenta como fue ese verano de relaciones de Donna con tres jóvenes y por otro lado la inauguración del hotel diez años después de la boda de Amanda Seyfried.
.
He disfrutado de esta peli con cada fotograma.
.
Todos los números musicales con sus coreografías me han parecido sensacionales.
.
Yo que nunca fui un gran fan de Abba, desconocía alguna de las canciones, pero me daba igual, son todas maravillosas.
.
Lily James (Baby Drive, Orgullo + Prejuicio + Zombies, Cenicienta), la joven Donna, es un gran descubrimiento como cantante. Con una frescura, una gracia, un carisma ante la pantalla que la hacen irresistible.
.
La aparición de Cher le da un plus. Impresionante cantando Fernando.
.
El número final con todo el mundo vestido a lo Abba es una delicia. Dan ganas de bailar y de ser feliz.
.
La Streep aparece poco, pero lo suficiente como para recordarnos que tenemos que ver la de hace diez años.
Estamos ante un biopic de la escritora de Frankenstein o el moderno Prometeo.
Su directora ha querido impregnar su peli de espíritu romántico.
Hay en sus personajes buenas dosis de inconsciencia, de ansias de libertad, de hedonismo y de espíritu artístico.
La fotografía, la ambientación, los diálogos todos muy británicos, con ese made in British.
Aunque está contada con elegancia, hay cierta ausencia de emoción, como si se pretendiera distanciarse de los personajes y no tomar partido descaradamente.
El desarrollo resulta muy teatral, con diálogos continuos que acompañan a las imágenes de manera constante. Con el uso de voz en off, para relatar la producción literaria, que agota.
De todo el reparto me quedo con la hermana interpretada por una extraordinaria Bel Powley.
A mí me ha parecido didáctica. No conocía cómo esta joven escritora realizó una obra que ha tenido tanta repercusión posterior.
Estamos ante una peli de acción con tiros y persecuciones de coche.
¿Qué tiene de especial esta peli de acción?
Dos cosas. Es una producción británica, el prota es un chico guapete, con carita de bueno y no el tipo duro y musculoso habitual y en tercer lugar la chica es la adorable Felicity Jones, la de Rogue One: Una historia de Star Wars. Me han salido tres.
Las escenas de persecuciones, que ocupan el 80% del metraje, están bien rodadas.
El guión es muy tópico, con algunos fallos del tamaño de un agujero negro (que supongo son muy grandes).
Cito un ejemplo, que tal vez no sea ni spoiler. Acorralados en un garito por la policía, con gran despliegue de medios, salen todos con tranquilidad por la puerta de atrás.
Ben Kingsley, el otrora Gandhi, hace de malo desatado.
Anthony Hopkins hace de Hannibal Lecter, pero mafioso.
Curioso que entre los dos villanos se cree un conflicto de clases.
Cuando no esperas nada de una peli y te da poco, aunque sea muy poco, sales contento.
Hollywood es sobre todo una industria donde lo prioritario es sacar beneficios. Lo artístico se lo dejan a los europeos.
Esta vez la ocurrencia, recogiendo la moda del feminismo, es hacer una peli con la ya muy usada trama de robo en grupo.
Quiero que se me entienda bien. Al decir “moda del feminismo” no expreso sino que es un tema que está de actualidad, que debería haber sido fundamental desde hace muchos años.
A los productores de La Meca del Cine les ha debido de parecer gracioso juntar a unas cuantas actrices de primera fila, más o menos, y emplear un esquema ya probado. En una especie de feminismo de falda de tubo y tacón alto.
Ocean’s 8, siendo muy generoso, resulta ser una payasada intrascendente y aburrida.
Repleta de tópicos, de diálogos insulsos y sin chispa.
Se trata al espectador como retrasado mental ofreciendo un guión desquiciante y desquiciado, repleto de artificios y de trucos patéticos.
Se supone que estas señoritas van a hacer el atraco perfecto con una trama que es pura eme (con perdón).
He de reconocer que Sandra Bullock nunca me ha caído bien, ahora intervenida por el mismo cirujano plástico que todas y con la misma cara que todas, me cae aún peor. Nunca ha tenido gracia, pero aquí menos aún.
Salvo a Anne Hathaway que por una vez deja de hacer de chica debilucha (floja) y se muestra como una femme potente, descubriendo su cara más atractiva de malota. Por cierto, sin operar.
No es una peli, es un despropósito que lejos de ser feminista arrastra un tufillo a rancio de lo más desagradable.
Si te fijas en la foto de abajo de la premiere, la única que parece satisfecha y contenta es la Hathaway. A las demás de las ve incómodas.
En los estudios de EsRadio Guadalajara nos han grabado para AlcarriaTV hablando de cine a Mónica Gallo, Diego Gismero y a un servidor que siempre aprende de estos dos grandes de la información cinematográfica.
Me contaba mi amigo Ricardo que Dwayne “The Rock” Johnson es una auténtico ídolo en los países asiáticos y que esta peli está pensada para ese mercado.
Se trata de una mezcla de El coloso en llamas y Jungla de cristal.
No podemos ni por un momento intentar pensar que el guión tenga algo de original o de verosimilitud, hay que tomárselo como un torpe vehículo de entretenimiento que solo pretende llenar la pantalla de tiros, explosiones y fuego.
Nos partíamos de risa Ricardo y yo al principio de la peli cuando se presentaban los personajes. A los malos se les ve venir desde el primer fotograma.
La capacidad interpretativa de La Roca es nula, pero ante la amplitud de su cintura escapular no hay quien se fije en su poco perturbable rostro.
Neve Campbell también está por ahí, y hace lo que se espera, pone cara de sufrimiento y da alguna patada a la típica china más mala que un pecado.
Una peli así no te la puedes tomar en serio, ni juzgarla con los patrones habituales, fallecerías durante su proyección de tedio e irritación.
Hay que saber reirse de ella. Y no darle más importancia. No buscar fallos de guión porque son tantos que te explotaría la cabeza.
La ves, pasas un rato fresquito en el cine y de vuelta a casa la olvidas (a Dios gracias).
Esta peli es la disección de un noviazgo y su conclusión.
Desde la habitación de un hotel en la noche de bodas vemos por medio de flashbacks como fue esa relación.
El tema tabú del sexo ha marcado muchas generaciones. La mayoría nos hemos asesorados por amigos expertos o leyendo en libros de carácter moralista.
Recuerdo cuando hacía quinto de bachiller, con unos catorce años, pedimos que se nos diera algo de información sexual.
El padre Millán fue el encargado de esta labor “extraescolar”.
Después de las clases nos quedamos todos los de ese curso.
Comenzó su lección diciendo: “aquí no vamos a hablar de cochinadas. Contra el sexto mandamiento se puede pecar de pensamiento, palabra, obra y (no recuerdo claramente si dijo) omisión”.
En aquellos años nadie habíamos visto a una mujer desnuda.
Ahora los tiempos son muy diferentes, los niños pueden ver pornografía con un clip de ratón y la visión de los genitales no es una cuestión imposible.
Dentro de nada cumpliré sesenta años y pasaré a ser un pobre sexagenario, como diría Esperanza Aguirre, en consecuencia he vivido la terrible represión sexual de la época y comprendo a los dos protagonistas de la película.
La historia de esta relación está contada con cariño, con tranquilidad, con armonía, con delicadeza.
Con unas pocas escenas nos cuentan cómo son las dos familias de estos jóvenes.
Intenta tener un final a lo La La Land y es cuando la peli pierde su carisma y toma carácter culebrón.
Si nos abstraemos de su terminación podemos hablar de una delicada película, que seguramente los millennials no podrán comprender.
No puedo acabar sin mencionar a Saoirse Ronan, una actriz a la que la cámara la adora, maravillosa.
Película que veo gracias a mi amigo Jesús Hernando que me presta el DVD.
Atom Egoyan es un director que realiza su actividad profesional en Canadá, nacido en El Cairo, de origen armenio.
Entre los actores de esta peli están Charles Aznavour y Christopher Plummer, dos magníficos veteranos.
Destacar también a Arsinée Khanjian, de origen libanés, esposa del director.
Todo gira en torno a la realización de una peli sobre el genocidio armenio.
Los diferentes personajes se cruzan en diversas circunstancias con el eje común de la memoria.
Porque lo que no se recuerda, sencillamente no ha existido.
Olvidar y negar el pasado nunca es bueno.
Nuestros errores, los personales y los de los pueblos, hay que tenerlos muy presentes para intentar aprender de ellos.
Ahora que en España está tan presente la Memoria histórica, viene al pelo ver esta peli.
Aquéllos que dicen que recordar el pasado es abrir viejas heridas, tienen razón, pero sin heridas y sin recuerdos estamos perdidos.
En esta historia todos los personajes están marcados, incluso atormentados, por su pasado y a todos les interesa recordarlo.
Egoyan juega con los tiempos y con los personajes. En ocasiones usa el recurso del relato de algunos de los personajes y en otras los flashbacks que son episodios del rodaje.
Esa forma narrativa confunde y atrae, pero sobre todo sirve para despertar sentimientos.
También se tocan temas complicados como la aceptación de la homosexualidad, la influencia del arte en la memoria, el conocimiento de la verdad, las relaciones familiares, las licencias de la obra artística como representación de una realidad, la justificación de la atrocidad…
Una excelente película que servirá para recordar al millón de muertos armenios.
Película suiza. Aunque parezca mentira los suizos también hacen pelis, aunque lo correcto es decir las suizas porque está dirigida por una joven cineasta.
La lucha por el derecho al voto femenino en los años setenta en un pueblo de la Confederación Helvética.
Una ama de casa descubre el feminismo después de llevar unos cuantos años casada y con dos hijos.
Me gusta el desarrollo del personaje que poco a poco se va liberando y de ser una esposa sumisa pasa a ser una activista.
La peli es, tal vez, un poco simplista, con escasas aristas y termina con un “to el mundo es bueno” bastante irritante, como si haber logrado el voto femenino asegurara la igualdad.
Me gusta que derrumbe el mito de una Suiza pulcra y perfecta. Presenta una sociedad machista con personajes bastante desagradables.
Se mueve entre la comedia y el drama. Funciona mejor haciendo llorar que reír.
Como evento cinematográfico tiene menos valor que como lección social.
Hay una pregunta que Paquita se hace y que, tal vez, los espectadores debamos responder.
¿Porqué abandonan a PS los actores?
En ella encuentran apoyo personal y toda la dedicación. Además les lleva al éxito.
¿Porqué?, entonces.
Me voy a atrever a responder.
Es por su físico. Paquita vive en un mundo de delgadicas. Su rotunda anatomía no encaja en una sociedad donde lo superficial es lo más importante, aunque se niegue constantemente.
Simplemente no encaja en el universo de la apariencia.
Da igual que sea tan auténtica, tan de verdad, eso no sirve sino gastas una talla S.
En esta segunda temporada asistimos al fracaso total de PS Management, con un final maravilloso.
Las historias de perdedores siempre me han encantado, por ello disculpo las escenas con poca gracia y la reiteración de algunos “chistes”.
A pesar que hayan sido criticados, disfruto con los cameos, algunos de gran nivel.
Quiero destacar a Ana Obregón, un personaje al que siempre he admirado, tan ella misma como siempre y a Paz Vega, que a pesar de su delgadez extrema, sigue estando guapísima.
Yolanda Ramos y Belén Cuesta haciendo lo que mejor saben hacer, están maravillosas.
Incondicional de Lidia San José.
Quiero una tercera temporada en la que espero resurrección.
Había recibido varios comentarios positivos. Con la coletilla de “es divertida“.
Marvel, claramente, nos ofrece un producto veraniego de consumo fácil, intrascendente y ligero. Es un polo de limón.
Después de haber degustado un bombón almendrado hace unas semanas.
El juego constante con los cambios de tamaño es lo más entretenido, pero llega a cansar. El truco se repite una y otra vez y termina saturando.
Paul Rudd dando vida al hombre hormiga está gracioso, conocedor que su personaje es de segunda división, le da un tono ligero que funciona, pero en ocasiones se pasa de poca intensidad y llega a parecer desganado.
Evangeline Lilly es una buena actriz y no puedo entender porqué se ha retocado. Lo cierto es que la cirugía plástica la hecho parecerse a su madre en esta peli, una Michelle Pfeiffer muy modificada (o deteriorada) por el bisturí.
A todas las debe de operar el mismo cirujano. Les colocan la misma cara.
A Michael Douglas se le ve mayor y con escaso entusiasmo.
Lo que más me descoloca en el rollo cuántico que no consigo comprender y que es el núcleo de la película.
No entiendo como esta Ant-Man and the Wasp se ha traducido a medias. O pones todo en castellano o todo en inglés.
Es la cuarta entrega de una saga de la que me puedo considerar seguidor.
Vamos claramente a peor.
La primera hablaba de la envidia, la segunda de la lucha de clases, la tercera de los políticos y esta cuarta insiste en la idea de la eliminación de los pobres.
Varios son los atractivos de esta saga. La América distópica, la violencia y el barroquismo visual.
En esta ocasión James DeMonaco hace solo de guionista y no director.
La primera purga comienza presentando a los personajes y desde entonces parece que sus comportamientos van a ser predecibles al cien por cien.
El desarrollo resulta ausente de garra y de personalidad.
Sucumbí al tedio desde los primeros minutos.
Al final el machote se queda en camiseta y entra en el edificio a salvar a su amada. Suena a Jungla de cristal, pero sin Bruce Willis.
Para que un mensaje resulte eficaz no tiene que ser tan explícito. La sutileza es más contundente.
Los Padres Fundadores deciden montar la noche de marras para eliminar pobres, cuestión que ya sabíamos (notoriamente) desde la segunda entrega, pues en ésta se vuelve a insistir de manera absolutamente innecesaria.
La comparación con la América de Trump es desmedidamente expositiva.
No hay barroquismo formal, ni ambigüedad moral, ni elementos turbadores… El desarrollo es plano y predecible.
El final es de traca, ocasionando hilaridad.
Hay serie a la vista y quinta entrega. Espero que remonten, porque si no vamos mal.
Tres personas de generaciones muy diferentes encuentran en la mítica serie Friends un referente.
Andrea una adolescente que vio la serie años después de su estreno y Marta y yo que fuimos siguiéndola desde su inicio capítulo a capítulo durante 10 años.
Periodismo extremo. Entrevistas en medio del mar en las playas de Cambrils, con mal sonido y con cortes bruscos de la grabación sin que haya despedidas ni agradecimientos. Un desastre.
Salgo contento y más tarde tengo la oportunidad de hablar con su directora.
Después, también en el cine Moncayo, Arantxa Echevarría nos presenta su película Carmen y Lola.
Una producción polémica por el tema que trata, la homosexualidad entre dos chicas de raza gitana.
La directora se sumergió en la comunidad calé, consiguiendo su confianza.
Todos los actores son auténticos gitanos.
Las dos actrices protagonistas no son lesbianas.
La peli fue presentada en la Quincena de directores en Cannes.
Pudimos ver un montaje de más de diez minutos que me resultó de lo más atractivo.
.
.
Después en la Casa del Almirante asistimos a la Mesa redonda ‘Falso autónomo o morirse de hambre‘.
Moderada por Juan Sanguino (colaborador de Icon y Vanity Fair).
Con María Guerra (Cadena SER), Alfonso Caro (El Palomitrón) y Daniel M. Mantilla (colaborador de Vanity Fair).
Se habla del gran trabajo que se realiza y de las penurias económicas que se padecen.
En muchas ocasiones malvivir en los festivales sin apenas dormir, para que luego nadie te compre tu trabajo.
María Guerra critica el “periodismo de canapé”, desde una posición posiblemente privilegiada.
En cambio Juan Sanguino explica que en ocasiones es la única manera de obtener contactos para realizar entrevistas o asistir a pases.
A Alfonso Caro lo conocí en la primera edición de Los Feroz. Coincidimos en la misma mesa en el Cine Callao y nos hicimos amigos. Trabajador y trasnochador incansable.
.
.
Sin pausa y sin canapé de por medio comienza la siguiente Mesa redonda ‘¿Por qué el cine español de autor no existe para los festivales internacionales?‘.
Moderada por Luis Martínez (El Mundo).
Con el productor Gerardo Herrero, el exdirector artístico del Festival Punto de Vista Josetxo Cerdán y la directora Arantxa Echevarría.
Gerardo nos explica que tipo de producciones llegan al Festival de Cannes. Películas de alto presupuesto, con coproducción francesa, de directores conocidos.
Por ello cine de formato pequeño, con directores noveles no tiene cabida en los grandes festivales.
Arantxa Echevarría nos cuenta que rodó su película con menos de 800.000 euros. Herrero le replica que nunca participaría en producciones tan baratas.
Delante de todos se compromete a dar cobertua a la siguiente película de la directora.
Hablando de la financiación de las filmografías europeas nos cuentan que Francia dedica 800 millones de euros a apoyar su cine, Alemania unos 600 millones y España unos 30. Lo digo de memoria.
Muy ilustrativo.
.
.
.
María Guerra me propone realizar una segunda edición de la Mesa redonda que moderé (¿Sirve de algo ser crítico en provincias?).
Se realizaría en Madrid en el mes de Noviembre.
Al parecer gustó bastante.
A las tres de la tarde termina el festival.
Lo he pasado fenomenal.
Yo que soy menos que un becario de periodista cinematográfico he aprendido mucho.
Lo que viene en su primera edición ha estado magníficamente organizado.
Tudela ya era la capital mundial de la verdura, pero durante estos días se ha convertido en la capital mundial del cine español.
Felicitar a David Martos y a su equipo por su magnífica labor.
Agradecer a todos la amabilidad con la que me han tratado.
A ver si Dios me da salud y el año que viene puedo volver.
.
.
Ahí va el cutrevídeo del día. ¡Qué Dios nos ampare!
