Para poder hablar de esta peli es preciso abstraerse de la absoluta ligereza con la que se trata un tema tan delicado como el suicidio.
El retrato de cuatro tipos de suicidas es tan superficial que no hay ni que considerarlo.
Lo dicho: abstraigámonos.
Todo el metraje se debate entre la comedia y el drama en un difícil equilibrio que va de lo chabacano a lo tontorrón.
La trama es claramente inverosímil con algunos momentos delirantes.
Tal vez lo peor es el viaje a Tenerife donde el camarero se llama Ángelo hablando en un castellano de Salamanca.
Por cierto, los paisajes supuestamente canarios están rodados en Mallorca. Incomprensible.
La trama gana algo de fuerza hacia el final cuando se convierte en drama con el hijo paralítico cerebral de Maureen (Toni Collette). Reconozco que vertí algunas lágrimas por mi propensión hacia el llanto ante situaciones mínimamente emotivas.
Pierce Brosnan está como siempre, más que actuar parece que diserta con un cierto nivel de superioridad bastante irritante.
El tema del suicidio solo se puede tratar de dos maneras. Como un drama con todas las consecuencias. O como una comedia disparatada que olvide el realismo.
Las medias tintas de esta peli son muy desafortunadas.
Corto británico de ficción que combina drama y animación de 17 minutos.
Una foto cambia la vida de una ciudad costera tranquila que se convierte gracias a la presencia en sus aguas de un gran pez en un sitio turístico y degradado.
Con alardes visuales muy interesantes y efectistas.
De factura técnica muy conseguida. A mí me resultó demasiado abigarrado y algo confuso.
Un pajarito tiene aerofobia (miedo insuperable a volar) y decide no emigrar…
Divertido, con un protagonista que despierta ternura, desvalido y lleno de limitaciones.
Nos da la moraleja sobre que siempre se puede encontrar una alternativa.
Las fobias son extremadamente frecuentes. Prácticamente el cien por cien de los niños tiene alguna. Entre los adultos hay alrededor de un 30% de fóbicos, pero solo en pocos casos son invalidantes.
Yo, por ejemplo, soy acrofóbico, pero me esfuerzo en superarlo, aunque no lo consigo.
Corto yemení de 4 minutos que tiene por protagonista a un niño.
Con el telón de fondo de manifestaciones, este infante encuentra una llave que le abre las puestas de una casa grande y lujosa, aunque decorada con escaso gusto, en contraposición con vivienda miserable.
Descubre que significa desigualdad social.
Los pensamientos se los oímos usando el recurso de la voz en off, como siempre innecesario.
Como suele ocurrir en cine con frecuencia, se cuenta más con lo que se muestra o se descubre que con los diálogos.
Impresiona el apartamento cochambroso.
La sensación de realidad, que se produce cuando se mira a través del agujero de la cerradura o, como en este corto, a través de una ventana, es emocionante. Tiene ese punto de transgresión que da el voyerismo.
Future Shorts es una experiencia de proyección de cortos premiados en diferentes festivales. Se realiza un selección por cada estación del año. Se pasan por ciudades de todo el mundo.
En Azuqueca disfrutamos del Future Shorts de Primavera.
Respecto a Tooty’s Wedding es una corto británico que en tan solo 19 minutos nos muestra en clave de comedia la relación de una pareja.
Dos jóvenes despistados, inseguros que se llevan mal acuden a una boda.
El humor se mueve entre el patetismo y la farsa.
Con solo tres personajes se construye una historia firme y divertida.
Elena y yo empezamos con esta serie hace cuatro años y vimos las primeras temporadas de tirón. Después fuimos temporada a temporada, una vez terminadas, cada año.
Han sido ocho en total con 96 episodios que dan para mucho.
Lo primero que me llamó la atención es lo siniestro de la propuesta. El protagonista es un asesino en serie despiadado, un psicópata de tomo y lomo.
Pero Dexter fue aleccionado por su padre en el Código de Harry, una especie de decálogo del buen asesino en serie.
Su desarrollo se ha ido enriqueciendo con bastantes personajes, muchos han muerto y unos pocos han sobrevivido.
El retrato de éstos ha sido bastante certero y, en general, no ha habido personajes planos.
Rita, esposa de Dexter, ha sido uno de mis personajes preferidos, bondadosa y comprensiva. Recuerdo el capítulo final de la temporada 2010 con estremecimiento, en la que es asesinada. Su fallecimiento me afectó profundamente. Uno de los mejores finales que puedo recordar.
En el debe de Dexter figura que algunas temporadas han tenido demasiados paralelismos, recobrando el ritmo en las dos últimas.
El gran logro de la serie es que Dexter Morgan sea un malvado que cae simpático. Todo está pensado para que el espectador lo comprenda y simpatice con él. Muchas veces dan ganas de cantar: “Dexter, Dexter, Dexter es cojonudo, como Dexter no hay ninguno“.
Ya sé que está mal empatizar con un monstruo homicida, pero… es que aplica el Código.
Mis dos personajes preferidos en la serie han sido, además de Rita Bennett, Debra Morgan la hermanísima deslenguada y enamorada de su hermano y la rubia mortal Hannah McKay, supermonísima.
Una de las pocas cosas que me alegran de que haya acabado la serie es que Dexter por fin descansará. Su vida desde el principio era un frenesí. Lo que ha trasnochado este hombre. La de gente que se ha cargado. ¡Si ha dejado el mar que no cabe un cadáver más!
Una serie con un protagonista macabro, pero simpaticón, imposible de olvidar.
Veo esta peli con mis amigos del Club de cine. José Antonio la había recomendado.
La historia de cuatro hermanos en cinco días.
El chico abandona el hogar y se marcha con su novia.
Las tres hermanas, Nadia, Debbie y Molly no han tenido suerte. Una trabaja de camarera, busca su amor en páginas de contacto. Otra cría a su hijo sola, su ex es un irresponsable. Molly está embarazada y su marido abandona el trabajo y la casa.
Su madre es una gruñona profesional y, tal vez, mala persona.
Los personajes están solos, su vida es triste, pero buscan la felicidad. Son personas luchadoras y eso da un punto de optimismo a la historia que es profundamente triste.
El retrato de los hombres es despiadado, pero posiblemente certero.
El Londres que se nos presenta es el que vive la clase obrera británica, el de los autobuses y el metro. Como dice Debbie, en un momento de la peli, pringoso.
A esta imagen de la city ayuda la filmación con cámara al hombro, los desenfoques y el tono documental con esa mala calidad de la fotografía que colabora al verismo de lo que se nos presenta.
Los diálogos, aparentemente improvisados, son un elemento más para dar realismo.
La música de Michael Nyman es un elemento importante. No entiendo nada de música por lo que me resulta muy complicado definirla, pero sí puedo expresar los sentimientos que me inspira, que van desde la desolación, la melancolía y cierto carácter romántico que ayudan a dar un tono poético a la narración, cuando lo que vemos es de lo más cotidiano.
Este País de las maravillas (Wonderland) que es esta sociedad actual es retratado con fidelidad, pero en medio de la desolación de la soledad, del desastre existencial está la esperanza de las personas que luchan, a pesar de todo, por mejorar sus vidas.
El final es una concesión del director al optimismo. ¡Qué buena falta hace!
Película belga premiada con el César a mejor peli extranjera y nominada a los Oscars.
Se trata de un drama romántico.
El montaje desordenado nos permite obtener la información de manera dosificada, pero el director no manipula al espectador porque desde el principio plantea la cuestión principal.
Si la contáramos en orden sería: chico conoce chica, se enamoran, se casan, tienen una niña, a los seis años enferma, muere y el duelo hace que esa relación se descomponga.
Destripar la peli no tiene la menor importancia porque lo importante no es lo que se cuenta sino cómo se cuenta.
No hay ni una gota de sensiblería, aunque sí mucho sentimiento.
A la pareja protagonista la vamos conociendo y amando sobre todo a la maravillosa Veerle Baetens, una actriz extraordinaria que sabe transmitir una gama de sentimientos inmensa.
A mí personalmente los tatuajes no me gustan para nada, pero esta chica tan tatuada como herida por la vida me atrae.
Un factor importantísimo es la presencia de la música bluegrass, un género musical derivado de la música folclórica estadounidense. Las canciones expresan los sentimientos de los personajes y ayudan a complementar la historia. Son temas estupendos y a mí me emocionaron profundamente.
El gran acierto de su director Felix van Groeningen es haber hecho una peli notable de lo que en principio podría haber sido un dramón barato.
Enhorabuena al director y a los actores. Sois estupendos.
DocumentaMadrid, el festival internacional dedicado en exclusiva al cine documental, impulsado por el Ayuntamiento de Madrid, celebrará del 30 de abril al 11 de mayo de 2014 su decimoprimera edición. Tras el giro emprendido en 2013, DocumentaMadrid se posiciona como festival de referencia de su especialidad en el ámbito internacional, con una sección oficial que prioriza los estrenos absolutos en nuestro país.
DocumentaMadrid continúa con el compromiso de potenciar y difundir el cine de no-ficción, en la medida en que éste es un reflejo de las realidades sociales, culturales, económicas, artísticas, medioambientales o tecnológicas, que existen en nuestro planeta, así como un medio que nos ofrece desde puntos de vista plurales una instantánea precisa de los agitados tiempos que estamos viviendo.
La selección de las obras presentadas, basada exclusivamente en criterios cualitativos y que ofrece una visión poliédrica y multidisciplinar de la realidad de nuestro mundo, se convierte de esta forma en un complemento fundamental de la programación de CINETECA MADRID, la única sala del país dedicada en exclusiva a la programación del “cine de lo real”. DocumentaMadrid se presenta, en fin, como punto de encuentro anual entre los profesionales, los creadores y el público al que dirigen sus obras.
Así, junto a una Sección Oficial a competición, que incluirá sendos apartados de largometrajes y cortometrajes, DocumentaMadrid mantendrá la sección Panorama del documental español, una mirada especial al cine documental producido en nuestro país. Una producción cada día más rica y variada tanto en sus propuestas como en la manera de abordar cinematográficamente los temas planteados.
Las mejores proyecciones son las que el público participa. En muchas ocasiones el espectáculo está tanto en la pantalla como en el patio de butacas.
NOCTURNA 2014, tendrá lugar del 23 al 31 de mayo en Madrid. Aumentando así los días del certamen, cuya sección competitiva se iniciará el martes 27.
En su primera edición Nocturna contó con la presencia del gran Joe Dante. Tuvimos la suerte de ver en pantalla grande Los Gremlins, con un animado coloquio después de la proyección.
Una de las tardes contamos con la presencia de la bella Natalie Dormer de Juego de Tronos.
El día la clausura (una jornada de lo más intensa) pudimos ver, como primicia mundial The Conjuring, dirigida por James Wan.
El nivel de los cortos fue extraordinaria. Los tres premiados y para mí los mejores: L’Héritage, Necrolovers y Death of a Shadow. Tres joyas o incluso obras maestras.
En su segunda edición NOCTURNA volverá a llevar a Madrid lo mejor y más novedoso del cine fantástico internacional contando, una vez más, con presencias destacadas de grandes personalidades de la Fantasía, el Terror y la Ciencia Ficción.
Espero reencontrar amigos que hice en la anterior edición.
Me alegro de encontrar amigos en el Cine Club Alcarreño (Ana, Rafa, Daniel…).
Mis expectativas sobre esta peli eran de lo más bajas posibles. Acudo por el morbo de verla, con sus más de cinco horas del desconcertante y provocador Lars von Trier. Para su comercialización ha sido reducida a dos de unos 120 minutos cada una. El montaje no es del director pero ha dado su visto bueno.
Con un comienzo inquietante y lírico consigue atraparme desde el principio.
El director danés usa de todos los recursos narrativos cinematográficos para desarrollar su peli. Abusa de la voz en off, usa pantalla partida, primeros planos, de detalle, algún plano secuencia, generales, fotografía en blanco y negro o color…
Se da un barniz cultureta con las comparaciones entre sexo y pesca con mosca y después con la música polifónica.
Todo esto podría haber dado como resultado el desastre total, que era lo que yo temía.
Muy al contrario, Lars von Trier consigue transmitir una gama de sentimientos y emociones impresionante: vergüenza, insatisfacción, soledad, ternura, intranquilidad, desasosiego, incomodidad…
Pero además le imprime un cierto tono poético.
Joe relata su historia impregnada en un sentimiento de culpa, se cree malvada, pero su historia es, a veces, cómica y en ocasiones cruel para ella misma.
Se retrata con verismo la estupidez del sexo masculino, incapaz de decir no a las ofertas sexuales de una joven atractiva.
En el arte de la seducción se consigue la victoria cuando se estimula el deseo y se obtiene la derrota cuando se consuma. Esta brillante conclusión no es mía se la debo a mi amigo Daniel.
Esta primera entrega termina de manera abrupta (coitus interruptus). Te deja expectante.
Nada más comenzar la peli ya hay una sorpresa, sorpresa. Aparecen unos gigantes de piedra con poliartrosis que se llaman Vigilantes (ángeles descarriados ¡?). Cuando oigo hablar de vigilantes pienso en los de la playa. Éstos son todo lo contrario.
La peli sigue un tortuoso e inquietante camino, se convierte en una mezcla de El Señor de los Anillos y Mad Max. El tono es entre épico y cutrerretrofuturista.
Van llegando animalillos de éstos generados por ordenador. Hay batallitas y empieza a llover.
Todo es sorprendente y rídiculo. Tardé en reaccionar, para entonces comenzaba la segunda parte de la peli dentro del arca.
De las aventurillas retrofantásticas se pasa a un drama familiar, con rollitos de envidias y complejos de Edipo. A Noé le da un pronto y se quiere cargar a los nietos.
Es como si a Darren Aronofsky se le hubiera ido la olla y haya pensado: voy a sorprender. Para contentar a los creacionistas mete un spot publicitario basado en el Génesis.
Podría decir que las chicas Jennifer Connelly y Emma Watson (las únicas que transmiten emociones) están fenomenales, pero eso es como el valor en la mili, se da por hecho.
Noé, en definitiva, es una mezcla imposible de cine de catástrofes, aventuras épicoapocalípticas, drama familiar y una chispina de relato bíblico.
A pesar de sus (graves deficiencias) se ha convertido en un auténtico fenómeno social que está arrastrando a las salas a espectadores de manera masiva.
Posiblemente llegue a los 25 millones de euros de recaudación y a los ocho millones de espectadores y se convierta en la peli más taquillera de la historia del cine español.
Todo esto ¿porqué?. ¿Qué tiene esta peli para que la aceptación del público haya sido tan buena?
Está claro que las críticas de los especialistas influyen poco en la taquilla y la de aficionados como yo ninguna.
Los chistes de vascos siempre han hecho gracia, en un país como el nuestro que nos encanta reírnos de los vecinos.
La peli es graciosa, no hay personajes malos de verdad. Es una peli amable en el que todos los personajes caen más o menos simpáticos.
En un momento en el que la crisis lo invade todo hay algo positivo en el panorama, se ve el fin del terrorismo.
Y ocho apellidos vascos habla, tal vez sin pretenderlo demasiado, de eso. Estamos en un punto que somos capaces de reírnos de la Kale Borroka y ver en la pantalla que una viuda de un guardia civil se lía con un vasco de toda la vida.
Esa mirada amable nos debe de gustar, de atraer y por eso ha funcionado el boca-oreja de tal manera que las recaudaciones han ido aumentando cada fin de semana de proyección.
El programa de Euskal Telebista Vaya Semanita ha contribuido de manera decisiva, en mi opinión, a normalizar la vida en Euskadi. Y no es casualidad que uno de los guionistas de la peli que nos ocupa sea uno de los artífices de este programa.
Otro aspecto que quiero destacar. Cuando una peli conecta con el público, por lo que sea, la gente acude al cine. Seguro que esta peli se puede descargar de internet sin problemas y seguro que es la más descargada. Hay una relación directamente proporcional entre espectadores en sala y descargas, demostrada.
Las descargas de pelis puede restar público a las salas, pero en mucha menor cuantía de la que se supone. Echar la culpa a internet de los cines vacíos es una estupidez.
El séptimo arte está en crisis por el IVA (que hace mucho daño), por las descargas, por los nuevos métodos de entretenimiento (vídeo-juegos), pero sobre todo por la ausencia de un cine que conecte con el gran público como lo hacía en los años cincuenta del siglo pasado.
A primeros de los setenta se estrenó No desearás al vecino del quinto, creo que sigue siendo la peli más vista en el cine español. Se trataba de una peli horrorosa, penosa, vergonzante, pero conectó con el público porque era graciosa y trataba un tema que empezaba a ser normal en la calle pero nuevo en el cine: la homosexualidad.
Algo parecido nos ha pasado ahora con Ocho apellidos vascos, salvando las distancias.
De todas las maneras no me hagáis mucho caso. Solo soy un tonto que se atreve a escribir sus penosas reflexiones.
Julio Coll es considerado el director más importante del llamado Cine Policiaco Catalán. Los cuervos es un drama empresarial cuya temática está de rabiosa actualidad.
Habla de la corrupción, de la ambición, de la codicia, del abuso, de la idea que el dinero todo lo puede, del despotismo, la especulación…
Con cierto tono moralista muy de la época, Arturo Fernández, antes de ser una parodia de sí mismo, interpreta a la persona cabal que actúa con ética.
El desarrollo es de thriller, manteniendo el interés durante toda la peli.
Hay momentos realmente escalofriantes. Un médico que intervino en la Segunda Guerra Mundial habla, sin el menor remordimiento, como experimentaban con seres humanos: “era sencillo había sentenciados y presos. Ahora, lamentablemente, solo se puede hacer con animales”.
Dejando a parte alguna estupidez médica, tan habituales en toda la historia del cine, el guión está bien construido y resulta creíble.
Antes que nada tengo que destacar lo magníficamente bien rodada que está esta peli. Con una composición de los personajes impresionante, con unos planos que retratan la situación anímica de manera magistral.
La acción discurre en un único escenario. Una casa donde la pareja propietaria realquila habitaciones.
Su desarrollo es teatral y usa de los flashback (o como deberíamos decir en castellano analepsis) continuamente.
Curiosamente se presenta antes la trama que a los personajes.
Alberto Closas realiza una interpretación maravillosa. Es un manipulador de tomo y lomo que sabe llevarse al huerto a todos y sacar de todos lo que quiere.
La peli comienza con una frase moralista y termina con el castigo a los malhechores, como dictaban los cánones de la España franquista y como vigilaba la censura.
Distrito quinto se encuadra dentro del Cine Policiaco Catalán y aquí si se puede hablar de cine negro. Todos los personajes son malvados en diferentes dosis. Son rateros, carteristas, timadores, ladrones pero poseen la ambiguedad moral de los personajes de cine negro porque, dentro de unos límites, tienen su ética particular que desean respetar.
Una peli muy valiosa. Si la conseguís os la recomiendo vivamente.
La ilusión de estos chicos de un suburbio de Dublín es contagiosa.
El retrato de la ciudad, con los niños jugando y haciendo el bestia y el gamberro en las calles, es estupendo. A pesar de los charcos, de la basura, de la ropa tendida, la visión que se da del Barrio Norte dublinés es amable. El ambiente es tal vez demasiado idílico, hay convivencia vecinal y se respira libertad.
Es frecuente que en este tipo de historias la narración se centre en unos pocos personajes, pero aquí todos los componentes de esta banda de soul tienen su lugar. No hay personaje menor.
Con un montaje agradable y que sabe captar la atención del espectador se nos narra esta historia, amenizada con estupendas canciones.
El conjunto resulta simpático.
Mi puntuación: 7,88/10.
Ficha:
Duración: 01h 53 min Género: Drama | Musical Título original: The Commitments Año: 1991 Países: EE.UU., Irlanda, Reino Unido Dirección: Alan Parker Intérpretes: Robert Arkins, Angeline Ball, Dave Finnegan, Bronagh Gallagher, Colm Meaney, Maria Doyle Kennedy, Michael Aherne, Félim Gormley, Glen Hansard, Dick Massey, Johnny Murphy, Andrew Strong, Ken McCluskey Argumento: Roddy Doyle (novela) Guión: Dick Clement, Ian La Frenais, Roddy Doyle Música: Wilson Pickett Fotografía: Gale Tattersall Distribuye en formato doméstico: Fox
Wes Anderson es un director con un estilo muy definido, que despierta grandes entusiasmos, pero que tiene grandes detractores.
Yo no soy ni de los unos, ni de los otros.
El estilo visual es brillante, colorista, embriagador, pero demasiado geométrico, simétrico y artificioso.
La historia es entretenida y divertida pero se mueve en ese delgada línea entre el cuento y la comedia absurda, sin terminar de definirse.
Me entusiasma la idea del gerontofílico adicto a las rubias y ricas.
Es de lo más gratificante ir reconociendo a los actores que van apareciendo en papeles secundarios, más de una docena.
Pero para que te guste el cine de Wes Andersontienes que conectar. Se tiene que establecer una relación entre director y espectador, si no te deja con sensación de cierto vacío.
Unas chicas que estaban detrás de mí en el cine comentaron: “no está mal”.
Mi problema es que no he conectado. Solo se me ocurre decir: “no está mal”.
Este director catalán (Jaume Collet-Serra) vuelve a ser número uno en la taquilla norteamericana con esta peli, como ya hiciera hace unos años con Sin identidad.
Non-Stop es un thriller de avión.
Desde el principio el ritmo es frenético. Es obligatorio que lo sea porque si el espectador reflexiona por unos segundos se puede dar cuenta que todo es puro artificio.
La historia es mentirosa y falsa, no tiene ni la más mínima coherencia. Los continuos giros de guión solo esconden su inmensa debilidad.
Liam Neeson compone un personaje tan espurio como la trama. Solo su enorme presencia física puede ayudar, en algunos momentos, a hacer creíble alguna escena de acción. Todo ese rollo de alcohólico que se le murió su hijita está tan visto que resulta ridículo.
Pero si eres un espectador complaciente y te abstraes del guión imposible puedes llegar a disfrutar de la peli. Todo va tan rápido, todo es tan sorpresivo que es posible que te pueda llegar a atrapar.
Da igual que el avión dé unos bandazos de padre y muy señor mío y que las botellas de bebidas alcohólicas permanezcan perfectamente colocadas en las vitrinas. Porque todo en la sucesión de escenas es así, totalmente increíble….
A mí me enganchó y salí satisfecho del cine. Engañado, manipulado, pero satisfecho.
Peli ideal para poco exigentes y con ligero retraso intelectivo. Como yo.
Ésta era la única peli que me quedaba ver de este director.
Hay cinco producciones posteriores. Tiene pendiente un estreno para este 2014 y dos más para el año que viene.
Kevin Smith a lo largo de su filmografía ha ido domesticándose. De realizar pelis frescas y transgresoras ha pasado a hacer cine comercial, aunque conserve algún rasgo definitorio.
La Jersey Girl es en esencia una peli romántica y sigue el esquema de chico conoce chica, se separan y después se reconcilian. Aquí hay algún cambio. La primera fallece.
Se apela a los sentimientos familiares (paterno filiares) y al manido argumento de dedicar tiempo a los hijos antes que al trabajo.
A pesar de estos caminos trillados la peli emociona y divierte.
Affleck, protagonista absoluto, fue nominado a los Premios Razzie como peor actor, con todo merecimiento. Ha demostrado ser mucho mejor director que actor.
Jennifer Lopez también nominada a los antioscars como peor actriz de reparto está encantadora, como no podía ser de otra manera.
La niña Raquel Castro es una marisabidilla, pero resuelve con soltura la mayoría de las situaciones por muy empalagosas que puedan llegar a ser.
Liv Tyler es la alegría y el futuro para ese viudo inconformista con su vida. Decir que está maravillosa es una obviedad. Esta chica (de Jersey) tiene esa rara cualidad que la cámara la quiera. Da igual que vista de princesa elfa siendo Arwen o con vaqueros y rebeca, siempre sale perfecta.
Rebuscando se pueden encontrar los elementos comunes en muchas de las pelis de Kevin Smith. El vídeo club. La épica de los perdedores y la asunción que la vida posiblemente sea mejor así, sencilla y modesta.
Me puedes llamar blandengue, flojeras, lila o ñoño, pero la peli me ha encantado.
Cuando se le ofreció el proyecto iba incluido Robert Duvall como protagonista, lo cual no le hizo dudar en aceptar la proposición. Era una oferta que no podía rechazar.
El rodaje fue muy ajustado de tiempo. Siempre la primera vez que se filmaba una escena decía a los actores que era de ensayo y en bastantes fueron las que al final figuran en la peli.
Durante el rodaje dos miembros de equipo cogieron uno de los coches que estaba pintado y con luces de policía. Se emborracharon y fueron detenidos por la policía de fronteras americana e incluso llegaron a vestir el mono naranja.
Duvall ya ha visto la peli y al parecer le ha gustado.
Aragón afirmaba que el idioma ha sido un inconveniente pero que las emociones son universales y terminaron entendiéndose bien.
Tiene en proyecto dos guiones, uno de ellos se desarrolla en China.
Terminó diciendo: “contar historias me hace feliz y es a lo que me quiero dedicar”.
Después se dio a conocer el Palmarés.
La gran ganadora ha sido 10.000 KM de Carlos Márquez-Marcet que se ha llevado: Biznaga de Oro a la mejor película, Biznaga de plata a la mejor dirección, al guión novel, a la mejor actriz (Natalia Tena) y el Premio de la Crítica. Demasiados premios para una buena película, aunque no era mi preferida. La actriz se lo hubiera dado a Lola Dueñas por Los fenómenos o a Virginia De Morata de 321 días en Michigan, con la que me hice una foto.
Carmina y amén de Paco León se llevó el mejor guión y la actriz de reparto, una Yolanda Ramos estupenda. Nada que objetar por mi parte.
Asombrosos los premios a Todos están muertos de Beatriz Sanchís, una peli sin sentido y aburrida en mi opinión, pero que se ha ido con la mejor actriz a Elena Anaya que comparte con Natalia Tena y el Premio especial del Jurado Joven. También el premio a la mejor banda sonora.
321 días en Michigan ha ganado ex aequo para Salva Reina y Héctor Medina como mejores actores de reparto. Un premio muy merecido. Además esta peli malagueña se ha llevado el Premio del Público, una de las sorpresas ya que todos contaban que este galardón se lo iba a llevar Carmina y amén de Paco León.
Los más emocionados y contentos los miembros del equipo de 321 días en Michigan con un Enrique García eufórico. El día de la rueda de prensa me acerqué al terminar y le felicité por la magnífica recreación que había hecho del mundo penitenciario español. Le expliqué que lo conocía bien y hablaba con fundamento, en ese momento me lo agradeció mucho. Después de que se leyera el Palmarés se acercó a mí y nos dimos un abrazo. Tuve también la oportunidad de conversar con las dos actrices protagonistas Virginia De Morata y Virginia Muñoz. También tengo una foto con Salva Reina ganador al mejor actor de reparto.
No he visto los documentales ganadores, parecen de lo más interesante: Ciutat morta (Ciudad muerta), de Xavier Artigas y Xapo Ortega, Gabor de Sebastián Alfie y Equipo verde, de Alejandra Almirón.
El jurado de la sección oficial a concurso de Territorio Latinoamericano premió Conducta de Ernesto Daranas y a Carlos Frasca por Rincón de Darwin.
En el vídeo os pongo imágenes de la conferencia de prensa de Emilio Aragón, de la rueda de prensa de los ganadores y de la Alfombra Roja.
Es el primer festival al que me dedico en exclusiva y la experiencia ha sido muy intensa y gratificante, pero agotadora.
Como si hubiera ganado algún premio se lo agradezco a los que me han facilitado la asistencia (Roberto y Teo), a los compañeros que he conocido, todos muy amables, de los que he aprendido mucho. Y se lo dedico a Elena que le debo todo.
