Cuando era crío y después joven, fui muy aficionado al fútbol.
Fui perdiendo el interés los últimos años de Universidad.
Ahora detesto el fútbol por lo que tiene de gran, inmenso negocio. Donde se pagan millonadas por jugadores y trapichean directivos. Donde los ultras al amparo de su equipo cometen salvajadas.
Me irrita que ocupe mucho más tiempo en las noticias este deporte que todos los demás juntos y que la cultura.
El domingo siguiente a los Goyas mientras me duchaba oía la radio. El fútbol ocupó más de 15 minutos y los Goya (el gran acontecimiento anual del cine español) fue despachado en menos de dos minutos.
Estoy harto de oír declaraciones de futbolistas y entrenadores vacías de contenido y llenas de los más trillados tópicos.
A pesar de todo me decido a ver este documental de Álex de la Iglesia con guión de Jorge Valdano.
Amigos de la infancia, compañeros del Barsa, entrenadores, periodistas sentados en diferentes mesas van glosando la vida de Lionel Andrés Messi Cuccittini (Rosario, 24 de junio de 1987).
El director entremezcla con los comentarios escenas dramatizadas de la infancia del futbolista, confundiendo, impidiendo que sepamos que son imágenes reales o ficción.
Se construye un retrato más del mito que de la persona.
Es una hagiografía de la figura sin la persona.
Porque aunque se habla solo de él, Lionel está escondido. No hay declaraciones suyas y las que se presentan son solo respuestas de muy pocas palabras.
Reconozco que cuando se ha comparado con Diego Armando Maradona y he vuelto a ver imágenes de La mano de dios me he emocionado.
Dentro de mí aún queda el amante del buen fútbol.
Viendo jugadas portentosas como las de estos dos fenómenos de la naturaleza no puedo evitar conmoverme.
A pesar de sus defectos este documental deportivo de ficción me ha gustado.
Documental de noventa minutos de duración presentado por Meryl Streep.
Intervienen cineastas de prestigio como Peter Bogdanovich, Martin Scorsese, Spike Lee, Sidney Lumet, Lauren Bacall y otros de menos talla como Edward Burns.
Un recorrido por la historia y los géneros cinematográficos que han usado la Ciudad que nunca duerme como escenario.
No olvidemos que el cine en los USA nació en Nueva York.
Actualmente se siguen rodando cientos de producciones por la política de la ciudad que favorece estos eventos.
Me ha hecho gracia la anécdota sobre los platós que se realizaron en Hollywood en los años veinte sobre las calles de Nueva York.
Las vías de esta ciudad están trazadas en línea recta. En los estudios, terminaban en curva para que la calle tuviera un fin si no hubiera sido imposible realizarla en un estudio cerrado.
En esta ciudad hay sitio para el amor, la violencia, el romanticismo, el crimen, el dinero, el lujo, la pobreza, la esperanza, el deseo, la música, la velocidad, la soledad, la multitud, la corrupción, la generosidad, el cielo y el infierno… Eso y mucho más es Nueva York.
Es la ciudad que más catástrofes ha soportado (en el cine, claro).
Lo mejor que veáis el documental que os pongo abajo.
Relata el amor entre una señorona, Cate Blanchett, y una dependienta con ganas de ser fotógrafa, Rooney Mara.
Es una historia de amor homo en los años cincuenta.
Carol es una peli detallista, delicada, cuidada al extremo, compuesta de planos bellos y perfectos.
Los sentimientos se intuyen o se manifiestan levemente, no quiero decir que no haya pasión, pero es femenina, sin estridencias.
En Carol todo es exquisito, refinado, pulcro, delicioso, placentero, edulcorado, elegante, distinguido…
La historia de amor se complica con una trama de extorsión en pleno divorcio para conseguir la custodia de la hija de Carol.
El personaje de Cate Blanchett termina aceptando su condición y claudicando ante su esposo. Tal vez para la época sea lo más avanzado, pero en este siglo XXI sería una solución penosa.
De toda la historia solo me molesta que Carol es una mujer (muy perfecta) pero que no tiene ni oficio ni beneficio y su vida discurre confortable, burguesa y ociosa.
Pero a Cate Blanchett se lo perdono todo.
Carol es una de las grandes pelis del año pasado (o como diría Rajoy “pasao“).
El Rayo es el nombre que Hassan da a un viejo tractor que compra para llevarlo a Marruecos.
Se trata de una road movie, con lenguaje de documental, aunque parece ficción.
Su simpático protagonista va viviendo peripecias diversas para conseguir su objetivo.
La filosofía de Hassan es clara: “si no madrugas aquí o en Marruecos y si no trabajas, no sobrevives”.
La mayoría de los personajes con los que se encuentra le ayudan, e incluso la Guardia Civil se muestra comprensiva cuando le impide circular, pero el inmigrante se las apaña para tirar adelante.
La peli resulta muy entretenida, a pesar de su sencillo guión.
Magnífica la fotografía luminosa y nítida que recoge las tierras de Ciudad Real y Andalucía.
Todos los amigos que la vimos en el Cine Club Alcarreño (Ana, Rafa y Daniel) salimos encantados.
Spike Lee nos relata un día en el barrio de Bedford-Stuyvesant en Brooklyn.
En sus calles pululan personajes que son descritos con cierto cariño y que son bien presentados.
Hay un aire caricaturesco en estos individuos.
En este barrio está la Pizzería de Sal (Sal’s Famous Pizza), regentada por un padre y sus dos hijos.
Sal (Danny Aiello) es italoamericano, un hombre de carácter fuerte que ha visto crecer a los jóvenes que van desde niños a comer sus pedazos de pizza, pero su hijo Pino, interpretado por John Turturro, es racista e intolerante.
Cuando salta el conflicto Mookie (interpretado por el propio director) lanza un cubo de basura a la cristalera de la Pizzería. Los negros se lanzan a la destrucción del local, descargando su ira por la muerte a manos de la policía de Radio Raheem.
¿Con ese gesto Mookie impide que Sal y sus hijos sean víctimas (físicas) de la rabia de los residentes?
O tal vez, ¿desate un conflicto que se hubiera podido solucionar?
¿Es el héroe o el villano?
Spike Lee enfrenta las dos posturas en las reivindicaciones raciales: la de Malcolm X y la de Martin Luther King.
No toma posición, pero las dos las admite como posibles.
La peli refleja, de manera certera, el odio racial que habita en el corazón de muchos norteamericanos.
Negros contra chicanos y blancos. Blancos contra negros. Chicanos contra blancos… Y todos contra asiáticos.
El vendedor coreano salva su negocio gritando: “soy negro“.
El retrato aparentemente amable de los personajes es demoledor con la sociedad que habita en ese barrio pobre, donde no hay parques, ni piscinas, ni árboles en las calles.
Donde tres viejos cascarrabias comentan todo el día bajo una sombrilla con el fondo de una tapia naranja.
Donde los niños se duchan con el surtidor de una toma de riego.
Donde un viejo alcohólico salva a un niño de un atropello.
Donde Mookie se escaquea para visitar a su novia Tina (una maravillosa Rosie Pérez)…
Es la realidad norteamericana, ni más ni menos.
Curiosidades:
Spike Lee originalmente quería Robert De Niro para el papel de Sal (Salvatore Fragione).
Pero De Niro rechazó el papel, diciendo que era demasiado similar a muchas de los personajes que había interpretado en el pasado.
Al final el papel fue realizado por Danny Aiello .
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Todas las escenas de los hombres de la tapia (Robin Harris, Paul Benjamin y Frankie Faison) fueron improvisadas.
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Spike Lee escribió el guión en dos semanas.
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El título proviene de una cita de Malcolm X: “Tienes que hacer lo correcto“.
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Esta película fue inspirada por un incidente real en Nueva York, donde algunos jóvenes negros fueron expulsados de una pizzería por algunos jóvenes blancos en un barrio de Nueva York conocido como Howard Beach.
Es el debut en el cine de Martin Lawrence, en un pequeño papel.
Rosie Pérez no quiso que su cara apareciera en la escena de desnudo. Se sintió mal durante el rodaje, llegando a llorar.
Más tarde decidió que no le importaba y apareció desnuda de nuevo en otras películas.
Una escena clave cuando Danny Aiello y John Turturro hablan en la pizzería fue parcialmente improvisada.
El presidente Barack Obama y su futura esposa Michelle Obama vieron esta peli en su primera cita. También habían propuesto Paseando a Miss Daisy (1989).
Hay una pintada que dice: “Tawana dijo la verdad“.
Hace referencia al caso de Tawana Brawley que fue violada y secuestrada en 1987.
Danny Aiello admitió que casi rechazó el papel de Sal cuando vio que interpretaría al dueño de una pizzería, creyendo que era un estereotipo de perezosos italiano-americanos.
La palabra “fuck” se utiliza aproximadamente 240 veces en esta película, a razón de dos por minuto.
Aunque Rosie Pérez, que interpreta a Tina, es una parte importante del reparto pero nunca sale de su apartamento y solo interactúa con Mookie.
Laurence Fishburne se le ofreció el papel de Papá Amor, pero lo rechazó.
El edificio de la Pizzería de Sal no existía antes del rodaje.
Se construyó sobre un terreno vacío por la compañía de producción, y posteriormente fue demolido cuando concluyó el rodaje.
En 2007, el American Film Institute clasificó esta peli en el puesto 96 de las más grandes de todos los tiempos.
Wesley Snipes rechazó un papel en la película por protagonizar Una mujer en la liga (1989), dirigida por David S. Ward.
La primera opción de Spike Lee para el papel de Pino fue Matt Dillon.
Radio Raheem lleva en sus manos los anillos de amor y odio en un claro homenaje a La noche del cazador de 1955, al predicador interpretado por Robert Mitchum.
La secuencia del baile del inicio de Rosie Pérez se inspiró en la secuencia de apertura de crédito con Ann-Margret en la película Un beso para Birdie (1963).
Spike Lee rechazó un papel en Más duro que el cuero (1988) para dirigir esta película.
A Paramount no le gustó el “tono” de la peli y rechazó distribuirla. siendo finalmente Universal la encargada.
Spike Lee dedicó su tiempo libre durante el rodaje de la peli a escribir el guión de Cuanto Más, ¡mejor! (1990).
La peli se desarrolla el 5 de agosto de 1989.
Se incluyen entre los “1001 películas que hay que ver antes de morir “, editado por Steven Schneider.
El mundo sigue es posiblemente la peli española más maldita.
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Aunque fue terminada en 1963 la censura se encargó que su estreno fuera dos años después en un cine de barrio de Bilbao (el cine Buenos Aires), sin que el propio director lo supiera.
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El mundo sigue quedó en manos de Juan Estelrich hijo, cineasta ahijado de Fernán-Gómez y cuyo padre coprodujo la película.
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Adolfo Blanco, distribuidor de A Contracorriente se enteró del proceso y le propuso su re-estreno en varias salas en 2015 y su edición en DVD.
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Por ello podemos disponer de ella más de cincuenta años después de su realización.
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Fernán Gómez uso como material la novela del falangista Juan Antonio Zunzunegui.
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Pensó que por el origen del material y por los nuevos aires del Régimen su peli pasaría la censura, pero no fue así.
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Murió sin verla en las salas.
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Estando de ministro de Información y Turismo Gabriel Arias Salgado, no logró convencer a la censura.
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Pero cuando le sustituyó Manuel Fraga, se abrió un poco la mano con la llegada a la Dirección General de Cine y Teatro de José María García Escudero.
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Estalla el Nuevo Cine Español, que arrolla con su crítica social.
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Fernán-Gómez estaba convencido que El mundo sigue iba a conectar con lo que pedía el poder.
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El director invirtió todos sus ahorros en aquella producción, y aceptó todo tipo de trabajos alimenticios en teatro y cine para conseguir fondos.
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Fue muy brutal que no lograra estrenarla.
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El mundo sigue es un retrato social de la época.
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Un lienzo, pintado con trazo fino, sobre la miseria moral y física de una sociedad en la que predomina el machismo, las apariencias, la violencia, la envidia, la avaricia.
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Con momentos impresionantes como esas dos hermanas rabiosas de envidia insultándose y agrediéndose.
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Hay un insulto que me impresionó, cuando Lina Canalejas le espeta a Gemma Cuervo: “… con esos aires de barata…”
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El machismo no disimulado: los hombres se paran a mirar a Lina en su paseo por la calle y se la comen con los ojos.
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Me trae recuerdos de mi infancia la referencia a la quiniela que era un fuente de ilusión semanal.
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El vago, mal marido y padre se convierte en un héroe, incluso a ojos de su suegro, cuando consigue una de catorce.
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Yo actualmente desprecio la quiniela por que une dos cosas que detesto el juego y el fútbol, pero en mi infancia todos jugaban y perdían semanalmente. Luego surgieron las peñas que acertaban todo, pero eso es otra historia.
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Fernando Fernán Gómez se adjudica el papel más despreciable que además es tonto. Me termina cayendo fatal.
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Impresionantes las dos actrices protagonistas. Las dos unos bellezones inconmensurables.
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Gemma Cuervo siempre se ha quejado que la no visibilidad de la peli en su época le impidió ser una actriz de cine famosa.
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Como curiosidad aparecen Pilar Bardem y Charo López en dos pequeños papeles, ambas guapísimas.
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Otro protagonista es el Madrid de la época retratado con carácter documental.
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Una de las mejores pelis de la historia del cine español, felizmente recuperada.
Este trampero y explorador se enfrenta a las fuerzas de la naturaleza y a la más temible de todas: el hombre.
Desde el principio asistimos a una sucesión de apabullantes imágenes que te impiden respirar y que dejan atónito.
La peli no decae, impidiendo el análisis y la recreación de lo que se está viendo y viviendo. Lo cual me obliga a un segundo visionado.
En alguna ocasión, el director mexicano se para, para obsequiarnos momentos a lo Terrence Malick, que dan tiempo a coger aliento y se agradecen.
La virtuosidad de la dirección es inconmensurable con planos secuencia que casi me hacen llorar de emoción.
Decididamente necesito verla de nuevo.
DiCaprio sufre lo que no está escrito y lucha por sobrevivir como un titán, pero escondido tras pieles y mugre no es fácil reconocer su buena interpretación.
Una peli colosal en lo que cuenta, pero sobre todo en cómo lo cuenta.
La alusión a las descargas de pelis del presidente Antonio Resines, en una visión simplista de la cuestión. Echar la culpa de las salas vacías a compartir archivos es una tontería.
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Que se cortaran algunos de los agradecimientos como la intervención de Natalia de Molina.
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Que Nadie quiere la noche se llevara varios premios, aunque de segunda. Una peli que me pareció un coñazo.
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La excesiva duración: casi cuatro horas.
No me invitaron y me tuve que quedar en casa.
La mejores frases de Dani Rovira en el trigésimo aniversario de los Goya:
El cómico malagueño volvió a ser el responsable del humor en la gala de los premios de la Academia de Cine.
Repasamos aquí algunas de sus sentencias más certeras.
– “Bienvenidos a la trigésima gala de los Premios Goya.
También os digo que es el sexagésimo aniversario de TVE.
Yo sé que ahora hay mucha gente en sus casas que acaba de oír trigésima y sexagésimo y se está preguntando:
¿Este tío no era andaluz?
Sí, lo que pasa es que lo he ensayado mucho”.
– “A los mayores os pregunto:
Cuando no había televisión, ¿cómo se colocaban los muebles del salón?
Bueno, ya entiendo, estabais perpetuando…
Mañana tiro la tele”.
– “Treinta años de los Goya.
Hace treinta años, Raphael se había retirado del cine, Camilo Sesto parecía Camilo Sesto, Lola Flores hizo su primer crowdfunding, Juan Echanove estaba en su peso, Enrique San Francisco era Gabino Diego, María Valverde era bebé y Concha Velasco era ye-ye.
Hace treinta años, Fernando Esteso se las levantaba todas a Julio Iglesias. Y lo sabes”.
– “Así como dato, también hace treinta años teníamos presidente del Gobierno. Quién maneja mi barca que a la deriva me lleva”.
– “Entiendo que no se baje el 21% del IVA cultural.
Si no bajan el IVA de comprarse un yate, a mi me da igual porque yo no tengo yate.
Pues lo mismo le pasa a Montoro con la cultura”.
– “En 1987 no había redes sociales, ¿qué pasaba?
Pues que Willy Toledo vivía mucho más tranquilo”.
– “En la cuenta de Twitter de la Academia, han subido una foto mía con Mario Casas en bolas”.
– “El año pasado me rayé.
Nominado a actor revelación con 34 años y dije, madre mía, he llegado tarde, se me ha pasado el arroz del cine.
Este año a revelación están Fernando Colomo (70) y Antonia Guzmán (93).
No hay más preguntas señoría”.
– “Isabel Coixet, ‘Nadie quiere la noche’, ¿es un título adecuado? ¿Tú no conoces a Jorge Sanz verdad?”.
– “Cesc Gay, pedazo de película te has marcado.
Pero también te digo, con buen falo bien se copula”.
– “Ricardo Darín, fíjate si eres bueno que eres argentino y no me has interrumpido todavía”.
– “Cómo agradecer el premio en treinta segundos”, y tras veintinueve intentando hablar entre lágrimas: “Gracias”.
– Antonio Resines, presidente de la Academia, pregunta al presentador:
“Dani, ¿me respetarás?”.
Rovira, con José Luis Cuerda entre el público, responde:
“Un hombre en la gala es un hombre en la gala”.
– “El año pasado vino Antonio Banderas, este año Óscar Jaenada.
Me encanta que en todas las galas a las que voy, esté El Zorro”.
– “Están con nosotros Pedro Sánchez, Pablo Iglesias, Albert Rivera y Alberto Garzón.
La Academia ha preparado una sala con cuatro sillas, una mesa y un plasma para que habléis los cinco”.
– A Íñigo Méndez de Vigo, actual ministro de Educación, Cultura y Deporte:
“Qué se dice, ¿albóndigas o almóndigas? Mi madre hace de las dos por si acaso”.
– “Señor ministro, ya que es usted una eminencia, intente analizar morfológica y sintácticamente la siguiente frase:
Es el vecino el que elige al alcalde, y es el alcalde el que quiere que sean los vecinos el alcalde. No se ría que es su jefe”.
– “Pedro Casablanc, si por cualquier cosa esta noche no te llevas el Goya, yo te voy a mandar un mensaje:
Pedro, sé fuerte”.
– “Nos han llegado a decir que los yogures caducados se puede comer.
Qué es lo próximo, ¿que nos digan que lo mejor del pan de molde es lo verde?”.
– “Enhorabuena y muchísima suerte Luis Tosar, dedícate a esto porque se te da bien”.
– “Javier Bardem, hay un nivel.
Tú has hecho ‘Mar adentro’, yo como mucho podría hacer ‘En la orillita’.
Este hombre ha hecho ‘No es país para viejos’, a mí me ha llegado un guión gracioso andaluz, ‘No es país para siesos’.
Ahora me van a ofrecer ‘Chopped, chopped’, la segunda de ‘Jamón, jamón’. Menos presupuesto”.
– A Penélope Cruz, tras recordar la lista de fatalidades por las que pasaba en ‘ma ma’:
“A tu personaje sólo le faltaba votar a UPyD”.
– “Penélope, ¿vas a ir a la fiesta luego? ¿Vas a ir con él?”, preguntó señalando a Bardem.
Ante la respuesta afirmativa de la actriz, el presentador exclamó:
“Manuela Carmena, jamás te lo perdonaré”.
– “Lorca, la ballena asesina”.
Sí, sé que este no debería estar entre los buenos pero, qué queréis que os diga, soy débil.
Nunca he sido seguidor de la saga Rocky. Las he visto todas y las he olvidado (afortunadamente).
Nunca he comprendido como Rocky se llevó el Oscar a la mejor peli.
En el año 1976 se estrenaron films mucho mejores, infinitamente mejores: Taxi Driver de Martin Scorsese, Todos los hombres del presidente de Alan J. Pakula, Carrie de Brian de Palma, Novecento de Bertolucci, El imperio de los sentidos de Nagisa Oshima, ¿Quién puede matar a un niño? de Narciso Ibáñez Serrador, Marathon Man de John Schlesinger, El Desencanto de Jaime Chávarri, La Profecía de Richard Donner, Las largas vacaciones del 36 de Jaime Camino, Pascual Duarte de Ricardo Franco, Retrato de familia de Antonio Jiménez Rico, Canciones para después de una guerra de Basilio Martín Patino…
Ahora vuelve a ocurrir algo que no me entra en la cabeza que Sylvester Stallone haya ganado un Globo de Oro como mejor actor de reparto y esté nominado al Oscar.
Creed recoge todos los tópicos del cine de boxeo.
Comienza como una peli rutinaria en la que todo resulta previsible y aburrido.
Ni Stallone ni su protagonista, Michael B. Jordan, brillan lo más mínimo.
En sus interpretaciones hay momentos bochornosos.
Solo puedo encontrar una explicación para la ponderación del actor de Rocky: que se trata de un personaje crepuscular que padece cáncer.
Eso conmueve a cualquiera, incluso a un servidor.
Pero resulta muy penoso ver a Stallone balbucear que ya lo sufrió su esposa y que él no quiere pasar por la quimioterapia.
A mí me lleva a la tristeza y al llanto, incluso, pero no por la presencia de Rocky sino porque es un lugar común que mueve sentimientos.
La peli gana mucho cuando su director decide filmar en plano secuencia al principio de la peli una pelea en un reformatorio, breve, pero intenso y cuando rueda un asalto de boxeo en un solo plano.
La cámara se mueve, entre los boxeadores y el árbitro, con soltura, con realismo. Una de las mejores escenas de boxeo jamás vista.
Al final, usando esta vez el montaje, en ese combate mítico, Ryan Coogler sabe trasmitir la épica del boxeo, la épica del esfuerzo, del sufrimiento y de la derrota.
Como veréis no salvo a Stallone, pero sí a su director que demuestra, aunque sea ocasionalmente, que tiene madera de cineasta.
Hubo una peli en 1997 titulada Copland, dirigida por James Mangold, en la que Stallone interpretaba a un policía sordo y fracasado en la que sí demostraba que podía ser un gran actor.
Narra la historia real de Nidhi (15 años, India), Deegii (11 años, Mongolia), Tom (19 años, Uganda) y Albert (11 años, Cuba), dos chicas y dos chicos procedentes de diferentes puntos del mundo que se enfrentan a una prueba que podrá cambiar y mejorar sus vidas para siempre.
Esta peli es muy recomendable para exponer en colegios e institutos.
Es un alegato a favor del esfuerzo y el intento de superación.
Está cargada de buenrollismo.
Se nos plantean situaciones felices con buen final garantizado.
A mí tanto azúcar me sienta fatal. Tuve una hiperglucemia que me obligó a duplicar mi dosis de Metformina.
Ya sé que no es correcto hablar mal de una peli que trasmite valores tan positivos, de los que estamos muy necesitados.
No puedo evitar mencionar algunos peros.
La niña de Mongolia quiere ser contorsionista. Cuenta con el apoyo de su familia. Las figuras que realiza son muy meritorias, pero dudo mucho que eso sea bueno para su salud y su crecimiento.
Si fuera su progenitor no se lo permitiría.
El niño cubano se dedica al boxeo, siguiendo la estela de su padre.
El entrenamiento del boxeo es muy completo y muy entretenido, pero su práctica, no cabe duda, es muy lesiva.
No parece la actividad física más recomendable para un niño en desarrollo.
Tal vez el mayor mérito lo tenga esta niña india, que mientras sus hermanas ven la tele, se dedica a estudiar matemáticas.
Tom, el muchacho ugandés, se esfuerza para ser forestal, a lo cual no debo de objetar lo más mínimo.
También quiero comentar el paisaje que se nos ofrece en segundo plano.
Me ha llamado la atención que la mejor vivienda, donde había más limpieza y mejores instalaciones es en Mongolia.
En cambio en India se nos presentan calles llenas de basura, gente bañándose en un río infecto. Absolutamente deprimente la residencia de niñas para estudiar ingeniería.
Tras un análisis superficial (no soy capaz de nada profundo) podemos darnos cuenta que el mensaje no es tan limpio.
En el documental se da una cifra de los niños que consiguen llegar en India a estudios universitarios. Solo un pequeño porcentaje lo consigue, ínfimo.
¿Qué pasa con los que no llegan, a pesar de haberse esforzado?
Ese es el verdadero problema, a lo que la peli no da respuesta.
El formato de documental es ideal para dar verismo a lo que se contempla, pero esta peli es un falso documental.
Todo resulta artificioso: buenos encuadres, diálogos teatralizados, cámara invisible…
Lo cual resta fiabilidad a lo que es mostrado.
En fin, un buen mensaje no es suficiente para convencerme, si falla el continente y el contenido.
Maud Linder es hija de la primera estrella de cine de todos los tiempos, Max Linder.
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Su padre fue conocido en todo el mundo durante las dos primeras décadas del siglo pasado, fue maestro de Charles Chaplin.
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Un auténtico pionero del arte cinematográfico que permanece injustamente olvidado.
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La peli nos relata la vida de esta estrella de cine que fue mundialmente conocido y, tal vez, por su trágica muerte mundialmente olvidado.
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El documental está muy bien construido a base de las declaraciones de su hija Maud, de muchas imágenes de sus pelis, de la lectura de noticias de la época, de aportaciones de cinéfilos y de alguna dramatización.
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Esta peli es a la vez un homenaje a uno de los grandes del cine y la historia de su hija empeñada en recuperar su memoria que vive dolida por la incomprensible muerte de sus padres.
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Max Linder fue un gran actor cómico que dominaba el gag y el slastic, además fue guionista de muchas de sus pelis.
Imitado, descaradamente por otros cómicos norteamericanos.
Fue un auténtico ídolo de multitudes, con una vida azarosa y dedicada al trabajo y al perfeccionamiento de sus chistes.
Mientras otros se dedicaron a la comedia de trucos o de efectos especiales, él fomentó el chiste dramatizado.
La peli se convierte en un homenaje al actor y a su hija con una lucha vital por salvar el legado de su padre y perdonarle.
Me enfrento a una muchedumbre de niños acompañados de sus padres, armados de palomitas y refrescos con alto contenido en glucosa, en la gran Sala 1 de los Multicines Guadalajara.
El primer acierto de la peli es que sabe llenar salas con un público familiar.
Antes de entrar saludo a mi amigo Jesús Hernando que la ha visto en la primera sesión y me dice que le ha gustado, que respira aire a los ochenta.
Mi predisposición no puede ser mejor.
Pesadillas es una historia bien construida que pretende, y lo consigue, ser cine de entretenimiento.
Había visto el tráiler varias veces y compruebo que me ha destripado la peli. El vídeo promocional te lo cuenta prácticamente todo.
El efecto sorpresa había desaparecido, y lo que veo resulta bastante previsible.
Soy totalmente contrario a ver los tráileres, pero me lo habían puesto antes de varias pelis de los días previos.
Tiene un aire a cine de palomitas muy ochentero. Incluso los monstruos, diseñados por ordenador, no están muy perfeccionados, dando un aire nostálgico al visionado.
Jack Black es un actor que siempre me ha encantado, compruebo que se va haciendo mayor y de jovenzuelo regordete ha pasado a padre mayorcete.
La peli está plagada de acción y de sustillos, de los que encantan a los niños.
Tiene final feliz, como mandan los cánones del cine familiar.
Creo que todos salimos contentos del cine.
Cumple su función con dignidad, con cierto espíritu autoparódico, con buenos diálogos y no esconde ser un homenaje a Jumanji.
Spotlight es el relato de la investigación periodística sobre los casos de pederastia en Boston en el estado de Massachussets.
Se trata de una peli coral con un reparto estupendo.
El título viene de una sección del Globe, un periódico local de Boston, que se dedica a la investigación en profundidad de noticias para la elaboración de reportajes.
Hace falta la llegada de un nuevo director para que se realizara esta investigación con los datos que estaban delante de todos, incluidos periodistas, y que nadie parecía querer ver.
El relato está bien llevado y resulta interesante. No hay épica del periodismo, como se ha podido ver en otras ocasiones.
Los periodistas son currantes que hacen su trabajo de manera laboriosa y constante.
Es muy llamativa la presencia en muchos planos de las Iglesias de Boston.
Funciona mejor la historia que la peli que tiene una realización plana, con pocos momentos emotivos o intensos, pero la trama está muy bien construida.
Respecto al tema, solo decir que es una vergüenza que esto haya ocurrido y ocurra, pero lo que es inaceptable es que durante muchos años la Iglesia como institución lo haya tapado y tolerado.
Lo mejor de la peli son las interpretaciones, el Sindicato de Actores de EE.UU. le concedido el Premio al Mejor Reparto.
Destacar a Rachel McAdams, por la que siento devoción.
Documental de cuatro horas de duración, en el que Martin Scorsese repasa la historia del cine clásico norteamericano, desde sus inicios hasta los años 70, que es precisamente la época en la que él comenzó a trabajar en el mundo del cine.
Habla de los géneros cinematográficos y de los tipos diferentes de directores.
Hay un gran homenaje a los clásicos que son fuente de inspiración para el director de Taxi Driver.
Ya lo había visto hace unos años, pero esta revisión me ha enriquecido más aún.
Gracias por la recomendación a mis amigos del Taller de Cine de Azuqueca de Henares.
Más que hablar de este documental, es preferible verlo.
Os lo pongo debajo en tres partes, para que no andéis buscándolo en YouTube.
Producción alemana que llega con cuatro años de retraso a nuestras pantallas. Si hubiera tardado un siglo, tampoco me hubiera importado.
La película sigue a los brillantes y excéntricos científicos Alexander von Humboldt (Albrecht Schuch) y Carl Friedrich Gauss (Florian David Fitz) a lo largo de su periplo vital.
Dos maneras diferentes de concebir la ciencia.
Un matemático encerrado en su estudio y un geográfo empeñado en recorrer el mundo.
La narración es chapucera y tambaleante, sin que haya un línea argumental coherente.
Salpicada de elementos de humor, supongo que involuntarios, que la convierten en penosamente ridícula.
Termina siendo una parodia esperpéntica y molesta.
Con una fotografía chillona y una dirección sin firmeza.
Pero lo que más llama la atención es el espeso maquillaje para transformarlos en ancianos.
A diferencia de la serie madre que se desarrollaba en Atlanta, ésta que nos ocupa se plantea en Los Ángeles.
La protagoniza una familia puzzle.
Ya sabéis: padre casado por segunda vez con un hijo de la primera esposa y padrastro de adolescentes uno de ellos toxicómano perdido.
La historia se inicia con los primeros infectados.
Se centra en lo que sucede en los primeros días del Apocalipsis Zombi.
Dos graves problemas que impiden que me guste.
No hay nadie en esa familia que me caiga bien, todos me parecen tontosdelculo.
Echo mucho en falta información más global.
Solo vemos la visión parcial de esta familia sin que ellos recurran a obtener más noticias por la radio o la tele.
En una noche de espera, con un lío que no veas en el mundo entero, se ponen a jugar al Monopoly en lugar de ver la tele y estar al tanto de lo que va ocurriendo.
Mi consejo a los guionistas y productores es que cambien de personajes en la segunda temporada.
Que esta familia se infecte y den paso a otros.
No le llega ni a la suela de los zapatos a la magistral The Walking Dead.
La vi cuando se estrenó y recuerdo que me dejó mal cuerpo. Repetí hace como quince años y me cayó mejor.
Scorsese no es de mis directores favoritos.
Pero ahora me ha gustado más. Me habré vuelto más tolerante.
Magnífico el retrato de ese Nueva York nocturno iluminado con las luces de neón, con esos garitos infectos y un paisanaje de cuidado.
Nunca llevaría a un ligue a ver esta peli, que da mal rollo.
En aquellos años llevé a una novia a ver Annie Hall, con bastante éxito. Ahora también sería arriesgado después de los asuntillos sucios de Woody Allen.
El retrato de La Ciudad que nunca duerme, por parte de estos dos directores, es la cara y la cruz de la misma verdad.
Ahora que tanto se habla del sueño americano, esta peli refleja en qué se queda este sueño.
Travis Bickle ha vuelto de la Guerra del Vietnam, tal vez nunca fue muy normal y siempre ha tenido problemas de relación con los demás.
Pero desde que vino de los marines no puede dormir. Aunque tendría que saber que la Coca-cola y las chocolatinas no ayudan.
Tal vez tenga miedo a las pesadillas que aparecen en sus sueños.
Busca un trabajo nocturno que le aísla más de una sociedad normal. Se encuentra con los peligros de la noche.
La falta de sueño está asociada a fatiga, irritabilidad, desorientación.
Cuando Travis verbaliza su repugnancia hacia la “escoria social”, refiriéndose a la droga, la prostitución y el crimen, ¿cuánto hay de autorreferencial en él?
Sus pesadillas, su insomnio, su aversión a la marginación ¿son manifestaciones de los remordimientos de su conciencia?
Cuando parece que va establecer una relación normalizada la caga llevando a la bella Cybill Shepherd a ver una peli porno. ¿A quién se le ocurre?
Pues a alguien que carece de habilidades sociales y de empatía. Incapaz de ponerse en el sitio de la chica.
Por cierto, la muchacha también debe de tener algo de solitaria para aceptar la invitación de un taxista que no conoce. Tal vez encuentre en él la soledad que ella misma padece.
Cuando Travis se ve rechazado afirma que es como todas las demás, fría y distante. ¿Quién se portó así con él antes? ¿Tal vez su madre?.
El despecho de Travis hace que se dirija hacia el jefe de Betsy.
Encaja bien que un individuo triste anodino quiera hacer un acto que le saque del ostracismo. El sueño del neurótico es ocupar un puesto de privilegio, aunque sea temporalmente y por algo indeseable.
Sus ideas paranoides y violentas van cobrando forma. Se prepara el acto “redentor”.
Pensemos, ¿qué (o a quién) necesita matar Travis?
Sus demonios, sus fantasmas, su pasado que lo atormenta y el cual proyecta en la inmundicia y el desorden externo.
Estamos frente a un tipo con estrés postraumático (dificultades para conciliar o mantener el sueño, irritabilidad, dificultades para concentrarse, somatizaciones, cefalea…) en el apogeo de manifestaciones paranoides (suspicacia y la desconfianza hacia quienes lo rodean) y mucha violencia desplegada a los demás.
“Aquí tienen a un hombre que no pudo soportarlo más”, dice el protagonista.
Nos preguntamos si de haberlo Betsy aceptado, ¿diría él esto mismo? ¿O estaría de acuerdo con la respuesta dada por el personaje de Mickey en aquella otra gran película Asesinos Natos (Stone, 1994) que “lo que vence a un asesino es el amor”?
Cuando en la tienda asesina al ladrón, su preocupación es que no tiene licencia de armas, más que haber matado a alguien. Pero el propio tendero se dedica a dar una paliza al moribundo.
Los tres personajes de esa escena son enfermos sociales. Scorsese nos muestra una sociedad donde la bondad y la maldad es cuestión de situación y de punto de vista.
La carta de Travis, llena de mentiras, puede ser parte de su situación delirante. ¿Existen esos padres?
Su incapacidad de llevar a cabo el asesinato del senador le lleva a ir a por el proxeneta (un magnífico Harvey Keitel).
Después de haberse convertido en un antihéroe, de haber cumplido su misión, no hace falta seguir viviendo. Su objetivo cumplido deja vacía su existencia e intenta suicidarse…
Travis vuelve a su vida normal, después de una larga recuperación y sus compañeros le llaman Matador. Ya es alguien en la vida. Por fin tiene el agradecimiento de los padres de Iris y el reconocimiento social.
Incluso Betsy entabla contacto con él.
Su aspecto es normal, ya no lleva cazadora militar, ni corte de pelo a lo mohicano. Pero ¿cuando volverá a sentir la necesidad de notoriedad?
Esta vez es la que más me ha gustado.
Menos mal que se mantuvo el título original en inglés. En castellano le habrían puesto “El taxista” y no hubiera sido lo mismo.
Su título en inglés es Drowning by Numbers que viene a significar Ahogamiento por Números. No tiene color.
Muchas veces se han cambiado los títulos de las pelis, a veces con acierto y otras realizando una cagada, como el caso que nos ocupa.
Drowning by Numbers me ha resultado una peli fascinante.
Compuesta por una sucesión de imágenes sugerentes y turbadoras.
Con una estética entre simétrica, perfeccionista, barroca y en ocasiones feísta.
Peter Greenaway es pintor, matemático y director de cine. Todo eso se plasma bien en esta peli.
Los números ocupan un lugar especial. Desde el principio una niña salta a la comba con un miriñaque mientras enumera el nombre de 100 estrellas.
El niño obsesionado con la circuncisión cuenta todo lo que se le pasa por delante.
Los juegos ideados por el forense que relata su hijo con detalle.
Las tres mujeres, abuela, madre e hija, que se llaman y apellidan igual se vengan de sus esposos con un ahogamiento. El agua lava su culpa y no sienten el menor remordimiento.
A pesar de su frialdad resultan de lo más simpáticas.
La peli está impregnada de humor y de ironía, con un tono surrealista y desenfadado. La hace simpática.
La presencia de animales muertos es constante, desde el primer plano con ese gallo colgado de una cruz.
Y los insectos que aparecen de manera turbadora y recurrente.
Son muchos los elementos que conforman una narración novedosa, disparatada y muy atrayente.
Este autor nos lo recomendó en un curso de cine mi admirado Javier Ocaña.
Papa Noel me la trajo estas navidades en un pack de tres de este director. Muchas gracias, bondadoso anciano.
Me parece una peli estupenda para ver en el Taller de Cine de Azuqueca de Henares. Da para comentar y polemizar mucho.
Desde hace pocos años se han puesto de moda las pelis de aventuras juveniles basadas en libros de más o menos éxito.
La inauguración fue con la terrible Crepúsculo, una eme pinchada en un palo.
Luego hemos tenido Juegos del hambre, Divergentes, Laberintos y alguna más.
Mi cerebro no es capaz de discernirlas bien y las confundo. ¿Tal vez vez sean todo lo mismo?
Lo único positivo de estas sagas son dos cosas: tienen protagonista femenina y llevan chicos a los cines.
En esta Quinta ola no había demasiados imberbes. Alguna hija acompañada de abnegado padre, algún tolay con gorrita torcida y poco más.
La peli nos cuenta en cinco minutos los tres ataques de los alienígenas y luego se pasa casi dos horas siguiendo a una estudiante más bien torpecilla que nadie puede comprender como ha sobrevivido.
Pero la peli está llena de lagunas e irregularidades argumentales, componiendo una peli más cercana a la comedia involuntaria que al drama apocalíptico.
Los sinsentidos se suceden y solo queda tomárselo a risa para evitar el cabreo.
Llegó un momento que Marta, Rubén y yo sacábamos chiste de todo lo que se nos ofrecía. Eso nos permitió sobrevivir.
La peli queda abierta a las continuaciones de la saga, que pueden ser de traca.
Destacar el personaje del mestizo, mitad humano y mutante, que está como un queso, absolutamente delirante.
A los niños secuestrados con engaños por los extraterrestres se los llevan al País de las Maravillas, no es broma. ¡Qué gran título para la secuela: La sexta ola. El País de las maravillas!
Espero con entusiasmo la siguiente entrega.
Recomiendo a Tele 5 compre los derechos. Encaja bien con su programación.
