Producción: Avalon PC, Filmeu, Amar La Película A.I.E.
Duración: 100 minutos
Guion: Esteban Crespo, Mario Fernández Alonso
Reparto: María Pedraza, Pol Monen, Natalia Tena, Greta Fernández, Gustavo Salmerón, Nacho Fresneda, Antonio Valero, Sonia Almarcha, Celso Bugallo, Marta Belenguer
Sinopsis
Laura y Carlos se aman como si cada día fuera el último. Esa misma pasión e intensidad del primer amor es la que terminará separándolos irremediablemente.
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Esteban Crespo relata el amor de juventud o casi de adolescencia, lleno de pasión, de deseo, de nuevas experiencias, de inseguridades, donde todo es nuevo y se magnifica.
Para eso recurre a usar el primer plano en las escenas íntimas, cuestión que suelo detestar, pero que en esta peli le encuentro sentido.
Cuando estos jovencitos respiran el mismo aire en un invento feo, pero precioso, se encuentran felices porque lo comparten todo, pero eso mismo les puede llegar a afixiar.
El muchacho es mucho menos maduro que la chica. Como suele ocurrir en la vida real.
En él florecen los celos y el machismo, convirtiéndose en un individuo detestable.
Además Carlos va muy despistado por la vida sin encontrar un rumbo claro.
Las amigas de Laura son estupendas.
Destacar a Natalia Tena que pasa a la categoría de madre y que tiene una escena prodigiosa. También un poco desorientada.
Me ha gustado este retrato de amor tierno y destructivo.
Me quedo con Laura, magníficamente interpretada por María Pedraza.
Cetarti, exfuncionario público, viaja desde Buenos Aires a un solitario pueblo en la provincia del Chaco donde debe hacerse cargo de los cadáveres de su madre y su hermano que han sido asesinados. Sin embargo, lo que realmente quiere es cobrar un modesto seguro de vida para mudarse a Brasil. En el pueblo conoce a Duarte, una suerte de “capo” del pueblo con quien establece una extraña sociedad para gestionar y cobrar ese dinero. Sin embargo, en ese lugar sin ley, Cetarti se verá envuelto en los oscuros negocios de Duarte.
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Disfrutamos en el mismo día por partida doble de Leonardo Sbaraglia.
Salgo temprano del hotel, a las 7.30, me dirijo al bar donde desayuné ayer como un campeón y está cerrado.
Pregunto a unos barrenderos: “los sábados abren más tarde…”
Terminó desayunando en un McDonnal, es lo único que encuentro abierto a partir de las ocho. Por dos cincuenta un desayuno estupendo, con zumo, Cola-Cao y tostada con aceite. De verdad.
El director agradece la presencia de la prensa y presenta su peli como un padre que va al pediatra con su recién nacido y espera un veredicto sobre su salud.
El actor Santiago Alverú se muestra igual que Bosco en la peli. Un individuo expansivo, protagonista y con una aire pijo, que estudia (casualidades de la vida) el mismo Máster.
Personaje y actor son gemelicos.
Nos relata su encuentro con Esperanza Aguirre, muy divertido.
No tuvieron problemas para rodar en los eventos del PP y Podemos que aparecen en la peli.
Su director dice que la peli no contiene moraleja, que eso se lo deja al espectador.
La mayoría coinciden en su tono pesimista.
La joven actriz Macarena Sanz cuenta anécdotas con un tono mucho más optimista.
Nos cuenta Fernando Méndez Leite que las películas argentinas presentadas al Festival eran de gran calidad. Alguna se ha quedado fuera porque sino hubiera parecido un festival de cine de la Pampa.
Su director se muestra muy locuaz, como no podía ser de otra manera, dada su nacionalidad.
La peli se rodó en el Pirineo Leridano y en Andorra. Los interiores en Argentina.
Seis años se tardó en poder coordinar a las estrellas de la película.
Se habla elogiosamente de Ricardo Darín y se alaba su simpatía.
Por cierto, no acudió a esta Rueda de prensa.
Sbaraglia nos cuenta que terminó un rodaje el domingo y el martes comenzó el de Nieve negra. Había tenido que perder peso en la peli previa, por lo que pasó mucho frío en las nieves del Pirineo.
Se la pregunta a Laia Costa si no se había sentido intimidada ante sus compañeros de reparto, auténticos monstruos de la escena.
Se sienta a mi lado el gran Boquerini. Siempre tan callado, tan prudente.
Aguantamos la peli sin quejarnos.
Cuando termina le digo que me ha parecido un infierno. Coincide conmigo y además resalta lo malas que son las actrices.
Nos quedamos a la Rueda de Prensa para ver como la defienden.
No salgo de mi asombro. El director está convencido que ha hecho una peli que refleja el duelo ante la pérdida de la madre y la desorientación de la demencia.
Una de las actrices afirma que terminó llorando al leer el guión.
Una periodista la ensalza.
Me alegra que haya personas que la han podido disfrutar.
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Después acudo al pase de prensa de El otro hermano.
No puedo decir nada hasta después de la Rueda de Prensa que será mañana por la mañana.
Se trata de una peli polaca de 1970. Carlos la tiene un gran cariño ya que la distribuyó en España.
Coincidimos que hay muchas pelis que no hay forma de obtenerlas comprándolas, porque sencillamente no se encuentran.
Me cuenta que en su época había que estudiar la carrera en el distrito universitario de cada provincia. Para poder ir a Madrid y estudiar en la Escuela de Cine eligió Físicas.
Él había hecho el bachillerato de ciencias. Terminó Físicas en ocho o nueve años. Lo que le gustaba era el cine y gracias a él ha recorrido el mundo.
En su Colegio Mayor dirigía el Cine Club. Era miembro de la Asociación de Cine Clubes y por ello se le nombró miembro del Jurado en el Festival de Valladolid. Así empezó su carrera.
Con Antena3 Radio acudió a todos los Festivales Internacionales.
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Después de ver El otro hermano, nos vamos volando al Teatro Cervantes para ver la entrega del Premio Málaga Sur a Leonardo Sbaraglia, del cual hoy hemos visto dos pelis.
Por sorpresa acude su madre y varios directores hablan elogiosamente de él, como no podía ser de otra manera.
Leonardo coge el micrófono y como buen argentino no lo suelta. Se llega a emocionar.
Producción: Life & Pictures, en asociación con D&A. Levis
Duración: 78 minutos
Guion: Alejo Levis
Reparto: María Ribera, Carla Torres, Aida Oset, Montse Ribas
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Sinopsis
A raíz de la pérdida de su madre, Paula tratará de encontrar y expulsar de su casa, y sobre todo de su cabeza, a sus propios fantasmas. En ese viaje interior ella se perderá en el mundo de confusión y oscuridad en el que acabó su madre.
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No quiero ser duro con una película que seguro ha costado mucho esfuerzo y donde hay depositadas muchas ilusiones.
Además con el cine español siempre hay que ser benevolente.
La crítica de este engendro la podría resumir en tres palabras es un coñazo.
Una peli insoportable, que me hizo mirar el reloj continuamente, porque los segundos se me hacía siglos y los minutos eras.
Las actrices están penosas defendiendo una trama que como poco resulta pretenciosa.
Sin el menor atisbo de interés.
Goza de algún momento involuntariamente cómico, pretendiendo hablar de la ausencia de seres queridos y de la demencia.
Le deseo un gran éxito comercial y espero que el gran público sepa encontrar las virtudes que yo no he sido capaz de ver por ningún lado.
Producción: Gloriamundi Producciones, Bowfinger International Pictures, A Contracorriente Films, Pampa Films y Black Snow AIE
Duración: 87 minutos
Guion. Leonel D’Agostino, Martín Hodara
Reparto: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Laia Costa, Dolores Fonzi, Federico Luppi, Biel Montoro, Mikel Iglesias, Liah O Prey, Andrés Herrera
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Sinopsis
Salvador vive aislado en su cabaña en la Patagonia. Tras décadas sin verse, su hermano Marcos y su mujer Laura, que está embarazada, vuelven de España para convencerle de vender las tierras que comparten por herencia de su padre. Pronto se produce el enfrentamiento de los dos hermanos y reaparecen oscuros secretos del pasado, ante la asustada mirada de la indefensa Laura.
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Nieve negra es un dramón familiar.
Se desarrolla en la Argentina profunda. Al igual que América profunda o España profunda también hay esa Argentina alejada de la capital, donde mandan los caciques y se vive apartados de las tecnologías y del progreso.
Una peli que cuenta con Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Dolores Fonzi y Federico Luppi ya es de por sí una gran película.
Ricardo sale transmutado en ermitaño andrajoso y lleno de rencor.
Leonardo esconde un pasado terrible y regresa al morir su padre por la dichosa guita.
Lupi tiene pocas escenas, pero está impresionante.
Dolores Fonzi tan solo sale unos segundos, pero siempre nos quedaremos con ganas de saber más de ella.
Completa el reparto Laia Costa que no desmerece en medio de tanto monstruo de la escena.
Nieve negra habla de los secretos inconfesables de familia y de la mentira como método para ir hacia delante.
En esta historia el personaje más terrible a priori, es el más bondadoso, porque la verdad nos ayuda a comprenderlos.
Una peli muy potente que nos indica el músculo que posee el cine argentino.
Producción: Apaches Films, Gonita, II Acto
Duración: 85 minutos
Guion: Víctor García León
Reparto: Santiago Alverú, Macarena Sanz, Javier Caramiñana, Alicia Rubio, Pepe Ocio
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Sinopsis
Bosco es el hijo de un ministro imputado por corrupción, malversación de fondos públicos, blanqueos de capitales y varias decenas de delitos económicos. Selfie cuenta su historia desde que lo expulsan de su lujoso chalet en la Moraleja hasta que entra a pedir trabajo en la sede de Podemos, con sus angustias sentimentales y sus miserias.
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Se trata de una especie de docudrama que nos muestra la vida de un joven de familia bien, que cae en desgracia.
Bosco conoce de pronto un mundo que no podía ni imaginar.
Santiago Alverú actúa con una total naturalidad interpretando es este Bosco de clase acomodada.
Los primeros minutos de la peli resultan descacharrantes.
La presentación del personaje es estupenda y muy divertida.
Reírnos de los ricos es siempre fácil y está bien visto.
Pero cuando entra en el ámbito de la clase social más desfavorecida, la risa se trasforma en tristeza.
Yo me puedo reír de Bosco, pero no de Macarena que es alegre e invidente.
Ni de Ramón, otro que no soy yo, que es un enamorado no correspondido y vive en un engaño.
Sus personajes son igual de patéticos que Bosco, pero están impregnados de melancolía.
Si bien es cierto que ese tono triste va apoderándose de la peli.
A pesar de no llegar a los noventa minutos, se hace larga.
La idea da para un corto, todo lo más para un mediometraje, pero no para más.
Rodada como un falso documental, tiene una dosis importante de realidad y de mala leche.
Un radiografía triste, de lo que hay en este país nuestro.
Momento glorioso el encuentro con Doña Esperanza Aguirre, a la que propongo desde ahora como candidata a mejor actriz de reparto.
Me quedo con Macarena, interpretada por la dulce Macarena Sanz, la pobre es ciega y no es capaz de ver al real Bosco, o sencillamente no quiere verlo.
Enseguida llega mi amigo José María Tena, uno de los grandes de la información cultural malagueña, damos un paseo y nos contamos nuestras sencillas vidas.
A las puertas del Cine Albéniz nos encontramos con amigos de otros años.
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Al poco llega el gran Carlos Pumares al que rendimos tributo y nos hacemos una foto.
Se forma un lío al intentar desalojar la organización al público para dejar solo a la prensa acreditada.
De la Iglesia habla en su presentación que es su mejor película.
Acuden con el director los actores Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Terele Pávez, Carmen Machi y Jaime Ordóñez.
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Como productora también asiste Carolina Bang.
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Fernando Méndez Leite modera esta conferencia de prensa. Como nadie pregunta da la primera palabra a Conchita Casanovas.
Cuentan que por contrato trabajaban doce horas al día y que estaban todos los actores presentes aunque no salieran en plano.
Lo que hace grande, explica Álex, una escena es la réplica de los actores. “Cuando vemos a un monstruo en la pantalla lo que nos da más impresión es la cara de miedo de la chica“.
Blanca Suárez explica que cuando camina sucia y casi desnuda por las calles de Madrid, rodado con transeúntes de verdad, no figurantes, nadie se brindó a prestarle ayuda.
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Parece que soy el único que defiende la peli del bilbaíno. Todos con los que la comento son detractores.
Mi amigo Tena insiste en destacar los títulos de crédito, realmente impresionantes y con una banda sonora muy acorde.
Ya en la calle nos acercamos a saludar a Fernando Méndez-Leite, coordinador de las ruedas de prensa del Festival de Málaga con el que colabora desde sus inicios.
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Participa en la selección de películas para el festival.
Nos cuenta que se ha tenido que ver unas 280 películas en tres meses.
Destaca que se han presentado casi veinte películas argentinas, todas de muy buena calidad.
Nos indica que los miembros del comité seleccionador suelen coincidir. Las discrepancias son mínimas.
Producción: Pokeepsie Films, Nadie es Perfecto, El Bar Producciones AIE, Pampa Films, Atresmedia Cine, Movistar +
Duración: 98 minutos
Guion: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Reparto: Mario Casas, Blanca Suárez, Secun de la Rosa, Terele Pávez, José Sacristán, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky, Mamen García
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Sinopsis
Nueve de la mañana: un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un café en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa. Al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerlo. Están atrapados.
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La peli que abre el Festival de Málaga en su vigésima edición es esta peli del bilbaíno Álex de la Iglesia.
El bar es puro de la Iglesia.
Si conectas con él lo adorarás.
Pero su cine es excesivo, estridente, hiperbólico, tremendista y por ello no sintoniza con todos los públicos y menos con la crítica.
El bar es una peli magníficamente bien rodada.
Se desarrolla prácticamente toda en un local, pero parece cine de acción.
En ningún momento nos parece teatral.
Presenta a personajes bien construidos en una situación límite donde el egoísmo y el afán de supervivencia es lo que más importa.
Los protagonistas son sometidos (y ellos mismos se someten) a un auténtico infierno.
Esa reflexión moral sobre que somos capaces de hacer por sobrevivir le da un plus.
Todos los actores están sobresalientes, pero la interpretación de Jaime Ordóñez es un auténtico vendaval.
Pero la peli es de Blanca Suárez, no sé si la más buena, pero sí la más lista. Su presencia es soberbia y llena la pantalla.
Tal vez le sobre algo de metraje en su parte final, pero a mí me ha encantado.
Cine bien hecho, con buenos actores, cine del bueno.
Salvo Daniel Calparsoro nadie en el cine español reciente se ha atrevido con el bélico.
Además este género suele estar empañado por condicionamientos ideológicos y morales.
Lo cual no es malo en sí mismo, pero se agradece mucho encontrar una peli de guerra tan directa y consistente como Zona hostil.
No pierde el tiempo presentando a los personajes. Va directamente al grano, a la acción.
Casi no hay momentos de respiro, pero los que hay son los justos para dar un pequeño descanso y seguir con un frenesí de tiros y helicópteros.
Todo retratado con realismo, sin patriotismos, ni heroísmos de peli americana.
Las relaciones entre los personajes quedan bien diseñadas.
Lo mejor de todo es ver a los soldados españoles como protagonistas, con una cercanía que nos hace sentirnos comprometidos con ellos.
Resulta esta peli un magnífico homenaje a los miles de militares españoles que han luchado trece años en Afganistán y sobre todo al centenar que han fallecido.
Hay también un testimonio sobre los sanitarios militares y sobre la mujer en el ejército. Sus personajes son tratados con el mismo respeto que los hombres.
Como siempre lo médico está penosamente representado.
Podría poner un par de ejemplos concretos…
En cambio lo militar ha contado con el asesoramiento del ejército español que ha colaborado con la producción de la peli.
Rodada en Almería y Tenerife.
Una magnífica peli de género que abre la expectativa de nuevos filmes con sargentos, soldados y capitanes españoles.
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El director Adolfo Martínez y su protagonista Ariadna Gil:
Cuando en 1980 cuatro amigos viajamos por Europa en un R5 nos encontramos en París con McDonald’s.
Julito que había pasado temporadas en los USA ya lo conocía.
Para nosotros McDonald’s era símbolo de modernidad. Algo novedoso y sorprendente.
Ya sé que es un emblema del imperialismo yanqui.
Pero no puedo evitar ser incondicional de la Coca- Cola y de los restaurantes de comida rápida.
Al universo americano lo admiro, más que lo desprecio.
No he compartido la opinión de la progresía de este país en considerar a los USA como el enemigo.
Desde luego no llego a la simplicidad de considerar todo lo que viene de ahí como pernicioso.
Dicho esto, comprenderéis que vaya con curiosidad a ver esta peli sobre Ray Kroc.
John Lee Hancock nos narra certeramente la historia.
Los hermanos Richard y Maurice McDonald idean un sistema para ofertar una comida estándar de calidad, a un precio muy asequible y con una rapidez pasmosa.
Cuatro palabras claves: sistema, calidad, rapidez y barato.
La peli nos muestra muchos aspectos interesantes.
Cómo se crea una franquicia.
La necesidad de la implicación directa de los jefes para el buen funcionamiento.
Es mejor contar con personas motivadas que con dinero.
El valor añadido de la juventud y de la voluntad.
Buscar donde está el negocio de verdad.
Y podría seguir…
Es un manual de cómo hacer próspero un negocio.
Ray Kroc se portó como un canalla con los hermanos McDonal.
Hay un momento terrible cuando Kroc les ofrece un apretón de manos a los hermanos para cerrar un trato. El espectador y los contratantes comprenden que les están engañando.
La peli, además de didáctica, es divertida.
A partir de ahora miraré cuantos pepinillos tiene mi Grand McExtreme de McDonald’s Cheese & Sweet Peppers.
Salma, Laila y Nur son tres chicas palestinas con DNI israelí.
Viven en una isla de tolerancia en Tel Aviv.
Pero su personalidad y sus ansias de libertad y respeto chocan con una sociedad machista y con unos hombres intolerantes, retrógrados y agresores.
Solo el padre de Nur se libra de esta descripción, que la apoya sin condiciones.
Es un relato de mujeres, dirigido por una mujer. Aunque en los créditos figura la frase para mujeres, yo me permito discrepar. Es para todos.
Estas mujeres maravillosas se merecen una sociedad más justa y más igualitaria. Todos debemos defender esta idea.
La peli está muy medida, nunca se convierte en un panfleto. Su tono es realista sin cargar tintas ni buscar dramatismos que le hubieran restado firmeza.
Una peli sabiamente dirigida que acierta contando desde lo cotidiano, la realidad de un mundo tremendamente machista.
Primero intensas ante la perspectiva de un thriller español con Marta Etura.
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Después leí y oí malas críticas.
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La nueva polémica sobre el boicot, porque una actriz secundaria en un programa de humor había llamado paletos a los españoles.
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En las taquillas del cine me encuentro con mi cinéfilo amigo Santiago. “Dale una oportunidad” me dice.
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Lo mejor de la peli es la ambientación.
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Esos pueblos del Valle del Baztán en Navarra, con esa lluvia que no para, están muy bien fotografiados.
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Marta Etura es un valor seguro. Felicidades por su reciente maternidad.
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Pero ni el planteamiento, ni el desarrollo son lo suficientemente potentes y originales como para atraerme.
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El asesinato de varias niñas y las elucubraciones de la investigadora suenan demasiado a serie norteamericana al uso. De esas que llevan veinte temporadas y repiten capítulo tras capítulo el mismo esquema.
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Los líos familiares son demasiados burdos.
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Esa madre da miedo, pero hay una sensación de impostura que te hace percibirlo como falso.
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El trasfondo moral ideológico del asesino es de chiste. Se intenta buscar una explicación hacia su actitud, cuando el mal no suele tener razones.
Los programas de televisión en los que salen cantantes no profesionales imitando o haciendo versiones de artistas consagrados tienen un punto de hipnóticos.
No lo digo con mala leche.
Si pasas por delante de un televisor y ves cantar Extraños en la noche, no puedes evitar pararte y mirar un rato.
Te hipnotiza, te emboba.
Sentado en el sofá, te da un sueño que no veas.
Te hipnotiza, te adormece.
Canta!cuenta la historia de unos fracasados, en un “Zootrópolis”, donde se hacen valer gracias a la música.
No es difícil confraternizar con estos personajes divertidos y sin éxito.
Los temas musicales son variados.
Todo combina bien para crear un producto agradable, que se ve con una sonrisa en los labios.
Pensada para entretener también a los padres.
Si hubieran salido los minions hubiera sido mejor.
Afortunadamente hipnotiza con el primer significado.
Mis últimos encuentros con la comedia francesa han sido más bien nefastos.
De ésta me esperaba lo peor.
Pero me equivocaba.
Lo cual demuestra que siempre hay que dar una oportunidad a una película.
Constance es una chica que no tiene suerte en la vida.
No consigue sacarse el carné de conducir, ni aprobar una asignatura que le queda para pasar de curso.
Sus relaciones con los hombres son poco acertadas.
Cuando deja la vivienda de sus padres, su madre aprovecha para dedicar su habitación a un despachito.
Su padre, lejos de apoyarla, le reprocha su inutilidad.
Le gustaba la música, pero un mal profesor la hizo desistir de sus ilusiones.
El abuelo Henri tampoco es muy feliz.
Fue contable por resignación.
Su hijo ha seguido su mismo destino, cuando él esperaba algo mejor.
Su esposa perdió la vida en un ridículo accidente por culpa del alcohol.
Su nuera es tontica, de esas personas que no son mala gente pero insoportables.
Vive solo y amargado.
Admite a Constance porque accede chantajeada a un plan absurdo para deshacer el matrimonio de su hijo…
La peli es, en realidad, una dramedia, con momentos tristes y otros de comedia, pero sin perder el norte de la realidad, sin volverse chabacana.
Contrastan mucho los dos personajes protagonistas, los ya mencionados, muy de verdad, con el hijo y la nuera que son bastante ridículos, poco creíbles.
La peli habla de las ilusiones rotas y de lo importante que es contar con apoyo para luchar e intentar conseguirlas.
Cuando el relato avanzaba esperaba un avance simplista con el típico abuelo huraño que se transforma en bondadoso. Eso ocurre, en parte, pero la peli es más rica con muchos más elementos de interés.
Destacar a la suiza Noémie Schmidt que interpreta a una muchacha torpe y encantadora.
¿Sirve esta peli para que me reconcilie con la comedia francesa?
Leo críticas muy malas de especialistas españoles.
En cambio, mi amigo Diego Gismero la alaba. Es un gran especialista en cómics.
Me encuentro en la fila de las taquillas de los Multicines Guadalajara con Santiago, otro gran cinéfilo, o como él se define coprocinéfago y se la está recomendando a un amigo que, de hecho saca su entrada.
El cine de super-héroes se ha ido infantilizando y una una revisitación del género como la que realiza James Mangold hacía falta.
Logan es un western crepuscular.
Lobezno es un héroe caído. Hastiado de la vida y de su existencia, atormentado, lleno de remordimientos, de pesares, alcoholizado, incapaz de empatizar y netamente autodestructivo.
Solo le mueve sostener al decrépito Profesor Xavier.
Ambientado en 2029. Unos USA distópicos donde se persigue a los mutantes hasta el exterminio y donde la esperanza está en Canadá.
La peli se rodó antes que Donald J. Trump llegará a ganar las elecciones. Por lo tanto es una parábola involuntaria de la Nueva América.
Si hay dos palabras en el cine que me motivan son: crepuscular y distópico.
En consecuencia la peli me ganó desde el principio.
Para colmo de venturas la presencia superpotente de X-23 (Laura Kinney), interpretada por ese portento de niña Dafne Keen Fernández, de origen español.
No puedo pedir más.
La peli es violenta, triste, desoladora, pesimista. Un chute en vena de buen cine.
No olvidar el homenaje explícito a Raíces profundasde George Stevens, protagonizada por Alan Ladd.
El concepto de solitario errante en busca de justicia, posiblemente dé sentido a la vida futura de Laura.
Esta semana hemos hablado, Mónica Gallo, Diego Gismero y yo, del Cine Club Alcarreño, del Taller de Cine de Azuqueca de Henares y de las siguientes películas: Bar Bahar, El discreto encanto de la burguesía y Logan.
Drew Barrymore, una agente inmobiliaria enseñando una casa se pone loca vomitando litros y litros de bilis y un zurullo, cuando se recupera es un zombi.
El primer capítulo no pierde el tiempo y nos desarrolla la historia con una magistral mezcla de síntesis y humor.
El tono gore ocasional de los primeros capítulos se desinfla y va volviéndose más blandita, lo que hace que decaiga el interés.
Porque ver a la siempre joven Barrymore devorando ansiosamente a un chicarrón tiene mucho atractivo.
Tal vez, después de ella, los personajes más interesantes estén en la casa de al lado.
La madre, más que interesante Mary Elizabeth Ellis, y su hijo, adolescente friki enamorado Skyler Gisondo.
El desarrollo en ese barrio residencial, con amplios jardines y muchos secretos, me recuerda a la magnífica serie Mujeres desesperadas.
La primera temporada se pasa en un suspiro.
A la segunda temporada le pido más violencia, más gore y menos rollito blandito familiar.
Este japonés solo aporta en su curriculum haber escrito un libro hace quince años.
Ahora se dedica a espiar a su ex, realizar pequeñas extorsiones y dar sablazos a su hermana y su madre.
La esposa (por interés te quiero Andrés) festeja con un gordote gritón, pero con poderes.
El hijo quiere ser funcionario de mayor.
La abuela, es el mejor personaje, con comentarios irónicos y sarcásticos aporta el punto más divertido a la historia. Sigue empeñada en que los divorciados se junten y aprovecha un ciclón…
A diferencia de la peli belga, ésta es más entretenida y tiene más fondo, más poso.
La película pretende ser divertida y cómica con tres premisas fundamentales.
Primera:
Los cuñados aliándose.
Situación absolutamente inverosímil. Todo el mundo sabe que los cuñados nunca se ponen de acuerdo.
Segunda:
Los novios de las hijas.
No sé porqué, pero los novios de las hijas, por muy perfectos que sean, nunca te terminan de gustar.
Tercero:
Los actores.
José Coronado, Javier Cámara y Roberto Álamo, los tres inconmensurables y saben componer unos padres cabreados estupendos.
Con estas tres patas se sostiene esta comedia.
El problema es que se agota ocasionalmente y las situaciones cómicas solo funcionan de vez en cuando.
Hay momento hilarantes y otros francamente torpes y en los que se pasa vergüenza ajena.
Nunca llega a ser hiriente, se queda en un humor blanco desprovisto de mala leche (desnatada y sin lactosa) para que no moleste a nadie, para que nadie se pueda sentir ofendido.
Siempre he defendido que el gran Agustín González era el que mejor se cabreaba en el cine español.
Ya tiene un magnífico sucesor en Roberto Álamo.
Cuando se enfada tiembla el misterio.
Estupendos los cameos de Manolo Solo, Luis Callejo y Manuel Burque, este último también guionista.
La conclusión final y triste es que cualquier tiempo pasado fue mejor.
Ninguno de los personajes ha triunfado, ni lleva una vida normal, ni ha conseguido integrarse.
El estilo narrativo, descarado y desafiante de Boyle en Trainspotting de 1996 se mantiene, incluso se amplifica.
Las referencias a la peli de hace veinte años son continuas.
Las relaciones entre Stoddart y Renton son de amor odio.
La búlgara Verónica tiene la capacidad de apreciar la intensa relación de estos dos personajes reviviendo un pasado, que recuerdan con una profunda nostalgia.
Spud se nos descubre como un magnífico escritor, también descubierto por Verónica.
Begbie sigue tan psicópata como siempre. Tal vez más.
Es el personaje más trágico, pero al mismo tiempo el más cómico.
Su nivel de control de impulsos no ha mejorado.
Afortunadamente su hijo no ha heredado sus “virtudes”.
El mejor personaje, el más positivo, el más inteligente, el que sabe aprovecharse de la situación es la bella Verónica.
Interpretada por la atractiva Anjela Nedyalkova, una actriz que tiene la virtud natural que la cámara la quiere.
Ojalá Dios nos dé salud a todos para dentro de veinte años ver T3.
