Qué bello es vivir de Frank Capra es la película navideña por excelencia del siglo XX.
¿Love Actually podría ser el equivalente del siglo XXI?
Vemos Marta, Rubén y un servidor esta peli la noche del día de Navidad, en el salón de casa de mi madre.
Reconozco mi veneración por esta peli. Me resulta entrañable y divertida.
Las historias más o menos cruzadas con el tema central del amor y con el paisaje de la Navidad.
Es una producción británica plagada de grandes actores del Reino Unido: Hugh Grant, Liam Neeson, Colin Firth, Laura Linney, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Bill Nighy…
Hay un aspecto que me agrada especialmente: la reivindicación de lo británico en contraposición a lo norteamericano.
Billy Bob Thornton, actor de Arkansas, representa a un presidente USA arrogante que además se intenta liar con la novia del presidente británico.
Me encanta el humor british, elegante, con fina ironía, sin aspavientos, sin esperpentos, que impregna todo el metraje.
La peli es un pastelón. Todo muy dulce, muy almibarado.
Pero a mí me gusta, me enternece, me conmueve y además me la creo.
Sería un buen propósito verla todas las navidades.
Comparto totalmente los gustos de Hugh Grant. Refiero mil veces a la rotunda Martine McCutcheon, que a la flacucha Keira Knightley.
Sigo con Elena, en el salón de mi casa, esta serie.
Conforme avanza se va convirtiendo en diseccionadora de la realidad norteamericana.
En esta temporada nos muestra nuevos escenarios y los ya conocidos.
Las calles de Baltimore siguen siendo protagonistas con sus “esquinas” donde se vende y compra la droga y donde la vida no vale nada.
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A la policía se le acumulan los cadáveres en las calles de la ciudad y en las casas abandonadas con muy escasos resultados prácticos.
La Brigada de crímenes especiales se disuelve y cada uno de sus componentes ocupa puestos diferentes.
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El detective James ‘Jimmy’ McNulty parece que encuentra la armonía en su vida patrullando por las calles y con su pareja (la maravillosa oficial Beatrice ‘Beadie’ Russell interpretada por Amy Ryan).
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En esta temporada ocupan un lugar importante las escuelas de la ciudad y la experiencia de inserción que realiza el expolicía Ervin H. Burrell.
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Un personaje que cobra protagonismo es el indigente Reginald ‘Bubbles’ Cousins.
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El otro gran escenario es el de la política municipal con el Concejal Thomas ‘Tommy’ Carcetti, interpretado por Aidan Gillen (Meñique en Juego de tronos).
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Estos escenarios que se nos presentan componen un fresco realista y macabro de la sociedad norteamericana.
La dura realidad alejada de la gente guapa y de los barrios residenciales de Mujeres Desesperadas o del glamour neoyorkino de Sexo en Nueva York.
Dos ancianos deciden hacer la Ruta de Los Apalaches.
Uno es un escritor que se resiste a la jubilación, serio y responsable.
El otro un bebedor, mujeriego y fullero.
La peli parece que nos va a ofrecer el enfrentamiento entre estas dos personalidades y el viaje hacia la reflexión sobre lo que es la vejez y la vida.
Pero lejos de eso se convierte en una comedia bufa, con momentos supuestamente cómicos que solo llegan a lo ridículo.
Hay una extraña sensación de falsedad en casi todas las escenas.
Las enormes mochilas que transportan da la impresión que no pesan nada y la cámara intenta evitar cualquier elemento físico que demuestre la fragilidad de estos señores de edad.
La peli está vacía de contenido. Ni siquiera sirve para mostrar la eficacia de sus dos protagonistas.
Robert Redford ejecuta uno de los peores personajes de su vida y lo hace con desgana, sin la más mínima convicción.
Nick Nolte está francamente deteriorado, incapaz de caminar dos cientos metros sin presentar disnea. Demuestra que es un buen actor y es tal vez lo único que se salva de esta película sin rumbo.
Emma Thompson es solo una secundaria sin casi papel, pero cuando sale en pantalla demuestra tener un carisma arrollador.
Interviene en el comienzo de la peli antes de la partida de los dos excursionistas y esa es la mejor parte.
Una pena de peli. Una idea buena totalmente desaprovechada. Dos actores míticos que intentan salvarse del naufragio donde se han metido.
A Ken Kwapis le recomiendo que siga haciendo telefilmes de tercera y evite llegar a la gran pantalla.
La historia ya la conozco, pero eso no me impide disfrutarla y seguir considerando que estamos ante un PELICULÓN.
Mi intención era, sobre todo, analizar el 3D.
El efecto en tres dimensiones se percibe al principio, después de unos cuantos minutos mi cerebro se acostumbra y el efecto tridimensional me pasa desapercibido.
No me asombra. No me aporta nada más.
En algún momento alguna imagen me resulta ridícula.
Compruebo levantándome las gafas que se ve mucho más oscuro.
Hubiera preferido verla sin este artefacto que solo es un obstáculo para el disfrute total de la peli.
A pesar del 3D, insisto: Jeffrey Jacob Abrams, la Fuerza está contigo.
Había en la sala un numeroso grupo de adolescentes, esa edad en la que se parece un poco falto.
Estos muchachos no pararon de meter ruido y comer palomitas.
De vez en cuando alguno salía de la sala, pero justo en las escenas de acción.
Acudo al Teatro Moderno a ver esta peli. Hacía años que no lo visitaba.
Lo encuentro remozado y con buen aspecto.
#Sequence se compone de 17 cortos rodados en un plano secuencia de menos de 3 minutos.
Se realizó para celebrar el El día más corto [ED+C].
Lo que caracteriza este tipo de películas es la irregularidad.
Los cortos se suceden con demasiada rapidez sin capacidad para digerirlos.
Los hay divertidos, otros horrorosos y alguno que no lo he entendido.
Este formato tan pequeño y denso impide el aburrimiento.
Tenía unos abuelos delante de mí. Iban comentando cada historia. Había una que parecía la más lista que les iba diciendo lo que ya habíamos visto.
Después de la proyección se estableció un coloquio que moderó Alberto Sanz, presidente del Cine Club Alcarreño, en el que intervinieron prestigiosos cortametrajistas alcarreños:
Pedro Solís (con 179 premios por su corto Cuerdas)
Luis Moreno (Director del FESCIGU)
Julián de la Fuente (con amplia carrera en la producción y en la dirección)
Israel Calzado (periodista y crítico de cine). (Pongo una cutrefoto).
Comentaron #Littlesecretfilm, un modelo de producción cinematográfica basado en 10 normas que limitan las condiciones de rodaje y distribución, que animan a todos los realizadores/as del mundo a sumarse a un ejercicio de riesgo cinematográfico extremo.
Me fui antes que terminara el debate. Tenía prisa, ya se hacía tarde y hacía un frío terrible causa del resfriado que padezco y que temo me va a perseguir estas navidades.
Paula Ortiz realiza un ejercicio de estilo para imprimir a su peli algo especial, algo que no se pueda olvidar.
Corre el riesgo de pasarse de frenada y agobiar al espectador, porque todo en su narración es exceso, es incontinencia.
Es como una fuerza arrasadora que te puede agotar, dejar vacío.
Pero en ese exceso, en la desmesura, está su mayor acierto.
Convierte su relato en más lorquiano que el propio Lorca.
La fatalidad inunda la narración en donde predomina más la pasión que la razón.
La “tierra” es la excusa perfecta para que las pasiones desatadas sean tan intensas que envuelvan a los personajes en un terremoto de delirio.
El texto y las canciones de Lorca están engrandecidas con una puesta en escena bestial, arrolladora.
Los actores están inconmensurables, sobre todo las actrices.
Además de Inma Cuesta, de la que no va haber calificativos suficientes, quiero destacar a Leticia Dolera que nos tiene acostumbrados a papeles de comedia y aquí se nos ofrece como una actriz dramática que enfrenta su contención al torrente de su prima y oponente la ya nombrada Inma Cuesta.
No es una peli que vaya a gustar a todo el mundo.
Detrás se sentó en la sala una pareja. El señor nada comenzar la peli empezó a quejarse:
– Si sé que esto es así vemos otra. Vaya dinero más mal empleado.
Como había asientos vacíos cambié de localidad.
Este individuo siguió protestando en voz más alta. A pesar de la distancia lo seguía oyendo.
Estuve por levantarme para rogarle que callara, pero estaba manifiestamente molesto y no quise echar leña al fuego.
Desde aquí le digo:
– Es usted un maleducado.
(Me asombra mi ponderación).
Espero que si vais al cine os pase como a mí que me ha apasionado y no como a este cretino.
Sufragistas en un homenaje a las mujeres que a principios del siglo pasado pelearon por obtener el voto.
Está bien que se nos recuerde que los derechos sociales se alcanzan con la lucha y con la reivindicación.
La sociedad avanza gracias a los que se esfuerzan para que así sea.
Lo que ahora nos parece de lo más normal hace cien años era visto como algo estrambótico y lamentablemente aún hay países en los que las mujeres no pueden votar.
En España las mujeres tienen sueldos menores que los hombres y sobre ellas se ejerce una violencia machista intolerable.
La idea de la peli me parece de lo más acertada.
Además la protagonista es una chica trabajadora con una vida desgraciada que se hace sufragista por amistad y por las circunstancias de la vida y esa actividad reivindicativa la vuelve más desdichada aún.
Sarah Gavron filma la peli con una torpeza manifiesta.
Rueda con una cámara tambaleante, con profusión de primeros planos y desenfocados. Todo lo cual me molesta profundamente.
A su peli le falta emoción y energía. Hay momentos sensibleros que me emocionaron (ye es conocida mi labilidad afectiva).
El peso de la peli recae sobre una estupenda Carey Mulligan que lo da todo y que resulta muy convincente.
La presencia de Meryl Streep es meramente testimonial. Que nadie espere ver una peli esta gran dama de la escena. Su aparición no llega a dos minutos.
Una peli bien intencionada, pero lamentablemente mal rodada. Eso sí: necesaria.
Llevo como quince días entregado a leer y ver todo lo relacionado con esta séptima entrega de la saga.
Acudo a la proyección el día del estreno especialmente emocionado por la compañía de mis hijos y algunos amigos con los que me encuentro por casualidad.
Al mismo tiempo me recorre un escalofrío de temor ante la posibilidad que la peli de J. J. Abrams me defraude.
Afortudamente, eso no ocurre.
Desde los primeros fotogramas comienzo a emocionarme, lo que estoy viendo es muy grande.
Cuando sale Harrison Ford interpretando a Han Solo (el mejor personaje de la saga) no puedo evitar sacar el pañuelo para secarme las lágrimas.
Abrams vuelve a utilizar su método preferido para enganchar al espectador: la caja negra.
Nos presenta a los personajes cargados de historia y de vida, pero no nos deja ver como va evolucionar la historia.
Vamos avanzando y poco a poco nos ofrece la trayectoria de la trama que no podemos suponer para al final rendir un gran homenaje a la peli de 1977 (La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza) convirtiéndola en una especie de remake actualizado, pero sin defraudar el verdadero espíritu de la saga.
Se nota la intervención en el guión de Lawrence Kasdan.
Es curioso como los más fervientes seguidores de la sextalogía, los más puristas, son los que siempre ofrecen más dudas sobre la verosimilitud de la trama, poniendo en duda las claves internas que dan vida propia a Star Wars.
Abrams sabe combinar, con maestría, los nuevos componentes con los elementos tradicionales, a los que no quiere renunciar, y los trata con el respeto que se merecen.
La segunda trilogía, que cronológicamente es la primera, contaba con un personaje femenino potente, que no era una princesa en apuros que era rescatada por unos caballeros andantes. Era una mujer de armas tomar.
En esta séptima entrega Rey ocupa el puesto protagonista con toda firmeza, siendo la que salva en varias ocasiones al flojucho Finn.
Harrison Ford llevaba varios años dedicado a hacer pelis de segunda fila con un muy escaso entusiasmo. Se le veía abatido, sin ganas. Pero en El despertar de la Fuerza se entrega, se le ve animado y con ganas, parece que este personaje, paradógicamente, le haya dado una nueva vitalidad.
Se podrá decir que no hay elementos nuevos, radicalmente novedosos, en la historia, pero la Guerra de las Galaxias no necesitaba un gran cambio, solo se pedía un lavado de cara que continuara con unas películas que emocionan y entretienen, con unos personajes con los que te puedes identificar, a los que puedes querer.
La peli incluye una sorpresa, que no voy a desvelar, que encaja muy bien en la idea de las series de éxito actuales. Ésa que parte del principio que nadie es imprescindible y que una serie o una saga puede continuar aunque desaparezca alguno de los personajes que se consideraban insustituibles. Como paradigma de lo que digo está Juego de tronos.
A mí Star Wars: El despertar de la Fuerza me ha dado todo lo que esperaba y más: muy buenos nuevos personajes, el homenaje a los ya veteranos y una historia que no está cerrada y que promete avanzar.
Que lo sepas Jeffrey Jacob Abrams, la Fuerza está contigo.
Rafa, Daniel y yo nos ponemos a ver esta peli de animación que nos ofrece el Cine Club Alcarreño.
Antes de contar mi opinión voy a dar un resumen de premios y críticas obtenidos por esta producción irlandesa.
Premios:
2015: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación.
2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación.
2014: Premios César: Nominada a Mejor film de animación.
2014: Festival de Gijón: Mejor largometraje de animación.
2014: Premios Annie: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película.
2014: Satellite Awards: Mejor largometraje de animación.
Críticas:
“Moore dirige otra gema única y confirma que en él no sólo hay un autor de marcada identidad estética sino también el más humilde y creativo foco de resistencia a la hegemonía estética de la animación Pixar.”
Jordi Costa: Diario El País.
“Una encantadora historia (…) y una manufactura sorprendente, de una estética rica en geometría y cromatismo que maravilla al ojo infantil y subyuga al ojo adulto (…)”
E. Rodríguez Marchante: Diario ABC.
“Maravilloso filme artesanal, poético, bello, delicado, puro (…) apta, no, obligatoria, para todas las edades”
Carmen L. Lobo: Diario La Razón.
“Un atrevimiento estético bello y riguroso que recuerda a otra obra maestra reciente de Ghibli: ‘El cuento de la princesa Kaguya”
Daniel De Partearroyo: Cinemanía.
“Una película bellísima, preciosa (…) una joya animada que se graba a fuego en la memoria y ofrece algunas de las secuencias más bellas del cine reciente; animado o no.”
Pablo González Taboada: Cinemanía.
“Una digna continuación de ‘El secreto del libro de Kells’ (…) Moore aplica su alucinante estilo artesanal a otra fábula inspirada en una leyenda irlandesa”
Peter Debruge: Variety.
“Otra satisfactoria patada en la cara de la animación por ordenador del director irlandés Tomm Moore (…) Un poco más accesible que la historia de Kells e igualmente magnífica”
Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter.
Empezamos a ver la peli. A los pocos minutos di una cabezada. Afortunadamente de unos cinco minutos.
Enseguida cogieron el relevo mis amigos.
Rafa, no roncaba, pero respiraba fuerte. Durmió plácidamente hasta el final de la peli.
Daniel fue despertado por el móvil interrumpiendo un profundo sueño.
Me mantuve despierto hasta el final de la peli.
Los tres concluimos que tenía un carácter hipnótico.
Resulta difícil hablar mal de una peli tan premiada y con unas buenas críticas unánimes, pero he de ser sincero.
A mí personalmente este tipo de dibujo tan alejado de Pixar o del maestro Hayao Miyazaki, no me disgusta.
Es una animación colorista, simbólica, a veces con trazos geométricos que me resulta muy agradable.
Se trata de un cuento que el niño protagonista realiza para digerir la realidad en la que vive.
Huérfano desde que su madre falleciera al nacer su hermana. Su padre vive aislado como farero y decide enviar a sus hijos con la abuela en la ciudad.
Los niños se escapan y en el viaje viven una aventura llena de personajes imaginarios que son la representación literario-onírica de sus familiares y conocidos.
A mí me aburrió. Tuve que realizar grandes esfuerzos por mantenerme despierto, pero ante la claudicación de mis amigos no me quedó más remedio que aguantar.
Mantiene un tono infantiloide, que tampoco creo que atraiga a los niños, a los que casi seguro no divertirá.
Las situaciones se alargan y resultan tediosas.
Se intenta mantener un tono poético que resulta un fiasco.
Los últimos minutos se hacen eternos.
Lo siento, pero a mí no me gustó.
Casi apostaría que solo encanta a los críticos que encuentran valores que yo no hallo.
Jesús Eguiguren participó y fue clave en los contactos previos que el PSE-EE realizó con miembros de Batasuna iniciados en 2002, siendo entonces José María Aznar (PP) Presidente del Gobierno de España.
Estos contactos, posteriormente, con la presidencia del Gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero (PSOE), llevaron en 2006 a la declaración de un alto el fuego permanente deETA y el denominado «proceso de paz».
Este proceso se encalló y en la práctica fue roto con el atentado de la T4, realizado por ETA mientras mantenía la tregua.
Aunque tras él se realizaron algunas conversaciones más, no pudo lograrse encauzar y ETA declaró, en un comunicado en junio de 2007, el reinicio de su actividad.
Sin embargo, el 20 de octubre de 2011 ETA anunció el cese definitivo de su actividad armada.
En abril de 2013, Eguiguren y el exportavoz de Batasuna Arnaldo Otegi fueron galardonados con el premio Gernika por la Paz y la Reconciliación por «su aportación en la consecución de la Paz en Euskal Herria».
De estas conversaciones habla esta peli.
Borja Cobeaga mientras hacía el guión de Ocho apellidos catalanes, en los ratos libres confeccionó el de esta peli que luego dirigió en solitario.
Este guionista y director ha sabido llegar, con humor, al núcleo de los problemas vascos con el programa Vaya semanita de Euskal Televista.
Jesús María Eguiguren, en la ficción llamado Manu Aranguren interpretado por Ramón Barea, negoció primero con José Antonio Urruticoechea Bengoechea, alias Josu Ternera, llamado en la peli Jokin (Josean Bengoetxea), y posteriormente con Francisco Javier López Peña, alias Thierry (Patxi al que pone cara Carlos Areces).
Estos dramáticos, incluso trágicos, hechos son presentados por su director en tono de comedia.
Siguiendo la tradición de grandes del cine como Garía Berlanga o Billy Wider, Cobeaga es capaz de hacer del drama comedia.
Manu Aranguren es un hombre esforzado por conseguir la paz.
Jokin es reservado, hosco y arisco, pero tiene una verdadera voluntad a llegar a buen fin las conversaciones.
Patxi, en cambio, parece más campechano, pero es más bestia y negociar con él resulta mucho más difícil.
Entre medio un mediador internacional que solo habla inglés y una traductora.
La comicidad nace de las propias contradicciones en el lenguaje, un elemento que resulta fundamental.
Pero también tienen gracia las relaciones personales y las situaciones que viven los protagonistas, entre ridículas e increíbles.
Hay algo de cutre, de andrajoso en toda la narración.
Cobeaga compone un retrato fiel, directo, cotidiano de lo que pudieron ser unas negociaciones y posiblemente lo fueron.
Una peli divertida que te hace reír mientras te corre un escalofrío de terror por la espalda.
Destacar las interpretaciones de los tres protagonistas y especialmente la de Carlos Areces, incomensurable en su papel de chulo de barra de bar con pistola, jefe de ETA.
Documental español, dirigido por Toni Bestard y Marcos Cabotá.
David Prowse es el hombre que encarnó a Darth Vader en las pelis de Star Wars. El villano más malvado de la Galaxia y de la historia del cine.
Prowse fue actor, la mayoría de las veces escondido tras una máscara o un grueso maquillaje, culturista, halterofílico, entrenador deportivo, superhéroe en campañas de tráfico…
Interpretó a Darth Vader, pero no se usó su voz (James Earl Jones y Constantino Romero) y en el único momento en que se retira la máscara se utilizó a otro actor (Sebastián Shaw).
Sus relaciones con Lucas terminaron como el rosario de la aurora.
Ahora es una anciano afable. Los directores de este documental le van a hacer una propuesta que no podrá rechazar.
Un documental divertido, ilustrativo que rinde homenaje al actor y los muchos olvidados en la historia del cine.
Muy a propósito antes del estreno de Star Wars: El despertar de la Fuerza. Episodio VII, que esperamos con ilusión.
Vemos esta peli los amigos de Azuqueca en el cine del EJE.
No me cansaré de dar las gracias y repetir que es un auténtico lujo.
En la peli anterior (Fresas salvajes – 1957 – Ingmar Bergman) pasamos mucho frío. Varios compañeros vienen con manta preparada, que afortunadamente no hace falta porque contamos con calefacción.
Siempre he mantenido que son cuestiones diferentes el artista y la persona.
Podemos encontrar detestable al individuo, pongo el caso de Dalí, y encantarnos su obra.
En el cine también tenemos algún caso muy notorio.
Allen tuvo como pareja entre 1982 y 1992 a la actriz Mia Farrow.
Se separó de la misma después de que Farrow le descubriera fotografías pornográficas de una de las hijas adoptivas de ella, desnuda.
Allen negó cualquier vinculación sexual o sentimental con su hijastra (a quien conocía desde los cuatro años).
Pero al poco tiempo de separarse de Farrow “blanqueó” su relación sentimental con Soon Yi, con quien se casó en 1997.
En 1991, cuando la relación salió a la luz, Allen tenía 56 años y Soon Yi, 20.
Tras la separación, Farrow denunció penalmente al director por acoso sexual a la hija de la pareja, Dylan Farrow, que tenía 7 años en la época de los abusos.
Dylan Farrow, relató en febrero de 2014 a través de una carta abierta los abusos sexuales a los que la sometió el cineasta cuando tenía 7 años.
Segun Dylan, los hechos ocurrieron cuando vivía junto a Allen y la actriz Mia Farrow.
El caso salió a la luz en 1993, pero los cargos criminales en contra del director fueron retirados por Farrow, aunque la justicia reconoció las pruebas y prohibió a Allen el derecho de visitas sobre su hija.
La carta ha sido la primera vez que Dylan Farrow se ha referido al tema ante la prensa, y la decisión estuvo inspirada por los reconocimientos que ha recibido Allen durante los últimos tiempos. Allen siempre negó las acusaciones.
No tendría ningún derecho de contar estas cuestiones en una crítica cinematográfica, pero en esta peli Allen nos hace un relato “autobiográfico” que pudiera ser justificativo. La peli se realiza después de la polémica.
Quede claro que el Allen cineasta me gusta y el conjunto de su obra me parece sobresaliente.
Esta peli la vi hace años y casi no la recordaba.
Repleta de diálogos que no dejan un momento de descanso y que llegan a agotar.
Allen nos cuenta sus conflictos sentimentales y sus relaciones con las mujeres.
Mezcla continuamente la ficción con la falsa realidad del relato cinematográfico, creando confusión en el espectador, o por lo menos en mí.
Está claro que no es la transposición literal de su vida amorosa, porque que él la enriquece y la retuerce para contarla a su conveniencia.
Las mujeres de esta peli son todas unas histéricas, con actitudes excesivas, habiendo incluso tiros.
Cuando le acusan de adulterio él responde con contestaciones claramente machistas, culpando a sus parejas.
El único personaje que parece salir bien parado es la joven amante (Elisabeth Shue) que le abandona para casarse con Billy Crystal.
El colmo de la desfachatez del director y protagonista es cuando en una escena, por otra parte muy divertida, la esposa le explica a su hermana (y amante del adúltero) que se ha liado con una veinteañera.
Allen ridiculiza a las mujeres las presenta como comparsas de su vida en el colmo del egocentrismo y de la misoginia.
Tal vez sea una revancha miserable por la situación que había padecido (merecidamente).
Woody es un tío listo y nos intenta desarmar con el humor, con el tono de comedia que sabe dar a las situaciones más dramáticas.
Ésta es la típica peli que se olvida o, tal vez, solo recordada por ser una comedia divertida.
Pero no deberíamos disculpar sus actitudes misógenas por que obtenga una sonrisa cómplice. Eso es lo que pretende de nosotros complicidad y justificación.
Cast: David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia
Screenplay: Dario Argento, Bernardino Zapponi
Lenght: 126 min.
Section: Classics / Maestros del Fantástico
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El veterano director, Darío Argento, ha sido homenajeado en este Nocturna 2014.
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Acudió a recibir el premio y a presentar su peli. Os pongo el vídeo de presentación con escenas de su carrera.
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Rojo oscuro es el título que recibió esta peli en España.
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Se trata de una magnífica representación del giallo, que se introdujo en los setenta, con todas sus características.
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Más que un desarrollo coherente de la trama lo que importa es lo formal, lo estilístico.
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El uso de la violencia con un carácter morboso e irreal, con esa sangre tan roja que resulta artificiosa.
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Las referencias psicoanalíticas simplistas.
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Hay marcas de la casa como el lanzamiento desde altura a través de un cristal o el recurso a la memoria, el recuerdo para resolver la trama.
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Reconozco no haber visto esta peli y me sorprendió muy gratamente.
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El argumento, enrevesado, te lleva donde quiere el director, con unos personajes creíbles que no son nada heroicos.
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La puesta en escena es maravillosa. Alterna los decorados con figurantes estáticos casi invisibles con la presencia de muchos extras metiendo ruido.
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Hay momentos de comedia que rodean la presencia de una cautivadora Daria Nicolodi, que soporta los comentarios machistas del cretino, pero protagonista, David Hemmings.
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Esa atmósfera artificiosa, casi delirante, da un atractivo especial a las imágenes. Los personajes se mueven en planos medios y generales, respetando al espectador y solo se usan primeros planos para motivarle.
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Tentado estoy a ver más filmografía de este director.
Unos compañeros antes de comenzar la proyección me comentaban que esta peli tenía la pinta de ser un nuevo Crepúsculo. Ya sabéis esa saga aburrida de hombres lobos y vampiros, pensada para un púbico adolescente el consume el producto sin meditar en su calidad sino dejándose llevar por una moda, donde la castidad es una virtud fundamental.
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¿Porqué llevas pantalones cagaos? No te sientan bien, no te hacen el culo bonito, no se liga más, pero están de moda.
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Hubo una época que si tenías 16 años y no seguías Crepúsculo no eras nadie.
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A estos amigos les dije que si era así abandonaba la proyección.
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Los primeros minutos apuntaban a la catástrofe, pero desde que el prota, un soso Lucas Till, se ve bañado en la sangre de sus padres a los que acaba de devorar, me di cuenta que no tendría que irme de la sala. Por cierto, en estos primeros fotogramas hay más sexo que en las cuatro de Crepúsculo.
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La peli es sumamente divertida, moderadamente violenta, los personajes no son nada del otro jueves.
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Su desarrollo no decae y todos los secundarios están estupendos.
Vemos esta peli en el Club de amigos del cine de Azuqueca de Henares.
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Basilio Martín Patino no es solo un documentalista. Analizando su producción audiovisual no cabe duda que es un cineasta en el sentido más grande y más amplio del término.
Este documental fue prohibido por el Régimen y se estrenó en salas 6 años más tarde. Tuvo mucho éxito de público.
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Recuerdo perfectamente cuando fui al Cine Coliseo Equitativa de Zaragoza a verlo. Fui solo como era mi costumbre, que aún sigo manteniendo.
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Todas las canciones y las imágenes que se ofrecen forman parte de mi infancia. Eso le da un tono nostálgico. Una infancia en blanco y negro, donde antes de la peli veíamos al Caudillo inaugurando pantanos o a la selección metiendo goles. Ahora no hay NO-DO pero están los telediarios.
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Martín Patino nos muestra con un montaje prodigioso la historia de la posguerra. Las canciones son las del bando ganador y las que emergían de una sociedad que luchaba por ser libre.
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Lo que más me impresiona es oír cantar La bien pagá con esas imágenes de fondo del hambre y la miseria de un país desolado.
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Sumamente entretenido. Resulta sorprendente que siga siendo actual 40 años después.
Screenplay:
Hugo Stuven Casasnovas, Víctor Matellano
Section: Nocturna Premiere
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Jack Taylor interpreta al Dr. Knox. Caníbal de altos vuelos que mantiene la teoría que el mejor plato de carne humana es el que se sirve sin que la víctima haya fallecido (aún).
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Más tarde, basándose en la nueva moda de tomar alimentos casi estropeados que tanto ha fomentado, el no suficientemente valorado eurodiputado, Cañete, se pasa a comer carne de cadáver podrido. Como lo pille Chicote le monta un pollo de órdago.
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Por otro lado un periodista intrépido va a aguantar una noche en un museo de cera donde se puede pasar un mal rato. Vamos, como Noche en el Museo pero con las figuritas de famosetes.
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No se rodó en Madrid porque desde que retiraron la imagen de Urdangarín ya no se pasa miedo.
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Todo resulta muy trillado. La atención no se consigue mantener. Mantuve el tipo y no me dormí, la cabezada del corto anterior me había repuesto.
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No pasé miedo, aunque Jack Taylor está muy mayor y da algo de grima.
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Un poco de asquete me dieron las transgresiones culinarias.
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Pero el auténtico pánico se hubiera desatado si aparece Chicote, la que hubiera liado.
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A Cañete se la recomiendo. Se comen cosas caducadas.
Jaume Balagueró presentó su película. Era objeto de homenaje por el Festival Nocturna.
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Marta Etura le entregó el premio, un ridículo muñequito de un dragón o algo parecido. Va una foto.
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Prometieron contestar preguntas de los espectadores al final de la proyección, pero se fueron con Tosar a tomar un café y ya no aparecieron, ante la estupefacción del director del Festival, Luis Rosales.
El equipo técnico y artístico presentaron este corto. Un grupo de jóvenes emocionados que nos prometieron violencia. Os pongo una foto.
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Especialmente gracioso estuvo el creador de la banda sonora que agradeció a las empresas fabricantes de bebidas con cafeína su colaboración. Tuve la oportunidad de charlar unos minutos con él. En realidad es un viejo conocido del Nocturna 2013.
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Los créditos duran cinco minutos y la peli tres. El director de la música realizó primero la que corresponde a los cartelitos que era la más larga.
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Metamorphose pretende ser gore social. Un nuevo género que acaban de inventar, tal vez sin saberlo.
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En muy poco tiempo, a base de planos de muy corta duración, nos cuenta una historia de maltratos y venganza.
Unos periodistas visitan una agrupación de personas felices que viven en un remoto lugar.
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Ese mundo idílico se transforma en pocas horas en un infierno de muerte. Este contraste es de lo más impactante.
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Rodada como un falso documental para aumentar la sensación de verismo nos sabe sumergir en este mundo de falsas apariencias y creencias.
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Me pareció creíble todo lo que veía y me impresionaron las escenas finales.
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Crudo, sencillo, honesto, realista.
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Muy convincente el líder del cotarro. Estuve por apuntarme.
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Como no sabemos vivir sin encontrar algún pero. No profundiza en los personajes ni en las causas de sus actitudes. Observa la realidad con la distancia de una cámara.
