Leviatán es una bestia marina del Antiguo Testamento, a menudo asociada con Satanás, creada por Dios. Se describe en el Génesis.
El término Leviatán ha sido reutilizado en numerosas ocasiones como sinónimo, hoy en día, de gran monstruo o criatura.
En la Rusia actual, postcomunista y postcapitalista neoliberal, subyace un Laviatán de corrupción en una sociedad enferma, alcoholizada y despiadadamente cruel con los pobres donde se adora el Becerro de Oro del dinero como único dios.
(Estoy muy satisfecho de la frase anterior. Parezco un intelectual, sesudo analista de la realidad mundial).
Mi amigo Daniel al terminar la peli comentó:
– “No pasa nada, pero pasa lento”.
Hay mucho de verdad en ello. El argumento no está mal construido y puede ser interesante, pero hay momentos que rozan lo insoportable.
En contraposición hay escenas muy bien planteadas, precisamente cuando se usa la elipsis y el fuera de cámara la peli mejora.
Sugiero un montaje alternativo de 90 minutos.
Hubiera estado bien haber puesto al final de la peli:
Para la realización de este film se han fumado 350 cartones de tabaco y se han bebido 7.853 metros cúbicos de vozka.
Los 141 minutos de peli se me hicieron muy largos y reconozco que pegué alguna cabezada. Cuando despertaba consultaba con mis amigos y compañeros de Cine Club Alcarreño si había pasado algo de interés y me decían que podía seguir durmiendo.
Estaba en la Tienda de Javi comprando mis revistas de cine cuando veo esta peli editada en DVD para La Razón por solo un euro. Decido comprarla.
De John Sayles guardo muy buen recuerdo de Lone Star.
Silver City es un thriller político.
Cuenta la campaña electoral a Gobernador del Estado de Colorado del candidato del Partido Republicano.
Un investigador, antiguo periodista, comienza a tirar del hilo para desenmarañar el ovillo.
Hay empresarios y políticos corruptos, especulación inmobiliaria, inmigración, explotación de trabajadores… Cuando un periódico molesta lo compra el complejo empresarial al que criticaba y listo.
La peli está muy bien contada, con un nivel de interés creciente.
Los buenos son perdedores, los ganadores son los corrompidos.
Pero éstas son cosas que pasan en los USA, aquí en España es diferente.
En plena campaña de municipales y autonómicas no pude elegir una peli más adecuada.
Me voy a poner a meditar un ratillo.
Otro día os hablaré de Javi, toda una institución en Azuqueca.
Tengo la suerte de ver esta peli en Taller de Cine de Azuqueca de Henares y de compartirla con mis compañeros.
Es considerada el prototipo de las llamadasscrewball comedy, comedias alocadas con un humor absurdo, sofisticadas, también llamadas de teléfonos blancos.
Se trata, tal vez, de la comedia más loca jamás filmada.
Pero si arañamos un poco en la superficie veremos una interesante sátira social.
El código Hays se comenzó a aplicar en 1934. La censura siempre aviva el ingenio.
En el 38, cuando se estrenó esta peli aún persistía la Gran Depresión y el pueblo norteamericano estaba ávido de comedias.
La fiera de mi niña reúne dos condiciones. Por un lado el escapismo de la diversión y por otro la crítica de esa sociedad. La comedia siempre ha servido para esconder análisis duros.
A pesar de ello, no tuvo éxito, pero los años la han convertido en una peli de culto.
En esta película veremos una sátira de las clases altas, la caricaturización igualmente intencional de profesiones “elevadas” como la psquiatría o la policía, un rechazo al matrimonio, una sarcástica interpretación del cortejo humano y una clarísima visión del hombre como el sexo débil y la mujer como una arrolladora creación de la naturaleza.
Impresiona contemplar a Katharine Hepburn como una fuerza casi devastadora, interpretando sus diálogos a una velocidad de vértigo. Detestándola y adorándola al mismo tiempo por su ímpetu, su actitud manipuladora y su encanto personal.
Cary Grant, uno de los mejores actores de la historia del cine, es un muñeco ante la potencia de su compañera-contrincante.
Durante unos minutos después de la proyección comentamos la peli. Siempre aprendo mucho de mis compañeros.
Ignacio apuntaba, con humor, que en la peli había un matriarcado. Efectivamente las tres mujeres que aparecen son dominadoras.
La novia que le deja bien claras las cosas al pobre Cary Grant.
La enredadora Katharine Hepburn que lo manipula hasta salirse con la suya.
La tía, interpretada por May Robson, que es la que tiene la pasta.
Los hombres son comparsas en esta peli donde las dominadoras son las mujeres.
La profesora Ana planteaba un aspecto interesante. El David de La fiera de mi niña podría padecer Síndrome de Asperger.
Efectivamente el personaje de Cary Grant sufre cierta incapacidad de empatizar, con dificultad en las relaciones personales, con buen nivel intelectual.
Howard Hawks no podía conocer esta patología que fue descrita cuando yo terminaba la carrera en 1981 por la psicóloga Lorna Wing.
¡Qué nivel Maribel!
De Hawks, uno de los grandes directores de la historia del cine, no voy a comentar nada, pero es uno de mis preferidos.
Frases estelares
– Su pelota de golf, su coche… ¿pero hay algo en el mundo que no le pertenezca?
– Sí, y a Dios gracias, usted.
– El único modo que tiene para que yo siga alguna de sus sugerencias es que sostenga un objeto brillante ante mis ojos y me hipnotice.
– Me caso.
– ¿Y para qué?
– En los momentos de paz reconozco que me he sentido atraído por usted. Lo malo es que no ha habido un solo momento de paz desde que la conocí.
– Todo se arreglará, David.
– Cállese. Cada vez que dice “todo se arreglará”, algo malo ocurre.
Anécdotas y curiosidades.
La censura llegó a interpretar que el entierro de un hueso por parte del perro era una metáfora de la pérdida de masculinidad del personaje principal.
El título original, Bringing Up, Baby es un juego de palabras que alude tanto al leopardo conductor de la trama como a los protagonistas, concretamente al personaje de Cary Grant, aunque el título en español apunta al de Katherine Hepburn.
La traducción podría ser desde “educando al bebé”, a “persuadir, conducir, llevar, exponer, provocar“.
Asimismo, la canción que supuestamente “calma” y “atrae” a la fiera, I Can’t Give You Everything But Love, “no puedo darte nada más que amor”, también lleva implícito un significativo mensaje.
La película fue un auténtico descalabro comercial que ratificó el apodo de Katherine Hepburn de “veneno para la taquilla” y se saldó con el pago por parte de la actriz para rescindir su contrato con RKO y el mismísimo despido de Hawks por parte de la productora.
El propio Hawks, que aún no era consciente de su carácter adelantado y que sería el consagrado pionero de todo un género de comedia, llegó admitir su fracaso y dijo:
“El problema es que los personajes se comportan todos de forma demasiado alocada, sin que exista ningún personaje normal para compensar”.
Hepburn, que a su vez admitió sentirse decepcionada tras el visionado de la cinta, se retiraría a Broadway para interpretar Historias de Filadelfia, obra que posteriormente se llevaría al cine y la consagraría como actriz.
Sin embargo, con el paso del tiempo, la película fue ganando atención hasta convertirse en un clásico de la comedia, considerada una de las cien mejores películas (American Film Institute, 1997).
El director, Howard Hawks, que pasaría a la historia del cine por imprimir a sus cintas un ritmo frenético, decía que sus películas eran un veinte por ciento más rápidas que las del resto de directores.
“Tengo diez mandamientos para hacer una película. Los nueve primeros son: ¡no aburrir!”.
Gran parte del mérito del guión de ésta y otras películas del cineasta es atribuible a su genialidad como escritor, que nunca trascendía a los créditos por su deseo explícito de evitar polémicas de autoría. De hecho, fue el responsable de la mayor parte de las escenas y del presupuesto original, y decidió que gran parte del rodaje fuera una serie de improvisaciones interpretativas.
Los guionistas, Hagar Wilde y Dudley Nichols, se enamoraron mientras escribían el guión para la película y esa conexión haría que se sintieran lo bastante inspirados para escribir más de doscientas páginas, que habrían supuesto tres horas y veinte minutos de metraje. Obviamente, y por desgracia, hubo que recortar.
Era la segunda vez que Cary Grant y Katherine Hepburn trabajaban juntos, y la química y la complicidad entre ambos fue inmediata.
Ya habían coincidido enLa gran aventura de SilviaScarlett, de George Cukor, y volverían a aparecer juntos en otras divertidas comedias como Vivir para gozar e Historias de Filadelfia, del mismo director, dos años después.
A partir de ahí la pareja se convertiría en uno de los pilares de la comedia estadounidense.
Por aquel entonces, Grant ya tenía 34 años y temía no llegar a convertirse jamás en un estrella, a diferencia de otros actores altamente reconocidos a esa edad, y a Hepburn, por su parte, la perseguían la sombra del fiasco comercial de todas sus películas y el aura de diva de los dramones desde Mujercitas, algo que le horrorizaba.
En 1964, Hawks intentaría una suerte de remake de la película con Su juego favorito, cambiando el escenario y la profesión del personaje principal, Rock Hudson.
La respuesta de David a la tía Elizabeth preguntándole por qué él está usando la bata de la mujer :
“¡Porque me he hecho gay, de repente!“.
Es considerada la primera vez que se uso la palabra “gay” en su sentido más actual (a diferencia de su significado arcaico de “feliz, sin preocupaciones“).
Los censores no están familiarizados con el término, y asumieron que se le daba el valor anterior.
La escena de la rotura del vestido, en la que David camina detrás de Susan para evitar que esta haga públicas sus posaderas, está basada en una anécdota real que el propio Grant vivió en primera persona, en el Roxy Theater.
Al levantarse, el actor enganchó accidentalmente la cremallera de su pantalón en el vestido de la mujer que tenía delante y tuvo que caminar detrás de ella para evitar que la prenda se rompiera.
Hawks decidió incluir la anécdota en el guión después de que el actor se la contara.
Cary Grant, a diferencia de Katherine Hepburn, que estaba encantada con el leopardo, se negó a rodar cualquier escena que implicara un acercamiento excesivo al animal, que lo tenía completamente aterrorizado.
De hecho, algunas escenas tuvieron que rodarse con un leopardo de peluche.
A pesar de ello, el actor no utilizó dobles, ni siquiera en la espectacular acrobacia final de la película.
El personaje de David Huxley está basado en el famoso cómico y estrella del cine mudo Harold Lloyd.
Hawks le pidió a Grant que se inspirara en su personaje, extraordinariamente tímido, para interpretar al apocado paleontólogo.
El carácter bromista de Hepburn sacaba de quicio a Hawks, que era un hombre serio, con un conocido mal genio y un temperamento difícil.
La actriz se pasaba el día haciendo gestos y muecas supuestamente graciosas, y el director intentaba convencerla sin éxito de que la comedia era un género muy serio basado en la naturalidad.
Para ayudarla a entenderlo, contrató a un equipo completo de actores veteranos del vodevil.
No hay partitura musical para la película, con la excepción de los títulos de apertura y finales.
Se habló que Katharine Hepburn y John Ford habían tenido un romance durante el rodaje de la peli. Está comprobado que la Hepburn pasó unos días en el yate del director de pelis del Oeste, pero también es seguro que estaba su esposa.
En una pausa en el rodaje, Hawks le pidió a su ayudante que mandara a todo el equipo sentarse y observar en silencio a la inagotable y charlatana actriz, para ver si de ese modo dejaba de hablar y podían seguir filmando.
Cuando, pasado un tiempo, ella se dio cuenta y preguntó a qué estaban esperando, el director contestó:
“A que el loro se calle“.
Todos se echaron a reír y Kate, muy molesta, lo llevó aparte y le dijo, señalando a los técnicos:
“Howard, todas estas personas son amigas mías. Si dices cosas así sobre mí, podrías tener algún problema“.
Hawks se dirigió entonces a un electricista que estaba colocando un foco y le preguntó:
“Edie, si tuviese la oportunidad de dejar caer ese foco sobre la señorita Hepburn o sobre mí, ¿a quién de los dos escogería?”.
Y la respuesta del hombre fue:
“¡Apártese Sr. Hawks!“.
Os pongo estas declaraciones que Hepburn hizo en su biografía, a propósito de la película:
Este guión era bueno. Cary Grant estuvo maravilloso. Y yo también estuve bien. Y en cuanto al leopardo, excelente.
Cary siempre se había negado a trabajar con el leopardo. No le gustaba nada.
Una vez, para atormentarle, le tiramos un leopardo de peluche por el ventiladero superior de su camerino. ¡Salió de allí como un rayo!
En esta película estuvo graciosísimo. Reíamos de la mañana a la noche.
Hawks también era divertido. Por lo general llegaba tarde al trabajo. Cary y yo siempre llegábamos temprano. Todo el mundo aportó alguna contribución al guión.
Debo agregar que yo no tenía cerebro suficiente para que me asustara el leopardo, así que hice un montón de escenas con el bicho suelto por ahí.
Olga Celeste, la domadora, empuñaba un gran látigo. Estábamos detrás de una jaula: Olga, el leopardo y yo. Nadie más.
Teníamos la jaula para nosotras solas. La cámara y el sonido estaban disimulados en los agujeros de la cerca.
En mi primera escena yo aparecía vestida con una bata vaporosa y caminaba de acá para allá; hablaba frenéticamente por teléfono, con un cable muy largo. El leopardo me seguía, embistiendo mi muslo que habían impregnado de perfume. Yo le palmeaba la cabeza. La escena iba muy bien.
Después me puse un vestido largo hasta la rodilla, con pesos en el bajo de la falda, cubiertos con piezas de metal, para que se balanceara graciosamente. Pero… un gran pero: di una vuelta rápida y el leopardo me saltó a la espalda. Olga tuvo que darle un latigazo en la cabeza. Éste fue el final de mi libertad con el leopardo.
Más que interesarnos la peli queríamos conocer el nuevo cine de Azuqueca de Henares.
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Es una sala con 160 butacas con un nivel equiparable a cualquier sala comercial de multicines.
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Está emplazada en lo que, al parecer, se llama EJE, Espacio Juvenil Europeo.
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Después de ver la peli a la sala le doy una nota muy alta. Imagen perfecta, aunque estés en las primeras filas, sonido muy adecuado, sin estridencias. El público regular, incluida Elena, que no dejaba de hacer comentarios. Queridos: esto no es el salón de vuestra casa, hay que estar calladicos. Los comentarios para el final.
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Vamos con la peli.
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Mr. Turner es el retrato de la persona y del artista. Pintor británico que falleció a mediados de siglo XIX.
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Timothy Spall compone un personaje de manera perfecta, toda una clase magistral de interpretación.
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Nos presenta a la persona llena de imperfecciones, de contradicciones, de energía. Capaz de la más bella frase y del acto más animal. Que habla citando a los clásicos y haciendo referencias a la mitología o emite gruñidos en diferentes tonos, cual porcino.
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Nos da la imagen del pintor que no para de buscar inspiración en la vida y que tiene ese punto de genialidad que le hace ser un artista con mayúsculas.
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Afortunadamente su director, Mike Leigh, huye de ofrecernos una biografía pormenorizada de su vida y nos muestra con trazo grueso, como los del pintor, la vida y la manera de ser de este personaje único.
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Hay una perfección técnica en todo muy british, que le da un tono de calidad y cierta frialdad, que a mí no me ha molestado.
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La composición de la fotografía es excepcional, con unos encuadres perfectos, medidos, fascinantes. Hay mucho de pintura en el desarrollo de la peli.
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Una peli estupenda.
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Tanto a Elena como a mí las dos horas y media se nos pasaron volando.
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Espero que esta sala la podamos aprovechar todos los jueves para el Taller de Cine de Azuqueca. Sería la caña.
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Mejor imposible: buen continente en un buen contenido.
Es una pena. La idea de hacer una peli con canciones ochenteras que a todos los de mi edad, al menos, nos suenan, es estupenda.
Tienes las canciones, pones unas coreografías molonas y haces una historia más o menos verosímil y sencilla, colocas unos personajes potentes y actores que los ejecuten con dignidad y te sale un peliculón. La fórmula es bien sencilla.
Las canciones bien o, incluso, muy bien.
Las coreografías de baratillo, con montajes que intentan ocultar las deficiencias a la hora de bailar de los actores.
La trama de mercadillo de Benidorm, insultántemente pueril, estúpida, vergonzosa. Trata al espectador como a un retrasado (ya sé que esto no es políticamente correcto).
Los personajes caricaturas mal dibujadas y penosamente interpretados. Descatar las funestas actuaciones de Hannah Arterton y Giulio Berruti. Una recomendación de amigo: estudiad una carrera, una FP de peluquería, lo que sea, pero dejad esto del cine, el público no nos merecemos esto.
Salvo a Annabel Scholey. ¿Quieres ser mi novia?
A pesar de lo dicho me divertí con las canciones. Es lo que tiene la nostalgia.
El inicio de la peli es sensacional. Un plano secuencia imposible, rodado con todas las herramientas de la tecnología actual.
En ese plano que abre el film está la esencia de la peli. Es resto del metraje se podría obviar y simplemente poner: Los 140 minutos restantes son lo mismo , pero un poco peor.
Estos Vengadores se agotan al comenzar, en un torbellino de imágenes, en una montaña rusa mareante que no da respiro al espectador, con una vocación de divertir, a toda costa.
Pero todo es más de lo mismo, sin nada de originalidad, con poco humor (que es lo que suele salvar estas producciones), con un guión calcado a su anterior… Todo suena a ya visto.
Empiezo a estar confuso, sumergido en este mar sin fondo de super-hérores: los Fantásticos, los X-men, los Guardianes de la Galaxia (que es de lo mejor), Superman, el Arañita, el Murcielaguito…
Todos se mezclan en mi senil cabeza y no salvo ya nada.
Hay un público, juvenil, que solo consume estos productos de seres con superpoderes, a los que también debería incluir, Sinsajos y Divergentes, que no quieren más que otra vez lo mismo, ver en bucle la misma peli.
Me considero un tragaldabas, pero esto es demasiado.
Imaginemos que me gustan las ensaladas y el brócoli, pero dejo de consumir carne, pescado, huevos y me hago vegano. En primer lugar mi vida sería más triste y en segundo seguramente no estaría bien nutrido (lo digo con fundamento que tengo un máster en nutrición).
Esto está pasando con nuestros jóvenes que se han vuelto superhéroenívoros.
Xalier Dolan nos presenta una peli difícil en el fondo y en la forma.
Los continuos planos cortos y un tamaño de la pantalla constreñido pueden acongojar, como me ha ocurrido.
Cuando el personaje Steve O’Connor Després, interpretado por Antoine Olivier Pilon, se encuentra feliz la pantalla se expande adquiriendo el formato normal (1,78:1).
Steve es un muchacho conflictivo. En la peli hay momentos de enfrentamientos verbales e incluso físicos de una violencia inusitada que irritan, perturban y dan miedo.
Al principio se presenta a este muchacho con el diagnóstico de Trastorno de déficit de atención, que posiblemente sea correcto, pero después de ver la peli he llegado a la conclusión que padece un Trastorno límite de la personalidad.
Los trastornos de personalidad no son procesos, sino maneras de ser. Desde muy pequeños manifiestan una personalidad definida.
El Trastorno límite comparte rasgos de otros trastornos, de ahí su nombre.
Suelen ser personas con muy baja tolerancia a la frustración que reaccionan de manera desmesurada a contrariedades poco importantes. Manifiestan conductas heteroagresivas y autoagresivas por lo que se autolesionan con frecuencia.
Al contacto con estos individuos se percibe una gran carga de sufrimiento. Sienten un inmenso vacío existencial. Presentan ataques de ira y bajo control de impulsos.
Supongo que Xalier Dolan nos quería presentar un retrato de esta patología a través de Steve. Tal vez solo sean suposiciones mías.
De su madre Diane también habría mucho que decir, pero ya vale por hoy de disquisiciones psiquiátricas.
De la vecina, Kila, se conoce poco de su vida, pero resulta muy chocante que prefiera la compañía de estos dos desquiciados al de su marido y su hijita. Muy perturbador.
Los tres actores principales Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon y Suzanne Clément están maravillosos.
Una peli muy interesante. Te quedas con mal cuerpo.
El Día de la Madre publico este vídeo en homenaje a la mía.
Clarita nos habla de la peli de 1949 dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por June Allyson, Elizabeth Taylor, Peter Lawford, Janet Leigh, Margaret O’Brien, Mary Astor, Lucile Watson, C. Aubrey Smith, Leon Ames y Rossano Brazzi.
Tenemos la inmensa suerte de disfrutar en pantalla grande de este gran musical. Una oportunidad única.
Me acompaña mi hijo, incondicional de esta peli.
La hemos visto muchas veces, pero tal vez ésta es la que más la he disfrutado.
Me emociono solo con pensar en ella.
Es una peli divertida, que pasa como un suspiro y que te quedas con ganas de más.
La idea original fue del productor Arthur Freed que había compuesto una canción y quería una peli que llevara ese título (Cantando…). A Stanley Donen y Gene Kelly les pareció una tontería.
Después se decidieron los números musicales.
Posteriormente los guionistas elaboraron la trama.
Es una peli hecha al revés. Lo normal es primero el guión, después la música y para el final el título.
Cantando bajo la lluvia está llena de aciertos.
Los números musicales son excepcionales. Maravilla tras maravilla. Con una coordinación perfecta y trasmiten una alegría inmensa.
Curiosamente Donald O’Connor no era la primera opción de Gene Kelly que prefería otros actores.
O’Connor dijo que durante las primeras semanas estaba aterrorizado de cometer un error y ser abroncado por Kelly.
Debbie Reynolds, con solo 19 años, fue una imposición. Kelly no la quería porque no tenía un nivel de bailarina adecuado. Fred Astaire la estuve entrenando .
A la Reynolds le llegaron a sangrar los pies de tanto ensayar. El director quería la perfección absoluta. En el plató se trabajaba 18 horas diarias, sin fines de semana.
Para el número musical principal se usó una mezcla de agua y leche para que la lluvia se viera mejor. Fue ensayada durante 6 semanas y precisamente el día del rodaje Kelly tenía 40º de fiebre. Aún así se rodó y dejó el baile más mítico de la historia del cine.
El número Make Em Laugh interpretado por Donald O’Connor, fue extenuante para el actor que terminó con quemaduras en la espalda y tuvo que guardar reposo durante unos días. Desaforunadamente el negativo se veló y tuvo que volver a rodarlo.
Este actor y Debbie Reynold estaban destrozados por el trabajo realizado y se negaron a participar en el número final por lo que se usó a la bella Cyd Charisse. Tuvo que repetir varias tomas porque su vestido trasparentaba su zona más íntima y, en consecuencia, hubo que retocar el vestidito.
El guión es soberbio y nos habla del mundo del cine.
La falsedad de las vidas de los actores.
La creación de falsos estrellatos como el caso de la insoportable Lina Lamont interpretada por una magnífica Jean Hagen. Ahora tenemos el ejemplo de Tom Cruise.
La dificultad de adaptación al cine hablado y el problema del sonido en las pelis. Es curioso que casi un siglo después este asunto siga vigente.
El fenómeno fan.
La soberbia de los actores de teatro que se creen superiores a los de cine.
La labor del productor.
R. F. Simpson, el jefe del estudio, es obviamente una parodia de Louis B. Mayer , con toques de Arthur Freed.
De lo más curioso de la peli es que la voz de Jean Hagen era estupenda y tuvo que ser doblada por otra actriz con voz chillona. Debbie Reynold fue doblada por Jean Hagen y cuando canta lo es por Betty Noyes con una voz mucho más rica.
Una de las grandes pelis de la historia y para muchos el mejor musical.
Todas las dificultades del rodaje se transformaron en la pantalla en una peli optimista y vitalista, el mejor antídoto para la depresión.
Mis compañeros del Taller de Cine de Azuqueca de Henares me habían hablado elogiosamente de esta peli.
José Luis Cuerda, director y guionista, nos presenta el cielo como un pueblo castellano de posguerra.
Humaniza a Dios y a toda la corte celestial.
Un Dios aburrido decide tener un segundo hijo, pero no encuentra la candidata adecuada por lo que se decide por realizar el Apocalipsis, pero todo está muy caro y a la humanidad no hay quien la meta en vereda.
Esta comedia absurda que hace mofa de la religión católica, en absoluto, resulta irreverente. Es en el fondo comprensiva con la flaqueza de Todo Poderoso que no consigue hacer carrera de la humanidad.
Tiene un tono fascinante y sorpresivo. Es una peli inesperada.
Las comparaciones con Amanece que no es poco son irremediables. En este duelo ésta que hoy nos ocupa no es la ganadora, sin duda.
Lo mejor ver un elenco de actores de lo mejor del cine español con un Luis Ciges genial.
Entrañable recordar a Ález Angulo.
La verdad es que me parto la caja de recordar a todos los personajes…
Me sigo riendo después de verla. ¡No puede ser mala!
Tal vez en algún momento pensé que la quinta temporada me podría decepcionar. Ya había visto muchos episodios y había riesgo que me ofrecieran más de lo mismo.
Una valor seguro de la serie eran sus potentes personajes que no me iban a defraudar.
Estos episodios que acabo de terminar de ver me han llenado de emoción, de vísceras, de sangre, de cabezas reventadas y de reflexiones sobre la condición humana.
Voy a esforzarme a tope para no hacer spoilers.
En la temporada 5 pasamos de la desesperación absoluta a una cierta y tímida luz al final del camino que se disipa rápido. En los últimos capítulos una comunidad tan buena que no puede ser real.
Daryl Dixon sigue siendo mi personaje favorito, y supongo que el de muchos seguidores de la saga. Es un marginado que encuentra dentro del caos del apocalipsis zombi una familiar a la que cuidar y querer, que le acepta y le necesita. Posiblemente su vida dentro de la masacre generalizada es mejor que la previa.
Carol Peletier se ha transformado a lo largo de la serie de una mujer sumisa y maltratada a una auténtica heroína, manipuladora y posiblemente el cerebro del grupo.
Rick Grimes es el líder atormentado. Sobre él cae la responsabilidad de guiar a esta “familia” hacia la supervivencia.
Me encanta el look a lo Lara Croft de Rosita, una de las nuevas incorporaciones junto con el fornido Abraham Ford.
Se ha seguido escarbando en el alma humana. Como ya dijo Plauto, “Homo homini lupus” (el hombre es un lobo para el hombre).
Efectivamente el mayor peligro no son los caminantes sino los malvados humanos que se van encontrando.
Este grupo de supervivientes se ha creado un código moral para la supervivencia. En un mundo donde no hay leyes, ni justicia, ni orden hay que sobrevivir como sea, pero todo tiene un límite y la pregunta que se hacen nuestros protagonistas es ¿somos buenas personas?, ¿estamos haciendo lo correcto?, ¿vale todo por seguir existiendo?
Alguno de los personajes ante las desgracias sufridas tiene la tentación de rendirse, pero es necesario para el grupo y eso lo mantiene vivo.
Todos tienen su personalidad, su fuerza narrativa y la serie sigue con paso fuerte.
No puedo evitar soñar con podridos y dormir con un bate debajo de la cama. estoy acumulando víveres para cuando llegue el apocalipsis zombi.
Deseo la sexta temporada. ¡Por favor, que no muera Glenn Rhee!
Russell Crowe se nos ha metido a director y lleva a imágenes un guión de Andrew Anastasios y Andrew Knight.
El maestro del agua pretende ser un drama épico de un padre que quiere recuperar los cadáveres de sus hijos muertos en Gallipoli. Su viaje se convierte en una gran aventura física y emocional.
Esto es lo que intenta conseguir, pero muy distinto es lo que logra.
Hay normas básicas de sentido común. Para que el espectador consiga emocionarse con un fallecimiento tiene que conocer y apreciar a la víctima.
Lamentablemente en este mundo actual, estamos desensibilizados con la muerte y vemos en la tele que hay tantos muertos aquí y allá y seguimos tomando los macarrones con tomate como si nada.
Russell Crowe nos muestra la desgracia de estos muchachos en el campo de batalla, pero no los conocemos de nada, la peli acaba de empezar y eso nos trae al pairo.
Querido Russell, primero hay que presentar los personajes, hacer que te caigan simpáticos y luego los matas. Así conseguirás emocionarme. Esto es básico.
La peli del australiano está llena de buenas intenciones, de intentos fallidos de levantar la emoción del público.
El amorío con Olga Kurylenko es más que forzado. Esta chica pierde mucho si no va con minifalda. Este papel no le pega para nada.
En la ópera prima de este actor metido a la dirección hay una cierta dosis de egolatría y la pretenciosidad de hacer un obra colosal.
Pobre Crowe, solo has hecho un bodrio relamido, poco creíble, artificioso y, lo que es peor, aburrido.
La peli se desarrolla en 1984 en plena huelga de los mineros en Gran Bretaña en contra de la política de cierre de pozos de Margaret Thatcher.
Un grupo de gays y lesbianas deciden apoyar a los huelguistas recaudando fondos.
Pride camina por el resbaladizo sendero de la comedia cuando trata un drama, pero Matthew Warchus sale bien parado del desafío.
Se consigue componer una peli entrañable y sincera que habla de la solidaridad y la compresión, de la aceptación y de las diferencias.
Resulta divertido comparar a los rudos mineros de Gales, pueblerinos que temen ver peligrar su hombría constantemente, enfrentados a esas locas con mucha pluma venidas de la capital.
Peli que defiende la diversidad, la aceptación de uno mismo y de las diferencias, resulta muy emotiva.
Está pensada para gustar al público y lo consigue, pero desgraciadamente habla de temas que siguen siendo de rabiosa actualidad.
Me gusta mucho la idea que las mujeres de los huelguistas sean las más activas.
Me he enamorado de la gordita Jessica Gunning y de la lesbiana Faye Marsa. ¡Que chicas tan maravillosas!
Otro acierto: que la mirada del joven George MacKay sea la que nos descubra la trama.
Las orcas son animales inteligentes que viven como las personas, más las hembras que los machos (lo que digo, como las personas), alrededor de 70 años.
En los parques acuáticos se las encierran en unas bañeras gigantes y son destinadas a hacer gracietas para divertir a un público infantil.
Tilikum, es una orca macho (Orcinus orca) que vive en cautiverio en SeaWorld, Orlando, Florida. Ha engendrado varios hijos y ha estado involucrado en la muerte de 3 personas.
A raíz del último incidente a principios de 2010 fue retirado del espectáculo durante un año aproximadamente, hasta el 30 de marzo de 2011 cuando volvió de nuevo a actuar.
Este documental de 83 minutos nos cuenta todo esto al puro estilo americano.
Con entrevistas a los cuidadores y familiares, con imágenes impactantes y con una música que realza los sentimientos que debemos padecer en cada momento.
Muy atractivo en el fondo, pero detestable en la forma.
Resulta asombroso que se culpabilizara a las víctimas y que la orca siguiera actuando después de tres muertes. ¡El espectáculo debe continuar!
No me consigo colocar en un buen lugar para hacer fotos de la Alfombra Roja.
Desfilan durante dos horas los que van a dar los premios y los que van a recibirlos.
Todas muy guapas. Destacan Juana Acosta y Leticia Dolera (fijaros en el vídeo).
La Gala, como era de esperar, resulta un coñazo.
La presenta un graciosillo Andreu Buenafuente que no consigue dar vida a una ceremonia destinada al aburrimiento.
Se suceden los premiados con sus agradeciemientos, en general breves, pero todos diciendo lo mismo.
Mucha emoción en Natalia de Molina (Viznaga de Plata a la mejor actriz) y Daniel Guzmán (multipremiado a mejor peli, director, y también premio de la crítica)
Se otorgan muchos premios en el Festival de Málaga (demasiados) en Zonacine, Territorio latinoamericano, Documentales y Sección oficial. Hay premios del Jurado, de la Crítica y del Público.
Menos mal que alguno no acudió a recogerlo, pero mandó un mensajito al móvil.
Por la tarde en esta rueda ha ocurrido parecido. Todos los comparecientes han sido aplaudidos, pero con más intensidad Juan Miguel del Castillo y Natalia.
Se ha llevado la Biznaga de Oro a la mejor peli. Mejor director y mejor actor de reparto.
La peli de Guzmán es una buena peli, pero, en mi opinión, no la mejor. Muy de acuerdo con el premio a Antonio Bachiller.
Techo y comida de Juan Miguel del Castillo, para mí la mejor peli, ha ganado el Premio del Público y una indiscutible Viznaga de plata para Natalia de Molina como mejor actriz.
SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES A CONCURSO
El jurado de la sección oficial de Largometrajes a concurso de la 18 edición del Festival de Málaga. Cine Español, integrado por Judith Colell (presidenta), Nathalie Poza, Manuela Velasco, Unax Ugalde, Santi Amodeo, Pau Esteve Birba y Patrick Bernabé, ha emitido el siguiente fallo:
BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA
A cambio de nada, de Daniel Guzmán
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Los exiliados románticos, de Jonás Trueba
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Daniel Guzmán por A cambio de nada
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Natalia de Molina por Techo y Comida
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Ernesto Alterio por Sexo fácil, películas tristes
Mención especial del jurado para Emilio Palacios por Los héroes del mal
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Nidia Bermejo por La deuda (Oliver’s deal)
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR DE REPARTO
Antonio Bachiller por A cambio de nada
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN
Barney Elliott por La deuda (Oliver’s deal)
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA
Tulsa por Los exiliados románticos
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA – DELUXE
Marc Gómez del Moral por Requisitos para ser una persona normal
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE
David Gallart por Requisitos para ser una persona normal
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIONISTA NOVEL (máximo segundo guión)
Leticia Dolera por Requisitos para ser una persona normal
Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO DE LA CRÍTICA
El jurado de la crítica de la sección oficial de Largometrajes a concurso de la 18 edición del Festival de Málaga. Cine Español, integrado por Gregorio Belinchón, José Fernández, María Guerra y Yolanda Flores, otorga el premio a A cambio de nada, de Daniel Guzmán.
Además, concede una mención especial a Los exiliados románticos, de Jonás Trueba.
Una vez realizado el recuento de votos del público asistente a las proyecciones de esta sección, la BIZNAGA DE PLATA PREMIO GAS NATURAL FENOSA DEL PÚBLICO es para Techo y comida, de Juan Miguel del Castillo.
ZONAZINE
El jurado oficial de la sección ZonaZine, integrado por María Adánez, Rafael Cobos y Roberto Pérez Toledo, ha emitido el siguiente fallo:
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA
Todo el mundo lo sabe, de Miguel Larraya
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Juan Rodrigáñez por Der Geldkomplex (El complejo de dinero)
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUIÓN
Miguel Larraya por Todo el mundo lo sabe
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Toni Acosta por Cuento de verano
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Diego Toucedo por Todo el mundo lo sabe
Una vez realizado el recuento de votos del público asistente a las proyecciones de esta sección, la BIZNAGA DE PLATA. PREMIO DEL PÚBLICO es para Animal, de Fernando Balihaut.
TERRITORIO LATINOAMERICANO
El jurado de la sección oficial a concurso de Territorio Latinoamericano de la 18 edición del Festival de Málaga. Cine Español, integrado por César Martínez, Andrea Herrera y Andrés Neuman, ha emitido el siguiente fallo:
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA, dotada con 8.000 euros
El comienzo del tiempo, de Bernardo Arellano
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
El gurí, de Sergio Mazza
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Daniel Higashionna y Bacha Caravedo por Perro guardián
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Pilar Gamboa por El incendio
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Carlos Alcántara por Perro guardián
Una vez realizado el recuento de votos del público asistente a las proyecciones de esta sección, la BIZNAGA DE PLATA. PREMIO DEL PÚBLICO es para Vestido de novia, de Marilyn Solaya.
DOCUMENTALES
El jurado de la sección oficial a concurso de Documentales de la 18 edición del Festival de Málaga. Cine Español, integrado por María Cañas, Josetxo Cerdán y Ana Pérez de la Fuente, ha emitido el siguiente fallo:
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 8.000 euros
El gran vuelo, de Carolina Astudillo Muñoz
BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR
Óscar Pérez Ramírez por El tramo final (El tram final)
BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Ex aequo a El hogar al revés, de Itzel Martínez del Cañizo y Next, de Elia Urquiza
El Jurado Joven Documental Universidad de Málaga (UMA) otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a Invasión, de Abner Benaim.
ANEXO
Productoras, televisiones, instituciones y entidades colaboradoras de las películas premiadas en la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 18 edición del Festival de Málaga. Cine Español
A CAMBIO DE NADA, DE DANIEL GUZMÁN
La Competencia, El Niño Producciones, Ulula Films, La Mirada Oblicua y Zirco Cine, Amir, Luis Pérez G y Telefónica Studios, con la participación de Televisión Española (TVE), Canal Sur (RTVA) y Canal +
LA DEUDA (OLIVER’S DEAL), DE BARNEY ELLIOTT
Arcadia Motion Pictures (España), Chullachaki Producciones (Perú), con la participación de Televisión Española (TVE) y el apoyo del ICAA (Ministerio de Cultura) y el ICEC (institut Català de les Industries Culturals)
LOS EXILIADOS ROMÁNTICOS, DE JONÁS TRUEBA
Los Ilusos Films
LOS HÉROES DEL MAL, DE ZOE BERRIATUA
Nadie Es Perfecto PC, Pokeepsie Films, La Bestia Produce PC
REQUISITOS PARA SER UNA PERSONA NORMAL, DE LETICIA DOLERA
El Estómago de la Vaca, Corte y Confección de películas y Telefónica Studios, y cuenta con la colaboración de Televisión Española (TVE), Televisió de Catalunya (TV3) y Canal +, y el apoyo del ICAA (Ministerio de Cultura) y el ICEC (institut Català de les Industries Culturals)
SEXO FÁCIL, PELÍCULAS TRISTES, DE ALEJO FLAH
Icónica, Lazona, Azfilms, con el apoyo de Televisión Española (TVE), Canal +, Ibermedia, ICAA, SGR, financiación ICO
TECHO Y COMIDA, DE JUAN MIGUEL DEL CASTILLO
Diversa Audiovisual S.L.
País: España Producción: Rodar y Rodar Cine, S.L., en coproducción con Sólo Química A.I.E., con la participación de Televisión Española (TVE) y CANAL+, y la colaboración de Televisió de Catalunya (TV3), ICAA, ICEC y financiación ICO Dirección: Alfonso Albacete Guion: Alfonso Albacete, Mireia Llinàs Reparto: Ana Carlota Fernández, Alejo Sauras, Rodrigo Guirao, María Esteve, José Coronado, Bibiana Fernández, Rossy de Palma, Jaime Olías, Martina Klein, Neus Asensi, Esmeralda Moya, Silvia Marsó, Natalia de Molina, Miranda Makaroff, Àlex Monner
Conociendo que este director es el perpetrador de la infumable Mentiras y Gordas no se podía esperar nada bueno. Estaba preparado par lo peor.
Sólo química tiene estructura de comedia romántica, pero se sumerge en el terreno de lo inverosímil y del ridículo, haciendo padecer al espectador una sucesión de escenas deslavazadas que resultan insoportables.
Todo es previsible, sin el menor atisbo de originalidad.
Ana Carlota Fernández es una chica muy mona, pero que no la quiere la cámara y su interpretación deja mucho que desear.
El actor argentino, Rodrigo Guirao, será muy guapo pero tiene un rostro clónico, sin personalidad, olvidable.
Éste es un momento muy difícil para mí: voy a hablar bien de Alejo Sauras. Aquí lo hace bien, rodeado de actores muy mediocres.
Tengo debilidad por Neus Asensi, que además baila fenomenal.
Pepe Coronado está para salvar las formas y poco más, en un trabajo de encargo, en el que no cree.
Es una pena que sea ésta la peli que clausure el Festival.
Es una peli olvidable.
Salvo los dos números musicales que me han parecido lo mejor con ventaja.
La Conferencia de prensa posterior ha contado con muchos de los actores.
Su director Alfonso Albacete la ha defendido con simpatía. Para él hay una mezcla de géneros que la hace muy vitalista (¡!).
Os pongo, al final del todo, un vídeo de la rueda de prensa.
Lo presenta su director, crítico de El País, escritor y productor, de muchas pelis entre ellas de la mítica Arrebato de Iván Zuloeta.
La idea surgió de un admirador suyo que le enseñó ese espacio increíble y unos días más tarde se encontró corriendo a la actriz y se prestó a participar en el proyecto.
El corto no ha sido entendido por el público y eso que no hay nada que comprender.
Una maravillosa Marta Larralde corriendo por unos túneles fascinantes.
Escritoras, escultoras, pintoras, poetisas que han permanecido en la zona oscura de la historia.
Sus directores han creado una web con mucha información.
Un documental muy educativo.
Aragón Rodado de Vicky Calavia es un documental que nos da la oportunidad de recorrer localizaciones cinematográficas de pelis míticas del cine de la mano de Luis Alegre.
Luis Alegre es un aragonés de pro, profesor, cineasta, dinamizador cultural, escritor, cantaor de coplas, amigo de Teo y Mercedes, primo de mi amigo Agustín de Calamocha y natural de Lechago.
Pues esta tarde he tenido la oportunidad de saludarlo.
El documental me ha encantado y emocionado. Unir cine y tierra siempre enternece.
En la sala solo estábamos 16 personas que hemos aplaudido al acabar.
El Festival va llegando a su fin.
Mañana veremos la última peli de la Sección Oficial fuera de concurso, conoceremos el Palmarés, asistiremos a la Conferencia de prensa de los premiados, Alfombra Roja (a ver si puedo hacer fotos) y Gala de Clausura.
Lo peor que terminaré a las tantas y ya soy mayor para los trasnocheos.
Os pongo la crónica para EsRadio Guadalajara, junto a Pablo Franco, que ha salido hoy:
País: España Producción: CalaDoc Producciones Dirección: Vicky Calavia Guion: Vicky Calavia Reparto: Mark Albela, José L. Alcaine, Paco Betriu, Yvonne Blake, Tirso Calero , Sol Carnicero, Manuel de Blas, Juan Diego, Miguel Á. Lamata, Ignacio M.de Pisón, Jordi Mollá, Guillermo Montesinos, Félix Murcia, Antonio Resines, Pedro Rodríguez, Jorge Sanz, Antonio Saura, Carlos Saura, Fernando Trueba, M. Verdú
Aragón ha generado una gran cantidad de cineastas.
El cine en España salió de misa de doce del Pilar.
Este documental nos da la oportunidad de visitar escenarios aragoneses donde se han rodado películas.
De la mano de Luis Alegre se visitan las localizaciones de pelis míticas y se entrevistan a los protagonistas, directores o técnicos que vivieron esos rodajes.
Yo que soy aragonés, y que ejerzo de tal, me he emocionado con este documental que aúna dos de mis grandes pasiones: el cine y mi tierra.
País: España Producción: Intropia Media, YoLaPerdono, coproducción de TVE Dirección: S. Torres, T. Ballo, M. Jiménez Núñez Guion: Serrana Torres, Tania Ballo, Manuel Jiménez Nuñez
Las mujeres que formaron parte de la Generación del 27 o Generación de la República han sido olvidadas.
Este documental pretende avivar su recuerdo y darlas a conocer.
El documental tiene un indudable valor didáctico y reivindicativo de la memoria de unas mujeres que fueron escritoras, escultoras, pintoras, poetisas…
