Julita es una octogenaria, la matriarca de una familia con muchos hijos que tuvo un mono y que perdió un castillo.
Todo el documental gira en torno a ella con su fuerte personalidad.
Es también el relato de una familia con una especie de Síndrome de Diógenes colectivo, donde el único cabal es el marido de Julita que acepta la idea de desprenderse de cosas inútiles.
El resto de la familia acata con resignación o prestando apoyo la idea de conservarlo todo como reflejo de la nostalgia de otros tiempos.
No puedo evitar recordar a mi madre. Una mujer de fuerte carácter que siempre quiso ser el centro de todas las atenciones.
En cambio mi Clarita no era tan colaboradora a la hora de ponerse delante de la cámara como Julita.
A mi madre había que pillarla en buen momento.
Tan solo conseguí de ella que comentara algunas pelis míticas en su vida.
No puedo evitar que las distopías o ucronías me entusiasmen.
Las pelis de nazis siempre me han atraído.
La combinación de estas dos cuestiones está claro que me tenía que encantar.
La idea de un mundo dominado por alemanes y japoneses que han ganado la Segunda Guerra Mundial es estupenda.
La presentación de esta realidad alternativa es muy atractiva.
Solo la ambientación y la descripción de estas sociedades ya tienen máximo interés.
Eso es lo que mejor funciona en la serie.
Pero también ruedan bien las intrigas de “alta política”.
Los personajes están bien construidos en ese ámbito.
Lo que peor funciona son las cuestiones de la Resistencia, con personajes más simples y con una protagonista Juliana Crane que se pasa todo el metraje lloriqueando, sin terminar de definirse, que no se mueve por fines patrióticos sino sentimentales.
He deseado que se la cargaran, de hecho nadie la quiere, pero no hay manera.
El toque fantástico, le da un atractivo aumentado. Confunde y despista, pero hipnotiza.
El macguffin es claramente las cintas, que no entiendo, ni entenderé supongo, pero que es chulo.
El final de la segunda temporada es apoteósico.
Un final que podría ser un perfecto colofón, pero supongo que habrá tercera temporada.
No recuerdo mi primera vez, pero estoy seguro que me partí de risa.
Cuando era niño y adolescente agradecía mucho el humor.
Cualquier cosa cómica me gustaba.
Tal vez, el vivir un país en (un poco) blanco y (mucho) negro influía.
La peli se tolera porque dura poco más de ochenta minutos.
Pero a mí me satura.
No deja de ser una sucesión de sketches y gags, la mayoría muy divertidos, pero sin una narración que mantenga el interés.
La peli se sostiene solo por las continuas bromas, pero en absoluto porque la trama sea interesante o se cree en el espectador cierta espectación por lo que va a ocurrir.
Te ríes, pero la olvidas.
De hecho recordaba alguna escena especialmente graciosa, pero no sabía muy bien de que iba la peli.
El éxito de Toma el dinero y corre sirvió para que Allen haya seguido rodando durante casi cincuenta años sus películas.
Bienvenida sea.
Es ideal para salir del cine y volverte a reír recordando algunos de los chistes.
Curiosidades:
Estreno modesto:
La película fue finalmente estrenada en una pequeña sala en Manhattan llamada Playhouse.
Debido al éxito del film la gente comenzó a acudir en masa superándose el récord de entradas de la sala.
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Falso documental:
La película sigue un estilo documental.
Woody Allen comentó lo siguiente sobre el uso de este estilo en una entrevista con Richard Schickel:
Toma el dinero y corre era un pseudo-documental.
La idea de hacer un documental, cosa que, finalmente, perfeccioné con Zelig me acompañaba desde el día que empecé a hacer películas.
Pensaba que era un vehículo ideal para hacer comedia, sobre todo porque el documental es un formato muy serio, de tal manera que uno se ve obligado a trabajar dentro de unos parámetros muy fijos donde cualquier cosa, por pequeña que sea, hecha con la intención de romper la seriedad se convierte inmediatamente en algo divertido.
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San Francisco:
La película fue grabada en San Francisco a diferencia del Nueva York de las siguientes películas del director.
Incluso en una escena sale el famoso restaurante Ernie’s en que se rodó una escena de Vértigo de Alfred Hitchcock.
La prisión que aparece en la película es la de San Quentin.
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Mickey Rose:
Allen co-escribió la película con Mickey Rose, un antiguo compañero de instituto, tardaron tres semanas y según palabras del director, “el objetivo de la película era provocar la risa durante todo el metraje“.
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Ralph Rosenblum:
El primer montaje de Woody Allen se consideró decididamente poco gracioso.
Los productores Jack Rollins y Charles H. Joffe lo convencieron para reunirse con el editor principal Ralph Rosenblum para ver qué se podía salvar.
Lo primero que hizo Rosenblum fue cortar el sangriento final, luego reestructuró la película por completo, y en general reforzó la narración suelta de Allen.
Este esfuerzo transformó la película terminada en un clásico de comedia.
Rosenblum posteriormente se convirtió en el editor elegido de Allen en la mayoría de sus siguientes películas, incluyendo Bananas(1971), El dormilón (1973), La última noche de Boris Grushenko (1975) y Annie Hall (1977).
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San Quentin:
A cien prisioneros de San Quentin se les pagó una pequeña tarifa para trabajar en la película durante las secuencias de la prisión.
El elenco y el equipo regular fueron sellados cada día con una tinta especial que brillaba bajo luz ultravioleta para que los guardias pudieran decir a quién se les permitía abandonar el recinto de la prisión al final del día.
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Fecha de nacimiento:
Virgil Starkwell nació el 1 de diciembre de 1935.
Esta es la fecha real de nacimiento de Woody Allen.
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Dillinger:
El inepto intento de Virgil de escapar de la prisión sacando una pistola de jabón teñida de negro con betún se basa libremente en la famosa fuga del ladrón de bancos John Dillinger en la cárcel de Indiana, Crown Point, usando una pistola de madera ennegrecida con betún.
En un paralelo interesante, en la película Dillinger (1973) dirigida por John Milius y protagonizada por Warren Oates como John Dillinger, se le muestra usando una pastilla de jabón en lugar de una pieza de madera.
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Bandas de escuela:
El “Spring Street Settlement House Marching Band“, con la que Woody Allen intenta tocar el chelo en una escena, fue realmente la banda de marcha de Tamalpais High School en Mill Valley, California, justo al norte de San Francisco.
La banda había recibido una invitación para actuar en Disneyland en un festival de bandas de la escuela secundaria y la tarifa que recibieron de la película les ayudó a pagar su viaje.
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Julius Epstein:
El nombre del psiquiatra es Dr. Julius Epstein.
Se trata muy probablemente un homenaje al guionista Julius J. Epstein, quien es más conocido por ganar un Oscar por su guión Casablanca (1942).
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Nervioso:
Más tarde, Woody Allen dijo que no estaba nervioso por su primer día, pero estaba tan emocionado por filmar en la prisión de San Quentin que se cortó la nariz afeitándose esa mañana.
El contratiempo se puede ver en la escena de la prisión en la película.
Él y su equipo encontraron que los reclusos eran muy amables y cooperativos.
Las autoridades de la prisión también acogieron con entusiasmo la producción, pero emitieron una advertencia: el reparto y el equipo técnico debían estar siempre acompañados por guardias y, si eran tomados como rehenes, no se abrirían las puertas para asegurar su liberación.
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Lewis:
Esta fue la primera película que dirigió Woody Allen.
Su falta inicial de confianza lo llevó inicialmente a pedirle a Jerry Lewis que dirigiera la película, pero Lewis estaba ocupado con su propio trabajo.
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Final triste:
Al principio, Woody Allen filmó un final deprimente en el que era asesinado a tiros, cortesía de los efectos especiales de AD Flowers.
El editor de Allen, Ralph Rosenblum (cuyo primer trabajo con Allen fue éste), lo convenció de ir por un final más ligero.
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Mejor tiempo en San Francisco:
Filmado durante 10 semanas en el área de San Francisco.
Woody Allen bromeó diciendo que era un mejor lugar para pasar el verano que Cleveland, pero, en realidad, sabía que la ciudad era lo suficientemente compacta como para permitirle a él y a su equipo completar 87 escenas en 50 días.
Su equipo de filmación sabía que un calendario tan desalentador era más adecuado para la industria de la televisión, donde trabajar hasta las 10 u 11 de la noche era algo habitual.
Pero Allen completó la película sin trabajar hasta tarde, y varias veces terminó el rodaje a las 4 en punto.
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Tres funciones:
La primera vez que Woody Allen realizó la triple tarea de escribir, dirigir y actuar en una película.
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Reescritura rápida:
Ralph Rosenblum hizo que Woody Allen escribiera nuevas escenas de narración y voz en off para ayudar a unir las piezas dispares.
Allen mostró una habilidad virtuosa para ir a una esquina y sacar nuevas páginas en un santiamén que encajaban perfectamente con las sugerencias de Rosenblum.
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Cinemobile:
Fouad Said, el director de fotografía original de la película, que fue reemplazado unas semanas después de la producción, había inventado recientemente el Cinemobile para Yo soy espía(1965), un vehículo que facilita el transporte de equipos en rodajes de ubicación.
Al usar este dispositivo, Allen pudo filmar hasta en seis lugares por día, tres veces lo habitual para una unidad de filmación de Hollywood en ese momento.
Como resultado, redujo el presupuesto en casi medio millón de dólares y acortó el rodaje en una semana.
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Casino Royale:
La decisión de Woody Allen de convertirse en su propio director fue parcialmente estimulada por el caótico y descontrolado rodaje de Casino Royale(1967), en el que apareció dos años antes.
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Falsa peli verdaderos productores:
La película que Virgil muestra a su pandilla (“Trout Fishing in Quebec“) aparece como una producción de Rollings and Joffe, los productores de la vida real de Woody Allen.
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Palomar Pictures:
El contrato que Woody Allen tuvo con Palomar Pictures le dio carta blanca para hacer lo que quería con esta película, incluido el corte final, estableciendo el precedente de cómo trabaja hasta el día de hoy.
“Nunca me molestaron”, dijo.
“Fue una experiencia muy agradable. Y desde ese día nunca tuve ningún problema en el cine desde el punto de vista de la interferencia de ninguna manera”.
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Arthur Penn:
Como director neófito, Woody Allen admitió que había buscado muy poca ayuda de cineastas más experimentados.
“Nunca se me ocurrió por un segundo que no sabría qué hacer“, dijo, y dejó que la visión de la película en su cabeza guiara cómo hacerlo.
Almorzó con Arthur Penn, quien le impartió cierta información técnica (como el proceso de corrección de color de las tomas) y algunos detalles logísticos, pero de lo contrario, simplemente se sumergió.
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Improvisar:
Woody Allen animó a su elenco a improvisar, a menudo filmando hasta tres gags improvisados para cada escena.
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Muchas tomas:
Woody Allen rodó innumerables tomas e imprimió la mayoría de ellas porque en su inexperiencia asumió que un buen director debe hacer muchas tomas y protegerse con cobertura desde todos los ángulos.
Continuó la práctica en sus primeras películas, pero luego se ganó la confianza para hacer lo que le parecía más apropiado: largas tomas, con poca o ninguna cobertura y muy pocas repeticiones.
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Material eliminado:
Una de las primeras cosas que Ralph Rosenblum hizo fue pedir ver todo el material que se había cortado.
Descubrió que Woody Allen había eliminado muchas de sus partes más divertidas.
También reorganizó la película.
Debido a que estaba muy poco estructurado de todos modos, con muchos diálogos visuales dispersos, fue libre de usar el estilo documental para cambiar el orden y el ritmo de la película para lograr un mejor efecto.
Él dividió las entrevistas con los padres de Virgil en varios segmentos a los que podría volver para tener algo que separar, un puente entre otras secuencias.
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Música nueva:
Ralph Rosenblum descubrió que Woody Allen había puesto música melancólica detrás de algunas de las escenas para enfatizar la triste vida de su personaje.
Rosenblum sustituyó la música por una nueva y optimista -una pieza de ragtime de Eubie Blake aquí, una bossa nova allí- para mostrarle a Allen la mejora, y le ofreció el consejo de cortar siempre con música, incluso antes de que se completara la escena.
Este aspecto de la imagen también fue ayudado tremendamente por el compositor Marvin Hamlisch, un antiguo pianista de ensayo nuevo en el negocio que sorprendió a todos con su capacidad para realizar sugerencias y componer la música adecuada en prácticamente cualquier estilo en un período de tiempo sorprendentemente corto.
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Cuidado con Hamlisch:
A pesar de su satisfacción con el trabajo del compositor Marvin Hamlisch, todos se volvieron un poco locos por su personalidad.
Llamaba constantemente, obsesivo y nervioso, queriendo discutir el puntaje, rogándole a la gente que escuchara lo que había escrito inmediatamente.
A veces incluso insistía en que escucharan por teléfono, cuestionaba qué instrumentos preferían oír tocar y pedía que se ampliaran las escenas para acomodar los temas que había creado.
En una sesión de grabación para la secuencia principal del título, una balada original con la que Hamlisch estaba particularmente complacido, Allen escuchó impasible, se encogió de hombros y preguntó:
“¿Qué fue eso?”
El compositor estaba tan devastado que cuando Allen salió de la habitación, se acostó en el suelo del estudio y lloró.
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Elegir el personal:
La mayoría del equipo de producción de Woody Allen fue elegido para él, pero seleccionó al diseñador de vestuario, al director de fotografía y al director de arte.
A las pocas semanas de producción, sin embargo, tuvo problemas con sus elecciones y despidió al director de fotografía, Lester Shorr.
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Actores no profesionales:
Muchos de los miembros del elenco no eran profesionales y fueron elegidos porque parecían más auténticos y reales que los actores del personaje en el enfoque “documental” que Woody Allen tenía en mente.
Ralph Rosenblum encontró a Woody Allen reservado, desanimado por los problemas con su película, pero para nada arrogante ni exigente.
Admitió que no sabía lo que estaba haciendo y siguió las sugerencias de Rosenblum.
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Fritz:
Marcel Hillaire interpreta a un ex director de cine llamado Fritz, quien obviamente es una caricatura de Fritz Lang, con su característico acento teutón, botas negras…
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Granujas de medio pelo:
La primera de dos falsos documentales cómicos de Woody Allen, y la segunda es Granujas de medio pelo (2000), que se hizo y se estrenó alrededor treinta y un años después.
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Charles Starkweather:
La historia, y la referencia inherente en el nombre del personaje principal, fueron inspiradas en parte por Charles Starkweather, un famoso criminal y asesino de la década de 1950.
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Primera peli:
Una edición en DVD de esta película declara que esta película es la “primera película como guionista, director y estrella” de Woody Allen .
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Cómo dirigir:
Antes del primer día de rodaje, Allen estaba leyendo un libro titulado “Cómo dirigir”.
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Louise Lasser:
Una de las actrices es Louise Lasser, esposa de Allen en ese momento.
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El sexo:
“En relación a las mujeres, el psiquiatra de la cárcel me preguntó si había estado con alguna, y dije que no.
Me preguntó si el sexo me parecía sucio, y contesté que solo si se hace bien“.
Remake del exitoso film italiano “Perfetti sconosciuti” (2016), de Paolo Genovese.
Tal vez el que más sepa de nuestras vidas en este momento sea nuestro móvil.
Conoce todos nuestros contactos, nuestras conversaciones, nuestros deseos, nuestras compras…
En cambio los mejores amigos, incluso la pareja desconocen muchos de nuestros secretos.
Todos, incluso el más sincero del mundo, tiene pequeños secretillos que no son confesables a todo el mundo.
Pero no solo no es necesario que sean conocidos, muchas veces incluso no son convenientes.
Cierta intimidad te da seguridad.
El tener una pequeña parcela propia que nadie conoce y que no quieres compartir es mentalmente higiénico.
Perfectos desconocidos es una peli muy divertida, hilarante, incluso descacharrante.
Con interpretaciones descomunalmente perfectas.
Bien dirigida. Siendo una pieza teatral, De la Iglesia sabe mover la cámara y montar las escenas para dar sensación de movilidad, trasformando el teatro en cine.
Su reflexión final coincide con la mía.
La sinceridad absoluta no es conveniente, ni deseable.
Cierto nivel de ignorancia produce felicidad.
Alguien dirá “falsa felicidad”. Pero más vale eso que verdadera desgracia.
Diego Gismero y Ramón Bernadó hemos pasado un rato estupendo entrevistando a Beatriz Martínez que demuestra ser una gran experta en cine español actual.
Mamma Mia! es la peli ideal para ver un sábado por la tarde con frío glacial.
Dos opciones, o te vas a un centro comercial para idolatrar al dios Consumo o te quedas en el sofá viendo Mamma Mia!.
Todo trasmite alegría en esta peli.
Una fotografía luminosa y brillante.
Un paisaje idílico, de calas y mar con aguas templadas.
Números musicales simpáticos y jocosos.
Personajes entrañables.
Amanda Seyfried llena de juventud y vitalidad.
Cuando la vi en su estreno sirvió para que me reconciliara doblemente.
Meryl Streep siempre me había caído gorda, muy buena actriz, pero siempre con papeles dramáticos. Verla en una comedia musical cambió mi opinión sobre ella, desde entonces soy fan.
La música de ABBA era despreciada por mí en los setenta y ochenta. Me consideraba un intelectual, más bien un cultureta. Yo era de cantautores y de música clásica. La estupidez congénita que siempre me ha acompañado.
Oír las canciones del grupo sueco en este musical, me hizo comprender que lo mío era solo postureo.
Me asombra que Phyllida Lloyd haya dirigido solo dos películas.
Tanto en ésta como en La Dama de Hierro demuestra ser una buena directora.
En Guadalajara de Cine no dejamos de traer grandes invitados para realizarles nuestra entrevista cinéfila.
Esta semana, junto con Diego Gismero, hemos tenido la suerte de tener a Lourdes Muñoz, una gran anestesista y una magnífica cinéfila como nos demuestra sobradamente.
Cuando me enteré que Andy Serkis había dirigido una peli me pregunté: ¿será Smeagol o Gollum?
Una razón para vivir es una producción británica que habla de la superación personal ante la mayor de las adversidades.
Llena de momentos sentimantoloides, se trata de la típica película buenista que obvia los aspectos negativos para centrarse en los positivos.
Resulta difícil criticar una peli así, porque se puede interpretar que no apoyas este tipo de actitudes.
Me molesta que la carga del esfuerzo recaiga en el enfermo, cuando está claro que su cuidadora es la que más ha hecho por su enfermo.
Se pone al descubierto el interés por llevar una vida “normal” de este tetrapléjico.
Se olvidan elementos básicos de la vida cotidiana que son cuando menos molestos.
Cuestiones como la higiene, la alimentación, incluso la movilidad. Al paciente lo vemos en la cama y en el fotograma siguiente en la silla de ruedas como si esta operación fuera sencilla.
Movilizar a un enfermo de estas características exige mucho esfuerzo, desde luego su abnegada esposa por sí sola no lo podría hacer de ningún modo.
La peli además se mueve entre el drama y la comedia, confundiendo al espectador.
En una escena en la que se para el respirador y el protagonista comienza a sufrir de axfixia, parte del publico se reía antes las muecas y aspavientos del sufridor.
Lo más catastrófico es la parte que se desarrolla en España.
Vemos en un camino la señal de Tarragona, en un paisaje de tierras rojizas, alejado del ambiente mediterráneo.
Cuando una avería les deja paralizados en la cuneta aparecen un grupo de gitanos con guitarras cantando por bulerías. Una cosa muy catalana.
Diego, que me acompañó a la proyección, y un servidor nos quedamos hasta el final de los créditos para comprobar que había sido rodada en Sudáfrica e Inglaterra, ni un fotograma en Cataluña, como ya presentíamos.
Por cierto en el pasaje que se desarrola en Kenia (aunque en realidad es Sudáfica) los negros aparecen como elemento decorativo.
Decidamente esta peli la ha rodado Gollum y no Smeagol.
Ana Murugarren Fabo (Marcilla, Navarra, 1961) es una directora y editora de cine de larga trayectoria en la industria audiovisual española. Pertenece a la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales CIMA.
La peli comienza con la descripción terrible de los “escuadrones de la muerte falangistas” que en base a delatores iban dando “el paseíllo” a los desafectos al Régimen.
Aunque se llenaban la boca que estaban realizando una misión honorable, incluso sagrada, en el fondo de sus corazones sabían que eran miserables y temían la justicia (humana o divina).
Karra Elejalde ve en la mirada de un niño la posibilidad de la venganza y perdiendo la razón (o tal vez recobrándola) se convierte en una especie de anacoreta custodiando a la sombra de una higuera la tumba de sus víctimas.
La peli toma caminos berlanguianos por momentos.
Karra inconmensurable como siempre, pero el que me sorprende es un Carlos Areces, que esta vez no hace reír.
Este paisano de corazón sucio trasmite repugnancia y representa lo más miserable de la condición humana, sin redención ni ganas de tenerla.
Todos los actores estupendos. Pepa Aniorte es una especie de isla de sentido común en medio de un mar de sinsentidos.
Mikel Losada está irreconocible. Da miedo.
Es una peli que no todos los paladares disfrutarán, pero el mío sí.
A Elena siempre le han gustado las pelis de nazis (y a mí también).
Nos decidimos a ver esta producción francesa.
La parte inicial relata el ascenso dentro en el mundo nazi de Reinhard Heidrych, interpretado por un más que convincente Jason Clarke.
La segunda se centra en las peripecias de dos jóvenes que aterrizan con sus paracaídas en Praga para cargarse al malvado alemán.
Mientras la primera es muy interesante con el retrato de un psicópata, que es impulsado por su ambiciosa esposa, una especie de mujer fatal gamada.
En la segunda el relato del atentado y los preparativos resultan rutinarios, incluso irritantes.
Porque estos dos soldados se echan novia, cumpliendo con los requisitos necesarios para componer el telefilm más rutinario que se puede idear.
La fotografía es muy bonita con planos virtuosos que no pueden disimular la falta de fuerza narrativa de una historia que podría haberla tenido y se ha quedado en muy poco.
Rosamun Pike interpreta a una nacionalsocialista cautivadora. Tal vez el que se la eche de novia estaría destinado a idear “la solución final”.
Jean Servais interpretando a Tony “El Stéphanois” es la encarnación pura del declive personal.
Enfermo, para terminar moribundo, emprende una hazaña, que él y todos saben, está destinada al fracaso.
La bella Madó ejerce de mujer fatal, cuya fidelidad a Tony duró lo que un paquete de droga en la puerta de un instituto, pero tal vez, era solo pura supervivencia.
Sin personajes buenos, sin redención, sin misericordia.
Malhechores con sus códigos de amistad y de lealtad.
Blanco, negro y cielos grises.
Cine negro en estado puro.
Curiosidades:
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Julius Dassin (18 de diciembre de 1911, Middletown (Connecticut), Estados Unidos – 31 de marzo de 2008, Atenas, Grecia) fue un guionista, escritor, actor y director de cine estadounidense de origen judío-ruso.
Es padre del cantante Joe Dassin.
Tras una importante carrera cinematográfica, entre 1941 y 1950, acabó trasladándose a Francia, al ser incluido en la lista negra de Hollywood durante el macarthismo.
Allí cambió su nombre por el de Jules, continuando con su profesión. Finalizó rodando en colaboración con Grecia.
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Una larga secuencia:
La secuencia de robo dura más de 32 minutos de duración y no contiene una sola línea de diálogo o música.
El equipo de producción y el compositor Georges Auric pensaron que sería un desastre tener una secuencia tan larga sin diálogo.
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Imitadores:
Las autoridades mexicanas prohibieron la película de los cines después que se cometieron varios robos con métodos similares a los que se muestran.
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Rififi:
En el argot francés, “Rififi” se define libremente como conflicto violento entre hombres en tugurios parisinos.
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Dassin es César:
El escritor y director Jules Dassin interpretó a César, el Milanés; solo porque el actor que fue contratado tuvo problemas justo antes del rodaje.
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Trucos:
Para la escena en la que Jo y Mario informan a Tony de su intención de atracar Mappin & Webb, el equipo colocó una mesa y tres sillas frente a un marco de ventana falso en el medio de la calle para crear la ilusión de que estaban sentados en un café al otro lado de la calle de los joyeros.
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Sin ruidos:
Dassin afirma que su razón para el largo silencio era el realismo.
Reforzaba el armonioso trabajo en equipo bien planificado.
Trabajan en un estado de completo silencio donde cualquier sonido (como Jo golpeando el piano) era su enemigo mortal.
Cesar usa zapatillas de ballet durante el atraco.
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Dassin en la ruina:
La película fue realizada con un presupuesto extremadamente pequeño (tan escaso que Dassin afirma que las personas no le creen cuando él les dice la cantidad), y esa es la razón por la que tantas personas desesperadas (incluido él mismo) o inexpertas fueron contratadas para la producción.
El director estaba tan arruinado en el festival de cine de Cannes en 1955 (donde ganó el premio al mejor director) que, mientras veía a uno de los productores jugar en los casinos, tuvo que pedir algo de dinero para apostar.
Luego preguntó en qué fecha habían comenzado a filmar Rififi.
Cuando se le informó de la fecha (el día 18), Dassin puso todo su dinero en 18 y ganó.
Él afirma que su familia logró vivir de este dinero por un tiempo.
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En argot:
La jerga en la que se escribió la novela era incomprensible para el escritor y director Jules Dassin.
Cuando llegó a comprender la novela convenció al escritor, Auguste Le Breton, para que cediera los derechos.
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Días grises:
Dassin, con el objetivo de realizar una película oscura y sombría, con grises profundos, se negó a filmar en hermosos días soleados.
Esto supuestamente causó mucha frustración entre los productores, ya que el rodaje se alargó.
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De argelinos a franceses:
Dassin se vio obligado a abandonar los USA al estar en la lista negra de Hollywood.
Un asunto polémico fue que varios de los personajes de la novela eran argelinos.
En esa época estaba en plena efervescencia el “Problema Argelino”.
Los productores querían que Dassin convirtiera a los personajes en estadounidenses.
El director acordó que solo fueran franceses.
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Joyas buenas:
Las joyas robadas durante el atraco fueron auténticas cedidas por el joyero Jean Dusausoy, con la condición de que estuvieran protegidas por la policía.
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Truffaut:
El crítico, actor y director de cine François Truffaut dijo lo siguiente: “de la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de cine negro que yo haya visto nunca“.
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Premios:
1955: Cannes: Mejor director (ex-aequo con Vasilyev por “Los héroes de Chipka”)
1956: National Board of Review: Top mejores películas extranjeras
Todas las semanas Guadalajara Media nos brinda la oportunidad de realizar una entrevista a un aficionado al cine.
Diego Gismero conduce el programa que realizamos en los Multicines Guadalajara.
Esta semana hemos tenido la suerte de contar con Julio Cuevas, uno de los grandes médicos de atención primaria de la provincia y Presidente del Colegio de Médicos de Guadalajara.
Lo hemos pasado fenomenal, hablando de John Wayne.
