Me debo abstraer de la intrahistoria de la peli para poder analizarla.
Cimino compone esta obra colosal sobre tres círculos como ejes de su relato.
La rueda de los estudiantes en la Universidad de Harvard.
La ilusión, la juventud, el porvenir.
El patinaje en ese gran salón llamado La puerta del cielo.
Después de la miseria y del sufrimiento hay tiempo, aunque sea breve, para la felicidad.
La batalla circular entre granjeros desesperados y sicarios al servicio de los terratenientes.
El horror, la muerte, la supervivencia.
Cimino hace de historiador relatando la realidad de la colonización y de la emigración a La tierra prometida que se suponía que eran los Estados Unidos.
No tiene consideraciones en representar la miseria y las penalidades de estos colonos.
No viajen en carretas con techumbres blancas tirados por hermosos caballos.
Van cargando sus pertenencias por caminos mugrientos.
La peli habla de la lucha de clases en su declaración más dura, más cruel.
Se juega también con ese triángulo amoroso (Kris Kristofferson, Isabelle Huppert y Christopher Walken) en el que la mujer domina y decide sobre la situación.
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Dos hombres en bandos opuestos, que desean la misma mujer, pero que conservan su amistad.
Pero además de la apuesta ética de Cimino está la apuesta estética, con una cámara que se mueve sin cesar entre los bailarines o que contemplan en hermosos planos generales la realidad que se nos presenta.
Arte con mayúsculas.
Curiosidades y anécdotas:
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Cimino ha fallecido:
No ha habido en la historia del cine nadie parecido a Michael Cimino.
Falleció a primeros de julio en su casa de Los Ángeles. a los 77 años.
La policía lo encontró muerto.
Sus amigos no lo localizaban y dieron la alerta.
Se había operado la cara y no se parecía al Cimino que rodó en 1980 La puerta del cielo.
Se habla que se había cambiado de sexo.
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El director:
Cimino dirigió tan solo ocho películas en su carrera.
Debutó en 1974 de la mano de Clint Eastwood con Un botín de 500.000 dólares.
Cuatro años después se adelantaba a Francis Ford Coppola en la primera aproximación descarnada a la guerra Vietnam.
El cazador llegó antes que Apocalypse now.
Para ella fueron cinco Oscar (incluidos mejor director y película).
Y no sólo eso, una cinta agria y brutal, tan incómoda como amoral, conseguía recaudar 48 millones de dólares.
Había costado 15.
Lo que demostraba que el cine, el de verdad, importaba.
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El fracaso:
Lo que vino después fue sin duda el más bello y descomunal fracaso que ha vivido no tanto la historia del cine como la historia entera de todos los fiascos posibles.
United Artists dejó en sus manos el futuro.
Cimino quedó como depositario de una apuesta monumental.
De lo que saliera de ese ‘western’ basado en la guerra del Condado de Johnson dependía que el director quedara como el único dueño de su obra haciendo así posible y real el sueño de una generación entera de cineastas, o todo lo contrario.
Huelga decir que fue lo contrario. La puerta del cielo se empezó a filmar en abril de 1979 y se acabó por estrenar en noviembre de 1980.
El presupuesto original de 11,5 millones se disparó a cerca de 44.
Lo que entregó originalmente su director fue una epopeya de más de cinco horas de duración.
La película estrenada superaba por poco las dos horas y apenas conseguía recaudar cuatro millones.
El desastre fue tal que ya nada volvería a ser igual.
Se acabó el sueño.
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Treinta años después:
Y sin embargo, cuando en 2012 el festival de Venecia recuperó del frío del olvido y del lugar común una nueva versión de 216 minutos, todo volvió a cobrar sentido.
La perfección impenitente de la obra maestra y furiosamente incomprendida se imponía como una verdad irrefutable.
“Es divertido“, comentaba Cimino en Locarno ante la nueva reacción suscitada por su película.
“Yo jamás perdí la fe en La puerta del cielo. Sabía perfectamente lo que había hecho, dijeran lo que dijeran. Cuando se presentó la versión restaurada en Venecia y Nueva York fue muy halagador ver a toda la gente en pie”.
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Mil biografías:
El Cimino, que contestaba en Locarno a una entrevista, era un hombre que había hecho y rehecho su biografía mil veces.
Según el que preguntara había nacido en 1939 (lo asumido) o diez años más tarde; había estado en el frente en Vietnam o no sabía siquiera donde se encontraba Hanoi; podía presentarse como cineasta o como novelista (publicó una novela al final de su carrera); era hombre o, por qué no, mujer…
“Todo lo que se dice de mí no son más que rumores, tonterías… Y, desde luego, no voy a gastar un segundo en desmentir nada”, decía y en la no-respuesta daba pie a que cada uno siguiera imaginando lo que quisiera.
“Nunca he hecho películas para expresar un punto de vista político. Cuando hice El cazador fui tachado de derechista y fascista; cuando La puerta del cielo, me convertí en un comunista, y en Manhattan Sur resulta que era un racista. Sí, ¿y qué? No hago películas para explicar ideas”, continuaba. Y era ahí, en la indefinición a cero grados donde mejor se encontraba un hombre vestido de blanco, con gafas negras y perfecto en su extraña frialdad.
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La puerta del cielo y United Artits:
“Si los ricos pudiesen pagar a otros para morir por ellos, los pobres se ganarían decentemente la vida.”
Esa demoledora frase marca gran parte de la trama de La puerta del cielo (‘Heaven’s Gate’, Michael Cimino, 1980), considerada el fracaso comercial más grande de la historia del cine, tanto que hundió a la United Artits —ya sabéis, esa compañía independiente que crearon Charles Chaplin, Mary Pickford, D.W. Griffith y Douglas Fairbanks— que se recuperó del descalabro cuando estrenó Sólo para sus ojos (‘Only For Your Eyes’, John Glen, 1981).
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Vales lo que tu última película:
Cimino sufrió una de las máximas de Hollywood: vales lo que tu última película. En ambos sentidos.
Reciente el éxito de El cazador (‘The Deer Hunter’, 1978) —el rodaje de La puerta del cielo comenzó al poco de arrasar aquélla en los Oscars— la productora dio carta blanca —podía hacer literalmente lo que quisiese— a su director para su siguiente film.
Cinco años:
Tras el descalabro, Cimino estuvo cinco años sin poder dirigir, hasta que de nuevo vio la luz con su inmensa Manhattan Sur (‘Year of the Dragon’).
La tijera:
El fracaso de esta atemporal y magna obra probablemente se debe al excesivo corte de escenas que le obligaron a hacer al director.
219 minutos rebajados a 148.
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En final del Nuevo Hollywood:
La película de Michael Cimino arrastra desde 1980 la gran cruz de ser la culpable de haber acabado con el Nuevo Hollywood.
La cinta de Cimino, sobre las luchas entre campesinos, colonos y terratenientes en el Wyoming de 1889, fue utilizada como excusa para voltear las relaciones de poder entre directores y productores, que volvieron a hacerse con el control del show business y lo utilizaron para infantilizar el cine comercial en los ochenta.
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La megalomanía de Cimino:
Biskind, cronista del Hollywood de la época nos cuenta:
“Inflado por sus Oscar, tozudo y tan megalómano que a su lado Coppola parecía Mary Poppins, Cimino había ganado todas las refriegas previas al rodaje de La puerta del cielo, incluido un reparto en el que figuraban, en lugar de grandes estrellas, Kris Kristofferson, Isabelle Huppert, Christopher Walken y John Hurt, y, lo que es más importante, el derecho, establecido por contrato, a pasarse de presupuesto en caso necesario”
Tanto que la cinta, cuyo presupuesto ya había saltado de 7,5 millones de dólares a 10 millones antes de empezar, se disparó nada más gritar ‘acción’.
Tras pulirse el presupuesto en un mes y medio, el director siguió rodando tres meses más.
La primera vez que se mostró a la prensa, el 18 de noviembre de 1979, la cinta duraba tres horas y treinta y cuatro minutos.
El crítico de The New York Times dijo esto al día siguiente:
“La puerta del cielo es un desastre tan absoluto que podríamos sospechar que el señor Cimino vendió su alma al diablo para obtener el éxito que obtuvo con El cazador y que ahora el diablo ha vuelto para cobrar”.
Pánico total y recule: la siguiente vez que se vio el filme había sido mutilado hasta quedarse en dos horas y media.
Ni por esas.
El público dio la espalda a un trabajo que costó 44 millones de dólares (presupuesto, copias y publicidad) y recaudó 1,3 millones.
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Antonio Weinrichter en el ensayo Dentro y fuera de Hollywood. La tradición independiente del cine americano nos explica:
“Fue el título que concentró toda la inquina contra el poder y la soberbia de los directores.
La puerta del cielo, de Michael Cimino, sirvió para que los estudios cerraran la suya a sus colegas más ambiciosos.
Triste ironía, si Hollywood había cambiado debido a los excesos cometidos por los estudios a finales de los sesenta, una década después volvía a hacerlo por culpa de los excesos de los cineastas”.
Scorsese:
“La puerta del cielo nos debilitó a todos.
Yo supe entonces que esa película señalaba el final de algo, que algo había muerto”.
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Coppola:
“Lo que tuvo lugar después de La puerta del cielo fue como un golpe de Estado.
Fue una época en que los estudios se indignaron porque los costes de las películas subían a una velocidad de vértigo y porque los directores ganaban unas sumas increíbles y tenían todo el control.
Por eso, los estudios decidieron recuperar el control”.
Explica el periodista Scott Foundas en una reciente entrevista a Cimino publicada en The Village Voice:
“La puerta del cielo llegó a las salas dos semanas después de la elección de Ronald Reagan, cuya promesa de un ‘nuevo amanecer en América’ contrastaba profundamente con la visión del filme de Cimino sobre el 99% siendo aplastado sin piedad por el 1%”.
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Campo Cimino:
Los protagonistas de ‘La puerta del cielo‘ no se libraron del perfeccionismo de Cimino.
Antes de que se rodase un solo plano de la película, Kris Kristofferson, Jeff Bridges, Christopher Walken y Isabelle Huppert tuvieron que estar muchas semanas aprendiendo diferentes aptitudes imprescindibles para sus papeles: montar a caballo, luchar, aprender un dialecto yugoslavo y, como vemos en una de las primeras escenas del film, bailar sobre patines.
El actor Jeff Bridges bautizó a este periodo de entrenamiento exhaustivo “Campo Cimino“.
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Los extras:
Cimino invirtió muchísimo tiempo en seleccionar a los extras en las escenas de baile, al igual que lo hacía con cada uno de los planos y localizaciones.
El proceso que seguía consistía en ponerlos en filas de doce y clasificarlos según su aspecto y altura.
“Quería encargarse de la selección de los extras y ponerlos en su lugar correcto“, aseguró su director de fotografía, Vilmos Zsigmond.
“Igual se pasaba dos horas para seleccionar y colocar a 50 personas”.
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Retrasos desde el comienzo:
Conociendo las rutinas de trabajo de Cimino, no era de extrañar que al quinto día de rodaje ya llevasen cinco días de retraso.
Uno de los motivos que retrasaba de tal manera todo el plan de producción era la necesidad del director de hacer decenas de tomas de un mismo momento.
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50 tomas:
De escenas como la de Kris Kristofferson borracho, que apenas dura unos segundos en la película, se rodaron 50 tomas, todo un día de grabación sólo para ese momento.
“No estoy acostumbrado a hacer un mínimo de 32 tomas: hacíamos la versión contento, la versión enfadado, la versión triste...”, recuerda uno de los miembros del equipo, Brad Dourif.
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La guerra:
La batalla entre los colonos y los mercenarios requería docenas de caballos, extras, vagones de madera y explosiones.
Coordinar todos esos elementos llevó semanas de planificación y hasta un mes entero de rodaje.
El equipo y los actores se levantaban cada mañana a las 3.30 h para llegar al punto de rodaje, donde les esperaba una jornada agotadora.
Además de la dureza de la situación, el peligro de la escena era más que evidente para los miembros del equipo.
“No sé cuánto tiempo duraban esas escenas, pero era aterrador“, recordaba uno de ellos.
“A cada toma le pedía a Dios que ninguno saliéramos lesionados“.
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Hierba:
Cuando los productores de la película visitaron por primera vez el set de rodaje, las primeras alarmas comenzaron a sonar.
Era evidente la obsesión de Cimino por ver cumplidos todos y cada uno de sus deseos, hasta el punto de protagonizar anécdotas como la siguiente.
Contratar el campo donde tenía lugar una de las batallas de la película no sólo costó una fortuna, sino que además el director quería que tuviera un aspecto exuberante, con hierba verde y salvaje.
Para ello, mandó instalar en todo el lugar un sistema de riego y retirar todas las piedras que pudieran impedir el crecimiento de la naturaleza.
“Por aquí pasarán cientos de personas y caballos y carros y explosivos… ¿Quién se va a parar a mirar la hierba?“, comentó uno de los productores, Steven Bach.
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Las nubes:
Una de las obsesiones más curiosas de Cimino estaba relacionada con las nubes.
Cuando el director no estaba contento con la luz o la posición de los elementos en el cielo, todo el rodaje se detenía para esperar y esperar.
Así lo recuerdan los que trabajaron allí, que cuentan que uno de los trabajadores fue a preguntarle al director cuándo podrían comer.
Él contestó una ya frase célebre:
“¿Comer? ¡Esto es más importante que la comida!“.
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Caprichos:
Algunas de las anécdotas del rodaje del film hablan de caprichos de Cimino que se materializaban en acciones millonarias.
Es el caso del tren que aparece en la película tan sólo unos minutos, y que el director hizo trasladar desde un museo en Colorado hasta el lugar de rodaje en Montana.
Pero claro, la locomotora era demasiado antigua como para circular por las modernas vías del tren, así que tuvo que ser remolcada por otro vehículo para poder llegar al lugar de destino.
Y esa no fue la única exigencia.
Cimino obligó también a la destrucción de un decorado, una calle entera que ya estaba preparada para el rodaje, porque la distancia entre los edificios no era de su agrado.
Toda la calle tuvo que ser reconstruida de nuevo.
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Les Gaspay:
Una de las fuentes de información que ayudó a conocer la realidad del rodaje de ‘La puerta del cielo‘ fue el periodista Les Gaspay.
Al haberle sido denegada la visita oficial al set, Gaspay entró como extra para ver cuáles eran los motivos de los retrasos de la producción y el aumento descomunal de su presupuesto.
El periodista salió horrorizado después de vivir la escena de la batalla.
“Hay extras haciendo un trabajo que deberían hacer especialistas“, aseguró.
“Debido a la loca carrera con caballos, muchas personas resultaron heridas mientras se repetía una y otra vez durante varios días. Algunos de los inmigrantes, en su mayoría extras, son arrojados al barro por sus caballos. Hasta un niño menor de edad fue atropellado por los caballos“, contó el periodista.
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El montaje:
Una vez acabado el rodaje en 1979, la gran odisea era el proceso de montaje.
Y es que fueron un total de 220 horas de material las que se acumularon tras haber roto completamente los planes de rodaje.
Incluso superaron con diferencia la cantidad que resultó del accidentado rodaje de ‘Apocalypse Now‘.
Pese a que la productora del film le pidió un montaje de tres horas, o preferiblemente menos, la primera versión de ‘La puerta del cielo‘ duraba nada más ni nada menos que 5 horas y 25 minutos.
“Como mucho podría recortarle 15 minutos“, les dijo un agotado Cimino.
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Dos condiciones:
Una vez iniciado el proceso de montaje, y viendo que el material existente era inabarcable, los productores del film pusieron dos condiciones inapelables a Cimino:
La película tenía que tener una duración viable para su comercialización.
Debía estar terminada para la Navidad de 1980.
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Montaje secreto:
Empezó entonces una nueva obsesión para Cimino: que nadie viese, modificase o influyese en su montaje.
“Fue bastante divertido en realidad“, recordaba la asistente el editor, Penélope Shaw.
“Tenía barras puestas en las ventanas de la sala de montaje y había cambiado todas las cerraduras para que nadie pudiese entrar“.
Incluso se dice que contrató a un hombre de seguridad armado para que custodiase el material.
Tal era la obsesión de Cimino, que se pasaba 18 horas al día en aquella pequeña sala.
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Maltrato animal:
Esta película es conocida por la cantidad de abuso de animales que tuvo lugar durante la producción.
Peleas de gallos, gallinas decapitadas reales y torturas físicas de los caballos que incluye al menos cuatro muertes probadas.
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Alquiler millonario:
La productora estaba pagando una millonada por el alquiler de los terrenos donde se desarrollaba la película.
Los productores descubrieron que eran propiedad del propio Cimino.
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Cabaña de troncos:
Jeff Bridges compró la cabaña de troncos usada en el set de la peli.
Ahora la utiliza como escapada familiar en Montana.
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Willem Dafoe:
Willem Dafoe, en su debut en el cine, aparece brevemente como un gallero.
Según Dafoe, su papel se supone que era mucho más grande, pero durante una larga espera de iluminación, Dafoe se rió en voz alta con una broma que un extra le dijo.
Michael Cimino estaba tan molesto que lo dejó sin acreditar al final película.
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Orgullosos:
Tanto Kris Kristofferson y Jeff Bridges están muy orgullosos de haber participado en esta película.
Jeff Bridges afirma que cada vez que la ve le gusta más.
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Magic Time:
Muchas de las escenas se rodaron en “Magic Time“, que es el breve período de tiempo -alrededor de cinco minutos- entre la puesta y la caída de la noche, donde se pueden conseguir tonos azules únicos en la imagen de cámara.
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El hombre elefante:
John Hurt abandonó la producción antes de su final ya que fue llamado para interpretar El hombre elefante.
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Wyoming:
Basado en los hechos reales sucedidos en el condado de Johnson en Wyoming.
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Compositor patinador:
El violinista de patinaje es en realidad David Mansfield, el compositor de la banda sonora.
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Largo rodaje:
El rodaje duró 165 días.
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Los franceses:
A pesar del fracaso crítico y comercial de la película, los críticos franceses compararon al director Michael Cimino a autores como Orson Welles y Erich von Stroheim.
Un crítico francés llamó a Cimino “el Tolstoi de la cámara“.
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Los extras:
La película utiliza más de 2.500 extras y artistas de fondos.
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En Montana terminaron hartos:
A medida que el rodaje en Montana se prolongó, coches locales lucían pegatinas que decían “Al infierno con la puerta del cielo“.
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John Williams:
John Williams era el compositor original adjunto a la película, pero dejó el proyecto cuando la película llevaba medio año de retraso y tuvo que empezar a componer la música para El imperio contraataca (1980) y En busca del arca perdida (1981).
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Observar en un burdel:
Isabelle Huppert fue elegida por Michael Cimino después de verla en la peli de Claude Chabrol Prostituta de día, señorita de noche (1978).
Para prepararse para su papel de una prostituta, Huppert pasó tres días de observación en un burdel de Wallace, Idaho.
George Elser intentó asesinar a Hitler en Munich el 8 de noviembre de 1939.
Por trece minutos fracasó.
La peli nos va contando, por medio de flashback, la biografía de este personaje y de paso la historia de la llegada del nazismo a la Alemania de los años treinta.
Lo mejor de la peli es sin duda la interpretación de Christian Friedel que se mantiene inamovible ante los interrogatorios y las torturas.
Un hombre solo pudo cambiar la historia de la humanidad del siglo XX, pero por trece minutos…
No puedo dejar de destacar a la atractiva Katharina Schüttler que con sus ojos verdes me enamoró.
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Ella representa a esa torturada Alemania, casada con una mala bestia de la que no puede escapar.
Tal vez esta peli no aporte nada nuevo y todo suene a ya conocido.
Tal vez se vea lastrada por un cierto aire a telefilm.
Pero resulta entretenida y aleccionadora.
Nos presenta al individuo normal, con virtudes y defectos, que se rebela ante una situación intolerable y que se encuentra solo, pero sabe que algo tiene que hacer para resolver una situación trágica.
Cuando es interrogado, se le pregunta por los que colaboraron con él.
Responde que lo hizo solo porque nadie le hubiera querido ayudar.
Aún así esta peli había despertado mucha expectación.
Su campaña publicitaria, modesta y eficaz, había calado entre el público.
Las críticas han sido malas o muy malas, aún así ha sido la segunda en recaudación este fin de semana, solo superada por Mascotas.
Para los conocedores de los clásicos nos recuerda Doce del patíbulo de 1967 de Robert Aldrich.
Su idea es la misma, pero adaptada al mundo de los superhéroes.
Este grupo de malos es bastante dispar. Los hay pringadillos, como Capitán Boomerang y muy potentes como El Diablo. Uno lanza palitos australianos y el otro unas oleadas de fuego que asustan.
La historia es bastante predecible.
Tal vez la presentación de los personajes tenga fuerza, pero conforme avanza la peli se van volviendo bastante domesticados.
Se van convirtiendo en unas hermanitas de la caridad, en unos flojos.
Will Smith, interpretando a Floyd Lawton, tiene un protagonismo que resulta molesto. El rollo con su hijita está muy visto.
El personaje que tiene una importancia total, el que aporta humor y atractivo es Harley Quinn interpretada por una impresionante e impactante Margot Robbie.
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Ella, y solo ella, consigue salvar a esta peli del naufragio.
Su actuación es estupenda.
Termina siendo la gran heroína de la película y la que más historia tiene.
Además hace buena pareja con este Joker, interpretado por Jared Leto.
Este personaje pide un spin off a gritos.
Y esta actriz un oscar.
Por cierto comentar que Will Smith se enfadó mucho en esta edición pasada de los Oscar cuando no fue nominado por la La verdad duele (Concussion), interpretado a ese médico que pone cara de estreñido todo el metraje.
Salió con el asunto ese, que la Academia discrimina a los negros. Cuando su interpretación era absolutamente penosa.
Esta comedia con toques gamberros trata un tema muy interesante.
Las mujeres de ahora se ven sometidas a una gran presión, porque buscan la perfección.
Tienen que ser buenas trabajadoras, buenas madres, de las que preparan el bocadillo, llevan a los niños a kárate, inglés, violín, danza, fútbol, acuden a las reuniones del AMPA, hacen actividad física, cuidan de su casa y cocinan bien.
Demasiada presión.
A veces, se ven obligadas a soportar a un marido que vive aún en una eterna adolescencia.
Mila Kunis se harta de ser una mujer perfecta y decide pasarse al lado oscuro y ser una mala madre.
Se alía con otras dos mujeres muy diferentes, pero con problemas comunes.
Me cayeron fenomenal Amy, Kiki y Carla.
¡Me he reído tanto con ellas!
Me lo he pasado sensacional.
Mila Kunis, ya me caía bien, pero después de verla en esta peli, la tengo en un altar.
El final, en contraste con el resto de la peli, es demasiado blandito, excesivamente conservador.
Pero he pasado tan buen rato durante el metraje que perdono el desenlace.
Tengo una cualidad especial de olvidar las pelis que no me gustan.
De la que más recuerdo es de la primera (El caso Bourne de 2002).
Paul Greengrass tiene una manera de rodar que me pone muy nervioso.
No para de mover la cámara. Con planos de pocos segundos.
Además el uso de la música, estridente y machacona, colabora a alterar mi sistema nervioso central.
De hecho al principio me sentí un poco mareado.
Dirige un thriller “trepidante”, con una narración confusa.
Matt Damon representa al americano sano y bien nutrido. Ha sido el soldado Ryan, no lo olvidemos.
Es el heredero generacional de Tom Hanks.
Se le identifica como el bueno inmediatamente.
Vincent Cassel se sabe que es el malo a las primeras, además siendo francés.
La peli se desarrolla como mandan los cánones de este tipo de pelis.
Chica guapa (maravillosa Alicia Vikander), malos poderosos, persecuciones de coche que hacen las delicias de los chatarreros, tecnología avanzada, protagonista marcado por su pasado…
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La peli se desarrolla en Islandia, Atenas, Londres y Las Vegas, por este orden.
Pero ha sido rodada en La ciudad de los Casinos y en Tenerife que ha servido de escenario para Atenas y Londres, sorprendentemente.
Jason Bourne no deja de ser la misma película que hemos visto mil veces y veremos mil veces más.
Cine de acción con todos sus ingredientes habituales y poco más que decir.
Sin alma, sin interés, sin novedad.
A pesar de su cámara mareante y de su música irritante con un envoltorio que puede llamar la atención, no deja de tener un contenido vacío de toda originalidad.
“La idea de una película sobre las herejías de la religión cristiana se remontaba a la lectura, poco después de mi llegada a México, de la enciclopédica obra de Menéndez y Pelayo “Historia de los Heterodoxos españoles”.
Esta lectura me enseñó muchas cosas que yo ignoraba, en particular sobre los martirios de los herejes, convencidos de su verdad tanto, si no más, que los cristianos.
Esta posesión de la verdad y la extravagancia de ciertas invenciones es lo que siempre me ha fascinado en el comportamiento del hereje…
Todo lo que se ve y se oye en la película descansa sobre documentos auténticos”.
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
“Me interesaron las herejías como me interesan las inconformidades del espíritu humano, sea en religión, en cultura o en política.
Un grupo crea una doctrina y a ella se adhieren miles y miles de individuos.
Luego, comienzan a surgir los disidentes que creen en todo lo que predica la religión, menos en un punto o en varios.
Son castigados, echados del grupo, se les persigue, y aparecen enfrentamientos sectarios, en los que se odia más al discrepante que al enemigo declarado…
Leí libros de teología y de historia eclesiástica.”
(Tomás Pérez Turrent y José de la Colina: Buñuel por Buñuel. Pág.:149)
“A mis ojos, La vía láctea no estaba a favor ni en contra de nada.
Aparte las situaciones y las disputas doctrinarias auténticas que la película mostraba, me parecía ser, ante todo, un paseo por el fanatismo en que cada uno se aferraba con fuerza e intransigencia a su parcela de verdad, dispuesto a matar o morir por ella.
Me parecía también que el camino recorrido por los dos peregrinos podía aplicarse a toda ideología política o, incluso, artística”
(Luis Buñuel: Mi último suspiro. Plaza & Janés, 1982, Pág.237)
Después del estreno de Bella de día (Belle de jour), Buñuel le propuso a Carriére hacer una peli sobre herejías.
Se reunieron en el Parador de Cazorla y en tres semanas terminaron el primer guión.
Pensó que eso no le iba a interesar a nadie, pero a Silverman, el productor, le pareció atractivo el guión.
En México durante unas semanas más terminó el guión.
Después regresó a París y se lo presentó al productor.
El tema de las herejías dentro de la Iglesia Católica es un tema que siempre había atraído a Buñuel.
Después del estreno de la película de Godard La chinoise(1967), Buñuel le dijo que era el momento de hacer una película sobre herejías.
Esta peli hablaba sobre unos estudiantes seducidos por el maoísmo.
Buñuel se documentó profundamente y eligió herejías que van del siglo IV al siglo IX.
Todo lo que se dice o aparece en la peli es rigurosamente cierto.
Buñuel afirmaba que no le tenía ningún respeto a Cristo, en cambio tenía la máxima consideración hacia la Virgen María.
Comienza el rodaje el 26 de agosto de 1968 en los estudios Billancourt, pero se vio interrumpido por los sucesos de Mayo del 68 en París.
Se finalizó por fin en octubre.
Estreno en París el 15 de marzo de 1969.
En España se proyectó en marzo de 1977.
En la película se tratan de seis herejías.
Tres grandes: la del misterio de la eucaristía (la transubstanciación), la de la doble naturaleza de Cristo y la de la Trinidad.
Las tres menores son la de la aparición del mal (maniqueísmo), la de la libertad de la gracia y la que engloba todos los misterios de María.
Los dos mendigos son hilo conductor de las diferentes historietas.
Realizan un viaje de París a Santiago de Compostela, con fines poco definidos, raramente son catalogados de peregrinos.
Son dos pícaros, su vida prosaica, ocupada en el día a día, contrasta con las discusiones religiosas que se van insertando.
El viaje que realizan es también temporal, hay continuos cambios de época que se insertan con naturalidad absoluta.
La figura de Cristo es presentada de manera clásica con barbas y túnicas adecuadas, tal vez, el menos erudito de todos los personajes.
Todo el relato está impregnado de humor y de ironía, pero no resulta en ningún momento burlesco.
La comicidad surge del contraste de las situaciones. Diálogos profundos sobre dogmas en situaciones poco congruentes. Como los camareros hablando de la fe y la existencia de Dios, mientras preparan las mesas para la comida.
Sorprendente que con un tema tan poco comercial encontrara productor y distribuidor.
Esta peli, junto con La pasión de Cristo según San Mateo de Pier Paolo Passolini enlaza con la tradición erudita del ateísmo marxista.
“Si para el ateo Pasolini la vuelta al mensaje evangélico y al ejemplo de Cristo representa la única salvación posible para una Iglesia alejada del pueblo.
Para el ateo Buñuel nada es posible y nadie es inocente: la comunicación con el mundo católico ya ha sido dinamitada y al hombre no le queda más que anteponer, al monólogo con lo divino, el diálogo con lo humano”.
El rodaje comenzó el 4 de febrero de 1974 en los Studios Boulogne-Billancourt, y terminó a mediados de abril.
Buñuel improvisó más de lo habitual en el rodaje.
Jean-Claude Carrière colaboró, como era habitual, en el guión.
Según afirmó, durante el rodaje, el guión se llenó de tachaduras agregados y flechas que cambiaban el orden de las escenas.
El episodio inicial está inspirado en la leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, El beso.
El resto es totalmente inventado.
La película, junto con La vía láctea y El discreto encanto de la burguesía forman una especie de tríptico, como muy bien reconoció el propio realizador.
El fantasma de la libertad es una película que desde el principio despertó entre la crítica una clara distinción entre los que la veían como un divertimento del realizador, en el que se mezclaban temas ya vistos anteriormente y otros que mantenía en el cajón desde hacía tiempo y los que la consideraban un paso más de Buñuel en la liberación del relato de sus anclajes tradicionales.
El filme está formado por ocho “secuencias” o episodios, que podrían haberse mezclado de cualquier manera.
La única conexión que hay entre ellos es un personaje que pasa de uno al otro, aunque en el episodio del asesino-poeta se valió de un figurante y en el inicial de una voz en off.
Para mí es una de las mejores pelis de Buñuel.
Recuerdo perfectamente cuando la vi en su estreno.
Me impactó.
Me quedé traspuesto.
Días después acudí de nuevo a verla.
Un amigo la descalificaba despiadadamente:
– Como puedes ir otra vez a ver ese bodrio.
(¡Qué ojo para el cine!)
Aquí demuestra Buñuel que es un genio.
Hace algo que no se había hecho y que no se ha vuelto hacer.
Transgrede todas las normas narrativas y presenta el absurdo con una naturalidad pasmosa que nos hace verlo normal.
Sus historias no terminan, nos las presenta para que nosotros, si queremos, pensemos en su resolución.
Nos ofrece una cosa y su contraria aceptadas como normales.
La hermana está y no está fallecida.
La niña está desaparecida y presente al mismo tiempo.
La tía es vieja y joven a la vez.
Transgrede los convencionalismos y nos presenta personajes que ejecutan acciones no aceptadas socialmente.
Hay mucho humor en sus relatos, pero sobre todo, hay sorpresa del espectador que no puede ni imaginar porque senderos le va a llevar el director.
En 1979, además de estudiante, los veranos y fines de semana ejercía de camarero.
Dos compañeros de barra, José Antonio y Alberto, dos muchachos estupendos, me recomendaron esta peli.
Hablaban de ella con entusiasmo.
Fui a verla de inmediato.
Yo, entonces, ejercía de cultureta, y tal vez por ello, me pareció mala.
Solo fui capaz de ver un producto medianamente comercial, que entretenía y poco más.
Pero los años les han otorgado la razón a mis dos colegas y me la han quitado a mí, que me las daba de listo, y han convertido esta producción en una peli de culto.
Volverla a ver, 37 años después, ha sido un placer.
Hill no se entretiene en presentar a los personajes.
Tan apenas nos muestra su rostro.
Para que vayamos conociéndolos a través de sus peripecias durante esa noche de huida hacia el refugio del hogar.
La peli tiene un carácter realista y onírico a la vez.
Las calles de Nueva York son el peligro, donde la emboscada puede estar oculta en cualquier esquina.
Las bandas callejeras, todas bastante cutres, están retratadas con realismo y conforman como entes superiores que trascienden a los individuos.
Especialmente triste la pandilla de Los Huérfanos que van los que peor conjuntados, con una triste camiseta sucia y descolorida.
Magnífico el Metro, repleto de pintadas.
En unos años donde no había móviles, el mejor medio de comunicación era una emisora de radio. Tras el micrófono una voz aterciopelada de la que solo vemos sus labios.
Las interpretaciones son bastante penosas, muchas sobreactuaciones.
Los diálogos tampoco acompañan. Simples y ridículos. Solo alguna frase sobresale.
Como cuando Swan le dice a Mercy (más o menos), al final de la peli:
– Quiero salir de este barrio. Escapar.
Y ella le contesta:
– Siempre me gustó viajar.
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Tampoco las peleas son perfectas. Pero al menos funcionan.
Reconozco que me ha gustado volverla a ver.
La recordaba bastante bien.
En general, las pelis que no me gustan las olvido con gran rapidez.
Pero sobre todo, me ha permitido rememorar a dos amigos de juventud, a los que perdí la pista hace muchos años.
Curiosidades y anécdotas:
Ejércitos de la noche:
El cartel original contó con las palabras:
“Estos son los ejércitos de la noche. Son 100.000.
Ellos superan en número a los policías cinco a uno.
Ellos podrían apoderarse de la ciudad de Nueva York”
Esto molestó e indignó a mucha gente.
Algunos intentaron prohibir la película.
Ronald Reagan:
El presidente Ronald Reagan era un fan de la película, incluso llamó actor principal de la película, Michael Beck, para decirle que se había proyectado en Camp David y la había disfrutado.
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Los Mestizos:
Los camiones de la película fueron “protegidos” por una banda real de los llamados Mestizos por 500 dólares al día.
Amenazas:
Miembros del equipo recibieron amenazas de muerte debido a que algunas bandas se habían sentido ofendidas al no ser presentadas en la peli.
Miles de dólares se perdieron por equipos dañados por una banda en una pausa para comer.
Malas críticas:
En su estreno fue número uno en taquilla, a pesar de las críticas negativas que obtuvo.
Incluso la productora pensó en retirarla, pero el boca a boca funcionó muy bien y la convirtió en un éxito.
Su coste fue de unos 6 millones de dólares.
Obtuvo en taquilla en los USA más de 22 millones.
Con el tiempo se ha convertido en una peli de culto.
La Banda de Béisbol:
Los Furias del béisbol fueron creados debido al amor de Walter Hill a este deporte.
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Robert de Niro:
Robert de Niro fue invitado para ser su protagonista, pero rechazó la oferta.
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Ajax:
James Remar obtuvo su papel como Ajax después de la prueba que le hicieron.
Le explicaron la escena del parque cuando es esposado al banco.
Le dijeron que se imaginara que la mesa donde se encontraba el director y los productores y algún técnico era el banco.
Se entregó tanto en la escena que movió la gran mesa.
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¿Los Warriors negros?:
Walter Hill originalmente quería que los Warriors fuera una banda de color negro.
Los productores no estaban de acuerdo.
Distopía futurista:
También quería una inicial del subtítulo que decía:
“En algún momento en el futuro”.
Pero Paramount pensó que sonaba demasiado parecido a La guerra de las Galaxias (1977).
Fractura de muñeca:
Mercy se rompió la muñeca en una caída en las vías del metro.
Por eso aparece con una chaqueta que dice que ha robado, para tapar la escayola.
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La tormenta:
El director de fotografía Andrew Laszlo quería calles mojadas.
Por ello hay una tormenta al principio de la persecución.
Los efectos visuales quedan mejor con las calzadas mojadas.
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Pandillero desaparecido:
Según el productor ejecutivo Frank Marshall, originalmente contrató a un miembro de una banda real para el papel de Cyrus, pero no lo pudieron encontrar al día siguiente y nunca se supo más de él.
Sigue sin saberse que fue de él.
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Orson Welles:
Se planeó una narración de apertura, con la voz de Orson Welles.
Está incluido en DVD en la versión del director, junto con las transiciones de cómic.
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Las pandillas del Bronx:
Con el fin de conseguir la película antes que su rival de película de bandas, Las pandillas del Bronx (1979), la postproducción de esta peli se hizo con tres equipos de edición, en tres habitaciones, que trabajaron día y noche para terminarla.
Los amos de la noche se estrenó en febrero de 1979.
Las pandillas del Bronx en julio de ese mismo año.
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El polo:
La frase de Ajax:
“Te voy a meter el bate por el culo y te convertiré en un polo”
Ocupa el puesto 12 en el Top 50 de Frases de tipo duro.
Sin líder:
La película utiliza una trama común a algunas de las películas escritas y/o dirigidas por Walter Hill.
Donde el líder de un grupo es eliminado en el primer acto, por lo que el liderazgo y la seguridad del equipo quedan pendientes.
De noche:
Casi toda la peli se desarrolla de noche.
Solo al final se ve el amanecer.
Se rodó una escena inicial en Coney Island, de día, en la que los pandilleros se despedían de sus novias, pero fue suprimida para que toda la peli fuera nocturna.
Estas escenas aparecen en la Edición Ultimate en DVD.
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West Side Story:
West Side Story (1961 – Robert Wise, Jerome Robbins) se puede considerar el antecedente musical de peli de bandas callejeras.
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Espectadores de rodaje:
Siempre había una multitud de espectadores durante el rodaje, incluso a las tres de la madrugada con un frío intenso por debajo de cero grados.
La Anábasis:
Basado libremente en la “Anábasis” de Jenofonte.
Cuenta la historia de un ejército de mercenarios griegos que, después de alinearse con Ciro el Joven en la batalla de Cunaxa (401 aC) en su intento de apoderarse del trono persa, se encontraron aislados tras las líneas enemigas persas.
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Sully:
Paul Greco es el actor que interpreta al líder de los Huérfanos.
En la peli no se le pone nombre.
Por ello se han referido siempre a él como El Huérfano.
Su nombre en la peli era Sully que se descubre en el videojuego.
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Cleón:
Aunque no se aclara plenamente en la película, Cleón murió.
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Mercy:
Debut en el cine de la actriz Deborah Van Valkenburgh.
Hill contó con ella para Calles de Fuego de 1984.
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Rodaje nocturno:
La película se rodó en 60 días.
Siempre de noche de la medianoche a las 6 de la mañana.
Extras:
1.000 extras se utilizaron en la gran reunión, muchos procedentes de Riverside Drive Park.
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El cartel:
Después de varios incidentes violentos que se produjeron en varias proyecciones de la película, los productores decidieron cambiar el cartel como una forma de intentar reducir la violencia.
El cartel original incluía el logotipo, así como una imagen de varios miembros de la banda.
El segundo cartel solo contó con el logo sobre un fondo blanco.
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Videojuego:
Un juego de PS2 basado en la película por Rockstar Games fue lanzado en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2005.
¿Samuel L. Jackson?
Hay un rumor de que uno de los miembros de la banda es interpretado por un joven Samuel L. Jackson.
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Cuero malo:
Los chalecos de los Warriors estaban hechos de cuero falso.
Debra Winger:
Cerca del final de la película, en el metro de vuelta a Coney Island, dos parejas suben al metro.
Uno de los pasajeros es interpretado por una joven Debra Winger en uno de sus primeros papeles.
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Tres costillas:
Michael Beck (Swan) rompió accidentalmente tres costillas a un doble de acción durante el rodaje.
El propio Beck no tenía conocimiento de esto hasta que se encontró con el mismo especialista en un evento de ‘Warriors’ 37 años después.
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Retraso:
Toda la película fue rodada en las calles de la ciudad de Nueva York con algunas escenas de interiores, hecho en Astoria Studios.
Se rodó siempre de noche.
La realización de la peli llevó desde el principio retraso.
Giuseppe Tornatore va haciendo, desde la década de los ochenta, una peli cada dos o tres años.
Tiene sesenta años. Aún le queda carrete.
Su anterior peli La mejor oferta fue estupenda. Además acudí a verla con mi madre. No puedo evitar emocionarme.
Pero aquí la ha cagado.
La historia de un viejales, que está profundamente colado de una jovencita a la que saca más de treinta años, a la que pretende seguir enamorando después de su muerte, es un empalago.
No puedo evitar que el personaje que interpreta Jeremy Irons me caiga fatal.
Abandona a su familia por una relación ocasional y en la lejanía con una maravillosa Olga Kurylenko.
Pretende atrapar sentimentalmente a su amante de manera póstuma a base de mensajitos y vídeos programados, en una especie de tortura/chantaje emocional.
Además sus misivas son tan empalagosas y ñoñas que resultan repelentes.
Hay un cierto tufillo a viejo verde que esconde su perversión tras la cortina del amor sentido profundamente.
El director se empeña en explicarnos, innecesariamente, como le van llegando los mensajes.
Además la peli es aburrida.
Sus 116 minutos resultan soporíferos.
Lo peor es que no puedes desear la muerte del protagonista, para que acabe esa tortura, porque ya está difunto.
Querido Giuseppe, esperemos que en tu próxima peli estés más acertado.
He visto muchas versiones del personaje de Tarzán, unas cuarenta calculo a ojo de buen cubero.
Mi infancia se rellenó con las proyecciones del Tarzán de Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan, las tardes de los sábados.
En cada peli Jane salía con más ropa, moría un porteador negro, Tarzán vencía a un cocodrilo, los blancos eran malos y se terminada con la aplastante ayuda de los elefantes.
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Luego vino la de Disney en 1999 con canciones que Phil Collins cantaba en cada idioma. La recuerdo con agrado.
El resto de Tarzanes los he olvidado.
El británico David Yates nos introduce una trama geopolítica.
Los belgas colonizan y depredan el Congo de la mano del malvado Christoph Waltz, que interpreta un personaje copia del de Malditos bastarnos de Tarantino.
Es un malo de cómic.
Por otro lado Alexander Skarsgård es un Tarzán que aporta un físico estupendo (esto ha sonado un poco gay), pero con unas cualidades interpretativas muy escasitas.
Jane es ejecutada por la poderosa Margot Robbie, a la que le podía haber sacado más partido.
Es curioso como en los años treinta del siglo pasado esta pareja selvática iban en taparrabos y en el siglo XXI van muy tapaditos.
Comparad.
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Hay una inclinación actual de exagerar las capacidades de los héroes con una tendencia a convertirlos en super-héroes con poderes sobrenaturales.
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De hecho este Tarzán sueco termina salvando al Congo del opresor colonialista, transformando la cruel realidad histórica.
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Tal vez porque esperaba nada, lo poco que me ha ofrecido me ha parecido bien.
Acudo al pase de prensa a Madrid de este documental.
No sabía que durara 188 minutos.
Tal vez por ello se hizo muy largo.
Yann Arthus-Bertrand es un renombrado y conocido fotógrafo francés.
Su especialidad era la fotografía de animales, especialmente después de haber estado en Kenia en la reserva Masai Mara, región del Serengueti.
Más tarde cambió a la fotografía aérea.
Ha publicado más de 60 libros con sus fotografías tomadas desde helicópteros y globos aerostáticos en todas partes del mundo.
La revista National Geographic ha publicado muchas veces sus obras, que han sido exhibidas en varios países.
Arthus-Bertrand es miembro de la “Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France”.
La peli se compone de primeros planos fijos de diferentes personas, todos con la misma composición.
Se intercalan tomas aéreas de paisajes rurales y (menos) urbanos, de una belleza plástica apabullante.
Los individuos comentan sobre cuestiones de la vida.
Sobre el sufrimiento, la guerra, la pobreza, la felicidad, las relaciones personales, los celos, la homosexualidad, el amor, la familia… y el sentido de la vida.
Son personas de razas, culturas y ambientes muy diferentes que componen un mosaico que tal vez consiga abarcar a la humanidad.
Estos testimonios, a veces son divertidos, a veces intrascendentes, y otras te llegan al corazón.
Yo que soy de lágrima fácil, me emocioné en más de una ocasión.
Si alguien quiere verla os pongo abajo del todo la versión libre de derechos de 83 minutos.
Birgitte Nyborg (Sidse Babett Knudsen) regresa a la política danesa después de un tiempo en la actividad privada.
Al no ser elegida presidenta de su partido, funda uno nuevo (Los nuevos demócratas) para tener el máximo protagonismo.
Se relata los avatares en la formación de una nueva estructura política.
Sigue desarrollándose en tres ámbitos: el político, el familiar y el periodístico.
Los primeros episodios son bastante malos y dan ganas de abandonar la serie, pero a mitad de temporada cobra más vigor.
Se tratan temas interesantes que ayudan a soportar la trama central.
Se habla del maltrato animal, de la prostitución, de la enfermedad y de las maneras de enfrentarse a ellas, del adultero, del acoso laboral, del amarillismo en la prensa, de las traiciones políticas, de la ambición por el poder…
Un directivo joven y tontoelculo pretende cambiar los informativos de la TV1 danesa, en una especie de circo, estilo Sálvame de Luxe, todo para ganar audiencias.
Somete a Torben Friis (interpretado por Søren Malling), director de informativos, a un despiadado acoso.
Asistimos al derrumbe personal y laboral de este personaje en una subtrama que es muy interesante.
En el último episodio me quedo perplejo al observar como funciona la política danesa.
En la misma noche de las elecciones se realizan contactos entre los partidos para formar un nuevo gobierno. Dinamarca amanece con un recién elegido primer ministro.
¡Qué diferente es este país nuestro!
Tal vez, la temporada más floja.
Estaba deseando que acabara para ver la sexta temporada de Juego de tronos.
Buñuel ya intentó rodar la adaptación de la novela de Pierre Louÿs La mujer y el pelele en Francia, en 1957.
Pero al productor no le gustó el proyecto presentado por Buñuel:
– “Yo le había pedido una adaptación de la novela de Pierre Louÿs, y él me trajo algo que era Buñuel de pies a cabeza”.
Tampoco coincidían en los protagonistas.
Buñuel había pensado en Vittorio de Sica y quizá Jeanne Moreau, pero el productor estaba empeñado en que fuesen Cary Grant y Brigitte Bardot.
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Colaboró en guión Jean-Claude Carrière, como ya era habitual.
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Buñuel después de El fantasma de la libertad no tenía muchas ganas de volver a rodar, pero el proyecto le resultaba atractivo y el productor Serge Silberman le ofrecía todas las facilidades.
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Al poco de empezar el rodaje surge el gran problema:
Buñuel no está satisfecho con la actuación de la actriz elegida, la parisina María Schneider.
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El director estaba fascinado con la actriz desde El último tango en París. Tal vez más con la idea que con la persona.
Detiene el rodaje y expone el problema al productor Serge Silberman.
Amenaza con abandonarlo todo y volver a Méjico.
El azar, algo tan querido por Buñuel, hizo que al final la película fuera interpretada por dos actrices, Ángela Molina y Carole Bouquet:
– “Fue por necesidad. Yo había pensado que María Schneider estaría bien en el papel…pero… teníamos que repetir una toma tras otra…
Finalmente tuve que decirle a Silberman: Me he equivocado con esa chica…
No encontrábamos la solución…
Entonces se me ocurrió decir:
“Podríamos emplear a dos actrices…”
A Silberman le pareció magnífico.
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Hay que puntualizar que en la versión original francesa de la película las dos actrices fueron dobladas por la misma persona, aunque con tono diferente.
Las dos actrices fueron propuestas por los colaboradores de Buñuel.
Carole Bouquet por el productor.
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Ángela Molina por su ayudante de dirección.
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Las dos ensayaron su papel.
Concretamente la escena de la verja.
La interpretaron con el propio Fernando Rey, que era indiscutible para Don Luis.
Buñuel desde lejos contempló las interpretaciones y quedó satisfecho.
Al parecer ya conocía a Ángela Molina.
La visitó en maquillaje después de la prueba y le pidió que quitara la bata.
Se puso las gafas y la examinó como si fuera una estatua. Según afirmaciones de la propia actriz.
Ya había dos Conchitas.
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Las relaciones de las dos actrices con el viejo director fueron excelentes.
La asignación de las escenas a cada una, según Buñuel, fueron aleatorias y compensadas.
Las dos participan en el mismo número de escenas.
Las dos actrices intentan ejecutar el mismo personaje.
Pero el resultado final de cada una es muy diferente.
La fracesa más fría, más casta.
La española más sensual, más racial. Es la que baila y la que aparece más insinuante.
La idea central de la peli es que la insatisfacción sostiene el deseo.
Se establece una relación entre un viejo, Mateo, y una jovencita.
Es la repetición de la idea representada en Tristana y Viridiana.
Pero en esta relación enfermiza hay un componente sado-maso no explícito, pero muy interesante.
Mateo se ve estimulado por el deseo y también por el rechazo.
Pero cuando se sale de sus casillas y abofetea a Conchita, ella ve satisfechos sus deseos masoquistas y eso hace que lo desee más aún.
Porque la mujer ejerce de manipuladora, de perversa.
Pero no hay que olvidar que es el relato subjetivo del protagonista masculino, Don Mateo, que da una versión personal de la realidad.
El asistente de Don Mateo afirma que un amigo define a las mujeres como un saco de excrementos.
¿Es ese el saco que se pasea por la película?.
Hay una visión machista del relato, el que da Don Mateo.
A diferencia de El discreto encanto de la burguesía, las escenas en esta peli tienen planteamiento, nudo y desenlace. Funcionan como pequeños cortos.
No he conseguido datos que expliquen ese cochinillo tratado como un bebé por la gitana en el Patio de los Naranjos de la Catedral de Sevilla. Pero a mí no deja de asombrarme.
Otra vez Buñuel nos presenta elementos surrealistas con toda naturalidad, sin énfasis, con una normalidad pasmosa.
Al director le preocupaba el tema del terrorismo y aparece como fondo y como parte importante de la narración, de una manera desconcertante.
Yo me quedo mil veces con la Conchita ejecutada por Ángela Molina.
He de reconocer que cuando la vi, me enamoré de ella.
Durante unos días fue mi oscuro objeto del deseo.
Esta es la última peli de Buñuel.
Su genio creativo, su originalidad no decayó con los años, sino muy al contrario.
Esta peli es la típica de manual con el que Hollywood llena nuestras carteleras y nuestras tardes de domingo en la pequeña pantalla.
El mayor atractivo es la presencia de Anthony Hopkins, pero no nos engañemos, su entusiasmo en lo que hace es cero.
Se le ve aburrido, desganado.
Tal vez cuando cobró se sintió feliz, con esa estúpida satisfacción que da tener una cifra más alta en la cuenta corriente.
Pero dentro de su interior, debe de sentir una profunda decepción consigo mismo.
Primero porque no demuestra ser un buen profesional, ejecutando un personaje en el que no cree.
Y segundo interviniendo en una peli con un guión y una dirección rutinaria.
Se supone que estamos ante un thriller paranormal trepidante, con visiones chulas, persecuciones en coches, agentes de FBI torturadas por su pasado, dramas familiares…
Todo convencional y sin convicción.
Cuando a un protagonista lo hieren, me da igual.
Cuando descubro su pasado tormentoso me da igual.
Que esté divorciado por el fallecimiento de su hijita, lo único que pienso: eso ya lo hemos visto.
Rutinario en el argumento y en la presentación.
Pretenciosa, intentando plantear cuestiones de fondo moral.
Es una peli fraude que no da nada de lo que promete.
Tal vez sea un iluso.
Por un momento pensé que Hopkins solo hacía buenas pelis y buenas actuaciones.
¿Alguna novia rubia te abandonó por otro más guapo?
¿Te hizo la cobra y rompió tu corazón?
¿Estabas enamorado como un colegial y no te hacía ni el menor caso?
Está claro que tu venganza ha sido cruel, aunque posiblemente merecida.
Te pasas más de una hora torturando a esta chiquilla.
La muerdes, la asustas, la haces pasar frío, calor, deshidratación.
Pero eres generoso (en el fondo), al final la perdonas.
Es lo que tiene ser blando de corazón.
Por cierto, hay un fallo de guión incomprensible.
Los dos amigos abandonan a la muchacha y la dejan tomando un baño.
Blake Lively está como un queso y además es muy simpática.
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La única explicación que estén liados y sean gays.
Lo acabo de pillar. Era eso.
Ni tú, ni yo la hubiéramos dejado sola.
Con chicas tan guapas no debe de haber prisa.
Tu homenaje a la peli de Spielberg me parece estupendo.
Es una muestra de respeto y admiración desde la modestia.
Porque consigues hacer una peli muy entretenida con dos elementos básicos: una rubia y un tiburón.
Me gusta que al escualo no lo muestres entero hasta el final de la peli.
Su sombra, simplemente su sombra, da mucho más miedo.
A ti, a la protagonista y a mis lectores les quiero aclarar que los torniquetes son medidas provisionales que solo son eficaces en las hemorragias arteriales.
En estas hemorragias la sangre se pierde a pulsos, de manera intermitente. Son muy graves y peligrosas.
El torniquete se debe de aflojar cada diez minutos, sino puede producirse necrosis de los tejidos.
Insisto es una medida provisional que solo debe durar un ratillo.
Ya sé que aquí esta estudiante de medicina de ultimo año hace lo que puede.
Has elegido muy bien a la protagonista (Blake Lively) porque incluso sangrando y herida está guapa.
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No me importa que hagas cine comercial, porque yo le encuentro, aunque sea recóndito, un sello autoral, que espero que mantengas y aumentes.
Confío que hayas superado tu problema con las rubias.
No sé si has terminado saliendo con Blake. Ojalá.
A mí no me importaría tenerla de nuera.
Si vienes por España y te acercas con ella estaría bien haceros una entrevista.
Mi hijo va de cámara y traductor, y ¿quién sabe? tal vez coordinen.
Todo ello en el supuesto que no tengas interés en ella, por supuesto.
Te doy la enhorabuena por tu peli.
Creo que es la mejor.
Espero que sigas superándote.
Un abrazo.
PD:
Me olvidaba que mi amiga Patricia la vio y le gustó (concretamente “entretenida“).
