El Cine Club Alcarreño pone un broche de oro a esta temporada.
Macbeth es un versión de la obra de William Shakespeare.
Siempre resulta difícil adaptar el teatro al cine.
Por otra parte desechar texto de esta obra para hacerlo más digerible en la gran pantalla es una labor muy penosa.
El director australiano, Justin Kurzel, compone una peli terriblemente fascinante.
Su desarrollo visual, su estética, su plasticidad son apabullantes.
Su fuerza visual es desgarradora.
Esa batalla rodada en medio de la niebla, donde la fotografía se para o se vuelve rápida para hacernos comprender el caos, la sangre y la muerte de una guerra.
Se retrata la ambición por el poder.
Un poder que se adquiere por la traición y el asesinato, cuyo elemento de inducción es la mujer, siempre el origen del pecado y de la destrucción.
Pero Macbeth necesita mantenerse y entra en una espiral de muertes sin sentido.
Es el retrato de la locura del poder que hace débil y temeroso al que lo sustenta por la fuerza y el deshonor.
Tal vez la peli se ve lastrada por el excesivo diálogo. ¿Pero quién se resiste a los textos de Shakespeare?
Michael Fassbender está impresionante, con una interpretación tan potente, tan colosal que resulta agotadora.
Estamos ante una gran peli.
Tal vez, como decía mi amigo Daniel, precise de una larga digestión.
Mis retinas no podrán olvidar el rojo del paisaje de fuego donde perece el ambicioso Macbeth.
Se nos plantea la cuestión fundamental: cómo la Alemania derrotada afrontó su reciente pasado.
El Fiscal General Fritz Bauer estaba obsesionado por hacer justicia con los asesinos del Tercer Reich.
Pero el poder judicial estaba infiltrado de exnazis que intentaban que su labor no fructificara.
Igual pasaba con otros poderes del estado, como la policía o los servicios de información.
El retrato del personaje es magnífico. Ese hombre despeinado, fumador compulsivo, al que le molesta el aire fresco, homosexual reprimido, huraño, malhumorado y obsesionado con la idea de justicia.
Por otro lado el director nos presenta la sociedad represiva e intolerante de los años cincuenta en la República Federal, con ese joven fiscal arrastrado irremediablemente hacia una trampa por sus apetitos sexuales insatisfechos.
La trama discurre cadenciosamente con la parsimonia de las grandes películas, evitando el efectismo y rindiéndose a la realidad y al retrato fidedigno de una época.
He disfrutado y he sufrido mucho en esta sexta temporada.
En la mayoría de los episodios la tensión ha llegado al máximo.
Ya he cogido cariño a la mayoría de los personajes y no quiero que fallezca ninguno.
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Los caminantes me siguen dando un miedo terrible.
Por las noches me veo obligado a levantarme a orinar.
Mi próstata tiene el tamaño de un balón de baloncesto.
No puedo evitar pensar que en los escasos cinco metros que separan mi cama del baño voy a ser atacado por un muerto viviente.
Meto debajo de la cama un bate de béisbol y lo cojo cuando la necesidad miccional me obliga.
Pero en la serie lo que más problemas causa a esta familia de supervivientes, no son los mordedores, son los humanos.
El Apocalipsis Zombi ha hecho de la Tierra un territorio sin orden, sin reglas, donde todo vale para sobrevivir.
Nuestros amigos han aprendido que es mejor matar que morir y ante la duda…
Esto quedaba claro hasta que aparece el reconvertido Morgan Jones, interpretado por Lennie James, siembra en Rick, pero sobre todo, en Carol la semilla de la duda.
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Su tesis es que todos los hombres, por malvados que sean, son recuperables, se pueden redimir.
A Carol en los momentos más difíciles le entran los remordimientos por matar para sobrevivir y eso les hace más débiles.
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Sigo siendo fan absoluto de Daryl y de Glenn. Cuanto he sufrido por ellos dos, sobre todo por el segundo. La serie (no quiero hacer spoilers) nos plantea una cuestión que ha sido muy dura.
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En Alejandría donde disponen de un ambiente más confortable, con ducha, cama, agua caliente, electricidad… surgen amoríos con cierta facilidad.
El muchachote que se lía con Michonne es un hombre con suerte.
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Mi chica favorita es Rosita Espinosa, igualica que Lara Croft (versión videojuego, no Angelina).
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Por último mencionar a la luchadora Maggie Greene que en esta temporada lo pasa especialmente mal.
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A pesar del cariño que tengo a la mayoría de los personajes no creo que vea ninguna temporada más.
Lo he pasado tan mal, especialmente los dos últimos capítulos que no quiero volver a padecer este calvario.
Mi consejo: no veáis los dos últimos episodios. Esperad a la séptima temporada y los veis justo antes.
Ya en las últimas temporadas de la serie Homeland veíamos la guerra con drones.
Esta peli inaugura el nuevo cine bélico.
Las guerras del siglo XXI se van a librar con estos artefactos voladores que manejados a distancia pueden soltar unos pepinazos con toda exactitud en cualquier blanco.
En la guerra se han cometido muchas fechorías. La justicia, la ley y el derecho se dejan a un lado y el fin justifica los medios.
Los americanos siempre han sido firmes defensores de esa doctrina. Lanzaron la bomba atómica para evitar la muerte de muchos norteamericanos.
Cuando se bombardean ciudades mueren cientos de personas, pero los que lanzan las bombas y los que lo ordenan no ven a sus víctimas. Su objetivo está oculto por la distancia.
Pero ahora cuando se lanza un misil desde un dron la tecnología nos permite ver el objetivo y los daños colaterales. Las víctimas tienen cara ya no son invisibles.
De eso habla esta peli que enlaza, como un rosario, los problemas éticos y morales que entraña esta nueva manera de hacer la guerra.
La peli mantiene la tensión y la emoción.
Nos muestra las tecnologías que se emplean y la importancia del factor humano a la hora de manejar estos aparatillos y de tomar las decisiones.
El desarrollo resulta brillante contando con interpretaciones excelentes.
Destacar a Helen Mirren (siempre eficaz), Alan Rickman (muy contenido), Aaron Paul (un gran cambio de registro después de su fama por Breaking Bad) y Barkhad Abdi (al que ya vimos en Capitán Phillips).
El biopic es un género complicado, casi todos resultan demasiado episódicos.
El debutante Matt Brown se empeña en llenar su relato de momentos intensos. Ya sabéis los actores ponen cara de emoción, la música de cuerda (tararí tararí), primeros planos… Estilo pastelón para conseguir mover emociones en el espectador.
Eso funciona cuando no se le ve el plumero, pero aquí canta demasiado.
La peli está repleta de tópicos. Alguno me encanta como la suegra que esconde las cartas de la nuera, ¡qué bonito!
La tuberculosis es tratada como era de esperar. Sucede y presenta los síntomas siempre vistos en el cine.
Dev Patel demuestra sobradamente que es un pésimo actor, despertando sentimientos opuestos a los que pretende. Su presencia resulta francamente irritante.
Jeremy Irons hace lo que puede en medio de este desaguisado, demuestra su valía de buen actor.
Tampoco favorece nada el interés del espectador que el tema de fondo, las matemáticas, parezcan, no una ciencia, sino una religión.
Últimamente espero cada vez menos del cine de superhéroes.
Pero esta peli me sorprende.
La trama es clara, bien relatada. ¡Hasta yo la entendí!
Todos los personajes están bien construidos y su desarrollo resulta coherente.
El malvado Apocalipsis con esa capacidad de acumular mutaciones que le hacen creerse un dios, con sus cuatro seguidores a los que llama hijos y les lava el cerebro.
Entre estos cuatro jinetes del Apocalipsis hay dos chicas. Entre los miembros de las sectas siempre hay mujeres para complacer al líder.
El rollo inicial en el Antiguo Egipto me recordó a La momia.
Destacar a los tres protagonistas, James McAvoy (Profesor Xavier), Michael Fassbender (Magneto) y Jennifer Lawrence (estupenda Raven/Mística) que lo hacen fenomenal.
Inquietantes e interesantes las referencias al pasado en Auschwitz de Magneto que yo recordaba en alguna de las anteriores.
La peli discurre muy entretenida, sin que haya ningún momento aburrido, con escenas brillantes.
Destacar la salvación de los mutantes de La Escuela para Jóvenes Talentos por parte de Mercurio (Pietro Maximoff, alias Quicksilver). Impresionante.
Tal vez le falte algo más de sentido del humor.
El premio a la más maciza se lo lleva Elizabeth “Betsy” Braddock, mejor conocida como Psylocke (Mariposa Mental en España). No puedo evitar poner fotos abajo.
La fugaz presencia de Lobezno o Logan para los amigos (un eficaz Hugh Jackman) es extraordinaria (orgía de sangre).
El Taller de Cine de Azuqueca de Henares nos ofrece una oportunidad única de ver en pantalla grande este clásico de aventuras. Un lujazo.
Es una de mis pelis de cabecera. La vi en su estreno y muchas más veces en la tele.
Huston nos introduce en paisajes exóticos a dos personajes perdedores, dos truhanes que son conscientes de su valía personal y de sus sueños imposibles.
Despreciados se defienden afirmando que “con sujetos como ellos se ha construido el Imperio Británico”.
Toda la peli está impregnada de un gran sentido del humor que ayuda a suavizar momentos duros, que gracias a la comicidad son digeribles.
Por otro lado hay una gran nostalgia de una época que tal vez los protagonistas ni siquiera llegaron a vivir.
Estos dos perdedores llegan a triunfar, de hecho Danny Dravot llega a ser Dios en Kafiristán.
Solo una mujer logra romper sus sueños.
El homenaje a Rudyard Kipling es manifiesto, interpretado por un joven Christopher Plummer.
La trama, aunque poco creíble, está bien hilvanada.
Formidables Sean Connery y Michael Caine que componen dos personajes bien diferentes, pero complementarios.
Envidiable la amistad que los une.
Una peli de aventuras que lo tiene todo: viajes, emoción, peleas, amor, camaradería, humor, batallas y épica.
Pero la épica es de los perdedores, de los que nunca consigue triunfar.
Curiosidades:
John Huston trató de realizar la versión cinematográfica de “El hombre que pudo reinar” muchas veces antes.
Se concibió originalmente como un vehículo para Clark Gable y Humphrey Bogart en los años cincuenta, y más tarde para Burt Lancaster y Kirk Douglas.
También se barajaron nombres como Robert Redford y Paul Newman.
Este último sugirió a Sean Connery y Michael Caine .
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John Huston también consideró a Richard Burton y Peter O’Toole como Dravot y Carnehan.
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Karroom Ben Bouih (Sumo Sacerdote Kafu Selim) era el vigilante nocturno de un olivar cerca de la localización de la película.
Fue contratado después que John Huston accidentalmente se encontrara con él.
Se quedó dormido un par de veces durante el rodaje, descubriéndose que todavía había mantenido su trabajo de vigilante nocturno.
Huston tuvo que explicarle que no necesitaba ese trabajo, la compañía cinematográfica le pagaría lo suficiente y así podría dormir por las noches.
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Karroom Ben Bouih llegó a vivir 103 años.
Hizo su primera y única aparición en el cine con esta peli.
Al ver a algunas de las imágenes, declaró que ahora iba a vivir para siempre.
Sean Connery ha declarado que es su película favorita.
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Christopher Plummer interpreta a Rudyard Kipling.
Sean Connery tuvo que insistir en la participación de este actor. Los productores no lo querían.
Connery tuvo que amenazar con dejar el rodaje si no se le contrataba.
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El director John Huston no había adjudicado el papel de Roxanne antes de empezar a rodar.
Durante la filmación, en una pequeña cena para algunos técnicos y actores, se le preguntó si él todavía no había pensado en alguna actriz para el personaje.
Cuando respondió que no, todas las cabezas se volvieron hacia Shakira Caine, esposa de la estrella Michael Caine.
Huston le dio el papel en el acto.
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Michael Caine y Sean Connery estaban preocupados por la falta de dirección y retroalimentación con Huston.
Caine se acercó a Huston y preguntó si algo estaba mal y si estaba contento con sus actuaciones.
Huston respondió:
“Estás cobrando un montón de pasta por hacer esto, Michael, creo que deberías hacerlo por ti mismo”.
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La escena en la que Danny se reúne con Peachy recibe un disparo en la kasbah de Ait Benhaddou, justo al norte de la ciudad del sur marroquí de Ouarzazate.
Este sitio fue utilizado en Gladiador (2000) como la arena del norte de África donde Maximus combate en sus primeras peleas.
Ouarzazate es conocido como el “Hollywood de Marruecos“, ya que muchas producciones internacionales, como El reino de los cielos (2005) y Las Colinas Tienen Ojos (2006), fueron rodadas en la zona.
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La primera de las dos películas que los amigos en la vida real, Michael Caine y Sean Connery, protagonizaron juntos.
Su segunda colaboración fue “Un puente lejano” (1977).
El Cine Club Alcarreño patrocina esta proyección en el Teatro Moderno.
Se trata de un mediometraje (no llega a la hora) crítico con el periodo histórico de la Transición.
Me veo en la obligación de emitir una opinión de lo formal, cuestión sencilla, y del fondo, un asunto complicado.
Se compone de entrevistas de activistas y políticos.
Se entremezclan escasas imágenes de archivo y algunos datos sobre los restos del franquismo que persisten en nuestra geografía, sobrepuestos a los comentarios de los entrevistados, que solo despistan.
Algunas imágenes son de una calidad técnica penosa, como la entrevista a Julio Anguita, con ruido de fondo e imágenes desenfocadas, hasta yo lo hubiera grabado mejor.
Técnicamente me parece una chapuza.
El fondo es mucho más difícil de criticar porque implica enfrentar mi opinión a la del documentalista.
No es un tema del que se pueda ser aséptico.
La peli mantiene la tesis, según he interpretado, que esta etapa de la historia española fue un fraude. Las “superestructuras” sociales (justicia, policía, agentes económicos y gran parte de los políticos) no cambiaron.
Se hizo una especie de lavado de cara de la Dictadura que mantuvo su poder social y económico.
Esto lo explican especialmente bien Juan Carlos Monedero y Julio Anguita.
El documental incide mucho en el papel del Partido Comunista y especialmente de su líder Santiago Carrillo.
No me extiendo más.
En mi opinión adolece de testimonios de otros sectores de la vida política que hubiera estado bien que sirvieran de contrapunto a las opiniones vertidas.
También se olvida el terrorismo de ETA y de otras organizaciones terroristas como Exército Guerrilheiro do Povo Galego Ceive o Terra Lliure que convulsionaron la vida española del momento.
No se hace hincapié en la continua amenaza de golpe de estado por parte de un sector del ejército que se mantenía fiel al Caudillo con el que había luchado en la Guerra Civil.
En mi opinión se hizo lo que se pudo. Las fuerzas democráticas apostaron por la reconciliación nacional y por la transición lo más pacífica posible.
Nada iba a favor del cambio.
El ambiente en los cuarteles, el terrorismo en las calles, la movilización sindical, la represión policial, la crisis económica, las fuerzas violentas de ultraderecha y muchos nostálgicos del Régimen que veían que una manera de entender España se quebraba.
Pero lo que impedía totalmente la ruptura y solo permitía la transición era la inmensa clase media conservadora que el Régimen había favorecido.
Una de las maniobras más importantes del Franquismo fue facilitar la compra de viviendas de manera masiva por los ciudadanos españoles y un sistema de protección social bastante aceptable.
Estas medidas favorecieron la formación de una gran clase media de pequeños propietarios de viviendas. Tal vez, por sus ingresos y forma de vida solo eran clase baja, pero su nivel de vida era mejor que en la inmediata posguerra y se creían prósperos pertenecientes a esa gran clase social.
Cualquier actitud revolucionaria o rupturista estaba llamada al fracaso absoluto.
Eso lo supieron ver los partidos de izquierda y tanto PSOE como el histórico y combativo PCE asumieron todos los supuestos del estado burgués que se ofrecía (bandera, monarquía, sistema electoral, mantenimiento de las estructuras del antiguo régimen).
En el Referéndum para la Reforma Política se vio bien claro que la mayoría de la ciudadanía quería una transición y no una ruptura.
En las siguientes elecciones del 77 la mayoría votó a partidos de derechas (UCD, AP, partidos conservadores nacionalistas).
Por lo tanto quedó claro que la ruptura no contaba con el apoyo de la mayoría de los españoles.
Como decía antes, en esa situación tan difícil casi todos los grupos políticos transigieron para conseguir llegar a crear un estado democrático, al menos en lo formal.
El que más cedió fue el Partido Comunista de España que quería dejar atrás su estigma de diablo rojo que había penetrado en gran parte de la población después de lustros de propaganda política franquista anticomunista.
Yo viví la transición política mientras estudiaba Medicina.
En primero se murió Franco y en sexto Tejero asaltó el Congreso.
Era partidario de la ruptura democrática con el Régimen, de la República, pero los que opinábamos así éramos minoría.
Se hizo lo que se pudo.
Pero ni fue un fracaso, ni el mayor de los éxitos.
Lo que está claro que los partidarios de la Revolución de los cambios radicales nos vimos defraudados.
Una época tan convulsa tampoco se puede vender como un gran éxito. Muchos modos propios de la dictadura tardaron años en desaparecer o, incluso, persisten aún hoy en día.
Dos días después de la proyección de este mediometraje recibimos los socios del Cine Club Alcarreño este correo electrónico:
“Buenas tardes, Queríamos pedir disculpas por la proyección del documental “La Transacción Española” del pasado miércoles.
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Desde el Cineclub Alcarreño creemos que es interesante dar cabida a diferentes puntos de vista que haya sobre cualquier tema, cuestionar lo preestablecido, plantear temas desde diferentes ángulos para que cada uno saque sus propias conclusiones y, sobretodo, siempre primando el interés Cinematográfico y Cultural por encima de todo.
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Cuando pensamos en la proyección de este documental, por su temática, nos pareció que encajaba con la filosofía comentada anteriormente y, bien por exceso de confianza, bien por falta de tiempo, no chequeamos la película antes de su proyección que, finalmente, destacó más por su aire a mitin político que por su interés cultural.
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En fin, agradecemos mucho a la gente que se acercó a verlo, confiando en la línea de programación o el nivel de calidad que se le presupone al Cineclub Alcarreño desde hace ya casi cuarenta años y que, por esta vez, no fue así.
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Os pedimos disculpas, es un error que intentaremos evitar en el futuro.
A esta familia la expulsan de una comunidad puritana calvinista por pasarse de puritanos y de calvinistas, en el Massachusetts de finales del siglo XVIII.
No viven felices porque su existencia está impregnada por la amenaza del pecado.
Un Dios exigente y vengador les impide alcanzar la paz.
Entre sus miembros, los padres y cuatro hijos, florece la mentira, el resquemor, la represión, la envidia…
Para colmo pasan hambre, necesidad y desaparece el más pequeño de la familia.
La mujer es vista como fuente de deseo y de pecado.
Todo esto desembocó en la quema de las brujas de Salem, años después.
Robert Eggers envuelve su relato en una atmósfera turbia, donde el sol no llega a los personajes por las hojas del bosque o por las nubes del valle.
El desarrollo está lleno de detalles de buen director, del que sabe expresar con imágenes sentimientos y situaciones, colocando la cámara con naturalidad y sin artificios baldíos.
Hay fotogramas de claro carácter pictórico, de una belleza extraordinaria que además inquietan y perturban.
En conjunto una peli muy estimable. Una joya del cine de terror.
Yo le quitaría el epílogo final.
Mi amiga María, gran aficionada al género, afirma que no le gustó porque, aunque aprecia elementos valiosos, no da miedo.
Esperó durante toda la proyección algún susto, de los que carece. Los comentarios que escuchó fueron negativos.
Esta segunda entrega de True Detective ha cosechado malas críticas.
Le pregunté a mi sobrijo Adrián. Me dijo que le había gustado.
Solemos discrepar.
Nada apuntaba hacia el éxito de la futura relación serie-espectador.
El asesinato de un personaje de una ciudad de segunda del estado de California es encargado a tres policías.
Está claro que la designación está pensada para el crimen no se resuelva.
La Detective Ani Bezzerides (Rachel McAdams) marcada por el abandono de su madre, su hermana artesana y actriz porno, su padre gurú de una secta.
Sus relaciones sentimentales (sexuales) no perduran y como venganza su “exnovio” la denuncia por acoso.
Rachel McAdams es una actriz bellísima que yo idolatro. Aquí sale mal aliñada, con su pelo despeinado y sus mechas californianas desteñidas. Aún así me parece super atractiva.
El Detective Ray Velcoro trabaja de extranjis para un mafioso venido a menos. Su relación con su hijo es difícil y con su ex imposible.
Su mujer fue violada y se mantiene la duda sobre la paternidad biológica de su hijo.
Es interpretado por un Colin Farrell en estado de gracia, alcohólico y toxicómano.
El tercero en discordia es Paul Woodrugh, un poli de carretera que oculta sus relaciones homosexuales. Interpretado por Taylor Kitsch.
En contra de lo que sus superiores podían suponer se empeñan en resolver el caso que les lleva por senderos tenebrosos de vanganzas y especulación inmobiliaria. ¡El ladrillo, cuántos disgustos ha dado!
La primera temporada era más tétrica, más tenebrosa, con un aire existencialista filosófico.
Aunque esta segunda no tiene ese carácter poético, está construida en unos personajes rotos por la vida que tienen su propia moral que respetan y cumplen.
Son personajes de cine negro, con esa ambigüedad moral tan inquietante y atractiva.
La trama de la peli está bien urdida.
Hay muy buenos momentos de acción, con orgías de tiros incluidas.
No consigo encontrar el motivo porqué hacer otro remake.
La falta de imaginación en el cine norteamericano es preocupante.
La cartelera está llena de remakes, refritos, versiones, spin offs, secuelas, precuelas y enfretamientos de superhéroes.
Pero esta Victor Frankenstein supera todos los despropósitos imaginables.
Daniel Radcliffe interpreta a Igor. Hay actores que son fagocitados por un personaje y llevan el sello grabado a fuego para el resto de sus días.
Ver a Radcliffe es como contemplar una especie de muerto viviente, fallecido cuando terminó la saga de Harry Potter.
Además su Igor es indefendible.
Por otro lado James McAvoy ejecuta a un joven Frankenstein, una especie de loco que da vida a un engendro compuesto con restos de animales en una escena de las más desagradables de la historia del cine.
El director Paul McGuigan intenta imitar el ambiente y el estilo visual de Guy Ritchie en Sherlock Holmes (2009), con un resultado muy deficitario.
El guión de la peli es un sin sentido, una sucesión de despropósitos sin límite. Como diría José Sazatornil: “yo no aguanto este sin dios”.
Al final consiguen dar vida al nuevo Prometeo que se parece más Terminator que a Boris Karloff.
Si Mary Shelley levantara la cabeza se retorcería de dolor y sufrimiento.
Paul McGuigan ha creado una peli monstruosa (en el peor sentido).
Cuando terminó la peli me sentí bien. Había acabado este calvario y aguantado hasta el final heroicamente.
Aunque el tratamiento no es dramático, el tema sí lo es.
Durante el metraje vamos descubriendo la azarosa vida de la señorita Shepherd.
Maggie Smith compone un personaje que se hace atractivo por lo contradictorio y por su magnífica interpretación.
Esta veterana consigue llenar de matices a su protagonista y hacerlo real, tangible.
La descripción por parte del escritor Alan Bennett del olor que desprende la señorita Shepherd es muy aclarativo, unido a sus sucias ropas, me dio bastante asquete.
La peli no me gustó. No me hizo gracia.
La trivialización del drama de esta enferma me molestó.
Tercera entrega, después de Misericordia y Profanación, de esta magnífica saga de Los casos del Departamento Q.
Carl Mørck, más hecho polvo que nunca, y el vitalista Assad se lían a investigar un mensaje de auxilio en una botella.
Hans Petter Moland sucede en la dirección a Mikkel Nørgaard y no logro encontrar diferencias. Mantiene el mismo tono.
La peli está repleta de imágenes impactantes, de esas que se fijan en la retina del cinéfilo y se convierten en referencias.
La trama es sucia, endiablada, y lo digo en todos los sentidos.
Pero lo más interesante es el enfrentamiento entre los dos protagonistas.
Estos dos detectives, marginados y machacados por la vida mantienen posturas vitales contrarias.
Carl Mørck es descreído, ateo, negativo, sin fe, ni futuro.
Assad es creyente, le mueve la esperanza y está convencido que nada ocurre por que sí. Piensa que esta misión no es por casualidad sino por la Providencia Divina.
Mørck encuentra su Redención, porque lo necesita, porque precisa agarrarse a algo para poder seguir adelante.
Tal vez no haya sido Dios, sino el Destino, pero eso le va a servir para seguir con su existencia.
Nikolaj Lie Kaas, interpretando a la perfección al detective más atormentado de la historia, pone una cara entre asco y sufrimiento realmente antológica.
Una peli imprescindible para los amantes del género “noir sucio”.
La pena que al ser danesa va a tener poco público.
No puedo evitar recordar la versión en dibujos animados de 1967, llena de alegría y vitalidad.
Este remake es técnicamente perfecto, rodado, como dice en los créditos al final, íntegramente en los Ángeles, como si eso fuera un mérito.
La selva y los animales recreados por ordenador son igual de reales que los que aparecen en un documental del National Geographic.
El director de Iron Man 2 le da un tono serio, incluso solemne e inserta las canciones del clásico del 67. Es un contraste chirriante que no entra ni con calzador.
La peli se desarrolla aburrida, solo al final adquiere algo de energía, de fuerza.
Pero lo peor es la escasa credibilidad que da ese pequeño actor a su personaje. Da la impresión que le decían: pon cara de susto, pon cara de miedo, pon cara de alegría y el niño respondía con una mueca.
Porque Neel Sethi no sabe dar vida a Mowgli, pero la culpa no es suya sino del director de casting. El pobre solo tiene 13 años.
La perfección técnica no va unida a la emoción.
Esta peli no resiste comparaciones.
Me dan ganas de ver la de dibujos y olvidarme de ésta.
Viendo los dos carteles se confirma todo lo que he dicho.
Una producción canadiense que usando las reglas del cine de Hollywood pretende rendir homenaje a Jesse Owens.
Se esfuerza en crear momentos épicos y emotivos con carreritas y conflictos entre entrenador y atleta. Lo consigue medianamente.
Por otro lado nos relata la discriminación que sufrieron judíos y negros en los Juegos olímpicos de Berlín.
Pero Owens también sufrió segregación en su país.
Se establece un cierto paralelismo entre los USA y la Alemania de la época.
Owens se sorprende cuando en la Villa Olímpica encuentra que no hay dormitorios para blancos y negros, sino que son comunes.
Cuando vuelve a Estados Unidos y va a ser homenajeado es obligado a entrar por la puerta de servicio.
Pero a mí lo que me gusta, lo que me atrae es ver estos Juegos desde el punto de vista de Joseph Goebbels.
El pobre se esfuerza en montar las mejores olimpiadas de la historia.
El estadio es la caña, enorme, estupendo. Los atletas bien entrenados.
Todo un homenaje al triunfo de la raza aria y al Tercer Reich y va llega un negro de Oakville, Alabama, Estados Unidos y le jode las Olimpiadas ganando las cuatro medallas más importantes de atletismo.
¡Qué putada! ¡Pobre Goebbels! ¡Qué decepción!
Pues sabes que te digo: ¡Qué se joda!.
En la peli aparece la directora Leni Riefenstahl que rodó el primer documental sobre los Juegos Olímpicos, Olympia, utilizando técnicas innovadoras. Es considerada una de las grandes cineastas de la historia.
Este aspecto de la peli es de lo más interesante. Se observa su afán de dar un carácter épico a este enfrentamiento deportivo.
Es interpretada por la atractiva Carice van Houten, de lo mejor de la peli.
Pero lo realmente sensacional de esta proyección es que me acompañó mi adorada Elena. Echó una cabezadilla, pero la peli le gustó.
Siento una especial emoción y alegría al ver esta peli en común con mis amigos del Taller de Cine de Azuqueca de Henares.
Además habían acudido un grupo de jóvenes cineastas que rodaron un plano.
Creo que no la había visto desde los años ochenta cuando se proyectó en televisión, pero la recordaba perfectamente.
Hay pelis que olvidas en unos días, a veces en minutos, y otras que recuerdas para siempre.
Cuando la vi por primera vez terminé confundido.
Ahora, cuando estoy viviendo la etapa final de mi vida y tengo más experiencia (aunque no más sabiduría), la he disfrutado plenamente.
Está claro que Buñuel utiliza el cine con una libertad absoluta y critica sin piedad a una clase social que se ve claro que desprecia.
La peli está impregnada de un fino humor, incluso en los momentos más dramáticos.
Y sobre todo hay muy mala leche, de esa que solo sabe exhalar un genio como el Maestro de Calanda.
Mi veneración absoluta hacia esta peli y su autor.
Curiosidades:
Luis Buñuel declaró públicamente que considera la película un fracaso y que si se hubiera realizado más tarde en París, se habría vuelto más extremo, insertando escenas de canibalismo.
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Fue prohibida en Rusia porque la idea de que la gente no pueda “dejar un partido” fue considerada ofensiva y en contra del gobierno.
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La escena en la que aparecen un oso y tres ovejas durante la cena se basa en un incidente real en una cena, a la que Luis Buñuel asistió en Nueva York.
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En su autobiografía Luis Buñuel afirma que fue invitado por la Warner Brothers para trabajar en una historia que con el tiempo se filmó por Robert Florey con el título de The Beast with Five Fingers (La bestia con cinco dedos) en 1946.
“El ángel exterminador” contiene muchos de los elementos de esta película anterior incluyendo la gran mansión, el recital de piano, y apuñalamiento de una mano sin cuerpo.
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De todas las películas de Luis Buñuel del periodo mexicano, ésta es la única de la que tuvo completo control creativo.
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El título de la película está inspirado en una idea de José Bergamín.
Al principio se iba a titular Los náufragos de la calle Providencia, pero Bergamín le comentó que quería titular una obra teatral El ángel exterminador, y Buñuel, entusiasmado, le pidió prestado el título, a lo que Bergamín respondió que no era suyo, sino de una obra muy antigua, el Apocalipsis de la Biblia
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El guión de la película fue originalmente titulado “The Castaways of Providence Street” (Los Náufragos de la Calle Providencia).
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El director de fotografía de la película, Gabriel Figueroa, se acercó frenéticamente a Buñuel, una vez que había visto el corte final de la película con la preocupación de que se daban varios casos de repetición.
Pensó que se trataba de un error de montaje.
Buñuel le aseguró que la repetición era una opción creativa y le recordó que editaba sus propias películas.
Figueroa se mantuvo escéptico pensando que la repetición era inútil y un error de edición, incluso después de su explicación.
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A pesar de que nunca se ven abiertos en la película, Luis Buñuel insistió que los armarios debían estar llenos de ropa durante el rodaje.
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Tras el éxito en Cannes de Viridiana, a Buñuel se le permitió volver a rodar una película con entera libertad, aunque no con todos los medios económicos que hubiera deseado.
Y todo ello porque El ángel exterminador es un retrato de la alta burguesía.
Buñuel se quejó en sus memorias de lo parco que hubo de ser en cuanto a diseño de producción en esta película en particular:
A veces he lamentado haber rodado en México El ángel exterminador.
Lo imaginaba más bien en París o en Londres, con actores europeos y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios.
En México, pese a mis esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México, padecí una cierta pobreza en la mediocre calidad de las servilletas, por ejemplo: no pude mostrar más que una. Y esa era de la maquilladora, que me la prestó.
Buñuel, Luis (1982). Mi último suspiro. Barcelona: Plaza y Janés. p. 288.
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Muchas de las escenas fueron improvisadas en gran medida, sobre todo la escena en la que se vendaron los ojos antes de que una oveja es sacrificada.
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Sobre el título de la película, Buñuel le dijo a su amigo Bergamín:
– “Si viera El ángel exterminador sobre una marquesina, me gustaría entrar al cine en el acto”.
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El título también era una referencia a una secta española, Los apostólicos de 1828 y a un grupo de mormones.
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En la escena de la iglesia, la primera que se rodó, Rita Macedo aparece como “Lucía de Nobile“.
No fue capaz de completar la película debido a su embarazo.
Fue sustituida por Lucy Gallardo.
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Se incluyen entre los “1001 películas que hay que ver antes de morir“, editado por Steven Schneider .
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Cuarenta y ocho años más tarde, dos de las estrellas, Silvia Pinal y Jacqueline Andere, están apareciendo en una telenovela mexicana, Soy tu dueña (2010).
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Esta película recibió el Premio Fipresci de la crítica internacional y premio de la Sociedad de Escritores del Cine en Cannes de 1962.
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Esta película ocupa el lugar decimosexto en la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de veinticinco críticos y especialistas de cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994.
Además es listada entre las mil mejores películas de todos los tiempos por el New York Times.
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En la película Midnight in Paris (2011) de Woody Allen, el personaje Gil Pender (Owen Wilson) viaja en el tiempo a la década de los 20 y conoce, entre otros, a Luis Buñuel (Adrien de Van).
En ese encuentro, Gil le propone a Buñuel la idea de El ángel exterminador y el propio Buñuel se muestra sorprendido ante la premisa sin terminar de entenderla.
