“Se han cambiado los nombres para respetar a los vivos. Pero se han mantenido los hechos para respetar a los muertos”.
Este Fargo II recopila todo lo positivo que se puede esperar de una serie.
Hay elementos de comedia negra de los Cohen, intriga, asesinatos a lo Tarantino y mucha diversión y mala leche.
Con el retrato de fondo de esa América profunda, conservadora, rural, en la que nunca pasa nada hasta que de pronto la situación se derrumba y los crímenes se suceden en avalancha.
Donde dos personajes simples y bobalicones como son el carnicero y la peluquera, ni son tan simples, ni son bobos.
Saben defenderse y de ser las víctimas propiciatorias pasan a ser verdaderos supervivientes.
Hay algo en ellos que me crea complicidad. Con ellos me siento identificado.
Son el americano medio, con anhelos pequeños en mundos pequeños, pero que en situaciones extremas reaccionan y se hacen grandes, invencibles.
Imposible llegar a contar los cadáveres.
No hay personaje desperdiciado, ni mal construido.
Además se juega hábilmente con el tempo cinematográfico para contar la historia desde diferentes puntos de vista, jugando de manera fascinante con el espectador.
Una serie excepcional, de lo mejor que se ha hecho para televisión.
¿Porqué el indio hace lo que hace?
Nos quedaremos con la incógnita, lo que nos permite elaborar teorías personales.
La vi cuando se estrenó y no la había vuelto a visitar desde entonces.
Mi recuerdo estaba nublado.
Un placer inmenso disfrutarla en pantalla grande.
Me emociono al escribir de ella.
Porque El espíritu de la colmenarecoge y sintetiza todo lo que para mí es buen cine, cine de verdad.
Cine que no te lo explica todo, sino que tienes que descubrir, que indagar, que imaginar.
En el que las imágenes son más importantes que los diálogos.
Cine desnudo de artificios, con fotogramas tan potentes que te impactan de forma aislada y en conjunto te transforman.
Ese paisaje castellano de Hoyuelos en Segovia, donde el sol no luce, donde hace frío y viento.
La miseria se palpa, se siente. Calles de barro, edificios en ruinas.
La pobreza de la posguerra, que no hace falta que se verbalice para padecerla con sus habitantes.
Esa cruda realidad enfrentada al mundo infantil y onírico de estas dos hermanicas.
Por culpa de una película se encuentran con la verdad de la muerte.
Inmensa paradoja que por la ficción descubran la realidad.
Su manera de afrontarla es diferente.
Isabel la sume, incluso la simula engañando a su hermana.
Ana, en cambio, no es capaz de comprenderla y la mira con asombro.
Los personajes tienen los nombres de los actores porque Erice no conseguía hacer comprender a las niñas la diferencia entre realidad y ficción.
No entendían que cuando rodaban se llamaran de forma diferente, por eso decidió mantener sus nombres.
Con esto es fácil asimilar que las niñas no actúan sino que interpretan su realidad ante una cámara.
Por eso su actuación es perfecta, es verdad.
No sé cómo he podido vivir más de cuarenta años sin volverla a ver,
Esto es una obra maestra, es cine de verdad, del mejor.
Queridos Jose y Susana, siempre estáis acertados en la elección de las películas, pero con ésta, al menos conmigo, habéis dado en el clavo perfectamente.
Infinitas gracias.
Después vimos un montaje de los que elaboran los dos coordinadores sobre pintura y cine, sencillamente maravilloso.
Hace días mis hermanas me contaron que la recaudación que obtuviera esta peli era con fines solidarios.
Varios amigos me advirtieron también.
Cuando entro al cine me encuentro con el magnífico colaborador de El Heraldo del Henares José Manuel Belmonte y su esposa Ángela.
Me advierten en tono cariñoso: “habrá que hablar bien de la peli“.
Demasiada presión.
Solo un desalmado podría hablar mal de un producto buenista destinado a fines benéficos.
La sala estaba a rebosar, sobre todo público femenino.
Las personas que me rodeaban disfrutaron de la peli. Rieron, se emocionaron…
Me debato entre dar mi opinión (verdadera) o simplemente callar.
Cuando empecé a escribir de cine me prometí hacer comentarios sinceros, no dejarme influir por los críticos sesudos o por las circunstancias de la peli.
Pidiendo perdón por lo que voy a decir no puedo evitar decirlo.
La peli trascurre en una especie de realismo mágico, pero canadiense, lo cual no deja de ser francamente chirriante.
El protagonista no puede caer bien, incapaz de aceptar el don divino que posee, el de la sanación.
La mayoría de las escenas resultan ridículas y el tratamiento de las enfermedades es tan simplista que produce irritación.
El uso de la niña con cáncer es sencillamente obsceno, intentando emocionar al espectador de la manera más chapucera y vergonzante que se ha visto.
La realización es de telefilm barato, sin el más mínimo toque de originalidad.
Todo es buenismo y simplismo, con un tratamiento de los sentimientos tan burdo que resulta barato y lo degrada.
No todo son las buenas intenciones, que son loables, hay que adjuntar también un producto de calidad real para que ese voluntarismo sea de verdad.
Independientemente de lo dicho, deseo que recaude mucho.
Pero cada espectador que paga su entrada debe tener claro que el 21% se lo quedará el señor Montoro, que no ha manifestado la más mínima intención de darlo para los mismos fines benéficos que su creador.
D.W. Griffith en 1915 nos contaba una visión supremacista de la formación de los USA.
Realizando una obra maestra cinematográfica, pero con un mensaje partidista, racista y repugnante que no debe impedir apreciar los valores cinematográficos de la cinta.
Ahora Nate Parker nos da una visión descarnada y realista sobre la esclavitud.
Él se lo guisa y él se lo come. Dirige, escribe, produce y protagoniza esta película.
La peli funciona bien como relato cinematográfico y como alegato contra la esclavitud, pero no aporta nada nuevo a lo ya visto sobre el tema.
Si su director no hubiera estado implicado en un turbio asunto de violación a finales de los noventa, tal vez, estaría en la lista de las nominadas a los Oscars.
La peli está muy bien narrada y mantuvo mi atención todo el metraje.
Es una buena peli, pero en absoluto imprescindible.
Esta semana nos ofrece el Cine Club Alcarreño esta peli belga.
A priori su mayor atractivo es ver a la bella Bérénice Bejo (Buenos Aires, Argentina, 7 de julio de 1976), actriz franco-argentina.
Saltó a la fama mundial por su papel de Peppy Miller en la película The Artist(2011), que le valió no solo la aclamación por parte de la crítica sino también el premio César del cine francés a la mejor actriz y las nominaciones al Óscar a la mejor actriz de reparto, así como al Globo de Oro.
Se trata de la crónica de un divorcio.
Ella es una mujer trabajadora, amargada, casi superada por la situación de criar a sus dos hijas y sacar la familia adelante.
Él es un vago, mantenido por su esposa durante 15 años. Solo se le conoce haber hecho una reforma en la casa por la que reclama la mitad de su valor, siendo que no ha puesto un duro.
Como no tiene ni oficio, ni beneficio sigue viviendo en la casa de su ex, a pesar de la insistencia que se vaya.
Además tiene problemas con matones. ¿Juego?, ¿drogas?…
El metraje está salpicado de discusiones, algunas interminables y de situaciones paradógicas.
Todo en un único escenario. En esa casa que intuimos bonita, porque la cámara muy pegada a los actores no la deja ver bien.
En general resulta un coñazo, tediosa e insoportable.
Situaciones como la que se nos cuenta las he conocido mucho más difíciles, por lo que esta separación incluso puede parecer light.
En el cine el tempo es diferente al de la realidad.
En la vida una discusión puede durar horas o incluso semanas.
En una peli cualquier enfrentamiento por encima de unos pocos minutos se hace largo y reiterativo.
Las dos hermanitas lo hacen bastante bien y dan alegría a la trama.
La intoxicación al final de la peli para dar más tono dramático es absolutamente innecesaria, un truco de guión baldío.
De mis amigos de Cine Club solo la generosa Ana la defendía.
El mítico cómic de Alan Moore y Dave Gibbons se atrevió a llevarlo a la pantalla el polémico Zack Snyder.
El jueves pasado Jose y Susana, los excelentes coordinadores de Taller de Cine de Azuqueca de Henares, nos pusieron los créditos iniciales de esta película.
Ya los había visto y me volvieron a fascinar.
Decidí revisitar la película para volver a comprobar que mantenía mi interés.
Me quedé perplejo ante las sabias reflexiones de mis compañeros de curso. No pude más que callar e intentar comprender.
Lo mejor era aplicar ese viejo dicho: “más vale estar callado y parecer tonto que hablar y confirmar que lo eres“.
Watchmen me volvió a producir una intensa experiencia.
Ese pasado alternativo (mundo distópico que podía haber sido y no fue) me atrae sobremanera.
Me encanta que Nixon siga siendo presidente al ganar la Guerra de Vietnam con la inestimable ayuda de Doctor Manhattan.
Con la escusa de la investigación del asesinato de El Comediante vamos conociendo a estos super-héroes y sus historias.
Hay un fondo oscuro y deshonesto, con mucha turbiedad moral en la trama general de la historia, pero el final es un poco manido y desentona con lo anterior.
En general me arrebató.
Los personajes:
Jackie Earle Haley (1961, EE. UU.) como Walter Kovacs / Rorschach:
Un antihéroe que continúa con sus actividades aún cuando se encuentran prohibidas por la ley.
Con el transcurso del tiempo, pasa de ser un héroe «blando» a un asesino justiciero que ve el mundo como blanco o negro.
Cruel, calculador, descarnado.
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Patrick Wilson (1973, EE. UU.) como Daniel Dreiberg/Búho Nocturno II:
Un superhéroe retirado y experto en tecnología.
Un poco blandito para mi gusto, mucho más si lo comparamos con Rorschach o El Comediante.
El idilio que mantiene con Espectro de Seda II es un pastelón, con música de Leonard Cohen incluida.
No puede caer mal un tipo tan bueno.
Me gusta que le resulte tan estimulante volver a ponerse el disfraz.
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Billy Crudup (1968, EE. UU.) como Dr. Jon Osterman / Doctor Manhattan:
Un superhéroe y genio que trabaja para el gobierno de los Estados Unidos.
Su historia es muy humana y muy divina.
Sus poderes le convierten en una especie de dios y esta nueva naturaleza le hace ver a la humanidad desde un punto de vista nihilista.
Su distancia de lo humano le permite contemplar desde un prisma exterior la naturaleza del hombre.
El amor le redime y el descubrir el milagro que puede aparecer entre la raza humana.
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Jeffrey Dean Morgan (1966, EE. UU.) como Edward Blake / El Comediante:
Un vigilante respaldado por el gobierno de los Estados Unidos.
Un mal bicho, sin escrúpulos, sin barreras morales, un auténtico psicópata.
Tiene frases en la peli absolutamente destructivas, como cuando habla del “sueño americano cumplido“.
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Malin Akerman (1978, Suecia) como Laurie Juspeczyk / Espectro de Seda II:
Es el eje de la historia.
Varios de los personajes giran a su alrededor.
Impresionante en traje de faena.
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Matthew Goode (1978, Reino Unido) como Adrian Veidt / Ozymandias:
Un superhéroe que, tras haberse retirado, hizo pública su identidad.
El malvado que tira la piedra y esconde la mano.
Aunque las piedras que tira son de una destrucción bestial.
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Carla Gugino (1971, EE. UU.) como Sally Jupiter / Espectro de Seda:
Una superheroína ya anciana y retirada, madre de Laurie Juspeczyk.
El personaje de Gugino aparece con 25 años en los 40 y hasta los 67 años en los 80.
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Matt Frewer (1958, EE. UU.) como Edgar Jacobi / Moloch el Místico:
Un anciano a quien de joven se conocía como uno de los criminales más importantes y un ilusionista, actualmente rehabilitado.
Niall Matter (1980, Canadá) como Polilla:
Pese a que no forma parte de la trama principal de la historia, aparece en flashbacks cuando, durante sus últimos años, su cordura se vio comprometida.
El chileno Pablo Larraín compone un retrato de Jacqueline Kennedy, los días posteriores al asesinato de su esposo.
La historia está centrada en ella y en su manera de actuar en esos días de duelo.
Es retratada como una mujer que no solo quería dejar huella en la historia sino crear la historia.
Su pretensión era parecerse a las monarquías europeas que se perpetúan a través de las épocas.
Los tres años que ocupó la Casa Blanca la intentó convertir en un reflejo de la grandeza de un país para que fuera algo más que la residencia presidencial.
El meollo de sus actividades era la apariencia, desde el punto de vista que lo externo termina llenando de contenido una institución.
Los Kennedy tenían carisma, algo que es difícil de explicar, pero sencillo de detectar.
En esos días después que su marido muriera en su regazo camino al hospital, ella tomó la decisión que su funeral fuera todo lo ostentoso y espectacular posible.
Quería pasar a la historia.
Que la televisión permitiera que el mundo viera el dolor de una viuda y de una nación que perdía a uno de los presidentes que pasaría a la posteridad.
Y lo consiguió.
Si a cualquiera le preguntamos que diga algún presidente americano seguro que menciona John Fitzgerald Kennedy.
Cuando murió yo tenía cinco años y lo recuerdo.
No he podido olvidar a esos niños con sus abriguitos azules.
En el recreo fue tema de conversación. Con solo cinco años hablamos de ello.
Su muerte conmocionó al mundo.
Jacqueline contribuyó a ello.
Larraín no compone un retrato amable del personaje.
La presenta insegura, confundida pero firme en su decisión de hacer historia.
Una viuda de 34 años a la que Larraín presenta vagando por la Casa Blanca mientras los operarios van embalando sus enseres para que Lyndon B. Johnson la ocupe.
El relato en primera persona está bien construido. A veces parece un sueño o una pesadilla. Fiel a esos momentos de duelo por los que pasó y de los que sacó la entereza suficiente para salirse con la suya, en contra de la intención del nuevo presidente.
Una pena haberla visto doblada.
Con la voz de Natalie Portman seguro que la peli mejora aún más.
Después de Batman: La LEGO película completamos esta sesión doble de animación con esta producción francesa.
Ante el barroquismo formal de Batman: La LEGO película, se nos presenta una peli de formato visual más simple y estilizado.
La animación siempre tiene por norma la orfandad de sus protagonistas.
Aquí se cumple esa regla que ha dejado traumatizados a varias generaciones de niños.
La belleza visual de Ballerina está acorde con su mensaje y su trama.
Su perfecta animación y su elegante y virtuosa dirección permite trasmitir muy bien ese mensaje de afán de superación y de lucha por conseguir los sueños personales.
Ballerina quiere ser bailarina. No tiene técnica, pero tiene corazón…
Mi historia personal no es ni parecida, claro está.
Pero yo desde muy pequeño siempre deseé ser médico, nunca quise ser otra cosa.
Era torpe, no sacaba buenas notas, pero conseguí, con mucha suerte, empezar la carrera y mi vida cambió. En primero saqué unas calificaciones estupendas, estaba feliz con ese inicio.
Por eso comprendo a Ballerina.
Por eso he llorado viendo la peli y su historia me ha llegado al corazón.
Vivimos una época en que muchos niños y jóvenes no tienen pretensiones, yo les invito a que sueñen.
Y a los que ya los tienen que sigan luchando, a pesar de las dificultades.
Es curioso que una peli de dibujos animados me haya llevado a estas reflexiones de borracho de barra de bar a las cuatro de la mañana.
Ya disculparéis.
Recomiendo encarecidamente esta peli a todo tipo de público.
Una peli maravillosa.
De vez en cuando hay que imaginar que se puede volar.
Acudo con mis jóvenes amigos Claudia y Diego a una sesión doble de animación.
Antes me encuentro con Adolfo. Recordamos como compartimos sala para ver Tarde para la ira y como nos gustó. Más tarde se ha convertido en la gran peli del 2016.
Estar con gente joven me da mucha vitalidad. Yo que ya he llegado a la etapa final de mi vida, necesito esa ósmosis de energía que trasmite la juventud.
Aunque es lamentable que personas talentosas e incluso brillantes no se puedan desarrollar profesionalmente.
Vamos con la peli.
Batman: La LEGO película es un producto muy divertido.
Su diseño visual es apabullante, tanto que te llega a saturar.
Si pretendes pillar todos los detalles y las referencias que contiene te vas a volver majara.
Hay que dejarse llevar y disfrutarla.
El intento de asimilar todos los fotogramas es baldío y extenuante.
Desde luego los adultos y más si son seguidores de DC la disfrutan más que los niños.
Batman es presentado como un personaje atormentado y tormentoso con un ego impresionante.
Muy gratificantes las referencias a las anteriores versiones del personaje.
Comienza con un final para sorprender desde el principio.
Con moralina sobre el trabajo en equipo.
No defrauda a los padres ni a los hijos.
Es curioso que la mayoría de los espectadores fueran chicos.
Luego vimos Ballerina (que después comento) con un público de niñas.
Es como si la animación se hubiera especializado por sexos. Sorprendente y preocupante.
Mucho más expresivo este Batman de LEGO que el interpretado por el inefable Ben Affleck.
Lo que me ha parecido más interesante de esta peli es la diferencia entre la amistad en los niños y en los mayores.
La amistad infantil, casi adolescente, es desinteresada, limpia, vacía de prejuicios.
En cambio en los adultos prima el interés y todo está salpicado de mentiras, de medias verdades que enturbian esa relación.
Greg Kinnear interpreta a un actor de medio pelo que malvive en circuitos teatrales independientes, pero posee un ego impresionante, (¿cómo todos los actores?).
Si no recibe el elogio, al menos de su hijo, se pone hecho un energúmeno.
Por cierto, este actor tiene una voz impresionante.
Como bien apuntaba mi amigo Daniel, es un mantenido y se las da de divo.
La biografía en tres capítulos de un niño y luego adolescente que sufre acoso escolar, con una madre toxicómana, cuyo único referente es un traficante y su compañera (la maravillosa Janelle Monáe) que le dan consuelo y cobijo ocasionalmente.
Cuando se hace mayor ha seguido los pasos de su protector y le va bien siendo “alguien” en las calles, pero el reencuentro con un amigo de la infancia le hace…
Esta historia intimista nos cuenta algo más que la vida de este chico.
Es el reflejo de la sociedad afroamericana (negra), donde los referentes de triunfo y de éxito son narcotraficantes del tres al cuarto que son respetados en sus barrios, pero no dejan de ser delincuentes.
Criarse en un barrio marginal es duro y salir de la pobreza y de la miseria moral difícil.
¡Qué se lo digan a Longshoreman, que además es homosexual y debilucho!.
Esta vez las risas frecuentes de Mercedes y Daniel me han permitido hacerlo más aún.
Su estética me fascina. La encuentro de una belleza que me arrebata.
Ese barroquismo expresionista formal, llevado al límite, me deja sobrecogido.
Las historias son cine negro puro y duro.
Con héroes de pasado oscuro, personajes de conducta reprochable, moralmente ambiguos que por amor cometen crímenes horrendos.
Con mujeres fatales, que arrastran a los protagonistas a la perdición.
Porque todas las historias lo son de amor.
Contrasta la fealdad de los hombres, mucho más los malos, con la belleza de las chicas.
Esa es una de las cuestiones que más me gustan. Salen unas mujeres impresionantes.
Además el exceso en la violencia, que sobrepasa el gore, le da un tono caricaturesto, de cartoon cómico-festivo que celebro.
Ya se que todos esperáis que diga que la voz en off es excesiva.
Pues efectivamente, aunque en algún momento puede ir bien, sobra casi toda.
Es lo peor de esta peli.
Si se prescindiera de este recurso narrativo que tanto detesto se ganaría mucho.
Me lo he pasado fenomenal.
La estructura narrativa:
Son tres historias con un prólogo y un epílogo.
Prólogo: El cliente siempre tiene la razón 1/2
Primera historia: Ese bastardo amarillo 1/2
Segunda historia: El duro adiós
Tercera historia: La gran masacre
Cuarta historia: Ese bastardo amarillo 2/2
Epílogo: El cliente siempre tiene la razón 2/2
Los personajes:
El cliente siempre tiene la razón:
Josh Hartnett como El coronel/El vendedor/El hombre.
Marley Shelton como La cliente.
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El duro adiós:
Jaime King como Goldie y Wendy.
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Jessica Alba como Nancy Callahan.
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Mickey Rourke como Marv.
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Elijah Wood como Kevin.
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Carla Gugino como Lucille.
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Rutger Hauer como Cardenal Patrick Henry Roark.
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Jason Douglas como Francotirador.
Frank Miller como Cura.
Brittany Murphy como Shellie.
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La gran masacre:
Rosario Dawson como Gail.
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Benicio del Toro como Detective Jack “Jackie Boy” Rafferty.
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Brittany Murphy como Shellie.
Clive Owen como Dwight McCarthy.
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Michael Clarke Duncan como Manute.
Devon Aoki como Miho.
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Alexis Bledel como Becky.
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Patricia Vonne como Dallas.
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Nicky Katt como Stuka.
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Ese bastardo amarillo:
Jessica Alba como Nancy Callahan.
Bruce Willis como John Hartigan.
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Nick Stahl como Roark Junior.
Powers Boothe como Senador Roark.
Michael Madsen como Bob.
Britanny Murphy como Shellie.
Jude Ciccolella como Comisario Liebowitz.
Rick Gomez como Douglas Klump.
Nick Offerman como Burt Shlubb.
Epílogo:
Josh Hartnett como El coronel/El vendedor/El hombre.
Alexis Bledel como Becky.
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Los directores Robert Rodriguez, Quentin Tarantino y Frank Miller:
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Anécdotas y curiosidades:
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Sin conocerse:
Debido a la forma en que la película se rodó, Mickey Rourke (Marv) y Elijah Wood (Kevin) nunca se conocieron hasta después que la película se estrenó.
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Las espaditas:
Las espadas utilizadas por Miho (Devon Aoki) en esta película son las mismos utilizados por algunos de los 88 en Kill Bill: Volumen 1 (2003).
El director de esa película, Quentin Tarantino, las había estado guardando en la parte posterior de su garaje.
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El guión:
Robert Rodríguez ha dicho que él no considera que esta película sea una adaptación sino una traducción del cómic al cine.
Es por esto que no hay autores del guión en los créditos.
La única mención de la escritura es Frank Miller como el creador de las novelas gráficas.
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Brittany Murphy:
A pesar de aparecer en tres de las principales historias, Brittany Murphy filmó todas sus escenas en un día.
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Jessica Alba desnuda:
Jessica Alba no sabía cómo de insinuantes eran las imágenes de su personaje Nancy.
Solo lo supo una vez había firmado el contrato.
El guión originalmente tenía varias escenas de desnudos para el personaje, pero Alba se negó a hacer cualquier desnudez.
Robert Rodríguez y Frank Miller pensaron que no eran importantes para el desarrollo de la trama, por lo que no lo discutieron.
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Varias historias:
Mientras que las tres historias en la película están basados en “El duro adiós“, “The Big Fat Kill” y “That Yellow Bastard“, así como el corto “El cliente siempre tiene razón“, hay una escena muy breve tomada de la historia “Dame to Kill“, en el que Dwight (Clive Owen) piensa en voz alta en el bar de Kadie cómo Marv “habría estado bien si hubiera nacido hace un par de miles de años.”
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Estudios de Robert:
La mayoría de los efectos especiales de la peli fueron elaborados en los estudios de Robert Rodríguez, cuya sede está a pocos metros de la casa del director.
Robert se niegaba a ir más lejos.
Prefiería estar a apartado de la sede de los grandes estudios.
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El maquillaje de Benicio:
Originalmente Robert Rodríguez no tenía previsto para Benicio del Toro el uso de maquillaje, pero Del Toro insistió en ello.
Tarantino más tarde lo elogió:
– Es tan bueno que la gente realmente no reconocerá a Benicio.
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Conciertazo:
Durante la filmación Rodríguez organizó un concierto de rock en una discoteca local.
La banda que lo habría era la de Robert.
También intervino la de Bruce Willis, llamada “Los aceleradores”.
Todos los intervinientes de Sin City acudieron.
Así como el reparto y equipo de “Una mirada a la oscuridad” (2006), que estaban filmando cerca al mismo tiempo.
Todas las ganancias de la feria fueron donados a obras de caridad.
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Jessica en clubes:
Jessica Alba fue a observar a varios clubes como parte de su investigación para su personaje.
Sin embargo, dijo que no ayudó porque todos los pro-strippers no paraban de darle consejos poco adecuados.
Depp:
Robert Rodríguez originalmente pensó en Johnny Depp para el papel de Jackie Boy. Debido a compromisos previos, Depp no lo pudo interpretar.
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Escenarios:
Aunque la mayoría de la película se rodó en pantalla verde, había cuatro escenarios prácticos creados:
– Barra de Kadie.
– Apartamento de Shellie
– Prisión de Hartigan.
– Celda del hospital en el epílogo.
La barbilla de Elijah:
La forma de la barbilla de Elijah Wood fue cambiada sutilmente en la post-producción para darle un aspecto más inquietante.
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Bofetones:
Contando sólo golpes en la cabeza o la cara, Marv es golpeado 21 veces en el transcurso de la película.
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Diferencia de edad:
En un momento dado, Hartigan resiste las insinuaciones de Nancy diciendo:
– “Soy lo suficientemente mayor como para ser su abuelo.”
Mientras Hartigan (edad 68) es (efectivamente) lo suficientemente mayor para ser el abuelo de Nancy (19 años), en la vida real Bruce Willis y Jessica Alba sólo se llevan 26 años de diferencia.
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Montar un puzzle:
Cada secuencia de esta película fue filmada por separado.
Se añadían nuevos miembros al reparto y se incorporaban en las historias a lo largo de la producción.
En muchos casos, el material fue recompuesto en fase de postproducción, para montarlo de tal manera que pareciera que todo había sido rodado el mismo día.
Un guión de cómic:
Los directores Robert Rodriguez y Frank Miller planearon cada toma de la película tomando como referencia las viñetas del libro original como guión gráfico.
Estilo Miller:
Robert Rodríguez atribuye a Frank Miller enteramente el estilo visual de la película.
Pantalla verde:
Es una de las primeras películas rodada íntegramente en un “plató digital” con pantalla verde.
Cada capítulo…
Con la excepción de “El cliente siempre tiene razón” en algún momento de cada capítulo de la película el narrador dice el nombre de la historia como parte del diálogo.
Beretta M93R:
Una de las armas utilizadas por Hartigan es una Beretta M93R, una pistola modificada y luego se usó en las películas de la saga RoboCop.
Frank Miller co-escribió los guiones de RoboCop 2 (1990) y RoboCop 3 (1993).
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LEV 311:
Tanto Nancy (Jessica Alba) y Wendy (Jaime King) conducen coches con las placas de matrícula “LEV 311“.
Frank Miller utiliza esto en sus historias para señalar a su “chica favorita”.
El número es un guiño a su esposa y colaboradora frecuente Lynn Varley, cuyo cumpleaños es el 11 de marzo.
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Tamaños:
En el cómic Sin City, Marv es un gigante de siete pies, mientras que el cardenal Roark es un enano.
En la película Sin City, Marv (Mickey Rourke) es dos pulgadas más corto que el cardenal Roark (Rutger Hauer).
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Wonder Woman:
Una de las prostitutas en la ciudad vieja está vestida como la Mujer Maravilla (Wonder Woman).
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Jessica para Nancy:
Jessica Simpson hizo una prueba para el papel de Nancy Callahan.
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Bruce Willis y Michael Clarke Duncan:
Esta es la cuarta película que cuentan con miembros del reparto Bruce Willis y Michael Clarke Duncan.
Protagonizaron previamente Armageddon (1998), El Desayuno de los campeones (1999) y Falsas apariencias (2000).
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Kate Bosworth:
Kate Bosworth fue la primera opción para el papel de Gail.
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Lucille y sus actrices:
Uma Thurman, Sarah Jessica Parker, Ashley Judd, Carrie-Anne Moss y Naomi Watts se consideraron para jugar antes de Lucille.
Finalmente fue Carla Gugino.
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Lancelot Owen:
En una escena Gail (Rosario Dawson) se refiere a Dwight (Clive Owen) como “Lancelot“, un caballero de la mesa redonda del Rey Arturo.
Owen interpretó el papel principal en El rey Arturo (2004).
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La secuela:
Rosario Dawson, Mickey Rourke, Bruce Willis, Jessica Alba, Jaime King, y Powers Boothe son los únicos actores del elenco que intervinieron en la secuela de 2014 Sin City: Una dama por La que matar (2014).
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Brittany Murphy y Elijah Wood:
A pesar de que sus personajes no se conocían, ésta es la primera película que está protagonizada por Brittany Murphy y Elijah Wood juntos.
La segunda película es Happy Feet: Rompiendo el hielo (2006), en la que reflejaban una pareja.
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Frank Miller repartiendo bendiciones:
Frank Miller, el co-director y creador de la serie de cómic original tiene un papel como un cura.
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Cerveza Chango:
Cuando John Hartigan (Bruce Willis) entra en el bar de Kadie, Shellie (Brittany Murphy) está llevando una botella de “cerveza Chango“.
Esta es la misma marca ficticia utilizada en otras películas de Robert Rodriguez, incluyendo Desperado (1995) y Abierto hasta el amanecer (1996).
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Las Termópilas:
La estrategia utilizada por Dwight para recuperar el casco antiguo atrayendo a los gángsteres en un estrecho callejón, se basa en la estrategia utilizada por el rey Leónidas de Esparta para atrapar al ejército persa en la batalla de las Termópilas.
La película 300 (2006) se basa en un libro escrito por Frank Miller acerca de esta batalla.
Además, el monólogo interior de Dwight, “No hay escape, no hay rendición, sin piedad“, es hablado por el narrador en “300“.
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La flagelación:
De acuerdo con los comentarios de Robert Rodríguez, la secuencia de flagelación entre Amarillo Bastardo y Nancy Callahan se rodó originalmente fiel al cómic.
Considerablemente más largo y más gráfica de lo que aparece en el corte final o la versión extendida.
Rodríguez indicó que el segmento de la tortura cruzaba los límites del mal gusto, incluso para La ciudad del pecado.
Con Mónica Gallo hemos reflexionado sobre los Goya 2017 y el repaso breve habitual del Cine Club Alcarreño y del Taller de Cine de Azuqueca de Henares:
Un acierto la proyección de esta pequeña peli por parte del Cine Club Alcarreño.
Es el ámbito ideal para su visualización.
En salas comerciales tendría poco recorrido.
En la pequeña pantalla de las casas, posiblemente, no sería elegida para pasar una tarde o una noche de diversión.
Esta Madrid, Above The Moon es un producto casero, cercano, barato, con vocación minoritaria, improvisado y costeado por amigos y conocidos de Miguel Santesmases.
Este muchacho que se dedica a hacer fotos de turistas y a ligar con ellas, basa sus relaciones en la mentira.
Su proyecto es vivir la vida como un turista. Una vida despreocupada, de relaciones cortas y espontáneas, con el único objetivo de observar y divertirse.
No es una mala vida.
Al final de la peli hay un guiño al espectador sobre la idea de sentirse un personaje de una ficción y ser consciente de lo efímero de su existencia, que resulta muy atractivo.
La peli tiene un aire fresco, despreocupado, jovial, con el escenario de la Plaza de España y los alrededores del Palacio Real de Madrid.
Una peli agradable de ver, que trasmite una cierta alegría.
Ozon nos ofrece una historia de dolor y de superación del duelo.
Con un mensaje claramente pacifista.
El enemigo en una guerra es un ente abstracto, peligroso y malvado.
Cuando se conoce en persona al adversario podemos descubrir que ha podido ser el amigo de nuestro hijo, que es un individuo sensible y tierno, que ha sufrido y ha quedado marcado por la violencia de la guerra.
A veces, la mentira puede producir consuelo.
La verdad, en cambio, puede ser demoledora y no conducir a nada positivo.
Ozon maneja la fotografía para que cuando el hijo fallecido revive o es recordado la imagen se torne de colores.
Cuando Adrien Rivoire comienza a tocar el violín y los padres y la novia recuerdan a su hijo y novio fallecido, la imagen se vuelve a color.
Ese momento es tan emotivo, tan bello, tan intenso, que mis miopes ojos se inundaron de lágrimas y mi rostro endurecido por la vida fue un torrente. Es lo que tiene ser tan sensible.
Cuando Anna viaja a Francia, en busca de una ilusión, encuentra un país empobrecido y herido por la guerra.
El retrato tanto de la Alemania rural y del París de postguerra que nos presenta Ozon es de tristeza, de penurias, certero e incisivo.
Es sorprendente como se olvida esta desolación y se vuelve a caer en el mismo error una y otra vez.
Mi admiración hacia François Ozon que ha construido una obra sensible y emotiva, realista y cruda, bella y descarnada.
