Mi admiración absoluta por J. A. Bayona que ha lidiado con un toro de 200 millones de dólares y ha terminando la faena cortando las dos orejas y el rabo del Tyrannosaurus rex y saliendo por la puerta grande.
Al tratarse de una peli de animales me ha parecido que un símil taurino le venía como anillo al dedo.
Hace 25 años cuando vimos el estreno de Parque Jurásico nos inundó la emoción.
Recuerdo que mi hijo Fernando era fan absoluto de estos animales extintos. Se sabía sus nombres, sus características.
Acudimos toda la familia al estreno y estuvimos los primeros un buen rato para entrar a la sala.
Ese momento de ver al diplodocus caminar, como si fuera real, aún me llena de emoción.
Elena había leído la novela de Michael Crichton y nos la había contado. Era muy habitual que oyéramos de su boca los libros que visitaba, realizando versiones más largas que la original.
Esa emoción ha desaparecido.
Después de cinco lustros hemos perdido la inocencia. Ya no nos impresiona nada.
Además el cine repite una y otra vez las mismas ideas con mínimos cambios.
Juan Antonio demuestra lo buen director que es, componiendo una peli entretenida de principio a fin con escenas apabullantes.
(Van spoilers)
Hay momentos muy Bayona. Digamos niña asustada que encuentra refugio debajo de sus sábanas…
La secuencia más divertida (incluso gloriosa) es cuando el pachycephalosaurus irrumpe en esa asquerosa subasta y va lanzando por los aires a los capitalistas, capaces de hacer negocio con todo.
Confieso mi debilidad por Bryce Dallas Howard que esta vez ha dejado los tacones para cuando va arreglada.
J. A. no se pasa de emotivo, aunque intenta dar ese toque de lagrimeo que tanto le gusta.
La peli es divertida, con un cierto toque personal del director, pero es más de lo mismo.
Carlos Marqués-Marcet | España | 2017 | 100 min. | V.O. en español, inglés y catalán subtitulada en español e inglés
Con 10.000 km, Carlos Marqués-Marcet debutó pisando fuerte entre público y crítica. Con su esperada Tierra firme logra, una vez más, responder a las inquietudes de una generación recorriendo intensos paisajes físicos y emocionales de la mano de Natalia Tena, David Verdaguer y Oona Chaplin (y cameo de su madre Geraldine). Eva y Kat viven juntas en un barco en los canales de Londres. A sus 38 años Eva siente que su reloj biológico aprieta, Kat ve las cosas de otro modo. Cuando Roger viene de visita desde Barcelona, un nuevo modo de vivir las relaciones, la vida y sus expectativas se huele en el aire.
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Dirección: Carlos Marques-Marcet
Guion: Carlos Marques-Marcet y Jules Nurrish
Fotografía: Dagmar Weaver-madsen
Montaje: Juliana Montañés, David Gallart, Carlos Marques-marcet
Sonido: Jonathan Darch, Dani Zacarías, Diego Casares
Intérpretes: Oona Chaplin, Natalia Tena, David Verdaguer, Geraldine Chaplin , Lara Rossi
Producción: Tono Folguera, Sergi Moreno, Sophie Venner
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Carlos Marqués-Marcet triunfó en Málaga en 2014, aunque luego no obtuvo el respaldo del público.
Cuenta con las estupendas Oona Chaplin y Natalia Tena para volver a hablar de las relaciones de pareja.
En 10.000 KM nos contaba la ruptura por la distancia.
Aquí por la discrepancia en el deseo de ser madre.
Sus personajes entre millennials y la generación X.
Personas que no encuentran su sitio en la vida. De hecho viven en un barco que tienen que mover por los canales de Londres.
David Verdaguer interpreta el lado más cómico del triángulo. Esta vez lo he encontrado bastante más acertado que en ocasiones anteriores.
Hay escenas brillantes como la de la cena en familia en la que Natalia Tena pone en su sitio a su suegra, Geraldine Chaplin, y a toda su generación, con una defensa a ultranza de la juventud actual, que a mí me emocionó.
La peli es un drama, pero con tono amable.
Lo mejor las interpretaciones de las actrices.
Lo peor que tal vez la historia no tenga demasiada potencia.
Premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa y guión original
Premio Goya: Mejor música. 7 nominaciones
NBR – Asociación de Críticos Americanos: Mejor Película Extranjera
Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director
Cesar: Mejor película europea
Nominada al David de Donatello: Mejor película extranjera
Premios del Cine Europeo: incluyendo mejor película y director
Nominada a Critics’ Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa
Círculo de Críticos de Nueva York: 3 Nominaciones
No es de extrañar que Pedrito esté cabreado con la Academia Española.
Recibe premios en todos los sitios menos en España.
En el 2003 recibió el Goya la estupenda Los lunes al sol. Pero ¿mejor que Hable con ella?
Destaco la labor de Javier Aguirresarobe en la fotografía (perfecta) y de Alberto Iglesias en la música (fascinante).
Almodóvar sabe dar la vuelta a las cosas para que lo más deleznable lo veamos como bueno.
Benigno se beneficia, aprovechando su coma, a Alicia y la deja embarazada.
Dicho así es un horror.
Pero Pedrito nos presenta la bondad del personaje, incluso su candidez, impresionante Javier Cámara, para transformar una violación en un acto de amor.
Porque a Benigno no lo mueve la lujuria, lo mueve el amor.
Se entregó al cuidado de su madre y ahora se dedica en cuerpo y alma al cuidado de Alicia.
Además se relata la unión de dos hombres por la misma desgracia.
Marco y Benigno compartieron butacas en el teatro.
Uno disfruta, el otro llora.
Cuando los dos tienen a sus “novias” en estado vegetativo. Uno habla con ella. El otro es incapaz de disfrutar de la situación.
De nuevo el manchego nos presenta como buena una situación que tiene un punto de patológica.
Los dos además no son queridos por estas mujeres.
Alicia ni siquiera conoce a Benigno.
Lydia ha dejado de quererle y se va a ir con el torero.
Siempre tira más un torero que un escritor.
La historia termina como no podía ser de otra manera.
Lo de Benigno era bonito, pero en este mundo incompresible, eso acaba en tragedia.
Atribuir mérito a los actores en una peli de Almodóbar es algo posiblemente inmerecido.
Pedro dirige hasta el más mínimo detalle de sus actores y si hay excelentes actuaciones son gracias a él y solo a él.
Banderas en el Festival de Málaga de este año, donde recibió la Viznaga de Oro, ante la pregunta de un periodista declaró que no se reconocía en las pelis de Almodóbar.
Hasta tal punto llega el control del director que anula la iniciativa de los actores, dominando cada gesto y cada sentimiento.
El director de Calzada de Calatrava se ha hecho famoso por su trabajo con personajes femeninos, pues aquí las duerme para dar protagonismo a los hombres.
Antes de ver la peli disfrutamos de un montaje, un homenaje al cine, de Bichobola, el primero que realizaron hace diez años.
Como todos los suyos una auténtica maravilla. Con música de Alberto Iglesias, así que venía al pelo.
Con Mónica Gallo y Diego Gismero hemos comentado la actualidad cinematográfica alcarreña con la primera película de la temporada del Cine Club Alcarreño, Todos queremos algo de Richard Linklater.
También hemos comentado brevemente el segundo día del Taller de Cine de Azuqueca de Henares, Así empezó Hollywood (Nickelodeon) de Peter Bogdanovich.
Hemos terminado con dos grandes estrenos que podemos ver en los Multicines Guadalajara:
Acudimos, a la sala más grande de los Multicines Guadalajara, mi amigo Diego Gismero y yo.
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Después de haber visto llorar a la Vicepresidenta María Soraya Sáenz de Santamaría Antón a la salida del pase especial, a la Teniente (Sigourney Weaver) Ripley sollozar en el Kursaal en el Festival de San Sebastián, donde repartieron katiuskas, para poder navegar por ese mar de lágrimas, venía preparado con varios paquetes de kleenex.
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Cuando empezó la peli miré el reloj para cronometrar cuando comenzaba mi llanto.
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Tengo una reconocida fama de blando y suelo emocionarme con las cosas más simples.
Estaba seguro que no podría contenerme. Temía llamar la atención.
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Iban pasando los minutos y no me saltaban las lágrimas.
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Llegaba el final y suponía que explotaría en llantos.
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Pero no. Terminó la peli sin usar mis pañuelitos de papel.
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Mi amiga María ya me había advertido que era para tanto.
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Ahora me siento un tío duro.
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El viejo Ramón blanducho y flojo ha muerto.
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Ahora hay un nuevo Ramón, un tipo inmutable e indolente.
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¿O sencillamente solo es una burbuja hinchada por una perfecta promoción?
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La brutal campaña publicitaria que ha recibido la peli, especialmente de su productora principal Tele 5, nos la presentaba como un dramón del que no se podría contener el llanto.
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Su argumento central cabe en una servilleta de papel.
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La madre enferma y el niño que no sabe como afrontarlo está algo visto.
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Las historias colaterales que cuenta el gigante forestal están bien, pero no dejan de ser cuentecillos con moraleja.
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Hay momentos brillantes, pero no demasiados.
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A Bayona nos lo han vendido como el nuevo Steven Allan Spielberg. ¿Un pelín exagerado?
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El niño Lewis MacDougall está muy bien, una buena interpretación, pero su cara ocupa más de la mitad del metraje en la pantalla y llega a saturar.
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Felicity Jones es la actriz de moda. La vamos a ver en cinco pelis este año, una producción británica, en Inferno de Ron Howard y en Rogue One: Una historia de Star Wars de Gareth Edwards.
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La peli no es mala, pero desde luego es mucho menos de lo que la promoción ha divulgado.
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Salí bastante decepcionado, pero con una interior satisfacción de no haber sido embaucado con las trampas de Bayona.
Género: Comedia Dirección: Wolfgang Becker Guión: Thomas Wendrich, Wolfgang Becker Dirección de fotografía: Jürgen Jürges Montaje: Peter R. Adam Música: Lorenz Dangel Productor: Uwe Schott, Wolfgang Becker Producción: X Filme Creative Pool Coproducción:ED Productions Intérpretes: Daniel Brühl, Jesper Christensen, Amira Casar, Denis Lavant, Jördis Triebel, Geraldine Chaplin Año de producción: 2015 Duración: 120 min Formato:DCP Versión original: Alemán Subtitulado en: Castellano Subvencionado por: Film- und Medienstiftung NRW, German Federal Film Fund, German Federal Film Board, Medienboard Berlin-Brandenburg, Eurimages, MEDIA, BKM Festivales: Istanbul 2016, Sao Paulo 2015
Un joven escritor pretende escribir una biografía sobre el gran pintor Manuel Kaminski.
Anciano, olvidado y ciego.
El biógrafo intenta descubrir facetas nuevas de este autor y el artista va obstaculizando su labor.
Se embarcan en un viaje para encontrar a una antigua novia.
Desde ese momento la peli se convierte en una road movie, donde se acumulan desgracias para el joven escritor.
Se contraponen dos personalidades.
Un descreído y poco afable escritor y un egocéntrico y poco afable pintor.
Dos egos enfrentados.
Se mueve dentro de la comedia que alcanza el mejor momento con la presencia, siempre interesante, de Geraldine Chaplin.
La peli es un poco reiterativa en las ideas expuestas y hay episodios bastante aburridos.
Buenas interpretaciones.
El barcelonés Daniel Brühl cumple.
A veces, lo mejor no está en la peli sino en lo que la rodea.
Kaminski es un personaje de ficción.
Para dar verosimilitud al personaje se montó una (falsa) exposición con su obra y elementos de su vida.
Muchos periodistas se lo creyeron.
Durante un tiempo pareció que este artista había existido.
La peli la presentó su director, un tipo grande y simpático.
La continuación de Ana y los lobos, siete años después obtuvo la nominación al Oscar como Mejor película de habla no inglesa, el Premio Especial del jurado en el Festival de San Sebastián y en Chicago, el Premio Mejor Guión.
En solo siete años España había dado un vuelco político inesperado.
Saura realiza esta secuela fiel al estilo metafórico de la primera.
El personaje interpretado por José María Prada ha fallecido. La peli se inicia con la familia rodeando su tumba, en clara alusión de la muerte del Caudillo.
La familia se encuentra dividida. La mayoría quieren poner a la venta las tierras para la construcción de viviendas y conseguir un pelotazo urbanístico.
Carlota representa la tradición franquista, pero partidaria del enriquecimiento.
Victoria, la más pequeña, hereda la visión mística de su tío Fernando (ahora empeñado en volar), dada al sacrificio, incluso a la autolesión.
Natalia, la mayor, da vida al “libertinaje”, a las ganas de vivir y experimentar. Interpretada por una jovencísima Amparo Muñoz, que nos regala un desnudo, imprescindible en todas las pelis de la época.
Ana (Geraldine Chaplin) es recibida como una más de la familia, sigue siendo el personaje inocente, en la que confía la abuela que cumple cien años.
Rafaela Aparicio interpreta un papel muy lucido, estando absolutamente inconmensurable. Con una gracia y un desparpajo ante la cámara como si fuera una actriz joven.
Ella agredeció públicamente a Carlos Saura que la hubiera sacado de sus papeles de chacha, permitiendo que demostrara lo gran actriz que era.
La peli resulta muy divertida, con abundantes toques de humor y sus rasgos surrealistas la hacen tremendamente moderna, atrevida. Posiblemente ningún director actual se permitiría las licencias narrativas con las que Saura enriquece su peli.
Su final triste, desgarrador, esclarecedor es impresionante en su fondo y en su forma, con esa cámara en grúa que se aleja de esa familia absurda, pero realista.
Carlos Saura, Rafael Azcona y Elías Querejeta. Éstos son los tres nombres propios sobre los que se sustenta esta peli. Director, guionista y productor.
La peli se realiza en el año 72, lo cual es vital para comprenderla.
El Franquismo seguía vivo y nadie preveía su fin en aquellas fechas, pero España se había abierto, gracias al turismo los españoles conocían otras realidades.
En los setenta en España se realizaban tres tipos de cine:
Un cine comercial que como máximo exponente tenía al landismo.
La denominada tercera vía del cine español. Un cine urbano, plagado de nuevos personajes y problemas, derivados de la sociedad nacida del gran milagro económico español. Películas como Los nuevos españoles (Roberto Bodegas, 1974) o Tocata y fuga de Lolita (Antonio Drove, 1974).
Frente a ambos modelos, amables y poco interesados en acometer reflexiones de índole política, surge la última gran propuesta fílmica de los setenta: el cine metafórico.
En aquella época para hacer crítica social era imprescindible utilizar, la parábola y la metáfora y así conseguir sortear la censura, que seguía siendo inflexible pero muy miope.
Por eso Saura realiza su peli más surrealista, homenajeando a su admirado Buñuel.
Es un análisis de la sociedad franquista y de sus elementos básicos.
Para comprenderla hablaré de ella por partes.
Ese caserón solitario en un páramo inhóspito y aislado es la España de la época. Contrasta la luminosisdad exterior con la penumbra del interior.
Fernando (Fernán Gómez), uno de los hijos, representa la religión rancia que sustentaba al régimen, que bajo la apariencia de misticismo era mutilante y castradora.
Juan (José Vivó) otro pilar de la sociedad, es la represión sexual. Con un cráneo relleno de semen.
José (José María Prada) es la autoridad representada en el ejército. En su infancia, hasta la primera comunión, lo vistieron de niña. Tal vez intente esconder su homsexualidad bajo los uniformes militares.
La madre, Rafalela Aparicio, la auténtica autoridad de la familia. La matiarca que maneja esa manada de lobos. No puede dejar de ser el centro de la vida en la casa, simulando crisis convulsivas. Es llevada por las criadas en silla elevada, mientras las insulta y las llama ladronas y guarras.
Las niñas, que representan el futuro (pesimista) de esta España, que juegan a imitar los comportamientos que observan de sus progenitores.
Ana (Geraldine Chaplin) es la modernidad, el elemento perturbador de una sociedad encerrada que no soporta lo nuevo. Esta actriz fue musa de Carlos Saura en varias de sus películas.
Los elementos surrealistas sirven al director para contar la realidad, con elementos de comedia, donde se ve la mano del gran Azcona.
Una peli que es preciso analizar desde su contexto histórico para comprenderla.
Yo la vi en su estreno y no la entendí. La recordaba triste oscura como esa época.
Menos mal que estaba Geraldine con su radio cassette para darnos esperanza.
Menos mal que se trata de una producción británica. No la podemos incluir dentro de las pelis españolas de las que gusta calificar al Ministro Montoro. ¡Que se la coman los británicos!
Parece mentira que la Isabel Coixet que dirigió La vida sin mí o Ayer no termina nunca haya perpetrado este infumable producto.
Tengo respeto y admiración por esta directora por lo que voy a intentar ser prudente.
Mi otro yo es una mezcla de thriller psicológico y drama familiar.
Su protagonista es Sophie Turner, conocida como Sansa Stark en Juego de Tronos. Sus capacidades interpretativas, por el momento, son bastante limitadas.
Mi otro yo es un producto rutinario, lleno de tópicos, cayendo, en ocasiones, en el melodrama barato, sin el más mínimo interés.
Hecho con desgana y con una ausencia absoluta de convicción.
Las escenas se intercalan con planos de árboles y cielo, con la vana pretensión de dar un tono poético, solo consigue distraer del relato, lo que resulta de agradecer.
Hasta ahora he sido diplomático, incluso sutil.
De aquí en adelante me desato, aunque brevemente.
Producto insufrible, aburrido, insoportable y ridículo. Peor incluso que Tokarev con el nefasto Nicolas Gage. Me dieron ganas de abandonar la sala.
Como estaba solo en el cine podía gritar de vez en cuando: ¡¡¡No más, por favor!!!
Screenplay:
Hugo Stuven Casasnovas, Víctor Matellano
Section: Nocturna Premiere
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Jack Taylor interpreta al Dr. Knox. Caníbal de altos vuelos que mantiene la teoría que el mejor plato de carne humana es el que se sirve sin que la víctima haya fallecido (aún).
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Más tarde, basándose en la nueva moda de tomar alimentos casi estropeados que tanto ha fomentado, el no suficientemente valorado eurodiputado, Cañete, se pasa a comer carne de cadáver podrido. Como lo pille Chicote le monta un pollo de órdago.
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Por otro lado un periodista intrépido va a aguantar una noche en un museo de cera donde se puede pasar un mal rato. Vamos, como Noche en el Museo pero con las figuritas de famosetes.
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No se rodó en Madrid porque desde que retiraron la imagen de Urdangarín ya no se pasa miedo.
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Todo resulta muy trillado. La atención no se consigue mantener. Mantuve el tipo y no me dormí, la cabezada del corto anterior me había repuesto.
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No pasé miedo, aunque Jack Taylor está muy mayor y da algo de grima.
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Un poco de asquete me dieron las transgresiones culinarias.
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Pero el auténtico pánico se hubiera desatado si aparece Chicote, la que hubiera liado.
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A Cañete se la recomiendo. Se comen cosas caducadas.
Retratar a un santo siempre es difícil y tratar el personaje como persona especialmente. Roland Joffé que es director, productor y guionista consigue salir airoso de este reto pero es lo único que hace bien.
Charlie Cox hace bien su papel y es el único actor que está convincente. El resto de los personajes y situaciones son caricaturescos dan risa o vergüenza ajena.
A pesar de que Joffé se ha rodeado de magníficos técnicos la peli no llega más que a telefilm de segunda.
Roland hace muchos años que rodó La Misión, hace 25. Hizo su gran película. Años después en 1995 perpetró la Letra Escarlata una de las peores películas que recuerdo. Pero ésta no le anda a la zaga.
Peli basada en la novela autobiográfica de Valérie Tasso que tuvo un gran éxito.
La peli nos cuenta las relaciones de Val con diversos tipos de hombres que es tal vez lo único de interés de la peli. Pero los personajes resultan arquetípicos y poco creíbles.
Todo el metraje se ve lastrado por el origen literario y hay una permanente voz en off que resulta totalmente prescindible e insoportable.
Para colmo de desdichas la actriz protagonista Belén Fabra resulta sosa y sus continuos desnudos no son nada estimulantes. Si este papel lo llegara a interpretar Jennifer López sería la caña.
Como dato positivo la buena actuación de Llum Barrera que interpreta un personaje creíble.
El conjunto resulta penoso. Una peli totalmente olvidable.
